„Шедьоври на световната класика.
Танц, който влезе в историята
Москва симфоничен оркестър
Диригент - Андрей Яковлев
в една програма: А. П. Бородин, И. Ф. Стравински, С. С. Прокофиев, А. И. Хачатурян, М. де Фала, М. И. Глинка, К. Сен-Санс, Ж. Бизе, Л. Бернщайн.
На 18 ноември на сцената на Голямата зала на Московската консерватория ще се проведе концерт, изцяло посветен на елемента на танца и неговото пречупване в творчеството на най-големите композитори от различни времена и световни култури. „Шедьоври на световната класика. Танц, който влезе в историята“ – вълнуващи музикални платна, отличаващи се с концептуалния си смисъл, ярко цветно оцветяване, несъмнен мелодичен чар и спонтанен динамизъм. От причудливите и предизвикателно очарователни Хабанера и Сегидила от операта Кармен от Жорж Бизе до постепенно пламтящите " Ритуален танцогън“ от балета „Обичайте чаровницата“ на испанеца Мануел де Фала, от очарователната гротескна сцена на „Танцът на смъртта“ от Сен-Санс към светлината запалителен танц„Мамбо“ от американския мюзикъл „Уестсайдска история“ на известния диригент и композитор Леонард Бърнстейн. Московският симфоничен оркестър и Андрей Яковлев ще представят на всички слушатели на тази прекрасна вечер сочна палитра от изключителни класически танци, хореографски сцени, балетни номера, отличаващи се с наистина огнен темперамент и уникален мелодично богатство, както и ритмичен релеф и оркестрово темброво разнообразие.
В допълнение към изброените по-горе произведения, страхотно мястоКонцертната програма включва произведения на руски композитори - това е приказният ироничен триумфален "Марш на Черномор" от брилянтния "Руслан и Людмила" на Глинка и диви, хищни в степта " половецки танци"велик майстор, участник" мощна шепа» Александър Порфириевич Бородин. Истински енергийно мощен, изпълнен със сложни ударни ритми, предаващи дивата архаична стихия, танците на Стравински - демоничният "Грозен танц на царството на Кощеев" (от "Жар-птица") и "Игра на донос" от легендарния "Пролетният ритуал" “ ще се редуват с балетни танци на великите Руско-съветски композитори: Прокофиев и Хачатурян. Ориенталски, ликуващо пъстър вкус Кавказки танцив „Гаяне”: прочутият „Танц на сабята” и невъздържаната „Лезгинка” с използването на фолклорен барабан и грандиозната адажио сцена от „Спартак” с божествена лирическа мелодия, достигаща в кулминацията възторжен апотеоз, ще представят публика с изкуство в цял свят известна класикаарменска музика; и трагичната, изпълнена с висок театрален патос „Смъртта на Тибалт” от най-великият балет"Ромео и Жулиета" - дело на руския гений Прокофиев. Кулминацията на вечерта ще бъде хореографската сцена „Болеро” на Морис Равел – произведение, което позволява много интерпретации – от имитация на испански народен танц до концепцията за постепенност, от вариация към вариация, оформяне на някакъв вид фатално сила.
Образното разнообразие на програмата, нейното богатство и достойно изпълнение са сериозна причина да посетите този прекрасен концерт.
Среда: Метод на заявка: GET URL на заявка: http://website/smi/russian_masterpiece/ Версия на Django: 1.11 Версия на Python: 3.5.6 Инсталирани приложения: ["app", "redactor", "django.contrib.admin", " django.contrib.auth", "django.contrib.contenttypes", "django.contrib.sessions", "django.contrib.messages", "django.contrib.staticfiles", "досадно", "imagekit", "safedelete" , "froala_editor", "webpack_loader"] Инсталиран междинен софтуер: ["django.middleware.security.SecurityMiddleware", "django.contrib.sessions.middleware.SessionMiddleware", "django.middleware.common.CommonMiddleware", "django.middleware. csrf.CsrfViewMiddleware", "django.contrib.auth.middleware.AuthenticationMiddleware", "django.contrib.auth.middleware.SessionAuthenticationMiddleware", "django.contrib.messages.middleware.MessageMidjanclickware.MessageMidjanclickliver.", " ] Traceback: Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/exception.py" във вътрешния 41. response = get _response(request) File "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/base.py" в _legacy_get_response 249. response = self._get_response(request) File "/usr/local/ lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/base.py" в _get_response 187. отговор = self.process_exception_by_middleware(e, request) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages /django/core/handlers/base.py" в _get_response 185. отговор = wrapped_callback(request, *callback_args, **callback_kwargs) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/annoying/decorators.py " в обвивка 67. изход = функция (заявка, *args, **kwargs) Файл "/opt/shkt/app/views.py" в mass_media 166. article = obj_404(SMI, id=page) Файл "/usr/ local/lib/python3.5/site-packages/django/shortcuts.py" в get_object_or_404 85. return queryset.get(*args, **kwargs) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages /django/db/models/query.py" в get 370. clone = self.filter(*args, **kwargs) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/dj