Каранкова Ю.Н.
Ренесанс (фр. Renaissance) - епоха в културно-историческия живот Западна Европа XV-XVI век (в Италия - XIV-XVI век). Това е периодът на възникване и развитие на капиталистическите отношения, формирането на нации, езици и национални култури. Ренесанс - времето на великите географски открития, изобретяването на печата, развитието на науката.
Епохата получи името си във връзка с възраждането на интереса към древното изкуство, което се превърна в идеал за културни дейци от онова време. Композитори и музикални теоретици - Й. Тинкторис, Й. Царлино и др. - изучават древногръцки музикални трактати; в музикалните произведения на Жоскен Депре, който е сравняван с Микеланджело, "изгубеното съвършенство на древните гърци се е увеличило"; се появява в края на 16 - началото на 17 век. операта е ориентирана към образците на античната драма.
Основата на изкуството на Ренесанса е хуманизмът (от латински "humanus" - хуманен, човеколюбив) - възглед, който провъзгласява човек за най-висшата ценност, защитава правото на човек на собствена оценка на явленията от реалността, поставя издига изискването за научно познание и адекватно отразяване в изкуството на явленията от действителността. Идеолозите на Ренесанса противопоставят на теологията на Средновековието нов идеал за човек, пропит със земни чувства и интереси. В същото време характеристиките на предишната епоха се запазват в изкуството на Ренесанса (като по същество светско, то използва образи на средновековното изкуство).
Ренесансът е и време на широки антифеодални и антикатолически религиозни движения (хуситизъм в Чехия, лутеранство в Германия, калвинизъм във Франция). Всички тези религиозни движения са обединени от общото понятие „протестантство“ (или „реформация“).
През Ренесанса изкуството (включително музиката) се радва на голям обществен престиж и получава изключително широко разпространение. Изобразителното изкуство (Л. да Винчи, Рафаело, Микеланджело, Ян ван Ейк, П. Брьогел и др.), архитектурата (Ф. Брунелески, А. Паладио), литературата (Данте, Ф. Петрарка, Ф. Рабле, М. Сервантес , У. Шекспир), музика.
Характерни черти на музикалната култура на Ренесанса:
бързото развитие на светската музика (широкото използване на светски жанрове: мадригали, фротоли, виланели, френски "шансони", английски и немски полифонични песни), нейното нападение върху старата църковна музикална култура, съществуваща успоредно със светската;
реалистични тенденции в музиката: нови сюжети, образи, съответстващи на хуманистичните възгледи и в резултат на това нови музикални изразни средства;
народната мелодия като водещо начало на музикалното произведение. Народните песни се използват като cantus firmus (основната, непроменлива тенорова мелодия в полифоничните произведения) и в полифоничната музика (включително църковната). Мелодията става по-плавна, по-гъвкава, мелодична, т.к е пряк израз на човешки преживявания;
мощно развитие на полифоничната музика, вкл. и "строг стил" (с други думи - "класическа вокална полифония", защото е фокусирана върху вокално-хоровото изпълнение). Строг стилпредполага задължително спазване на установени правила (нормите на строг стил са формулирани от италианеца Дж. Карлино). Майсторите на строгия стил усвоиха техниката на контрапункта, имитацията и канона. Строгото писане се основаваше на система от диатонични църковни режими. Консонансите доминират в хармонията, използването на дисонанси е строго ограничено от специални правила. Добавени са основният и второстепенният режим и часовниковата система. Тематичната основа е григорианският песнопение, но се използват и светски мелодии. Концепцията за строг стил не обхваща цялата полифонична музика на Ренесанса. Акцентира основно върху полифонията на Палестрина и О. Ласо;
формирането на нов тип музикант - професионалист, получил цялостна специална музикално образование. Понятието "композитор" се появява за първи път;
формирането на национални музикални школи (английски, холандски, италиански, немски и др.);
появата на първите изпълнители на лютня, виола, цигулка, клавесин, орган; разцвет на любителското музициране;
появата на типографията.
Основни музикални жанрове на Ренесанса
Основни музикални теоретици на Ренесанса:
Йоханес Тинкторис (1446 - 1511),
Глареан (1488 - 1563),
Джоузефо Карлино (1517 - 1590).
Библиография
абстрактно по учебната дисциплина "Културология"
на тема: "Музиката на Ренесанса."
Планирайте
1. Въведение.
2. Инструменти на Ренесанса.
3. Школи и композитори на Ренесанса.
5. Заключение.
6. Списък с литература.
1. Въведение.
Музикалното изкуство на Ренесанса е преди всичко новаторско изкуство. Преди всичко този новаторски характер се определя от пробива на светската песенна и танцова култура. Във всяка страна жанровете на песните и танците се основават на фолклорния произход. Независимо дали става въпрос за испанската вилансика, английската балада, италианската фротола, френския шансон или немската водеща - всички те бяха насочени към предаване на сложния вътрешен свят на човешката личност, разказвайки на хората за радостите от живота. В тези песни се усеща цялата специфика на чувството на възрожденския човек.
Триумфът на светската музикална култура беше мадригалът - песен, изпълнена на италиански език. Именно езикът подчертава отклонението на този жанр от църковната музика, която се изпълнява на латински. Еволюцията на мадригала е интересен процес, който се превърна от подобие на обикновена овчарска песен в пълноценно музикално произведение, включващо както вокални, така и инструментални линии. Специално внимание заслужава текстът към мадригалите, чиито автори са изключителни поети от Ренесанса, включително Ф. Петрарка. Нямаше музикално развита държава в Европа, където да не се пишат мадригали.
Втората характеристика на спецификата на музикалната култура от този период може да се нарече разцветът на полифонията. Композиторите, които са написали полифонични произведения, допринасят за еволюцията на най-големия ренесансов жанр - месата. Резултатът от този прогрес беше маса, която има строго обмислена циклична форма. Промяната на частите в литургията е повлияна от църковния календар: литургията е имала задължително духовно значение, свързано с едно или друго събитие. Но какъвто и да е църковният календар, литургията се състоеше от задължителни части.
Третата особеност е осезаемо нарасналото значение на инструменталната музика, въпреки доминиращата роля на вокалните жанрове. Сега инструменталната музика е станала професионална и има определен фокус върху един или друг инструмент (група инструменти). Композиторите са написали композиции за лютня, клавишни инструменти, виола и нейните разновидности.
Четвъртата особеност е възникването и утвърждаването на национални композиторски школи. Всеки от тях имаше своя специфика, изтъкна редица ярки представители, имаше уникални черти, свързани с народното музикално изкуство на страната.
Петата особеност е бързата еволюция на музикалната теория. Учените се стремят да разработят понятията и законите на най-важните музикални елементи - мелодия, хармония, полифония. И така, Ренесансът, като повратна точка в развитието на европейската култура, се оказа време на радикални промени за музиката.
2. Ренесансови инструменти.
Развитието на жанровете през Ренесанса също допринася за разширяването на инструментите. В големите европейски страни - Италия, Холандия, Англия, Испания, Франция набързо се откриват работилници за производство на музикални инструменти, които вървят много добре.
Царят на музикалните инструменти дълго време беше органът, който доминираше както в концертната, така и в духовната сфера. Но с течение на времето ситуацията започна да се променя и на преден план излязоха струнните и струнните инструменти. Това са виолата (родоначалникът на съвременните цигулка и виола) и лютнята, инструмент, заимстван от мюсюлманската култура. За тези инструменти са написани рекорден брой произведения. Лютнята беше отличен акомпаниращ инструмент за вокално изпълнение.
Други инструменти също бяха популярни. Сред дървените духови инструменти са бомбарда и шал. Бомбардата е бас инструмент, който предшества съвременния фагот. Характеризира се с груб тембър, неблагоприятен за художествена изразителност (за разлика от фагота).
Шалмей се отличаваше с изключително силен звук и много широк обхват, с който бомбардата не можеше да се похвали. Без шаума беше невъзможно да си представим церемониални събития или танци. В последвалата барокова епоха шалът е забравен за дълго време.
Група струнни инструменти, в допълнение към гореспоменатата виола, включваше: виола да гамба, виола да брачо и други разновидности на този инструмент.
Свиренето на виола да гамба означава опора с крака, откъдето идва и името й (ит. gamba - крак). Много ренесансови композитори са писали произведенията си с него като солов инструмент. Съответно viola da braccio е инструмент, който се държи в ръцете. И двете виоли са били широко използвани както като соло, така и като инструменти, участващи в ансамбли и оркестри.
Клавирните инструменти бяха широко разпространени: клавесин (отнася се и за струнни), клавикорд, спинет (също принадлежи към групата на клавишните струни), виргинал.
Клавесинът има много приятен и специфичен тембър, но същественият му недостатък е невъзможността за динамична промяна на звука. Този инструмент се оказва по-реализиран в епохата на барока, отколкото в епохата на Ренесанса.
Спинетът е вид клавесин. Родината му, както и на много други музикални инструменти, е Италия. Този инструмент беше по-скоро домашен, отколкото концертен инструмент. Много богати дами имаха спинет вкъщи и пееха под негов акомпанимент или пускаха музика на него.
Отнася се за разнообразие от клавесин и вирджинал. Името на този инструмент съдържа ключа към неговите звукови характеристики. Произлиза от лат. Вирджиния (Дева), името загатва за неговия чист и ангелски звук.
Клавикордът, като един от най-старите музикални инструменти в историята на музиката, функционира добре през Ренесанса. Основната характеристика на клавикорда е способността да се извлича вибрато върху него. Клавикордът е бил на висока почит както от професионални музиканти, така и от аматьори. Музиката, изпълнявана на клавиатури, се нарича клавир, а британците имат голям принос за нейното развитие.
Така наборът от инструменти беше доста богат и разнообразен, което говори за пълноценното жанрово развитие на музиката и композиторското изкуство. Трябва също да се отбележи, че всеки инструмент имаше свои виртуозни изпълнители.
3. Школи и композитори на Ренесанса.
Има няколко основни композиторски школи на Ренесанса, които се формират в най-развитите страни. Това са шест основни училища: италианско, холандско, английско, френско, немско и испанско. Холандското училище беше лидер сред тях. Отличава се с това, че е развила система за професионално музикално образование. Бъдещите композитори се обучават в метрици - училища към католическите църкви. Холандската музика дължи много на Metriz, защото завършилите тези институции са станали изключителни композитори.
Композиторите от тази школа гравитираха към редица жанрове. На първо място, това е маса (многочастна полифония), песни и мотети. Предпочитание беше дадено на полифоничните песни. Композирани са мотети за ансамбли. Те също се обърнаха към жанрове като шансон и мадригал - един вид символ на победата на светската музика над духовната.
Заслугата на Холандската школа е обобщаването на музикалното наследство по отношение на полифоничното хорово пеене. Освен това тук се развиват и утвърждават споменатите по-горе класически жанрове и се установяват законите на полифонията.
Холандската школа може да се гордее с много композитори. Сред тях са J. Okeghem, G. Dufay, J. Despres, J. Obrecht, J.P. Подуване и други. Всеки от тях не само пише страхотна музика, но и допринася за развитието на теорията на музикалното изкуство. G. Dufay полага основите на националната полифония; Й. Обрехт обогати музиката с народни мелодии; Я.П. Суелинг създава училище за свирене на органи.
Италианското училище също правилно се смяташе за много силно и в същото време многостранно, т.к. се състоеше от число национални училища, сред които се открояват две: римска и венецианска.
Ръководител на римската школа е Й. П. Палестрина, който заема длъжност в Сикстинската капела. Неговата дейност определя духовната посока на музиката, която пише. Месата се оказва основният жанр, към който той се отнася. Той обаче композира произведения в други често срещани жанрове от онова време. J. P. Palestrina успя да защити полифонията в църковната музика, която те искаха да изоставят, искайки да я заменят с едногласно пеене (грегориански песнопение). Други изключителни композитори от тази школа са Ф. Анерио, Дж. Джанакони и др. Римската школа е фокусирана върху инструментала църковна музика.
Венецианската школа се формира благодарение на дейността на А. Уиларт, холандски композитор. Той включва и такива композитори като К. Монтеверди, К. Меруло, Дж. Басано. Тези и други представители с готовност се занимават не само с инструментална, но и с вокална музика. Склонни към експерименти, те създадоха нов музикален стил- концерт. Композиторската школа във Венеция подготви почвата за крайъгълен камъкв музиката – барок.
Английската композиционна школа се основава на вокалната полифония, към която принадлежат музикалните традиции на страната. Англия е първата страна, която има бакалаври по изкуства. През Ренесанса редица композитори започват да противопоставят светското музикално изкуство на църковното вокално изкуство. Един от най-обичаните композиторски жанрове беше мадригалът. Имайте предвид, че музикалното изкуство се развива в ренесансова Англия не толкова разнообразно и ярко, колкото в други европейски страни.
Френската школа е една от най-особените. Тук песенното изкуство се развива по свои закони и се нарича „шансон“. Разбира се, не може да се тълкува в съвременния смисъл. Тогава това беше полифонично произведение, несвързано с църквата и библейските теми. Но още тогава в шансона връзката с народната музика и танцовите ритми е осезаема.
