През 15 век, в сложна историческа обстановка, характеризираща се с феодална разпокъсаност и условията на Стогодишната война (1337-1453), настъпват промени в областта на френското изобразително изкуство, което постепенно придобива светски характер.
Духът на готиката обаче прониква дълбоко в съзнанието на хората и вкусовете, основани на вкоренената готическа традиция, се трансформират много бавно. До края на XVI век. средновековната архитектура продължава да съществува едновременно
и ренесансови форми и дори в скулптурата и живописта са запазени елементи от готиката.
Може би първият вид изкуство, където реалистичните тенденции се проявяват в най-голяма степен, е книжната миниатюра. Именно в илюстрациите на псалтири, евангелия, часовници, исторически хроники виждаме ново отношение към заобикалящия ни свят и преход от конвенционално към реалистично изображение. Вниманието към природата, желанието за изучаване и имитиране на нея доведе до нови техники за пренасяне на реалността: предмети и човешки фигури хвърлят сенки, огромни пространства отиват в далечината, обектите се свиват и стават замъглени, докато се отдалечават. За първи път художниците започнаха да предават светлинната и въздушна среда и механиката на движението на човешкото тяло. Напълно нови стремежи във френското изкуство от XV век. се проявяват в работата на художници, които работят в Тур, резиденцията на краля, главният културен център на Франция по това време. Турен се нарича френска Тоскана и тук се ражда нов стил на френското ренесансово изкуство.
Един от най-значимите френски художници от 15 век е живял и творил в Тур. - Жан Фуке(1420-1477/81).
Фуке е първият френски художник, чиято работа показва толкова ясен интерес към човешката индивидуалност и пренасянето на портретна прилика. Като част от готическата олтарна композиция Мелунският диптих е абсолютен шедьовър, на лявото крило на който са изобразени донорът (клиентът на олтарния образ) Етиен Шевалие и покровителят Свети Стефан, вдясно - Мадоната с младенеца. Експресивните фигури на ктитора и светеца в три четвърти разпръснати заемат почти цялата плоскост на картината и въпреки някои аскетични изображения не изглеждат откъснати и неземни. Пространството зад фигурите им е маркирано с дълбочина, а лицата с естествен карамфил. Мраморната белота на безкръвното лице на Мадоната и тялото на бебето, напротив, се открояват рязко на абсолютно плоския фон на луксозен трон, поддържан от огненочервени и яркосини фигури на серафими и херувими. В същото време високо обръснато чело, малка уста, бяла кожа, стегната талия, поза и сиво-синя рокля с мантия от хермелин са характерни черти на външния вид на придворна дама от онова време, особено след като образът на Мадоната не е лишен от портретна прилика с любимата на Карл VII, Агнес Сорел. Такъв контраст на церемониалния, свещен момент и ежедневните ежедневни реалности е подобен на техниките, използвани от Ян ван Ейк в неговите олтарни картини (виж цвят вкл.).
Нарастващите търговски отношения с Италия, а след това и италианските кампании на френските крале Карл VIII и Франциск I отварят пътя за широкото проникване на италианската ренесансова култура във Франция. Особеността на френския хуманизъм се определя от връзката му с придворната среда. Това не е бюргерска култура, както в Холандия, а придворна, а покровителството на изкуството на Франциск I му придава аристократичен оттенък. Във Франция най-развитият е свързан със светския мироглед. сензация -възприятие чрез усещане. В изкуството той беше най-пълно представен училище във Фонтенблои поети "Плеяди",Франсис I привлече към двора си най-просветените хора на Франция, поети, художници, учени. Почитател на италианското изкуство, той кани известни художници от Италия, които, макар и да не са оказали съществено влияние върху френското изкуство, със сигурност са допринесли за преодоляването на средновековните традиции в него. В двора на Франциск I великият Леонардо да Винчи прекарва последните три години от живота си.
Най-пълните и ярки идеи на френския Ренесанс са въплътени в литературата. В царския двор имаше литературен кръжок. Сестрата на краля Маргарита Наварска, самата изключителна писателка (тя написа известния Седмочисленик, написан по подражание на Декамерон на Бокачо), събра около себе си писатели и поети хуманисти, в чиито творби новите идеи и стремежи прозвучаха особено ясно. Това бяха Рабле, Ронсар, Монтен, чиито произведения без съмнение допринесоха за трансформацията на обществото по нов начин.
Франсоа Рабле(1494-1553) е най-великият представител на френския Ренесанс, неговият роман "Гаргантюа и Пантагрюел" играе същата роля в културата на Франция като "Божествената комедия" на Данте в Италия, т.е. значително допринесе за бързото развитие на хуманистичните идеи, характерни за Ренесанса.
Сюжетът е взет от Рабле от народната литература, а именно от книгата "Велики и безценни хроники за великия и огромен гигант Гаргантюа". Рабле направи героите гиганти, дарявайки ги с широчината на душата и обхвата, които, както обикновено се смята, са присъщи на големите хора; гротескният, груб народен хумор е в основата на стила на писане на Рабле. Самият роман е истински манифест на френския Ренесанс.
Това е ентусиазиран химн на новите идеи в областта на образованието, на които хората, създали нова култура, придадоха голямо значение, тъй като беше призвано да подготви човек от ранна детска възраст за възприемане на тази култура. Рабле, опирайки се на преподавателската практика на италианските хуманисти, поставя два принципа в основата на общественото образование: първо, човек трябва да получава не само знания, но и физическо възпитание, и второ, в образователната система трябва да се редуват различни дисциплини - хуманитарни и природни науки.научни, осеяни с почивка. Обявявайки тази програма, Рабле в същото време атакува схоластиците и теолозите с цялата мощ на необузданата си сатира като идеологическа крепост на стария свят.
Образът на Пантагрюел, олицетворяващ идеалния монарх и идеалния човек, до известна степен отразява добродетелите, които несъмнено притежават просветените монарси Франциск I и Анри II.Придворният живот задължава писателя да следва вкусовете на монарха, да ласкае гордостта му, но в същото време направи възможно тези вкусове. Дори поетът Ронсар създава произведения, където, прославяйки къщата на Валоа, той призовава краля да се ръководи в живота и делата си от високи принципи и добродетели.
В творчеството Пиер дьо Ронсар(1524-1585) и писатели хуманисти, обединили се в литературния кръг "Плеяда" ("Седем звезди"), френската ренесансова поезия достига своя връх. Плеядите се състоеха от седем писатели, които решително скъсаха с традициите на средновековната литература, видяха източника на съвършената красота в древната и съвременната италианска поезия и защитиха правата на френския национален език. Най-значимото творческо наследство на Плеядите е лириката, в която поети, първият сред които е Ронсар, показват таланта си със забележителен блясък. В химна на Франция той прокламира:
Запленен на двадесет години от безгрижна красота, Мислех да излея сърдечната си топлина в стихове, Но, съгласявайки се с чувствата на френския език, видях колко е груб, неясен и грозен. Тогава за Франция, за моя роден език, започнах да работя смело и строго:
Умножавах, възкресявах, измислях думи,
И създаденото беше прославено от слух.