ango/db/models/query.py" във филтър 781. return self._filter_or_exclude(False, *args, **kwargs) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models /query.py" в _filter_or_exclude 799. clone.query.add_q(Q(*args, **kwargs)) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/ query.py" в add_q 1260. клауза, _ = self._add_q(q_object, self.used_aliases) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py " в _add_q 1286. allow_joins=allow_joins, split_subq=split_subq, Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" в build_filter 1220. условие = self.build_lookup(lookups,lookups , стойност) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" в build_lookup 1114. return final_lookup(lhs, rhs) Файл "/usr/local/ lib/python3.5/site-packages/django/db/models/lookups.py" в __init__ 24. self.rhs = self.get_prep_lookup() Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/ django/db/models/lookups.py" в get_prep_lookup 74. return self.lhs.output_field.get_prep_value(self.rhs) Файл "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/ fields/__init__.py" в get_prep_value 962. return int(value) Тип изключение: ValueError в /smi/russian_masterpiece/ Стойност на изключение: невалиден литерал за int() с основа 10: "russian_masterpiece"
Класическият танц днес е в основата на всяка танцова посока. Неговите елементи са формирани през годините и от най-добрите преподаватели на балетни школи в света. Всички начинаещи, които навлизат в прекрасния свят на танца, започват от тази посока.
Класическият танц е преди всичко забавление, красота и правилна основавсяко танцово движение. Няма значение в каква посока ще се развива танцьорът, той трябва да започне уроците с него.
Класическият танц е движения, които са обединени в една система. Но за да заработи тази система, тя трябва да се възроди. Едно е, когато танцът съществува просто така, друго, когато помага да се разкрият чувства и малка история, като например " Лебедово езеро".
История на развитието в Русия
Такава посока като класически танц се появи в Русия благодарение на Петър I. Указът за събранията от 1718 г. включваше задължително провеждане на танци. Малко по-късно танците присъстваха в маскаради и представления. А през 1773 г. в Москва е открито първото балетно училище в Русия.
От това време до днестези школи дават на света танцьори, които прославят родината си с таланта си.
Изкуство класически танцима най-високата форма в хореографията, наречена балет. Това е история, която се роди благодарение на музиката, но разкрита в хореографията. Разделен е на 2 части: характерен и класически танц. Също така е разделен на следните жанрове:
Комедия;
Симфония;
трагедия.
Условия
Всеки танцьор трябва да познава термините на класическия танц. те голям бройно по-долу са само основните.
Адажио на италиански означава „бавно“. Това упражнение включва пози, наклони, завъртания и завъртания, които се изпълняват бавно темпо. Основната задача на адажиото е да научи танцьорите плавно да преминават от едно движение към друго, да слушат музика и да развиват стабилност.
Алегро - в превод от италиански като "радостен". Представлява малки скокове, които се изпълняват в края на загрявката.
Антраша - от френски означава "кръстосана". Това е упражнение, при което при скачане краката на танцьора се разтварят и се кръстосват няколко пъти с бързи темпове. Тази техника показва колко виртуозен е изпълнителят.
Pas de bure - движението е с малки стъпки.
Гран означава "голям" на френски. Например, има такова движение като grand batman jette, при което кракът се хвърля на максималната височина за танцьора.
Par terr - "на земята". Движенията с такива имена означават, че се извършват само на пода.
Приготвяне - от френски се превежда като "готвене". Всяко движение, скок или завъртане започва с подготовка.
Кордебалетът са артисти, които танцуват масови номера.
Фондюто е плавно движение, при което краката се огъват и разгъват.
Основни пози
Всяка поза на класическия танц носи задача. Но те са обединени от една цел - развитието на координацията на движенията. Най-основните пози, които танцьорите научават през първата си година на обучение са:
- Епалман Круз, нападател. Ръцете са повдигнати до 1-ва позиция, докато главата е леко наклонена към лявото ухо, а погледът е към ръката дясна ръка. След това десният крак бавно се придвижва напред с изпънат пръст. Ръцете работят едновременно с крака: лявата се прибира до III позиция, дясната - до II. Нека погледнем дясната ръка.
- Епалман круиз обратно. Принципът на движение е същият като в първия вариант, само че тук левият крак бавно се прибира, докато лявата ръка от I позиция плавно преминава в III, а дясната - във II. Главата следва движението на дясната ръка.
- Изгладете се напред. Без да сваляме пода, водим десен кракнапред. Лява ръкаплавно преминава от I позиция към III, а дясната сменя позицията си във II. Когато ръцете са в позиция I, главата трябва да изглежда права, а погледът да е прикован към ръцете.