Композиторът К. Жанекен се прояви особено ярко в този жанр, като написа голям брой произведения в този жанр. Обръща се и към други жанрове – меси, мотети и др.
Професионалните кадри в Германия по време на Ренесанса се изковават в параклиси, които обикновено съществуват в катедрали и съдилища; както и от оформилите се сред бюргерите творчески сдружения. Немските композитори се проявиха като талантливи полифонисти и сред тях имаше много велики майстори, но в това отношение те не успяха да настигнат нито Холандия, нито Италия. Славата на немското училище тепърва предстоеше.
Забележително явление в немското музикално изкуство е майстерзангът, който замени минесанга. Това беше името на дейността на професионалните поети-певци, израснали от бюргерската среда. Въпреки това, въпреки факта, че са били професионалисти, работата на техните предшественици, минезингерите, им е служила като естетически ориентир.
В Испания музикалното изкуство дори през Ренесанса не може да се освободи от диктатурата на католическата църква. Участваха всички видни композитори на Испания църковна служба, а произведенията им, дори полифоничните, бяха сковани от установени традиции. В същото време те не можеха да не приемат иновациите, въведени от Холандия и Италия, така че все още се усещат опити да се надхвърли работата на големите композитори.
В ренесансова Испания се развиват жанрове като духовна полифония, песенен жанр (vilansicos) и мотети. Испанската музика се отличаваше със своята особена мелодия, а вилансикос - светло за товапример. Като цяло всяко от училищата, въпреки приблизително общите тенденции на развитие, имаше свой собствен национален цвят.
4. Музиканти и техните произведения през Възраждането.
Мотетът, мадригалът и месата са трите най-важни жанра през периода на Ренесанса. Следователно имената на най-големите музиканти са свързани с тях. В италианското музикално изкуство името на Джовани Пиерлуиджи да Палестрина звучи силно. Работил през целия си живот в областта на църковната музика, с творчеството си той допринася за утвърждаването на такъв стил като а капела, който е широко разпространен и днес. Сред най-известните произведения на Дж. Палестрино е "Месата на папа Марчело". Въпреки своята сложност, това произведение е изпълнено с яснота, чистота, хармония, които всъщност са основните характеристики на стила на композитора.
Друг италианец, Джезуалдо ди Веноза, също е изключително плодовит композитор. Броят на написаните от него мадригали е шест книги. Авторът се стреми да изследва трудния вътрешен свят на човек с помощта на музика, да отразява чувствата му. Носят се много мадригали от G. di Venosa трагичен характер. Експресивността и изтънчеността са основните характеристики на музиката на този композитор.
Орландо ди Ласо (Холандия) - друг велик представител на Ренесанса. Написва много произведения, но един от най-ярките му успехи е мадригалът „Ехо“, в който се имитират акустични ефекти. В музиката си О. ди Ласо успя да предаде танца, песента и дори ежедневните черти на своята епоха.
Най-яркият представител на английската музика е Джон Дънстебъл, който има огромен принос за развитието на националната полифония. Автор е на редица популярни меси, мотети и песни. Не всички произведения, които е написал, са оцелели, но тези, които са останали, свидетелстват за него като изобретателен и плодовит композитор.
Английската вокална музика може да се гордее с имената на Томас Морли и Джон Доуланд. Творчеството на последния зарадва самия У. Шекспир. Предполага се, че Дж. Доуланд е автор на музиката към пиесите на великия драматург. Композиторът композира музика за лютня и глас; предпочита трагичното направление в творчеството, но въпреки това една от неговите хумористични песни „Красивите трикове на дамата“ стана много популярна.
Т. Морли (негов ученик беше известният Уилям Бърд) с цялата си работа допринесе за насърчаването и популяризирането на мадригалите на италианските композитори. Съвсем естествено беше той самият да композира музика в този жанр. Един от най известни песни- „Възлюбеният и неговата приятелка - пленяват зрителя със своята простота и искреност.
Кристобал де Моралес донесе слава на испанската музика. Неговото творчество напълно съчетава националните испански традиции и постиженията на най-добрите композитори на Италия и Холандия. Въз основа на този синтез той създава много меси и мотети.
Принадлежи към броя на видните испански композитори и Томас Луис де Виктория, който не само композира музика, но също така притежава изкуството да пее и да свири на орган. Пише полифонични произведения с духовна насоченост.
Сред многобройните френски майстори се откроява името на Клемент Жанекин, който издига шансона на нужното ниво. Песните му са с голямо разнообразие от теми, мелодии, музикални мисли, както и звукоподражания. Той се опита да предаде заглавието на всяка песен чрез музика.
Ако говорим за немска музика, тогава органистът и композиторът Хайнрих Шютц се откроява преди всичко. Той е първият немски композитор, написал опера. Беше есе на митологична тема; операта се казваше Дафне. Г. Шютц също пише опера-балет, която също е базирана на древногръцка история - Орфей и Евридика. Той е написал много други произведения в по-малки жанрове.
Християнският теолог Мартин Лутер играе голяма роля в развитието на немската музика, като допринася за реформата в тази област. Във връзка с желанието си да привлече колкото се може повече енориаши към службата, той формира нови изисквания към вокалната свещена музика. Така се ражда протестантският хорал, който става водещ жанр в музикалното изкуство на ренесансова Германия (разбира се, тук не се имат предвид светските жанрове).
Така музикалното наследство на Ренесанса е изключително богато на събития, жанрове, инструменти, произведения и имена.
5. Заключение.
И така, всичко по-горе ни позволява да направим редица изводи. Повечето силни държавимузикално това беше Холандия (в началото) и Италия (в края). Именно там се раждат традиции, които оказват влияние върху музикалния процес в други страни.
Разширени музикални граници. Това се отнася както за самите музиканти, които се местят из Европа и могат да живеят и работят в различни страни, в различни, понякога контрастиращи жанрове, така и за самата музика. То престана да бъде изключително църковно (говорим за професионално изкуство), тъй като народното изкуство е живо по всяко време.
Излизайки извън духовната сфера, музиката навлиза в ежедневието, става достъпна за широката публика. Нейният език стана достъпен за хората. В същото време музиката се превръща в изкуство, в което се усеща индивидуалността на нейните създатели.
Както в древността, музиката се е превърнала в неразделна част от празниците и тържествата, които отново завоюват своето място в свободното време на европейците след мрачните времена на Средновековието.
Възрожденското общество изпълва живота си с поредица от различни празници, на които се веселят, пеят и танцуват, разиграват се театрални представления. И навсякъде музиката беше незаменим и незаменим атрибут.
Разбира се, не може да се твърди, че музиката е станала изключително светска. Това би било фундаментално погрешно. Както и преди, най-голямо внимание беше отделено на църковната музика. Композиторите написаха грандиозни полифонични вокални и инструментални произведения, в които човешки гласове бяха подкрепени от части на духови инструменти. И въпреки че в някои страни (например в Германия) имаше тенденция към опростяване на църковната музика, в по-голямата си част свещената музика остана величествена и сложна.
През Ренесанса музикалната култура претърпява значително обновяване. Това се отнася и за инструментите, и за новите постижения в теоретичните дисциплини, и за развитието на музикалната нотация.
Но най-важното постижение на Ренесанса във всички сфери на дейност е утвърждаването на човешката личност, интереса към нея, разкриването на нейния богат вътрешен свят с всички налични художествени средства.
6. Списък с литература.
1. Алексеев A.D. История на клавирното изкуство. В две части / A.D. Алексеев. - М.: Музика, 1988. - 415 с.
2. Евдокимова Ю.К., Симакова Н.А. Музика на Ренесанса. Cantus prius factus и работа с него / Ю.К. Евдокимова, Н.А. Симаков. - М.: Музика, 1982. - 240 с.
3. Ливанова Т.Н. История на западноевропейската музика до 1789 г.: В 2 книги. Изд. 2-ро, преработено. Книга. 1: От античността до 18 век / Т.Н. Ливанов. - М.: Музика, 1986. - 378 с.
4. Rosenshield K.K. История на чуждестранната музика / К.К. Розеншилд. - М.: Музика, 1978. - 445 с.
- Общи насоки в развитието на музикалното изкуство през Възраждането
- Музикалното образование през Възраждането
- Музикална теория на Ренесанса. Трактати по музика.
- Бутиков проект
- Общи тенденции в развитието на музикалното изкуствопо време на ренесанса
XIV-XVII век в Западна Европа стана време на големи социални промени. Това време влезе в историята на културата под името Ренесанс (Ренесанс). Този период получи името си във връзка с възраждането на интереса към древното изкуство, което се превърна в идеал за културните дейци на съвременността. Композитори и музикални теоретици (J. Tinktoris, J. Tsarlino, Glarean и др.) изучават древногръцки музикални трактати; в творчеството на Жоскен Депре, според съвременниците, „е възродено изгубеното съвършенство на музиката на древните гърци“; се появи накрая XVI- ран 17-ти век операта се ръководеше от законите на античната драма.
Развитието на културата на Ренесанса е свързано с възхода на всички аспекти на обществото. Ражда се нов мироглед – хуманизмът (от лат. humanus – „човек“). Разкрепостяването на творческите сили води до бързо развитие на науката, търговията, занаятите, оформят се нови, капиталистически отношения в икономиката. Изобретяването на печата допринесе за разпространението на образованието. Великите географски открития и хелиоцентричната система на света на Н. Коперник променят представите за Земята и Вселената.
През Ренесанса изкуството, включително музиката, се радва на голям социален престиж и е изключително широко разпространено. През Ренесанса почти всички видове изкуство достигат изключителен разцвет. Ренесансът има неравномерни хронологични граници в различните страни на Европа. В Италия започва през 14 век, в Холандия започва през 15 век, а във Франция, Германия и Англия признаците му се проявяват най-ясно през 16 век. Развитието на връзките между различни творчески училища, обменът на опит между музиканти, които са се местили от страна в страна, работили в различни параклиси, се превръща в знак на времето и ни позволява да говорим за тенденции, общи за цялата епоха.
Идеите за възраждането на древните идеали на хуманизма и загубата на техните позиции от църквата се разпространяват навсякъде културен животзначително засяга музикалното образование. Нарастването на интереса към науките доведе до разпространението на образованието в различни области. Ако през Средновековието преобладава религиозната традиция, която почти напълно потиска светската (която съществува главно под формата на музикална култура) и държи под забрана народната музика, то през Ренесанса църковната музика и религиозният клон на музикалното образование, докато продължават да функционират, губят позицията си. Светският клон на музицирането и музикалното образование придобива все по-голям характер. Светската култура на музициране от своя страна е имала тясна връзка с народната култура. Така например, певците, които съчетават народни и светски традиции в работата си, през Ренесанса често започват да остават в съдилищата. високо благородство, тяхното творчество става основа за развитието на светското музициране. През Ренесанса музиката изпълнява не само хедонистична функция, въпреки че е важна и в светското музициране. Целта на музикалното образование, както и на всяко познаване на изкуството, беше поставена, както в епохата на Античността, моралното усъвършенстване на човека. По това време началото на музикалния печат, процъфтяването на любителското музициране. Също по това време започва процесът на преосмисляне на социалния статус на музиката. Стиловете и жанровете на музиката започнаха да се различават в зависимост от социалната им цел. Появява се „народна” музика и „учена” музика, за „неопитни любители” и за „изтънчен слух”, за „сеньори и принцове”. С цялата си очевидност имаше тенденция към елитаризиране на музикалното образование. През 1528 г. е написан прочутият трактат на Б. Кастилионе „Придворният“ – своеобразен кодекс на поведение във висшето общество. В него се посочва, че владеенето на пеене и музикален инструмент е знак за духовно изтънченост и истинско светско образование. Нарастващата роля на светската традиция на музикалното образование доведе до промяна в неговите видове. Ако църковна традицияразчиташе предимно на хорово пеене, то светското се характеризира с интерес към музикалните инструменти. Пеенето не е изтласкано, а приема различни форми, включително светско вокално соло и ансамблово музициране. През Ренесанса монофоничното пеене се заменя с полифонично, появяват се двойни и тройни композиции на хорове, полифоничното писане в строг стил достига върховете си, твърдо се установява разделението на хора на четири основни. хорови партии: сопран, алт, тенор, бас. Наред с музиката, предназначена за църковно хорово пеене, своите права отстоява хоровата светска музика (мотети, балади, мадригали, шансони).
