ยุคของ High Renaissance (ปลายศตวรรษที่ 15 - ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 16) เป็นช่วงเวลาแห่งความสมบูรณ์แบบและเสรีภาพ เช่นเดียวกับศิลปะรูปแบบอื่น ๆ ของยุคนี้ ภาพวาดมีความศรัทธาอย่างลึกซึ้งในมนุษย์ ในพลังสร้างสรรค์และพลังแห่งจิตใจของเขา ในภาพวาดของปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาระดับสูง อุดมคติของความงาม มนุษยนิยม และความสามัคคีปรองดอง บุคคลในนั้นคือพื้นฐานของจักรวาล

จิตรกรในยุคนี้ใช้สื่อทุกรูปแบบอย่างง่ายดาย: สี เติมด้วยอากาศ แสงและเงา และการวาดภาพ อิสระและคมชัด พวกเขาเป็นเจ้าของมุมมองและปริมาณได้อย่างสมบูรณ์แบบ ผู้คนหายใจและเคลื่อนไหวบนผืนผ้าใบของศิลปิน ความรู้สึกและประสบการณ์ของพวกเขาดูมีอารมณ์อย่างลึกซึ้ง

ยุคนี้ทำให้โลกทั้งสี่อัจฉริยะ - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian ในภาพวาดของพวกเขา คุณลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง - อุดมคติและความกลมกลืน รวมกับความลึกและความมีชีวิตชีวาของภาพ - แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุด

เลโอนาร์โด ดา วินชี

เมื่อวันที่ 15 เมษายน ค.ศ. 1452 ในเมือง Vinci เมืองเล็กๆ ของอิตาลี ซึ่งตั้งอยู่ใกล้กับเมืองฟลอเรนซ์ บุตรชายนอกกฎหมายชื่อ Piero da Vinci ถือกำเนิดขึ้น พวกเขาตั้งชื่อเขาว่า Leonardo di ser Piero d'Antonio แม่ของเด็กชาย Katerina บางคนแต่งงานกับชาวนาในเวลาต่อมา พ่อไม่ได้ทอดทิ้งลูกนอกสมรสเขาพาเขาขึ้นและให้การศึกษาที่ดีแก่เขา หนึ่งปีหลังจากการเสียชีวิตของอันโตนิโอปู่ของเลโอนาร์โดในปี 1469 ทนายความจากครอบครัวไปฟลอเรนซ์

ตั้งแต่อายุยังน้อย Leonardo ปลุกความหลงใหลในการวาดภาพ เมื่อสังเกตเห็นสิ่งนี้ พ่อจึงส่งเด็กชายไปเรียนกับปรมาจารย์ด้านประติมากรรม ภาพวาด และเครื่องประดับที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในขณะนั้น Andrea Verrocchio (1435-1488) ความรุ่งโรจน์ของเวิร์กช็อปของ Verrocchio นั้นยอดเยี่ยมมาก จากชาวเมืองผู้สูงศักดิ์ได้รับคำสั่งมากมายสำหรับการดำเนินการภาพวาดและประติมากรรม ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Andrea Verrocchio ได้รับเกียรติจากนักเรียนของเขา ผู้ร่วมสมัยถือว่าเขาเป็นผู้สืบทอดที่มีความสามารถมากที่สุดของแนวคิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฟลอเรนซ์ในการวาดภาพและประติมากรรม

นวัตกรรมของ Verrocchio ในฐานะศิลปินเกี่ยวข้องกับการคิดใหม่เกี่ยวกับภาพซึ่งได้คุณสมบัติที่เป็นธรรมชาติจากจิตรกร จากการประชุมเชิงปฏิบัติการของ Verrocchio มีงานน้อยมากที่รอดชีวิตมาได้จนถึงทุกวันนี้ นักวิจัยเชื่อว่า "บัพติศมาของพระคริสต์" ที่มีชื่อเสียงถูกสร้างขึ้นในการประชุมเชิงปฏิบัติการนี้ นอกจากนี้ยังเป็นที่ยอมรับว่าภูมิทัศน์ในพื้นหลังของภาพวาดและเทวดาในส่วนด้านซ้ายเป็นของแปรงของเลโอนาร์โด

ในงานแรกนี้บุคลิกเชิงสร้างสรรค์และวุฒิภาวะของศิลปินที่มีชื่อเสียงในอนาคตได้แสดงออกมาแล้ว ภูมิทัศน์ที่วาดโดยมือของเลโอนาร์โดแตกต่างไปจากภาพวาดธรรมชาติของแวร์รอคคิโออย่างชัดเจน เป็นของศิลปินรุ่นเยาว์ ราวกับว่าถูกปกคลุมไปด้วยหมอกจางๆ และเป็นสัญลักษณ์ของความไร้ขอบเขตและไร้ขอบเขตของอวกาศ

ภาพที่สร้างขึ้นโดย Leonardo ก็เป็นต้นฉบับเช่นกัน ความรู้เชิงลึกเกี่ยวกับกายวิภาคศาสตร์ ร่างกายมนุษย์เช่นเดียวกับจิตวิญญาณของเขาอนุญาตให้ศิลปินสร้างภาพนางฟ้าที่แสดงออกอย่างผิดปกติ ความเชี่ยวชาญในการเล่นแสงและเงาช่วยให้ศิลปินวาดภาพร่างที่มีชีวิตชีวาและมีชีวิตชีวา ดูเหมือนว่าทูตสวรรค์จะแข็งตัวเพียงชั่วขณะหนึ่ง อีกไม่กี่นาทีจะผ่านไป - และพวกเขาจะมีชีวิตขึ้นมาพวกเขาจะเคลื่อนไหวพูดคุย ...

นักวิจารณ์ศิลปะและนักเขียนชีวประวัติของดา วินชีอ้างว่าในปี 1472 เลโอนาร์โดออกจากเวิร์คช็อปของแวร์รอคคิโอและกลายเป็นผู้เชี่ยวชาญในเวิร์คช็อปของจิตรกร จากปี ค.ศ. 1480 เขาหันไปหาประติมากรรมซึ่งตามลีโอนาโดเป็นวิธีที่ง่ายที่สุดในการแสดงพลวัตของการเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์ ตั้งแต่นั้นมา เขาได้ทำงานที่ Academy of Arts ซึ่งเป็นชื่อของเวิร์กช็อปที่ตั้งอยู่ในสวนที่จัตุรัสซานมาร์โค ซึ่งสร้างขึ้นจากความคิดริเริ่มของลอเรนโซผู้ยิ่งใหญ่

ในปี ค.ศ. 1480 เลโอนาร์โดได้รับคำสั่งจากโบสถ์ซานโดนาโตสโคเปโตสำหรับองค์ประกอบทางศิลปะ "ความรักของพวกโหราจารย์"

เลโอนาร์โดอาศัยอยู่ไม่นานในฟลอเรนซ์ ในปี 1482 เขาเดินทางไปมิลาน อาจเป็นไปได้ว่าการตัดสินใจครั้งนี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากข้อเท็จจริงที่ว่าศิลปินไม่ได้รับเชิญไปยังกรุงโรมเพื่อทำงานเกี่ยวกับภาพวาดของโบสถ์น้อยซิสทีน ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งในไม่ช้าอาจารย์ก็ปรากฏตัวต่อหน้าดยุคแห่งผู้มีชื่อเสียง เมืองอิตาลีลูโดวิโก้ สฟอร์ซา ชาวมิลานต้อนรับเลโอนาร์โดอย่างอบอุ่น เขาตั้งรกรากและอาศัยอยู่เป็นเวลานานในย่าน Porta Ticinese และในปีหน้า ค.ศ. 1483 เขาได้เขียนแท่นบูชาสำหรับโบสถ์อิมมาโคลาตาในโบสถ์ซานฟรานเชสโกกรันเด ผลงานชิ้นเอกนี้ต่อมากลายเป็นที่รู้จักในนามมาดอนน่าออฟเดอะร็อคส์

ในช่วงเวลาเดียวกัน เลโอนาร์โดกำลังทำงานเกี่ยวกับอนุสาวรีย์ทองสัมฤทธิ์ของฟรานเชสโก สฟอร์ซา อย่างไรก็ตาม ภาพสเก็ตช์ หรือภาพสเก็ตช์ทดสอบและการหล่อไม่สามารถแสดงความตั้งใจของศิลปินได้ งานยังคงไม่เสร็จ

ในช่วงระหว่างปี ค.ศ. 1489 ถึง ค.ศ. 1490 Leonardo da Vinci ได้วาดภาพ Castello Sforzesco ในวันแต่งงานของ Gian Galeazzo Sforza

Leonardo da Vinci เกือบทั้งปี 1494 อุทิศให้กับอาชีพใหม่สำหรับตัวเอง - ไฮดรอลิกส์ ด้วยความคิดริเริ่มของ Sforza เดียวกัน Leonardo ได้พัฒนาและดำเนินโครงการเพื่อระบายอาณาเขตของ Lombard Plain อย่างไรก็ตามในปี 1495 ปรมาจารย์ด้านวิจิตรศิลป์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดกลับมาวาดภาพ ปีนี้กลายเป็น ชั้นต้นในประวัติศาสตร์ของการสร้างปูนเปียกที่มีชื่อเสียง " กระยาหารมื้อสุดท้าย” ซึ่งประดับประดาผนังห้องโรงอาหารของอารามซึ่งตั้งอยู่ใกล้กับโบสถ์ Santa Maria delle Grazie

ในปี ค.ศ. 1496 เลโอนาร์โดออกจากเมืองโดยเกี่ยวข้องกับการบุกครองดัชชีแห่งมิลานโดยกษัตริย์ฝรั่งเศสหลุยส์ที่สิบสอง เขาย้ายไปที่ Mantua ก่อนแล้วจึงตั้งรกรากในเวนิส

ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1503 ศิลปินอาศัยอยู่ในฟลอเรนซ์ และร่วมกับมีเกลันเจโล ได้ทำงานเกี่ยวกับการวาดภาพห้องโถงใหญ่ใน Palazzo Signoria เลโอนาร์โดควรจะบรรยายถึง "Battle of Anghiari" อย่างไรก็ตาม อาจารย์ผู้ค้นหาอย่างสร้างสรรค์อยู่เสมอ มักจะละทิ้งงานที่เขาเริ่มไว้ ดังนั้นมันจึงเกิดขึ้นกับ "Battle of Anghiari" - ภาพเฟรสโกยังไม่เสร็จ นักประวัติศาสตร์ศิลป์แนะนำว่าเมื่อถึงเวลานั้น Gioconda ที่มีชื่อเสียงก็ถูกสร้างขึ้น

จาก 1506 ถึง 1,507 Leonardo อาศัยอยู่ในมิลานอีกครั้ง ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1512 Duke Maximilian Sforza ได้ปกครองที่นั่น 24 กันยายน ค.ศ. 1512 เลโอนาร์โดตัดสินใจออกจากมิลานและตั้งรกรากกับนักเรียนของเขาในกรุงโรม ที่นี่เขาไม่เพียงแต่วาดภาพเท่านั้น แต่ยังหันมาศึกษาคณิตศาสตร์และวิทยาศาสตร์อื่นๆ ด้วย

หลังจากได้รับคำเชิญจากกษัตริย์ฝรั่งเศสฟรานซิสที่ 1 ในเดือนพฤษภาคม ค.ศ. 1513 เลโอนาร์โดดาวินชีย้ายไปอยู่ที่แอมบอยซี เขาอาศัยอยู่ที่นี่จนตาย เขาวาดภาพ ตกแต่งวันหยุด และทำงานเกี่ยวกับการใช้งานจริงของโครงการที่มุ่งเป้าไปที่การใช้แม่น้ำในฝรั่งเศส

2 พ.ค. 1519 ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ตาย Leonardo da Vinci ถูกฝังอยู่ในโบสถ์ Amboise ของ San Fiorentino อย่างไรก็ตามในช่วงที่สงครามศาสนาสูง (ศตวรรษที่สิบหก) หลุมศพของศิลปินถูกทำลายและถูกทำลายอย่างสมบูรณ์ ผลงานชิ้นเอกของเขาซึ่งถือเป็นจุดสุดยอดของวิจิตรศิลป์ในศตวรรษที่ 15-16 เป็นผลงานดังกล่าวมาจนถึงทุกวันนี้

ในบรรดาภาพวาดของดาวินชี ภาพเฟรสโก Last Supper เป็นสถานที่พิเศษ ประวัติของปูนเปียกที่มีชื่อเสียงนั้นน่าสนใจและน่าทึ่ง การสร้างมีขึ้นตั้งแต่ปี 1495-1497 ได้รับมอบหมายจากพระภิกษุในนิกายโดมินิกันที่ต้องการตกแต่งผนังโรงอาหารในอารามของพวกเขา ซึ่งตั้งอยู่ใกล้กับโบสถ์ Santa Maria delle Grazie ในมิลาน ภาพเฟรสโกบรรยายเรื่องพระกิตติคุณที่รู้จักกันดี นั่นคือ มื้อสุดท้ายของพระเยซูคริสต์กับอัครสาวกสิบสองคน

ผลงานชิ้นเอกชิ้นนี้ได้รับการยอมรับว่าเป็นสุดยอดผลงานของศิลปิน ภาพของพระคริสต์และอัครสาวกที่สร้างโดยอาจารย์มีความสดใส แสดงออก และมีชีวิตชีวาอย่างผิดปกติ แม้จะเป็นรูปธรรม แต่ความเป็นจริงของสถานการณ์ที่ปรากฎ แต่เนื้อหาของปูนเปียกนั้นเต็มไปด้วยความลึก ความรู้สึกทางปรัชญา. หัวข้อนิรันดร์ของความขัดแย้งระหว่างความดีกับความชั่ว ความพึงพอใจและความใจกว้างทางวิญญาณ ความจริงและการโกหกถูกรวบรวมไว้ที่นี่ ภาพที่ได้มาไม่ได้เป็นเพียงชุดของลักษณะนิสัยของแต่ละคน (แต่ละคนในความหลากหลายของอารมณ์ของเขา) แต่ยังเป็นลักษณะทั่วไปทางจิตวิทยาอีกด้วย

ภาพมีไดนามิกมาก ผู้ฟังรู้สึกถึงความตื่นเต้นที่ตรึงใจทุกคนที่รับประทานอาหารหลังจากคำเผยพระวจนะที่พระคริสต์ตรัสเกี่ยวกับการทรยศที่อัครสาวกคนใดคนหนึ่งจะต้องกระทำ ผืนผ้าใบกลายเป็นสารานุกรมชนิดหนึ่งที่มีอารมณ์และอารมณ์ของมนุษย์ที่ละเอียดอ่อนที่สุด

Leonardo da Vinci ทำงานเสร็จอย่างรวดเร็วอย่างน่าประหลาดใจ หลังจากผ่านไปเพียงสองปี ภาพก็เสร็จสมบูรณ์ อย่างไรก็ตาม พระไม่ชอบมัน: ลักษณะการประหารชีวิตแตกต่างจากรูปแบบการเขียนภาพที่เคยยอมรับมาก่อนมากเกินไป นวัตกรรมของอาจารย์ประกอบด้วยการใช้สีขององค์ประกอบใหม่ไม่เพียงเท่านั้น ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับวิธีการถ่ายทอดมุมมองในภาพ ทำด้วยเทคนิคพิเศษ ปูนเปียก ขยายและขยายพื้นที่จริงดังเดิม ดูเหมือนว่าผนังของห้องที่ปรากฎในภาพนั้นเป็นความต่อเนื่องของผนังโรงอาหารของอาราม

พระไม่เห็นคุณค่าและไม่เข้าใจเจตนาสร้างสรรค์และความสำเร็จของศิลปิน จึงไม่ใส่ใจในการอนุรักษ์ภาพวาดมากนัก สองปีหลังจากการทาสีปูนเปียก สีเริ่มเสื่อมโทรมและจางลง พื้นผิวของผนังที่มีรูปวาดดูเหมือนจะถูกปกคลุมด้วยวัสดุที่บางที่สุด ด้านหนึ่งสิ่งนี้เกิดขึ้นเนื่องจากสีใหม่มีคุณภาพต่ำและในทางกลับกันเนื่องจากการสัมผัสกับความชื้นอากาศเย็นและไอน้ำที่ทะลุออกมาจากห้องครัวของวัดอย่างต่อเนื่อง ลักษณะที่ปรากฏของภาพวาดถูกทำลายไปอย่างสิ้นเชิงเมื่อพระสงฆ์ตัดสินใจที่จะตัดทางเข้าเพิ่มเติมไปยังห้องอาหารในผนังด้วยปูนเปียก เป็นผลให้ภาพถูกตัดที่ด้านล่าง

มีความพยายามในการฟื้นฟูผลงานชิ้นเอกตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 อย่างไรก็ตามพวกเขาทั้งหมดได้รับการพิสูจน์แล้วว่าไร้ประโยชน์สียังคงเสื่อมสภาพ สาเหตุมาจากสภาวะแวดล้อมที่เสื่อมโทรมลงในปัจจุบัน คุณภาพของภาพเฟรสโกได้รับผลกระทบจากความเข้มข้นที่เพิ่มขึ้นของก๊าซไอเสียในอากาศ เช่นเดียวกับสารระเหยที่ปล่อยสู่บรรยากาศโดยโรงงานและโรงงาน

ตอนนี้เราสามารถพูดได้ว่างานแรก ๆ ในการฟื้นฟูภาพวาดนั้นไม่เพียง แต่ไม่จำเป็นและไร้ความหมายเท่านั้น แต่ยังมีของตัวเองอีกด้วย ด้านลบ. ในกระบวนการฟื้นฟู ศิลปินมักจะเพิ่มภาพเฟรสโก โดยเปลี่ยนรูปลักษณ์ของตัวละครที่ปรากฎบนผืนผ้าใบและภาพภายใน ดังนั้น เมื่อเร็วๆ นี้จึงเป็นที่ทราบกันว่าอัครสาวกคนหนึ่งไม่มีเคราที่โค้งงอยาวแต่เดิม นอกจากนี้ ผืนผ้าใบสีดำที่ปรากฎบนผนังของโรงอาหารกลับกลายเป็นว่าไม่มีอะไรมากไปกว่าพรมผืนเล็กๆ เท่านั้น
ในศตวรรษที่ 20 จัดการเพื่อค้นหาและฟื้นฟูเครื่องประดับบางส่วน

ผู้ซ่อมแซมสมัยใหม่ ซึ่งกลุ่มที่ทำงานภายใต้การนำของ Carlo Berteli โดดเด่นอย่างเห็นได้ชัด ตัดสินใจที่จะฟื้นฟูรูปลักษณ์ดั้งเดิมของปูนเปียก โดยปราศจากองค์ประกอบที่ใช้ในภายหลัง

หัวข้อของการเป็นแม่ ภาพของแม่ยังสาวที่ชื่นชมลูกของเธอ ยังคงเป็นหัวใจสำคัญในการทำงานของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่มาช้านาน ผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงคือภาพเขียน "Madonna Litta" และ "Madonna with a Flower" (" มาดอนน่าเบอนัวส์") ปัจจุบัน "Madonna Litta" ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ State Hermitage ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ภาพวาดนี้ถูกซื้อโดยจักรพรรดิรัสเซียอเล็กซานเดอร์ที่ 2 ในปี พ.ศ. 2408 จากครอบครัวดยุคอันโตนิโอ ลิตตาชาวอิตาลี ซึ่งก่อนหน้านี้เคยเป็นของขวัญจากดยุคแห่งวิสคอนติ ตามคำสั่งของซาร์แห่งรัสเซีย ภาพวาดถูกย้ายจากไม้ไปยังผ้าใบและแขวนในห้องโถงหนึ่งของพิพิธภัณฑ์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่มีชื่อเสียง

นักวิทยาศาสตร์ศิลปะเชื่อว่า (และการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ได้พิสูจน์เรื่องนี้แล้ว) ว่างานเกี่ยวกับการสร้างภาพนั้นยังไม่เสร็จสมบูรณ์โดยผู้เขียนเอง มันเสร็จสมบูรณ์โดยหนึ่งในนักเรียนของ Leonardo, Boltraffio

ผืนผ้าใบเป็นการแสดงออกถึงรูปแบบที่โดดเด่นที่สุดของความเป็นแม่ในภาพวาดของยุคเรเนสซองส์ ภาพลักษณ์ของพระแม่มารีนั้นสดใสและมีจิตวิญญาณ รูปลักษณ์ที่หันไปหาทารกนั้นอ่อนโยนผิดปกติพร้อมแสดงออก
ความโศกเศร้าและความสงบสุขและความสงบภายใน ที่นี่ แม่และลูกดูเหมือนจะสร้างโลกที่มีเอกลักษณ์เฉพาะของตนเองขึ้น รวมกันเป็นหนึ่งเดียวที่กลมกลืนกัน ผ่านความคิดของภาพสามารถแสดงเป็นคำต่อไปนี้: สิ่งมีชีวิตสองตัว แม่และลูก มีพื้นฐานและความหมายของชีวิต

ภาพลักษณ์ของมาดอนน่ากับเด็กในอ้อมแขนของเธอนั้นช่างยิ่งใหญ่ การตกแต่งและการปรับแต่งทำให้การเปลี่ยนแสงและเงาเป็นไปอย่างราบรื่นเป็นพิเศษ ความอ่อนโยนและความเปราะบางของร่างถูกเน้นโดยผ้าม่านที่คลุมไหล่ของผู้หญิง ภาพวาดบนหน้าต่างแสดงความสมดุลของพื้นหลังและองค์ประกอบที่สมบูรณ์ โดยเน้นการแยกคนสองคนที่ใกล้ชิดออกจากส่วนที่เหลือของโลก

ผ้าใบ "Madonna with a Flower" ("Madonna Benois") ประมาณปี 1478 ถูกซื้อมาจากเจ้าของชาวรัสเซียคนสุดท้ายโดย Tsar Nicholas II ในปี 1914 โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับ Hermitage เจ้าของรุ่นแรกยังไม่ทราบ มีเพียงตำนานที่บอกว่านักแสดงท่องเที่ยวชาวอิตาลีนำภาพวาดนั้นมาที่รัสเซีย หลังจากนั้นพ่อค้า Sapozhnikov ก็ซื้อมันในเมือง Samara ในปี 1824 ต่อมาผืนผ้าใบได้รับการสืบทอดจากพ่อสู่ลูกสาว M. A. Sapozhnikova (โดยสามีของเธอ - Benois) ซึ่งจักรพรรดิซื้อมา ตั้งแต่นั้นมา ภาพวาดนี้มีชื่อสองชื่อ: "มาดอนน่ากับดอกไม้" (ผู้แต่ง) และ "มาดอนน่าเบอนัวส์" (ตามชื่อเจ้าของคนสุดท้าย)

ภาพที่แสดงให้เห็นพระมารดาของพระเจ้ากับทารก สะท้อนถึงความรู้สึกธรรมดาทางโลกของมารดาที่เล่นกับลูกของเธอ ฉากทั้งหมดสร้างขึ้นจากความแตกต่าง: แม่ที่หัวเราะและเด็กกำลังศึกษาดอกไม้อย่างจริงจัง ศิลปินที่เน้นไปที่การต่อต้านโดยเฉพาะนี้แสดงให้เห็นถึงความปรารถนาของบุคคลในความรู้ซึ่งเป็นก้าวแรกของเขาบนเส้นทางสู่ความจริง นี่คือแนวคิดหลักของผืนผ้าใบ

การเล่นแสงและเงาสร้างโทนที่พิเศษและเป็นกันเองให้กับองค์ประกอบทั้งหมด แม่และลูกอยู่ในโลกของพวกเขาเอง ตัดขาดจากความไร้สาระทางโลก แม้จะมีมุมและความแข็งแกร่งของผ้าม่านที่ปรากฎ แต่แปรงของ Leonardo da Vinci นั้นค่อนข้างง่ายต่อการจดจำโดยการเปลี่ยนสีที่นุ่มนวลและนุ่มนวลของเฉดสีที่ใช้และการผสมผสานของแสงและเงา ผืนผ้าใบถูกทาสีด้วยสีที่นุ่มนวลและสงบ โดยคงไว้ซึ่งระบบสีเดียว และทำให้ภาพมีลักษณะที่นุ่มนวลและกระตุ้นความรู้สึกที่แปลกประหลาด ความกลมกลืนของจักรวาลและความเงียบสงบ

Leonardo da Vinci เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านภาพเหมือน ในบรรดาภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา ได้แก่ "Lady with an Ermine" (ประมาณ 1483-1484) และ "Portrait of a Musician"

นักวิจารณ์ศิลปะและนักประวัติศาสตร์แนะนำว่าผ้าใบ "Lady with an Ermine" แสดงถึง Cecilia Gallerani ซึ่งเป็นที่โปรดปรานของ Duke of Milan Ludovic Moreau ก่อนแต่งงาน ข้อมูลได้รับการเก็บรักษาไว้ว่า Cecilia เป็นผู้หญิงที่มีการศึกษาสูงซึ่งเป็นสิ่งที่หายากในเวลานั้น นอกจากนี้นักประวัติศาสตร์และนักเขียนชีวประวัติของศิลปินชื่อดังยังเชื่อว่าเธอคุ้นเคยกับ Leonardo da Vinci อย่างใกล้ชิดซึ่งเคยตัดสินใจวาดภาพเหมือนของเธอ

ผืนผ้าใบนี้มาถึงเราในเวอร์ชันที่เขียนใหม่เท่านั้น ดังนั้นนักวิทยาศาสตร์จึงสงสัยในผลงานของเลโอนาร์โดมานานแล้ว อย่างไรก็ตาม ชิ้นส่วนของภาพวาดที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้เป็นอย่างดีซึ่งแสดงถึงแมวน้ำและใบหน้าของหญิงสาว ช่วยให้เราสามารถพูดได้อย่างมั่นใจเกี่ยวกับสไตล์ของปรมาจารย์ดาวินชีผู้ยิ่งใหญ่ นอกจากนี้ยังเป็นที่น่าสนใจว่าพื้นหลังสีเข้มที่หนาแน่นรวมถึงรายละเอียดบางอย่างของทรงผมนั้นเป็นภาพวาดเพิ่มเติมในภายหลัง

"Lady with an Ermine" เป็นหนึ่งในผืนผ้าใบทางจิตวิทยาที่สว่างที่สุดในแกลเลอรี่ภาพเหมือนของศิลปิน ร่างทั้งหมดของหญิงสาวแสดงออกถึงพลวัตมุ่งมั่นไปข้างหน้าเป็นพยานถึงบุคลิกของมนุษย์ที่เอาแต่ใจและแข็งแกร่งอย่างผิดปกติ ลักษณะใบหน้าที่ถูกต้องจะเน้นเฉพาะสิ่งนี้เท่านั้น

ภาพพอร์ตเทรตนั้นซับซ้อนและมีหลายแง่มุมมาก ความกลมกลืนและความสมบูรณ์ของภาพทำได้โดยการผสมผสานองค์ประกอบหลายอย่างเข้าด้วยกัน: การแสดงออกทางสีหน้า การหมุนศีรษะ ตำแหน่งมือ ดวงตาของผู้หญิงสะท้อนถึงจิตใจ พลังงาน ความเข้าใจที่ไม่ธรรมดา ริมฝีปากที่บีบแน่น จมูกตรง คางแหลม - ทุกอย่างเน้นที่ความตั้งใจ ความมุ่งมั่น ความเป็นอิสระ การหันศีรษะอย่างสง่างาม คอเปิด มือที่มีนิ้วยาวลูบไล้สัตว์ที่สง่างามเน้นความเปราะบางและความกลมกลืนของรูปร่างทั้งหมด ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ผู้หญิงคนนั้นกำลังอุ้มนกนางแอ่นไว้ในอ้อมแขนของเธอ ขนสีขาวของสัตว์ซึ่งคล้ายกับหิมะแรกเป็นสัญลักษณ์ของความบริสุทธิ์ทางวิญญาณของหญิงสาว

ภาพเหมือนมีไดนามิกอย่างน่าประหลาดใจ อาจารย์สามารถจับภาพช่วงเวลาที่การเคลื่อนไหวหนึ่งควรเปลี่ยนเป็นอย่างอื่นได้อย่างราบรื่น นั่นคือเหตุผลที่ดูเหมือนว่าหญิงสาวกำลังจะฟื้นคืนชีพหันหัวของเธอแล้วมือของเธอจะเลื่อนไปที่ขนนุ่ม ๆ ของสัตว์ ...