Аз, след като изучавах древните, отворих пътя си,
Той даде ред на фразите, разнообразие на сричките,
Намерих реда на поезията - и по волята на музите,
Като римлянинът и гъркът, французинът стана велик.
В одите на Ронсар звучи ведро, езическо усещане за природата:
Изпращам ти тези редове Свободни пасища, ниви,
Вие, пещери, потоци, горички, лениви реки,
Теб, паднал от стръмното, изпращам скитника край потока
Планински ключ. Моята песен.
В сонети 1 Ронсар обогати френската поезия с нов метър, известен като линията на Ронсар:
Изтрий, моя страница, с безмилостна ръка Емайла на пролетта, който украси градината, Сипеи цялата къща, изсипи в нея аромата на Цветя и билки, които цъфтяха над реката.
Дай ми лирата! Така ще настроя струните, За да отслабя онази невидима отрова, Която ме изгаряше с един поглед, Неотлъчно властваща над мен.
Мастило, хартия - нека всички запаси! На сто листа, нетленни като диамант, искам да уловя умората си,
И това, което мълчаливо разтопявам в сърцето си - Моята мъка, моята нема мъка - Бъдните поколения ще споделят.
При Франциск I строителството започва в цяла Франция. Френски архитекти от 16 век създава оригинален вариант на националната възрожденска архитектура. Обръщайки се към древните архитектурни форми и опита на Италия, те не изоставиха изобретението на своите предци. Комбинацията от традиционни стръмни покриви с лукарни прозорци (прозоречен отвор в таванския покрив) и високи комини, кули, кули с редовна обработка на стените става характерна. Старият замък, изграден от дялан варовик, комбиниран с тухли, е взет за основа и е преустроен по нов начин в архитектурните форми на високата класика. В замъка беше запазен старият многоъгълен план, крепостните стени бяха демонтирани, а фасадите на сградите се оказаха обърнати към околностите, но човек можеше да влезе в замъка през тежки порти с кули. Вертикалната аспирация на сградата беше омекотена от широкото използване на антаблемент, голям брой удължени прозорци; обичайният готически декор беше заменен от медальони, пиластри, листа от акант, короновани саламандри - емблемата на Франциск I.
Много подобни замъци са построени през първата половина на 16 век. в долината на Лоара, в кралски резиденции. Това са замъците Блоа, Шамбор, Шеверни, Амбоаз, Шенонсо. Най-важният етап от френската култура е свързан с изграждането на замъка във Фонтенбло.
сонет -твърда форма на стихосложение, състояща се от две четиристишия и две третични линии.
Замъкът Фонтенбло. Арх. J. Lebreton.Франция
През втората половина на управлението си Франциск I премества центъра на строителната дейност по-близо до Париж, в историческия регион Ил дьо Франс. Замъкът, който се разраства от векове, е доста хаотична сграда, архитектът се ангажира да го преработи през 1528 г. Жул Лебретон.Впоследствие замъкът е преустройван няколко пъти, но основните му части, построени при Франциск I, са запазени. Това е така нареченият Овален двор, заобиколен от апартаментите на краля, сред които е известната бална зала (галерията на Хенри II).
Към тях беше прикрепена галерия, наречена галерия на Франциск I, като едната страна образуваше двора на Източника, който се отваряше към огромно езеро, а другата - двора на Диана с цветни лехи и скулптура на Диана в центъра. Основната сграда, перпендикулярна на галерията, затваряше двата двора и гледаше към двора на Белия кон - място за празненства и турнири. Той отразява характеристиките, общи за френската ренесансова архитектура, които са станали решаващи за всички ордерни структури: квадратна зидария и рустикална облицовка, замяна на кръглите кули с правоъгълни первази на стената - прогнози 1с обособяване на центъра по фасадата, поетажно разчленяване на корнизите по хоризонтали.
Във Фонтенбло са преместени най-богатата кралска библиотека, колекция от антики, шедьоври на Рафаело и Леонардо да Винчи. За украсата на вътрешните стаи Франциск I кани италианските художници маниеристи Росо, Приматичио, Челини. Те намират последователи сред френските художници, съставили т.нар Училище на Фонтенбло.
Най-големият представител на маниеризма, работил във Фонтенбло, е флорентинският художник Джовани Багиста ди Якопо, наречен заради цвета на косата си. Росо Фиорентино(1493-1541) - червенокоса флорентинка. Последовател на Андреа дел
1 Ризалит(от италиански risalita - издатина) - част от сградата, която излиза извън основната линия на фасадата.
Росо Фиоренпшно. Галерия Франциск I. Замъкът Фонтенбло
Сарто и Микеланджело, Росо създава свой собствен стил, характеризиращ се с изключителна експресия, изграден върху комбинация от удължени фигури, резки контрасти, остри ъгли. Този стил най-вече съответства на аристократичния дух на френския хуманизъм, преобладаващите идеи за красотата, в които са запазени „готическата извивка“ и алегоричността.
Основната работа на Росо във Фонтенбло и единствената оцеляла е дизайнът на галерията на Франциск I. Дъбов паркет, таван, панели, достигащи до средата на стената по "френски начин", са направени според чертежите на Росо от мебелисти. Горната част на стените е изписана със стенописи, обрамчени от декоративна скулптура. Странно издължените фигури върху тях изглеждат сплеснати поради много светлите цветове и криволичещите, преплитащи се линии на композицията. Усещането за безплътност на тези фигури се засилва от близостта до триизмерна, почти кръгла, гипсова пластика с множество детайли: картуши 1 , гирлянди, човешки фигури. Такава хармонична комбинация от „френския маниер“ в архитектурата, пространствената живопис и триизмерната реалистична скулптура, която не беше използвана никъде преди, беше творческото изобретение на самия Росо. Галерията направи зашеметяващо впечатление на съвременниците, предизвика множество имитации и стана "прародител" на известните галерии на Лувъра и Версай, вече декорирани в бароков стил.
Поканен да помогне на Росо, художникът от Болоня Франческо Приматичо (1504-1570), след смъртта на майстора, става диктатор на художествените вкусове на школата Фонтенбло. Primaticcio заменя подчертаната експресивност на Rosso с бавен и вял маниеризъм, установявайки нов канон на красотата, съчетаващ женственост и мъжествени черти. Диана, млада девствена богиня, висока, стройна, стана нейният любим герой. Най-добрият й образ се смята за Лувъра
1 картуш -украса под формата на щит или сгънат наполовина свитък.
„Ловецът Диана“, който се свързва с личността на известната красавица и всемогъща фаворитка на Анри II, Диана дьо Поатие.
Много характерно за френската придворна култура е сливането на поезия и живопис, варирайки един и същи сюжет.