Процесът на обучение за свирене на музикални инструменти, който се отделя от вокалната музика, протича бързо и бързо. Инструменталното музициране се обособява като самобитна област на човешката дейност. Сред основните музикални инструменти са лютня, арфа, флейта, обой, тромпет, органи от различни видове (позитиви, преносими), разновидности на клавесин. Цигулката е била народен инструмент, но с развитието на нови струнни лъкови инструменти като виолата, цигулката става един от водещите музикални инструменти. Друга разновидност на виолата, виола да гамба, еволюира във виолончело. Обучението за свирене на музикални инструменти, което започва в Западна Европа през 14 век и продължава не само през Ренесанса, но и през следващите, е израз на духовната потребност на хората, която църковната музика престава да задоволява. (уебсайт) Като цяло могат да се идентифицират следните характерни черти на музикалната култура на Ренесанса: бързото развитие на светската музика (широко разпространени светски жанрове: мадригали, фротол, виланел, френски "шансон", английски и немски полифонични песни) , настъплението му върху старата църковна музикална култура, съществувала успоредно със светската;
Реалистични тенденции в музиката: нови сюжети, образи, съответстващи на хуманистичните възгледи и в резултат на това нови музикални изразни средства;
Народната мелодия като водещо начало на музикалното произведение. Народните песни се използват като cantus firmus (основната, непроменлива тенорова мелодия в полифоничните произведения) и в полифоничната музика (включително църковната). Мелодията става по-плавна, по-гъвкава, мелодична, тя е пряк израз на човешките преживявания;
Мощно развитие на полифоничната музика и "строг стил" (с други думи, "класическа вокална полифония", тъй като е фокусирана върху вокално и хорово изпълнение). Строгият стил предполага задължително спазване на установените правила. Майсторите на строгия стил усвоиха техниката на контрапункта, имитацията и канона. Строгото писане се основаваше на система от диатонични църковни режими. Консонансите доминират в хармонията, използването на дисонанси е строго ограничено от специални правила. Добавени са основният и второстепенният режим и часовниковата система. Тематичната основа е григорианският песнопение, но се използват и светски мелодии.Основно се фокусира върху полифонията на Д. Палестрина и О. Ласо;
Формиране на нов тип музикант - професионалист, получил цялостно специално музикално образование. Понятието "композитор" се появява за първи път;
Създаване на национални музикални школи (английски, холандски, италиански, немски и др.);
Появата на първите изпълнители на лютня, виола, цигулка, клавесин, орган; разцвет на любителското музициране;
Появата на типографията.
2.Музикалното образование през Възраждането
Възражданебележи прехода от Средновековието към Новото време и преди всичко към културата на ранното буржоазно общество, възникнала в италианските градове и след това развита в градовете на други европейски страни. Културата на Ренесанса има хуманистичен характер и утвърждава идеала за хармонично развита човешка личност. Ренесансът слага край на аскетизма на Средновековието, приемайки културни постиженияантичност, изпълвайки ги с нов смисъл.
В Античността изкуството е използвано предимно за образователни цели. Музиката, поради своята морална ориентация, беше разгледана важен инструменти целта на социалното възпитание, а музикалността на човека се разглежда като социално ценно и определящо качество на индивида. Художественото образование по това време се счита за основа на образованието като цяло. Синоним на термина "музикален" беше терминът "образовани". Музиката, литературата, граматиката, рисуването и гимнастиката бяха основното съдържание на образованието, предназначено да развие възприемчивостта на душата, морала на стремежите и чувствата, както и силата и красотата на тялото. Общественото образование при гърците е неотделимо от естетическото възпитание, което се основава на музиката. Музиката се разбира от тях като универсално и приоритетно средство за обществено образование и негова цел (Спартанци, Питагор, Платон, Аристотел). Така Питагор смята космоса за „музикален“, точно както състоянието е „музикално“ (т.е. хармонично) добре подредено и подчинено на „правилната“ мелодия. И тъй като музиката отразява хармонията, висшата цел на човека е задачата да направи тялото и душата си музикални. Култът към хармонията, телесната и духовна красота, силата, здравето, сетивното възприемане на живота става канон на изкуството през Възраждането. Това е от решаващо значение за развитието на формите на естетическо възпитание. Идеалът на епохата е разностранно образован творец - освободена творческа личност, богато надарена, стремяща се да утвърждава красотата и хармонията в света около себе си. Например в училището Виторино де Фелтре в Мантуа младите хора се учат да усещат музикалната хармония; в образованието се отдава голямо значение на способността за пеене. Основателят на училището вярваше, че музиката развива чувството за време и вярваше, че образованието се състои преди всичко в развитието на чувствителността и възприятието и следователно естетическият елемент играе огромна роля в неговия метод на обучение.
Новите идеи бяха отразени в редица трактати за образованието, всеки от които със сигурност посочваше значението и ролята на изкуството в образованието. Сред тях са „За благородните нрави и свободните науки“ от Пауло Вергерио, „За възпитанието на децата и техните добри нрави“ от Матео Вегио, „За реда на преподаване и учене“ от Батисто Гуарино, „Трактат за безплатното образование“ от Енео Силвио Пиколомини и др. Във висшето общество, наред с четенето и писането светски етикетизисква умение да свири на няколко музикални инструмента, да говори 5 - 6 езика. От вече споменатия по-горе трактат на Балдасар Кастилионе „За двора“ (XVI век) можете да разберете какви изисквания са поставени на благородниците в областта на музикалното образование: „... не съм доволен от придворно лице, ако той не е музикант, не може да чете ноти от листа и не знае нищо за различните инструменти, защото, ако помислите внимателно, не можете да намерите по-почтена и похвална почивка от работата и лек за болни души от музиката. Музиката е особено необходима в съдилищата, защото освен за забавление от скуката, тя дава много за удоволствие на дамите, чиито души, нежни и меки, лесно се пропити с хармония и изпълнени с нежност. След това говорим за това каква музика е красива: тази, която се пее от листа уверено и по добър начин, соло пеене на виола, свирене на клавишни инструменти или свирене на четири лъкови инструмента. Никъде обаче Кастильоне не възхвалява хоровата полифонична музика, смятайки, очевидно, че тя има предимно специално предназначение - в църквата, на официални тържества.
Светската ориентация на образованието се проявява в разширяването на обхвата и съдържанието на музикалното образование в енорийски училища, сиропиталища, както и появилите се по това време „консерватории“ - специализирани приюти, където могат да учат музикално надарени деца. Първите "консерватории" се появяват във Венеция. Те се грижели за възпитанието на сираците, давали им начално образование. Момчетата били обучавани на различни занаяти, а момичетата – на пеене: многобройните храмове в Италия изисквали много хористи за църковни хорове. През 1537 г. в Неапол испанският свещеник Джовани Тапия построява първия музикална консерватория"Санта Мария ди Лорето", която послужи като модел за следващите. (сайт) Притокът на ученици беше толкова голям, че имаше нужда да се отворят още три "консерватории" в същия град. През 16-ти и 17-ти век в Италия са открити много такива приюти. Постепенно преподаването на музика започва да заема основно място в тях, не само учениците на сиропиталището могат да учат, но срещу заплащане и външни ученици. Името "консерватория", след като загуби първоначалното си значение, започна да означава музикално учебно заведение.
Една от важните форми на обучение по онова време са певческите школи към католическите църкви - метрици. Метриза (на френски maitre - учител) е музикален интернат във Франция и Холандия, който обучава църковни хористи. Първите метрици са известни още през 8 век. Системата на обучение в такива училища се формира още през Средновековието: обучението се провежда от ранна детска възраст и наред с общообразователните предмети включва пеене, свирене на орган и изучаване на музикална теория. От 16-ти век е добавено обучение за свирене на други музикални инструменти. Около 20-30 певци са били обучавани във всеки метриз под ръководството на хормайстор (maоtre de chapelle). Метриза играе значителна роля в разпространението на професионалното музикално образование. Много изключителни френски и холандски полифонични композитори G. Dufay, J. Obrecht, J. Okeghem и други са учили в метрис.
Основната характеристика на хуманистичната педагогика беше фокусът върху формирането на образован, морално перфектен и физически развит индивид с ясно дефинирана социална ориентация, което се проявява в практическия характер на музикалното образование. Основните форми на музициране били: църква, салон, училище и дома. Разбира се, нивото и възможностите за музикално образование в различните слоеве на обществото са различни. Цялостното образование, хармоничното развитие бяха достъпни предимно за социалното малцинство. Във висшите социални слоеве на обществото практическият характер на музикалното образование постепенно се изражда в практичност, което води до прагматично отношение към музиката, поради съображения за мода, престиж, полезност и др. Църковното пеене, народните празници, карнавалите все още остават форми на масово запознаване с музиката.Като цяло педагогиката на епохата на Възраждането извежда на преден план събуждането на живия интерес на учениците към знанието, развитието на техните практически умения и способности. Появяват се училища, където се създава такава атмосфера на обучение, която превръща процеса на познание в радостно и интересно занимание за самия ученик. През този период широко се използват визуализации от всякакъв вид, игри, уроци в лоното на дивата природа. Огромен принос в общата педагогика направиха ранните утопични социалисти Т. Мор (1478-1535) и Т. Кампанела (1568-1639), Е. Ротердам (1466-1536), Фр. Рабле (1494-1553). От голямо значение за музикалното развитие, образованието и разпространението на музикални произведения в различни страни е изобретяването на нотния запис и издаването на музикални публикации от първите години на 16 век. Отавиано Петручи в Италия започва да публикува масите на Josquin Despres, Obrecht и след това произведенията на други съвременници. Първото му образцово музикално издание е колекция от шансони, наречена Harmoniae musices Odhecaton. Включва различни авторски адаптации на едни и същи песни (например „Селение Форс“), включително произведения на Буноа, Обрехт, Пиер дьо Ла Рю, Агрикола, Гизелин. Впоследствие Петручи издава редица колекции от италиански полифонични песни - frotol, които са широко използвани в обществото. Отавиано Ското и Антонио Гардане във Венеция, Пиер Атенян в Париж, Тилман Сусато в Антверпен също стават големи музикални издатели на своето време.
- Музикална теория на Ренесанса. Трактати по музика
През Ренесанса теорията на музиката прави крачка напред, представяйки редица забележителни теоретици, включително Йоханес Тинкторис (автор на 12 трактата за музика), Рамос ди Пареха, Хайнрих Лорити от Гларус ( Glarean)(основателят на учението за мелодията), Джоузефо Карлино(един от основателите на науката за хармонията). Обучение за праговете, популяризиране музикални знания, съждения за големите композитори от онова време и за хода на музикалното развитие през 15-16 век, събуждането на интереса към особеностите на народното творчество, обсъждането на проблемите на музикалното изпълнение - тези области са обхванати от музикалната наука от края на 15 и през целия 16 век. Всички големи теоретици бяха активни в преподаването.
Йоханес (Йоан) Тинкторис(ок. 1435 - 1511) - френско-фламандски музикален теоретик и композитор. Учил е „свободни изкуства“ и право, бил е наставник на момчешкия хор на катедралата в Шартър. От 1472 г. той служи в двора на неаполитанския крал Фердинанд I, е учител по музика на дъщеря му Беатрис, която през 1476 г. става кралица на Унгария. Тинкторис посвещава три музикално-теоретични трактата на своята ученичка Беатриче, включително известния трактат „Определител на музиката“. Известно е, че през 1487 г. Фердинанд I изпраща Тинкторис във Франция при крал Карл VIII с инструкции да набира певци за Кралския параклис. Още приживе Тинкторис се радва на голяма слава, споменават го сред най-много известни музиканти. Оцелели са 12 трактата на Тинкторис, най-известният от които е трактатът „Определител на музиката“ („Terminorum musicae diffinitorum“, ок. 1472-73)
Първият систематичен музикално-терминологичен речник в историята на музиката, съдържащ около 300 термина. Изброяваме останалите произведения на Тинкторис:
Трактатът "Цялостта на въздействието на музиката" ("Complexus effectuum musices", ок. 1473-74) е класификация и колоритно описание на целта на музиката;
Трактатът "Музикални пропорции" ("Proportionale musices", ок. 1473-74) развива древното питагорейско учение за числената основа на музикалното изкуство. Довеждайки сложността на мензуралните ритмични отношения до границата, Тинкторис стига до ритми в пропорции 7:4, 8:5, 17:8, 13:5, 14:5 (съвпадащи със серийния ритъм на 20 век).
- „Книгата на несъвършенството на музикалните ноти“ („Liber imperfectionum notarum musicalium“, ок. 1474-75); (уебсайт)
Трактатът за правилата за нотните стойности (Tractatus de regulari valore notarum, c. 1474-75) и Трактатът за нотите и паузите (Tractatus de notis et pausis, c. 1474-75) са посветени на метроритмичната организация на музика.
- „Книга за природата и свойствата на режимите“ („Liber de natura et proprietate tonorum“, 1476 г.)
Върху структурата на модалната система;
- "Книга за изкуството на контрапункта" ("Liber de arte contrapuncti", 1477)
Основното учение за контрапунктичната композиция, което очертава „8-те общи правила на контрапункта“, прави разлика между „прост“ и „цветен“ контрапункт, разликата между произведение със стабилен текст и с импровизиран и др.);
- "Трактат за измененията" ("Tractatus alterationum", след 1477 г.);
- "Статия за музикални точки" ("Scriptum super punctis musicalibus", след 1477 г.) - за ритъма;
- "Описание на ръката" ("Гвидоновата") ("Expositio manus", след 1477 г.) - за звуците на музикалната система;
- „За изобретяването и прилагането на музиката“ („De pronatione et usu musicae“, 1487) - за пеенето и певците, инструментите и изпълнителите.
Един от първите Тинкорис въвежда понятието „композитор“, т.е. авторът на произведението, „който е написал някаква нова песен“.