ความชัดเจนขององค์ประกอบที่แสดงออกเป็นพิเศษนั้นมาจากความชัดเจนของเส้นที่ประกอบเป็นร่าง ตลอดจนความเชี่ยวชาญและการใช้เทคนิคการเปลี่ยนแสงเป็นเงาด้วยความช่วยเหลือของรูปแบบต่างๆ ที่ถูกสร้างขึ้นบนผืนผ้าใบ

"Portrait of a Musician" เป็นภาพเหมือนชายเพียงคนเดียวในบรรดาผลงานชิ้นเอกของ Leonardo da Vinci นักวิจัยหลายคนระบุแบบจำลองกับผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ของมหาวิหารมิลาน Francino Gaffurio อย่างไรก็ตาม นักวิทยาศาสตร์จำนวนหนึ่งปฏิเสธความคิดเห็นนี้ โดยกล่าวว่าผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ที่ปรากฎที่นี่ แต่เป็นชายหนุ่มธรรมดา นักดนตรี แม้จะมีรายละเอียดบางประการเกี่ยวกับเทคนิคการเขียนของดาวินชี แต่นักประวัติศาสตร์ศิลปะก็ยังสงสัยในผลงานของเลโอนาร์โด อาจมีข้อสงสัยเหล่านี้เกี่ยวข้องกับการใช้บนผืนผ้าใบขององค์ประกอบที่มีลักษณะเฉพาะของประเพณีทางศิลปะของจิตรกรภาพเหมือนลอมบาร์ด

เทคนิคในการวาดภาพเหมือนในหลาย ๆ ด้านชวนให้นึกถึงงานของ Antonello da Messina เทียบกับพื้นหลังของผมหยิกเขียวชอุ่มเส้นที่ชัดเจนและเข้มงวดของใบหน้าค่อนข้างชัดเจน คนฉลาดที่มีบุคลิกเข้มแข็งปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมแม้ว่าในขณะเดียวกันก็มีบางสิ่งที่พิศวง แต่จิตวิญญาณก็สามารถดึงดูดสายตาของเขาได้ บางทีอาจเป็นในขณะนี้ที่ทำนองเพลงใหม่ที่ศักดิ์สิทธิ์เกิดขึ้นในจิตวิญญาณของนักดนตรีซึ่งหลังจากนั้นไม่นานก็จะชนะใจคนจำนวนมาก

อย่างไรก็ตามเราไม่สามารถพูดได้ว่าศิลปินพยายามที่จะยกย่องบุคคล พระศาสดาทรงถ่ายทอดโภคทรัพย์และด้านกว้างอย่างละเอียดถี่ถ้วน จิตวิญญาณมนุษย์โดยไม่ต้องใช้อติพจน์และสิ่งที่น่าสมเพช

หนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของดาวินชีคือมาดอนน่าออฟเดอะร็อคส์ (ค.ศ. 1483-1493) ที่มีชื่อเสียง มันถูกสร้างขึ้นโดยเลโอนาร์โดตามคำสั่งของพระสงฆ์ของโบสถ์ซานฟรานเชสโกกรานเดในมิลาน องค์ประกอบนี้มีจุดประสงค์เพื่อประดับแท่นบูชาในโบสถ์อิมมาโคลาตา

มีภาพวาดสองแบบ โดยรุ่นหนึ่งเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในปารีส และอีกรุ่นหนึ่งอยู่ในหอศิลป์แห่งชาติในลอนดอน

มันคือพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ "มาดอนน่าในโขดหิน" ที่ประดับแท่นบูชาของโบสถ์ นักวิทยาศาสตร์แนะนำว่าศิลปินเองมอบมันให้กับกษัตริย์ฝรั่งเศสหลุยส์ที่สิบสอง ตามที่นักประวัติศาสตร์กล่าว เขาทำสิ่งนี้เพื่อเป็นการแสดงความขอบคุณสำหรับการมีส่วนร่วมของกษัตริย์ในการแก้ไขข้อขัดแย้งที่เกิดขึ้นระหว่างลูกค้าของภาพวาดและศิลปินที่แสดง

รุ่นที่บริจาคถูกแทนที่ด้วยภาพวาดอื่น ซึ่งขณะนี้อยู่ในหอศิลป์แห่งชาติลอนดอน ในปี ค.ศ. 1785 แฮมิลตันคนหนึ่งซื้อมันและนำไปที่อังกฤษ

ลักษณะเด่นของ "มาดอนน่าในโขดหิน" คือการผสมผสานระหว่างร่างมนุษย์กับภูมิทัศน์ นี่เป็นภาพแรกของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ ซึ่งภาพของนักบุญมีความกลมกลืนกับธรรมชาติโดยได้รับแรงบันดาลใจจากการปรากฏตัวของพวกเขา เป็นครั้งแรกในผลงานของอาจารย์ ร่างต่างๆ ไม่ได้ถูกวาดทับกับพื้นหลังขององค์ประกอบใดๆ ของโครงสร้างทางสถาปัตยกรรม แต่ราวกับว่าถูกปิดล้อมด้วยภูมิประเทศที่เป็นหินที่รุนแรง ความรู้สึกนี้ถูกสร้างขึ้นในองค์ประกอบภาพด้วยเนื่องจากการเล่นพิเศษของแสงและเงาที่ตกลงมา

ภาพของพระแม่มารีถูกนำเสนอที่นี่โดยมีลักษณะทางจิตวิญญาณและพิสดารอย่างผิดปกติ แสงอ่อนลงบนใบหน้าของเทวดา ศิลปินสร้างภาพสเก็ตช์และภาพสเก็ตช์มากมายก่อนที่ตัวละครของเขาจะฟื้นคืนชีพและภาพของพวกเขาก็สดใสและแสดงออก ภาพร่างภาพหนึ่งเป็นภาพศีรษะของทูตสวรรค์ เราไม่รู้ว่าผู้หญิงหรือผู้ชาย แต่สิ่งหนึ่งที่สามารถพูดได้อย่างมั่นใจ: นี่คือสิ่งมีชีวิตที่พิศวง เต็มไปด้วยความอ่อนโยน ความเมตตา ความบริสุทธิ์ ภาพรวมเต็มไปด้วยความรู้สึกสงบเงียบและเงียบสงบ

รุ่นที่วาดโดยอาจารย์ในภายหลังนั้นแตกต่างจากรุ่นแรกในรายละเอียดหลายประการ: รัศมีปรากฏขึ้นเหนือศีรษะของนักบุญยอห์นผู้ให้รับบัพติสมาตัวน้อยถือไม้กางเขนตำแหน่งของทูตสวรรค์เปลี่ยนไป และเทคนิคการประหารชีวิตก็กลายเป็นเหตุผลหนึ่งที่ทำให้นักเรียนของเลโอนาร์โดเป็นผู้วาดภาพ ที่นี่ ตัวเลขทั้งหมดถูกนำเสนออย่างใกล้ชิดในขนาดที่ใหญ่กว่าและนอกจากนี้เส้นที่ก่อตัวขึ้นนั้นกลับกลายเป็นที่เห็นได้ชัดเจนยิ่งขึ้น หนักกว่าและแหลมกว่า เอฟเฟกต์นี้สร้างขึ้นจากการทำให้เงาหนาขึ้นและเน้นบางจุดในองค์ประกอบภาพ

ภาพที่ 2 ของนักประวัติศาสตร์ศิลป์ระบุว่าภาพธรรมดาและโลกีย์มากกว่า บางทีเหตุผลนี้อาจเป็นเพราะนักเรียนของเลโอนาร์โดทำภาพเสร็จ อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ไม่ได้ลดทอนคุณค่าของผืนผ้าใบ ความตั้งใจของศิลปินนั้นชัดเจนในนั้นประเพณีของอาจารย์ในการสร้างและแสดงภาพนั้นได้รับการติดตามอย่างดี

ที่น่าสนใจไม่น้อยคือเรื่องราวของภาพวาดที่มีชื่อเสียงของ Leonardo da Vinci เรื่อง The Annunciation (1470s) การสร้างภาพวาดเป็นผลงานของศิลปินในยุคแรก จนถึงช่วงที่เขาศึกษาและทำงานในสตูดิโอของ Andrea Verrocchio

องค์ประกอบของเทคนิคการเขียนหลายประการทำให้สามารถระบุได้อย่างชัดเจนว่าผู้เขียน ผลงานชิ้นเอกที่มีชื่อเสียงคือ Leonardo da Vinci และไม่รวม Verrocchio หรือนักเรียนคนอื่น ๆ ในการเขียนของเขา อย่างไรก็ตาม รายละเอียดบางอย่างในการจัดองค์ประกอบเป็นลักษณะเฉพาะของประเพณีศิลปะของโรงเรียน Verrocchio นี่แสดงให้เห็นว่าจิตรกรรุ่นเยาว์แม้จะมีความคิดริเริ่มและความสามารถที่แสดงออกในเวลานั้น แต่ก็ยังได้รับอิทธิพลจากครูของเขาอยู่บ้าง

องค์ประกอบของภาพนั้นค่อนข้างเรียบง่าย: ภูมิประเทศ, บ้านพักตากอากาศในชนบท, ร่างสองร่าง - แมรี่และนางฟ้า เบื้องหลัง
เราเห็นเรือบางอาคารท่าเรือ การปรากฏตัวของรายละเอียดดังกล่าวไม่ใช่ลักษณะเฉพาะของงานของ Leonardo ทั้งหมดและไม่ใช่สิ่งหลักที่นี่ สำหรับศิลปิน การแสดงภูเขาที่ซ่อนอยู่ในหมอกซึ่งอยู่ไกลออกไป และท้องฟ้าที่สว่างเกือบใสนั้นมีความสำคัญมากกว่า ภาพฝ่ายวิญญาณของหญิงสาวที่รอข่าวดีและนางฟ้าสวยงามและอ่อนโยนเป็นพิเศษ เส้นของแบบฟอร์มได้รับการออกแบบในลักษณะของดาวินชีซึ่งทำให้สามารถกำหนดผืนผ้าใบเป็นผลงานชิ้นเอกของแปรงของเลโอนาร์โดยุคแรกได้ในคราวเดียว

ลักษณะของประเพณีของอาจารย์ที่มีชื่อเสียงคือเทคนิคของการดำเนินการรายละเอียดรอง: ม้านั่งขัดเงา, เชิงเทินหิน, ชั้นวางหนังสือ, ตกแต่งด้วยกิ่งก้านที่บิดตัวไปมาอย่างประณีตของพืชมหัศจรรย์ ต้นแบบของหลังคือโลงศพของหลุมฝังศพของ Giovanni และ Piero de Medici ซึ่งติดตั้งในโบสถ์ San Lorenzo องค์ประกอบเหล่านี้ซึ่งมีอยู่ในโรงเรียนของ Verrocchio และลักษณะเฉพาะของงานหลังนี้ได้รับการคิดใหม่โดยดาวินชี พวกมันมีชีวิต มากมาย และถักทออย่างกลมกลืนเข้ากับองค์ประกอบโดยรวม ดูเหมือนว่าผู้เขียนตั้งเป้าหมายโดยใช้เพลงของครูเป็นพื้นฐานเพื่อเปิดเผยโลกแห่งความสามารถของเขาโดยใช้เทคนิคและวิธีการแสดงออกทางศิลปะของเขาเอง

ปัจจุบัน ภาพวาดรุ่นหนึ่งอยู่ใน Uffizi Gallery ในเมืองฟลอเรนซ์ องค์ประกอบเวอร์ชันที่สองถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในปารีส

ภาพวาดพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ค่อนข้างซับซ้อนกว่ารุ่นก่อน ที่นี่คุณสามารถเห็นเส้นที่ถูกต้องทางเรขาคณิตของผนังของเชิงเทินหินซึ่งเป็นรูปแบบที่ทำซ้ำโดยม้านั่งที่อยู่ด้านหลังร่างของแมรี่ ภาพที่นำมาวางไว้ข้างหน้าจะอยู่ในองค์ประกอบอย่างเหมาะสมและมีเหตุผล เสื้อผ้าของมารีย์และทูตสวรรค์เมื่อเปรียบเทียบกับรุ่นแรกนั้นมีความชัดเจนและสม่ำเสมอมากขึ้น มาเรียก้มศีรษะต่ำ สวมชุดสีน้ำเงินเข้มพร้อมเสื้อคลุมสีฟ้าพาดพาดบ่า ดูเหมือนสิ่งมีชีวิตที่พิศวง สีเข้มของชุดจะเน้นให้สว่างขึ้นและทำให้ใบหน้าของเธอดูขาวขึ้น ภาพลักษณ์ของทูตสวรรค์ที่นำข่าวดีมาดอนน่าให้ความหมายไม่น้อยไปกว่านั้น ผ้ากำมะหยี่สีเหลือง เสื้อคลุมสีแดงเข้มพร้อมผ้าม่านไหลลงอย่างราบรื่น ภาพที่ยอดเยี่ยมนางฟ้าที่ดี

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษในองค์ประกอบตอนปลายคือภูมิทัศน์ที่อาจารย์วาดอย่างละเอียด: ปราศจากธรรมเนียมปฏิบัติใดๆ ต้นไม้ที่มองเห็นได้จริงซึ่งเติบโตในระยะไกล ท้องฟ้าสีฟ้าอ่อน ท้องฟ้าโปร่ง ภูเขาที่ปกคลุมด้วยหมอกบางๆ ดอกไม้สดใต้ฝ่าเท้าของ นางฟ้า.

ภาพวาด "Saint Jerome" หมายถึงระยะเวลาการทำงานของ Leonardo da Vinci ในการประชุมเชิงปฏิบัติการของ Andrea Verrocchio (ยุคฟลอเรนซ์ที่เรียกว่าผลงานของศิลปิน) ภาพวาดยังคงไม่เสร็จ ธีมหลักของการแต่งเพลงคือฮีโร่ผู้โดดเดี่ยว คนบาปที่สำนึกผิด ร่างกายของเขาเหือดแห้งจากความหิวโหย อย่างไรก็ตาม สายตาของเขาเต็มไปด้วยความมุ่งมั่นและตั้งใจ เป็นการแสดงออกถึงความแข็งแกร่งและความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณของบุคคลอย่างชัดเจน ในภาพที่ไม่มีการสร้างโดยเลโอนาร์โด เราจะพบความเป็นคู่ ความคลุมเครือของการมองเห็น

ตัวละครในภาพวาดของเขาแสดงออกถึงความหลงใหลและความรู้สึกที่ลึกซึ้งในระดับสูงสุดเสมอ

หัวฤาษีที่ทาสีอย่างเชี่ยวชาญยังเป็นพยานถึงผลงานของเลโอนาร์โด ไม่ใช่เรื่องปกติที่พูดถึงการควบคุมที่ยอดเยี่ยมของเทคนิคการวาดภาพและความรู้ของอาจารย์เกี่ยวกับความซับซ้อนของกายวิภาคของร่างกายมนุษย์ แม้ว่าจำเป็นต้องจองเล็กน้อย: ในหลาย ๆ ด้านศิลปินปฏิบัติตามประเพณีของ Andrea del Castagno และ Domenico Veneziano ซึ่งในทางกลับกันมาจาก Antonio Pollaiolo

ร่างของเจอโรมแสดงออกอย่างผิดปกติ ดูเหมือนว่าฤาษีคุกเข่าจะมุ่งไปข้างหน้า ทางขวา
เขาถือหินไว้ในมืออีกครู่หนึ่ง - และเขาจะกระแทกตัวเองเข้าที่หน้าอกด้วยการเฆี่ยนตีร่างกายของเขาและสาปแช่งวิญญาณของเขาสำหรับบาปที่ได้ทำ ...

องค์ประกอบของภาพวาดก็น่าสนใจเช่นกัน ทั้งหมดกลับกลายเป็นเหมือนที่เคยเป็นมา ล้อมเป็นเกลียว ซึ่งเริ่มต้นด้วยหิน ต่อด้วยรูปสิงโต ตั้งอยู่ที่เท้าของผู้สำนึกผิด และลงท้ายด้วยร่างของฤาษี

บางทีผลงานชิ้นเอกของโลกวิจิตรศิลป์ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือ Gioconda ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจคือหลังจากเสร็จสิ้นการทำงานกับภาพเหมือน ศิลปินไม่ได้มีส่วนร่วมจนกว่าเขาจะเสียชีวิต ต่อมา ภาพวาดมาถึงกษัตริย์ฝรั่งเศสฟรานซิสที่ 1 ซึ่งวางมันไว้ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์

นักวิชาการศิลปะทุกคนเห็นพ้องต้องกันว่าภาพถูกวาดในปี 1503 อย่างไรก็ตาม ยังมีข้อโต้แย้งเกี่ยวกับต้นแบบของเด็กสาวที่ปรากฎในภาพเหมือน เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไป (ประเพณีมาจากนักเขียนชีวประวัติชื่อดัง จอร์โจ วาซารี) ที่ภาพเหมือนเป็นภาพภรรยาของฟรานเชสโก ดิ จิโอคอนโด ภรรยาชาวฟลอเรนซ์ โมนา ลิซา

เมื่อมองจากภาพเราสามารถพูดได้อย่างมั่นใจว่าศิลปินได้บรรลุถึงความสมบูรณ์แบบในการสร้างภาพลักษณ์ของมนุษย์ ที่นี่อาจารย์ออกจากรูปแบบการแสดงภาพที่เป็นที่ยอมรับและแพร่หลายก่อนหน้านี้ Gioconda เขียนบนพื้นหลังสีอ่อนและยิ่งไปกว่านั้นหันไปสามในสี่ของเทิร์นการจ้องมองของเธอมุ่งตรงไปที่ผู้ชม - นี่เป็นสิ่งใหม่ในศิลปะภาพเหมือนของเวลานั้น ขอบคุณ เปิดภูมิทัศน์ซึ่งตั้งอยู่ด้านหลังด้านหลังของหญิงสาวร่างของคนหลังกลายเป็นว่าเป็นส่วนหนึ่งของภูมิประเทศที่ผสานเข้ากับมันอย่างกลมกลืน สิ่งนี้สำเร็จได้ด้วยเทคนิคพิเศษทางศิลปะและภาพที่สร้างขึ้นโดย Leonardo และเขาใช้ในงานของเขา - sfumato สาระสำคัญของมันอยู่ในความจริงที่ว่าเส้นชั้นความสูงไม่ชัดเจนพวกเขาเบลอและสิ่งนี้สร้างความรู้สึกของการรวมเข้าด้วยกันการแทรกซึมของแต่ละส่วนในองค์ประกอบ

ในภาพพอร์ตเทรต เทคนิคดังกล่าว (การผสมผสานระหว่างร่างมนุษย์และภูมิทัศน์ธรรมชาติขนาดใหญ่) กลายเป็นวิธีการแสดงแนวคิดเชิงปรัชญา: โลกมนุษย์นั้นใหญ่โต กว้างใหญ่ และหลากหลายเหมือนกับโลกธรรมชาติรอบตัวเรา แต่ในทางกลับกัน ธีมหลักขององค์ประกอบภาพยังสามารถแสดงเป็นความเป็นไปไม่ได้ที่จะมีความรู้ที่สมบูรณ์เกี่ยวกับโลกธรรมชาติด้วยจิตใจของมนุษย์ ด้วยความคิดนี้เองที่นักประวัติศาสตร์ศิลป์หลายคนเชื่อมโยงรอยยิ้มที่น่าขันที่ริมฝีปากของโมนาลิซ่า ดูเหมือนว่าเธอจะพูดว่า: "ความพยายามทั้งหมดของบุคคลที่จะรู้จักโลกนั้นไร้ประโยชน์และไร้ประโยชน์โดยสิ้นเชิง"

ภาพเหมือนของโมนาลิซาตามนักประวัติศาสตร์ศิลป์ เป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของเลโอนาร์โด ดา วินชี ในนั้นศิลปินสามารถรวบรวมและแสดงความคิดเกี่ยวกับความสามัคคีและความยิ่งใหญ่ของโลกได้อย่างเต็มที่มากที่สุดความคิดเรื่องลำดับความสำคัญของเหตุผลและศิลปะ

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti จิตรกร ประติมากร สถาปนิก และกวีชาวอิตาลี เกิดที่เมือง Caprese ใกล้เมือง Florence เมื่อวันที่ 6 มีนาคม ค.ศ. 1475 Lodovico Buonarroti พ่อของ Michelangelo เป็นนายกเทศมนตรีของเมือง Caprese เขาใฝ่ฝันว่าในไม่ช้าลูกชายของเขาจะมาแทนที่เขาในที่ทำงาน อย่างไรก็ตาม ตรงกันข้ามกับความปรารถนาของพ่อของเขา มีเกลันเจโลตัดสินใจอุทิศชีวิตให้กับการวาดภาพ

ในปี ค.ศ. 1488 มีเกลันเจโลไปฟลอเรนซ์และเข้าเรียนในโรงเรียนศิลปะที่นั่น ซึ่งนำโดยโดเมนิโก เกอร์ลันไดโอ ปรมาจารย์ด้านวิจิตรศิลป์ที่มีชื่อเสียง อีกหนึ่งปีต่อมาในปี 1489 ศิลปินหนุ่มกำลังทำงานอยู่ในเวิร์กช็อปที่ก่อตั้งโดยลอเรนโซ เมดิชิ ที่นี่ชายหนุ่มเรียนรู้การวาดภาพจากศิลปินและประติมากรที่มีชื่อเสียงอีกคนในสมัยของเขา Bertoldo di Giovanni ซึ่งเป็นนักเรียนของ Donatello ในเวิร์กชอปนี้ Michelangelo ได้ทำงานร่วมกับ Angelo Poliziano และ Pico della Mirandola ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อขบวนการ วิธีการทางศิลปะจิตรกรหนุ่ม อย่างไรก็ตามงานของ Michelangelo ไม่ได้ถูกปิดในพื้นที่วงกลมของ Lorenzo Medici พรสวรรค์ของเขามีการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง ความสนใจของศิลปินเพิ่มมากขึ้นเรื่อย ๆ ไปที่ภาพวีรบุรุษขนาดใหญ่ของผลงานของ Giotto และ Masaccio ผู้ยิ่งใหญ่

ในช่วงครึ่งแรกของปี 90 ในศตวรรษที่ 15 รูปปั้นแรกที่สร้างโดย Michelangelo ปรากฏขึ้น: "Madonna at the Stairs" และ "Battle of the Centaurs"

ใน "มาดอนน่า" เราสามารถเห็นอิทธิพลของลักษณะที่ยอมรับกันโดยทั่วไปในงานศิลปะของเวลานั้น ภาพศิลปะ. ในงานของ Michelangelo มีรายละเอียดของตัวเลขพลาสติกเหมือนกัน อย่างไรก็ตาม ที่นี่เราสามารถเห็นเทคนิคเฉพาะตัวของประติมากรรุ่นเยาว์ ซึ่งแสดงออกถึงการสร้างภาพอันสูงส่งและกล้าหาญ

ในความโล่งใจ "Battle of the Centaurs" ไม่มีร่องรอยของอิทธิพลจากภายนอก งานนี้เป็นงานอิสระชิ้นแรกของปรมาจารย์ที่มีความสามารถซึ่งแสดงสไตล์เฉพาะตัวของเขา บนความโล่งใจต่อหน้าผู้ชมด้วยความสมบูรณ์ของเนื้อหามีภาพในตำนานของการต่อสู้ของ Lapiths กับเซนทอร์ ฉากนี้โดดเด่นด้วยการแสดงละครและความสมจริงที่ไม่ธรรมดา ซึ่งแสดงออกมาด้วยความเป็นพลาสติกที่ถ่ายทอดออกมาได้อย่างแม่นยำของตัวเลขที่ปรากฎ ประติมากรรมชิ้นนี้ถือได้ว่าเป็นเพลงสรรเสริญวีรบุรุษ ความแข็งแกร่ง และความงามของมนุษย์ แม้จะมีบทละครทั้งหมด แต่องค์ประกอบโดยรวมก็ยังมีความกลมกลืนภายในอย่างลึกซึ้ง

นักวิชาการด้านศิลปะถือว่า "Battle of the Centaurs" เป็นจุดเริ่มต้นของงานของ Michelangelo พวกเขากล่าวว่าอัจฉริยะของศิลปินมีต้นกำเนิดมาจากงานนี้ ความโล่งใจที่อ้างถึงงานแรกของอาจารย์เป็นภาพสะท้อนความร่ำรวยของลักษณะทางศิลปะของ Michelangelo

ตั้งแต่ 1495 ถึง 1496 Michelangelo Buonarroti อยู่ในเมืองโบโลญญา ที่นี่เขาคุ้นเคยกับภาพวาดของ Jacopo della Quercia ซึ่งดึงดูดความสนใจของ ศิลปินหนุ่มความยิ่งใหญ่ของภาพที่สร้างขึ้น

ในปี ค.ศ. 1496 อาจารย์ได้ตั้งรกรากอยู่ในกรุงโรม ซึ่งเขาได้ศึกษาลักษณะการปั้นและการประหารชีวิตประติมากรรมโบราณที่เพิ่งค้นพบ รวมทั้งLaocoönและ Belvedere Torso ลักษณะทางศิลปะของประติมากรชาวกรีกโบราณสะท้อนโดย Michelangelo ในเมือง Bacchus

ตั้งแต่ปี 1498 ถึง 1501 ศิลปินทำงานเกี่ยวกับการสร้างกลุ่มหินอ่อนที่เรียกว่า "Pieta" และนำชื่อเสียงมาสู่ Michelangelo ในฐานะหนึ่งในผู้เชี่ยวชาญคนแรกของอิตาลี ฉากทั้งหมดเป็นตัวแทนของคุณแม่ยังสาวที่กำลังร้องไห้อยู่เหนือร่างของลูกชายที่ถูกฆาตกรรม เต็มไปด้วยความรู้สึกใจบุญสุนทานและความอ่อนโยนที่ไม่ธรรมดา ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ศิลปินเลือกเด็กสาวเป็นนางแบบ - ภาพที่แสดงถึงความบริสุทธิ์ทางวิญญาณ

นี้เป็นงานของนายน้อยแสดง ฮีโร่ในอุดมคติแตกต่างอย่างมากจากงานประติมากรรมที่สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 15 ภาพของ Michelangelo นั้นลึกซึ้งและมีจิตวิทยามากขึ้น ความรู้สึกของความเศร้าโศกและความเศร้าถูกถ่ายทอดอย่างละเอียดผ่านการแสดงออกพิเศษของใบหน้าของแม่ ตำแหน่งของมือ ร่างกาย เส้นโค้งที่เน้นด้วยผ้าม่านนุ่มๆ ของเสื้อผ้า ภาพลักษณ์ของยุคหลังถือได้ว่าเป็นการก้าวถอยหลังในผลงานของอาจารย์: รายละเอียดขององค์ประกอบขององค์ประกอบ (ในกรณีนี้คือรอยพับของชุดและกระโปรงหน้ารถ) เป็นคุณลักษณะเฉพาะ ของศิลปะยุคก่อนเรอเนสซองส์ องค์ประกอบโดยรวมแสดงออกอย่างผิดปกติและน่าสมเพช ซึ่งเป็นลักษณะเด่นของงานประติมากรรุ่นเยาว์

ในปี ค.ศ. 1501 ไมเคิลแองเจโลซึ่งเป็นปรมาจารย์ด้านประติมากรรมที่มีชื่อเสียงในอิตาลีได้เดินทางไปฟลอเรนซ์อีกครั้ง ที่นี่หินอ่อนของเขา "เดวิด" ไม่เหมือนรุ่นก่อนของเขา (Donatello และ Verrocchio) Michelangelo พรรณนา ฮีโร่หนุ่มเพียงแค่เตรียมพร้อมสำหรับการต่อสู้ รูปปั้นขนาดใหญ่ (สูง 5.5 ม.) แสดงถึงเจตจำนงที่แข็งแกร่งผิดปกติของบุคคล ความแข็งแกร่งทางกายภาพ และความงามของร่างกายของเขา ภาพลักษณ์ของบุคคลในจิตใจของมีเกลันเจโลนั้นคล้ายคลึงกับร่างของไททันยักษ์ในตำนาน เดวิดปรากฏตัวที่นี่เป็นศูนย์รวมของความคิดของคนที่สมบูรณ์แบบแข็งแกร่งและเป็นอิสระพร้อมที่จะเอาชนะอุปสรรคใด ๆ ในเส้นทางของเขา ความหลงใหลทั้งหมดที่เกิดขึ้นในจิตวิญญาณของฮีโร่นั้นถ่ายทอดผ่านร่างกายและสีหน้าของเดวิด ซึ่งบ่งบอกถึงบุคลิกที่แน่วแน่และเด็ดเดี่ยวของเขา

ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่รูปปั้นของ David ประดับทางเข้า Palazzo Vecchio (อาคารของรัฐบาลเมืองฟลอเรนซ์) เพื่อเป็นสัญลักษณ์แห่งอำนาจ ความแข็งแกร่งที่ไม่ธรรมดา และความเป็นอิสระของรัฐในเมือง องค์ประกอบทั้งหมดแสดงถึงความสามัคคีของจิตวิญญาณมนุษย์ที่แข็งแกร่งและร่างกายที่แข็งแรงเท่าเทียมกัน

ในปี ค.ศ. 1501 พร้อมกับรูปปั้นของ David ผลงานชิ้นแรกของอนุสาวรีย์ ("Battle of Kashin") และขาตั้ง ("Madonna Doni" รูปแบบกลม) ปรากฏขึ้น ปัจจุบันถูกเก็บไว้ใน Uffizi Gallery ในเมืองฟลอเรนซ์

ในปี ค.ศ. 1505 มีเกลันเจโลกลับมายังกรุงโรม ที่นี่เขากำลังทำงานเกี่ยวกับการสร้างสุสานของสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ตามแผน หลุมฝังศพควรจะเป็นโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมที่ยิ่งใหญ่ โดยรอบๆ จะมีรูปปั้น 40 รูปแกะสลักจากหินอ่อนและสีบรอนซ์นูน อย่างไรก็ตาม หลังจากผ่านไประยะหนึ่ง สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ทรงปฏิเสธคำสั่งของพระองค์ และแผนการอันยิ่งใหญ่ของมีเกลันเจโลก็ไม่ถูกกำหนดให้เป็นจริง แหล่งข่าวยืนยันว่าลูกค้าปฏิบัติต่อเจ้านายค่อนข้างหยาบคายอันเป็นผลมาจากการที่เขาขุ่นเคืองถึงส่วนลึกของจิตวิญญาณตัดสินใจที่จะออกจากเมืองหลวงและกลับมาที่ฟลอเรนซ์อีกครั้ง

อย่างไรก็ตาม เจ้าหน้าที่ของฟลอเรนซ์เกลี้ยกล่อมให้ประติมากรที่มีชื่อเสียงสร้างสันติภาพกับสมเด็จพระสันตะปาปา ในไม่ช้าเขาก็หันไปหา Michelangelo พร้อมข้อเสนอใหม่ - เพื่อตกแต่งเพดานของโบสถ์น้อยซิสทีน ปรมาจารย์ผู้ซึ่งคิดว่าตัวเองเป็นประติมากรเป็นหลัก ยอมรับคำสั่งนี้อย่างไม่เต็มใจ อย่างไรก็ตามเรื่องนี้ เขาสร้างผืนผ้าใบที่ยังคงเป็นผลงานชิ้นเอกของศิลปะโลกและทิ้งความทรงจำของจิตรกรมาหลายชั่วอายุคน

ควรสังเกตว่ามีเกลันเจโลทำงานเกี่ยวกับการทาสีเพดานซึ่งมีเนื้อที่มากกว่า 600 ตารางเมตร ม. อยู่คนเดียวโดยไม่มีผู้ช่วย อย่างไรก็ตาม สี่ปีต่อมา ปูนเปียกก็เสร็จสมบูรณ์

พื้นผิวทั้งหมดของเพดานสำหรับการทาสีถูกแบ่งออกเป็นหลายส่วน สถานที่ตรงกลางถูกครอบครองโดยฉากเก้าฉากที่แสดงถึงการสร้างโลกตลอดจนชีวิตของผู้คนกลุ่มแรก ในมุมของแต่ละฉากมีร่างของเยาวชนที่เปลือยเปล่า ทางด้านซ้ายและด้านขวาขององค์ประกอบนี้เป็นภาพเฟรสโกที่มีรูปของผู้เผยพระวจนะเจ็ดคนและผู้ทำนายห้าคน เพดาน โค้งโค้ง และลายฉลุตกแต่งด้วยฉากในพระคัมภีร์แต่ละฉาก ควรสังเกตว่าร่างของมีเกลันเจโลที่นี่มีเกล็ดต่างกัน เทคนิคพิเศษนี้ทำให้ผู้เขียนสามารถดึงความสนใจของผู้ชมไปที่ตอนและภาพที่สำคัญที่สุดได้

จนตอนนี้นักประวัติศาสตร์ศิลป์ยังงงกับปัญหาอยู่ แนวความคิดทางอุดมคติจิตรกรรมฝาผนัง ความจริงก็คือว่าแผนการทั้งหมดที่ประกอบขึ้นนั้นเขียนขึ้นโดยละเมิดลำดับตรรกะของการพัฒนาโครงเรื่องในพระคัมภีร์ ตัวอย่างเช่น ภาพวาด "ความมึนเมาของโนอาห์" นำหน้าองค์ประกอบ "การแยกแสงจากความมืด" แม้ว่าควรเป็นในทางตรงกันข้าม อย่างไรก็ตามการกระจัดกระจายของแปลงดังกล่าวไม่ส่งผลต่อทักษะทางศิลปะของจิตรกร เห็นได้ชัดว่ามันยังคงสำคัญกว่าสำหรับศิลปินที่จะไม่เปิดเผยเนื้อหาของการเล่าเรื่อง แต่อีกครั้ง (เช่นในรูปปั้นของเดวิด) เพื่อแสดงความสามัคคีของจิตวิญญาณที่สวยงามและสูงส่งของบุคคลและร่างกายที่แข็งแรงและทรงพลังของเขา
สิ่งนี้ได้รับการยืนยันโดยภาพของผู้เฒ่าที่เหมือนไททันของ Sabaoth (ภาพเฟรสโก "การสร้างดวงอาทิตย์และดวงจันทร์") ผู้สร้างผู้ทรงคุณวุฒิ

ในจิตรกรรมฝาผนังเกือบทั้งหมดที่เล่าถึงการสร้างโลก ผู้ชมก็ปรากฏตัวขึ้น ขนาดยักษ์บุคคลที่ตามคำร้องขอของผู้สร้างชีวิตความมุ่งมั่นความแข็งแกร่งและจะตื่นขึ้น แนวคิดเรื่องความเป็นอิสระไหลผ่านภาพวาด "การล่มสลาย" ที่อีฟเอื้อมมือไปหาผลไม้ต้องห้ามท้าทายโชคชะตาอย่างที่มันเป็นเป็นการแสดงออกถึงความปรารถนาอันแน่วแน่ในอิสรภาพ ภาพของปูนเปียก "น้ำท่วม" เต็มไปด้วยความไม่ยืดหยุ่นและความกระหายที่จะมีชีวิตซึ่งวีรบุรุษที่เชื่อในความต่อเนื่องของชีวิตและความเมตตา

ภาพของพี่น้องและผู้เผยพระวจนะนั้นแสดงโดยร่างของผู้คนซึ่งแสดงถึงความรู้สึกที่แข็งแกร่งและบุคลิกลักษณะที่สดใสของตัวละคร โจเอลผู้เฉลียวฉลาดอยู่ที่นี่ตรงข้ามกับเอเสเคียลผู้สิ้นหวัง ผู้ชมรู้สึกทึ่งกับภาพของอิสยาห์ที่มีจิตวิญญาณและความสวยงามซึ่งแสดงให้เห็นในช่วงเวลาของการทำนายคือ Delphic Sibyl ด้วยดวงตาใสขนาดใหญ่

ด้านบน ภาพที่น่าสมเพชและความยิ่งใหญ่ของภาพที่สร้างขึ้นโดย Michelangelo ได้รับการกล่าวถึงมากกว่าหนึ่งครั้ง ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจก็คือแม้แต่สิ่งที่เรียกว่า ตัวเลขเสริมนั้นได้รับการสนับสนุนจากอาจารย์ที่มีคุณสมบัติเหมือนกับตัวละครหลัก ภาพของชายหนุ่มที่อยู่ในมุมของภาพวาดแต่ละภาพเป็นศูนย์รวมของความสุขในชีวิตที่บุคคลได้รับและจิตสำนึกของความแข็งแกร่งทางวิญญาณและร่างกายของเขาเอง

นักประวัติศาสตร์ศิลป์ถือว่าภาพวาดของโบสถ์น้อยซิสทีนเป็นผลงานที่เติมเต็มช่วงเวลาแห่งการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของมีเกลันเจโล ที่นี่อาจารย์แบ่งเพดานได้สำเร็จเพื่อให้ถึงแม้จะมีหัวข้อที่หลากหลาย แต่ภาพเฟรสโกโดยรวมก็ให้ความรู้สึกถึงความสามัคคีและความสามัคคีของภาพที่ศิลปินสร้างขึ้น

ตลอดระยะเวลาของงานเขียนปูนเปียกของไมเคิลแองเจโล วิธีการทางศิลปะของอาจารย์ก็ค่อยๆ เปลี่ยนไป อักขระในภายหลังจะถูกนำเสนอที่ใหญ่ขึ้น - สิ่งนี้ช่วยเพิ่มความยิ่งใหญ่ได้อย่างมาก นอกจากนี้ ขนาดของภาพดังกล่าวยังนำไปสู่ความจริงที่ว่าความเป็นพลาสติกของตัวเลขมีความซับซ้อนมากขึ้น อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ไม่ได้ส่งผลต่อความชัดเจนของภาพ บางทีที่นี่ พรสวรรค์ของประติมากรอาจปรากฏที่นี่ มากกว่าที่อื่น ซึ่งสามารถถ่ายทอดทุกการเคลื่อนไหวอย่างละเอียดของร่างมนุษย์ได้ หนึ่งได้รับความประทับใจว่าภาพเขียนไม่ได้ทาสีด้วยสี แต่เป็นภาพนูนสามมิติที่หล่อหลอมอย่างชำนาญ