Пример за това е разказът „Каретата“ от Маргарет Наварска, който описва как тя язди през ливадите, наслаждавайки се на селския пейзаж, разговаряйки с обикновени хора, работещи на полето. Три благородни дами, излезли от гората, се оплакват от любовните си страдания. Техният разказ е толкова красноречив, излиянията са толкова риторични и са съпроводени с такова изобилие от сълзи, че небето се покрива с облаци и проливен дъжд се излива върху земята, прекъсвайки тази елегична разходка.
Същата сцена е изобразена в красива гравюра Бърнард Соломон,и е използван от Приматичио при декорирането на балната зала на Хенри П. Тук великолепната декоративност на Приматичио достига най-високия си връх. Той се обръща не само към сюжетите от „Метаморфозите“ на Овидий, отекващи в ефирните изящни женски фигури, но и към буколичните сцени, в които изящните пейзани и пейзани представят идилията на селския труд.
При проектирането на балната зала художникът изоставя скулптурата, заменяйки я с позлатени багети, което засилва ролята на живописта и въвежда по-голяма геометричност и строгост в дизайна на залата.
В живописта на интериора на двореца и в скулптурата, рамкираща картините, ясно се виждат стиловите характеристики на школата Фонтенбло. Първо, предпочитание беше дадено на исторически, митологични и алегорични теми. Но също така сезонните сцени на селския труд, толкова често срещани в старите френски миниатюри, влязоха в мода. Второ, те започнаха да изобразяват голи женски фигури, които дотогава не бяха открити в произведенията на френски художници. В същото време живописните образи получиха изящен, умишлено светски характер, напълно лишен от човешка топлина, поради непропорционално удължени "змиевидни фигури". Трето, любим цвят са избелените, почти прозрачни бледорозови, синкаво-сини, бледозелени тонове, съответстващи на маниерните представи за изискана, изискана, ефирна, крехка красота.
Жян е виден представител на стила Фонтенбло във френската пластика. Goujon(1510-1568). Неговото най-вдъхновено произведение е това, което създава в древни форми заедно с Пиер Леско(1515-1578) „Фонтанът на невинните“. За фонтана Гужон прави релефи на нимфи, чиито издължени гъвкави фигури са вписани в тесни плочи, издължени нагоре. Тяхното безтегловно и грациозно движение се повтаря от леки драпирани туники, напомнящи течаща вода. Тези фигури - един вид символ на вкуса на епохата - са свързани с образите на поезията на Рон-Саров:
Срещнах дриада на полето през пролетта. Тя е в проста рокля, сред цветята, държи букет с небрежни пръсти, голямо цвете мина пред мен ...
Името на Гужон се свързва със скулптурната украса на западната фасада на Лувъра, издигната от Пиер Леско и считана за върховното постижение на френската ренесансова архитектура. Скулптурата е концентрирана в рамката на прозорците на третия етаж и върху издатините. Алегорични фигури на война и мир обрамчват кръгли прозорци над входовете, релефни изображения на божества, оковани роби и крилати гении, държащи щит, украсяват горната част на ризалитите.
J. Goujon.Нимфи. Фонтанът на невинните. Париж
Гужон проектира и интериора на двореца: богинята Диана, фавните и фавнесите, елените и кучетата стават част от луксозната украса на стълбите на Хенри II; в Шведската зала Гуйон направи платформа, поддържана от кариатиди, подобна на статуите на атинския Ерехтейон.
Естетическите идеали на Гужон определят особеността на неговото творчество, което се състои в това, че той не е изваял нито един портрет, насочвайки целия си талант към създаването на обобщен, идеално красив образ.
Едновременно с развитието на архитектурата, живописта и скулптурата през XV-XVI век. Значителни успехи постигат изкуствата и занаятите.
Изкуството да се правят емайли, възникнало в южната част на Франция, в Лимож, още през 12 век, достига високо ниво на съвършенство. Но ако по-рано производството на рисувани емайли обслужваше нуждите на църквата, сега това са предимно продукти за светски цели.
Изключителна оригиналност се характеризират с тези, създадени през 16 век. керамични предмети. Най-важно място в областта на фаянсовото производство от онова време заемат Бърнард Палиси(1510-1590), който създава фаянс, който нарича "селска глина". От този фаянс той изработва големи съдове, чинии, чаши, масивни и тежки, като ги покрива напълно с релефни изображения на гущери, змии, раци, охлюви, пеперуди, листа, черупки, разположени на син или кафяв фон. Продуктите на Palissy, отлежали в сочни кафяви, зелени, сивкави, сини и бели тонове, са необичайно декоративни.
Въпреки това френската художествена култура от XVI век. не се ограничава само до празничното и радостно възраждане на античността. Успоредно с това е имало възраждане на средновековната традиция, която никога не е била напълно прекъсвана. През втората половина на XVI век. готическата тенденция в изкуството на френския Ренесанс набира скорост и се отразява в работата на скулптора по много особен начин Жермен Пилон(1535-1605), който се обърна към църковната надгробна плоча
ноа пластмаса. Светогледът му беше в унисон с онзи средновековен копнеж по отвъдното, който е отразен в готическите „Танци на смъртта“ – фрески по стените на френските гробища. Смъртта се появи там в ужасяващия реализъм на жив скелет и се обърна към човек в мрачното стихотворение на Клеман Моро:
Духът е като огън, а тялото е като марка,
Но духът се разкъсва към небето, а тялото клони към прахта.
Това е мрачна, омразна тъмница,
Където плененият дух е тъжен за светлата висота.
Творбите на Пилон се отличават с кралска помпозност, но средновековните идеи за добродетелта все повече и повече подчиняват идеала за ренесансово величие, следователно в неговия творчески начин натурализмът съжителства с античните идеали. И така, в надгробната плоча на Валентина Балбиани тя е изобразена на капака на саркофага във великолепна роба, с малко куче, а барелефът на саркофага с отблъскващ реализъм я показваше лежаща в ковчег, гола и разложена, почти като скелет. В надгробната плоча на Анри II и Катрин де Медичи в църквата на абатството Сен Дени, в горната част на гробния параклис, те са представени в кралско облекло, коленичили, а долу, под нейния свод, те са голи, лишени от някогашен блясък, като останките на някой просяк. Тези реалистични, без никакво разкрасяване изображения бяха отражение на мрачното настроение, присъщо на целия западен свят през периода на Контрареформацията.
Раждането на Ренесанса във Франция
Културата на френския Ренесанс се ражда и развива по време на завършването на обединението на кралството, развитието на търговията, превръщането на Париж в политически и културен център, към който гравитират най-отдалечените и отдалечени провинции.
Възраждането на античната култура се радва на голямо внимание и подкрепа от страна на кралския дом и богатото благородство. Покровителството на новото поколение от най-образованите хора беше осигурено от кралица Анна от Бретан и крал Франсис I, който неведнъж им отнемаше отмъстителния меч на църквата, беше щедър покровител и добър приятел. Ана Бретанска създава своеобразен литературен кръг, чиито традиции се развиват в дейността на по-известния кръг на единствената и много обичана сестра на краля Маргарет Наварска, която неизменно се радва на покровителството на Франциск. Един от италианските посланици, който беше в двора на Франциск I, каза, че "кралят е прекарал повече от година в бижута, мебели, изграждане на замъци, оформяне на градини".