- Изтрийте обратно. Левият крак се изтегля бавно назад. В същото време ръцете изпълняват всички движения, както в варианта напред.
Има и такава поза на класическия танц като арабеск (арабеск). Но тъй като е по-трудно, начинаещите го изпълняват, след като са научили добре показаните по-рано пози.
Фолклорен танц
Народните класически танци са весела, ярка и празнична форма на изкуство. Такъв танц е създаден не благодарение на най-добрите хореографи, както в случая с балета, а от всичко, което ни заобикаля.
Като древно изкуство, класическият народен танц позволява на танцьора да се превърне от страстен испански мачо в свободолюбив циганин за няколко минути. Изучавайки народни танци, човек разбира културата на всяка националност, а също така прави разлика между широката руска душа и лекотата на движение на народите на Ирландия, вълнението на украинския хопак и мъдростта на Япония.
Народният танц дава на танцьора чудесна възможност да посети всяка страна, без да напуска стените на танцовата зала.
Най-популярните видове класически народен танц:
Хопак (Украйна);
Сиртаки (Гърция);
Хава Нагила (Израел);
Калинка (Русия);
Чардаш (Унгария).
Позиции на краката
Основното оръжие на танцьора са краката му. Всяка позиция на класическия танц съществува за извиване на краката. Въпросът не е красиво да насочвате чорапите в различни посоки, а да гарантирате, че целият крак, като се започне от бедрото и завършва с пръстите, е обърнат правилно. И за да постигнете това, трябва да практикувате ежедневно.
Има 5 позиции:
1. Петите заедно и пръстите се оказаха така, че стъпалата да образуват права линия на пода.
2. Същото като 1, но разстоянието между петите трябва да бъде приблизително 30 см.
3. Петата на единия крак трябва да докосва средата на стъпалото на другия крак. Тази позиция се използва и рядко се среща в света на танците.
4. Краката се оказаха успоредни един на друг. По този начин тежестта на танцьора е точно в центъра, тоест не се опира на един от краката.
5. Тази позиция е подобна на 4, само че тук краката трябва да са плътно притиснати един към друг.
Позиции на ръцете
1 позиция. Ръцете са леко заоблени и са на нивото на диафрагмата. Дланите са обърнати навътре, раменете надолу. Ръцете и лактите трябва да образуват овал.
2 позиция. Отворените встрани ръце трябва да са на ниво малко под рамото. Лактите са леко свити, пръстите са събрани, а дланите и главата гледат напред.
3 позиция. Ръцете са леко заоблени и повдигнати над главата. Четките трябва да са близо, но да не се допират една до друга. Дланите гледат надолу, а главата е права.
Посоки на съвременния танц
Модерният класически танц, както всеки друг жанр от тази сфера, има много видове и направления. Смята се за най-големия раздел в хореографията. Всяка посока модерен танцима свои собствени характеристики и маниери. Това го прави още по-интересен и примамлив.
Джазът е танцова посокасе появява през 19 век. Има свои собствени клонове, които имат свои маниери и движения. Степ, свободен стил, афро-джаз, класически джаз, фънк, бродуей джаз, соул - това е само малка част от общия брой видове. Душата се счита за най-виртуозния вид. Много прилича на балните танци и включва страхотно количествосложни движения и трикове.
Модерен - напълно изоставен от каноните на класическия танц и има свой собствен философски подход към всяко движение. Тук е важна връзката на танцьора с ритъма и музиката.
бални танци
Тази посока заслужава специално внимание. Това не е просто набор от движения към музиката - това е спорт, история, любов и страст, взети заедно.
Партньорите общуват помежду си чрез движения, докосвания и погледи. Програмата на балната зала включва 10 танца, които от своя страна са разделени на 2 групи: европейски и латиноамерикански.
Валсът е най-благородният от всички танци и единственият, който не се е променил по време на танцовата революция.
танго - чувствен танц, където водеща роляпартньорски игри. Танц, изпълнен със страст и хармонично съчетаващ бързи, остри и плавни движения.
Румбата е вълнуващ танц като тангото, но в същото време много нежен и спокоен.
Ча-ча-ча е невероятен танц, който се основава на движението на бедрата и краката. Неговият ритъм не може да бъде объркан с друг (1,2, ча-ча-ча).