Един от най-големите музикални учени на Ренесанса - Glarean(1488 - 1563), той притежава трактата "Дванадесетте струни" (1547). Glarean е роден в Швейцария и учи изкуство в университета в Кьолн. Да станеш майстор свободни изкуства, преподавал в Базел поезия, музика, математика, гръцки и латински езици. Тук в Базел се запознава с Еразъм Ротердамски. Glarean твърди, че музиката, подобно на рисуването, трябва да бъде извън религиозната дидактика, да доставя преди всичко удоволствие, да бъде „майката на удоволствието“. Glarean обосновава предимствата на монодичната музика по отношение на полифонията, като същевременно говори за два вида музиканти: фонисти и симфонисти. Първите имат естествена склонност да композират мелодия, вторите – да развиват мелодия за два, три или повече гласа. Той обосновава идеята за единството на музика и поезия, инструментално изпълнение и текст. В музикалната теория Глареан обосновава концепциите за мажор и минор и говори за системата от дванадесет тона. Също така, в допълнение към проблемите на музикалната теория, теоретикът разглежда историята на музиката, нейното развитие, но само в рамките на Ренесанса, игнорирайки музиката от Средновековието. Glarean изучава творчеството на съвременните композитори Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue.
Рамос ди Пареха(1440-1490) - испански теоретик, композитор и учител. Работил е основно в Италия. През 1470-те години той е известен като авторитетен музикален теоретик и учител. Неговото перо принадлежи на трактата "Практическа музика" ("Musica practica"). Този трактат предизвика дълги спорове и критики от страна на консервативни италиански теоретици. Рамос ди Пареха изрази своите възгледи относно доктрината за модусите и съзвучията. Той противопоставя средновековната система от шестстепенни гами (хексакорди) с осемстепенна мажорна гама, класифицирана като съзвучия на терци и шестини (в съответствие със старите идеи само октави и квинти принадлежат към съзвучия). В областта на доктрината за ритъма и нотацията Рамос ди Пареха спори със своите съвременници Тинкторис и Гафури, които са привърженици на мензуралната нотация.
Изключителен италиански теоретик и композитор Джоузефо Карлино(1517-1590) е член на францисканския орден, изучава филология, история, математика. Царлино учи музика при известния композитор Адриан Вилаерта (Villart). Карлино е свързан с изключителни артистиот своето време, по-специално с Тициан и Тинторето. Самият Зарлино беше широко известен, беше член на Венецианската академия на славата. През 1565 г. Зарлино става музикален директор на St. Марка. Този важен пост позволява на Зарлино да се занимава не само с композиция, но и с писане на теоретични произведения, включително „Установки на хармонията“ (1588), „Доказателство за хармония“ (1571), „Музикални добавки“ (1588). Най-значимото произведение на Зарлино е трактатът "Установяване на хармонията", в който той изразява основните принципи на музикалната естетика на Ренесанса. Като повечето мислители от тази епоха, Зарлино беше горещ почитател на антична естетика. Неговите писания съдържат множество препратки към Платон, Аристотел, Аристоксен, Квинтилиан, Боеций. Зарлино широко използва учението на Аристотел за формата и материята както при тълкуването на редица музикални проблеми, така и при изграждането на структурата на своите трактати.
Централно място в естетиката на Зарлино заема учението за природата. музикална хармония. Той твърди, че целият свят е изпълнен с хармония и че самата душа на света е хармонията. В тази връзка той пантеистично интерпретира идеята за единството на микро- и макрокосмоса. В трактата на Царлино систематично е развита идеята, характерна за ренесансовата естетика, за съразмерността на обективната хармония на света и субективната хармония, присъща на човешката душа. При обосноваването на тази идея Зарлино се опира на популярното по негово време учение за темпераментите. Той използва идеята, идваща от Кардано и Телезио, че темпераментът на човек се създава от определено съотношение на материални елементи, като студено и горещо, мокро и сухо и т.н. Пропорционалното съотношение на тези елементи е в основата както на човешките страсти, така и на музикалната хармония . Следователно човешките страсти са отражение на „физиката” на хармонията, те са нейно подобие. На тази основа Зарлино се опитва да обясни същността на въздействието на музиката върху човешката психика. Трактатът на Зарлино обръща голямо внимание на личността на композитора. Изисква от него не само познания по музикална теория, граматика, аритметика, реторика, но и практически умения в областта на музиката. Неговият идеал беше музикант, който еднакво владее както теорията, така и практиката на музиката.
В своя трактат Зарлино предлага нова класификация на изкуството, която се отклонява от концепциите, традиционни за естетиката на Ренесанса. По правило водещата роля в тази епоха се отрежда на живописта, докато музиката се признава за подчинено изкуство. Царлино, разчупвайки установените системи за класификация на изкуствата, поставя музиката на първо място. Развивайки традиционната теория за ладовете, Зарлино дава естетическа характеристика на мажор и минор, определяйки мажорно тризвучиекато радостен и светъл, и второстепенен - като тъжен и меланхоличен. Така в европейското музикално съзнание окончателно се утвърждава признаването на мажор и минор като основни емоционални полюси на музикалната хармония. Естетиката на Царлино е най-високата точка в развитието на музикалната теория на Ренесанса и същевременно неин резултат и завършек. Неслучайно още приживе Църлино получава широко признание от съвременниците си.
Библиография:
- Алексеев А.Д. История на клавирното изкуство. Части 1 и 2. - М., 1988.
- Бахтин М. М. Творчеството на Франсоа Рабле и народната култура на Средновековието и Ренесанса. - 2-ро изд. - М., 1990.
- Герцман Е. Антично музикално мислене. - Л., 1986.
- Грубер Р.И. Музикалната култура на древния свят. - Л., 1937.
- Евдокимова Ю.К., Симакова Н.А. Музика на Ренесанса. - М., 1985.
- Краснова О. Б. Енциклопедия на изкуството на Средновековието и Ренесанса. - Олма-Прес, 2002.
- Лосев А.Ф. Естетика на Ренесанса. - М.: Мисъл, 1978.
- Музикална естетика на западноевропейското Средновековие и Ренесанса. - М., 1966.
- Федорович Е.Н. История на музикалното образование. - Екатеринбург, 2003 г.
През 1501 г. венецианският печатар Отавиано Петручи публикува Harmonice Musices Odhecaton, първата голяма колекция от светска музика. Това беше революция в разпространението на музиката и също така допринесе за факта, че френско-фламандският стил стана доминиращият музикален език в Европа през следващия век, тъй като като италианец Петручи включва главно музиката на френско-фламандски композитори в неговата колекция. Впоследствие той публикува много произведения и италиански композитори, както светски, така и духовни. През 1516 г. Андреа Антико, римски венециански печатар, публикува колекция от фротоли за клавиатури.
До 18 век във Франция е имало повече от 400 метра. По време на буржоазна революцияпрез 1791 г. те са премахнати.
Глава 1 Характеристики на музикалната култура и изкуството на Ренесанса
1.1 Философски и естетически характеристики на културата на Ренесанса
Ренесансът или Ренесансът (фр. renaissance) е повратна точка в историята на европейските народи, време на велики открития. Ренесансът бележи началото на нов етап в историята на световната култура. Този етап, както отбелязва Ф. Енгелс, е най-големият прогресивен катаклизъм от всички преживяни от човечеството дотогава. И наистина, Ренесансът донесе със себе си значителни промени различни полетаикономика, наука, култура, откри нов начин за разбиране на света и определи мястото на човека в него.
В Италия нови тенденции се появяват още в началото на 13-14 век, в други европейски страни - през 15-16 век. Това време се характеризира с: преход от феодализъм към капитализъм, географски открития, търговия, лично предприемачество, освобождаване на човека от класовите ограничения. И също така през Ренесанса се ражда съвременната наука, особено естествената наука. Достатъчно е да си припомним брилянтните научни предположения на Леонардо да Винчи, основата на Франсис Бейкън, астрономическите теории на Коперник, географските открития на Колумб и Магелан.
Несъмнено всичко това не можеше да не се отрази на характера на мирогледа. Ренесансът е революция преди всичко в ценностната система, в оценката на всичко съществуващо и във връзка с него. Съществува убеждението, че човекът е най-висшата ценност, ражда се философията на хуманизма. Хуманизмът предлага напълно ново тълкуване на естетическите категории, израснало върху основата на ново разбиране за света.
Една от централните категории беше понятието "хармония". Естетиката на Ренесанса развива различна идея за хармония, основана на ново разбиране за природата, битието и човека. Ако Средновековието вижда в хармонията прост отпечатък на идеалното, творческо начало, божествена красота, то в естетическото съзнание на Ренесанса хармонията се явява преди всичко като развитие на творческите възможности на самата природа, като диалектическо единство на телесно и духовно, идеално и материално.
Хуманистите търсят идеала за хармоничен човек в древността, а древногръцкото и римското изкуство служат като модел за тяхното художествено творчество. Въпреки това, говорейки за естетиката на Ренесанса, трябва да се отбележи фактът, че въпреки древната си подкрепа, тя все още се различава от нея. Ренесансовата естетика проповядва подражанието на природата не по-зле от античната, но надниквайки в тези възрожденски теории за подражанието, може да се забележи също, че на преден план е не толкова природата, колкото художникът, неговата личност, неговите чувства. Първо, художникът, въз основа на собствения си естетически вкус, избира определени природни процеси и едва след това ги подлага на художествена обработка. Теоретиците на Ренесанса могат да проследят следното сравнение: художникът трябва да твори така, както Бог е създал света, и дори по-съвършено от това.
Така Ренесансът, използвайки уроците на античността, въвежда иновации. Той не връща към живот всички древни жанрове, а само онези, които са в унисон с стремежите на неговото време и култура. Ренесансът съчетава нов прочит на античността с нов прочит на християнството. Ренесансът сближава тези два основни принципа на европейската култура.
Бог не е определил мястото на човека в йерархията, казва Пико в прочутата си реч за достойнството на човека: вие сте имали по свое желание, според вашата воля и вашето решение. Образът на другите творения се определя в рамките на законите, които сме установили. Но вие, неограничени от никакви ограничения, ще определите образа си според вашето решение, във властта на което ви оставям. Тук италианският мислител поставя човек в центъра на света, това е човек, който няма своя специална природа, той трябва сам да я формира, както всичко, което го заобикаля.
И така, основното в Ренесанса е насърчаването и утвърждаването на човешката личност в културата и обществото, което води до различни форми на възрожденски антропоцентризъм. Антропоцентризмът изведе на преден план не просто човек, а човек като активно, активно начало. В резултат на цялото това утвърждаване на творческо, активно материално начало постепенно започва да се появява нов образ на човек, нов негов тип - „homo faber” - „човек-творец”, „човек-творец”. Именно в него се формират основите на новото европейско усещане за личност – автономна индивидуалистична личност, осъзнаваща собствената си стойност, активна и нуждаеща се от свобода. От този момент нататък човешката личност, а не светът, не цялото, за първи път става отправна точка за формирането на система за възприемане на света.
С особена яркост признаците на нов светоглед се появиха и след това се утвърдиха в художественото творчество, в прогресивното движение на различни изкуства, за което „революцията на умовете“, която създаде Ренесансът, се оказа изключително важна.
През Ренесанса изкуството играе изключителна роля в културата и до голяма степен определя облика на епохата. Няма съмнение, че хуманизмът в своето "възрожденско" разбиране влива огромна свежа енергия в изкуството на своето време, вдъхновява художниците да търсят нови теми и до голяма степен определя естеството на образите и съдържанието на произведенията им. За смяна средновековна култураимаше нова, светска, хуманистична култура, свободна от църковната догма и схоластика.
Изкуството на Ренесанса се характеризира с утвърждаването на принципите на реализма и хуманизма в литературата, театъра и изобразителното изкуство. Изкуството на Ренесанса е преди всичко светско изкуство, възникнало на основата на хуманизма, което измества религиозните идеи и предизвиква интерес към реалния живот, разкрива индивидуалната идентичност на индивида и разкрива социално типичните и характерни качества на човек.
Всички основни форми на изкуство - живопис, графика, скулптура, архитектура, музика - се променят неимоверно. Анализът на паметниците на културата от Възраждането свидетелства за отклонението от много от най-важните принципи на феодалния мироглед. В създателя на произведение на изкуството, който постепенно се освобождава от църковната идеология, най-високо се цени остър художествен поглед върху нещата, професионална независимост, специални умения и неговите творения придобиват самодостатъчен, а не свещен характер.
характерна особеностИзкуството на Ренесанса беше безпрецедентен разцвет на реалистичната живопис. Реалистичният портрет на Ренесанса е свързан с произведенията на такива известни художници като Ян ван Ейк, Леонардо да Винчи, Рафаел, Дюрер, Тициан. Портретите са проникнати от патоса на утвърждаването на личността, съзнанието, че многообразието и яркостта на индивидите е необходима характеристика на нормалното развиващо се общество. Именно през Ренесанса живописта за първи път разкрива заложените в нея възможности за широко отразяване на живота, изобразяване на човешката дейност и околната среда на живот. Средновековният аскетизъм и презрение към всичко земно сега се заменят с пламенен интерес към реалния свят, към човека, към съзнанието за красотата и величието на природата.