Литература
Поезия
Основоположник на новата френска поезия е Клеман Маро, най-талантливият поет на тези десетилетия. Маро се завърна от Италия, след като беше тежко ранен в битката при Павия. Куц и беден инвалид, той беше хвърлен в затвора по донос и щеше да бъде екзекутиран, ако не беше застъпничеството на Маргарита. Изучава антична философия, много близък е с кралския двор и литературния кръг на Маргарет Наварска. Той става автор на много епиграми и песни. Свободомислещите творби не бяха напразни за поета. Два пъти бяга от Франция. Последните дни на поета приключиха в Торино, а Сорбоната добави много от стиховете му към забранения списък. В творчеството си Маро се стреми да преодолее италианското влияние, да придаде на поемите национален колорит, „галски блясък“.
Имаше и Лионската поетична школа. Неговите представители не са били подложени на жестоки гонения. Поетесата Луиз Лабе принадлежи към Лионската школа.
Значително явление за френската литература беше творчеството на Маргьорит Наварска, която притежава голям брой поетични творби, които отразяват духовното търсене на нейната епоха. Основното наследство на Маргарита е сборник от 72 разказа, наречен "Хептамерон", т.е. "Седем дни". Вероятно основната част от това произведение е написана между и 1547 г., във време, когато Маргарита е много далеч от грижите на парижкия двор, от „голямата“ политика на брат си, потопена в „малката“ политика на своето малко кралство и в семейните дела. Според съвременници, тя съчинява своите разкази, обикаляйки земите си в носилка. „Хептамерон” от Маргарита Наварска показва осъзнаването на трагичните противоречия между човешките идеали и реалния живот.
Заглавие на изданието на втората книга на "Гаргантюа и Пантагрюел", Лион, 1571 г.
Проза
Може би едно от най-известните произведения на френския Ренесанс е книгата на Франсоа Рабле „Гаргантюа и Пантагрюел“. Рабле беше надарена личност и талантът му беше особено очевиден в писането. Рабле пътува много, познава обичаите на селяни, занаятчии, монаси и благородници. Той беше ценител на общия език. В своя забележителен и единствен роман той дава брилянтна сатира за хората от своето време.
Заедно с това литературата на френския Ренесанс поглъща най-добрите образци на устното народно творчество. Той отразява чертите, присъщи на талантливите и свободолюбиви французи: тяхното весело настроение, смелост, трудолюбие и тънък хумор.
Филология
През 16 век се полагат основите на френския литературен език и висок стил. През 1549 г. френският поет Жоашен дю Беле публикува програмен манифест „Защита и прослава на френския език“. Това есе опровергава твърдението, че уж само древните езици могат да въплъщават високи поетични идеали в достойна форма и се твърди, че някога древните езици са били груби и неразвити, но това е било подобряването на поезията и литература, която ги направи това, което станаха. Така ще бъде и с френския език, необходимо е само да го развиваме и усъвършенстваме. Дю Беле става своеобразен център за обединение на своите съмишленици и приятели. Пиер дьо Ронсар, който беше негов член, измисли името Плеяди. Името не е избрано случайно: групата от седем старогръцки трагически поети също се нарича по същия начин. Ронсар с тази дума обозначава седемте поетични светила в литературния небосвод на Франция, това е своеобразна френска поетична житейска школа. Той включваше Пиер дьо Ронсар, Жоашен дю Беле, Жан Антоан дьо Байф, Реми Бело. Те изоставиха наследството на Средновековието, преосмисляйки отношението си към античността. Още при крал Хенри II Плеядите получават признание от двора и Ронсар става придворен поет. Изявява се в различни жанрове - ода, сонет, пасторал, импровизация.
Философия
Философската мисъл във Франция по това време е най-добре представена от Пиер дьо ла Раме, критик на схоластичния аристотелизъм. Тезата на Раме „Всичко казано от Аристотел е невярно“ става отправна точка на нова европейска философия. Рамет противопоставя схоластичните разсъждения на идеята за логически обоснован, ориентиран към практиката метод, който той нарича изкуството на изобретението. Средството за създаване на метода трябваше да служи като нова логика, чиито начала Раме разви в своя труд "Диалектика". Той е един от най-великите математици на своето време и автор на голям обобщаващ труд „Курс по математика“.
Бонавентур Деперие е една от най-оригиналните фигури на Ренесанса. Той е филолог и преводач и е служил като секретар на Маргарет Наварска. През 1537 г. той анонимно публикува книга със сатирични диалози „Чимвалът на света“. Книгата е обявена за еретична и забранена. Деперие е обявен за "отстъпник от праведната вяра", той е отстранен от двора на Маргарет Наварска. В резултат на това преследването го кара да се самоубие.
Съвременник на Деперие, Етиен Дол, защити нещастните, които бяха изпратени на кладата по обвинение, че са свързани със зли духове. Приемайки познаването на причините за най-висшето благо, самият Дол заключава, че всичко, което съществува, не е възникнало от по-висша воля, а по силата на „оперативните причини, необходими за това“. За известно време покровителството на знатни и богати личности спасява Доул от инквизицията. През 1546 г. обаче той е обвинен, че противоречи на християнската доктрина за безсмъртието на душата в своя превод на Платон. Дол е осъден и изгорен на клада. Съдбата на автора беше споделена от всичките му книги.
Хуманизъм
Гийом Бюд
Един от изключителните френски хуманисти беше Жак Льофевр д'Етапл. Той беше много образован човек: енциклопедист, филолог и философ, теолог, математик, астроном. Получава образование във Флоренция и става основател на школа от математици и космографи в Франция В края на 15-ти - началото на 16-ти век d'Etaple публикува коментари върху произведенията на Аристотел, белязани от желанието да се хвърли нов поглед върху осветения от традицията авторитет на царя на философите. През 1512 г. той публикува коментар върху Посланията на Павел, в който обосновава необходимостта от критичен анализ на писанията на отците на християнската вяра. Той превежда Библията на френски (дотогава тя съществува само на латински), но този превод е осъден от Сорбоната като еретичен. Като всъщност мечтателен и тих хуманист, Льофевр д'Етапъл се страхува от последствията на собствените си идеи, когато осъзнава до какво могат да доведат те на практика.
Около d "Etaples се групираха студенти, привърженици на християнството, които изучаваха евангелските текстове, сред които особено виден беше филологът Гийом Буде, който стана един от лидерите на хуманистичното движение във Франция. Човек с най-широк кръгозор , той има значителен принос в изучаването на математиката, естествените науки, изкуството, философията, римската и гръцката филология.Трудът му „Забележки върху 24 книги на Пандект“ поставя началото на филологически анализ на източниците на римското право. труд "За задника и неговите части" се развива идеята за две култури - антична и християнска. Грижейки се за славата на Франция, той възлага отговорността за нейното избледняване на владетели и влиятелни хора. Той дори написва книгата „Инструкции към суверена". Благодарение на Буде във Фонтенбло е създадена библиотека, по-късно тя е прехвърлена в Париж и става основата на Националната библиотека на Франция. Буде разговаря много и сериозно с крал Франциск, който под неговото влияние основава Кралския колеж в Париж – College de France... Там стават учители научете гръцки, латински и иврит.