История на балета
Балетът е доста младо изкуство. Той е на малко повече от четиристотин години, въпреки че танцът украсява човешкия живот от древни времена. Балетът е роден в Северна Италия през Ренесанса. Италианските принцове обичаха великолепните дворцови празненства, в които танцът заемаше важно място. Селските танци не бяха подходящи за придворни дами и господа. Мантиите им, както и залите, където танцуваха, не позволяваха неорганизирано движение. Специални учители - танцови майстори - се опитаха да подредят нещата в съдебните танци. Те предварително репетираха отделни фигури и движения на танца с благородниците и водеха групи танцьори. Постепенно танцът ставаше все по-театрален. Терминът "балет" се появява в края на XVIвек (от италианския балет - да танцувам). Но тогава това не означаваше представление, а само танцов епизод, предаващ определено настроение. Такива "балети" обикновено се състоят от малко свързани "изходи" на герои - най-често героите на гръцките митове. След такива „изходи“ започна общ танц - „ голям балет". Първото балетно представление е „Комедийният балет на кралицата“, поставен във Франция през 1581 г. от италианския хореограф Балтазарини ди Белджохозо. Именно във Франция се осъществи по-нататъшното развитие на балета. Отначало това бяха маскарадни балети, а след това помпозни мелодраматични балети на рицарски и фантастични сюжети, където танцовите епизоди бяха заменени от вокални арии и рецитиране на стихотворения. Не се учудвайте, по това време балетът не беше само танцово представление. В царуването Луи XIVособен блясък достигнаха представленията на придворния балет. Самият Луис обичаше да участва в балети и получи известния си прякор "Кралят-слънце", след като изигра ролята на Слънцето в "Балета на нощта". През 1661 г. създава Кралската академия за музика и танци, в която влизат 13 водещи танцови майстори. Тяхното задължение беше да пазят танцовите традиции. Директорът на академията, кралският учител по танци Пиер Бошан, идентифицира петте основни позиции на класическия танц. Скоро беше открита Парижката опера, чийто хореограф беше същият Бошан. Под негово ръководство се сформира балетна трупа. Първоначално тя се състоеше само от мъже. Жени на сцената Парижка операсе появява едва през 1681 г. Театърът поставя опери-балети на композитора Люли и комедии-балети на драматурга Молиер. Отначало в тях участваха придворни, а представленията почти не се различаваха от дворцовите. Танцуваха се споменатите вече бавни менуети, гавоти и павани. Маските, тежките рокли и обувките с висок ток затрудняваха жените да извършват сложни движения. Следователно мъжките танци се отличавали тогава с по-голяма грация и изящество. Да се средата на осемнадесетивек балетът придоби голяма популярност в Европа. Всички аристократични дворове на Европа се стремяха да имитират лукса на френския кралски двор. отвори в градовете оперни театри. Множество танцьори и учители по танци лесно си намериха работа. Скоро повлиян от модата на жените балетен костюмстана много по-лек и свободен, под него се отгатваха линиите на тялото. Танцьорите изоставиха обувки с токчета, като ги замениха с леки обувки без токчета. Мъжкият костюм също стана по-малко обемист. Всяка иновация направи танците по-смислени, а танцовата техника - по-висока. Постепенно балетът се отделя от операта и се превръща в самостоятелно изкуство. Въпреки че френската балетна школа се славеше със своята грация и пластичност, тя се характеризираше с известна студенина и официалност на изпълнението. Затова хореографите и художниците търсят други изразни средства.
AT края на XVIIIвек се ражда ново течение в изкуството - романтизмът, който оказва силно влияние върху балета. Опитвайки се да направят танца си по-въздушен, изпълнителите се опитаха да застанат на върха на пръстите си, което доведе до изобретяването на пуантите. В бъдеще техниката на пръстите на женския танц се развива активно. Първият, който използва танца на пуант като изразни средствабеше Мари Талиони. Мария Талиони(итал. Мария Талиони; 23 април 1804 г., Стокхолм - 22 април 1884 г., Марсилия) - известната италианска балерина, централна фигура в балета от ерата на романтизма. Мария е родена в семейството на хореографа и хореограф Филип Талиони. Момичето нямаше нито балетна фигура, нито специален външен вид. Въпреки това баща й решава да я направи балерина. Мария учи във Виена, Стокхолм, а след това в Париж при Франсоа Кулон. По-късно бащата учи при самия Мария, през 1822 г. поставя балета „Прием на млада нимфа в двореца Терпсихора“, с който Мария дебютира във Виена. Танцьорката изостави тежките тоалети, присъщи на балета, перуките и грима, танцувайки само в скромна лека рокля. Мария покорява парижката публика през 1827 г. на Венецианския карнавал, оттогава често танцува в Парижката Гранд Опера. На същото място през март 1832 г. се състоя премиерата на балета „Силфида“, който бележи началото на ерата на балетния романтизъм. Тогава именно тя въведе пачката и пуанта в балета.Преди Мария Талиони хубави балерини покоряваха публиката с виртуозна танцова техника и женствен чар. Талиони, в никакъв случай красавица, създадена нов типбалерини - вдъхновени и загадъчни. В La Sylphide тя въплъщава образа на неземно същество, олицетворяващо идеал, недостижима мечта за красота. В плавна бяла рокля, излитаща с леки скокове и замръзнала на върха на пръстите си, Талиони стана първата балерина, която използва пуант и ги направи неразделна част от класически балет. Всички столици на Европа й се възхищаваха. В напреднала възраст Мария Талиони, самотна и бедна, преподава танци и добри обноскидеца на лондонските благородници. На надгробния камък има следната епитафия: Ô terre ne pèse pas trop sur elle, elle a si peu pesé sur toi(Земя, не го натискай много, защото толкова леко те стъпи). По това време се появиха много прекрасни балети, но, за съжаление, се превърна в романтичен балет последен периодпроцъфтяващо танцово изкуство на Запад. От втория половината на XIXвек балетът, загубил предишното си значение, се превърна в придатък към операта. Едва през 30-те години на миналия век под влиянието на руския балет започва възраждането на тази форма на изкуство в Европа.