ลักษณะของจิตรกรรมฝาผนังในส่วนต่าง ๆ ของเพดานนั้นแตกต่างกัน หากภาคกลางแสดงอารมณ์ในแง่ดีมากที่สุดในห้องโค้งมีภาพที่แสดงถึงความรู้สึกมืดมนทั้งหมด: ความสงบความเศร้าและความวิตกกังวลจะถูกแทนที่ด้วยความสับสนและชา

การตีความภาพของบรรพบุรุษของพระคริสต์ที่นำเสนอโดย Michelangelo ก็น่าสนใจเช่นกัน บางคนแสดงความรู้สึกสามัคคีเครือญาติ ตรงกันข้ามกับคนอื่นๆ เต็มไปด้วยความอาฆาตพยาบาทและความเกลียดชังซึ่งกันและกัน ซึ่งไม่ธรรมดาสำหรับวีรบุรุษในพระคัมภีร์ที่ได้รับเรียกให้นำความสว่างและความดีงามมาสู่โลก นักประวัติศาสตร์ศิลปะถือว่าภาพวาดของโบสถ์ในเวลาต่อมาเป็นการแสดงให้เห็นถึงวิธีการทางศิลปะแบบใหม่ ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของช่วงเวลาใหม่ในเชิงคุณภาพในผลงานของจิตรกรปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียง

ในยุค 20. ในศตวรรษที่ 16 ผลงานของ Michelangelo ปรากฏขึ้นซึ่งมีจุดประสงค์เพื่อตกแต่งหลุมฝังศพของ Pope Julius II คำสั่งสำหรับการก่อสร้างหลังได้รับจากประติมากรที่มีชื่อเสียงจากทายาทของสมเด็จพระสันตะปาปา ในเวอร์ชันนี้ หลุมฝังศพควรจะมีขนาดเล็กกว่าเล็กน้อยโดยมีจำนวนรูปปั้นขั้นต่ำ ในไม่ช้าอาจารย์ก็เสร็จงานในการประหารชีวิตประติมากรรมสามชิ้น: รูปปั้นทาสสองคนและโมเสส

มีเกลันเจโลทำงานเกี่ยวกับภาพเชลยตั้งแต่ปี ค.ศ. 1513 ประเด็นสำคัญของงานนี้ก็คือชายคนหนึ่งที่ต้องดิ้นรนต่อสู้กับกองกำลังที่เป็นปรปักษ์ต่อเขา ที่นี่ร่างที่ยิ่งใหญ่ของวีรบุรุษผู้ได้รับชัยชนะถูกแทนที่ด้วยตัวละครที่กำลังจะตายในการต่อสู้กับความชั่วร้ายอย่างไม่เท่าเทียมกัน ยิ่งกว่านั้นภาพเหล่านี้กลับกลายเป็นว่าไม่ได้อยู่ภายใต้เป้าหมายและภารกิจใดของศิลปิน แต่แสดงถึงการผสมผสานระหว่างอารมณ์และความรู้สึก

ความเก่งกาจของภาพแสดงออกมาด้วยความช่วยเหลือของวิธีการทางศิลปะและภาพที่อาจารย์ใช้ หากจนถึงเวลานั้น Michelangelo พยายามแสดงรูปหรือกลุ่มประติมากรรมจากด้านใดด้านหนึ่ง ตอนนี้ภาพที่ศิลปินสร้างขึ้นจะกลายเป็นพลาสติกที่กำลังเปลี่ยนไป ขึ้นอยู่กับด้านของรูปปั้นที่ผู้ดูอยู่ มันใช้โครงร่างบางอย่าง ในขณะที่ปัญหานี้หรือปัญหานั้นรุนแรงขึ้น

ภาพประกอบข้างต้นสามารถใช้เป็น "นักโทษที่ถูกคุมขัง" ดังนั้น หากผู้ดูเดินไปรอบ ๆ ประติมากรรมในทิศทางตามเข็มนาฬิกา เขาจะมองเห็นสิ่งต่อไปนี้ได้ง่าย: อย่างแรก ร่างของเชลยที่ถูกมัดไว้โดยที่ศีรษะของเขาถูกโยนกลับไปและร่างกายที่ทำอะไรไม่ถูกแสดงถึงความทุกข์ทรมานที่ไร้มนุษยธรรมจากจิตสำนึกในความอ่อนแอของเขาเอง ความอ่อนแอของจิตวิญญาณและร่างกายของมนุษย์ อย่างไรก็ตาม เมื่อคุณเคลื่อนไปรอบๆ ประติมากรรม ภาพจะเปลี่ยนไปอย่างมาก ความอ่อนแอในอดีตของนักโทษหายไป กล้ามเนื้อของเขาเต็มไปด้วยความแข็งแกร่ง ศีรษะของเขายกขึ้นอย่างภาคภูมิใจ และตอนนี้ก่อนที่ผู้ชมจะไม่ใช่ผู้พลีชีพที่เหน็ดเหนื่อยอีกต่อไป แต่เป็นร่างที่ทรงพลังของฮีโร่ไททันซึ่งบังเอิญถูกใส่กุญแจมือด้วยอุบัติเหตุที่ไร้สาระ ดูเหมือนว่าอีกสักครู่ - และโซ่ตรวนจะพังทลาย อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ไม่ได้เกิดขึ้น ผู้ชมเห็นว่าร่างกายมนุษย์อ่อนแอลงอีกครั้งอย่างไร หัวของเขาจมลง และที่นี่อีกครั้งเรามีนักโทษที่น่าสังเวช ยอมจำนนต่อชะตากรรมของเขา

ความแปรปรวนเดียวกันสามารถติดตามได้ในรูปปั้น "นักโทษที่กำลังจะตาย" ในขณะที่คุณคืบหน้า ผู้ชมจะเห็นว่าร่างกายที่เต้นด้วยความเจ็บปวดนั้นค่อย ๆ สงบลงและมึนงง ชวนให้นึกถึงความสงบและความสงบชั่วนิรันดร์

ประติมากรรมของเชลยนั้นแสดงออกอย่างผิดปกติซึ่งสร้างขึ้นเนื่องจากการถ่ายโอนความเป็นพลาสติกของการเคลื่อนไหวของร่างที่เหมือนจริง พวกเขามีชีวิตขึ้นมาต่อหน้าต่อตาผู้ชม ในแง่ของพลังแห่งการประหารชีวิต รูปปั้นของเชลยสามารถเทียบได้กับรูปปั้นที่เก่าแก่ที่สุดของปรมาจารย์ - "การต่อสู้ของเซนทอร์" เท่านั้น

รูปปั้นของโมเสสซึ่งแตกต่างจากเชลย ค่อนข้างจำกัดในอุปนิสัย แต่ก็แสดงออกได้ไม่น้อย ที่นี่ Michelangelo หมายถึงการสร้างภาพของฮีโร่มนุษย์ไททานิคอีกครั้ง ร่างของโมเสสเป็นศูนย์รวมของผู้นำ ผู้นำ คนที่มีเจตจำนงแข็งแกร่งผิดปกติ สาระสำคัญของเขาถูกเปิดเผยอย่างเต็มที่ที่สุดเมื่อเปรียบเทียบกับดาวิด หากสิ่งหลังเป็นสัญลักษณ์ของความมั่นใจในความแข็งแกร่งและการอยู่ยงคงกระพัน นี่คือสิ่งที่โมเสสแสดงตัวตนของแนวคิดที่ว่าชัยชนะต้องใช้ความพยายามอย่างมาก ความตึงเครียดทางจิตวิญญาณของฮีโร่นี้ถ่ายทอดโดยอาจารย์ไม่เพียง แต่ผ่านการแสดงออกที่น่าเกรงขามบนใบหน้าของเขาเท่านั้น แต่ยังได้รับความช่วยเหลือจากรูปร่างที่ปั้นเป็นพลาสติก: เส้นหักเหอย่างรุนแรงของเสื้อผ้าที่พับเคราของโมเสสหงายขึ้น .

ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1519 มีเกลันเจโลทำงานเพื่อสร้างรูปปั้นเชลยอีกสี่รูป อย่างไรก็ตาม พวกเขายังคงทำไม่เสร็จ ต่อจากนั้นพวกเขาได้ตกแต่งถ้ำในสวน Boboli ซึ่งตั้งอยู่ในเมืองฟลอเรนซ์ ปัจจุบัน รูปปั้นเหล่านี้ถูกเก็บไว้ในสถาบันการศึกษาของฟลอเรนซ์ ในงานเหล่านี้ ชุดรูปแบบใหม่สำหรับ Michelangelo ปรากฏขึ้น: ความเชื่อมโยงระหว่างรูปปั้นกับก้อนหินที่นำมาเป็นแหล่งข้อมูล ประติมากรเสนอแนวคิดเกี่ยวกับจุดประสงค์หลักของศิลปินที่นี่: เพื่อปลดปล่อยภาพจากโซ่ตรวนหิน เนื่องจากความจริงที่ว่าประติมากรรมยังไม่เสร็จและชิ้นส่วนหินดิบสามารถมองเห็นได้ชัดเจนในส่วนล่างของพวกเขา ผู้ชมสามารถเห็นกระบวนการทั้งหมดในการสร้างภาพ มีการแสดงความขัดแย้งทางศิลปะใหม่: มนุษย์และโลกรอบตัวเขา นอกจากนี้ ความขัดแย้งนี้ไม่ได้รับการแก้ไขเพื่อประโยชน์ของบุคคล ความรู้สึกและความหลงใหลทั้งหมดของเขาถูกระงับโดยสิ่งแวดล้อม

ภาพวาดของโบสถ์เมดิชิในฟลอเรนซ์เป็นผลงานที่เป็นจุดสิ้นสุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง และในขณะเดียวกันก็เป็นเวทีใหม่ในงานของไมเคิลแองเจโล งานนี้ดำเนินไปเป็นเวลา 15 ปี ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1520 ถึง ค.ศ. 1534 ศิลปินถูกบังคับให้ระงับงานที่เกี่ยวข้องกับเหตุการณ์ทางการเมืองในอิตาลีในบางครั้ง ในปี ค.ศ. 1527 เพื่อตอบสนองต่อความพ่ายแพ้ของกรุงโรม ฟลอเรนซ์ประกาศตนเป็นสาธารณรัฐ

มีเกลันเจโลในฐานะผู้สนับสนุนระบบรัฐของพรรครีพับลิกันได้รับเลือกให้ดำรงตำแหน่งหัวหน้างานป้อมปราการและมีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการป้องกันเมือง เมื่อฟลอเรนซ์ล้มลงและเมดิชิกลับมาสู่อำนาจอีกครั้ง ศิลปินที่มีชื่อเสียงและตอนนี้ก็เป็นนักการเมืองด้วย ความรอดมาค่อนข้างกะทันหัน สมเด็จพระสันตะปาปาเคลมองต์ที่ 7 เมดิชิ ทรงเป็นคนหยิ่งทะนงและไร้เหตุผล ทรงแสดงความปรารถนาที่จะทิ้งความทรงจำของตนเองและญาติพี่น้องไว้กับลูกหลาน ใครถ้าไม่ใช่มีเกลันเจโลซึ่งมีชื่อเสียงด้านศิลปะการวาดภาพที่สวยงามและสร้างรูปปั้นที่ยอดเยี่ยมใครจะทำเช่นนี้ได้?

ดังนั้น งานก่อสร้างโบสถ์เมดิชิจึงกลับมาทำงานต่อ ด้านหลังเป็นอาคารขนาดเล็กที่มีกำแพงสูง มียอดโดมอยู่ด้านบน มีสุสานสองแห่งในโบสถ์: Dukes Giuliano of Nemours และ Lorenzo of Urbino ซึ่งตั้งอยู่ตามแนวกำแพง ที่กำแพงที่สาม ตรงข้ามแท่นบูชา มีรูปปั้นพระแม่มารี ทางซ้ายและทางขวาของเธอคืองานประติมากรรมที่แสดงถึงภาพของนักบุญคอสมาสและดาเมียน เป็นที่ยอมรับว่าพวกเขาถูกสร้างขึ้นโดยลูกศิษย์ของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ นักวิจัยแนะนำว่าสำหรับหลุมฝังศพ Medici ที่รูปปั้นของ Apollo (ชื่ออื่นคือ David) และ Crouching Boy ก็ถูกสร้างขึ้นด้วย

ถัดจากประติมากรรมของดยุคซึ่งไม่มีลักษณะภายนอกคล้ายกับต้นแบบของพวกเขา มีการวางตัวเลขเชิงเปรียบเทียบ: "เช้า", "กลางวัน", "เย็น" และ "กลางคืน" สิ่งเหล่านี้ถูกนำเสนอในฐานะสัญลักษณ์แห่งความไม่ยั่งยืนของเวลาบนโลกและชีวิตมนุษย์ รูปปั้นที่ตั้งอยู่ในซอกแคบทำให้เกิดความรู้สึกหดหู่ใจ บางสิ่งที่น่ากลัวและน่ากลัวกำลังใกล้เข้ามา ตัวเลขเชิงปริมาตรของดยุคซึ่งกลายเป็นกำแพงหินทับจากทุกทิศทุกทาง แสดงถึงความแตกแยกทางวิญญาณและความว่างเปล่าภายในของภาพ

ความสามัคคีมากที่สุดในชุดนี้คือภาพของมาดอนน่า แสดงออกอย่างไม่ธรรมดาและเต็มไปด้วยเนื้อเพลง มันชัดเจนและไม่เป็นภาระกับเส้นที่มืดมน

โบสถ์เมดิชิเป็นที่สนใจเป็นพิเศษจากมุมมองของความเป็นเอกภาพทางศิลปะของรูปแบบสถาปัตยกรรมและประติมากรรม แนวของอาคารและรูปปั้นต่างอยู่ภายใต้แนวคิดหนึ่งของศิลปิน โบสถ์เป็นตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดของการสังเคราะห์และความกลมกลืนของปฏิสัมพันธ์ของศิลปะสองประเภท นั่นคือ ประติมากรรมและสถาปัตยกรรม โดยที่ส่วนหนึ่งของส่วนใดส่วนหนึ่งจะเสริมและพัฒนาความหมายขององค์ประกอบอื่นๆ อย่างกลมกลืน

ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1534 มีเกลันเจโลออกจากฟลอเรนซ์และตั้งรกรากอยู่ในกรุงโรมซึ่งเขาอาศัยอยู่จนสิ้นชีวิต ยุคโรมันของผลงานของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ได้ผ่านพ้นไปภายใต้เงื่อนไขของการต่อสู้เพื่อต่อต้านการปฏิรูปกับแนวคิดที่ร้องโดยนักเขียน จิตรกร และประติมากรแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ผลงานของยุคหลังกำลังถูกแทนที่ด้วยศิลปะของนักปฏิบัติ

ในกรุงโรม มีเกลันเจโลใกล้ชิดกับผู้คนที่ประกอบเป็นวงศาสนาและปรัชญา นำโดยกวีชาวอิตาลีผู้โด่งดังในสมัยนั้น วิตตอเรีย โคลอนนา อย่างไรก็ตาม ในวัยหนุ่ม ความคิดและความคิดของไมเคิลแองเจโลยังห่างไกลจากความคิดที่วนเวียนอยู่ในหัวของวงกลม อันที่จริง อาจารย์อาศัยและทำงานในกรุงโรมในสภาพแวดล้อมของความเข้าใจผิดและความเหงาทางวิญญาณ

ในเวลานี้ (1535-1541) ภาพเฟรสโกการพิพากษาครั้งสุดท้ายปรากฏขึ้นซึ่งประดับประดาผนังแท่นบูชาของโบสถ์น้อยซิสทีน

เรื่องราวในพระคัมภีร์ที่นี่ได้รับการคิดใหม่โดยผู้เขียน จิตรกรรม วันโลกาวินาศผู้ชมมองว่าไม่ใช่จุดเริ่มต้นเชิงบวก ชัยชนะของความยุติธรรมที่สูงขึ้น แต่เป็นโศกนาฏกรรมสากลของการเสียชีวิตของทั้งครอบครัว เช่น Apocalypse ผู้คนจำนวนมากช่วยเสริมการแสดงละครขององค์ประกอบ

ลักษณะองค์ประกอบของภาพสอดคล้องกับงานของศิลปินอย่างเต็มที่ - เพื่อแสดงบุคคลที่หลงทางในมวลทั่วไป ต้องขอบคุณการตัดสินใจของภาพทางศิลปะนี้ ผู้ชมจึงรู้สึกโดดเดี่ยวในโลกนี้และไร้อำนาจต่อหน้ากองกำลังที่เป็นศัตรู ซึ่งไม่มีประโยชน์ในการต่อสู้ โน้ตที่น่าเศร้าจะได้รับเสียงที่แหลมคมมากขึ้นเช่นกันเพราะอาจารย์ไม่มีภาพเสาหินของกลุ่มคนที่นี่ (เนื่องจากจะนำเสนอบนผืนผ้าใบของศิลปินในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย) แต่ละคนใช้ชีวิตของตัวเอง อย่างไรก็ตามข้อดีที่ไม่อาจปฏิเสธได้ของจิตรกรถือได้ว่าเป็นความจริงที่ว่าเขาแสดงให้เห็นถึงมวลมนุษย์แม้ว่าจะยังไม่ต่อเนื่องกัน แต่ก็ไม่มีตัวตนอีกต่อไป

ใน The Last Judgement ไมเคิลแองเจโลนำเสนอเทคนิคการแสดงสีที่แสดงออกอย่างผิดปกติ ความเปรียบต่างของร่างกายที่เปลือยเปล่าและท้องฟ้าสีดำและสีน้ำเงินที่มืดมิดช่วยเพิ่มความประทับใจให้กับความตึงเครียดและความหดหู่ในองค์ประกอบภาพ

ไมเคิลแองเจโล คำพิพากษาที่แย่มาก ปูนเปียกในโบสถ์น้อยซิสทีนในวาติกัน เศษส่วน 1535-1541

ในช่วงระหว่างปี 1542 ถึง 1550 มีเกลันเจโลกำลังทาสีผนังโบสถ์เปาลินาในวาติกัน จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ได้วาดภาพเฟรสโกสองภาพ ซึ่งต่อมาเรียกว่า "การกลับใจใหม่ของเปาโล" และอีกภาพหนึ่งคือ "การตรึงกางเขนของเปโตร" ในตอนหลังในตัวละครที่เฝ้าดูการประหารชีวิตของปีเตอร์แนวคิดเรื่องการยินยอมโดยปริยายการเพิกเฉยและการเชื่อฟังของบุคคลต่อชะตากรรมของเขานั้นถูกนำเสนออย่างเต็มที่ ผู้คนไม่มีความแข็งแกร่งทางร่างกายและจิตใจในการต่อต้านความรุนแรงและความชั่วร้าย

ในช่วงปลายทศวรรษ 1530 มีรูปปั้นอีกชิ้นหนึ่งโดย Michelangelo - รูปปั้นครึ่งตัวของ Brutus งานนี้ทำหน้าที่เป็นการตอบสนองจากปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงต่อการสังหาร Duke Alessandro de Medici ผู้เผด็จการซึ่งกระทำโดย Lorenzo ญาติของเขา โดยไม่คำนึงถึงแรงจูงใจที่แท้จริง การกระทำของคนหลังได้รับการต้อนรับอย่างยินดีจากศิลปิน - ผู้สนับสนุนพรรครีพับลิกัน ความน่าสมเพชทางแพ่งเต็มไปด้วยภาพลักษณ์ของบรูตัสซึ่งเป็นตัวแทนของเจ้านายผู้สูงศักดิ์ ภาคภูมิใจ เป็นอิสระ คนที่มีสติปัญญาดีและมีหัวใจที่อบอุ่น มีเกลันเจโลกลับมาเป็นภาพลักษณ์ของคนในอุดมคติที่มีคุณสมบัติทางจิตวิญญาณและสติปัญญาสูง

ปีสุดท้ายของงานของ Michelangelo ผ่านไปในบรรยากาศของการสูญเสียเพื่อนและญาติ และปฏิกิริยาต่อสาธารณะที่เลวร้ายยิ่งกว่าเดิม นวัตกรรมของผู้ต่อต้านการปฏิรูปไม่สามารถส่งผลกระทบต่องานของอาจารย์ได้ซึ่งความคิดที่ก้าวหน้าที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้ปรากฏออกมา: มนุษยนิยม, ความรักในอิสรภาพ, การกบฏต่อโชคชะตา พอจะพูดได้ว่าโดยการตัดสินใจของ Paul IV Caraffa หนึ่งในผู้ชื่นชมการปฏิรูปอย่างดุเดือด ได้มีการเปลี่ยนแปลงองค์ประกอบของการพิพากษาครั้งสุดท้ายโดยจิตรกรที่มีชื่อเสียง สมเด็จพระสันตะปาปาทรงพิจารณาร่างเปลือยเปล่าลามกอนาจารที่ปรากฎในภาพเฟรสโกของผู้คน ตามคำสั่งของเขา Daniele da Volterra นักเรียนของ Michelangelo ได้ซ่อนภาพเปลือยของภาพของ Michelangelo ด้วยผ้าคลุม

อารมณ์ที่มืดมนและเจ็บปวดของความเหงาและการล่มสลายของความหวังทั้งหมดนั้นตื้นตันใจกับผลงานชิ้นสุดท้ายของ Michelangelo ซึ่งเป็นชุดภาพวาดและประติมากรรม ผลงานเหล่านี้สะท้อนให้เห็นถึงความขัดแย้งภายในของอาจารย์ที่ได้รับการยอมรับอย่างชัดเจนที่สุด

ดังนั้นพระเยซูคริสต์ใน "Pieta" จากปาเลสไตน์จึงถูกนำเสนอเป็นวีรบุรุษที่ถูกทำลายภายใต้การโจมตีของกองกำลังภายนอก ภาพเดียวกันใน "Pieta" ("The Entombment") จากมหาวิหารฟลอเรนซ์มีความธรรมดาและเป็นมนุษย์มากขึ้น มันไม่ใช่ไททันแล้ว ปรากฎว่าเป็นสิ่งสำคัญมากขึ้นสำหรับศิลปินในการแสดงความแข็งแกร่งอารมณ์และประสบการณ์ของตัวละครที่นี่

โครงร่างที่หักของพระวรกายของพระคริสต์ รูปแม่ที่พิงอยู่ ศพลูกชายนิโคเดมัสลดร่างกาย
พระเยซูเข้าไปในหลุมฝังศพ - ทุกสิ่งทุกอย่างอยู่ภายใต้ภารกิจเดียว: เพื่อพรรณนาถึงประสบการณ์ของมนุษย์ที่ลึกซึ้ง นอกจากนี้ จริง
ข้อดีของงานเหล่านี้คือการเอาชนะความแตกแยกของภาพโดยอาจารย์ ผู้คนในภาพเป็นน้ำหนึ่งใจเดียวกันด้วยความรู้สึกเห็นอกเห็นใจและความขมขื่นของการสูญเสีย เทคนิคของ Michelangelo นี้ได้รับการพัฒนาในขั้นต่อไปในการก่อตัวของศิลปะของอิตาลีในผลงานของศิลปินและประติมากรแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

จุดสุดยอดของขั้นตอนสุดท้ายของงานของ Michelangelo ถือได้ว่าเป็นประติมากรรมซึ่งต่อมาเรียกว่า Pieta Rondanini รูปภาพที่แสดงในที่นี้นำเสนอเป็นศูนย์รวมของความอ่อนโยน จิตวิญญาณ ความเศร้าโศกและความโศกเศร้า ที่นี่ มากกว่าที่เคย ธีมของความเหงาของมนุษย์ในโลกที่มีคนจำนวนมากที่ฟังดูรุนแรง

ลวดลายเดียวกันก้องกังวานในภายหลัง งานกราฟฟิคอาของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ผู้ซึ่งพิจารณาวาดหลักการพื้นฐานของประติมากรรม จิตรกรรม และสถาปัตยกรรม

ภาพของงานกราฟิกของ Michelangelo นั้นไม่ต่างจากฮีโร่ของผลงานชิ้นเอกของเขา: มีการนำเสนอฮีโร่ไททันผู้ยิ่งใหญ่คนเดียวกันที่นี่ ในช่วงสุดท้ายของความคิดสร้างสรรค์ Michelangelo หันมาใช้การวาดภาพเป็นแนวศิลปะและภาพที่เป็นอิสระ ดังนั้นในช่วง 30-40 ปี ศตวรรษที่ 16 เป็นรูปลักษณ์ที่โดดเด่นที่สุดและ องค์ประกอบที่แสดงออกผู้เชี่ยวชาญ เช่น "การล่มสลายของรถม้า" และ "การฟื้นคืนพระชนม์ของพระคริสต์"

วิวัฒนาการของวิธีการทางศิลปะของอาจารย์สามารถติดตามตัวอย่างงานกราฟิกได้อย่างง่ายดาย หากภาพวาดแรกที่วาดด้วยปากกามีภาพร่างที่ค่อนข้างเฉพาะเจาะจงด้วยโครงร่างที่ค่อนข้างคมชัด รูปภาพในภายหลังจะคลุมเครือและนุ่มนวลขึ้น ความเบานี้ถูกสร้างขึ้นเนื่องจากศิลปินใช้ดินสอสีหรือดินสออิตาลีด้วยความช่วยเหลือของเส้นที่บางกว่าและละเอียดอ่อนกว่าถูกสร้างขึ้น

อย่างไรก็ตาม ผลงานช่วงปลายของ Michelangelo ไม่ได้ถูกทำเครื่องหมายด้วยวิธีที่สิ้นหวังอย่างน่าเศร้าเท่านั้น โครงสร้างทางสถาปัตยกรรมของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งย้อนกลับไปในยุคนี้ ดูเหมือนจะสืบสานประเพณีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา มหาวิหารเซนต์ปีเตอร์และกลุ่มสถาปัตยกรรมของ Capitol ในกรุงโรมเป็นศูนย์รวมของแนวคิดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของมนุษยนิยมชั้นสูง

Michelangelo Buonarroti เสียชีวิตในกรุงโรมเมื่อวันที่ 18 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1564 ร่างของเขาถูกนำออกจากเมืองหลวงอย่างมั่นใจที่สุดและส่งไปยังฟลอเรนซ์ ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ถูกฝังในโบสถ์ซานตาโครเช

ผลงานของปรมาจารย์ด้านจิตรกรรมและประติมากรรมมีบทบาทสำคัญในการก่อตัวและพัฒนาวิธีการทางศิลปะของสาวกไมเคิลแองเจโลหลายคน ในหมู่พวกเขามีราฟาเอล มารยาท ซึ่งมักจะคัดลอกเส้นของภาพที่สร้างขึ้นโดยจิตรกรที่มีชื่อเสียง ศิลปะของ Michelangelo มีความสำคัญไม่น้อยสำหรับตัวแทนของยุคบาโรก อย่างไรก็ตาม มันผิดที่จะบอกว่าภาพของบาโรก (บุคคลที่ขับเคลื่อนไปข้างหน้าไม่ใช่ด้วยแรงกระตุ้นภายใน แต่โดยกองกำลังภายนอก) นั้นคล้ายกับวีรบุรุษของมีเกลันเจโลซึ่งยกย่องมนุษยนิยมเจตจำนงและความแข็งแกร่งภายในของบุคคลนั้น จะผิด

ราฟาเอล สันติ

Rafael Santi เกิดในเมืองเล็ก ๆ ของ Urbino ในปี 1483 ไม่สามารถระบุวันเดือนปีเกิดของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ได้ ตามแหล่งข่าวรายหนึ่ง เขาเกิดเมื่อวันที่ 26 หรือ 28 มีนาคม นักวิชาการคนอื่นๆ อ้างว่าวันเกิดของราฟาเอลคือ 6 เมษายน ค.ศ. 1483

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 15 เออร์บิโนกลายเป็นเมืองที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่ง ศูนย์วัฒนธรรมประเทศ. นักชีวประวัติแนะนำว่าราฟาเอลศึกษากับจิโอวานนี สันติ พ่อของเขา ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1495 ชายหนุ่มได้ทำงานในเวิร์คช็อปศิลปะของอาจารย์ชาวเออร์บิโน Timoteo della Vite

ผลงานชิ้นแรกสุดของราฟาเอลถือเป็นงานย่อส่วน "ความฝันของอัศวิน" และ "สามพระหรรษทาน" ในงานเหล่านี้แล้ว อุดมการณ์ที่เห็นอกเห็นใจซึ่งเทศนาโดยปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้สะท้อนออกมาอย่างเต็มที่แล้ว

ใน "ความฝันของอัศวิน" มีการคิดใหม่เกี่ยวกับธีมในตำนานของ Hercules ซึ่งต้องเผชิญกับทางเลือก: Valor หรือ Pleasure? .. Raphael แสดงให้เห็นว่า Hercules เป็นอัศวินหนุ่มที่หลับใหล ข้างหน้าเขามีหญิงสาวสองคน: คนหนึ่งมีหนังสือและดาบอยู่ในมือ (สัญลักษณ์แห่งความรู้ความกล้าหาญและความสามารถแห่งแขน) อีกคนหนึ่งมีกิ่งก้านดอกแสดงถึงความสุขและความสุข องค์ประกอบทั้งหมดถูกวางไว้บนฉากหลังของภูมิทัศน์ที่สวยงาม

"Three Graces" นำเสนอภาพโบราณอีกครั้งซึ่งนำมาจากความเป็นไปได้ทั้งหมดจากจี้กรีกโบราณ (ภาพบนหินมีค่าหรือสังเคราะห์)

แม้ว่าจะมีการยืมเงินจำนวนมากในผลงานแรก ๆ ของศิลปินหนุ่ม แต่บุคลิกเชิงสร้างสรรค์ของผู้เขียนก็แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนแล้วที่นี่ มันแสดงให้เห็นในเนื้อเพลงของภาพ, การจัดจังหวะพิเศษของงาน, ความนุ่มนวลของเส้นที่ประกอบเป็นร่าง. ในฐานะศิลปินแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงได้รับการกล่าวขานว่าเป็นลักษณะของ งานแรกๆความกลมกลืนที่ไม่ธรรมดาของราฟาเอลกับภาพที่วาดไว้ ตลอดจนความชัดเจนขององค์ประกอบและความชัดเจน

ในปี ค.ศ. 1500 ราฟาเอลออกจากบ้านเกิดและไปที่เปรูจา ซึ่งเป็นเมืองหลักของอุมเบรีย ที่นี่เขาศึกษาการวาดภาพในเวิร์กช็อปของ Pietro Perugino ซึ่งเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะ Umbrian ผู้ร่วมสมัยของราฟาเอลเป็นพยาน: นักเรียนที่มีความสามารถนำสไตล์การเขียนของครูมาใช้อย่างลึกซึ้งจนไม่สามารถแยกแยะผืนผ้าใบของพวกเขาได้ บ่อยครั้ง Rafael และ Perugino ทำตามคำสั่งโดยทำงานร่วมกันในภาพวาด

อย่างไรก็ตาม จะเป็นการผิดที่จะบอกว่าพรสวรรค์ดั้งเดิมของศิลปินรุ่นเยาว์ไม่ได้พัฒนาขึ้นเลยในช่วงเวลานี้ สิ่งนี้ได้รับการยืนยันโดย Conestabile Madonna ที่มีชื่อเสียงซึ่งสร้างขึ้นเมื่อประมาณปี 1504

ในผืนผ้าใบนี้เป็นครั้งแรกที่ภาพของมาดอนน่าปรากฏขึ้นซึ่งในอนาคตจะเป็นหนึ่งในสถานที่ชั้นนำในผลงานของศิลปิน มาดอนน่าถูกทาสีโดยมีฉากหลังเป็นภูมิทัศน์ที่สวยงามด้วยต้นไม้ เนินเขา และทะเลสาบ ภาพเหล่านี้รวมกันโดยความจริงที่ว่าการจ้องมองของมาดอนน่าและทารกหันไปหาหนังสือซึ่งคุณแม่ยังสาวกำลังยุ่งอยู่กับการอ่าน ความสมบูรณ์ขององค์ประกอบไม่เพียงแต่ถ่ายทอดจากร่างของตัวละครหลักเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรูปร่างของภาพด้วย - tondo (กลม) ซึ่งไม่ได้จำกัดเสรีภาพของภาพเลย พวกมันเทอะทะและน้ำหนักเบา ความประทับใจของความเป็นธรรมชาติและความสมจริงเกิดขึ้นจากการใช้สีเย็นอ่อนในองค์ประกอบภาพและการผสมผสานที่พิเศษ: แหลมสีน้ำเงินเข้มของมาดอนน่า ท้องฟ้าสีฟ้าใส ต้นไม้สีเขียวและน้ำในทะเลสาบ ภูเขาที่ปกคลุมด้วยหิมะที่มียอดสีขาว ทั้งหมดนี้เมื่อดูภาพจะสร้างความรู้สึกบริสุทธิ์และอ่อนโยน