Трябва да се отбележи, че развитието на науката е от голямо значение за живописта, както и за изкуството като цяло. В изкуството започват да се преплитат пътищата на научното и художественото разбиране на света и човека. Истинският образ на света и човека трябваше да се основава на тяхното знание, следователно когнитивният принцип играеше особено важна роля в изкуството на това време. Страстта към науката допринесе за овладяването на човешката анатомия, развитието на реалистична перспектива, ефектното предаване на въздушната среда, умението да се изграждат ъгли, всичко, което беше необходимо на художниците, за да изобразят истински човек и заобикалящата го действителност. Произведено нова системахудожествена визия за света, основана на доверие в човешките сетивни възприятия, преди всичко визуални. Да изобразяваме, както виждаме, в единство с околната среда - това е първоначалният принцип на ренесансовите художници.
В периода на късния Ренесанс това беше допълнено от разработването на система от техники, които придават пряка емоционална изразителност на мазка с четка, овладяване на предаването на ефектите на освещаването, разбиране на принципите на светлинно-въздушната перспектива. Създателите на теорията за перспективата са известни художници като Мазачио, Алберти, Леонардо да Винчи. Откриването на перспективата беше не малко важно, то помогна да се разшири обхватът на изобразяваните явления, да се включат пространството, пейзажът и архитектурата в живописта.
Прогресивното хуманистично съдържание на културата на Ренесанса е ярко изразено и в театралното изкуство, което е значително повлияно от античната драма. Той се характеризира с интерес към вътрешния свят на човек, надарен с черти на мощна индивидуалност. Отличителните черти на театралното изкуство на Ренесанса са развитието на традициите на народното изкуство, жизнеутвърждаващ патос, смела комбинация от трагични и комични, поетични и буфонно-реални елементи. Такъв е театърът на Италия, Испания, Англия.
В архитектурата идеалите на жизнеутвърждаващия хуманизъм, желанието за хармонично ясна красота на формите, засегнати с не по-малка сила, отколкото в други форми на изкуството, предизвикаха решителен обрат в развитието на архитектурата. Обръщението към класическата традиция играе особено важна роля. Той се проявява не само в отхвърлянето на готическите форми и възраждането на древната ордерна система, но и в класическата пропорционалност на пропорциите, в развитието на центричен тип сгради в храмовата архитектура с лесно видимо вътрешно пространство.
Светските сгради бяха широко развити, това са различни градски сгради - кметства, къщи на търговски гилдии, университети, пазарни фонтани. В същото време, наред с архитектурата, която обслужва социалните нужди на града, се появява напълно нов тип архитектура в сравнение със Средновековието, жилището на богат бюргер - палацото, което с изключителна лекота отразява духа на празничната атмосфера, царяща в дворците на аристократите от онова време. Така изкуството през Ренесанса навлиза в нов етап на развитие, в който се стреми да опознае и покаже реалния свят, неговата красота, богатство, разнообразие чрез нови методи и техники.
1.2 Мястото на музиката в художествената система на Ренесанса
Общите закони на развитието на изкуството, новото философско и естетическо разбиране за същността и природата на хармонията, характерни за Ренесанса, се проявяват и в музиката. Подобно на други форми на изкуство от онова време, музиката също се характеризира с активен подем на творчески сили, хуманистични тенденции.
Трябва да се отбележи, че музиката през този период заема особено място в системата на изкуствата, отстъпвайки доминиращо място само на живописта. Според Леонардо да Винчи музиката е просто "по-малката сестра на живописта" и дори й служи. „Живописта превъзхожда музиката и я доминира”, „Музиката е слуга на живописта”.
Човек не може да не се съгласи с определението за велик художник, музиката наистина заема далеч от първото място в системата на изкуствата, но въпреки това играе огромна роля в културата на Ренесанса, оставя отпечатък върху последващото развитие, както в областта на музикалната култура и изкуството като цяло . Музикалната култура на Ренесанса е своеобразен преход от Средновековието към Новото време, към епоха, в която това изкуство звучи и се възприема по нов начин.
Музиката притежаваше може би особено широки възможности за социално влияние; повече от другите изкуства тя беше всепроникваща: неизменна част от живота на обикновените хора, собственост на много групи, което значително я отличава от музиката на Средновековието. . Отдалечаването от средновековната традиция е най-забележимо в трактата на Рамис да Пареха „Практическа музика“. Рамис казва: "Нека никой не се страхува нито от величието на философията, нито от сложността на аритметиката, нито от сложността на пропорциите. Неговата задача е да учи не само философи или математици, всеки, който е запознат с основите на граматиката, ще разбере тази работа Тук и мишка, и слон могат да плуват еднакво, и Дедал, и Икар могат да прелетят. В този трактат Рамис остро критикува средновековната музика, казва, че теоретиците са написали своите композиции само за музиканти - професионалисти и учени, докато музиката, според него, трябва да обхваща по-широк сегмент от населението. Несъмнено творчеството на Рамис оказа значително влияние върху неговите съвременници, традициите на Средновековието бяха силно подкопани, преходът от Средновековието към Новото време, към Ренесанса, е в ход.
Ренесансът със своя хуманистичен мироглед оказва огромно влияние върху музикалната култура. За музикалното изкуство хуманизмът означаваше преди всичко задълбочаване в чувствата на човек, разпознаване на нова естетическа стойност зад тях. Това допринесе за идентифицирането и прилагането на най-силните свойства на музикалната специфика. Най-отчетливите черти на ранния Ренесанс са открити в изкуството на италианската Ars nova от XIV век, чийто основен представител е Франческо Ландино. Творчеството му се фокусира върху светското професионално изкуство, която скъса с кръга от образи и естетика на култовата музика и заложи преди всичко на народните песни, написани вече не на латински, а на национален език.
В бъдеще вълна от трансформации в областта на музикалното изкуство заля други европейски страни. Във френската музика се появява полифонична песен - шансон, представители: К. Жанекен, К. де Сермизи, Г. Котелет и др.; този жанр беше пропит от фолклорно-битов жанр, гравитиращ към реалистично програмно изображение, което свидетелстваше за рязко отклонение от църковната музика. В музиката на Испания песенните жанрове от фолклорен произход, като вилансико и романс, са белязани с ренесансови черти. Немската професионална музика се характеризира с полифонична песен с основна мелодия в тенор, която гравитира към хармоничен хоров склад.
През Ренесанса започва интензивното развитие на инструменталната музика, като се запазва връзката с вокалните жанрове. Влиянието на народното творчество върху духовната музика нараства, особено в страните, обхванати от антикатолическото реформаторско движение, което оживява хуситските химни в Чехия, протестантското песнопение в Германия, хугенотските псалми във Франция. Въпреки това църквата продължава да играе ролята на мощен организационен център, като проводник на официалната идеология, тя възпитава по-голямата част от професионалните композитори.
Но въпреки това напредналите светски вокални и вокално-инструментални жанрове все по-силно заявяват правото си на по-значимо място в музикалната култура, стремят се да изместят меси, мотети и жанрове на църковната музика, близки до тях. Това се дължи на факта, че тези жанрове, предназначени или за църквата (в майсторското изпълнение на добре организиран хоров параклис), или (мотет) за двора на определен крал, принц, херцог (в художествено предаване чрез на придворен параклис) не са много благоприятни за изразяване на собствената му личност. Едва с течение на времето, когато в хуманистичните кръгове се разви различна естетическа атмосфера, лириката и драмата получиха по-широко и по-свободно въплъщение, първо в италианския мадригал, а след това в ранните образци на нов жанр - „драма върху музиката“, т.е. , италианска опера.
Италианските, немските и английските мадригални и песенни жанрове ясно отразяват вниманието към вътрешния свят на индивида, характерно за хуманистичното изкуство на Ренесанса. Значително проявление на напредналите реалистични тенденции в музиката беше не само създаването на нови сюжети, нови музикални и поетични образи, но и дълбоки промени в музикалните изразни средства. в много жанрове композиторска музикапоявява се народна музика. Народните песни се използват като кантус фирмус (основата на многократно повтаряща се мелодия, която върви във втория глас от дъното на полифоничните произведения) и в полифоничната музика. По-нататъшното развитие на полифонията в западна Европа доведе до развитието и утвърждаването на законите на така наречения "строг стил" - един от върховете на тогавашната полифонична музика. Строгият стил и до днес е съществен етап в историята на полифонията.
Основното, основно постижение на напредналата музика беше новият характер на цялото интонационно-мелодично развитие, гладкост, гъвкавост, мелодичност; по-значителна степен на обобщаване на мелодията на „големия дъх“ в сравнение с миналото - най-яркият израз на човешките преживявания.
Голямо постижение на музикалната култура на Ренесанса е развитието на инструменталната музика, основана на нови разновидности на мелодични струнни инструменти, които позволяват "пеене" на инструменти (виола, струнна лира, гамба, цигулка), а от друга страна, значително разширение изразителни възможностиклавишни инструменти (орган, клавикорд, клавесин) във връзка с акордово-хармонични последователности. Бързо се усъвършенства и лютнята - един от най-разпространените инструменти за битово и концертно музициране.
Освен това по време на Ренесанса има развитие на професионалните умения, свързани с появата на metriz - пеещи интернати - един вид хорови параклиси, където преподаването на пеене, свирене на орган, музикална теория и общи предмети се извършва от ранна детска възраст и гарантира систематично подобрение музикални способностистуденти.
Така се формира нов тип музикант - не аматьор от аристократи, не жонгльор и конезавод, а професионалист, получил специално музикално образование.
Консолидацията на музикалния професионализъм доведе до създаването на национални музикални училища за върхови постижения, които се оформиха в най-големите центрове на градската музикална култура, които имаха големи образователни възможности. Една от най-ранните форми в Западна Европа е полифонията на Англия, която бързо се развива и процъфтява в произведенията на Дьонстепл през първата половина на 15 век. Най-влиятелно е холандското или френско-фламандското училище, в което са работили такива известни композитори Г. Дюфей, Й. Окегема, Й. Обрехт, О. Ласо. Работейки в различни страни, те комбинираха характеристиките на редица национални музикални култури: холандска, немска, френска, италианска, английска, създадоха силно развит полифоничен стил, главно хоров, в който бяха ясно изразени ренесансови черти.
До средата на 16 век преките наследници на холандските полифонисти и водещите европейски композиторски школи са римската школа, ръководена от Палестрина, в чието творчество ренесансовите черти се съчетават с черти, които отразяват влиянието на Контрареформацията, и венецианската школа, ръководена от Д. Габриели, която вече има барокови черти. Националните школи се характеризират с използването на нови музикални средства, които внасят съгласуваност и единство в състава. Основното музикално средство, което въведе съгласуваност и единство в композициите, беше имитацията, тоест повторението на мелодия от входящия глас, непосредствено преди да бъде изпълнена от друг глас. В училищата имаше особени видове имитации: канонични, имитация в обращение, увеличаване, намаляване, което впоследствие доведе до най-високата контрапунктична форма - фуга.
Стилът на представените национални школи е отразен в произведенията на изключителни полифонисти от други страни - К. Моралес и Т. Виктория (Испания), У. Бърд и Т. Талис (Англия), М. Заленски от Полша и много други .
Така музиката заема някак специално място сред изкуствата на Ренесанса както поради своята специфика, така и в зависимост от условията на нейното съществуване в обществото. Въпреки това тя беше изкуството на своето време, изрази го, изпита трудностите и противоречията, характерни за него, изгради собствен стил в съответствие с него, спечели немислими преди победи и спечели нови творчески успехи.
Глава 2 Танцова култура през Възраждането
2.1 Музика и танц: аспекти на взаимодействие
И така, музикалната култура заема специално място в изкуството и културата на Ренесанса. Като се има предвид музиката, е невъзможно да не се обърне внимание на нейните различни сфери. Една от тези области е танцовото изкуство.
Танцувай - вид изкуство, при което художествените образи се създават с помощта на пластични движения и ритмично ясна и непрекъсната промяна на изразителните позиции на човешкото тяло. Трябва да се отбележи, че музиката и танцът активно си взаимодействат в продължение на много векове. Танцът е неразривно свързан с музика, емоционално и фигуративно съдържание, което е въплътено в неговата хореографска композиция, движения , фигури.
Още от античността откриваме своеобразен синтез на музика, поезия, танц, за гърците те не са различни изкуства, а едно, единно цяло. За обозначаване на това единно изкуство е използвана думата "хорея", произлизаща от навлязлата в руския език дума "хор", която означава не толкова колективно пеене, колкото колективен танц. В бъдеще думата "хорея" се трансформира в хореография, която започва да обозначава самото танцово изкуство или по-точно изкуството да се композира танц.
В епохата на Средновековието се разкриват и особености на връзката между музиката и танца, която обхваща по-сложни техники и форми, танцовата музика става предимно инструментална. Основно влияние върху неговата структура и други характеристики започва да оказва хореографията, която се характеризира с все по-голяма еднородност и периодичност на движенията на танцьорите. танцови ритмиохотно навлизат в жанровете на инструменталната музика, предназначени изключително за слушане. Такива танци се характеризират със значителна сложност. музикален език: ролята на чрез развитие се увеличава, има нарушение на танцовите периодични структури чрез последователности, полифонични техники. В резултат на това по-нататъшната връзка между музикалната култура и танца става по-сложна и специфична.