Периодът на развитие на хуманизма във Франция е кратък и пътищата му много скоро стават трънливи. Католическата реакция се засилва в Европа. От средата на 30-те години на 16 век Сорбоната, уплашена от успехите на хуманизма, се противопоставя на своите представители. Променя се и отношението на френската кралска власт и двора към хуманистите. От покровителка царската власт се превръща в гонителка на свободната мисъл. Жертви на преследване са големи френски хуманисти - Бонавентур Деперие, Етиен Доле, Клеман Маро.
Театър
Френският ренесансов театър не достига нивото на Италия, Испания и Англия. Етиен Жодел става режисьор на първата френска трагедия в "класически", тоест античен стил. Тази трагедия е наречена "Пленената Клеопатра".
Архитектура
Ранната ренесансова архитектура във Франция е силно повлияна от Италия. Развивайки традициите на готиката, френските архитекти създават нов тип архитектурни структури: замъкът на Франциск I в Блоа, замъците Азей-льо-Ридо, Шенонсо, Шамбор. През този период широко се използват различни декорации на сгради. Върхът на ренесансовата архитектура е сградата на новия кралски дворец на Лувъра. Построен е от архитекта Пиер Леско и скулптора Жан Гужон. Гужон получава първоначалното си художествено образование във Франция. След това пътува много из Италия, където изучава антична скулптура. При завръщането си във Франция той издълбава първата си известна творба - статуя, известна като "Диана". Това беше своеобразен портрет на Даян дьо Поатие, херцогиня на Валентоа. Статуята украсяваше замъка на Анет. Диана е изобразена гола и легнала с лък в ръка, облегната на врата на елен. Косата й е събрана на плитки, в които са вплетени скъпоценни камъни, до нея има куче. Кралят харесва тази скулптура толкова много, че поверява на Goujon други скулптурни произведения в замъка Анет. Гужон украсява със статуи и замъка Екутан, парижкия хотел Карнавале, парижкото кметство, в което са изсечени от майстора Дванадесетте месеца, след това портата Сен Антоан с четири великолепни барелефа „Сена“, „Марна“, "Уаз" привлече вниманието и "Венера, излизаща от вълните". Всички тези творби сега се намират в Лувъра. За францисканската църква Гужон изваял барелефа „Сваляне от кръста“ и накрая, „Фонтанът на нимфите“ в Париж принадлежи на негово дело. Този фонтан все още се счита за най-доброто произведение на френската архитектура.
изкуство
Хуманистичният интерес към човека се проявява и в изобразителното изкуство, особено в портрета. Тържественото изражение на лицата и величието на позите в портретите на Жан Клуе бяха съчетани с остротата на индивидуалните характеристики. Интересни са и портретите на Франсоа Клуе.
Науката
Бърнард Палиси
Проблемите на естествените науки са разработени от Бернар Палиси. Той беше виден химик и откри метод за производство на цветна глазирана керамика. Високи бяха постиженията в областта на математиката. Теоремата на Франсоа Виета, най-талантливият математик, живял по онова време, все още се изучава в училищата днес. В областта на медицината Амброаз Паре играе голяма роля, превръщайки хирургията в научна дисциплина.
Галерия
Литература
- Бобкова, М. С. Френски ренесанс:Христоматия за ранна модерна история. Москва, 2006 г.
Връзки
Ренесансът е важен етап в развитието на френската култура. По това време в страната бързо се развиват буржоазните отношения и се укрепва монархическата власт. Религиозната идеология на Средновековието постепенно се измества на заден план от хуманистичния мироглед. Светското изкуство започва да играе важна роля в културния живот на Франция. Реализмът на френското изкуство, връзката с научните познания, обръщението към идеите и образите на античността го доближават до италианския. В същото време Ренесансът във Франция има особен облик, в който ренесансовият хуманизъм се съчетава с елементи на трагизъм, роден от противоречията на ситуацията в страната.
В резултат на многото поражения на Франция по време на Стогодишната война с Англия, продължила от 1337 до 1453 г., в страната царува феодална анархия. Селячеството, смазано от непосилните данъци и зверствата на нашествениците, се вдига на борба срещу своите потисници. С особена сила освободителното движение пламна в момента, когато британските войски, които бяха превзели северната част на Франция, се насочиха към Орлеан. Патриотичните чувства доведоха до представянето на френските селяни и рицари, водени от Жана д'Арк, срещу английските войски. Бунтовниците печелят няколко блестящи победи. Движението не спира дори когато Жана д'Арк е заловена и с мълчаливото съгласие на френския крал Шарл VII е изгорена на клада от църковници.
В резултат на дългата борба на народа срещу чуждите нашественици Франция е освободена. Монархията използва тази победа за свои цели, докато положението на победилия народ остава все още трудно.
През втората половина на XV век. благодарение на усилията на Луи XI Франция става политически обединена. Икономиката на страната се развива, науката и образованието се подобряват, установяват се търговски връзки с други държави и особено с Италия, от която културата прониква във Франция. През 1470 г. в Париж е открита печатница, в която наред с други книги започват да се печатат произведенията на италианските хуманисти.
Развива се изкуството на книжната миниатюра, в която мистичните и религиозни образи са заменени от реалистични представи за околния свят. В двора на херцога на Бургундия работят гореспоменатите талантливи художници, братя Лимбург. Известни холандски майстори са работили в Бургундия (художници братя ван Ейк, скулптор Слутер), така че в тази провинция влиянието на холандския Ренесанс е забележимо в изкуството на френските майстори, докато в други провинции, например в Прованс, влиянието на италианския Ренесансът се е увеличил.
Един от най-големите представители на френския Ренесанс е художникът Anguerrand Charonton, който работи в Прованс, който рисува монументални и композиционно сложни платна, в които, въпреки религиозните теми, интересът към човека и заобикалящата го реалност е ярко изразен („Мадона“ на милостта”, „Коронацията на Мария” , 1453). Въпреки че картините на Шаронтън се отличават със своя декоративен ефект (изтънчени линии, комбинирани в странен орнамент, симетрия на композицията), но важно място в тях заемат подробни ежедневни сцени, пейзажи и човешки фигури. На лицата на светците и Мария зрителят може да прочете чувствата и мислите, които ги притежават, да научи много за характера на героите.
Същият интерес към пейзажа, към внимателното прехвърляне на всички детайли на композицията, отличава олтарните картини на друг художник от Прованс - Никола Фромент ("Възкресението на Лазар", "Горещият храст", 1476 г.).
Характеристиките на новото във френското изкуство бяха особено ясно проявени в творчеството на художниците от школата на Лоара, които работеха в централната част на Франция (в долината на река Лоара). Много представители на тази школа са живели в град Тур, в който през 15в. е била резиденция на френския крал. Жител на Тур е един от най-значимите художници на тази епоха, Жан Фуке.