อื่นๆ ไม่น้อย งานที่มีชื่อเสียงราฟาเอลซึ่งเกี่ยวข้องกับงานช่วงแรก ๆ ของเขาเช่นกันคือผ้าใบที่สร้างขึ้นในปี 1504 เรียกว่า "การหมั้นของแมรี่" ปัจจุบันภาพวาดถูกเก็บไว้ใน Brera Gallery ในมิลาน สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษที่นี่คือโครงสร้างองค์ประกอบ จิตรกรพิธีหมั้นและพิธีหมั้นถูกย้ายจากผนังโบสถ์ซึ่งมองเห็นได้ไกลออกไปสู่ถนน ศีลระลึกดำเนินการภายใต้ท้องฟ้าสีครามสดใส ตรงกลางของภาพคือพระสงฆ์ ด้านซ้ายและด้านขวาของเขาคือมารีย์และโจเซฟ ถัดจากเด็กหญิงและเด็กชายยืนเป็นกลุ่มเล็กๆ ในมุมมองขององค์ประกอบ คริสตจักรเป็นภูมิหลังที่เกี่ยวข้องกับการหมั้น เธอเป็นสัญลักษณ์ของอุปนิสัยและความโปรดปรานของมารีย์และโยเซฟ ความสมบูรณ์ทางตรรกะของภาพถูกกำหนดโดยกรอบครึ่งวงกลมของผืนผ้าใบในส่วนบน ทำซ้ำแนวโดมของโบสถ์

ตัวเลขในภาพมีความไพเราะและเป็นธรรมชาติในเวลาเดียวกัน ที่นี่การเคลื่อนไหวการปั้นของร่างกายมนุษย์นั้นถ่ายทอดได้อย่างแม่นยำและละเอียดถี่ถ้วน ตัวอย่างที่ชัดเจนของสิ่งนี้คือร่างของเด็กชายซึ่งอยู่เบื้องหน้าขององค์ประกอบโดยหักไม้เท้าที่หัวเข่าของเขา สง่างาม เกือบจะไม่มีตัวตน แมรี่และโจเซฟดูเหมือนกับผู้ชม ใบหน้าฝ่ายวิญญาณของพวกเขาเต็มไปด้วยความรักและความอ่อนโยน แม้จะมีความสมมาตรในการจัดเรียงร่าง แต่ผืนผ้าใบก็ไม่สูญเสียเสียงโคลงสั้น ๆ ภาพที่สร้างขึ้นโดยราฟาเอลไม่ใช่แผนการ แต่เป็นคนที่มีความรู้สึกหลากหลาย

ในงานนี้เป็นครั้งแรกเมื่อเปรียบเทียบกับงานก่อนหน้านี้ ความสามารถของนายน้อยแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในความสามารถในการจัดจังหวะขององค์ประกอบอย่างละเอียด ด้วยคุณสมบัตินี้ รูปภาพของโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมจึงรวมอยู่ในภาพรวมอย่างกลมกลืน ซึ่งไม่เพียงแต่เป็นองค์ประกอบของภูมิทัศน์ของราฟาเอลเท่านั้น แต่ยังเทียบได้กับตัวละครหลักด้วย ซึ่งเผยให้เห็นถึงแก่นแท้และลักษณะนิสัยของพวกมัน

ความปรารถนาที่จะสร้างจังหวะพิเศษในงานก็ถูกกำหนดโดยการใช้สีบางโทนของศิลปินเช่นกัน ดังนั้นองค์ประกอบของ "The Betrothal of Mary" จึงสร้างขึ้นจากสี่สีเท่านั้น

โทนสีเหลืองทอง เขียว และแดง ผสมผสานกับเสื้อผ้าของฮีโร่ ทิวทัศน์ สถาปัตยกรรม และการกำหนดจังหวะที่จำเป็นขององค์ประกอบโดยรวม สร้างความกลมกลืนกับเฉดสีฟ้าอ่อนของท้องฟ้า

ในไม่ช้า เวิร์กช็อปศิลปะของ Perugino ก็เล็กเกินไปสำหรับการเติบโตของพรสวรรค์ของจิตรกรต่อไป ในปี ค.ศ. 1504 ราฟาเอลตัดสินใจย้ายไปฟลอเรนซ์ซึ่งมีการพัฒนาแนวคิดและสุนทรียศาสตร์ของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูง ที่นี่ราฟาเอลทำความคุ้นเคยกับผลงานของมีเกลันเจโลและเลโอนาร์โดดาวินชี มันปลอดภัยที่จะบอกว่าพวกเขาเป็นครูของจิตรกรรุ่นเยาว์ในขั้นนี้ของการก่อตัวของวิธีการสร้างสรรค์ของเขา ในผลงานของปรมาจารย์เหล่านี้ ศิลปินหนุ่มพบบางสิ่งที่ไม่ได้อยู่ในโรงเรียน Umbrian: รูปแบบดั้งเดิมของการสร้างภาพ, ความเป็นพลาสติกที่แสดงออกของร่างที่ปรากฎ, การเป็นตัวแทนของความเป็นจริงที่มากมายมหาศาล

งานศิลปะและภาพสะท้อนให้เห็นแล้วในผลงานที่สร้างโดยราฟาเอลในปี ค.ศ. 1505 ภาพเหมือนของแองเจโล โดนี ผู้อุปถัมภ์ศิลปะที่มีชื่อเสียงจากฟลอเรนซ์ในขณะนั้น และภรรยาของเขาถูกเก็บไว้ในแกลเลอรี Pitti รูปภาพนั้นปราศจากสิ่งที่น่าสมเพชที่กล้าหาญและการไฮเปอร์โบลา คนเหล่านี้เป็นคนธรรมดาที่เพียบพร้อมไปด้วยคุณสมบัติที่ดีที่สุดของมนุษย์ ซึ่งได้แก่ ความมุ่งมั่นและเจตจำนงอันแข็งแกร่ง

ในเมืองฟลอเรนซ์ ราฟาเอลวาดภาพวัฏจักรของภาพเขียนที่อุทิศให้กับพระแม่มารี ผืนผ้าใบของเขา "มาดอนน่าในสีเขียว", "มาดอนน่ากับโกลด์ฟินช์", "มาดอนน่าชาวสวน" ปรากฏขึ้น องค์ประกอบเหล่านี้เป็นตัวแปรของชิ้นเดียวกัน ผืนผ้าใบทั้งหมดพรรณนาถึงพระแม่มารีและพระบุตรกับยอห์นผู้ให้บัพติศมาตัวน้อย ตัวเลขถูกวางไว้บนฉากหลังของภูมิทัศน์ที่สวยงามตระการตา ภาพของราฟาเอลมีความไพเราะ นุ่มนวล และอ่อนโยนเป็นพิเศษ พระแม่มารีของพระองค์เป็นศูนย์รวมของความรักอันเงียบสงบของมารดาที่ให้อภัย ในงานเหล่านี้มีความซาบซึ้งและชื่นชมความงามภายนอกของตัวละครมากเกินไป

ลักษณะเด่นของวิธีการทางศิลปะของจิตรกรในช่วงเวลานี้คือการขาดการมองเห็นสีที่ชัดเจนซึ่งมีอยู่ในอาจารย์ทุกคนของโรงเรียนฟลอเรนซ์ ไม่มีสีที่โดดเด่นบนผืนผ้าใบ รูปภาพจะแสดงเป็นสีพาสเทล สีสำหรับศิลปินไม่ใช่สิ่งสำคัญที่นี่ สิ่งที่สำคัญกว่าสำหรับเขาคือการถ่ายทอดเส้นที่ประกอบเป็นร่างให้ถูกต้องที่สุด

ในเมืองฟลอเรนซ์ ตัวอย่างแรกของภาพวาดอนุสาวรีย์ของราฟาเอลได้ถูกสร้างขึ้น ในหมู่พวกเขาสิ่งที่น่าสนใจที่สุดถูกสร้างขึ้นในช่วงปี ค.ศ. 1506 ถึงปี ค.ศ. 1507“ มาดอนน่ากับยอห์นผู้ให้รับบัพติสมาและนักบุญ นิโคลัส" (หรือ "มาดอนน่าแห่งอันซิเด") วิธีการสร้างสรรค์ของศิลปินได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผืนผ้าใบของจิตรกรชาวฟลอเรนซ์ ส่วนใหญ่เป็น Leonardo da Vinci และ Fra Bartolomeo

ในปี ค.ศ. 1507 ต้องการเปรียบเทียบกับปรมาจารย์ที่ดีที่สุดของโรงเรียนฟลอเรนซ์คือ Leonardo da Vinci และ Michelangelo ราฟาเอลสร้างผืนผ้าใบที่ค่อนข้างใหญ่เรียกว่า "The Entombment" องค์ประกอบของภาพที่แยกจากกันเป็นการทำซ้ำของจิตรกรที่มีชื่อเสียง ดังนั้นศีรษะและร่างกายของพระคริสต์จึงยืมมาจากรูปปั้น "Pieta" ของ Michelangelo (1498-1501) และภาพของผู้หญิงที่สนับสนุน Mary นั้นมาจากผ้าใบของอาจารย์คนเดียวกัน "Madonna Doni" นักประวัติศาสตร์ศิลป์หลายคนไม่คิดว่างานของราฟาเอลนี้เป็นงานต้นฉบับ โดยเผยให้เห็นความสามารถและคุณลักษณะดั้งเดิมของเขาในวิธีการทางศิลปะและภาพ

แม้ว่างานสุดท้ายจะไม่ประสบความสำเร็จ แต่ผลงานศิลปะของราฟาเอลก็มีนัยสำคัญ ในไม่ช้าผู้ร่วมสมัยก็สังเกตเห็นและจดจำผลงานของศิลปินรุ่นเยาว์และผู้แต่งเองก็อยู่ในระดับเดียวกับปรมาจารย์ที่โดดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในปี ค.ศ. 1508 ภายใต้การอุปถัมภ์ของสถาปนิกชื่อดัง Bramante ราฟาเอลเพื่อนร่วมชาติ จิตรกรเดินทางไปโรมซึ่งเขาเป็นหนึ่งในผู้ที่ได้รับเชิญให้ไปที่ศาลของสมเด็จพระสันตะปาปา

จูเลียสที่ 2 ซึ่งในขณะนั้นอยู่บนบัลลังก์ของสมเด็จพระสันตะปาปา เป็นที่รู้กันว่าเป็นคนไร้ผล เด็ดเดี่ยว เด็ดเดี่ยว และเด็ดเดี่ยว
ในช่วงรัชสมัยของพระองค์ ทรัพย์สมบัติของสมเด็จพระสันตะปาปาขยายตัวอย่างมากด้วยความช่วยเหลือจากสงคราม นโยบาย "เชิงรุก" แบบเดียวกันนี้ดำเนินไปในส่วนที่เกี่ยวกับการพัฒนาวัฒนธรรมและศิลปะ ดังนั้นศิลปิน ประติมากร และสถาปนิกที่มีชื่อเสียงที่สุดจึงได้รับเชิญไปที่ศาลของสมเด็จพระสันตะปาปา กรุงโรมซึ่งตกแต่งด้วยอาคารสถาปัตยกรรมจำนวนมากเริ่มเปลี่ยนไปอย่างเห็นได้ชัด: Bramante สร้างมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ มีเกลันเจโลระงับการก่อสร้างหลุมฝังศพของจูเลียสที่ 2 ชั่วคราวและเริ่มทาสีเพดานโบสถ์น้อยซิสทีน วงกวีและนักวิทยาศาสตร์ค่อยๆ ก่อตัวขึ้นรอบๆ สมเด็จพระสันตะปาปา เพื่อประกาศหลักการและแนวคิดที่มีมนุษยนิยมอย่างสูง Rafael Santi ซึ่งมาจากฟลอเรนซ์ตกลงไปในบรรยากาศเช่นนั้น

เมื่อมาถึงกรุงโรม ราฟาเอลเริ่มทำงานในการวาดภาพอพาร์ตเมนต์ของสมเด็จพระสันตะปาปา (บทที่เรียกว่าบท) จิตรกรรมฝาผนังถูกสร้างขึ้นในช่วงระหว่างปี ค.ศ. 1509 ถึงปี ค.ศ. 1517 พวกเขาแตกต่างจากผลงานที่มีลักษณะคล้ายคลึงกันโดยผู้เชี่ยวชาญคนอื่น ๆ ด้วยคุณลักษณะหลายประการ ประการแรกคือขนาดของภาพเขียน หากในผลงานของจิตรกรคนก่อน ๆ มีองค์ประกอบเล็ก ๆ หลายชิ้นอยู่บนผนังด้านหนึ่งแล้วราฟาเอลก็มีผนังแยกต่างหากสำหรับภาพวาดแต่ละภาพ ดังนั้นตัวเลขที่ปรากฎก็ "เติบโตขึ้น"

นอกจากนี้ จำเป็นต้องสังเกตความอิ่มตัวของภาพเฟรสโกของราฟาเอลด้วยองค์ประกอบการตกแต่งที่หลากหลาย: เพดานที่ตกแต่งด้วยหินอ่อนเทียมและปิดทอง ปูนเปียกและองค์ประกอบโมเสค และพื้นทาสีด้วยลวดลายที่สลับซับซ้อน อย่างไรก็ตาม ความหลากหลายดังกล่าวไม่ได้สร้างความประทับใจให้กับความโกลาหลและความโกลาหล จัดวางและจัดวางอย่างชำนาญ องค์ประกอบตกแต่งทำให้เกิดความรู้สึกสามัคคี เป็นระเบียบ และจังหวะที่กำหนดโดยอาจารย์ ผลของนวัตกรรมเชิงสร้างสรรค์และทางเทคนิคดังกล่าว ทำให้ผู้ชมมองเห็นภาพที่สร้างสรรค์โดยศิลปินในภาพเขียนได้อย่างชัดเจน ดังนั้นจึงได้ความชัดเจนที่จำเป็น

ภาพเฟรสโกทั้งหมดต้องเชื่อฟังหัวข้อทั่วไป: การยกย่องคริสตจักรคาทอลิกและหัวหน้าคริสตจักร ในเรื่องนี้ ภาพวาดถูกสร้างขึ้นจากฉากในพระคัมภีร์และฉากจากประวัติศาสตร์ของตำแหน่งสันตะปาปา (พร้อมภาพของ Julius II และผู้สืบทอด Leo X) อย่างไรก็ตาม ในราฟาเอล ภาพเฉพาะดังกล่าวได้รับความหมายเชิงเปรียบเทียบโดยทั่วๆ ไป ซึ่งเผยให้เห็นสาระสำคัญของแนวคิดที่เห็นอกเห็นใจของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษจากมุมมองนี้คือ Stanza della Senyatura (ห้องซิกเนเจอร์) จิตรกรรมฝาผนังขององค์ประกอบเป็นการแสดงออกถึงกิจกรรมทางจิตวิญญาณของมนุษย์สี่ด้าน ดังนั้น "ข้อพิพาท" ปูนเปียกจึงแสดงเทววิทยา "โรงเรียนแห่งเอเธนส์" - ปรัชญา "พาร์นาสซัส" - บทกวี "ปัญญาความพอประมาณและความแข็งแกร่ง" - ความยุติธรรม ส่วนบนของปูนเปียกแต่ละชิ้นประดับด้วยภาพเปรียบเทียบของรูปที่แสดงถึงกิจกรรมประเภทใดประเภทหนึ่ง ที่มุมของห้องนิรภัยมีองค์ประกอบเล็กๆ น้อยๆ ซึ่งคล้ายกับธีมของปูนเปียกอย่างใดอย่างหนึ่ง

องค์ประกอบของภาพวาดใน Stanza della Senyatura ขึ้นอยู่กับการผสมผสานของวิชาในพระคัมภีร์ไบเบิลและกรีกโบราณ (พระคัมภีร์ - "ฤดูใบไม้ร่วง" โบราณ - "ชัยชนะของอพอลโลเหนือ Marsyas") ความจริงที่ว่ามีการใช้การผสมผสานระหว่างธีมในตำนาน ศาสนานอกรีต และแบบฆราวาสเพื่อตกแต่งห้องของสมเด็จพระสันตะปาปาเป็นพยานถึงทัศนคติของผู้คนในสมัยนั้นที่มีต่อหลักปฏิบัติทางศาสนา จิตรกรรมฝาผนังของราฟาเอลแสดงลำดับความสำคัญของการเริ่มต้นทางโลกเหนือคริสตจักร-ศาสนา

จิตรกรรมฝาผนังลัทธิศาสนาที่โดดเด่นและสะท้อนได้อย่างเต็มที่ที่สุดคือภาพวาด "ข้อพิพาท" ที่นี่องค์ประกอบดูเหมือนจะแบ่งออกเป็นสองส่วน: สวรรค์และโลก ด้านล่าง บนพื้น มีร่างของบรรพบุรุษของคริสตจักร เช่นเดียวกับนักบวช ผู้อาวุโส และเยาวชน ภาพของพวกเขามีความเป็นธรรมชาติอย่างผิดปกติซึ่งสร้างขึ้นด้วยความช่วยเหลือของการถ่ายโอนที่สมจริงของความเป็นพลาสติกของร่างกายการหมุนและการเคลื่อนไหวของตัวเลข ท่ามกลางผู้คนมากมายที่นี่ คุณสามารถจดจำ Dante, Savonarola, จิตรกร Fra Beato Angelico ได้อย่างง่ายดาย

เหนือร่างของผู้คนคือภาพที่เป็นสัญลักษณ์ของพระตรีเอกภาพ: พระเจ้าพระบิดา ด้านล่างพระองค์เล็กน้อย - พระเยซูคริสต์กับพระมารดาของพระเจ้าและยอห์นผู้ให้รับบัพติสมา ด้านล่าง - นกพิราบ - ตัวตนของพระวิญญาณบริสุทธิ์ มีเจ้าภาพอยู่ตรงกลางขององค์ประกอบโดยรวมซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการมีส่วนร่วม

ใน "ข้อพิพาท" ราฟาเอลปรากฏเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการจัดองค์ประกอบที่ไม่มีใครเทียบได้ แม้จะมีสัญลักษณ์มากมาย แต่ภาพก็โดดเด่นด้วยความชัดเจนของภาพและความชัดเจนในความคิดของผู้เขียน ความสมมาตรของการจัดเรียงของตัวเลขในส่วนบนขององค์ประกอบนั้นอ่อนลงโดยตัวเลขที่วางเกือบเป็นระเบียบในส่วนล่าง ดังนั้น ความคร่าวๆ ของภาพแรกจึงแทบจะสังเกตไม่เห็น องค์ประกอบเชิงประกอบที่ตัดขวางที่นี่คือครึ่งวงกลม: ครึ่งวงกลมที่อยู่บนก้อนเมฆที่ส่วนบนของนักบุญและอัครสาวก และดังก้อง เป็นรูปครึ่งวงกลมของบุคคลที่เป็นอิสระและเป็นธรรมชาติมากขึ้นในส่วนล่างของภาพ

หนึ่งในจิตรกรรมฝาผนังและผลงานที่ดีที่สุดของราฟาเอลในช่วงเวลานี้ของงานของเขาคือภาพวาด "โรงเรียนแห่งเอเธนส์" ปูนเปียกนี้เป็นศูนย์รวมของอุดมคติที่มีมนุษยนิยมสูงที่เกี่ยวข้องกับศิลปะของกรีกโบราณ ศิลปินวาดภาพนักปรัชญาและนักวิทยาศาสตร์โบราณที่มีชื่อเสียง ร่างของเพลโตและอริสโตเติลวางอยู่ที่ส่วนกลางขององค์ประกอบ มือของเพลโตชี้ไปที่โลกและอริสโตเติล - ขึ้นไปบนท้องฟ้าซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของคำสอนของนักปรัชญาโบราณ

ทางด้านซ้ายของเพลโตเป็นรูปของโสกราตีสซึ่งกำลังสนทนากับกลุ่มคนซึ่งใบหน้าของอัลซิเบียดส์รุ่นเยาว์โดดเด่นอย่างเห็นได้ชัดซึ่งร่างกายของเขาได้รับการปกป้องด้วยเปลือกหอยและศีรษะของเขาถูกปกคลุมไปด้วย หมวกนิรภัย. ไดโอจีเนสผู้ก่อตั้งโรงเรียนปรัชญาแห่ง Cynics ถูกวางไว้บนบันได เขาแสดงที่นี่ในฐานะขอทานยืนอยู่ตรงทางเข้าวัดและขอทาน

ที่ด้านล่างขององค์ประกอบคือคนสองกลุ่ม ทางด้านซ้ายมือมีรูปพีทาโกรัสล้อมรอบด้วยนักเรียน ทางด้านขวา - Euclid กำลังวาดภาพบางอย่างบนกระดานชนวนซึ่งรายล้อมไปด้วยนักเรียน ทางด้านขวาของกลุ่มสุดท้ายคือโซโรแอสเตอร์และสวมมงกุฎปโตเลมีด้วยลูกบอลในมือของเขา ในบริเวณใกล้เคียงผู้เขียนได้วางภาพเหมือนตนเองและร่างของจิตรกรโสโดม (เขาเป็นคนที่เริ่มทำงานในภาพวาดของ Stanza della Senyatura) ทางด้านซ้ายของศูนย์ ศิลปินวางเฮราคลิทัสแห่งเอเฟซัสที่ครุ่นคิด

เมื่อเปรียบเทียบกับภาพบนจิตรกรรมฝาผนังของข้อพิพาท ร่างของโรงเรียนเอเธนส์นั้นใหญ่กว่าและยิ่งใหญ่กว่ามาก เหล่านี้เป็นวีรบุรุษที่มีจิตใจที่ไม่ธรรมดาและความแข็งแกร่ง ภาพหลักของปูนเปียกคือเพลโตและอริสโตเติล ความสำคัญของพวกเขาไม่ได้ถูกกำหนดโดยสถานที่ในองค์ประกอบเท่านั้นและไม่มาก (พวกเขาครอบครองศูนย์กลาง) แต่ด้วยการแสดงออกทางสีหน้าและความยืดหยุ่นของร่างกายเป็นพิเศษ: ตัวเลขเหล่านี้มีท่าทางและการเดินที่สง่างามอย่างแท้จริง ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจคือ Leonardo da Vinci กลายเป็นต้นแบบของภาพลักษณ์ของเพลโต ต้นแบบการเขียนภาพของยุคลิดคือสถาปนิกบรามันเต ต้นแบบของเฮราคลิตุสคือร่างที่ไมเคิลแองเจโลวาดไว้บนเพดานโบสถ์น้อยซิสทีน นักวิชาการบางคนแนะนำว่าภาพของ Heraclitus ถูกคัดลอกโดยอาจารย์จาก Michelangelo เอง

ชุดรูปแบบยังเปลี่ยนไปที่นี่: ปูนเปียกดูเหมือนเพลงสวดสำหรับจิตใจของมนุษย์และเจตจำนงของมนุษย์ นั่นคือเหตุผลที่ตัวละครทั้งหมดตั้งอยู่ท่ามกลางฉากหลังของอาคารสถาปัตยกรรมอันโอ่อ่า ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความไร้ขอบเขตของจิตใจและความคิดสร้างสรรค์ของมนุษย์ หากฮีโร่ของ "ข้อพิพาท" เป็นแบบพาสซีฟ รูปภาพที่นำเสนอใน " โรงเรียนแห่งเอเธนส์” เป็นผู้สร้างชีวิตที่กระฉับกระเฉงและกระฉับกระเฉงหม้อแปลงของระเบียบสังคมโลก

การแก้ปัญหาองค์ประกอบของภาพเฟรสโกก็น่าสนใจเช่นกัน ดังนั้น ร่างของเพลโตและอริสโตเติลที่อยู่ด้านหลังเนื่องจากการแสดงภาพเคลื่อนไหวจึงเป็นภาพหลัก นอกจากนี้ยังสร้างจุดศูนย์กลางแบบไดนามิกขององค์ประกอบ ดูเหมือนว่าพวกเขาจะก้าวไปข้างหน้าสู่ผู้ชมซึ่งยื่นออกมาจากส่วนลึกซึ่งสร้างความประทับใจของไดนามิกการพัฒนาองค์ประกอบซึ่งล้อมรอบด้วยส่วนโค้งครึ่งวงกลม

งานจิตรกรรมหลังห้องตราประทับของ Stanza d'Eliodoro ดำเนินการโดย Rafal ระหว่างปี ค.ศ. 1511 ถึงปี ค.ศ. 1514 หัวข้อสำหรับจิตรกรรมฝาผนังของห้องนี้เป็นตำนานในพระคัมภีร์ไบเบิลและข้อเท็จจริงจากประวัติศาสตร์ของตำแหน่งสันตะปาปาซึ่งประดับประดาด้วยเรื่องราวที่ สถานที่หลักได้รับการจัดเตรียมจากสวรรค์และปาฏิหาริย์

ห้องนี้ได้รับชื่อหลังจากเสร็จสิ้นงานตกแต่งบนปูนเปียก "The Expulsion of Eliodor" ซึ่งเป็นพล็อตเรื่องที่มีพื้นฐานมาจากเรื่องราวของผู้บัญชาการชาวซีเรีย Eliodor ผู้ต้องการขโมยความมั่งคั่งที่เก็บไว้ในปราสาทเยรูซาเล็ม อย่างไรก็ตาม นักขี่บนท้องฟ้าได้ป้องกันเขาไว้ ภาพเฟรสโกเป็นเครื่องเตือนใจว่ากองทหารของสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 เอาชนะและขับไล่กองทัพฝรั่งเศสออกจากรัฐสันตะปาปาอย่างอัปยศอดสูได้อย่างไร

อย่างไรก็ตาม ภาพเฟรสโกนี้ไม่ได้โดดเด่นด้วยพลังของการแสดงเจตนาสร้างสรรค์ของศิลปิน อาจเป็นเพราะองค์ประกอบโดยรวมแบ่งออกเป็นสองส่วน ทางซ้ายมือคือนักบิดสาวสวยที่พยายามจะโจมตีเอลิโอดอร์พร้อมกับนางฟ้าสองคน ทางด้านขวาของปูนเปียกคือ Julius II ซึ่งเอนกายอยู่บนเปลหาม ในบรรดาผู้ที่สนับสนุนเปลหาม จิตรกรวาดภาพผู้มีชื่อเสียง จิตรกรชาวเยอรมันอัลเบรทช์ ดูเรอร์. แม้จะมีการกล่าวหาว่าเป็นวีรบุรุษที่น่าสมเพชของพล็อต แต่ภาพของราฟาเอลที่นี่ไม่มีการเปลี่ยนแปลงและละครอย่างสมบูรณ์

ลักษณะที่ค่อนข้างแข็งแกร่งและสมบูรณ์แบบในโครงสร้างองค์ประกอบคือภาพเฟรสโกที่เรียกว่า "Mass in Bolsena" เนื้อเรื่องมีพื้นฐานมาจากเรื่องราวเกี่ยวกับบาทหลวงที่ไม่เชื่อซึ่งมีแผ่นเวเฟอร์เปื้อนเลือดระหว่างพิธีศีลระลึก พยานของปาฏิหาริย์บนผืนผ้าใบของราฟาเอลคือสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ซึ่งอยู่ด้านหลังพระคาร์ดินัลและชาวสวิสจากยาม

ลักษณะเด่นของงานนี้ของศิลปินที่มีชื่อเสียงคือขนาดใหญ่เมื่อเทียบกับผลงานก่อนหน้านี้ระดับของความเป็นธรรมชาติและความเป็นธรรมชาติในการพรรณนาของตัวละคร สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่ตัวเลขนามธรรมที่ทำให้ประหลาดใจกับความงามภายนอกอีกต่อไป แต่เป็นคนจริงทีเดียว หลักฐานที่โดดเด่นที่สุดคือภาพของชาวสวิสจากยามของสมเด็จพระสันตะปาปาซึ่งใบหน้าเต็มไปด้วยพลังงานภายในซึ่งแสดงถึงเจตจำนงที่แข็งแกร่งของมนุษย์ อย่างไรก็ตามความรู้สึกของพวกเขาไม่ใช่สิ่งประดิษฐ์ที่สร้างสรรค์ของศิลปิน นี่คืออารมณ์ความรู้สึกของมนุษย์อย่างแท้จริง

ในงานนี้ ผู้เขียนให้ความสำคัญกับสี ความสมบูรณ์ของสีบนผืนผ้าใบและรูปภาพเป็นอย่างมาก ตอนนี้จิตรกรไม่เพียงกังวลกับการถ่ายโอนเส้นชั้นความสูงที่แน่นอนของตัวเลขเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความอิ่มตัวของสีของรูปภาพด้วย ซึ่งแสดงโลกภายในของพวกเขาด้วยโทนสีที่แน่นอน

การแสดงออกอย่างเท่าเทียมกันคือภาพเฟรสโก "Production of Peter" ซึ่งแสดงถึงฉากการปลดปล่อยของอัครสาวกปีเตอร์โดยทูตสวรรค์ นักประวัติศาสตร์ศิลป์เชื่อว่าภาพนี้เป็นสัญลักษณ์ของการปล่อยตัวลีโอ เอ็กซ์ (ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นพระสันตะปาปา) จากการถูกจองจำของฝรั่งเศส

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษในภาพเฟรสโกนี้คือโซลูชันการจัดองค์ประกอบและสีที่ผู้เขียนพบ มันสร้างแสงตอนกลางคืน ซึ่งช่วยเสริมธรรมชาติอันน่าทึ่งขององค์ประกอบโดยรวม ภูมิหลังทางสถาปัตยกรรมที่เลือกสรรมาอย่างดียังมีส่วนช่วยในการเปิดเผยเนื้อหาและเนื้อหาทางอารมณ์ที่มากขึ้นของรูปภาพ: คุกใต้ดินที่สร้างจากอิฐขนาดใหญ่ หลุมฝังศพโค้งหนัก และแท่งตาข่ายหนา

ภาพเฟรสโกที่สี่และครั้งสุดท้ายใน Stanza d'Eliodoro ซึ่งต่อมาเรียกว่า "การประชุมของสมเด็จพระสันตะปาปาลีโอที่ 1 กับอัตติลา" สร้างขึ้นตามภาพร่างของราฟาเอลโดย Giulio Romano และ Francesco Penny ลูกศิษย์ของเขา งานนี้ดำเนินการในช่วงปี ค.ศ. 1514 ถึงปี ค.ศ. 1517 อาจารย์เองซึ่งในเวลานั้นได้กลายเป็นศิลปินยอดนิยมอย่างผิดปกติซึ่งมีชื่อเสียงไปทั่วประเทศอิตาลีและได้รับคำสั่งมากมายไม่สามารถตกแต่งห้องของสมเด็จพระสันตะปาปาได้ . นอกจากนี้ราฟาเอลในเวลานี้ได้รับแต่งตั้งให้เป็นหัวหน้าสถาปนิกของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์และดูแล การขุดค้นทางโบราณคดีซึ่งจัดขึ้นในอาณาเขตของกรุงโรมและบริเวณโดยรอบ

ภาพวาดที่ประดับประดา Stanzas del Incendio มีพื้นฐานมาจากเรื่องราวในประวัติศาสตร์ของตำแหน่งสันตะปาปา ในบรรดาจิตรกรรมฝาผนังทั้งหมด อาจมีเพียงภาพเดียวเท่านั้นที่สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ - "The Fire in Borgo" เธอเล่าถึงเหตุเพลิงไหม้ที่เกิดขึ้นในเขตโรมันแห่งหนึ่งในปี 847 สมเด็จพระสันตะปาปาลีโอที่ 4 ทรงมีส่วนร่วมในการดับไฟ ภาพเฟรสโกนี้มีความโดดเด่นด้วยเรื่องน่าสมเพชที่มากเกินไปและละครประดิษฐ์ในภาพลักษณ์ของผู้คนที่พยายามจะหนีจากภัยพิบัติ: ลูกชายที่อุ้มพ่อของเขา ชายหนุ่มที่ปีนข้ามกำแพง เด็กผู้หญิงกำลังถือเหยือก

ภาพเฟรสโกของบทวาติกันแสดงให้เห็นถึงวิวัฒนาการของงานของราฟาเอล: ศิลปินค่อยๆ ย้ายจากภาพในอุดมคติของงานยุคแรกไปเป็นละครและในขณะเดียวกันก็ใกล้ชิดกับชีวิตมากขึ้นในงานที่เป็นของยุคปลาย (การจัดองค์ประกอบและภาพบุคคล) .