Огромна трансформация на музиката и танца се извършва през Ренесанса. Танцът, танцовата музика са най-важните слоеве на ренесансовата култура. Развитието на музикалното изкуство през Ренесанса е тясно свързано с развитието на танца, тъй като почти всички големи композитори се фокусират върху танца в своите композиции. Танцовите ритми проникват в жанровете на инструменталната музика, предназначена изключително за слушане. Павана, галиард, гига, камбани, волта и други видове народни танци станаха материал за виртуозни композиции: развиха се гъвкавостта на мелодиите, яснотата на периодите и непрекъснатата връзка на мотивите. Музикантите заемат мелодии и ритми от народни песни и танци за жанрове на инструментална музика, това може да се види особено ясно в такова произведение на музикалната култура като сюита.
В началния етап от развитието си музиката на сюитата има приложен характер - танцуват на нея. Това беше вид комбинация от лютня, а по-късно и клавирни и оркестрови танцови пиеси. През XV-XVI век серия от три или повече танца (напр различни инструменти), придружаващи съдебни шествия и церемонии, както и сдвоени асоциации на контрастни танци (pavan - galliard, passamezzo - saltarello и др.). Най-типичната основа за танцовата сюита беше наборът от танци, разработени в сюитите на И. Я. Фробергер: алеманд - курант - сарабанда - гига. Но за развитието на драматургията на сюитния цикъл е необходимо известно отстраняване от ежедневните танци. Тази повратна точка настъпва през Ренесанса и едва тогава най-ясно се отразява в музиката на 17 век. От средата на 17 век танцовата сюита, загубила приложното си предназначение, съществува главно под имената partita (немски), Уроци(Английски), балет, соната за камера, ordre(френски), а понякога и като „колекция от клавирни пиеси“. Така чрез трансформация и взаимодействие с музиката тя става част от музикалното изкуство, влияе върху формирането сонатна форма. Художествени висоти в този жанр достигат Й. С. Бах (френски и английски сюити, партити за клавир, соло за цигулка и виолончело) и Г. Ф. Хендел (17 клавирни сюити).
Що се отнася до други аспекти, на първо място си струва да се отбележи влиянието, което танцовата музика оказа върху формирането на хомофонично-хармоничен склад. Именно с нея в професионалното изкуство, в средата на многогласната църковна полифония, идва хомофонно-хармонично мислене, ясно разделено, тематично ярка мелодия, периодичен ритъм; има формиране на тонална организация (например в танците на Ренесанса за първи път се утвърждава мажорният режим, нов за това време.
Танцовата музика е произходът на много от основните инструментални форми, на които се основава всичко. класическо изкуство(период, проста триделна форма, вариационен, цикличен). Еманципацията на инструменталната музика е до голяма степен свързана с танцовата литература (появяват се нови жанрове), формирането на самостоятелен клавир (по-късно - пиано), лютня, оркестрови стилове. Богатството от танцови образи, уловени в класическата музика, е огромно. И това не е изненадващо: в края на краищата образното изпълнение на танцовите ритми и интонации, заедно с песенния фолклор, играе важна роля в укрепването на реалистичните основи на музикалното изкуство. Композиторите неизменно въплъщават изражението на лицето, жеста, пластичността в движението на танца или марша в своите произведения, обръщайки се към танцовата музика, когато създават инструментални (камерни, симфонични) и вокални, включително оперни композиции.
По този начин трябва да се отбележи важната роля на танца в музикалната култура на Западна Европа, започвайки от Ренесанса. Танцовите ритми привличат големи композитори, а музиката, базирана на такива ритми, на свой ред оказва влияние върху практиката и теорията на танца. Музиката изискваше танцът да следва своите открития, да абсорбира нещо ново и да взаимодейства с други форми на изкуство. Доказателство за такава промяна ни дават танците на Ренесанса, като символ на формирането на танцовото изкуство по нов път на развитие.
2.2 Хореография в покрайнините на самоопределението
Сред другите видове изкуство през Ренесанса започва да се откроява танцът. Танцът става особено популярен и постига невиждан успех в развитието си. Ако в предишните епохи танцът е бил просто част от култ или общо забавление, то през Ренесанса хореографското изкуство има нови функции, ново отношение към танца. Греховността, недостойнството на това занимание, характерно за Средновековието, през Ренесанса се превръща в задължителен аксесоар на светския живот и се превръща в едно от най-необходимите умения за добре възпитан и образован човек (наред с такива умения като сръчни притежаване на меч, умение да язди коне, приятен и учтив говор, ораторско изказване фино). Танцът се влива в общия ход на трансформациите: под въздействието на музиката той се превръща в професионално изкуство.
Хореографията тръгва по пътя на самоопределението: изкуството се рационализира, установява определени правила и норми, усъвършенства техники и структурни форми, има разделение на видовете танци: народен (селски) и дворцов (благородно-феодален) танц, който започва през Средновековието, продължава. Този процес протича постепенно и е свързан с нарастващото разслоение на обществото и произтичащите от това различия между начина на живот на обикновените хора и благородството. „Спонтанността премина“, пише Кърт Сакс. – Придворните и народните танци бяха разделени веднъж завинаги. Те постоянно ще си влияят един на друг, но целите им са коренно различни.
Ако народни танцизапазват своя непринуден, груб характер, тогава стилът на придворните танци става все по-тържествен, премерен и някак първичен. Това се дължеше на няколко фактора. Първо, буйният и тежък стил на облекло на феодалите изключваше енергични, напрегнати движения и резки скокове. На второ място, строгото регулиране на маниерите, правилата за поведение и целия танцов етикет води до изключване на пантомима и импровизационни елементи от танца.
Има значителна промяна в техниката на танца: баланс между движенията и ритмите на танца, периоди на колебание от покой към движение и от покой към напрежение, редуване на ритъм в един танц. В допълнение, техниката на изпълнение се променя: Танците с кръгъл танц и композиция с линеен ранг се заменят със сдвоени (дуетни) танци, които са изградени върху сложни движения и фигури, които имат характер на повече или по-малко откровена любовна игра. В основата на хореографския модел е бързата смяна на епизоди, различни по характер на движенията и по брой участници.
Необходимостта от регулиране на танцовия етикет допринася за формирането на кадри от професионални танцови майстори. Майсторите на танца създават каноничните форми на танца, които се изучават усърдно и точно от привилегированото общество. Това до голяма степен се улеснява от учебниците, където се систематизират движенията, прави се опит за фиксиране на танцови композиции. Аргументирайки важността на този момент в историята на танца, Кърт Сакс специално отбелязва Северна Италия, в която на първо място възниква професионалното обучение по танци. И наистина, най-великолепното танцово изкуство процъфтява в Италия. Баловете във Флоренция от 15-16 век са пример за блясък, блясък, изобретателност. Учители по италиански танци са канени в различни страни. „Професионалните танцьори бяха скитащи мимове и презрени жонгльори“, пише Сакс, северноиталиански учител по танци, който заемаше почетна позиция. Той беше другар на принцове, понякога довереник; на венециански сватби, където е обичайно булката да се въвежда в мълчалив танц, той може да играе вместо бащата. Учителите бяха особено заинтересовани от създаването на школи за преподаване на танци. И още през 15 век в Италия се появяват специални училища, професията на учител по танци е твърдо установена. Следователно е вероятно през 16-ти век Италия да е била кралицата на танца, точно както изглежда е била през 15-ти век.
Доменико от Пиаченца се смята за първия италиански теоретик на танцовото изкуство. Доменико да Пиаченца в началото на XIV - XV век съставя трактат "За изкуството на танца и танца". Книгата се състои от две части. Първата част е посветена на танца като цяло и определя неговите пет елемента: мярка, поведение, разделяне на платформата, памет и издигане. Мярката е основният принцип на връзка между бързи и бавни движения в музиката; разделянето на площадката е от съществено значение за композицията на групов танц; паметта е необходима за действителното създаване на танца; начинът на задържане освобождава танца от неподвижни и остарели форми; elevation е предназначен за развитие на танцова техника. Другата част на трактата установява категориите основни движения. Тук той разделя движенията на два вида: изкуствени и естествени. Естествени движения - проста и двойна стъпка, благородна стойка, завъртане и полузавъртане, поклон и скок. Изкуствените движения включват ритане, мека стъпка и скачане с променлив крак.
Освен това си струва да се отбележи друг теоретик и учител по танц - Гулиелмо Ембрео, който състави Трактата за изкуството на танца. В своя трактат той също така съветва да се координират движенията с мярката, зададена от музиката. Той въвежда термина contro tempo – срещу темпото, което трябва да се спазва, за да успее един заучен танц. Освен това той излага концепцията за ария, която предполага способността да се движите между темпо и да преминавате от един танц към друг. Невъзможно е да се надцени творчеството на Гулиелмо, той изрази хуманистичния мироглед на Ренесанса, когато обяви танца за „наука за свободно мислене“, толкова възвишена и значима, колкото другите, и дори повече човешката природа.
Сред италианските произведения по хореография от 16 век заслужава внимание книгата на Фабрицио Карозо „Танцьорката“, публикувана през 1581 г. Тази книга е своеобразен наръчник, предназначен за бални танци, но може да се каже, че тези правила са използвани и в сценичния танц, въпреки че в тях преобладават по-представителни стъпки. В книгата той се опитва да систематизира не само танците, но и движенията, които ги съставят. Например, той разделя реверансите на „важни“ („гробни“), „малки“ („минимими“), „средни“ („семиминимима“). „Средният“ реверанс включваше скок. В съответствие с вариацията на танца с разнообразието от музикални ритми, Корозо вече използва позиции, близки до първата, третата и четвъртата позиция на класическия танц, както и пируети и различни видове скокове, включително плъзгане (entrecha). Танцовата техника включваше акробатични движения, като saut de noeud (скок на възел), но тази техника по-късно изчезна. Новата техника позволява на Корозо да композира балети от пет, шест и дори десет части според музиката. Карозо изисква еволюцията на танцьорите да съответства на размера на древната версификация и той споменава дактила, сапфическата строфа, сподеите. Той пише за танца - свободен ансамбъл, "изпълнен с математическа точност, в съответствие със стиховете на Овидий".
Карозо несъмнено полага основите за развитието на балета, неговата техника и изпълнение. Естествено първите балетни представления се появяват в Италия. Така например през 1489 г. ломбардът Бергонзо ди Бота, в чест на брака на херцога на Милано Галацо Висконти, създава великолепен театрален празник, в който танцът се редува с пеене, музика и рецитация. Италианската хореография оказва голямо влияние върху първите френски балети. До края на 16 век се появяват балетни представленияс цялостен сюжет, който се разкрива чрез танц, пеене, поетичен речитатив, сложно и пищно декоративно оформление. Опитът на младия италиански балет, неговите педагогически методи и произведения по хореография бяха възприети от много европейски страни. Така през Ренесанса вече може да се говори за началото на балета.
Друг известен автор на „танцовото изкуство” е Туано Арбо, френски писател и свещеник. Неговият принос за развитието на танца е не по-малко значим от този на италианските танцови майстори. „Оркезография“ от Туано Арбо е най-популярният трактат, съдържащ информация за френските бас танци от 16 век. Арбо се опитва да възстанови средновековния танц, да го преработи за нов начиноттук се ражда славата му на първия специалист по танцова реконструкция.
Обобщавайки, можем да кажем, че танцовото изкуство е наравно с другите видове изкуства и не им отстъпва по нищо. Хорото е стилизирано, приведено в система. Разкриват се необятните възможности на човешкото тяло. Танцът преминава от разказване на реалността към изразяване на абстрактна мисъл. По-нататък - от съдебно представление до театрален танц.
През Ренесанса танцът се превръща в начин за социално забавление и общуване. В края на 16-ти век всички вярват, че танцът е необходим на обществото като средство за игрив флирт, за да се демонстрира изяществото и чара на дамите и силата и мъжеството на господата. Балове бяха организирани по случай всички значими събития, общи и частни. Красотата и изтънчеността на всеки участник са били важни за създаването на празнична бална атмосфера, потвърждавайки високия обществено-политически статус на собственика и улеснявайки сключването на бракове, което по това време е било изключително важно за поддържане на структурата на обществото. Умението да танцуват е усъвършенствано от благородниците и средната класа, които ги имитират чрез ежедневна практика под ръководството на много учители. В кралските дворове имаше хореографи - учители по танци, техните задължения включваха преподаване на танци на лица от двата пола, както и поставяне на спектакъл като цяло.
Така професионалният танц започва да навлиза във всякакви зрелища. Танцът, който през Средновековието е бил предназначен за "свещен акт", се оттегля през 15 век пред празненствата от светски характер. Най-много по това време те обичаха маскарадите - маските бяха от особено значение в тази епоха. Танцът се включваше и в улични шествия, в които се играеха цели представления с танцов характер. По-често такива улични шествия интерпретират езически истории, съдържанието на митове, което е характерно за Ренесанса, като за епоха, обърната към античността.
Карнавалите също имат голям принос за танца като обществено забавление. Най-великолепните от тях бяха триумфите (трионфи), представления на митологични сюжети с умело изпълнени декори. Малко по-скромни бяха къри (carri, от италиански carro - „вагон“) - маскаради на занаятчии и търговци в италианските градове: тук тълпи от маскирани хора маршируваха зад декоративните символи на своите професии. Зрелищата, в които се смесваха музика, пеене, рецитация, пантомима и танци, бяха придружени от тържествени ястия, различни придворни празници.