В Русияпървото балетно представление - "Балетът на Орфей и Евридика" - е поставено на 8 февруари 1673 г. в двора на цар Алексей Михайлович в село Преображенское край Москва. Приготвен е от чужденец Николай Лима (или Лим). Не се знае точно кой е по произход - най-вероятно шотландец, който емигрира във Франция, а след това дойде в Русия като инженерен офицер. Напълно достоверен факт е обаче, че познанията му по балет са били много големи. Той става ръководител на зараждащата се балетна трупа, неин учител, хореограф и първи танцьор. Десет "дребнобуржоазни деца" са дадени на Лима за обучение, а година по-късно броят им се удвоява. През 1673 г. на сцената на Кремълския театър Лима изпълнява „Френския танц“ в „Балета на Орфей и Евридика“. Беше балет френски стил, сред декорите, които са движещи се пирамиди, и първият професионален балетен спектакъл, поставен на руската сцена. По-късно, със специален указ на император Петър Велики, танците стават неразделна част от придворния етикет. През 1730 г в Санкт Петербург, в двора на Анна Ивановна, се организираха редовни представления на оперни и балетни представления. Танцови сцени в опери са хореографирани от J. B. Lande и A. Rinaldi (по прякор Fossano). Благородната младеж беше задължена да се научи на танци, така че в Санкт Петербург бални танцистава задължителна дисциплина в дворянския кадетски корпус. С откриването на летния театър в Лятната градина, на зимния театър в крилото Зимен дворецкадетите започват да участват в балетни танци. Инструктор по танци в сградата беше Жан-Батист Ланде. Той добре съзнаваше, че благородниците няма да се посветят на балетното изкуство в бъдеще, въпреки че танцуваха в балети заедно с професионалисти. Ланде, като никой друг, видя нуждата от руски балетен театър. През септември 1737 г. той подава петиция, в която успява да обоснове необходимостта от създаване на ново специално училище, където момичетата и момчетата прост произходнаучете хореография. Скоро беше дадено такова разрешение. Така през 1738 г. е открито първото училище в Русия. балетен танц(сега Академията за руски балет на името на А. Я. Ваганова). Дванадесет момичета и дванадесет стройни млади мъже бяха избрани от дворцовите слуги, които Ланд започна да обучава. Ежедневната работа донесе резултати, публиката беше възхитена от видяното. От 1743 г. бившите ученици на Ланде започват да получават заплати като балерини. Училището много бързо успя да даде на руската сцена отлични кордебалети и отлични солисти. Имената на най-добрите ученици от първия набор останаха в историята: Аксиня Сергеева, Авдотя Тимофеева, Елизавета Зорина, Афанасий Топорков, Андрей Нестеров. AT началото на XIXвек е достигнало руското балетно изкуство творческа зрялост. Руски танцьори внесоха изразителност и духовност в танца. Усещайки това много точно, А. С. Пушкин посвети следните редове на съвременната си руска балерина Авдотя Истомина:
Брилянтно, полувъздушно,
покорен на магическия лък,
Заобиколен от тълпа нимфи
Уърт Истомин; тя е,
Един крак докосва пода
Друг бавно кръжи
И изведнъж скок и изведнъж лети,
Лети като пух от устата на Еол;
Сега лагерът ще бъде съветски, после ще се развие
И той си бие крака с бърз крак.