เกือบจะในทันทีเมื่อเขามาถึงกรุงโรมในปี ค.ศ. 1509 ราฟาเอลยังคงเขียนธีมของมาดอนน่าต่อไปโดยเขียนผ้าใบ“ มาดอนน่าอัลบา” เมื่อเทียบกับร่างของ Conestabile Madonna ภาพใน Alba Madonna นั้นซับซ้อนกว่ามาก มารีญาเป็นหญิงสาวที่มีบุคลิกเข้มแข็ง มีพลัง และมั่นใจ การเคลื่อนไหวของทารกนั้นแข็งแกร่งเช่นกัน ภาพวาดอยู่ในรูปแบบของทอนโด อย่างไรก็ตาม ตัวเลขต่างๆ ถูกเขียนไว้ที่นี่ทั้งหมด ซึ่งไม่ธรรมดาสำหรับผืนผ้าใบทรงกลม อย่างไรก็ตาม การจัดเรียงตัวเลขดังกล่าวไม่ได้ทำให้เกิดภาพนิ่ง พวกเขาเช่นเดียวกับองค์ประกอบทั้งหมดทั้งหมดจะแสดงเป็นไดนามิก ความรู้สึกนี้ถูกสร้างขึ้นเนื่องจากความจริงที่ว่าอาจารย์ถ่ายทอดการเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์อย่างละเอียดและแม่นยำ

สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษสำหรับการก่อตัวของวิธีการสร้างสรรค์ของศิลปินคือภาพวาด “มาดอนน่าในเก้าอี้” (หรือ “มาดอนน่าเดลลาเซเดีย”) ซึ่งสร้างเสร็จเมื่อราวปี ค.ศ. 1516 ภาพมาดอนน่าในอุดมคติค่อนข้างลงสู่พื้นดินที่นี่โดย การแนะนำองค์ประกอบจริงที่เฉพาะเจาะจงลงในองค์ประกอบ ตัวอย่างเช่นหน้าอกของแมรี่ถูกคลุมด้วยผ้าพันคอสีสดใสที่มีขอบ ผ้าพันคอดังกล่าวในเวลานั้นเป็นชุดโปรดของผู้หญิงชาวนาอิตาลีทุกคน

ร่างของมาดอนน่า ลูกของพระคริสต์ และยอห์นผู้ให้บัพติศมาตัวน้อยอยู่ใกล้กัน ดูเหมือนว่าภาพจะไหลเข้าหากันอย่างราบรื่น ภาพทั้งภาพเต็มไปด้วยความรู้สึกที่ไพเราะแปลกตา ธีมความรักของมารดาที่คงอยู่ตลอดไปไม่ได้ถ่ายทอดในสายตาของแมรี่เท่านั้น แต่ยังอยู่ในรูปร่างของเธอด้วย รูปร่างของ tondo ทำให้องค์ประกอบทั้งหมดมีความสมบูรณ์ทางตรรกะ ร่างของมารีย์และทารกที่วางอยู่บนผ้าใบทรงกลม เป็นสัญลักษณ์ของความสามัคคีของคนสองคนที่ใกล้ชิดที่สุด นั่นคือ แม่และลูก นี้
ภาพของราฟาเอลได้รับการยอมรับจากคนรุ่นเดียวกันว่าเป็นจุดสุดยอดของการวาดภาพขาตั้ง ไม่เพียงแต่ในแง่ของการสร้างองค์ประกอบเท่านั้น แต่ยังเกิดจากการถ่ายโอนเส้นพลาสติกของภาพที่ละเอียดอ่อนอีกด้วย

ตั้งแต่ยุค 10 ศตวรรษที่ 16 ราฟาเอลกำลังทำงานเกี่ยวกับองค์ประกอบสำหรับแท่นบูชา ดังนั้นในปี ค.ศ. 1511 โฟลิกโนมาดอนน่าจึงปรากฏขึ้น และในปี ค.ศ. 1515 ศิลปินชื่อดังเริ่มสร้างผืนผ้าใบซึ่งต่อมาจะนำความรุ่งโรจน์ของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่มาสู่จิตรกรและชนะใจคนมากกว่าหนึ่งรุ่น "The Sistine Madonna" เป็นภาพวาดที่ทำเครื่องหมายขั้นตอนสุดท้ายในการก่อตัวของวิธีการทางศิลปะของราฟาเอล หัวข้อของการเป็นแม่ได้รับที่นี่เมื่อเปรียบเทียบกับงานก่อนหน้านี้ การพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและการดำเนินการให้สมบูรณ์ที่สุด

เมื่อเข้าไปในอาสนวิหาร สายตาของผู้ชมจะจับจ้องไปที่รูปปั้นมาดอนน่าที่สง่างามในทันที ซึ่งอุ้มพระกุมารเยซูคริสต์ไว้ในอ้อมแขนของเธอ เอฟเฟกต์นี้ทำได้โดยการจัดองค์ประกอบพิเศษของตัวละคร ม่านเปิดครึ่งนัยน์ตาของ Saints Sixtus และ Barbara หันไปหา Mary ทั้งหมดนี้มุ่งเป้าไปที่การเน้นและทำให้คุณแม่ยังสาวเป็นศูนย์กลางขององค์ประกอบ

ในการเปิดเผยภาพของมาดอนน่าราฟาเอลจากศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาห่างไกล มาดอนน่าพูดกับผู้ชมโดยตรง เธอไม่ยุ่งกับเด็ก (เช่น Madonna of Leonardo da Vinci) และไม่หมกมุ่นอยู่กับตัวเอง (เช่นวีรสตรีของผลงานชิ้นแรกของอาจารย์) แมรี่ผู้นี้กำลังสนทนากับเขาด้วยก้อนเมฆสีขาวราวหิมะ ในดวงตาที่เบิกกว้างของเธอ คุณจะเห็นได้ รักของแม่และความสับสนและความสิ้นหวังและความอ่อนน้อมถ่อมตนและความห่วงใยอย่างลึกซึ้งต่อชะตากรรมในอนาคตของลูกชายของเขา เธอในฐานะผู้ทำนายรู้ทุกอย่างที่จะเกิดขึ้นกับลูกของเธอ อย่างไรก็ตามเพื่อประโยชน์ในการช่วยชีวิตแม่ก็พร้อมที่จะเสียสละเขา ภาพลักษณ์ของพระกุมารของพระคริสต์นั้นมีความจริงจังเช่นเดียวกัน ในสายตาของเขา โลกทั้งใบถูกปิดไว้ เหมือนผู้เผยพระวจนะ บอกเราถึงชะตากรรมของมนุษยชาติและของเขาเอง

ราฟาเอล. ซิสทีน มาดอนน่า. 1515-1519

ภาพลักษณ์ของแมรี่เต็มไปด้วยละครและแสดงออกอย่างผิดปกติ อย่างไรก็ตาม มันปราศจากอุดมคติและไม่ได้มีคุณสมบัติไฮเปอร์โบลิก ความรู้สึกของความสมบูรณ์ ความสมบูรณ์ของภาพถูกสร้างขึ้นที่นี่เนื่องจากพลวัตขององค์ประกอบ ซึ่งแสดงออกโดยการถ่ายโอนความเป็นพลาสติกของตัวเลขที่แม่นยำและเที่ยงตรง และผ้าม่านของเสื้อผ้าของเหล่าฮีโร่ ตัวเลขทั้งหมดถูกนำเสนอ มีชีวิต เคลื่อนที่ สดใส ใบหน้าของมารีย์เฉกเช่นพระกุมารของพระคริสต์ผู้ไม่มีนัยน์ตาเศร้าแบบเด็กๆ แสดงออกถึงความรู้สึกต่างๆ ที่เปลี่ยนแปลงไปต่อหน้าต่อตาของผู้ชมอย่างแท้จริง: ความโศกเศร้า ความวิตกกังวล ความอ่อนน้อมถ่อมตน และสุดท้ายคือความมุ่งมั่น

ในบรรดานักประวัติศาสตร์ศิลป์ คำถามเกี่ยวกับต้นแบบของ Sistine Madonna ยังคงเปิดอยู่ นักวิชาการบางคนระบุภาพนี้ด้วยภาพของหญิงสาวที่ปรากฎในภาพเหมือน "Lady in a Veil" (1514) อย่างไรก็ตามตามคำให้การของผู้ร่วมสมัยของศิลปิน Mary บนผ้าใบ "Sistine Madonna" เป็นผู้หญิงประเภททั่วไปซึ่งเป็นอุดมคติของราฟาเอลมากกว่าภาพเฉพาะของใคร

ในบรรดาผลงานวาดภาพเหมือนของราฟาเอล ภาพเหมือนของสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ซึ่งวาดขึ้นในปี ค.ศ. 1511 นั้นเป็นที่สนใจอย่างยิ่ง คนจริง ๆ ถูกแสดงไว้ที่นี่ว่าเป็นอุดมคติแบบหนึ่งซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของวิธีการสร้างสรรค์ของจิตรกร

สิ่งที่น่าสังเกตเป็นพิเศษคือภาพเหมือนของ Count Baldassare Castiglione ซึ่งสร้างขึ้นในปี ค.ศ. 1515 ซึ่งแสดงถึงบุคคลที่สงบ สมดุล และได้รับการพัฒนาอย่างกลมกลืน ราฟาเอลปรากฏตัวที่นี่ในฐานะเจ้าแห่งสีสันที่ยอดเยี่ยม เขาใช้ความซับซ้อน การผสมสีและการเปลี่ยนโทน การครอบครองร่มเงาแบบเดียวกันนั้นโดดเด่นด้วยงานอื่นของจิตรกร: ภาพเหมือนผู้หญิง“ Lady in a Veil” (“ La donna velata”, 1514) ซึ่งเป็นสีที่โดดเด่น สีขาว(ชุดเดรสสีขาวเหมือนหิมะของผู้หญิงปิดม่านแสง)

ส่วนสำคัญในงานของราฟาเอลถูกครอบครองโดยงานที่ยิ่งใหญ่ ในบรรดาผลงานที่คล้ายคลึงกันในภายหลังของเขา สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือ สิ่งแรกคือ ภาพเฟรสโกที่ประดับผนังของ Villa Farnesina ในปี ค.ศ. 1515 (เดิมเป็นทรัพย์สินของ Chigi ที่ร่ำรวย) "The Triumph of Galatea" ภาพนี้โดดเด่นด้วยอารมณ์สนุกสนานผิดปกติ ภาพที่เปี่ยมไปด้วยความสุขอย่างแท้จริง โทนสีที่คล้ายคลึงกันถูกสร้างขึ้นโดยใช้การผสมผสานพิเศษของสีที่สดใสและอิ่มตัว: ตัวสีขาวเปลือยถูกรวมเข้าด้วยกันอย่างกลมกลืนกับท้องฟ้าสีฟ้าใสและคลื่นสีฟ้าของทะเล

ผลงานชิ้นสุดท้ายของราฟาเอลคือการตกแต่งผนังของแกลเลอรีโค้ง ซึ่งตั้งอยู่บนชั้นสองของพระราชวังวาติกัน การตกแต่งห้องโถงตกแต่งด้วยภาพวาดและกระเบื้องโมเสคที่ทำจากหินอ่อนเทียม พล็อตสำหรับจิตรกรรมฝาผนังถูกวาดโดยศิลปินจากตำนานในพระคัมภีร์ไบเบิลและสิ่งที่เรียกว่า พิลึก (ภาพวาดที่พบในสุสานกรีกโบราณ - กรอ) มีทั้งหมด 52 ภาพ ต่อมารวมกันเป็นวัฏจักรภายใต้ชื่อทั่วไปว่า "Raphael's Bible" นอกจากนี้ยังเป็นที่น่าสนใจที่ศิลปินที่มีชื่อเสียงดำเนินการตกแต่งห้องโถงของวังวาติกันร่วมกับนักเรียนของเขาซึ่ง Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine ครอบครองสถานที่ที่โดดเด่น

ภาพวาดขาตั้งต่อมาของราฟาเอลเป็นการสะท้อนและการแสดงออกถึงวิกฤตความคิดสร้างสรรค์ของอาจารย์ที่ค่อยๆ เพิ่มขึ้น ตามเส้นทางของการแสดงภาพที่เพิ่มมากขึ้นเรื่อย ๆ ที่สร้างขึ้นโดยปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง แต่ในขณะเดียวกันก็ยังคงเป็นจริงสำหรับวิธีการเป็นตัวแทนทางศิลปะของเขาเอง Raphael มาถึงความขัดแย้งของสไตล์ วิธีการและวิธีการแสดงความคิดของเขามีน้อยเกินไปที่จะสร้างภาพใหม่ที่มีคุณภาพที่สมบูรณ์แบบมากขึ้นในแง่ของการถ่ายทอดโลกภายในและความงามภายนอก ตัวอย่างที่ชัดเจนซึ่งแสดงให้เห็นผลงานของราฟาเอลในช่วงนี้ ได้แก่ "การแบกกางเขน" (1517) วัฏจักร "ครอบครัวศักดิ์สิทธิ์" (ประมาณปี ค.ศ. 1518) องค์ประกอบของแท่นบูชา "การเปลี่ยนร่าง"

เป็นไปได้ค่อนข้างมากที่จิตรกรที่มีความสามารถอย่างราฟาเอลจะหาทางออกจากทางตันที่สร้างสรรค์ หากไม่ใช่เพราะความตายกะทันหันที่ทำให้คนรุ่นราวคราวเดียวกันตกตะลึง ราฟาเอล สันติ เสียชีวิตเมื่อวันที่ 6 เมษายน ค.ศ. 1520 ตอนอายุ 37 ปี มีการจัดงานศพอย่างฟุ่มเฟือย ขี้เถ้าของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ถูกฝังอยู่ในวิหารแพนธีออนในกรุงโรม

ผลงานของราฟาเอลมาจนถึงทุกวันนี้ยังคงเป็นผลงานชิ้นเอกของศิลปะโลก ภาพวาดเหล่านี้เป็นตัวอย่างของศิลปะคลาสสิก มีจุดมุ่งหมายเพื่อแสดงให้มนุษยชาติเห็นถึงความงามอันสมบูรณ์แบบและน่าพิศวง พวกเขานำเสนอผู้ชมด้วยโลกที่ผู้คนมีความรู้สึกและความคิดสูง ผลงานของราฟาเอลเป็นเพลงสวดชนิดหนึ่งที่เปลี่ยนโฉมบุคคล ทำให้เขาสะอาด สว่างขึ้น สวยขึ้น

ทิเชียน (ติเซียโน เวเชลลิโอ)

Tiziano Vecellio เกิดมาในครอบครัวทหารในเมืองเล็กๆ อย่าง Pieve di Cadore ที่ตั้งอยู่ในภูเขาและเป็นส่วนหนึ่งของดินแดนเวนิส นักวิทยาศาสตร์ไม่สามารถระบุวันที่และปีเกิดของทิเชียนได้อย่างถูกต้อง บางคนเชื่อว่านี่คือ 1476-1477 คนอื่น ๆ - 1485-1490

นักวิทยาศาสตร์แนะนำว่าตระกูล Vecellio นั้นเก่าแก่และมีอิทธิพลมากในเมืองนี้ เมื่อเห็นพรสวรรค์ในวัยเด็กของเด็กชายในการวาดภาพ พ่อแม่จึงตัดสินใจมอบ Tiziano ให้กับเวิร์กช็อปศิลปะของปรมาจารย์โมเสคชาวเวนิส ต่อมาไม่นาน เวเชลลิโออายุน้อยได้รับมอบหมายให้ไปเรียนที่เวิร์กช็อป ครั้งแรกที่เจนติเล เบลลินี และต่อมาที่จิโอวานนี เบลลินี ในเวลานี้ศิลปินหนุ่มได้พบกับ Giorgione ซึ่งสะท้อนอิทธิพลในผลงานแรกของเขา

ผลงานของศิลปินทั้งหมดสามารถแบ่งออกเป็นสองช่วง: ช่วงแรก - ที่เรียกว่า dzordzhonevsky - จนถึง 1515-1516 (เมื่ออิทธิพลของ Giorgione แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในผลงานของจิตรกร); ที่สอง - จากยุค 40 ศตวรรษที่ 16 (ในเวลานี้ Titian เป็นปรมาจารย์ที่เป็นที่ยอมรับแล้วซึ่งเป็นตัวแทนของศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย)

ตามวิธีการทางศิลปะของจอร์โจเนและจิตรกรยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในระยะแรก ทิเชียนได้คิดทบทวนวิธีการแก้ปัญหาทางศิลปะ ภาพใหม่ออกมาจากใต้พู่กันของศิลปิน ซึ่งแตกต่างอย่างมากจากบุคคลผู้ประเสริฐและประณีต เช่น ราฟาเอลและเลโอนาร์โด ดา วินชี วีรบุรุษของทิเชียนเป็นคนธรรมดา ร่างกายสมบูรณ์ เย้ายวน พวกเขามีจุดเริ่มต้นนอกรีตในระดับมาก ผืนผ้าใบในยุคแรก ๆ ของจิตรกรมีความโดดเด่นด้วยองค์ประกอบที่ค่อนข้างเรียบง่ายซึ่งยังคงเต็มไปด้วยอารมณ์ที่สนุกสนานผิดปกติและจิตสำนึกของความสุขที่ไร้เมฆความบริบูรณ์และอนันต์ของชีวิตทางโลก

ในบรรดาผลงานของยุคนี้ ซึ่งแสดงออกถึงวิธีการสร้างสรรค์ของศิลปินได้อย่างเต็มที่ หนึ่งในผลงานที่โดดเด่นที่สุดคือภาพวาด "ความรักบนดินและสวรรค์" ซึ่งมีอายุย้อนไปถึงช่วงทศวรรษที่ 10 ศตวรรษที่ 16. เป็นสิ่งสำคัญสำหรับผู้เขียนที่ไม่เพียงแต่จะถ่ายทอดโครงเรื่องเท่านั้น แต่ยังต้องแสดงภูมิทัศน์ที่สวยงามที่ชวนให้นึกถึงความสงบสุขและความสุขในการเป็นและความงามอันเย้ายวนของผู้หญิง

ร่างของผู้หญิงนั้นประเสริฐอย่างไม่ต้องสงสัย แต่ก็ไม่ได้ถูกแยกออกจากชีวิตและไม่ได้ทำให้เป็นอุดมคติโดยผู้เขียน ภูมิทัศน์ที่ทาสีด้วยสีอ่อน ๆ และวางไว้ในพื้นหลังทำหน้าที่เป็นฉากหลังที่ยอดเยี่ยมสำหรับความสง่างามและสง่างาม แต่ในขณะเดียวกันก็ค่อนข้างจริง ภาพผู้หญิงที่เฉพาะเจาะจง: Earthly Love และ Heavenly Love องค์ประกอบที่ประกอบขึ้นอย่างชำนาญและสีสันอันละเอียดอ่อนช่วยให้ศิลปินสร้างผลงานที่กลมกลืนกันอย่างผิดปกติ ซึ่งแต่ละองค์ประกอบกลับกลายเป็นว่าด้อยกว่าความปรารถนาของผู้เขียนที่จะแสดง ความงามของธรรมชาติธรรมชาติของโลกและมนุษย์

ในงานต่อมาของ Titian, Assunta (หรือ Ascension of Mary) ย้อนหลังไปถึงปี 1518 ไม่มีการไตร่ตรองอย่างสงบและความเงียบสงบในงาน "ความรักบนโลกและสวรรค์" มีพลวัต, ความแข็งแกร่ง, พลังงานมากขึ้น บุคคลสำคัญขององค์ประกอบคือแมรี่ ซึ่งแสดงเป็นหญิงสาวที่เต็มไปด้วยความงามและความแข็งแกร่งทางโลก ทัศนะของเหล่าอัครสาวกมุ่งตรงมาที่เธอ ซึ่งภาพที่แสดงถึงพลังและพลังภายในแบบเดียวกัน ชนิดของเพลง ความงามของมนุษย์และความรู้สึกที่แข็งแกร่งของมนุษย์คือองค์ประกอบ "Bacchus and Ariadne" (จากวัฏจักร "Bacchanalia", 1523)

การยกย่องความงามของสตรีในโลกนี้กลายเป็นหัวข้อของงานอื่นของทิเชียนที่เรียกว่า "วีนัสแห่งเออร์บิโน" มันถูกสร้างขึ้นในปี ค.ศ. 1538 แม้จะไม่มีความประณีตและจิตวิญญาณของภาพอย่างแน่นอน แต่ภาพหลังก็ยังไม่ลดคุณค่าด้านสุนทรียะของผืนผ้าใบ วีนัสที่นี่สวยจริงๆ อย่างไรก็ตาม ความงามของเธอนั้นธรรมดาและเป็นธรรมชาติ ซึ่งทำให้ภาพที่สร้างโดย Titian แตกต่างจาก Venus ของบอตติเชลลี

อย่างไรก็ตาม มันผิดที่จะบอกว่าภาพในช่วงแรก ๆ ของการพัฒนาผลงานของศิลปินเชิดชูเพียงความงามภายนอกของบุคคล รูปลักษณ์ทั้งหมดของพวกเขาแสดงถึงบุคคลที่สามัคคีซึ่งความงามภายนอกนั้นบรรจุด้วยจิตวิญญาณและเป็นอีกด้านหนึ่งของจิตวิญญาณที่สวยงามไม่แพ้กัน

จากมุมมองนี้ ภาพของพระเยซูคริสต์บนผืนผ้าใบ “ซีซาร์เดนาริอุส” ซึ่งสร้างขึ้นในช่วงปี ค.ศ. 1515 ถึงปี ค.ศ. 1520 เป็นสิ่งที่น่าสนใจที่สุด พระเยซูของทิเชียนไม่ได้แสดงให้เห็นว่าเป็นพระเจ้าผู้สูงส่งและเป็นสวรรค์ การแสดงออกทางจิตวิญญาณของใบหน้าของเขาแสดงให้เห็นว่าต่อหน้าผู้ชมเป็นบุคคลที่มีเกียรติพร้อมองค์กรทางจิตใจที่สมบูรณ์แบบ

ภาพที่สร้างขึ้นในองค์ประกอบแท่นบูชา "Madonna Pesaro" ซึ่งเขียนขึ้นในช่วงปี ค.ศ. 1519 ถึงปี ค.ศ. 1526 เต็มไปด้วยจิตวิญญาณเดียวกัน วีรบุรุษเหล่านี้ไม่ใช่แผนการหรือสิ่งที่เป็นนามธรรม การสร้างภาพที่มีชีวิตชีวาและเป็นจริงนั้นส่วนใหญ่อำนวยความสะดวกโดยการใช้สีต่างๆ ของอาจารย์เป็นหลัก: ผ้าคลุมหน้าสีขาวเหมือนหิมะของ Mary, ท้องฟ้าสีฟ้า, สีแดงเข้ม, สีแดงสด, เสื้อผ้าสีทองของวีรบุรุษ, พรมสีเขียวสด โทนสีที่หลากหลายดังกล่าวไม่ได้ทำให้เกิดความโกลาหลในการจัดองค์ประกอบ แต่ในทางกลับกัน ช่วยให้จิตรกรสร้างระบบภาพที่กลมกลืนและกลมกลืนกัน

ในปี ค.ศ. 1520 ทิเชียนสร้างสรรค์ผลงานชิ้นแรกที่มีลักษณะดราม่า นี่คือภาพวาดที่มีชื่อเสียง "The Entombment" ภาพของพระคริสต์ที่นี่ถูกตีความในลักษณะเดียวกับในภาพวาด "Caesar's Denarius" พระเยซูไม่ได้ถูกนำเสนอเป็นสิ่งมีชีวิตที่ลงมาจากสวรรค์เพื่อช่วยมนุษยชาติ แต่เป็นวีรบุรุษของโลกที่ตกอยู่ในการต่อสู้ที่ไม่เท่าเทียมกัน แม้จะมีโศกนาฏกรรมและละครของพล็อต แต่ผืนผ้าใบไม่ได้ทำให้ผู้ชมรู้สึกสิ้นหวัง ในทางตรงกันข้าม ภาพที่ทิเชียนสร้างขึ้นนั้นเป็นสัญลักษณ์ของการมองโลกในแง่ดีและความกล้าหาญ ซึ่งแสดงถึงความงามภายในของบุคคล ความสูงส่ง และความแข็งแกร่งของจิตวิญญาณของเขา

ตัวละครนี้ทำให้ผลงานของศิลปินแตกต่างไปจากผลงานของเขาในชื่อเดียวกัน ลงวันที่ 1559 อย่างมีนัยสำคัญซึ่งอารมณ์ในแง่ดีถูกแทนที่ด้วยโศกนาฏกรรมที่สิ้นหวัง ที่นี่เช่นเดียวกับในภาพวาดอื่นโดยทิเชียน - "การลอบสังหารเซนต์. Peter the Martyr” ซึ่งสร้างขึ้นตั้งแต่ช่วงปี ค.ศ. 1528 ถึงปี ค.ศ. 1530 อาจารย์ใช้วิธีการใหม่ในการเป็นตัวแทนทางศิลปะ รูปภาพของธรรมชาติที่นำเสนอบนผืนผ้าใบ (พระอาทิตย์ตกใน "The Entombment" ที่สื่อถึงความมืดมนและต้นไม้ที่โค้งงอภายใต้ลมกระโชกแรงใน "The Assassination of St. Peter the Martyr") กลายเป็นชนิดของ การแสดงออกของความรู้สึกและความสนใจของมนุษย์ พระมารดาผู้ยิ่งใหญ่ยอมจำนนต่อบุรุษผู้ยิ่งใหญ่ที่นี่ ทิเชียนในการแต่งเพลงที่กล่าวถึงข้างต้นดังที่เคยเป็นมายืนยันความคิดที่ว่าทุกสิ่งที่เกิดขึ้นในธรรมชาตินั้นเกิดจากการกระทำของมนุษย์ เขาเป็นเจ้านายและผู้ปกครองของโลก (รวมถึงธรรมชาติ)

ขั้นตอนใหม่ในการพัฒนาทักษะของศิลปินในการสร้างองค์ประกอบที่มีหลายรูปคือผืนผ้าใบชื่อ "Introduction to the Temple" ลงวันที่ 1534-1538 แม้ว่าทิเชียนจะเขียนภาพไว้มากมายที่นี่ แต่ภาพเหล่านั้นกลับกลายเป็นการรวมเป็นหนึ่งเดียวโดยสนใจในเหตุการณ์สำคัญที่เกิดขึ้นต่อหน้าต่อตา - การนำของมารีย์เข้าไปในพระวิหาร ร่างของตัวละครหลักถูกแยกออกจากตัวละครรอง (แต่ไม่น้อย) โดยการหยุดเชิงพื้นที่: เธอถูกแยกออกจากฝูงชนที่อยากรู้อยากเห็นและนักบวชโดยบันได อารมณ์รื่นเริงความรู้สึกถึงความสำคัญของสิ่งที่เกิดขึ้นถูกสร้างขึ้นในองค์ประกอบด้วยท่าทางและความเป็นพลาสติกของตัวเลข อย่างไรก็ตาม เนื่องจากการรวมอยู่ในรูปภาพของพ่อค้าไข่ที่วางอยู่เบื้องหน้า ความน่าสมเพชของงานจึงลดลง และเพิ่มความประทับใจของความสมจริงและความเป็นธรรมชาติของสถานการณ์ที่ศิลปินบรรยายไว้

บทนำสู่องค์ประกอบ ภาพพื้นบ้านเป็นลักษณะเฉพาะของวิธีการทางศิลปะและการมองเห็นของทิเชียนในช่วงทศวรรษที่ 30 ศตวรรษที่สิบหก. เป็นภาพเหล่านี้ที่ช่วยให้อาจารย์สร้างภาพที่เป็นจริงอย่างยิ่ง

สมบูรณ์ที่สุด ความคิดสร้างสรรค์เพื่อแสดงความเป็นชายที่กลมกลืนกัน งดงามทั้งกายและวิญญาณ ถูกรวมไว้ในภาพเหมือนของทิเชียน งานชิ้นแรกในลักษณะนี้คือ "ภาพเหมือนของชายหนุ่มที่สวมถุงมือ" การสร้างผืนผ้าใบหมายถึงช่วงเวลาตั้งแต่ปี ค.ศ. 1515 ถึงปี ค.ศ. 1520 ภาพลักษณ์ของชายหนุ่มแสดงถึงคนทั้งรุ่นในเวลานั้น - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ภาพเหมือนสะท้อนความคิดของความสามัคคีของจิตวิญญาณและร่างกายของมนุษย์ ไหล่กว้าง, ร่างกายที่หลวม, เสื้อเชิ้ตปลดกระดุมอย่างไม่ระมัดระวัง, ความมั่นใจที่สงบซึ่งแสดงออกโดยรูปลักษณ์ของชายหนุ่ม - ทุกอย่างมีจุดมุ่งหมายเพื่อถ่ายทอดความคิดหลักของผู้เขียนเกี่ยวกับความสุขของการดำรงอยู่ของมนุษย์และความสุขของคนธรรมดา บุคคลที่ไม่รู้จักความเศร้าและไม่แตกแยกด้วยความขัดแย้งภายใน

แบบเดียวกันที่จัดเรียงอย่างกลมกลืน คนที่มีความสุขสามารถเห็นได้บนผืนผ้าใบ "Violante" และ "Portrait of Tommaso Mosti" (ทั้งคู่ - 1515-1520)

ในภาพพอร์ตเทรตที่สร้างขึ้นในเวลาต่อมา ผู้ชมจะไม่พบความตรงไปตรงมาและความแน่นอนที่ชัดเจนของธรรมชาติของภาพอีกต่อไป ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับผลงานที่คล้ายกันในช่วงปี ค.ศ. 1515-1520 แก่นแท้ของตัวละครตอนปลายของทิเชียน เมื่อเทียบกับตัวละครแรกๆ นั้นซับซ้อนและมีหลายแง่มุมมากกว่า ตัวอย่างที่ชัดเจนของการเปลี่ยนแปลงวิธีการทางศิลปะของผู้เขียนคือภาพวาด "Portrait of Ippolito Riminaldi" ซึ่งสร้างขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1540 ภาพเหมือนเป็นภาพของชายหนุ่มที่มีใบหน้าซึ่งมีหนวดเคราเล็กๆ ล้อมรอบ แสดงถึงการต่อสู้ทางความรู้สึกและอารมณ์อย่างลึกซึ้งภายในจิตใจ

ภาพที่สร้างขึ้นโดยทิเชียนในช่วงเวลานี้ไม่ธรรมดาสำหรับศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง ภาพเหล่านี้ซับซ้อน ขัดแย้งและน่าทึ่งในหลาย ๆ ด้าน เหล่านี้เป็นวีรบุรุษขององค์ประกอบที่เรียกว่า "Portrait of Pope Paul III กับ Alessandro และ Ottavio Farnese" ผืนผ้าใบถูกสร้างขึ้นในช่วงปี ค.ศ. 1545 ถึงปี ค.ศ. 1546 สมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 แสดงให้เห็นว่าเป็นคนเจ้าเล่ห์และไม่ไว้วางใจ เขาเฝ้ามองด้วยความห่วงใยและคิดร้ายกับออตตาวิโอ หลานชายของเขา นักประจบสอพลอที่มีชื่อเสียงและคนหน้าซื่อใจคดในศาล

ทิเชียนแสดงให้เห็นว่าตนเองเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการจัดองค์ประกอบศิลป์ที่โดดเด่น สาระสำคัญของตัวละครของผู้คนถูกเปิดเผยในงานนี้ผ่านการปฏิสัมพันธ์ของตัวละครซึ่งกันและกันผ่านท่าทางและท่าทางของพวกเขา

ภาพเหมือนของชาร์ลส์ที่ 5 (1548) สร้างขึ้นจากการผสมผสานขององค์ประกอบการตกแต่งที่สง่างามและสมจริง แสดงด้วยความแม่นยำที่เชี่ยวชาญ โลกภายในโมเดล ผู้ชมเข้าใจว่าต่อหน้าเขาคือบุคคลที่มีบุคลิกซับซ้อนซึ่งมีลักษณะเฉพาะซึ่งมีทั้งจิตใจและความแข็งแกร่งที่ดีรวมถึงไหวพริบความโหดร้ายความหน้าซื่อใจคด

ในภาพพอร์ตเทรตที่สร้างโดยทิเชียน ซึ่งดูเรียบง่ายกว่าในแง่ของการจัดองค์ประกอบภาพ ความสนใจของผู้ชมทั้งหมดจะมุ่งไปที่โลกภายในของภาพ ตัวอย่างเช่น สามารถอ้างถึงผ้าใบ "Portrait of Aretino" ลงวันที่ 1545 นางแบบได้รับเลือกจากศิลปินให้เป็นบุคคลที่มีชื่อเสียงในเมืองเวนิสในขณะนั้นคือ Pietro Aretino ซึ่งโด่งดังจากความโลภเป็นพิเศษของเขาในเรื่องเงินและทางโลก ความสุข อย่างไรก็ตาม ถึงกระนั้น เขาก็ชื่นชมศิลปะอย่างสูง ตัวเขาเองก็เป็นผู้เขียนบทความด้านวารสารศาสตร์หลายฉบับ คอเมดี้ เรื่องสั้นและบทกวีจำนวนมาก (แม้ว่าจะไม่เสมอไป
เนื้อหาดี)

ทิเชียนตัดสินใจจับบุคคลดังกล่าวไว้ในผลงานชิ้นหนึ่งของเขา Aretino ของเขาเป็นภาพที่เหมือนจริงที่ซับซ้อน ซึ่งประกอบด้วยความรู้สึกและลักษณะนิสัยที่หลากหลายที่สุด บางครั้งก็ขัดแย้งกัน

ความขัดแย้งที่น่าเศร้าของบุคคลที่มีกองกำลังที่เป็นปฏิปักษ์ต่อเขาแสดงให้เห็นในภาพวาด "ดูเถิดชาย" ซึ่งวาดในปี ค.ศ. 1543 โครงเรื่องได้รับแรงบันดาลใจจากปฏิกิริยาสาธารณะที่เพิ่มขึ้นของผู้สนับสนุนการต่อต้านการปฏิรูปต่อความคิดเห็นอกเห็นใจของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในประเทศอิตาลีในขณะนั้น ในการจัดองค์ประกอบ ภาพของพระคริสต์ในฐานะผู้ถืออุดมคติสากลอันสูงส่งต่อต้านปีลาต ซึ่งแสดงให้เห็นว่าเป็นการเหยียดหยาม ชั่วร้าย และน่าเกลียด ในนั้น
เป็นครั้งแรกที่บันทึกของการปฏิเสธของราคะความสุขทางโลกและความสุขปรากฏในงาน

ทิเชียน. ภาพเหมือนของสมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 กับอเลสซานโดรและออตตาวิโอ ฟาร์เนเซ 1545-1546