Но все пак танцът на Ренесанса е много по-широк от обикновеното забавление. По това време се възраждат древните идеи за най-дълбокото въздействие на танца върху духовното и физическото състояние на човек. На страниците на многобройни танцови трактати често се изразява идеята, че танцът в никакъв случай не е чиста пластичност, а начин за отразяване на духовни движения. „Що се отнася до най-висшето съвършенство на танца, то се състои в усъвършенстване на духа и тялото и тяхното въвеждане най-доброто местоположениекоето е единствено възможно“, пише френският музикален теоретик, философ, физик и математик М. Мерсен в едно от произведенията си. Често на танца, както в древността, се придава космологичност
значение. Неслучайно интересът и осведомеността по въпросите на танцовото изкуство се проявяват от лицата на духовенството - абат дьо Пюре, каноник Арбо, свещеник Менетрие.
2.3 Жанрова палитра на танцовото изкуство
Новото отношение към танца през Ренесанса дава началото на множество танцови жанрове. Съдейки по заглавията на произведенията, поместени в различни музикални сборници, практически ръководства и трактати, картината е необичайно пъстра: някои танци бързо излизат от мода; други, появили се през един век, запазват значението си в друг (например салтарело, бас танц, бранле), някои от тях променят характера и стила на хореографията с течение на времето.
Всяка провинция има свои собствени танци и свой стил на изпълнение. Новер пише, че менуетът е дошъл при нас от Ангулем, че родното място на танца буре е Оверн. В Лион ще намерят първите рудименти на гавота, в Прованс - тамбурината.
И така, всички ежедневни танци от това време бяха разделени на две основни групи: Bassa danza (френски bass danses) - т.е. „ниски“ танци, в които нямаше скокове, а краката почти не се издигаха над пода (pavane, алеманда, камбани, сарабанда и др.); Alta danza (френски haute danses) - т.е. „високи“ танци на кръгъл танц, в които танцьорите се въртяха и подскачаха (moreska, galliard, volta, saltarello, различни видове branles и др.)
В епохата на ранния Ренесанс е характерно противопоставянето на танци с бавно и по-оживено движение (bassa danza и alta danza). Среща се както на баловете, така и в зараждащата се професионална музика още през късното Средновековие. В музикални източници XIV-начПрез 15-ти век групирането на танци в 2 е често срещано: 1-вият танц на всяка двойка е издържан в четен метър и бавно темпо, 2-ият - в 3-тактов метър и бързо темпо. Повече от други двойки паван - галиард пасамецо - салтарело са често срещани. Те взаимодействаха помежду си, но въпреки това запазиха индивидуалните си черти.
Що се отнася до жанровете на танцовото изкуство на епохата, имаше доста голям брой от тях, но най-популярните бяха: бас танц, павана, камбани, бранле, мореска, галиард, салтарело и волта. За да разберем каква е спецификата на всеки от танците, е необходимо да се обърнем към тяхното описание и тълкуване.
бас танц(Френски basse danse - "нисък танц") - общото наименование на придворните танци с умерено или умерено бавно темпо и, като правило, в 4-тактов размер, често срещано във Франция, Италия, Холандия между 2-рата половина на XIV и средата на XVI век. Произходът на името не е напълно ясен. Може би това е свързано с практиката да се изпълнява музиката на тези танци на инструменти с нисък регистър и може би с липсата на високи скокове на танцьори в бас танци. Поради липсата на бързи па и скокови движения, характерни за "високите танци" (фр. - haute danse, италиански - alta danza), бас танците често били наричани "променада". Композиционният чертеж може да бъде изграден под формата на кръгъл танц, шествие. Басовите танци бяха, така да се каже, малка хореографска композиция, в която танцьорите се показаха на събраното общество и демонстрираха своето богатство, блясък на тоалети и благородство на маниери. През 15-ти век, според К. Сакс, бас танцът „... не следва никакъв установен ред от стъпки. Пъстър, като цветове в калейдоскоп, той комбинираше нови движения всеки път. Басовата танцова музика, често хорална по природа, обикновено се импровизира на базата на cantus firmus. Безплатната хореография също съответства на отворена (отворена) музикална структурас произволен брой секции. За изпълнение на бас танц са използвани различни инструментални композиции: лютня, арфа и барабан; тромбон, флейта с малък барабан и др. Като една от частите бас танцът е включен в ранните инструментални сюити. Разновидности на бас танца: Басаданс- по-изтънчен италиански вариант на бас танц, популярен през 15 век. Различава се в по-мобилно темпо; Бира -Италиански танц от 15-ти век, темпото е дори по-бързо от това на басаданите, до 16-ти век името "бира" е защитено от бърз танц с 3 такта, преди който често се изпълняват павана и салтарело.
павана- тържествен бавен танц. Произходът на този танц е доста двусмислен: според една версия паванът е роден италиански танц, името му се свързва с мястото на произход, град Падуа, според друга версия паванът е танц от испански произход . Има основание да се смята, че терминът "падована" се е използвал и като дума, обозначаваща родово понятие - определен типтанци, обединяващи павана и нейната разновидност - пасамецо.
Още в началото на 16 век паваната става един от най-популярните придворни танци: танцува се в наметало и с меч по време на тържествени церемонии: когато булката тръгва за църквата, когато духовенството извършва религиозни шествия, когато князе, членове на градската управа напуснаха. Музиката на павана се характеризира с: яснота на структурата, често квадратура на метро-ритмичната структура, преобладаващо акордово представяне, понякога оцветено с пасажи.
Има доказателства, че изпълнението на павана е било придружено от дайре, флейта, обой и тромбони, поддържани от барабан, който подчертавал ритъма на танца. Във всяка страна естеството на движенията и начинът на изпълнение на павани имаше свои собствени характеристики: във Франция стъпките бяха плавни, бавни, грациозни, плъзгащи се; в Италия те бяха по-оживени, неспокойни, редуващи се с малки скокове. През втората половина на 16-ти век паваната практически изчезва от употреба в Европа, но остава до средата на 1620-те. един от най популярни танцив Англия. Инструменталната павана достига своята изгрев в творчеството на английските виржиналисти. Свързани павани бяха: паванилия- инструменталният танц, популярен в Италия през 1-вата половина на 17 век, е по-оживен по характер и темп; Падуана -той става широко разпространен в края на Ренесанса и е характерен за 17 век - така се наричат поне два различни танца: павана от две части и танц от 3 части, изпълнявани след пасамецо; пасамецо- Италиански танц, се различава от паваните в по-подвижен темп. Буквално преведено като „танц в 1,5 стъпки“, което показва по-бързия характер на движението му, отколкото в паваната. Имаше две най-често срещани разновидности "стари" (антико) и "модерни" (модерно), произтичащи от характеристиките на плана на хармоничния акомпанимент.
Курант- придворен танц, от италиански произход, от италианската дума corrente, което означава течение на водата, гладко, равномерно. Композиционният модел на танца обикновено вървеше по овал, но можеше да бъде и удължен квадрат или осмоъгълник, което позволяваше да се правят зигзагообразни движения, характерни за италианския танц пива, съществувал през 15 век. Звънът беше прост и сложен. Първият се състоеше от прости, плъзгащи се стъпки, изпълнявани предимно напред. Сложният звън имаше пантомимичен характер: трима господа поканиха три дами да участват в танца, отведоха дамите в противоположния ъгъл на залата и ги поканиха да танцуват, дамите отказаха, господата, след като получиха отказ, си тръгнаха, но след това се върна отново и коленичи пред дамите. Чак след сцената с пантомимата започна хорото. При сложен звън се извършваха движения напред, назад и настрани. В средата на 16 век пантомимичната част от танца изчезва. Courante е сменял тактовия си размер много пъти. Отначало беше 2/4, по-късно стана троен.
бранле- първоначално народен танц, по-късно и бална зала, придворен танц от 15-17 век. Самата дума branle, означаваща на френски - клатене, хоро, също характеризира едно от основните движения - люлеенето на тялото. Известни са многобройните му разновидности, различаващи се помежду си по размер на темпото, хореография (прост балет, двоен бал, балетист, балет с обувки, балет с факел, балет с целувки и др.) и местни варианти (Б. от Поату, Б. от Шампан). Темпото на танца е умерено бързо, живо. Размерът обикновено е 2-тактов, понякога 3-тактов (в "jolly branle", който включва скокове и замахвания) и 4-тактов (в шампанско). Фолк бранъл - енергичен, устремен, преследван, бален - по-плавен и спокоен, с много реверанси. Понякога е съпроводено с пеене (куплети с припев) и свирене на народни инструменти (свирка, кавал, тамбура, гайда). През 15 век се изпълнява като завършек на бас танца, от който може би произлиза. По отношение на хореографията, той все още беше доста примитивен, особено след като музикалният му съпровод се състоеше от доста монотонни удари на тамбура, звуци на флейта и монотонно пеене на танцьорите. Но в същото време трябва да се отбележи, че бранлът е основният източник на всички салонни танци, които се появяват по-късно, играейки голяма роля в развитието на балната хореография.
морешка -(мореска(италиански) - буквално "мавритански", морисданс - от английски morris dance) - музикално - танцова сцена. Сцената символично възпроизвежда борбата между християни и маври. В Италия танцът се нарича "Morisca", същото име е дадено на маврите, които са били кръстени и обърнати към християнството. Произхождаща от Испания, мореската първоначално е била народен танц и се е танцувала от две групи. През Ренесанса мореската е един от най-популярните танци, ставайки част от различни градски театрални спектакли и представления на нововъзникващите музикален театър. Там тя губи първоначалните си знаци народна игра, (запазвайки обаче маската на мавра) и постепенно се превръща във фигурен танц с тържествен, често войнствен характер. По-късно, през 17 век, терминът мореска обозначава балет или пантомимен танц в опера: например Монтеверди въвежда мореската във финала на операта „Орфей” -1607г.
галиард(gagliarda, италиански весел, смел, весел) - стар танц от романски произход от края на XV - XVII век. Очевидно идва от Северна Италия, в различни региони и градове носи отпечатъка на местните обичаи и нрави. Това е весел и жизнерадостен танц, произхождащ от народна хореография, въпреки че е бил най-широко използван сред привилегированите класи, запазвайки характеристиките на селските танци - скокове и резки движения, често носещи шеговити имена („кранова стъпка“, „кравешки удар“). Подобно на камбаните, той имаше характер на своеобразен диалог. Съпроводено от малък оркестров ансамбъл или свирене на лютня и китара. Галиардите от 16-ти век се характеризират с 3-метрово, умерено бързо темпо, акорден склад, диатоника. Обикновено се изпълнява след бавна 4-тактова павана, като се променя нейната мелодичност и
метричен модел. Подобна последователност от бавна 4-тактова павана и бърз 3-тактов галиард е прототипът на бароковата инструментална сюита.
Салтарела- народен италиански танц. Името му идва от италианската дума saltare – скачам, подскачам. Той е известен в Романя, Лазо, Сан Марино, В Абруцио. Всеки регион го изпълнява по различен начин. Салтарела е много прост танц, няма установени фигури. Основното движение е балансът. Но изпълнителите трябва да имат сръчност и сила, тъй като темпото в танца се увеличава през цялото време, достигайки до много бурно. Салтарела - танц по двойки, броят на двойките, участващи в хорото, може да бъде много голям. Подобно на много други народни танци, салтарелата понякога започва със закачлива пантомима. В някои райони на Италия, например в Джогария, салтарелата съществува като танц с ниско скачане.
Съществуват и неговите разновидности на хорото. В кръговия танц салтарела танцьорите стоят плътно притиснати един към друг, телата им са наклонени напред, главите им почти се сблъскват в центъра на кръга; ръцете са поставени една на друга на раменете. Босите крака се плъзгат леко по земята. Изпълнителите се люлеят в ритъма на движението на краката. Изпълнението на салтарелата в Романя е странно. Тук е придружено от песен, изпята от един от участниците, и е като че ли демонстрация на сръчност. Жените слагат на главата си чаша, пълна догоре с вода или вино. При сложни и бързи движения не трябва да се разлива нито една капка.
Волта- двоен танц от италиански произход. Името му идва от италианската дума voltare, което означава "въртя". Обикновено танцът се изпълнява от една двойка (мъж и жена), но броят на двойките може да бъде увеличен. Подобно на много други народни танци, волтата скоро след появата си започва да се изпълнява на дворцови празненства. През 16 век тя е известна във всички европейски страни, но най-голям успех има във френския двор. Въпреки това, вече при Луи XIII, френският двор на Волта не танцува. Този танц е продължил най-дълго в Италия.
Ливанова, Т. "История на западноевропейската музика до 1789 г. (Ренесанс). [Текст] / Т. Ливанова. - М., 1983 453 с.: C5.
История на естетиката. [Текст] / Паметници на световната естетическа мисъл в 5 т. Т.1. - М., 1985. 876 с.: C 506-514.
Лосев, В. Естетика на Възраждането. [Текст] / А. Лосев. – М., 1982. 415 с.: С. 154.
"История на изкуствата: Ренесанс" [Текст] / - М., 1989. стр. 356.: С. 205.