Жан Фуке
Жан Фуке е роден около 1420 г. в Тур в семейството на свещеник. Учи живопис в Париж и, вероятно, в Нант. Работил е в Тур като придворен художник на крал Чарлз VII, след това на Луи XI. Той имаше голяма работилница, в която се изпълняваха поръчките на кралския двор.
Няколко години Фуке живее в Италия, в Рим, където се запознава с работата на италианските майстори. Но въпреки факта, че в неговите творби, особено ранните, се забелязва влиянието на италианското и холандското изкуство, художникът бързо развива свой собствен, уникален стил.
Изкуството на Фуке се проявява най-ярко в портретния жанр. Създадените от художника портрети на Карл VII и неговите министри са реалистични и правдиви, не съдържат нито ласкателство, нито идеализация. Въпреки че начинът на изпълнение на тези произведения в много отношения прилича на картините на холандските художници, портретите на Фуке са по-монументални и значими.
Най-често Фуке изобразява своите модели в моменти на молитва, така че героите на творбите му изглеждат потопени в собствените си мисли, сякаш не забелязват какво се случва около тях или публиката. Неговите портрети не се отличават с церемониален блясък и лукс на аксесоарите, изображенията върху тях са пищни, прозаични и по готически статични.
Върху портрета на Шарл VII (ок. 1445 г.) има надпис: „Най-победоносният крал на Франция“. Но Фуке изобрази краля толкова надеждно и правдиво, че няма абсолютно никакви признаци за неговата победа: картината показва крехък и грозен човек, в чийто външен вид няма нищо героично. Зрителят вижда пред себе си егоист, преситен от живота и уморен от развлечения с малки очи, голям нос и месести устни.
Също толкова верен и дори безмилостен е портретът на един от най-влиятелните придворни на краля - Жувенел де Урзен
(около 1460 г.). Картината изобразява дебел мъж с подуто лице и самодоволно изражение. Портретът на Луи XI също е реалистичен. Художникът не се стреми по някакъв начин да украси моделите си, той ги изобразява точно както са били в живота.
Това се потвърждава от многобройните рисунки с молив, предшестващи живописните портрети.
Шедьовърът на Фуке е диптих, написан около 1450 г., една част от който изобразява Етиен Шевалие със Св. Стефан, а от другата - Мадоната с младенеца Исус. Мария поразява със своята грация и спокойна красота. Бледите тела на Мадоната с Младенеца, сиво-синята рокля и хермелиновата роба на Мария контрастират рязко с яркочервените фигури на малките ангелчета, заобикалящи трона. Ясните линии, лаконичното и строго оцветяване на картината придават на изображението тържественост и изразителност.
Образите от втората част на диптиха се отличават със същата строга яснота и вътрешна дълбочина. Героите му са замислени и спокойни, погледите им отразяват ярки черти на характера. Стефан стои свободно и просто, изобразен като реална личност, а не като светец. Ръката му лежи покровителствено върху рамото на леко окования Етиен Шевалие, който е представен от художника в момента на молитва.
Шевалие е мъж на средна възраст с набръчкано лице, крив нос и строг поглед в малки очи. Вероятно така е изглеждал в реалния живот. Подобно на картината с Мадоната, тази част от диптиха се отличава с целостта на композицията, богатството и звучността на цвета, базирани на червени, златни и лилави нюанси.
Голямо място в творчеството на Фуке заемат миниатюрите. Тези произведения на художника са много подобни на произведенията на братята Лимбург, но те са по-реалистични в изобразяването на света около тях.
Фуке създава чудесни илюстрации за „Големите френски хроники“ (края на 1450-те), Книгата на часовете на Етиен Шевалие (1452-1460), „Романите“ на Бокачо (ок. 1460 г.), „Еврейските антики“ на Йосиф Флавий (ок. 1470 г.). ). В миниатюри, изобразяващи религиозни, антични сцени или италиански живот, съвременни френски градове с тихи улици и големи площади, ливади, хълмове, речни брегове на красивата родина на художника, прекрасни архитектурни паметници на Франция, сред които катедралата Нотр Дам, Св. -Шапел.
Миниатюрите почти винаги включват човешки фигури. Фуке обичаше да изобразява сцени от селски, градски и дворцов живот, епизоди от битките на наскоро приключилата война. На някои миниатюри можете да видите портрети на съвременници на художника („Изобразяване на Дева Мария от Етиен Шевалие“).
Фуке е талантлив летописец, произведенията му описват исторически събития с невероятна точност, детайлност и истина. Такава е миниатюрата „Процесът срещу херцога на Алансон през 1458 г.“, представляваща повече от двеста знака на един лист. Въпреки огромния брой фигури, изображението не се слива и композицията остава ясна и ясна. Персонажите на преден план изглеждат особено живи и естествени - жителите на града, дошли да се взират в двора, стражите, които сдържат напора на тълпата. Цветовото решение е много сполучливо: централната част на композицията е подчертана от синия фон на килима, който покрива мястото на съда. Други килими с красиви орнаменти, гоблени и растения подчертават изразителността на миниатюрата и й придават особена красота.
Творбите на Фуке свидетелстват за способността на техния автор майсторски да предава пространството. Така например неговата миниатюра „Св. Мартин“ (Книга на часовете на Етиен Шевалие) изобразява моста, насипа, къщите и мостовете толкова точно и надеждно, че е лесно да се възстанови облика на Париж по време на управлението на Карл VII.
Много от миниатюрите на Фуке се отличават с тънък лиризъм, който се създава благодарение на поетичния и спокоен пейзаж (листът „Давид научава за смъртта на Саул“ от „Еврейските антики“).
Фуке умира между 1477-1481 г. Много популярен приживе, художникът бързо е забравен от сънародниците си. Изкуството му получава достойна оценка едва много години по-късно, в края на 19 век.
Един от най-известните художници от края на XV век. беше Жан Клуе Стария, известен също като Майстора на Мулен. До 1475 г. работи в Брюксел, а след това се премества в Мулен. Около 1498-1499г Жан Клуе Стари изпълнява най-значимото си произведение - триптих за катедралата Мулен, на чието централно крило е представена сцената "Дева Мария в слава", а отстрани - портрети на клиенти със светци покровители.
В централната част е изобразена Мадоната с младенеца, над чиято глава ангели държат корона. Вероятно Клуе е моделиран за образа на Мария от френско момиче, крехко и красиво. В същото време абстрактността на намерението на автора, декоративните ефекти (концентрични кръгове около Мария, ангели, образуващи венец по краищата на платното) придават на произведението известна прилика с готическото изкуство.
Голям интерес представляват красивите пейзажи, които Жан Клуе Стари поставя в композиции с религиозна тематика. До фигурите на светци в тези произведения има портретни изображения на клиенти. Например в платното „Рождество Христово“ (1480 г.), вдясно от Мария, можете да видите канцлера Ролен, скръстил молитвено ръце.