ความคมชัดที่โดดเด่นเหมือนกันคือภาพผ้าใบ "Danae" ซึ่งเขียนขึ้นเมื่อราวปี 1554 งานนี้โดดเด่นด้วยละครระดับสูง ในนั้นผู้เขียนเคยร้องเพลงถึงความงามและความสุขของมนุษย์ อย่างไรก็ตาม ความสุขเกิดขึ้นชั่วคราวและชั่วขณะ ในภาพไม่มีอารมณ์ที่ไม่เปลี่ยนรูปและการปลอบโยนของตัวละครที่แยกความแตกต่างของภาพที่สร้างขึ้นก่อนหน้านี้ ("ความรักบนดินและสวรรค์", "วีนัสแห่งเออร์บิโน")

ธีมหลักในงานคือการปะทะกันระหว่างคนสวยและคนขี้เหร่ ทั้งสูงและต่ำ และถ้าเด็กสาวแสดงออกถึงความประเสริฐที่สุดที่อยู่ในตัวคนๆ หนึ่ง สาวใช้แก่ที่พยายามจับเหรียญทองคำฝนทองจะบ่งบอกถึงคุณสมบัติของมนุษย์ที่ต่ำที่สุด ได้แก่ ผลประโยชน์ส่วนตัว ความโลภ การถากถางดูถูก

ละครถูกเน้นในองค์ประกอบด้วยการผสมผสานระหว่างโทนสีเข้มและสีอ่อน ด้วยความช่วยเหลือของสีที่ศิลปินเน้นความหมายในภาพ ดังนั้นเด็กสาวจึงเป็นสัญลักษณ์ของความงามและความรู้สึกสดใส และหญิงชรารายล้อมไปด้วยโทนสีเข้มหม่นหมอง มีการแสดงออกถึงจุดเริ่มต้น

ผลงานของทิเชียนในช่วงนี้ไม่เพียงแต่สร้างละครเต็มรูปแบบเท่านั้น ภาพที่ขัดแย้งกัน. ในเวลาเดียวกัน ศิลปินวาดภาพผลงานมากมาย หัวข้อคือความงามอันน่าหลงใหลของผู้หญิง อย่างไรก็ตาม ยังคงจำเป็นต้องสังเกตข้อเท็จจริงที่ว่างานเหล่านี้ปราศจากอารมณ์ที่มองโลกในแง่ดีและยืนยันชีวิต ซึ่งฟังดูเหมือนใน Love on Earth and Heaven and Bacchanalia ในบรรดาภาพวาดที่น่าสนใจที่สุดคือ "Diana and Actaeon", "Shepherd and Nymph" (1559), "Venus with Adonis"

ผลงานที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของทิเชียนคือภาพวาดชื่อ "คายูชดา แมรี มักดาลีน" ซึ่งสร้างขึ้นในยุค 60 ศตวรรษที่ 16. ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหลายคนหันมาใช้เรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิลนี้ อย่างไรก็ตาม Titian ตีความภาพลักษณ์ของ Mary Magdalene ผู้สำนึกผิดอีกครั้ง ร่างของหญิงสาวผู้เปี่ยมด้วยความงามและสุขภาพ แสดงออกมากกว่าการกลับใจของคริสเตียน แต่ความโศกเศร้าและความปรารถนาจะสูญเสียความสุขไปตลอดกาล มนุษย์นั้นงดงามเหมือนเช่นเคยในทิเชียน แต่ความเป็นอยู่ที่ดี ความสงบ และความสงบทางจิตใจของเขานั้นขึ้นอยู่กับพลังภายนอก พวกเขาคือผู้ที่ขัดขวางชะตากรรมของบุคคลทำลายความสามัคคีของวิญญาณ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ภาพของมักดาลีนที่โศกเศร้าถูกแสดงบนฉากหลังของภูมิประเทศที่มืดมนที่ปกคลุมท้องฟ้าที่มืดมิดด้วยเมฆสีดำที่กำลังจะเกิดขึ้น - การทำนายล่วงหน้าของ
พายุฝนฟ้าคะนอง

หัวข้อเดียวกันของความทุกข์ทรมานของมนุษย์ก็ได้ยินในผลงานต่อมาของปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียง: "พิธีราชาภิเษกกับมงกุฎหนาม" (1570) และ "เซนต์. เซบาสเตียน" (1570)

ใน The Crowning of Thorns ศิลปินนำเสนอพระเยซูในรูปแบบของคนธรรมดาทางร่างกายและที่สำคัญที่สุดคือ คุณสมบัติทางศีลธรรมเหนือกว่าผู้ทรมานของเขา

อย่างไรก็ตามเขาอยู่คนเดียวดังนั้นจึงไม่สามารถเป็นผู้ชนะได้ ฉากที่เข้มข้นและน่าตื่นเต้นเร้าใจได้รับการเสริมด้วยสีเข้มที่มืดมน

หัวข้อของฮีโร่ผู้โดดเดี่ยวที่ขัดแย้งกับโลกภายนอกก็ได้ยินในงาน "เซนต์. เซบาสเตียน" ตัวเอกแสดงที่นี่เป็นไททันคู่บารมี - ลักษณะภาพของศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา อย่างไรก็ตามเขายังคงพ่ายแพ้

ภูมิทัศน์ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของกองกำลังที่เป็นปฏิปักษ์ต่อตัวละครมีบทบาทอิสระที่นี่ แม้จะมีบทละคร แต่องค์ประกอบโดยรวมก็ยังเต็มไปด้วยอารมณ์ยืนยันชีวิต

เพลงสวดเพื่อความคิดของมนุษย์ สติปัญญา และความจงรักภักดีต่ออุดมคติที่เป็นที่ยอมรับคือภาพเหมือนตนเองของปรมาจารย์ที่สร้างขึ้นในทศวรรษที่ 60 ศตวรรษที่ 16

ภาพวาดที่แสดงออกถึงอารมณ์มากที่สุดของทิเชียนเป็นที่รู้จักในชื่อ "ปิเอตา" (หรือ "การคร่ำครวญของพระคริสต์") ซึ่งเขียนขึ้นเมื่อราวปี ค.ศ. 1576 ภาพนี้แสดงให้เห็นภาพของสตรีที่โศกเศร้าท่ามกลางฉากหลังของโพรงหินและภูมิทัศน์ที่มืดมน แมรี่เหมือนรูปปั้น แข็งในความเศร้าโศก ภาพลักษณ์ของแม็กดาลีนนั้นสดใสและมีพลังอย่างผิดปกติ: ร่างของผู้หญิงที่มุ่งหน้าไปข้างหน้า ยกมือขึ้น ผมสีแดงเพลิงพริ้ว อ้าปากเล็กน้อย ซึ่งเสียงร้องแห่งความสิ้นหวังกำลังจะแตกออก พระเยซูไม่ได้ทรงแสดงเป็นสัตภาวะสวรรค์ แต่ค่อนข้าง คนจริงพ่ายแพ้ในการต่อสู้ที่ไม่เท่าเทียมกับกองกำลังที่เป็นปรปักษ์ต่อโลกมนุษย์ โศกนาฏกรรมของภาพแสดงออกมาในภาพด้วยความช่วยเหลือของการเปลี่ยนโทนสีและแสงและเงา ตัวละครหลักกลับกลายเป็นเหมือนที่เคยเป็นมาโดยแสงจากความมืดในยามค่ำคืน

งานนี้โดยทิเชียนยกย่องชายผู้มีความรู้สึกลึกซึ้ง ภาพวาด "Pieta" เป็นเพลงอำลาประเภทหนึ่งที่อุทิศให้กับวีรบุรุษที่เบา ประเสริฐ และสง่างามที่สร้างขึ้นในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ผู้ให้ภาพที่สวยงามแก่โลก เสียชีวิตเมื่อวันที่ 27 สิงหาคม ค.ศ. 1576 สันนิษฐานว่ามาจากโรคระบาด เขาทิ้งผืนผ้าใบไว้มากมายที่ยังคงสร้างความประหลาดใจให้กับผู้ชมด้วยความชำนาญในการดำเนินการและสีสันอันละเอียดอ่อน ทิเชียนปรากฏตัวต่อหน้าเราในฐานะนักจิตวิทยาที่ยอดเยี่ยม ผู้รอบรู้จิตวิญญาณมนุษย์ ในบรรดานักเรียนของเขา ได้แก่ ศิลปินเช่น Jacopo Nigreti (Palma the Elder), Bonifacio de Pitati, Paris Bordone, Jacopo Palma the Younger

จิตรกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

จุดเริ่มต้นของภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถือเป็นยุคของ Ducento เช่น ศตวรรษที่สิบสาม โปรโต-เรอเนสซองส์ยังคงมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับประเพณีโรมันเนสก์ โกธิก และไบแซนไทน์ในยุคกลาง ศิลปินในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 - ต้นศตวรรษที่สิบสี่ ยังห่างไกลจากการศึกษาทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับความเป็นจริงโดยรอบ พวกเขาแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับเรื่องนี้ โดยยังคงใช้ภาพธรรมดาของระบบการมองเห็นแบบไบแซนไทน์ - เนินเขาหิน ต้นไม้สัญลักษณ์, ป้อมปืนแบบมีเงื่อนไข แต่บางครั้งลักษณะที่ปรากฏของโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมก็ทำซ้ำได้อย่างแม่นยำจนบ่งชี้ถึงการมีอยู่ของภาพร่างจากธรรมชาติ ตัวละครทางศาสนาตามประเพณีเริ่มปรากฏให้เห็นในโลกที่เต็มไปด้วยคุณสมบัติของความเป็นจริง ทั้งปริมาณ ความลึกเชิงพื้นที่ วัตถุมีสาระ การค้นหาวิธีการส่งสัญญาณบนระนาบปริมาตรและปริภูมิสามมิติเริ่มต้นขึ้น ผู้เชี่ยวชาญของเวลานี้ฟื้นหลักการโบราณที่รู้จักกันดีของการสร้างแบบจำลอง chiaroscuro ของรูปแบบ ด้วยเหตุนี้ ตัวเลขและอาคารจึงได้รับความหนาแน่นและปริมาตร

เห็นได้ชัดว่าคนแรกที่ใช้มุมมองแบบโบราณคือ Florentine Cenny di Pepo (ข้อมูลจาก 1272 ถึง 1302) ชื่อเล่น Cimabue น่าเสียดายที่งานที่สำคัญที่สุดของเขา - ชุดภาพวาดในหัวข้อ Apocalypse ชีวิตของ Mary และ Apostle Peter ในโบสถ์ San Francesco ในเมือง Assisi ได้มาถึงเราเกือบจะอยู่ในสภาพที่พังยับเยิน องค์ประกอบแท่นบูชาของเขาซึ่งอยู่ในฟลอเรนซ์และในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ได้รับการอนุรักษ์ไว้ดีกว่า พวกเขายังกลับไปที่ต้นแบบของไบแซนไทน์ด้วย แต่แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงคุณลักษณะของแนวทางใหม่ในการวาดภาพทางศาสนา Cimabue กลับมาจากการวาดภาพอิตาลี

ศตวรรษที่สิบสามซึ่งรับเอาประเพณีไบแซนไทน์มาสู่ต้นกำเนิดทันที เขารู้สึกถึงสิ่งที่พวกเขายังคงไม่สามารถเข้าถึงได้ในรุ่นของเขา - จุดเริ่มต้นที่กลมกลืนกันของความงามของกรีกอันประเสริฐของภาพ

ความแข็งแกร่งและแผนผังทำให้เกิดความนุ่มนวลทางดนตรีของเส้น ร่างของมาดอนน่าดูเหมือนไม่มีตัวตนอีกต่อไป ในภาพวาดยุคกลาง ทูตสวรรค์ถูกตีความว่าเป็นสัญญาณ เนื่องจากเป็นคุณลักษณะของพระมารดาแห่งพระเจ้า พวกมันถูกวาดเป็นร่างสัญลักษณ์เล็กๆ ด้วย Cimabue พวกเขาได้รับความหมายใหม่อย่างสมบูรณ์พวกเขารวมอยู่ในฉากเหล่านี้เป็นสิ่งมีชีวิตที่สวยงามซึ่งคาดการณ์ว่าเทวดาผู้สง่างามเหล่านี้จะปรากฏตัวพร้อมกับเจ้านายของศตวรรษที่ 15

งานของ Cimabue เป็นจุดเริ่มต้นของกระบวนการใหม่ที่กำหนด พัฒนาต่อไปจิตรกรรม. แต่ประวัติศาสตร์ศิลปะไม่สามารถอธิบายได้ในแง่ของวิวัฒนาการเพียงอย่างเดียว บางครั้งก็มีการกระโดดที่คมชัด ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ปรากฏตัวในฐานะนักประดิษฐ์ที่กล้าหาญที่ปฏิเสธระบบดั้งเดิม Giotto di Bondone (1266-1337) ควรได้รับการยอมรับว่าเป็นนักปฏิรูปในภาพวาดอิตาลีในศตวรรษที่สิบสี่ นี่คืออัจฉริยภาพผู้อยู่เหนือคนรุ่นเดียวกันและผู้ติดตามหลายคน

ฟลอเรนซ์โดยกำเนิด เขาทำงานในหลายเมืองในอิตาลี ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Giotto ที่มาถึงเราคือภาพจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์เดลอารีนาในปาดัว ซึ่งอุทิศให้กับเรื่องราวของพระกิตติคุณเกี่ยวกับชีวิตของพระคริสต์ การแสดงภาพอันเป็นเอกลักษณ์นี้เป็นหนึ่งในผลงานสำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป แทนที่จะแยกฉากแต่ละฉากและร่างที่มีลักษณะเฉพาะของภาพวาดยุคกลาง Giotto ได้สร้างวัฏจักรอันยิ่งใหญ่เพียงรอบเดียว 38 ฉากจากชีวิตของพระคริสต์และแมรี่ (“Meeting of Mary and Elizabeth”, “Kiss of Judas”, “Lamentation” ฯลฯ) เชื่อมโยงกันในภาษาของภาพวาดเป็นการบรรยายเรื่องเดียว แทนที่จะใช้พื้นหลังไบแซนไทน์สีทองตามปกติ Giotto ขอแนะนำพื้นหลังแนวนอน ร่างเหล่านี้ไม่ลอยอยู่ในอวกาศอีกต่อไป แต่ได้พื้นแข็งใต้ฝ่าเท้า และถึงแม้จะไม่ได้เคลื่อนไหว แต่ก็แสดงความปรารถนาที่จะถ่ายทอดกายวิภาคของร่างกายมนุษย์และความเป็นธรรมชาติของการเคลื่อนไหว Giotto ให้รูปแบบการรับรู้ความหนักและความหนาแน่นเกือบ มันจำลองภาพนูน ค่อยๆ เน้นพื้นหลังที่มีสีสันหลัก หลักการของการสร้างแบบจำลองแสงและเงา ซึ่งทำให้สามารถทำงานกับสีที่บริสุทธิ์และสดใสโดยไม่มีเงามืด ได้กลายเป็นจุดเด่นในการวาดภาพอิตาลีจนถึงศตวรรษที่ 16

การปฏิรูปในภาพวาดของ Giotto สร้างความประทับใจให้กับคนรุ่นเดียวกันทั้งหมดของเขา

อิทธิพลของ Giotto ได้รับความแข็งแกร่งและมีผลหลังจากหนึ่งศตวรรษเท่านั้น ศิลปินแห่ง Quattrocento ทำงานที่ Giotto เป็นผู้กำหนด เวที ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาต้นเรียกว่าเป็นยุคแห่งชัยชนะในประวัติศาสตร์ศิลปะ ความเอื้ออาทรขอบเขต ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะในอิตาลีในศตวรรษที่ 15 สร้างความประทับใจให้กับกิจกรรมสร้างสรรค์ที่ไม่เคยมีมาก่อนของประติมากรและจิตรกร

ความรุ่งโรจน์ของผู้ก่อตั้งภาพวาด Quattrocento เป็นของ Masaccio ศิลปินชาวฟลอเรนซ์ซึ่งเสียชีวิตตั้งแต่ยังเด็ก (ค.ศ. 1401-1428) บนจิตรกรรมฝาผนังของเขา ร่างที่วาดตามกฎของกายวิภาคศาสตร์ เชื่อมโยงถึงกันและกันและกับภูมิทัศน์ เนินเขาและต้นไม้ของมันไปไกลๆ ทำให้เกิดบรรยากาศตามธรรมชาติ ชีวิตของผู้คนและธรรมชาติเชื่อมโยงกันเป็นหนึ่งเดียว เป็นการกระทำอันน่าทึ่งเพียงเรื่องเดียว นี่เป็นคำใหม่ในศิลปะการวาดภาพโลก

โรงเรียนฟลอเรนซ์เป็นเวลานานยังคงเป็นผู้นำในศิลปะของอิตาลี นอกจากนี้ยังมีแนวโน้มอนุรักษ์นิยมมากขึ้น ศิลปินในยุคนี้คือพระภิกษุ ดังนั้นในประวัติศาสตร์ศิลปะจึงถูกเรียกว่าพระสงฆ์ ที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในหมู่พวกเขาคือน้องชายของ Giovanni Beato Angelico da Fiesole (1387-1455)

ลักษณะเฉพาะของภาพวาดของ Quattrocento ตอนปลายคือความหลากหลายของโรงเรียนและแนวโน้ม ในเวลานี้โรงเรียน Florentine, Umbian (Piero dela Francesca, Pinturicchio, Perugino), Northern Italian (Mantegni), Venetian (Giovanni Bellini) ได้ก่อตั้งขึ้น

หนึ่งในศิลปินที่โดดเด่นที่สุดของ Quattrocento - Sandro Botticelli (1445-1510) - โฆษกอุดมคติด้านสุนทรียศาสตร์ของศาลของทรราชที่มีชื่อเสียงนักการเมืองผู้ใจบุญกวีและปราชญ์ Lorenzo de' Medici ฉายาผู้ยิ่งใหญ่ ราชสำนักของอธิปไตยแห่งนี้เป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมศิลปะที่รวบรวมนักปรัชญา นักวิทยาศาสตร์ และศิลปินที่มีชื่อเสียง

ในงานศิลปะของบอตติเชลลีมีการสังเคราะห์เวทย์มนต์ยุคกลางกับประเพณีโบราณอุดมคติของโกธิคและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในภาพในตำนานของเขา มีการฟื้นตัวของสัญลักษณ์ เขาพรรณนาถึงเทพธิดาโบราณที่สวยงามซึ่งไม่ได้อยู่ในรูปแบบที่เย้ายวนของความงามทางโลก แต่ในภาพที่โรแมนติก จิตวิญญาณ และประเสริฐ ภาพวาดที่ยกย่องเขาคือการเกิดของดาวศุกร์ ที่นี่เราเห็นภาพผู้หญิงที่แปลกประหลาดของบอตติเชลลีซึ่งไม่สามารถสับสนกับผลงานของศิลปินคนอื่นได้ บอตติเชลลีผสมผสานความเย้ายวนของคนป่าเถื่อนและจิตวิญญาณที่เพิ่มขึ้นอย่างน่าประหลาดใจ ความเป็นผู้หญิงของประติมากรรม และความเปราะบางที่ละเอียดอ่อน ความซับซ้อน ความแม่นยำเชิงเส้นและอารมณ์ ความแปรปรวน เขาเป็นหนึ่งในศิลปินกวีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะ เขาชอบรูปแบบเชิงสัญลักษณ์เชิงเปรียบเทียบ ชอบฝัน แสดงออกเป็นนัย

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นกินเวลาประมาณหนึ่งศตวรรษ สร้างแล้วเสร็จในสมัยยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงซึ่งมีระยะเวลาเพียง 30 ปีเท่านั้น ศูนย์กลางหลัก ชีวิตศิลปะในเวลานี้กลายเป็นกรุงโรม

หากงานศิลปะของ Quattrocento คือการวิเคราะห์ การค้นหา การค้นพบ ความสดใหม่ของโลกทัศน์ที่อ่อนเยาว์ ศิลปะของ High Renaissance ก็คือผลลัพธ์ การสังเคราะห์ วุฒิภาวะอันชาญฉลาด การค้นหาอุดมคติทางศิลปะในช่วงยุค Quattrocento นำศิลปะไปสู่ลักษณะทั่วไปในการเปิดเผยรูปแบบทั่วไป ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงคือ การละทิ้งรายละเอียด รายละเอียด รายละเอียดในชื่อของภาพทั่วไป ประสบการณ์ทั้งหมด การค้นหารุ่นก่อนทั้งหมดถูกบีบอัดโดยปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ของ Cinquecento ในภาพรวมที่ยิ่งใหญ่

ภาพที่สวยงาม, จิตใจเข้มแข็งมนุษย์เป็นเนื้อหาหลักของศิลปะในเวลานั้น แตกต่างจากศิลปะแห่งศตวรรษที่ 15 ตรงที่มีความปรารถนาที่จะเข้าใจและรวบรวมความสม่ำเสมอทั่วไปของปรากฏการณ์แห่งชีวิต

มันเป็นยุคของไททันของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งทำให้วัฒนธรรมโลกมีงานของ Leonardo, Raphael, Michelangelo ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก อัจฉริยภาพทั้งสามนี้ แม้จะมีความแตกต่างกันหมด บุคลิกที่สร้างสรรค์รวบรวมคุณค่าหลักของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลี - ความสามัคคีของความงามพลังและความฉลาด ชีวิตของพวกเขาเป็นหลักฐานของการเปลี่ยนแปลงทัศนคติของสังคมที่มีต่อบุคลิกภาพเชิงสร้างสรรค์ของศิลปินซึ่งเป็นลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะกลายเป็นบุคคลสำคัญและมีค่าในสังคม พวกเขาได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นคนที่มีการศึกษามากที่สุดในยุคนั้น

ลักษณะนี้ ซึ่งอาจจะมากกว่าร่างอื่นๆ ในยุคเรอเนซองส์ เหมาะสำหรับ Leonardo da Vinci (1452 - 1519) เขาผสมผสานอัจฉริยะทางศิลปะและวิทยาศาสตร์ เลโอนาร์โดเป็นนักวิทยาศาสตร์ที่ศึกษาธรรมชาติไม่ใช่เพื่อศิลปะ แต่เพื่อวิทยาศาสตร์ ดังนั้นงานที่ทำเสร็จแล้วของ Leonardo น้อยจึงลงมาหาเรา เขาเริ่มถ่ายภาพและละทิ้งภาพเหล่านั้นทันทีที่ปัญหาดูเหมือนชัดเจนสำหรับเขา ข้อสังเกตหลายอย่างของเขาคาดการณ์ถึงการพัฒนาของวิทยาศาสตร์และการวาดภาพของยุโรปมานานหลายศตวรรษ การค้นพบทางวิทยาศาสตร์สมัยใหม่กระตุ้นความสนใจในภาพวาดทางวิศวกรรมไซไฟของเขา

"มาดอนน่าในถ้ำ" ของพระองค์เป็นแท่นบูชาแห่งแรกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูง นี่คือภาพวาดขนาดใหญ่ในรูปแบบทั่วไปในภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ซึ่งมีลักษณะคล้ายหน้าต่างที่โค้งมนอยู่ด้านบน

ขั้นตอนใหม่ในงานศิลปะคือภาพวาดฝาผนังโรงอาหารของอาราม Santa Maria del Grazie บนพล็อตเรื่อง The Last Supper ซึ่งวาดโดยศิลปิน Quattrocento หลายคน "กระยาหารมื้อสุดท้าย" เป็นรากฐานที่สำคัญของศิลปะคลาสสิก โดยดำเนินรายการของ High Renaissance เลโอนาร์โดทำงานชิ้นนี้มา 16 ปีแล้ว ภาพเฟรสโกขนาดใหญ่ซึ่งร่างเหล่านี้ถูกวาดขึ้น 1.5 เท่าของขนาดธรรมชาติ ได้กลายเป็นตัวอย่างของความเข้าใจอันชาญฉลาดเกี่ยวกับกฎของการวาดภาพขนาดใหญ่ที่เกี่ยวข้องกับพื้นที่จริงของการตกแต่งภายใน เป็นการรวมเอางานวิจัยทางวิทยาศาสตร์ของศิลปินในด้านฟิสิกส์ ทัศนศาสตร์ คณิตศาสตร์ กายวิภาคศาสตร์ ที่จำเป็นในการแก้ปัญหาเรื่องสัดส่วนและมุมมองในพื้นที่ภาพขนาดใหญ่ ที่สำคัญที่สุด ผลงานอันยอดเยี่ยมของเลโอนาร์โดมีพลังจิตมหาศาล ไม่มีศิลปินคนใดที่วาดภาพพระกระยาหารมื้อสุดท้ายก่อนที่เลโอนาร์โดจะทำภารกิจยากเช่นนี้ - ผ่านปฏิกิริยาของผู้คน บุคคล อารมณ์ต่างๆ การตอบสนองทางอารมณ์แสดงความหมายเดียวของช่วงเวลาอันยิ่งใหญ่นี้ อัครสาวก 12 คน ตัวละคร 12 ตัว แสดงออกในรูปแบบต่างๆ ในช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงทางวิญญาณ ผ่านปฏิกิริยาทางอารมณ์ที่แสดงออกในการเคลื่อนไหว คำถามนิรันดร์ของมนุษย์ถูกเปิดเผย: เกี่ยวกับความรักและความเกลียดชัง การอุทิศตนและการทรยศ ความสูงส่ง และความใจร้าย

หนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกคือผลงานของ Leonardo "La Gioconda" ภาพเหมือนของภรรยาของพ่อค้าเดลจิโอคอนโดนี้ดึงดูดความสนใจมาหลายศตวรรษ มีการเขียนความคิดเห็นหลายร้อยหน้าเกี่ยวกับเขา เขาถูกลักพาตัว ปลอมแปลง ลอกเลียนแบบ เขาได้รับเครดิตว่ามีพลังเวทย์มนตร์ การแสดงออกทางสีหน้าที่เข้าใจยากของ Mona Lisa ขัดต่อคำอธิบายและการทำซ้ำที่ถูกต้อง ภาพนี้ได้กลายเป็นผลงานชิ้นเอกของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

เป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ศิลปะโลก ประเภทภาพเหมือนได้เพิ่มขึ้นถึงระดับเดียวกับการแต่งเพลงในหัวข้อทางศาสนา

ความคิดเกี่ยวกับศิลปะที่ยิ่งใหญ่ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาพบการแสดงออกที่สดใสในผลงานของราฟาเอลสันติ (1483-1520) เลโอนาร์โด สร้างขึ้น สไตล์คลาสสิก, ราฟาเอลอนุมัติและเผยแพร่มัน ศิลปะของราฟาเอลมักถูกกำหนดให้เป็น "ค่าเฉลี่ยสีทอง"

งานของราฟาเอลโดดเด่นด้วยคุณสมบัติของคลาสสิก - ความชัดเจนความเรียบง่ายอันสูงส่งความสามัคคี ด้วยสาระสำคัญทั้งหมดจึงเชื่อมโยงกับวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขาอายุน้อยกว่าเลโอนาร์โด 30 ปี และเสียชีวิตไปพร้อมกับเขาเกือบพร้อมกัน โดยได้ทำสิ่งต่างๆ มากมายในประวัติศาสตร์ศิลปะจนยากจะจินตนาการว่าคนๆ หนึ่งจะทำสิ่งนี้ได้ทั้งหมด เขาเป็นศิลปินที่มีความสามารถรอบด้าน สถาปนิก นักจิตรกรรมฝาผนัง ปรมาจารย์ด้านการถ่ายภาพบุคคลและองค์ประกอบหลายร่าง มัณฑนากรที่มีความสามารถ เขาเป็นบุคคลสำคัญในชีวิตศิลปะของกรุงโรม จุดสุดยอดของทักษะของเขาคือ "Sistine Madonna" ซึ่งเขียนขึ้นในปี ค.ศ. 1516 สำหรับอารามเบเนดิกตินใน Piacenza (ตอนนี้รูปภาพอยู่ในเดรสเดน) สำหรับหลาย ๆ คนแล้ว งานศิลปะสามารถสร้างขึ้นได้อย่างสวยงามที่สุด

องค์ประกอบของแท่นบูชานี้ถูกมองว่าเป็นสูตรแห่งความงามและความกลมกลืนกันมานานหลายศตวรรษ ความรู้สึกโศกนาฏกรรมเล็ดลอดออกมาจากพระพักตร์อันน่าอัศจรรย์ของมาดอนน่าและพระกุมาร ซึ่งเธอได้ชดเชยความผิดบาปของมนุษย์ สายตาของมาดอนน่าถูกชี้นำ ราวกับว่าผ่านผู้ชม มันเต็มไปด้วยการมองการณ์ไกลที่โศกเศร้า ภาพนี้รวบรวมการสังเคราะห์อุดมคติโบราณของความงามเข้ากับจิตวิญญาณของอุดมคติของคริสเตียน

คุณค่าทางประวัติศาสตร์ของงานศิลปะของราฟาเอลคือการที่เขาเชื่อมโยงโลกทั้งสองให้เป็นหนึ่งเดียว - โลกคริสเตียนและโลกนอกรีต นับแต่นั้นเป็นต้นมา อุดมการณ์ทางศิลปะรูปแบบใหม่ก็ได้รับการสถาปนาไว้อย่างมั่นคงในศิลปะศาสนามาช้านาน ยุโรปตะวันตก.

ประติมากรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

อัจฉริยะที่สดใสของราฟาเอลอยู่ไกลจากความลึกทางจิตวิทยาสู่โลกภายในของมนุษย์ เหมือนกับของเลโอนาร์โด แต่ยิ่งต่างไปจากโลกทัศน์ที่น่าเศร้าของไมเคิลแองเจโล Michelangelo Buonarroti (1475-1564) มีชีวิตที่ยืนยาว ลำบาก และกล้าหาญ อัจฉริยะของเขาแสดงออกในสถาปัตยกรรม ภาพวาด กวีนิพนธ์ แต่ชัดเจนที่สุดในงานประติมากรรม เขามองโลกในแง่ดี ในทุกด้านของศิลปะ เขาเป็นประติมากรเป็นหลัก ดูเหมือนว่าร่างกายมนุษย์จะเป็นตัวแบบที่มีค่าที่สุดของภาพ แต่นี่เป็นผู้ชายสายพันธุ์พิเศษ ทรงพลัง และกล้าหาญ ศิลปะของ Michelangelo อุทิศให้กับการยกย่องนักสู้ที่เป็นมนุษย์ กิจกรรมที่กล้าหาญและความทุกข์ทรมานของเขา งานศิลปะของเขามีลักษณะเฉพาะโดย gigantomania ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของไททานิค นี่คือศิลปะของจัตุรัส อาคารสาธารณะ ไม่ใช่ห้องโถงในวัง ศิลปะเพื่อประชาชน ไม่ใช่สำหรับขุนนางในราชสำนัก

ศตวรรษที่ 15 เป็นยุครุ่งเรืองของประติมากรรมที่ยิ่งใหญ่ในอิตาลี มันทิ้งการตกแต่งภายในไว้ที่ด้านหน้าของโบสถ์และอาคารโยธา บนจัตุรัสกลางเมือง กลายเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มเมือง

ผลงานที่เก่าแก่ที่สุดและโด่งดังที่สุดของไมเคิลแองเจโลคือรูปปั้นเดวิดสูงห้าเมตรที่จัตุรัสในเมืองฟลอเรนซ์ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของชัยชนะของเดวิดหนุ่มเหนือโกลิอัทยักษ์ การเปิดอนุสาวรีย์กลายเป็นการเฉลิมฉลองระดับชาติเพราะชาวฟลอเรนซ์เห็นว่าดาวิดเป็นวีรบุรุษที่อยู่ใกล้พวกเขาซึ่งเป็นพลเมืองและผู้ปกป้องสาธารณรัฐ

ประติมากรยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่เพียงแต่หันไปใช้รูปเคารพของคริสเตียนดั้งเดิมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้คนที่มีชีวิตอยู่ในสมัยด้วย ด้วยความปรารถนาที่จะสานต่อภาพลักษณ์ของคนร่วมสมัยอย่างแท้จริง การพัฒนาประเภทของภาพเหมือนประติมากรรม, หลุมฝังศพ, เหรียญรูปเหมือน, รูปปั้นคนขี่ม้าจึงเชื่อมโยงกัน ประติมากรรมเหล่านี้ประดับประดาสี่เหลี่ยมของเมือง เปลี่ยนรูปลักษณ์

ประติมากรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยากลับคืนสู่ประเพณีโบราณของศิลปะพลาสติก อนุสาวรีย์ประติมากรรมโบราณกลายเป็นวัตถุของการศึกษา ตัวอย่างของภาษาพลาสติก ประติมากรรมก่อนจะทาสี ออกจากศีลในยุคกลางและเริ่มต้นเส้นทางใหม่ของการพัฒนา บางทีนี่อาจเป็นเพราะสถานที่ที่เธอครอบครองในวัดยุคกลาง ระหว่างการก่อสร้างอาสนวิหารขนาดใหญ่ เวิร์กช็อปถูกสร้างขึ้นโดยช่างประติมากร-มัณฑนากรที่ได้รับการฝึกฝนมาอย่างดีที่นี่ การประชุมเชิงปฏิบัติการของประติมากรเป็นศูนย์กลางชั้นนำของชีวิตศิลปะและมีบทบาทสำคัญในการศึกษาสมัยโบราณและกายวิภาคของร่างกายมนุษย์ ความสำเร็จของประติมากรรมในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นมีอิทธิพลอย่างมากต่อจิตรกรที่รับรู้ถึงบุคคลที่มีชีวิตผ่านปริซึมของความเป็นพลาสติก ประติมากรยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามุ่งมั่น เต็มมูลค่าร่างกายของมนุษย์ปล่อยมันออกมาจากใต้เสื้อผ้าจำนวนมากซึ่งร่างนั้นถูกซ่อนไว้โดยกอธิคยุคกลาง เส้นทางที่เฮลลาสดำเนินไปในสามศตวรรษนั้นเสร็จสิ้นโดยปรมาจารย์สามชั่วอายุคนในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

Renaissance หรือ Renaissance - เหตุการณ์สำคัญทางประวัติศาสตร์ใน วัฒนธรรมยุโรป. นี่เป็นเวทีที่เป็นเวรเป็นกรรมในการพัฒนาอารยธรรมโลกซึ่งเข้ามาแทนที่ความหนาแน่นและความสับสนของยุคกลางและนำหน้าการเกิดขึ้นของค่านิยมทางวัฒนธรรมของยุคใหม่ มานุษยวิทยามีอยู่ในมรดกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - กล่าวอีกนัยหนึ่งคือการปฐมนิเทศต่อมนุษย์ชีวิตและงานของเขา การแยกตัวจากหลักคำสอนและแผนการของโบสถ์ ศิลปะได้รับลักษณะทางโลก และชื่อของยุคนั้นหมายถึงการฟื้นคืนชีพของลวดลายโบราณในงานศิลปะ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งมีรากฐานมาจากอิตาลี มักจะแบ่งออกเป็นสามขั้นตอน: ต้น ("quattrocento") สูงและภายหลัง พิจารณาคุณสมบัติของความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ที่ทำงานในสมัยโบราณ แต่มีนัยสำคัญ

ประการแรก ควรสังเกตว่าผู้สร้างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่เพียงแต่มีส่วนร่วมในวิจิตรศิลป์ที่ "บริสุทธิ์" เท่านั้น แต่ยังได้รับการพิสูจน์แล้วว่าเป็นนักวิจัยและผู้บุกเบิกที่มีความสามารถ ตัวอย่างเช่น สถาปนิกจากฟลอเรนซ์ชื่อ Filippo Brunelleschi อธิบายชุดของกฎสำหรับการสร้าง มุมมองเชิงเส้น. กฎที่เขากำหนดทำให้สามารถพรรณนาโลกสามมิติบนผืนผ้าใบได้อย่างแม่นยำ นอกจากแนวคิดที่ก้าวหน้าในการวาดภาพแล้ว เนื้อหาเชิงอุดมคติยังเปลี่ยนไปอีกด้วย - ฮีโร่ของภาพเขียนได้กลายเป็น "โลก" มากขึ้นด้วยคุณสมบัติและตัวละครที่เด่นชัด สิ่งนี้ใช้ได้กับงานในหัวข้อที่เกี่ยวข้องกับศาสนา

ชื่อที่โดดเด่นของยุค Quattrocento (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15) - Botticelli, Masaccio, Masolino, Gozzoli และอื่น ๆ - ได้รับเกียรติอย่างถูกต้องในคลังวัฒนธรรมโลก

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง (ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16) ศักยภาพทางอุดมการณ์และความคิดสร้างสรรค์ทั้งหมดของศิลปินได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ ลักษณะเฉพาะของเวลานี้คือการอ้างอิงของศิลปะกับยุคโบราณ อย่างไรก็ตาม ศิลปินไม่ได้ลอกเลียนวิชาโบราณอย่างสุ่มสี่สุ่มห้า แต่ใช้สิ่งเหล่านี้เพื่อสร้างและพัฒนาสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเอง ด้วยเหตุนี้วิจิตรศิลป์จึงได้รับความสม่ำเสมอและเข้มงวดโดยยอมจำนนต่อความเหลื่อมล้ำบางอย่างของช่วงเวลาก่อนหน้า สถาปัตยกรรม ประติมากรรม และจิตรกรรมในยุคนี้ผสมผสานกันอย่างลงตัว อาคาร จิตรกรรมฝาผนัง ภาพวาด ซึ่งสร้างขึ้นในสมัยสูงของยุคเรเนสซองส์ เป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริง ชื่อของอัจฉริยะที่เป็นที่รู้จักในระดับสากลเปล่งประกาย: Leonardo da Vinci, Rafael Santi, Michelangelo Buonarotti

บุคลิกของ Leonardo da Vinci สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ พวกเขาพูดเกี่ยวกับเขาว่าเขาเป็นคนล้ำยุค ศิลปิน, สถาปนิก, วิศวกร, นักประดิษฐ์ - นี่ไม่ใช่รายการที่สมบูรณ์ของการจุติของบุคลิกภาพหลายแง่มุมนี้

Leonardo da Vinci เป็นที่รู้จักของคนสมัยใหม่ในท้องถนน ประการแรกในฐานะจิตรกร ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือภาพโมนาลิซ่า ในตัวอย่างของเธอ ผู้ชมสามารถชื่นชมนวัตกรรมของเทคนิคของผู้แต่ง: ด้วยความกล้าหาญและการคิดที่หลวม เลโอนาร์โดจึงพัฒนาวิธีการใหม่โดยพื้นฐานในการ "ชุบชีวิต" ภาพลักษณ์

การใช้ปรากฏการณ์การกระเจิงของแสงทำให้คอนทราสต์ของรายละเอียดปลีกย่อยลดลง ซึ่งยกระดับความสมจริงของภาพขึ้นไปอีกระดับ อาจารย์ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับความแม่นยำทางกายวิภาคของศูนย์รวมของร่างกายในการวาดภาพและกราฟิก - สัดส่วนของตัวเลข "ในอุดมคติ" ได้รับการแก้ไขใน "Vitruvian Man"

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 มักถูกเรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย ช่วงเวลานี้มีลักษณะเฉพาะจากแนวโน้มทางวัฒนธรรมและความคิดสร้างสรรค์ที่หลากหลายมาก ดังนั้นจึงเป็นการยากที่จะตัดสินอย่างแจ่มแจ้ง แนวโน้มทางศาสนาของยุโรปตอนใต้ซึ่งรวมอยู่ในการต่อต้านการปฏิรูป นำไปสู่การเป็นนามธรรมจากการเชิดชูความงามของมนุษย์และอุดมคติในสมัยโบราณ ความขัดแย้งของความรู้สึกดังกล่าวกับอุดมการณ์ที่เป็นที่ยอมรับของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทำให้เกิดกิริยามารยาทแบบฟลอเรนซ์ การวาดภาพในสไตล์นี้มีลักษณะเฉพาะด้วยจานสีที่ห่างไกลและเส้นแตก ปรมาจารย์ชาวเวนิสในสมัยนั้น - Titian และ Palladio - ได้กำหนดทิศทางการพัฒนาของตนเองซึ่งมีการติดต่อไม่กี่จุดกับอาการของวิกฤตการณ์ในงานศิลปะ

นอกจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีแล้ว ควรให้ความสนใจกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทางเหนือด้วย ศิลปินที่อาศัยอยู่ทางเหนือของเทือกเขาแอลป์ไม่ได้รับอิทธิพลจากศิลปะโบราณ ในงานของพวกเขาสามารถสืบย้อนอิทธิพลของศิลปะแบบโกธิกซึ่งคงอยู่มาจนถึงยุคบาโรก บุคคลสำคัญในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือ ได้แก่ Albrecht Dürer, Lucas Cranach the Elder, Pieter Brueghel the Elder

มรดกทางวัฒนธรรมของศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาผู้ยิ่งใหญ่นั้นประเมินค่ามิได้ ชื่อของแต่ละคนได้รับการเก็บรักษาไว้อย่างพิถีพิถันและระมัดระวังในความทรงจำของมนุษยชาติ เนื่องจากผู้ที่สวมมันเป็นเพชรที่มีเอกลักษณ์เฉพาะซึ่งมีหลายแง่มุม

ด้วยความสมบูรณ์แบบคลาสสิก ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาจึงเกิดขึ้นจริงในอิตาลี ในวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งมีช่วงเวลา: ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโปรโตหรือยุคของปรากฏการณ์ก่อนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ("ยุคของดันเต้และจิอ็อตโต" ประมาณ 1260-1320) บางส่วนสอดคล้องกับยุค Ducento (ศตวรรษที่ 13) เช่นเดียวกับ Trecento (ศตวรรษที่ 14), Quattrocento (ศตวรรษที่ 15) และ Cinquecento (ศตวรรษที่ 16) ช่วงเวลาทั่วไปคือช่วงต้นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ศตวรรษที่ 14-15) เมื่อแนวโน้มใหม่โต้ตอบกับโกธิคอย่างแข็งขัน การเอาชนะและการเปลี่ยนแปลงอย่างสร้างสรรค์

เช่นเดียวกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาระดับสูงและตอนปลาย ซึ่งการมีมารยาทกลายเป็นช่วงพิเศษ ในยุค Quattrocento โรงเรียน Florentine สถาปนิก (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino และอื่น ๆ ), ประติมากร (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano), จิตรกร (Masaccio , Filippo , Filippo , Filippo Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli) ผู้สร้างแนวคิดเชิงพลาสติกของโลกที่มีความสามัคคีภายในซึ่งค่อยๆแพร่กระจายไปทั่วอิตาลี (ผลงานของ Piero della Francesca ใน Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa ใน Ferrara, Andrea Mantegna ใน Mantua, Antonello da Messina และพี่น้อง Gentile และ Giovanni Bellini ในเวนิส)

เป็นเรื่องธรรมดาที่เวลาซึ่งให้ความสำคัญเป็นศูนย์กลางกับความคิดสร้างสรรค์ของมนุษย์ "พระเจ้า" ได้รับการหยิบยกขึ้นมาในศิลปะแห่งบุคลิกภาพซึ่งด้วยความสามารถที่มีอยู่มากมายในเวลานั้นกลายเป็นตัวตนของยุคทั้งหมดของวัฒนธรรมของชาติ (บุคลิกภาพ- “ไททัน” ตามที่พวกเขาถูกเรียกอย่างโรแมนติกในภายหลัง) Giotto กลายเป็นตัวตนของ Proto-Renaissance ด้านตรงข้ามของ Quattrocento - ความรุนแรงที่สร้างสรรค์และเนื้อเพลงที่จริงใจ - แสดงออกตามลำดับโดย Masaccio และ Angelico กับ Botticelli "ไททันส์" แห่งยุคกลาง (หรือ "สูง") ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Leonardo da Vinci, Raphael และ Michelangelo เป็นศิลปิน - สัญลักษณ์ของความสำเร็จครั้งยิ่งใหญ่ของยุคใหม่เช่นนี้ เหตุการณ์สำคัญสถาปัตยกรรมยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีทั้งต้น กลาง และปลาย ได้รับการรวมเข้ากับงานของ F. Brunelleschi, D. Bramante และ A. Palladio อย่างยิ่งใหญ่

ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการไม่เปิดเผยตัวตนในยุคกลางถูกแทนที่ด้วยความคิดสร้างสรรค์ที่มีอำนาจส่วนบุคคล ความสำคัญในทางปฏิบัติอย่างยิ่งคือทฤษฎีของมุมมองเชิงเส้นและทางอากาศ สัดส่วน ปัญหาของกายวิภาคศาสตร์ และแบบจำลองแสงและเงา ศูนย์กลางของนวัตกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา "กระจกแห่งยุค" ทางศิลปะเป็นภาพลวงตาตามธรรมชาติ ภาพที่งดงามในศิลปะทางศาสนามันแทนที่ไอคอนและในศิลปะฆราวาสมันก่อให้เกิดประเภทอิสระของภูมิทัศน์, ภาพวาดในชีวิตประจำวัน, ภาพเหมือน (หลังมีบทบาทสำคัญในการยืนยันภาพของอุดมคติของคุณธรรมความเห็นอกเห็นใจ). ศิลปะการแกะสลักแบบพิมพ์บนไม้และโลหะซึ่งมีขนาดใหญ่อย่างแท้จริงระหว่างการปฏิรูป ได้รับคุณค่าสุดท้าย การวาดภาพจากงานสเก็ตช์จะกลายเป็นความคิดสร้างสรรค์ที่แยกจากกัน ลักษณะเฉพาะของการแปรงพู่กัน การลากเส้น ตลอดจนพื้นผิวและผลกระทบของความไม่สมบูรณ์ (ไม่สิ้นสุด) เริ่มถูกมองว่าเป็นผลงานศิลปะที่เป็นอิสระ ภาพวาดที่เป็นอนุสรณ์กลายเป็นภาพที่งดงามราวภาพวาดลวงตา-สามมิติ ทำให้ได้รับอิสรภาพทางสายตามากขึ้นเรื่อยๆ จากเทือกเขาของกำแพง ทัศนศิลป์ทุกประเภทในขณะนี้ละเมิดการสังเคราะห์ยุคกลางเสาหิน (ซึ่งสถาปัตยกรรมครอบงำ) ได้รับความเป็นอิสระเปรียบเทียบ ประเภทของรูปปั้นทรงกลมที่ต้องใช้ทางเบี่ยงพิเศษ อนุสาวรีย์ขี่ม้า รูปปั้นครึ่งตัวกำลังก่อตัว (ในหลายๆ วิธีในการฟื้นคืนประเพณีโบราณ) มีการสร้างประติมากรรมและหลุมฝังศพรูปแบบใหม่ที่เคร่งขรึมขึ้น

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูง เมื่อการต่อสู้เพื่ออุดมการณ์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่มีมนุษยนิยมกลายเป็นตัวละครที่ตึงเครียดและเป็นวีรบุรุษ สถาปัตยกรรมและวิจิตรศิลป์ก็ถูกทำเครื่องหมายด้วยความกว้างของเสียงในที่สาธารณะ การสรุปแบบสังเคราะห์ และพลังของภาพที่เต็มไปด้วยกิจกรรมทางจิตวิญญาณและทางกายภาพ ในอาคารของ Donato Bramante, Raphael, Antonio da Sangallo ความสามัคคีที่สมบูรณ์แบบความยิ่งใหญ่และสัดส่วนที่ชัดเจนถึงจุดสูงสุด ความสมบูรณ์ของความเห็นอกเห็นใจการบินอย่างกล้าหาญของจินตนาการทางศิลปะความกว้างของการครอบคลุมของความเป็นจริงเป็นลักษณะของผลงานของปรมาจารย์ด้านวิจิตรศิลป์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนี้ - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian ตั้งแต่ไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 16 เมื่ออิตาลีเข้าสู่ช่วงวิกฤตทางการเมืองและความผิดหวังในแนวคิดเรื่องมนุษยนิยม ผลงานของปรมาจารย์หลายคนได้กลายเป็นตัวละครที่ซับซ้อนและน่าทึ่ง ในสถาปัตยกรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย (Giacomo da Vignola, Michelangelo, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi) มีความสนใจเพิ่มขึ้นในการพัฒนาเชิงพื้นที่ขององค์ประกอบการอยู่ใต้บังคับบัญชาของอาคารไปสู่การออกแบบเมืองในวงกว้าง ในอาคารสาธารณะ วัด บ้านพัก และวังที่มีการพัฒนาที่ซับซ้อนและซับซ้อน การแปรสัณฐานที่ชัดเจนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นถูกแทนที่ด้วยความขัดแย้งที่รุนแรงของกองกำลังแปรสัณฐาน (สร้างโดย Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio) จิตรกรรมและประติมากรรมของยุคเรอเนซองส์ตอนปลายได้รับการเสริมด้วยความเข้าใจเกี่ยวกับธรรมชาติที่ขัดแย้งกันของโลก ความสนใจในการพรรณนาถึงการแสดงมวลชนอันน่าทึ่ง ในพลวัตเชิงพื้นที่ (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); ความลึกที่ไม่เคยมีมาก่อน, ความซับซ้อน, โศกนาฏกรรมภายในมาถึงแล้ว ลักษณะทางจิตวิทยาภาพในผลงานต่อมาของ Michelangelo และ Titian

โรงเรียนเวนิส

โรงเรียน Venetian ซึ่งเป็นหนึ่งในโรงเรียนสอนการวาดภาพหลักในอิตาลี โดยมีศูนย์กลางอยู่ที่เมืองเวนิส (บางครั้งก็อยู่ในเมืองเล็กๆ ของ Terraferma บริเวณแผ่นดินใหญ่ที่อยู่ติดกับเวนิส) โรงเรียนเวนิสมีลักษณะเด่นของหลักภาพ ความเอาใจใส่เป็นพิเศษต่อปัญหาเรื่องสี ความปรารถนาที่จะรวบรวมความสมบูรณ์ทางเย้ายวนและสีสันของชีวิต เวนิสเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับประเทศต่างๆ ในยุโรปตะวันตกและตะวันออก โดยดึงเอาทุกสิ่งที่สามารถใช้เป็นของตกแต่งจากวัฒนธรรมต่างประเทศได้ ไม่ว่าจะเป็นความสง่างามและเงาสีทองของโมเสกไบแซนไทน์ สภาพแวดล้อมที่เป็นหินของอาคารมัวร์ ความมหัศจรรย์ของวัดแบบโกธิก ในขณะเดียวกันก็มีการพัฒนารูปแบบศิลปะดั้งเดิมของตนเองขึ้นที่นี่ โดยเน้นไปที่สีสันของพิธีการ โรงเรียนเวเนเชียนมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการเริ่มต้นแบบฆราวาส การยืนยันชีวิต การรับรู้ทางกวีของโลก มนุษย์และธรรมชาติ สีสันที่ละเอียดอ่อน

โรงเรียนเวนิสประสบความสำเร็จมากที่สุดในยุคต้นและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงในผลงานของ Antonello da Messina ผู้ซึ่งเปิดโอกาสให้ร่วมสมัยของเขาแสดงออกถึงความเป็นไปได้ในการแสดงออกของภาพสีน้ำมัน ผู้สร้างภาพที่กลมกลืนกันในอุดมคติของ Giovanni Bellini และ Giorgione Titian นักวาดภาพสีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดซึ่งรวบรวมความร่าเริงและสีสันที่มีอยู่ในภาพวาดของชาวเวนิส มากมายเหลือเฟือ ในผลงานของปรมาจารย์ของโรงเรียนเวเนเชียนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ความมีคุณธรรมในการถ่ายทอดโลกหลากสี ความรักในแว่นตาสำหรับเทศกาล และฝูงชนที่หลากหลายอยู่ร่วมกันกับละครที่เปิดเผยและซ่อนเร้น ความรู้สึกที่น่าตกใจของพลวัตและอินฟินิตี้ของ จักรวาล (ภาพวาดโดย Paolo Veronese และ Jacopo Tintoretto) ในศตวรรษที่ 17 ความสนใจดั้งเดิมของโรงเรียนเวนิสในเรื่องปัญหาเรื่องสีในผลงานของ Domenico Fetti, Bernardo Strozzi และศิลปินอื่น ๆ อยู่ร่วมกับเทคนิคการวาดภาพแบบบาโรกตลอดจนแนวโน้มที่สมจริงในจิตวิญญาณของคาราวัจโจ ภาพวาดชาวเวนิสแห่งศตวรรษที่ 18 โดดเด่นด้วยความเจริญรุ่งเรืองของภาพวาดที่มีอนุสาวรีย์และการตกแต่ง (Giovanni Battista Tiepolo) ประเภทในชีวิตประจำวัน (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi) สารคดี - แม่นยำ ภูมิสถาปัตยกรรม- veduta (Giovanni Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) และโคลงสั้น ๆ ถ่ายทอดบรรยากาศบทกวีของชีวิตประจำวันในเมืองเวนิส (Francesco Guardi) อย่างละเอียด

โรงเรียนฟลอเรนซ์

โรงเรียนฟลอเรนซ์ ซึ่งเป็นหนึ่งในโรงเรียนศิลปะชั้นนำของอิตาลีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา มีสำนักงานใหญ่อยู่ในเมืองฟลอเรนซ์ การก่อตัวของโรงเรียนฟลอเรนซ์ซึ่งในที่สุดก็เป็นรูปเป็นร่างขึ้นในศตวรรษที่ 15 ได้รับการอำนวยความสะดวกโดยความคิดเห็นอกเห็นใจที่เฟื่องฟู (Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola ฯลฯ ) ซึ่งหันไปหามรดกแห่งสมัยโบราณ บรรพบุรุษของโรงเรียนฟลอเรนซ์ในยุคของโปรโต-เรเนซองส์คือจิอ็อตโต้ ซึ่งทำให้องค์ประกอบของเขาโน้มน้าวใจพลาสติกและความถูกต้องของชีวิต
ในศตวรรษที่ 15 ผู้ก่อตั้งศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในฟลอเรนซ์ ได้แก่ สถาปนิก Filippo Brunelleschi, ประติมากร Donatello, จิตรกร Masaccio ตามด้วยสถาปนิก Leon Battista Alberti, ประติมากร Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano และปรมาจารย์อื่นๆ ในสถาปัตยกรรมของโรงเรียนฟลอเรนซ์ในศตวรรษที่ 15 มีการสร้างวังยุคฟื้นฟูศิลปวิทยารูปแบบใหม่ และเริ่มการค้นหาอาคารวัดในอุดมคติที่จะตอบสนองอุดมคติของมนุษย์ในยุคนั้น

วิจิตรศิลป์ของโรงเรียนฟลอเรนซ์แห่งศตวรรษที่ 15 มีลักษณะเฉพาะด้วยความหลงใหลในปัญหาของมุมมองความปรารถนาในการสร้างรูปร่างมนุษย์ที่ชัดเจน (ผลงานโดย Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno) และสำหรับ อาจารย์หลายคน - จิตวิญญาณพิเศษและการไตร่ตรองโคลงสั้น ๆ อย่างใกล้ชิด (ภาพวาดโดย Benozzo Gozzoli , Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi) ในศตวรรษที่ 17 โรงเรียนฟลอเรนซ์พังทลายลง

ข้อมูลอ้างอิงและชีวประวัติของ "Planet Small Bay Painting Gallery" จัดทำขึ้นโดยใช้วัสดุของ "History of Foreign Art" (แก้ไขโดย M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), "Art Encyclopedia of Foreign Classical Art", "Great สารานุกรมรัสเซีย".

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างลึกซึ้งในทุกด้านของวัฒนธรรม - ปรัชญา วิทยาศาสตร์ และศิลปะ หนึ่งในนั้นคือ ซึ่งกำลังเป็นอิสระจากศาสนามากขึ้นเรื่อยๆ เลิกเป็น "สาวใช้ของเทววิทยา" แม้ว่าจะยังห่างไกลจากความเป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ เช่นเดียวกับในด้านอื่น ๆ ของวัฒนธรรม คำสอนของนักคิดในสมัยโบราณกำลังได้รับการฟื้นฟูในปรัชญา โดยเฉพาะเพลโตและอริสโตเติล Marsilio Ficino ก่อตั้ง Platonic Academy ในเมืองฟลอเรนซ์ แปลภาษากรีกเป็นภาษาละติน ความคิดของอริสโตเติลกลับไปยังยุโรปก่อนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตามที่ลูเทอร์กล่าวคือเขาไม่ใช่พระคริสต์ผู้ทรงเป็น "ผู้ปกครองในมหาวิทยาลัยในยุโรป"

พร้อมกับคำสอนโบราณว่า ปรัชญาธรรมชาติหรือปรัชญาของธรรมชาติ มันถูกเทศนาโดยนักปรัชญาเช่น B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno ในงานของพวกเขา ความคิดได้รับการพัฒนาว่าปรัชญาไม่ควรศึกษาพระเจ้าเหนือธรรมชาติ แต่ธรรมชาติเอง ธรรมชาตินั้นขึ้นอยู่กับตัวของมันเอง กฎหมายภายในว่าพื้นฐานของความรู้คือประสบการณ์และการสังเกต ไม่ใช่การเปิดเผยจากสวรรค์ว่ามนุษย์เป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติ

การแพร่กระจายของมุมมองทางปรัชญาธรรมชาติได้รับการอำนวยความสะดวกโดย วิทยาศาสตร์การค้นพบ หัวหน้าในหมู่พวกเขาคือ ทฤษฎีเฮลิโอเซนทริค N. Copernicus ซึ่งปฏิวัติแนวคิดเกี่ยวกับโลกอย่างแท้จริง

อย่างไรก็ตาม ควรสังเกตว่ามุมมองทางวิทยาศาสตร์และปรัชญาของเวลานั้นยังอยู่ภายใต้อิทธิพลที่เห็นได้ชัดเจนจากศาสนาและเทววิทยา ทัศนะดังกล่าวมักจะอยู่ในรูปแบบ ลัทธิเทวนิยมซึ่งการดำรงอยู่ของพระเจ้าไม่ได้ถูกปฏิเสธ แต่พระองค์ทรงละลายในธรรมชาติ ระบุด้วย ในการนี้ เราต้องเพิ่มอิทธิพลของศาสตร์ลึกลับที่เรียกว่า - โหราศาสตร์, การเล่นแร่แปรธาตุ, เวทย์มนต์, เวทมนตร์ ฯลฯ ทั้งหมดนี้เกิดขึ้นแม้กระทั่งในนักปรัชญาอย่างดี. บรูโน

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญที่สุดใน วัฒนธรรมศิลปะศิลปะในบริเวณนี้เองที่การแตกแยกในยุคกลางกลายเป็นเรื่องที่ลึกที่สุดและรุนแรงที่สุด

ในยุคกลาง ศิลปะส่วนใหญ่ถูกนำมาใช้ในธรรมชาติ มันถูกถักทอเข้ามาในชีวิต และควรจะตกแต่งมัน ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาศิลปะได้รับคุณค่าที่แท้จริงเป็นครั้งแรกและกลายเป็นพื้นที่แห่งความงามที่เป็นอิสระ ในเวลาเดียวกัน เป็นครั้งแรกที่ความรู้สึกทางศิลปะและสุนทรียภาพล้วนก่อตัวขึ้นในผู้ชมที่รับรู้ เป็นครั้งแรกที่ความรักในศิลปะถูกปลุกให้ตื่นขึ้นเพื่อตัวมันเอง ไม่ใช่เพื่อจุดประสงค์ที่มันแสดงออกมา

ศิลปะไม่เคยได้รับเกียรติและความเคารพอย่างสูงเช่นนี้มาก่อน แม้แต่ในกรีกโบราณ ผลงานของศิลปินที่มีความสำคัญทางสังคมก็ด้อยกว่ากิจกรรมของนักการเมืองและพลเมืองอย่างเห็นได้ชัด สถานที่ที่เจียมเนื้อเจียมตัวยิ่งกว่านั้นถูกครอบครองโดยศิลปินในกรุงโรมโบราณ

ตอนนี้ สถานที่และบทบาทของศิลปินในสังคมกำลังเติบโตอย่างนับไม่ถ้วน เป็นครั้งแรกที่เขาได้รับการพิจารณาว่าเป็นมืออาชีพ นักวิทยาศาสตร์ และนักคิดที่เป็นอิสระและเป็นที่เคารพนับถือ มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปะถูกมองว่าเป็นหนึ่งในวิธีความรู้ที่ทรงพลังที่สุด และด้วยความสามารถนี้จึงเทียบเท่ากับวิทยาศาสตร์ Leonardo da Vinci ถือว่าวิทยาศาสตร์และศิลปะเป็นสองวิธีในการศึกษาธรรมชาติที่เท่าเทียมกันอย่างสมบูรณ์ เขาเขียนว่า: "การวาดภาพเป็นวิทยาศาสตร์และเป็นลูกสาวที่ถูกต้องตามกฎหมายของธรรมชาติ"

ยังคงเป็นศิลปะที่มีมูลค่าสูงกว่าความคิดสร้างสรรค์ ในแง่ของความสามารถในการสร้างสรรค์ ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความเท่าเทียมกันกับพระเจ้าผู้สร้าง สิ่งนี้อธิบายได้ว่าทำไมราฟาเอลจึงได้รับ "พระเจ้า" เพิ่มเติมจากชื่อของเขา ด้วยเหตุผลเดียวกัน Dante's Comedy จึงถูกเรียกว่า "Divine"

ศิลปะเองกำลังอยู่ระหว่างการเปลี่ยนแปลงอย่างลึกซึ้งมันทำให้เปลี่ยนจากสัญลักษณ์ยุคกลางและลงนามเพื่อ ภาพเหมือนจริงและภาพลักษณ์ที่แท้จริง วิธีการแสดงออกทางศิลปะกำลังกลายเป็นสิ่งใหม่ ตอนนี้พวกเขาอยู่บนพื้นฐานของมุมมองเชิงเส้นและทางอากาศ สามมิติของปริมาตร และหลักคำสอนเรื่องสัดส่วน ศิลปะในทุกสิ่งมุ่งมั่นที่จะเป็นจริงเพื่อความเป็นจริง เพื่อให้บรรลุวัตถุประสงค์ ความถูกต้องและความมีชีวิตชีวา

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาส่วนใหญ่เป็นภาษาอิตาลี ดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่ในอิตาลีที่ศิลปะในช่วงเวลานี้มีการเพิ่มขึ้นและเฟื่องฟูสูงสุด ที่นี่มีหลายสิบชื่อไททัน อัจฉริยะ ยิ่งใหญ่และเรียบง่าย ศิลปินมากความสามารถ. นอกจากนี้ยังมีชื่อที่ยอดเยี่ยมในประเทศอื่น ๆ แต่อิตาลีอยู่เหนือการแข่งขัน

ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีมักมีความโดดเด่นหลายขั้นตอน:

• โปรโต-เรอเนสซองซ์: ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 13 - ศตวรรษที่สิบสี่
• ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น: เกือบทั้งศตวรรษที่สิบห้า
• ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง: ปลายศตวรรษที่ 15 - สามอันดับแรกของศตวรรษที่ 16
• ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาปลาย: สองในสามของศตวรรษที่ 16

บุคคลสำคัญของ Proto-Renaissance คือกวี Dante Alighieri (1265-1321) และจิตรกร Giotto (1266/67-1337)

Fate นำเสนอ Dante ด้วยการทดลองมากมาย เขาถูกข่มเหงเพราะมีส่วนร่วมในการต่อสู้ทางการเมืองเขาเร่ร่อนเสียชีวิตในต่างแดนในราเวนนา ผลงานของเขาที่มีต่อวัฒนธรรมมีมากกว่ากวีนิพนธ์ เขาไม่เพียงเขียนเนื้อเพลงรักเท่านั้น แต่ยังเขียนบทความเชิงปรัชญาและการเมืองด้วย Dante เป็นผู้สร้างภาษาวรรณกรรมอิตาลี บางครั้งเขาถูกเรียกว่ากวีคนสุดท้ายของยุคกลางและเป็นกวีคนแรกของยุคใหม่ จุดเริ่มต้นทั้งสองนี้ ทั้งแบบเก่าและแบบใหม่ มีความเกี่ยวข้องกันอย่างมากในงานของเขา

ผลงานชิ้นแรกของดันเต้ ชีวิตใหม่” และ “งานเลี้ยง” - เป็นบทกวีโคลงสั้น ๆ ของเนื้อหาความรักที่อุทิศให้กับเบียทริซที่รักของเขาซึ่งเขาพบครั้งเดียวในฟลอเรนซ์และผู้ที่เสียชีวิตเจ็ดปีหลังจากการพบกัน กวีรักษาความรักของเขาไว้ตลอดชีวิต ในแนวเพลง เนื้อเพลงของดันเต้สอดคล้องกับบทกวีในราชสำนักในยุคกลาง ซึ่งภาพของ "สาวงาม" เป็นเป้าหมายของการสวดมนต์ อย่างไรก็ตามความรู้สึกที่กวีแสดงออกนั้นเป็นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแล้ว เกิดจากการพบปะและเหตุการณ์จริง เต็มไปด้วยความอบอุ่นจริงใจ มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว

จุดสุดยอดของงานของดันเต้คือ « The Divine Comedy ” ซึ่งเป็นสถานที่พิเศษในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก ในการสร้างบทกวีนี้สอดคล้องกับประเพณียุคกลาง เล่าถึงการผจญภัยของชายผู้เข้าสู่ชีวิตหลังความตาย บทกวีมีสามส่วน - นรก ไฟชำระ และสวรรค์ ซึ่งแต่ละบทมี 33 เพลงที่เขียนเป็นบทสามบรรทัด

หมายเลขซ้ำ "สาม" สะท้อนถึงหลักคำสอนของคริสเตียนเรื่องตรีเอกานุภาพโดยตรง ในระหว่างการบรรยาย ดันเต้ปฏิบัติตามข้อกำหนดหลายประการของศาสนาคริสต์อย่างเคร่งครัด โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เขาไม่อนุญาตให้สหายของเขาในนรกทั้งเก้าแห่งนรกและไฟชำระ - เวอร์จิลกวีชาวโรมัน - เข้าสู่สวรรค์เพราะคนป่าเถื่อนถูกลิดรอนสิทธิดังกล่าว ที่นี่กวีมาพร้อมกับเบียทริซผู้เป็นที่รักของเขาที่เสียชีวิต

อย่างไรก็ตาม ในความคิดและการตัดสิน ในทัศนคติต่อตัวละครที่แสดงออกมาและบาปของพวกเขา ดันเต้ไม่เห็นด้วยกับคำสอนของคริสเตียนบ่อยครั้งและไม่เห็นด้วยอย่างมาก ดังนั้น. แทนที่จะกล่าวโทษคริสเตียนว่ารักใคร่เป็นบาป พระองค์ตรัสถึง "กฎแห่งความรัก" ซึ่งความรักที่เย้ายวนรวมอยู่ในธรรมชาติของชีวิตด้วย ดันเต้ปฏิบัติต่อความรักของฟรานเชสก้าและเปาโลด้วยความเข้าใจและความเห็นอกเห็นใจ แม้ว่าความรักของพวกเขาจะเชื่อมโยงกับการทรยศต่อสามีของฟรานเชสก้า จิตวิญญาณแห่งยุคเรอเนซองส์มีชัยในดันเต้ในโอกาสอื่นๆ เช่นกัน

ในบรรดากวีชาวอิตาลีที่โดดเด่นก็เช่นกัน ฟรานเชสโก้ เปตราร์ช.ในวัฒนธรรมโลก เขาเป็นที่รู้จักสำหรับเขาเป็นหลัก โคลงในเวลาเดียวกัน เขาเป็นนักคิด นักปรัชญา และนักประวัติศาสตร์ในวงกว้าง เขาได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้ก่อตั้งวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทั้งหมด

ผลงานของ Petrarch ก็เป็นส่วนหนึ่งของเนื้อร้องในราชสำนักในยุคกลางเช่นกัน เช่นเดียวกับดันเต้ เขามีคนรักชื่อลอร่า ซึ่งเขาอุทิศ "หนังสือเพลง" ให้ ในขณะเดียวกัน Petrarch ก็ยิ่งทำลายความสัมพันธ์กับ วัฒนธรรมยุคกลาง. ในผลงานของเขา ความรู้สึกที่แสดงออกมา - ความรัก, ความเจ็บปวด, ความสิ้นหวัง, ความปรารถนา - ดูเฉียบคมและเปลือยเปล่ามากขึ้น พวกเขามีสัมผัสส่วนตัวที่แข็งแกร่งขึ้น

ตัวแทนที่โดดเด่นของวรรณกรรมอีกคนหนึ่งคือ Giovanni Boccaccio(1313-1375). นักเขียนชื่อดังระดับโลก เดคาเมรอน" Boccaccio ยืมหลักการสร้างคอลเล็กชั่นเรื่องสั้นและโครงร่างโครงเรื่องจากยุคกลาง ทุกสิ่งทุกอย่างได้รับการเติมเต็มด้วยจิตวิญญาณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ตัวละครหลักของนวนิยายคือคนธรรมดาและคนธรรมดา พวกเขาเขียนได้อย่างน่าอัศจรรย์สดใสมีชีวิตชีวา ภาษาพูด. กลับไม่มีเรื่องศีลธรรมที่น่าเบื่อ ตรงกันข้าม เรื่องสั้นหลายเรื่องเปล่งประกายด้วยความรักในชีวิตและความสนุกสนาน โครงเรื่องบางเรื่องมีความรักและตัวละครอีโรติก นอกจาก Decameron แล้ว Boccaccio ยังเขียนเรื่อง Fiametta ซึ่งถือเป็นเรื่องแรก นวนิยายจิตวิทยาวรรณคดีตะวันตก.