Балетът по това време заема привилегировано положение сред другите видове театрално изкуство. Властите обърнаха голямо внимание на това, предоставиха държавни субсидии. Балетните трупи на Москва и Санкт Петербург се изявяваха в добре оборудвани театри, а възпитаниците на театрални училища ежегодно попълваха състава на танцьори, музиканти и декоратори. В историята на нашата балетен театърчесто има имена на чуждестранни майстори, изиграли значителна роля в развитието на руския балет. На първо място, това са Шарл Дидело, Артур Сен-Леон и Мариус Петипа. Те помогнаха за създаването на руската балетна школа. Но талантливите руски художници също дадоха възможност да разкрият талантите на своите учители. Това неизменно привличаше най-големите хореографи на Европа в Москва и Санкт Петербург. Никъде по света не можеха да срещнат толкова голяма, талантлива и добре обучена трупа, както в Русия. AT средата на деветнадесетивек, реализмът идва в руската литература и изкуство. Хореографите трескаво, но безуспешно, се опитваха да създават реалистични представления. Те не са взели предвид, че балетът е условно изкуство и реализмът в балета се различава значително от реализма в живописта и литературата. Започна кризата на балетното изкуство. Съдържанието на изпълненията беше примитивно, неусложнените сюжети служеха само като извинение за зрелищни танци, в които артистите демонстрираха своите умения. За танцьорите основното беше усъвършенстването на формата и техниката на класическия танц и в това те постигнаха виртуозност. Нов етапв историята на руския балет започва, когато великият руски композитор П. Чайковски за първи път композира музика за балета. Беше Лебедово езеро. Преди това балетната музика не се приемаше сериозно. Тя се смяташе за по-долна музикално творчество, просто съпровод на танци. Благодаря на Чайковски балетна музикасе превърна в сериозно изкуство наред с операта и симфонична музика. Преди това музиката беше изцяло зависима от танца, сега танцът трябваше да се подчинява на музиката. Необходими бяха нови изразни средства и нов подход за създаване на представление. По-нататъчно развитиеРуският балет се свързва с името на московския хореограф А. Горски, който, изоставяйки остарелите техники на пантомимата, използва техниките на съвременната режисура в балетно представление. Придавайки голямо значение на изобразителното оформление на представлението, той привлича към работа най-добрите художници. Но истинският реформатор на балетното изкуство е Михаил Фокин, който се разбунтува срещу традиционното строителство балетно представление. Той твърди, че темата на представлението, неговата музика, ерата, в която се развива действието, всеки път изискват различни танцови движения, различен танцов модел. При постановката на балета "Египетски нощи" Фокин е вдъхновен от поезията на В. Брюсов и древноегипетски рисунки, а образите на балета "Петрушка" са вдъхновени от поезията на А. Блок. В балета „Дафнис и Хлоя“ той изоставя танците на пуант и в свободни, пластични движения възражда антични фрески. Неговата "Шопениана" възроди атмосферата на романтичния балет. Фокин пише, че "мечтава да създаде балет-драма от балет-забавление, от танц - разбираем, говорещ език". И той успя.
През 1908 г. започват годишните представления на руски балетисти в Париж, организирани от театралния деец С. П. Дягилев. Руски сезони е балетна трупа, основана през 1911 г. от руския театрален деец и историк на изкуството Сергей Дягилев. Израства от „Руските сезони“ през 1909 г., функционира 20 сезона до смъртта на Дягилев през 1929 г. и се радва на голям успех в чужбина, особено във Франция и Великобритания. Ентрепризът на Дягилев оказва голямо влияние върху развитието не само на руския балет, но и на световното хореографско изкуство като цяло. Като талантлив организатор, Дягилев имаше усет към талантите, подхранвайки цяла плеяда от талантливи танцьори и хореографи - Васлав Нижински, Леонид Мясин, Михаил Фокин, Серж Лифар, Джордж Баланчин - и предоставяйки възможност на вече признати артисти да се усъвършенстват. Декорациите и костюмите за постановките на Дягилев са създадени от неговите съратници от Света на изкуството Леон Бакст и Александър Беноа. По-късно, със страстта си към иновациите, Дягилев привлича водещите европейски художници - Пабло Пикасо, Андре Дерен, Коко Шанел, Анри Матис и много други - и руските авангардни художници - Наталия Гончарова, Михаил Ларионов, Наум Габо, Антоан Певзнер като декоратори. Не по-малко плодотворно беше сътрудничеството на Дягилев с известни композитори от онези години - Ричард Щраус, Ерик Сати, Морис Равел, Сергей Прокофиев, Клод Дебюси - и особено с открития от него Игор Стравински. От самото начало основната посока на хореографията на неговите сезони беше желанието да се разширят границите на класическия балет. Експериментите с танцовите форми на Нижински изпревариха времето си и затова не бяха веднага приети от публиката. Фокин добави „богата пластичност” към движенията, а наследникът на заложените от него принципи – Мясин, обогати хореографията с „разчупени и претенциозни форми”. Баланчин най-накрая се отклони от правилата на академичния танц, придавайки на балетите си по-стилизирано и експресионистично звучене. Сезоните на Дягилев - особено първите сезони, включващи балетите "Жар-птица", "Петрушка" и "Пролетният ритуал" - изиграха значителна роля за популяризирането на руската култура в Европа и допринесоха за установяване на мода за всичко руско. Например, английските танцьори Патрик Хили-Кей, Алис Маркс и Хилда Мънингс взеха руски псевдоними (съответно Антон Долин, Алисия Маркова и Лидия Соколова), под които се представиха в трупата на Дягилев. Популярността на сезоните му доведе до страстта на европейците към традиционната руска носия и породи нова мода - дори съпругата на краля на Великобритания Джордж VI се омъжи в "рокля, перифразираща руските фолклорни традиции".