През втората половина на XV век. Симон Мармион също работи във Франция, който изпълнява редица олтарни композиции и миниатюри, сред които най-известната му работа са илюстрациите за Великите френски хроники, и Жан Бурдишон, портретист и миниатюрист, който създава прекрасни миниатюри за Часовете на Анна от бретонски.
Най-големият художник от това време е Жан Переал, който оглавява школата по живопис в Лион. Той беше не само художник, но и писател, архитект и математик. Славата за него надхвърли Франция и се разнесе в Англия, Германия, Италия. Переал е служил при крал Чарлз VIII и Франциск I, в Лион е заемал позицията на експерт по строителството. Запазени са редица негови портретни творби, включително портрет на Мария Тюдор (1514), Луи XII, Карл VIII. Едно от най-добрите произведения на Perreal е очарователното и поетично момиче с цвете. Интересни са и неговите картини на катедралата в Пюи, върху които, наред с религиозни и антични изображения, художникът поставя портрети на френски хуманисти, сред които се откроява образът на Еразъм Ротердамски.
В началото на XVI век. Франция беше най-голямата (по площ и население) държава в Западна Европа. По това време положението на селяните беше донякъде облекчено и се появиха първите капиталистически форми на производство. Но френската буржоазия все още не е достигнала нивото, за да заеме властови позиции в страната, както беше в италианските градове през XIV-XV век.
Тази епоха бе белязана не само от трансформации в икономиката и политиката на Франция, но и от широкото разпространение на ренесансовите хуманистични идеи, които бяха най-пълно представени в литературата, в писанията на Ронсар, Рабле, Монтен, Дю Беле. Монтен, например, смята изкуството за основно средство за възпитание на човек.
Както и в Германия, развитието на изкуството е тясно свързано с реформаторското движение срещу католическата църква. Това движение беше посетено от селяните, недоволни от своето положение, както и от градските нисши класове и буржоазията. След дълга борба тя е потисната, католицизмът запазва позициите си. Въпреки че Реформацията има само известно влияние върху изкуството, нейните идеи проникват в средата на хуманистичните художници. Много френски художници и скулптори са били протестанти.
Центровете на ренесансовата култура са градове като Париж, Фонтенбло, Тур, Поатие, Бурж, Лион. Крал Франциск I играе важна роля в разпространението на ренесансовите идеи, канейки френски художници, поети и учени в своя двор. В продължение на няколко години Леонардо да Винчи и Андреа дел Сарто работят в кралския двор. Около сестрата на Франциск, Маргарет Наварска, която се занимаваше с литературна дейност, се обединиха поети и писатели хуманисти, насърчавайки нови възгледи за изкуството и световния ред. През 1530г във Фонтенбло италианските маниеристи основават школа за светска живопис, която оказва значително влияние върху развитието на френското изобразително изкуство.
Важно място в живописта на Франция през първата половина на XVI век. заема изкуството на художниците Джовани Батиста Росо, Николо дел Абате и Франческо Приматичо, поканени от Италия да рисуват кралския дворец във Фонтенбло. Централно място в техните стенописи заемат митологични, алегорични и исторически сюжети, които включват изображения на голи женски фигури, които не се срещат в картините на френските майстори от онова време. Изисканото и елегантно, макар и донякъде маниерно изкуство на италианците оказа голямо влияние върху много френски художници, които дадоха началото на посоката, наречена школа Фонтенбло.
Голям интерес представлява портретното изкуство от този период. Френските портретисти продължават най-добрите традиции на майсторите от 15 век и преди всичко Жан Фуке и Жан Клуе Стария.
Портретите бяха широко разпространени не само в двора, изображенията с молив служеха като модерни снимки в много френски семейства. Тези рисунки често се отличават с виртуозност на изпълнение и надеждност при предаването на черти на човешкия характер.
Портретите с молив бяха популярни в други европейски страни, например в Германия и Холандия, но там те играха ролята на скица, която предшества живописния портрет, а във Франция такива произведения станаха независим жанр.
Най-великият френски портретист от тази епоха е Жан Клуе Младши.
Жан Клуе младши
Жан Клуе Младши, син на Жан Клуе Старши, е роден ок. 1485 Баща му става първият му учител по рисуване. Има малко информация за живота на художника, известно е само, че от 1516 г. Жан Клуе Младши работи в Тур, а от 1529 г. - в Париж, където заема длъжността придворен художник.
Портретите на Жан Клуе Младши са удивително автентични и правдиви. Това са изображенията с молив на придворните: Даян Поатие, Гийом Гуфие, Анна Монморанси. Художникът многократно рисува някои от сътрудниците на краля: три портрета на Gaio de Genuillac, участник в битката при Мариняно, направени през 1516, 1525 и 1526 г., два портрета на маршал Брисак, датиращи от 1531 и 1537 г., са оцелели до този момент ден. Един от най-добрите му портрети с молив е образът на граф д'Етан (ок. 1519), в който се забелязва желанието на майстора да проникне в дълбините.
вътрешния свят на човека. Портретът на Еразъм Ротердамски (1520) също е забележителен, изненадващо витален и духовен.
Жан Клуе Младият владее не само молива, но и четката. Това се доказва от няколко платна, оцелели до наши дни. Сред тях - портрет на дофин Франсис (ок. 1519), херцог Клод от Гиз (ок. 1525), Луи дьо Клев (1530).
Образите са донякъде идеализирани в тържествените церемониални портрети на малката Шарлот от Франция (ок. 1520) и Франциск I на кон (1540). Голям интерес представлява интимният портрет на Мадам
Канапел (около 1523 г.), изобразяващ чувствено красива жена с лукава усмивка на нежните й устни и прост и строг портрет на неизвестен човек с том на Петрарка в ръка.
Някои изследователи смятат, че портретът на Франциск I, съхраняван в момента в Лувъра, принадлежи на четката на Жан Клуе Младши. Тази версия се потвърждава от рисунка, направена от художника, въпреки че е възможно той да е послужил като модел на един от учениците на Жан Клуе Младши (например синът му Франсоа Клуе) за създаване на живописен портрет на краля.
Портретът на Франциск I от Лувъра съчетава тържественост, декоративност и желание да се отразят индивидуалните черти на модела - кралят-рицар, както Франциск е наричан от съвременниците си. Блясъкът на фона и богатото облекло на краля, блясъкът на аксесоарите - всичко това придава на картината великолепие, но не засенчва разнообразната гама от човешки чувства и черти на характера, които могат да се прочетат в очите на Франциск: измама, суета, амбиция, смелост. Портретът показа наблюдателността на художника, способността му точно и вярно да забележи онова уникално нещо, което отличава един човек от друг.
Жан Клуе Младият умира през 1541 г. Неговата работа (особено рисунките) има голямо влияние върху многобройни ученици и последователи, сред които може би най-талантливият е синът му Франсоа Клуе, когото Ронсар в своята „Елегия към Жан“ (съвременниците на Жан наричат всички представители на семейство Клуе), наречени „честта на нашата Франция“.