จิอ็อตโต้ ดิ บอนโดเน่เป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของ Italian Proto-Renaissance ในทัศนศิลป์ ประเภทหลักของเขาคือภาพเขียนปูนเปียก ทั้งหมดเขียนในหัวข้อในพระคัมภีร์และในตำนาน พรรณนาฉากจากชีวิตของครอบครัวศักดิ์สิทธิ์ ผู้ประกาศข่าวประเสริฐ และนักบุญ อย่างไรก็ตาม การตีความแผนเหล่านี้ถูกครอบงำโดยการเริ่มต้นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอย่างชัดเจน ในงานของเขา Giotto ละทิ้งธรรมเนียมปฏิบัติในยุคกลางและหันไปใช้ความสมจริงและความเป็นไปได้ สำหรับเขาแล้วการฟื้นคืนชีพของภาพวาดในฐานะคุณค่าทางศิลปะนั้นเป็นที่ยอมรับ

ผลงานของเขาบรรยายได้ค่อนข้างสมจริง ภูมิทัศน์ธรรมชาติซึ่งมองเห็นต้นไม้ หิน วัดได้ชัดเจน ตัวละครที่เข้าร่วมทั้งหมด รวมทั้งนักบุญเอง ปรากฏเป็นผู้คนที่มีชีวิต กอปรด้วยเนื้อหนัง ความรู้สึกของมนุษย์ และกิเลสตัณหา เค้าร่างเสื้อผ้าของพวกเขา รูปแบบธรรมชาติร่างกายของพวกเขา ผลงานของ Giotto มีลักษณะเป็นสีสดใสและงดงาม เป็นพลาสติกอย่างดี

การสร้างหลักของ Giotto คือภาพวาดของ Chapel del Arena ใน Padua ซึ่งเล่าถึงเหตุการณ์ต่าง ๆ จากชีวิตของ Holy Family ที่สุด ความประทับใจที่แข็งแกร่งสร้างวัฏจักรของกำแพงรวมถึงฉาก "Flight to Egypt", "Kiss of Judas", "Lamentation of Christ"

ตัวละครทั้งหมดที่ปรากฎในภาพเขียนดูเป็นธรรมชาติและเป็นของแท้ ตำแหน่งของร่างกาย, ท่าทาง, สภาพอารมณ์, มุมมอง, ใบหน้า - ทั้งหมดนี้แสดงให้เห็นด้วยการโน้มน้าวใจทางจิตวิทยาที่หายาก ในขณะเดียวกันพฤติกรรมของแต่ละคนก็สอดคล้องกับบทบาทที่ได้รับมอบหมายอย่างเคร่งครัด แต่ละฉากมีบรรยากาศที่เป็นเอกลักษณ์

ดังนั้นในฉาก "เที่ยวบินสู่อียิปต์" น้ำเสียงที่สงบและสงบโดยทั่วไปจึงเหนือกว่า "Kiss of Judas" เต็มไปด้วยพลวัตของพายุ การกระทำที่เฉียบแหลมและเด็ดขาดของตัวละครที่ต่อสู้กันเองอย่างแท้จริง และมีเพียงผู้เข้าร่วมหลักสองคนเท่านั้น - ยูดาสและพระคริสต์ - แช่แข็งโดยไม่เคลื่อนไหวและต่อสู้ด้วยตาของพวกเขา

ฉาก "คร่ำครวญของพระคริสต์" ถูกทำเครื่องหมายด้วยละครพิเศษ มันเต็มไปด้วยความสิ้นหวัง ความเจ็บปวดที่ทนไม่ได้ ความเศร้าโศกและความเศร้าโศกที่ไม่อาจบรรเทาได้

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นในที่สุดก็ได้รับการอนุมัติ หลักความงามและศิลปะแห่งศิลปะใหม่ในเวลาเดียวกัน เรื่องราวในพระคัมภีร์ยังคงเป็นที่นิยมอย่างมาก อย่างไรก็ตามการตีความของพวกเขาแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงมียุคกลางเหลืออยู่เพียงเล็กน้อย

มาตุภูมิ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาต้นกลายเป็นฟลอเรนซ์ และ "บรรพบุรุษของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" เป็นสถาปนิก Philippe Brunelleschi(1377-1446) ประติมากร โดนาเทลโล(1386-1466). จิตรกร Masaccio (1401 -1428).

บรูเนลเลสคีมีส่วนสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาสถาปัตยกรรม เขาวางรากฐานของสถาปัตยกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ค้นพบรูปแบบใหม่ที่มีอยู่มานานหลายศตวรรษ เขาทำหลายอย่างเพื่อพัฒนากฎแห่งมุมมอง

งานที่สำคัญที่สุดของ Brunelleschi คือการสร้างโดมเหนือโครงสร้างสำเร็จรูปของมหาวิหาร Santa Maria del Fiore ในเมืองฟลอเรนซ์ เขาต้องเผชิญกับงานที่ยากเป็นพิเศษ เนื่องจากโดมที่ต้องการต้องมีขนาดมหึมา - เส้นผ่านศูนย์กลางประมาณ 50 เมตร ด้วยความช่วยเหลือจากการออกแบบดั้งเดิม เขาสามารถหลุดพ้นจากสถานการณ์ที่ยากลำบากได้อย่างยอดเยี่ยม ต้องขอบคุณวิธีแก้ปัญหาที่พบ ไม่เพียงแต่ตัวโดมเองที่กลับกลายเป็นว่าเบาอย่างน่าประหลาดใจ และราวกับว่ามันลอยอยู่เหนือเมือง แต่อาคารทั้งหลังของอาสนวิหารได้รับความกลมกลืนและสง่างาม

งานที่สวยงามไม่น้อยของ Brunelleschi คือโบสถ์ Pazzi ที่มีชื่อเสียงซึ่งสร้างขึ้นในลานของโบสถ์ Santa Croce ในเมืองฟลอเรนซ์ เป็นอาคารสี่เหลี่ยมขนาดเล็ก ปกคลุมตรงกลางด้วยโดม ข้างในปูด้วยหินอ่อนสีขาว เช่นเดียวกับอาคารอื่นๆ ของบรูเนลเลสคี โบสถ์แห่งนี้โดดเด่นด้วยความเรียบง่าย ความชัดเจน ความสง่างาม และความสง่างาม

ผลงานของบรูเนลเลสคีมีความโดดเด่นจากการที่เขาได้ก้าวไปไกลกว่าสถานที่สักการะ และสร้างอาคารที่งดงามของสถาปัตยกรรมทางโลก ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของสถาปัตยกรรมดังกล่าวคือสถานเลี้ยงเด็กกำพร้า ซึ่งสร้างขึ้นในรูปทรงของตัวอักษร "P" โดยมีเฉลียง-ระเบียงปกคลุม

Donatello ประติมากรชาวฟลอเรนซ์เป็นหนึ่งในผู้สร้างที่โดดเด่นที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น เขาทำงานในหลากหลายประเภท ทุกที่ที่แสดงนวัตกรรมที่แท้จริง ในงานของเขา Donatello ใช้มรดกโบราณโดยอาศัยการศึกษาธรรมชาติอย่างลึกซึ้งและปรับปรุงวิธีการแสดงออกทางศิลปะอย่างกล้าหาญ

เขามีส่วนร่วมในการพัฒนาทฤษฎีมุมมองเชิงเส้น รื้อฟื้นรูปเหมือนประติมากรรมและร่างกายที่เปลือยเปล่า และหล่ออนุสาวรีย์ทองแดงแห่งแรก ภาพที่เขาสร้างขึ้นนั้นเป็นศูนย์รวมของอุดมคติแบบมนุษยนิยมของบุคลิกภาพที่พัฒนาอย่างกลมกลืน ด้วยผลงานของเขา Donatello มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาประติมากรรมยุโรปในเวลาต่อมา

ความปรารถนาของ Donatello ในการทำให้อุดมคติของบุคคลที่ปรากฎปรากฏชัดใน รูปปั้นหนุ่มเดวิดในงานนี้ เดวิดปรากฏเป็นชายหนุ่มที่สวยงาม เต็มไปด้วยความแข็งแกร่งทางร่างกายและจิตใจ ความงามของร่างกายที่เปลือยเปล่าของเขาถูกเน้นด้วยลำตัวที่โค้งมนอย่างสง่างาม ใบหน้าอ่อนเยาว์แสดงถึงความครุ่นคิดและความโศกเศร้า รูปปั้นนี้ตามมาด้วยรูปปั้นเปลือยทั้งชุดในประติมากรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

หลักการที่กล้าหาญนั้นแข็งแกร่งและชัดเจนใน รูปปั้นของเซนต์ จอร์จซึ่งกลายเป็นหนึ่งในยอดฝีมือของโดนาเทลโล ที่นี่เขาสามารถรวบรวมความคิดเกี่ยวกับบุคลิกภาพที่แข็งแกร่งได้อย่างเต็มที่ เบื้องหน้าเราคือนักรบที่สูง สง่า กล้าหาญ สงบ และมั่นใจในตัวเอง ในงานนี้ อาจารย์ได้พัฒนาประเพณีที่ดีที่สุดของประติมากรรมโบราณอย่างสร้างสรรค์

ผลงานคลาสสิกของ Donatello ถือเป็นงาน รูปปั้นทองสัมฤทธิ์ผู้บัญชาการ Gattamelatta - อนุสาวรีย์ขี่ม้าแห่งแรกในศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ที่นี่ประติมากรผู้ยิ่งใหญ่ได้บรรลุถึงระดับสูงสุดของภาพรวมทางศิลปะและปรัชญาซึ่งทำให้งานนี้ใกล้ชิดกับสมัยโบราณมากขึ้น

ในเวลาเดียวกัน Donatello ได้สร้างภาพบุคคลที่มีบุคลิกเฉพาะและไม่เหมือนใคร ผู้บัญชาการปรากฏเป็นวีรบุรุษยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่แท้จริง เป็นคนที่กล้าหาญ สงบ และมั่นใจในตนเอง รูปปั้นมีความโดดเด่นด้วยรูปแบบที่พูดน้อย, ปั้นที่ชัดเจนและแม่นยำ, ท่าทางตามธรรมชาติของผู้ขับขี่และม้า ด้วยเหตุนี้อนุสาวรีย์จึงกลายเป็นงานประติมากรรมชิ้นเอกที่แท้จริง

ในช่วงสุดท้ายของความคิดสร้างสรรค์ Donatello ได้สร้างกลุ่มสีบรอนซ์ "Judith and Holofernes" งานนี้เต็มไปด้วยพลวัตและละคร: Judith ถูกบรรยายในขณะที่เธอยกดาบขึ้นเหนือ Holofernes ที่ได้รับบาดเจ็บแล้ว เพื่อจบเขา

Masaccioถือว่าเป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นอย่างถูกต้อง เขายังคงเดินหน้าและพัฒนาเทรนด์ที่มาจาก Giotto Masaccio อาศัยอยู่เพียง 27 ปีและทำเพียงเล็กน้อย อย่างไรก็ตาม จิตรกรรมฝาผนังที่เขาสร้างขึ้นได้กลายเป็นโรงเรียนสอนการวาดภาพที่แท้จริงสำหรับศิลปินชาวอิตาลีคนต่อมา ตามที่ Vasari ผู้ร่วมสมัยของ High Renaissance และนักวิจารณ์ที่มีอำนาจ "ไม่มีปรมาจารย์คนใดที่ใกล้ชิดกับปรมาจารย์สมัยใหม่อย่าง Masaccio"

ผลงานหลักของ Masaccio คือภาพเฟรสโกในโบสถ์ Brancacci ของโบสถ์ Santa Maria del Carmine ในเมืองฟลอเรนซ์ โดยเล่าเรื่องราวตอนต่างๆ จากตำนานของนักบุญเปโตร ตลอดจนภาพฉากในพระคัมภีร์สองฉากคือ "The Fall" และ "Exile from" สวรรค์".

แม้ว่าภาพเฟรสโกจะบอกถึงปาฏิหาริย์ของนักบุญ ปีเตอร์ ไม่มีอะไรเหนือธรรมชาติและลึกลับในตัวพวกเขา ภาพของพระคริสต์ เปโตร อัครสาวก และผู้เข้าร่วมคนอื่นๆ ในเหตุการณ์ดูเหมือนจะเป็นคนค่อนข้างมาก พวกเขามีคุณสมบัติส่วนบุคคลและประพฤติตนค่อนข้างเป็นธรรมชาติและเป็นมนุษย์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในฉาก "บัพติศมา" ชายหนุ่มเปลือยกายที่สั่นเทาจากความหนาวเย็นนั้นแสดงให้เห็นอย่างแท้จริงอย่างน่าประหลาดใจ Masaccio สร้างองค์ประกอบโดยใช้มุมมองเชิงเส้นไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงมุมมองทางอากาศด้วย

จากวงจรทั้งหมด สมควรได้รับการกล่าวถึงเป็นพิเศษ ปูนเปียก "การขับไล่จากสวรรค์".เธอเป็นผลงานจิตรกรรมชิ้นเอกที่แท้จริง ปูนเปียกนั้นพูดน้อยไม่มีอะไรเหลือเฟือ เมื่อเทียบกับพื้นหลังของภูมิประเทศที่คลุมเครือ ร่างของอาดัมและอีฟที่ออกจากประตูสวรรค์นั้นมองเห็นได้ชัดเจน เหนือสิ่งอื่นใดคือทูตสวรรค์ที่มีดาบลอยอยู่ ความสนใจทั้งหมดมุ่งเน้นไปที่แม่และอีฟ

มาซาชโช่เป็นเจ้าแรกในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพที่สามารถทาสีร่างกายที่เปลือยเปล่าได้ด้วยวิธีที่น่าเชื่อถือและเป็นของแท้ เพื่อถ่ายทอดสัดส่วนตามธรรมชาติของมัน ให้มีเสถียรภาพและเคลื่อนไหวได้ สภาพภายในของตัวละครนั้นแสดงออกได้อย่างน่าเชื่อถือและชัดเจน อดัมที่กำลังก้าวออกไปอย่างกว้างๆ ก้มหน้าลงด้วยความละอายและเอามือปิดหน้า อีฟร้องไห้สะอึกสะอื้นก้มหน้าด้วยความสิ้นหวังโดยอ้าปากค้าง ปูนเปียกนี้เปิดศักราชใหม่ในงานศิลปะ

สิ่งที่มาซาชโช่ทำนั้นยังคงดำเนินต่อไปโดยศิลปินเช่น Andrea Mantegna(1431 -1506) และ ซานโดร บอตติเชลลี(1455-1510). คนแรกมีชื่อเสียงในด้านภาพจิตรกรรมฝาผนังเป็นหลักซึ่งเป็นสถานที่พิเศษที่มีภาพเฟรสโกเล่าถึงตอนสุดท้ายของชีวิตของนักบุญ เจมส์ - ขบวนไปสู่การประหารชีวิตและการประหารชีวิตเอง บอตติเชลลีชอบวาดภาพขาตั้ง ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ Spring และ The Birth of Venus

ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 15 เมื่อศิลปะอิตาลีไปถึงจุดสูงสุด ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงสำหรับอิตาลี ช่วงเวลานี้เป็นเรื่องยากมาก เนื่องจากถูกแยกส่วนและไม่สามารถป้องกันได้ จึงถูกทำลายล้าง ถูกปล้นสะดม และแห้งเหือดจากการรุกรานจากฝรั่งเศส สเปน เยอรมนี และตุรกี อย่างไรก็ตามศิลปะในช่วงเวลานี้กำลังประสบกับการออกดอกอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน ในเวลานี้เองที่ไททันเช่น Leonardo da Vinci กำลังสร้างขึ้น ราฟาเอล. ไมเคิลแองเจโล, ทิเชียน.

ในสถาปัตยกรรม การเริ่มต้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงนั้นสัมพันธ์กับความคิดสร้างสรรค์ Donato Bramante(1444-1514). เขาเป็นคนที่สร้างรูปแบบที่กำหนดการพัฒนาสถาปัตยกรรมในยุคนี้

งานแรกๆ ของเขาคือโบสถ์ของอาราม Santa Maria della Grazie ในมิลาน ในโรงอาหารซึ่ง Leonardo da Vinci จะวาดภาพ The Last Supper ที่โด่งดังของเขาในปูนเปียก ความรุ่งโรจน์ของมันเริ่มต้นด้วยโบสถ์เล็ก ๆ ที่เรียกว่า เทมเพตโต(ค.ศ. 1502) สร้างขึ้นในกรุงโรมและกลายเป็น "คำประกาศ" ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูง โบสถ์มีรูปร่างคล้ายหอกซึ่งโดดเด่นด้วยความเรียบง่ายของวิธีการทางสถาปัตยกรรมความกลมกลืนของชิ้นส่วนและการแสดงออกที่หายาก นี่เป็นผลงานชิ้นเอกเล็ก ๆ น้อย ๆ ที่แท้จริง

จุดสุดยอดของงานของ Bramante คือการสร้างนครวาติกันขึ้นใหม่และการเปลี่ยนแปลงอาคารต่างๆ ให้เป็นชุดเดียว เขายังเป็นเจ้าของการออกแบบของมหาวิหารเซนต์ Peter ซึ่ง Michelangelo จะทำการเปลี่ยนแปลงและเริ่มดำเนินการ

ดูสิ่งนี้ด้วย: Michelangelo Buonarroti

ในศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีสถานที่พิเศษถูกครอบครองโดย เวนิส.โรงเรียนที่พัฒนาที่นี่แตกต่างอย่างมากจากโรงเรียนในฟลอเรนซ์ โรม มิลาน หรือโบโลญญา ฝ่ายหลังมุ่งสู่ประเพณีที่มั่นคงและความต่อเนื่อง พวกเขาไม่เอนเอียงไปสู่การต่ออายุที่รุนแรง มันอยู่ในโรงเรียนเหล่านี้ที่ คลาสสิก XVIIใน. และนีโอคลาสสิกในศตวรรษต่อมา

โรงเรียนเวนิสทำหน้าที่เป็นจุดสมดุลและตรงกันข้าม จิตวิญญาณของนวัตกรรมและการต่ออายุการปฏิวัติที่รุนแรงขึ้นครองราชย์ที่นี่ ในบรรดาตัวแทนของโรงเรียนอื่นๆ ในอิตาลี เลโอนาร์โดอยู่ใกล้กับเวนิสมากที่สุด บางทีนี่อาจเป็นเพราะความหลงใหลในการวิจัยและการทดลองของเขาสามารถค้นหาความเข้าใจและการยอมรับที่เหมาะสมได้ ในข้อพิพาทที่มีชื่อเสียงระหว่างศิลปิน "เก่าและใหม่" หลังอาศัยตัวอย่างของเวนิส นี่คือจุดเริ่มต้นของแนวโน้มที่นำไปสู่ยุคบาโรกและแนวโรแมนติก และแม้ว่าพวกโรแมนติกจะให้เกียรติราฟาเอล แต่เทพเจ้าที่แท้จริงของพวกเขาคือทิเชียนและเวโรนีส ในเมืองเวนิส El Greco ได้รับหน้าที่สร้างสรรค์ซึ่งทำให้เขาสามารถวาดภาพสเปนได้ Velazquez ผ่านเวนิส เช่นเดียวกับศิลปินเฟลมิช Rubens และ Van Dyck

เวนิสเป็นเมืองท่า อยู่ตรงทางแยกของเส้นทางเศรษฐกิจและการค้า เธอได้รับอิทธิพลจากภาคเหนือของเยอรมนี ไบแซนเทียม และตะวันออก เวนิสได้กลายเป็นสถานที่แสวงบุญของศิลปินมากมาย A. Dürer มาที่นี่สองครั้ง - ปลายศตวรรษที่ 15 และต้นศตวรรษที่ 16 เธอได้รับการเยี่ยมเยียนโดยเกอเธ่ (1790) แว็กเนอร์ฟังการร้องเพลงของเรือกอนโดลิเย่ (ค.ศ. 1857) ซึ่งเขาได้เขียนบทที่สองของทริสตันและอิโซลเดภายใต้แรงบันดาลใจ Nietzsche ยังฟังการร้องเพลงของเรือกอนโดลิเย่ร์ เรียกมันว่าการร้องเพลงของจิตวิญญาณ

ความใกล้ชิดของทะเลทำให้เกิดของเหลวและรูปแบบเคลื่อนที่มากกว่าโครงสร้างทางเรขาคณิตที่ชัดเจน เวนิสไม่ค่อยให้เหตุผลกับกฎเกณฑ์ที่เข้มงวดมากนัก แต่สำหรับความรู้สึกซึ่งเป็นที่มาของกวีนิพนธ์ศิลปะเวนิสอันน่าทึ่ง จุดเน้นของบทกวีนี้คือธรรมชาติ - มองเห็นได้และสัมผัสได้ถึงวัตถุ ผู้หญิง - ความงามอันน่าตื่นเต้นของเนื้อหนังของเธอ ดนตรี - เกิดจากการเล่นของสีและแสง และจากเสียงที่มีเสน่ห์ของธรรมชาติที่เปี่ยมด้วยจิตวิญญาณ

จิตรกร โรงเรียนเวนิสไม่ต้องการรูปแบบและรูปแบบ แต่ชอบเล่นแสงและเงา แสดงให้เห็นถึงธรรมชาติ พวกเขาพยายามถ่ายทอดแรงกระตุ้นและการเคลื่อนไหว ความแปรปรวน และความลื่นไหลของมัน พวกเขาเห็นความงามของร่างกายผู้หญิงไม่มากนักในความกลมกลืนของรูปแบบและสัดส่วน แต่ในเนื้อหนังที่มีชีวิตและความรู้สึกมากที่สุด

มีความน่าเชื่อถือและความน่าเชื่อถือไม่เพียงพอ พวกเขาพยายามที่จะเปิดเผยความร่ำรวยที่มีอยู่ในภาพวาด เป็นเวนิสที่สมควรได้รับบุญในการค้นพบหลักภาพที่บริสุทธิ์หรืองดงามใน รูปแบบบริสุทธิ์. ศิลปินชาวเวนิสเป็นคนแรกที่แสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ของการแยกภาพวาดออกจากวัตถุและรูปแบบ ความเป็นไปได้ในการแก้ปัญหาการวาดภาพด้วยความช่วยเหลือของสีเดียว วิธีการวาดภาพล้วนๆ ความเป็นไปได้ในการพิจารณาการวาดภาพเป็นจุดสิ้นสุดในตัวเอง ภาพวาดที่ตามมาทั้งหมดขึ้นอยู่กับการแสดงออกและการแสดงออกจะเป็นไปตามเส้นทางนี้ ตามที่ผู้เชี่ยวชาญบางคนกล่าวว่า เราสามารถไปจากทิเชียนเป็นรูเบนส์และแรมแบรนดท์ จากนั้นไปที่เดลาครัวซ์ และจากเขาไปที่โกแกง แวนโก๊ะ เซซาน ฯลฯ

ผู้ก่อตั้งโรงเรียนเวเนเชียนคือ Giorgione(1476-1510). ในงานของเขา เขาทำหน้าที่เป็นผู้ริเริ่มอย่างแท้จริง กับเขาในที่สุดหลักการทางโลกก็ชนะและแทนที่จะเป็น เรื่องราวในพระคัมภีร์เขาชอบที่จะเขียนในตำนานและ ธีมวรรณกรรม. ในงานของเขา มีการสร้างภาพวาดขาตั้งซึ่งไม่เหมือนกับไอคอนหรือรูปแท่นบูชาอีกต่อไป

จอร์โจเน่ เปิดตัว ยุคใหม่ในการวาดภาพ เป็นคนแรกที่วาดภาพจากธรรมชาติ แสดงให้เห็นถึงธรรมชาติเป็นครั้งแรกที่เขาเปลี่ยนโฟกัสไปที่ความคล่องตัว ความแปรปรวน และความลื่นไหล ตัวอย่างที่ดีคือภาพวาด "พายุฝนฟ้าคะนอง" จอร์โจเน่เป็นผู้เริ่มค้นหาความลับของการวาดภาพในแสงและการเปลี่ยนผ่าน ในการเล่นแสงและเงา โดยทำหน้าที่เป็นผู้บุกเบิกการคาราวัจโจและการคาราวัจโจ

Giorgione สร้างสรรค์ผลงานประเภทต่างๆ และธีม - "Country Concert" และ "Judith" ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ “วีนัสหลับใหล”". ภาพนี้ไม่มีโครงเรื่องใดๆ เธอร้องเพลงถึงความงามและเสน่ห์ของร่างกายผู้หญิงที่เปลือยเปล่าซึ่งเป็นตัวแทนของ "ภาพเปลือยเพื่อเห็นแก่ความเปลือยเปล่า"

หัวหน้าโรงเรียนเวเนเชียนคือ Titian(ค. 1489-1576) งานของเขา ควบคู่ไปกับผลงานของเลโอนาร์โด ราฟาเอล และไมเคิลแองเจโล คือจุดสุดยอดของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ชีวิตที่ยืนยาวส่วนใหญ่ของเขาตกอยู่ที่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

ในผลงานของทิเชียน ศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีการเพิ่มขึ้นและรุ่งเรืองสูงสุด ผลงานของเขาผสมผสานการค้นหาที่สร้างสรรค์และนวัตกรรมของเลโอนาร์โด ความงามและความสมบูรณ์แบบของราฟาเอล ความลึกซึ้งทางจิตวิญญาณ ละคร และโศกนาฏกรรมของไมเคิลแองเจโล พวกเขามีราคะที่ไม่ธรรมดาโดยที่พวกเขามีผลอย่างมากต่อผู้ชม ผลงานของทิเชียนมีความไพเราะและไพเราะ

ตามที่รูเบนส์จดบันทึก ร่วมกับทิเชียน การวาดภาพได้รับรสชาติ และตามดนตรีของเดลาครัวซ์และแวนโก๊ะ ผืนผ้าใบของเขาถูกวาดด้วยพู่กันแบบเปิดที่มีทั้งแสง อิสระ และโปร่งใส มันอยู่ในผลงานของเขาที่สีตามที่เป็นอยู่ละลายและดูดซับรูปแบบและหลักการภาพเป็นครั้งแรกได้รับเอกราชปรากฏขึ้นในรูปแบบที่บริสุทธิ์ ความสมจริงในการสร้างสรรค์ของเขากลายเป็นบทกวีที่มีเสน่ห์และละเอียดอ่อน

ในงานของยุคแรกทิเชียนเชิดชูความสุขที่ไร้กังวลของชีวิต ความเพลิดเพลินของสินค้าทางโลก เขาร้องเพลงของหลักการทางกาม เนื้อมนุษย์ที่เปี่ยมไปด้วยสุขภาพ ความงามอันเป็นนิรันดร์ของร่างกาย ความสมบูรณ์ทางกายของมนุษย์ นี่เป็นหัวข้อของภาพวาดของเขาเช่น "ความรักบนดินและสวรรค์", "งานฉลองดาวศุกร์", "แบคคัสและอาเรียดเน", "ดาเน่", "วีนัสและอิเหนา"

การเริ่มต้นที่ตระการตามีชัยในภาพ “สำนึกผิดมักดาลีน” แม้ว่าจะทุ่มเทให้กับสถานการณ์ที่น่าทึ่ง แต่ที่นี่เช่นกัน คนบาปที่สำนึกผิดมีเนื้อหนังที่เย้ายวน ร่างกายที่มีเสน่ห์น่าหลงใหล ริมฝีปากที่เต็มอิ่มและเย้ายวน แก้มแดงก่ำ และผมสีทอง ผ้าใบ "Boy with Dogs" เต็มไปด้วยบทกวีที่เจาะลึก

ในงานของยุคที่สองหลักการทางศีลธรรมยังคงรักษาไว้ แต่เสริมด้วยจิตวิทยาและการละครที่เพิ่มขึ้น โดยทั่วไป ทิเชียนจะค่อยๆ เปลี่ยนจากร่างกายและความรู้สึกไปเป็นจิตวิญญาณและการแสดงละคร การเปลี่ยนแปลงอย่างต่อเนื่องในผลงานของทิเชียนนั้นมองเห็นได้ชัดเจนในศูนย์รวมของธีมและโครงเรื่องที่ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่กล่าวถึงสองครั้ง ตัวอย่างทั่วไปในเรื่องนี้คือภาพวาด "เซนต์เซบาสเตียน" ในเวอร์ชันแรกชะตากรรมของผู้ประสบภัยโดดเดี่ยวที่ถูกทอดทิ้งโดยผู้คนดูเหมือนจะไม่เศร้าเกินไป ในทางตรงกันข้าม นักบุญที่ปรากฎนั้นได้รับพลังและความงามทางกาย ในเวอร์ชันต่อมาของรูปภาพ ซึ่งตั้งอยู่ในอาศรม ภาพเดียวกันได้รับคุณลักษณะของโศกนาฏกรรม

ตัวอย่างที่โดดเด่นยิ่งกว่านั้นคือภาพเขียน "The Crowning with Thorns" ในรูปแบบต่างๆ ซึ่งอุทิศให้กับตอนหนึ่งจากชีวิตของพระคริสต์ ในตอนแรกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ พระคริสต์ทรงปรากฏกายเป็นนักกีฬาที่หล่อเหลาและแข็งแรง สามารถขับไล่ผู้ข่มขืนได้ ในเวอร์ชันมิวนิกซึ่งสร้างขึ้นเมื่อยี่สิบปีต่อมา ตอนเดียวกันนี้ถ่ายทอดได้ลึกซึ้งกว่า ซับซ้อนกว่า และมีความหมายมากกว่ามาก พระคริสต์อยู่ในเสื้อคลุมสีขาวหลับตาเขาอดทนต่อการทุบตีและความอัปยศอดสูอย่างสงบ ตอนนี้สิ่งสำคัญไม่ใช่ยอดและการเต้นไม่ใช่ปรากฏการณ์ทางกายภาพ แต่เป็นปรากฏการณ์ทางจิตวิทยาและจิตวิญญาณ ภาพเต็มไปด้วยโศกนาฏกรรมที่ลึกล้ำเป็นการแสดงออกถึงชัยชนะของจิตวิญญาณขุนนางฝ่ายวิญญาณเหนือความแข็งแกร่งทางร่างกาย

ในผลงานช่วงหลังของทิเชียน เสียงที่น่าเศร้ายิ่งทวีความรุนแรงมากขึ้นเรื่อยๆ นี่คือหลักฐานจากภาพวาด "คร่ำครวญของพระคริสต์"