Имената на танцьори от Русия - Васлав Нижински, Тамара Карсавина, Адолф Болм - станаха известни в цял свят. Но първото в този ред е името на несравнимата Анна Павлова. Павлова - лирична, крехка, с удължени линии на тялото, огромни очи - предизвика гравюри, изобразяващи романтични балерини. Нейните героини предаваха чисто руска мечта за хармоничен, одухотворен живот или копнеж и тъга по неосъществен такъв. "Умиращият лебед", създаден от голямата балерина Павлова, - поетичен символРуски балет в началото на 20 век. Именно тогава, под влиянието на умението на руските артисти, западният балет се разтърси и придоби второ вятър.
След октомврийска революцияПрез 1917 г. много фигури на балетния театър напускат Русия, но въпреки това школата на руския балет оцелява. Патосът на движението към нов живот, революционни теми и най-важното, възможността за творчески експеримент вдъхновиха балетмайсторите. Тяхната задача беше да донесат хореографско изкуствона хората, за да ги направи по-жизнени и достъпни. Така възниква жанрът на драматичния балет. Това бяха представления, обикновено базирани на сюжети на известни литературни произведения, които са построени по законите на драматичното представление. Съдържанието в тях беше представено с помощта на пантомима и изобразителен танц. В Русия балетът не губи своето значение в годините след Първата световна война и по време на съветска власт, дори когато политическата и икономическа ситуация изглежда застрашава самото съществуване на Болшой и Мариински (наречени на Октомврийската революция Държавен театъропера и балет, ГОТОБ, а от 1934 г. - името на С. М. Киров). 20-те години на миналия век са период на интензивно експериментиране както във формата, така и в съдържанието на балетното представление. Има и постановки на Пролеткулт на политически и социални теми, а в Москва творбите на Касян Голейзовски (1892-1970), а в Петроград (преименуван през 1924 г. на Ленинград) различни постановки на Фьодор Лопухов (1886-1973), включително неговото „Величие на Вселената“ (1922) по музика от Четвъртата симфония на Бетовен.
„Червеният мак“ по музика на Р. М. Глиер, балет, поставен през 1927 г. от Василий Тихомиров (1876-1956) и Лев Лащилин (1888-1955) в Москва, послужи като прототип за много последващи съветски балети: това е мулти- актово изпълнение, чиято тема са благородни страсти и героични постъпки, а специално написаната музика има симфоничен характер. Такива балети като през 1932 г. "Пламъците на Париж" от Василий Вайнонен (1901-1964), и през 1934 г. "Фонтанът на Бахчисарай" от Ростислав Захаров (1907-1984) - и двата по музика на Борис Асафиев, както през 1939 г. "Лауренсия " (музика Александър Крейн) Вахтанг Чабукиани (1910-1992) и през 1940 г. "Ромео и Жулиета" от Леонид Лавровски (1905-1967) (музика Прокофиев) могат да служат за пример за тези естетически принципи, които бяха последвани не само от главните трупи – Театъра. С. М. Киров в Ленинград и Болшой театър в Москва - но и всички около 50 театъра, които са работили в страната.
Въпреки че са запазени отделни находки от 20-те години на миналия век, преобладават изпълненията, ориентирани към съветската политическа идеология, а начинът на изпълнение се отличава с конзолност при изпълнение на движенията и гъвкавост (характеристики на ръцете и гърба), като едновременно с това се развиват високи скокове, акробатични повдигания (например високо повдигане на едната ръка на джентълмена) и бързо въртене, което придава на съветските балети специален драматичен израз.
Един от учителите, допринесли за развитието на този стил, е Агрипина Ваганова (1879-1951). бивш танцьор Мариински театърТя започва да преподава в края на изпълнителската си кариера. Ставайки преподавател в Ленинградското хореографско училище, Ваганова разработва програма и учебник по класически танци и подготвя своите ученици, за да могат да изпълняват както големите романтични балети от миналото, така и новите съветски, с тяхната виртуозна техника. В целия Съветски съюз, както и в Източна Европаосновата на обучението беше системата Ваганова.