Шестаков, В. Музикална естетика на Възраждането. [Електронен ресурс]/ В. Шестаков.// Режим на достъп: #"#_ftnref6" name="_ftn6" title=""> Грубер, Р. История на музикалната култура. [Текст] / Р. Грубер. - М., 1975. 478 с.: P 123.
Захаров, Р. Композицията на танца. [Текст] / Р. Захаров. - М., 1983. 250s.: С67.
Блок, Л.Д. „Класически танц. История и съвременност“. [Текст] / Л.Д. Блокирайте. - М., 1987. 556 с.: P 167.
Василиева – Коледа, М. Историко – битов танц. [Текст] / М. Василиева - Коледа. - М., 1987. 328 с.: С107.
Музиката на Ренесанса, подобно на изобразителното изкуство и литературата, се върна към ценностите на древната култура. Тя не само радваше ухото, но и имаше духовно и емоционално въздействие върху слушателите.
Възраждане на изкуството и науката през XIV-XVI век. е епоха на голяма промяна, бележеща прехода от средновековния начин на живот към настоящето. Композирането и изпълнението на музика през този период придобива особено значение. Хуманистите, които изучават древните култури на Гърция и Рим, обявяват писането на музика за полезно и благородно занимание. Смятало се, че всяко дете трябва да се научи да пее и да овладее свиренето на музикални инструменти. За това видни семейства приемали музиканти в домовете си, за да дават уроци на децата им и да забавляват гостите.
Популярни инструменти. През XVI век. се появиха нови музикални инструменти. Най-популярни бяха тези от тях, играта на които се дава на любителите на музиката лесно и просто, без да изисква специални умения. Виолите и свързаните с тях виоли стават най-разпространени. Виолата беше предшественик на цигулката и беше лесна за свирене благодарение на праговете (дървени ленти през грифа), които ви помагаха да уцелите правилните ноти. Звукът на виолата беше тих, но звучеше добре в малки зали. Под акомпанимента на друг щипков щипков инструмент - лютнята - те пееха, както сега с китара.
По това време много хора обичаха да свирят на блокфлейта, флейти и валдхорни. Най-сложната музика е написана за новосъздадените - клавесин, вирджинал (английски клавесин, който е малък по размер) и орган. В същото време музикантите не забравиха да композират по-проста музика, която не изискваше високи изпълнителски умения. В същото време имаше промени в музикалното писане: тежките дървени печатни блокове бяха заменени от мобилни метални букви, изобретени от италианеца Отавиано Петручи. Публикувано музикални произведениябързо се разпродадоха, все повече и повече хора започнаха да се присъединяват към музиката.
Музикални насоки.
Новите инструменти, печатането на ноти и широката популярност на музиката допринесоха за развитието на камерната музика. Както подсказва името му, той е предназначен за игра в малки зали пред малка публика. Имаше няколко изпълнители, преобладаваха вокалните изпълнения, тъй като изкуството на пеенето по това време беше много по-развито от свиренето на музика. Освен това хуманистите твърдяха, че слушателят е най-засегнат от "прекрасното сливане" на двете изкуства - музика и поезия. Така във Франция като жанр се откроява шансон (полифонична песен), а в Италия - мадригал.
Шансони и мадригали.
Шансоните от онези години се изпълняват на няколко гласа до трогателни стихотворения с широк тематичен диапазон - от възвишената тема на любовта до ежедневния селски живот. Композиторите композираха много прости мелодии към стихове. Впоследствие от тази традиция се ражда мадригалът - произведение за 4 или 5 гласа на свободна поетична тема.
По-късно, вече през 16 век, композиторите стигат до извода, че на мадригала липсва дълбочината и силата на звука, които винаги са били търсени в Древна Гърция и Рим, и започват да възраждат древните музикални метри. В същото време рязката промяна в бързите и плавни темпове отразява промените в настроението и емоционалното състояние.
Така музиката започва да "рисува думи" и да отразява чувствата. Например, възходящ тон може да означава връх (възвишение), низходящ може да означава долина (долина на тъга), бавно темпо може да означава тъга, ускорение на темпото и приятни за ухото хармонични мелодии - щастие, а съзнателно дълъг и остър дисонанс означаваше мъка и страдание. В по-ранната музика преобладават хармонията и съгласуваността. Сега тя се основаваше на полифония и контраст, отразявайки богатия вътрешен свят на човека. Музиката стана по-дълбока, придоби личен характер.
Музикален съпровод.
Тържествата и празненствата са отличителен белег на Възраждането. Хората от онази епоха празнуваха всичко - от дните на светците до пристигането на летния сезон. По време на уличните шествия музиканти и певци от богато украсените сцени на колела четат балади, изпълняват най-сложни мадригали, играят драматични представления. С особено нетърпение публиката очакваше „живите картини” с музикален съпровод и декор под формата на механичен облак, от който се спусна предвиденото от сценария божество.
В същото време за църквата е композирана най-величествената музика. По днешните стандарти хоровете не бяха толкова големи - от 20 до 30 души, но гласовете им се усилваха от звука на тромбони и корнетни тръби, въведени в оркестрите, а на големи празници (например Коледа) се събираха певци от всички над района в един огромен хор. само католическа църквавярваше, че музиката трябва да бъде проста и разбираема и затова даде за пример свещената музика на Джовани Палестрина, който пише кратки произведения върху духовни текстове. Трябва да се отбележи, че по-късно самият маестро попада под влиянието на изразителната и мощна „нова“ музика и започва да пише монументални и колоритни произведения, които изискват значителни умения в хоровото пеене.
През Ренесанса инструменталната музика е широко развита. Сред основните музикални инструменти са лютня, арфа, флейта, обой, тромпет, органи от различни видове (позитиви, преносими), разновидности на клавесин; цигулката е била народен инструмент, но с развитието на нови струнни лъкови инструменти като виолата, цигулката става един от водещите музикални инструменти.
Ако манталитетът на новото време се пробужда най-напред в поезията, получава блестящо развитие в архитектурата и живописта, то музиката, започвайки с народните песни, прониква във всички сфери на живота. Дори църковната музика вече се възприема в по-голяма степен, подобно на картини на художници на библейски теми, не като нещо свещено, а нещо, което носи радост и удоволствие, за което се погрижиха самите композитори, музиканти и хорове.
С една дума, както в поезията, в живописта, в архитектурата, имаше повратна точка в развитието на музиката, с развитието на музикалната естетика и теория, със създаването на нови жанрове, особено синтетични форми на изкуство, като операта и балет, който трябва да се възприема като ренесансов, пренесен през вековете.
Музиката на Нидерландия през 15-16 век е богата на имена на велики композитори, сред които Жоскен Депре (1440-1524), за когото пише Зарлино и който служи във френския двор, където се развива френско-фламандската школа. Смята се, че най-високото постижение на холандските музиканти е хоровата меса a capella, съответстваща на стремежа нагоре на готическите катедрали.
В Германия органното изкуство се развива. Във Франция се създават параклиси в двора и се провеждат музикални фестивали. През 1581 г. Хенри III одобрява длъжността "главен интендант на музиката" в двора. Първият „главен музикален директор“ е италианският цигулар Балтазарини де Белгиозо, който поставя „комедийния балет на кралицата“, представление, в което за първи път музиката и танцът се представят като сценично действие. Така възниква придворният балет.
Клемент Джанекен (ок. 1475 – ок. 1560), виден композитор Френски ренесанс, е един от създателите на жанра полифонична песен. Това са 4-5-гласови произведения, като фентъзи песни. Светската полифонична песен - шансон - е широко разпространена извън Франция.
През 16 век нотното печатане се разпространява за първи път. През 1516 г. Андреа Антико, римски венециански печатар, публикува колекция от фротоли за клавиатури. Италия става център на създаването на клавесини и цигулки. Отварят се много ателиета за цигулки. Един от първите майстори е прочутият Андреа Амати от Кремона, който поставя началото на династия майстори на цигулки. Той прави значителни промени в дизайна на съществуващите цигулки, които подобряват звука и го доближават до съвременния облик.
Франческо Канова да Милано (1497 - 1543) - изключителен италиански лютнист и композитор от епохата на Ренесанса, създал репутацията на Италия като страна на виртуозни музиканти. Той все още се смята за най-добрият лютнист на всички времена. След упадъка на късното Средновековие музиката става важен елемент от културата.
През 1537 г. в Неапол испанският свещеник Джовани Тапия построява първата музикална консерватория „Санта Мария ди Лорето“, която служи за модел на следващите.
Адриан Вилаерт (ок.1490-1562) - холандски композитор и педагог, работил в Италия, представител на френско-фламандската (холандска) полифонична школа, основател Венецианска школа. Willaert разработи музика за двоен хор, тази традиция е много хорова музикадостига своя връх в началото на бароковата епоха в творчеството на Джовани Габриели.
По време на Ренесанса мадригалът достига своя връх и се превръща в най-популярния музикален жанр на епохата. За разлика от по-ранните и прости мадригали от периода Треченто, ренесансовите мадригали са написани за няколко (4-6) гласа, често от чужденци, които са служили в дворовете на влиятелни северни семейства. Мадригалистите се стремят да създават високо изкуство, често използвайки преработената поезия на великите италиански поети от късното Средновековие: Франческо Петрарка, Джовани Бокачо и др. Най-характерната особеност на мадригала беше липсата на строги структурни канони, основният принцип беше свободното изразяване на мисли и чувства.
Композитори като представителя на венецианската школа Сиприано де Роре и представителя на френско-фламандската школа Ролан де Ласу (Орландо ди Ласо по време на италианската си творчески живот), експериментира с увеличаване на хроматизма, хармонията, ритъма, текстурата и други средства за музикално изразяване. Техният опит ще продължи и ще достигне кулминацията си в маниеристичната епоха на Карло Джезуалдо.
Друга важна полифонична песенна форма е виланелата. Възникнал на базата на популярни песни в Неапол, той бързо се разпространява в цяла Италия и по-късно отива във Франция, Англия, Германия. Италианската виланела от 16 век дава силен тласък на развитието на акордовите стъпки и в резултат на това на хармоничната тоналност.
Раждането на операта (Флорентинска камерата).
Беше отбелязан краят на Ренесанса голямо събитиев музикалната история - раждането на операта.
Група хуманисти, музиканти и поети се събират във Флоренция под егидата на техния лидер, граф Джовани де Барди (1534 - 1612). Групата се нарича "камерата", нейните основни членове са Джулио Качини, Пиетро Строци, Винченцо Галилей (баща на астронома Галилео Галилей), Гилорамо Мей, Емилио де Кавалиери и Отавио Ринучини в младостта им.
Първата документирана среща на групата се провежда през 1573 г., а най-активните години на "Флоренцинската камерата" са 1577 - 1582 г.
Те вярваха, че музиката е „повредена“ и се стремяха да се върнат към формата и стила на древна Гърция, вярвайки, че музикалното изкуство може да бъде подобрено и съответно обществото също ще се подобри. Камерата критикува съществуващата музика за прекомерното използване на полифония за сметка на разбираемостта на текста и загубата на поетичния компонент на произведението и предлага създаването на нов музикален стил, в който текстът в монодичен стил е придружен от инструментална музика. Техните експерименти доведоха до създаването на нова вокална и музикална форма - речитативът, използван за първи път от Емилио де Кавалиери, впоследствие пряко свързан с развитието на операта.
Първата официално призната опера, която отговаря на съвременните стандарти, е операта Дафне (Дафне), представена за първи път през 1598 г. Авторите на Дафне са Якопо Пери и Якопо Корси, либрето на Отавио Ринучини. Тази опера не е оцеляла. Първата оцеляла опера е "Евридика" (1600) от същите автори - Якопо Пери и Отавио Ринучини. Този творчески съюз все още създава много произведения, повечето от които са изгубени.
северно възраждане.
Интересна и музиката на времето Северен Ренесанс. До 16 век имаше богат фолклор, предимно вокален. Музиката звучеше навсякъде в Германия: на тържества, в църква, на социални събития и във военен лагер. Селската война и Реформацията предизвикаха нов подем в песенното творчество. фолклорно изкуство. Има много изразителни лутерански химни, чието авторство е неизвестно. Хоровото пеене се е превърнало в неразделна форма на лутеранското богослужение. Протестантското песнопение оказва влияние върху по-късното развитие на цялата европейска музика.
Разнообразие от музикални форми в Германия през 16 век. Удивително е: балети и опери бяха поставени на масленицата. Невъзможно е да не се споменават имена като К. Пауман, П. Хофхаймер. Това са композитори, създали светска и църковна музика, предимно за орган. Към тях се присъединява изключителен френско-фламандски композитор, представител холандско училищеО. Ласо. Работил е в много европейски страни. Той обобщава и новаторски развива постиженията на различни европейски музикални школи от Ренесанса. Майстор на култовата и светска хорова музика (над 2000 композиции.).
Но истинската революция в немската музика е направена от Хайнрих Шутц (1585-1672), композитор, капелмайстор, органист и учител. Основателят на националната композиторска школа, най-големият от предшествениците на I.S. Бах. Шютц написа първия немска операДафне (1627), опера-балет Орфей и Евридика (1638); мадригали, духовни кантатно-ораториални композиции („страсти”, концерти, мотети, псалми и др.).