Зрителите в Западна Европаи САЩ на практика не са били запознати със съветския балет до средата на 50-те години, когато балетните трупи на Театъра. Киров и Болшой театър за първи път отидоха на турне на Запад. Интерес към него предизвика невероятното майсторство на балерините на Болшой театър Галина Уланова (1910-1998), която предаде чувствата на Жизел и Жулиета с проницателен лиризъм, и Мая Плисецкая, която порази с брилянтната си техника в ролята на Одет-Одилия в Лебедово езеро. Докато Болшой театър въплъщаваше най-зрелищните черти на съветския стил, класическата чистота на танцьорите на театър Киров намери израз в такива артисти като Наталия Дудинская и Константин Сергеев, които допринесоха за възраждането на традицията на Петипа. Следните поколения артисти постигнаха голям успех: Екатерина Максимова, Владимир Василиев, Наталия Бессмертнова и Вячеслав Гордеев в Болшой театър, Ирина Колпакова, Алла Сизова и Юрий Соловьов в Театър Киров. През 1961 г. Нуреев, един от водещите танцьори на Кировския театър, остава на Запад по време на турнето на трупата във Франция. Същото правят и други двама видни артисти от същия театър - Наталия Макарова и Михаил Баришников (Макарова - в Лондон през 1970 г., Баришников - в Канада през 1974 г.).
През 80-те години на миналия век административният и политически натиск върху изкуството в Съветския съюз намалява, Олег Виноградов, който ръководи балетната трупа на театъра. Киров от 1977 г. започва да въвежда в репертоара балетите на Баланчин, Тюдор, Морис Бежар и Робинс. По-малко склонен към иновации беше Юрий Григорович, който от 1964 г. беше начело на балет „Болшой“. Характерни са ранните му постановки - "Каменно цвете" (музика Прокофиев, 1957) и "Спартак" (музика А. И. Хачатурян, 1968). Съветски изпълнения. Григорович разчита на зрелищни ефекти, уверено управлява голяма маса от енергично движещи се танцьори, широко използва фолклорен танцпредпочита героични истории.
В продължение на много години сцената на Болшой театър включваше почти изключително балети на Григорович или негови адаптации на стари пиеси като Лебедово езеро. В края на 80-те години на миналия век Ирек Мухамедов и Нина Ананиашвили от Болшой театър, както и Алтинай Асилмуратова и Фарух Рузиматов от Театъра. Киров получава разрешение да играе с водещи балетни трупи на Запад, след което става част от тези групи. Дори Виноградов и Григорович започват да търсят възможности да покажат талантите си извън Русия, където държавното финансиране на театрите е значително намалено след разпадането на СССР през 1991 г. През 1995 г. Григорович е сменен като директор на балет „Болшой“ от Владимир Василиев.
Други трупи в Санкт Петербург са балетът на Малия театър за опера и балет. М. П. Мусоргски (до 1991 г. се наричаше Малки театър за опера и балет), Санкт Петербург „Балетен театър Борис Айфман“, който се ръководи от хореографа Борис Айфман (р. 1946 г.), трупата за хореографски миниатюри, създадена от Леонид Якобсон ( 1904-1975), работил в Театъра. Киров през 1942-1969 г., чието творчество стана известно на Запад. Трупата на Музикален театър им. К.С. Станиславски и В. И. Немирович-Данченко, Театър за класически балет. Трупата "Експеримент", създадена в Перм от Евгений Панфилов, заслужава внимание.
Разпад съветски съюзи последвалата икономическа криза донесе огромни трудности балетни трупи, които дотогава бяха щедро субсидирани от държавата. Много танцьори и учители напуснаха страната, за да се установят в САЩ, Англия, Германия и други западни страни.
Модерен танц
Модерен танц - режисура в танцово изкуство, който се появява в началото на 20 век в резултат на отклонение от строгите норми на балета, в полза на творческата свобода на хореографите.
От балета беше отблъснат свободният танц, чиито създатели се интересуваха не толкова нова технологиятанц или хореография, колко танцът като специална философия, която може да промени живота. Това движение, възникнало в началото на 20-ти век (Айседора Дънкан се счита за негов прародител), послужи като източник на много тенденции в съвременния танц и даде тласък на реформата на самия балет.
Накрая бих искал да цитирам думите на нашата изключителна балерина Мая Плисецкая, казани от нея в едно от нейните интервюта: „Мисля, че балетът е изкуство с голямо и вълнуващо бъдеще. Той със сигурност ще живее, търси, развива. Той определено ще се промени. Но как точно, в каква посока ще тръгне, е трудно да се предвиди с пълна точност. не знам. Знам едно: всички ние – и изпълнители, и хореографи – трябва да работим много, сериозно, без да се пестим. Хората, тяхната вяра в изкуството, тяхната отдаденост на театъра могат да направят чудеса. И какви ще се окажат тези „чудеса“ на балета на бъдещето, самият живот ще реши.