Франсоа Клуе
Франсоа Клуе е роден около 1516 г. в Тур. Учи при баща си Жан Клуе Младши, помага му при изпълнението на поръчки. След смъртта на баща си той наследява длъжността му на придворен художник на краля.
Въпреки че влиянието на Жан Клуе Младши, както и на италианските майстори, се забелязва в творчеството на Франсоа Клуе, неговият художествен стил се отличава със своята оригиналност и ярка индивидуалност.
Една от най-добрите творби на Франсоа Клуе е картината "Къпещата се жена" (ок. 1571 г.), която по отношение на начина на изпълнение е малко като картината на школата Фонтенбло. В същото време, за разлика от митологичните композиции на тази школа, тя гравитира към портретния жанр. Някои историци на изкуството смятат, че на картината е изобразена Диана Поатие, а други смятат, че това е любимата на Чарлз IX Мари Туше. Композицията съдържа елементи на жанра: картината изобразява жена във вана, до която стои дете и кърмачка с бебе на ръце; на заден план е прислужница, която загрява вода за къпане. В същото време, благодарение на специалната композиционна конструкция и ясния портрет в интерпретацията на образа на млада жена, гледаща към зрителя със студена усмивка на блестяща светска дама, платното не създава впечатление за обикновено ежедневие сцена.
Забележителното умение на Франсоа Клуе се проявява в неговата портретна работа. Ранните му портрети в много отношения напомнят на творбите на баща му Жан Клуе Младши. В по-зрелите произведения се усеща оригиналният маниер на френския майстор. Въпреки че в по-голямата си част тези портрети се отличават с величие и тържественост, блясъкът на аксесоарите и луксът на костюмите и драпериите не пречат на художника да представи на зрителя ярките индивидуални характеристики на своите модели.
Няколко портрета на Карл IX от Франсоа Клуе са оцелели. В ранен портрет с молив от 1559 г. художникът изобразява самодоволен тийнейджър, гледащ важно към зрителя. Рисунката от 1561 г. представлява затворен, леко ограничен млад мъж, облечен в пълна рокля. Живописен портрет, изпълнен през 1566 г., показва зрителя Чарлз IX в пълен растеж. В крехка фигура и бледо лице художникът забеляза основните черти на неговия характер: нерешителност, липса на воля, раздразнителност, егоистична упоритост.
Едно от най-забележителните произведения на френското изкуство от XVI век. се превърна в живописен портрет на Елизабет Австрийска, написан от Франсоа Клуе около 1571 г. Картината изобразява млада жена в великолепна рокля, украсена с искрящи скъпоценни камъни. Красивото й лице е обърнато към зрителя, а изразителните тъмни очи изглеждат предпазливи и недоверчиви. Богатството и хармонията на цветовете правят платното истински шедьовър на френската живопис.
По различен начин е написан интимен портрет, в който Франсоа Клуе изобразява своя приятел, фармацевта Пиер Куте
(1562). Художникът постави героя в обичайната си офис среда, близо до масата, на която лежи хербариумът. В сравнение с предишната работа, картината се отличава с по-сдържана цветова схема, изградена върху комбинация от златисти, зелени и черни нюанси.
Голям интерес представляват портретите с молив на Франсоа Клуе, сред които се откроява портретът на Жана д'Албре, представляваща изящно младо момиче, в чиито очи зрителят може да придобие силен и решителен характер.
Между 1550 и 1560 г. Франсоа Клуе създава много графични портрети, включително красиви рисунки, изобразяващи малкия Франциск II, жизненото и очарователно момиче Маргьорит от Валоа, Мария Стюарт,
Гаспар Колини, Анри II. Въпреки че някои изображения са донякъде идеализирани, основната характеристика на портретите е техният реализъм и правдивост. Художникът използва разнообразни техники: сангина, акварел, малки и леки щрихи.
Франсоа Клуе умира през 1572 г. в Париж. Изкуството му оказва голямо влияние върху съвременните художници и графици, както и върху френските майстори от следващите поколения.
Корнел дьо Лион, който работи в Лион, е отличен портретист, който рисува фини и одухотворени женски образи („Портрет на Беатрис Пачеко“, 1545 г.; „Портрет на кралица Клод“), отличаващи се с почти миниатюрно изпълнение и фино остъкляване и звучни цветове.
Простите и искрени портрети на деца и мъже от Корней дьо Лион се характеризират със способността да се разкрие дълбочината на вътрешния свят на модела, истинността и естествеността на позите и жестовете („Портрет на момче“, „Портрет на непознато“ Човек с черна брада”).
От средата на XVI век. във Франция работят талантливи майстори на портрети с молив: B. Foulon, F. Quesnel, J. Decourt, които продължават традициите на известния Франсоа Клуе. Отлични портретисти, които са работили в графичната техника, са братята Етиен и Пиер Дюмустие.
Ренесансът е феноменално явление в историята на човечеството. Никога повече не е имало толкова блестящ проблясък в областта на изкуството. Скулптори, архитекти и художници от Ренесанса (списъкът е дълъг, но ще се докоснем до най-известните), чиито имена са известни на всички, дадоха на света безценно.Уникални и изключителни хора се показаха не в една област, а в няколко веднага.
Ранновъзрожденска живопис
Ренесансът има относителна времева рамка. За първи път започва в Италия - 1420-1500. В този момент живописта и изобщо цялото изкуство не се различава много от близкото минало. Въпреки това за първи път започват да се появяват елементи, заимствани от класическата античност. И едва през следващите години скулптори, архитекти и художници от Ренесанса (чийто списък е много голям), под влиянието на съвременните условия на живот и прогресивните тенденции, най-накрая изоставят средновековните основи. Те смело възприемат най-добрите образци на античното изкуство за своите произведения, както като цяло, така и в отделни детайли. Имената им са известни на мнозина, нека се съсредоточим върху най-ярките личности.
Мазачо - геният на европейската живопис
Именно той направи огромен принос за развитието на живописта, превръщайки се в велик реформатор. Флорентинският майстор е роден през 1401 г. в семейство на артистични занаятчии, така че чувството за вкус и желанието да твори са в кръвта му. На 16-17 години се премества във Флоренция, където работи в работилници. За негови учители се смятат Донатело и Брунелески, великите скулптори и архитекти. Общуването с тях и придобитите умения не можеха да не повлияят на младия художник. От първия Мазачио заимства едно ново разбиране за човешката личност, характерно за скулптурата. При втория майстор - основа Изследователите смятат Триптиха от Сан Джовенале (на първата снимка) за първото надеждно произведение, което е открито в малка църква близо до града, в който е роден Мазачо. Основното произведение са стенописите, посветени на историята на живота на Свети Петър. Художникът участва в създаването на шест от тях, а именно: „Чудото със статера“, „Изгонването от рая“, „Кръщението на неофитите“, „Разпределението на имуществото и смъртта на Анания“, „Възкресението“. на Теофиловия син”, „Свети Петър лекува болни със сянката си” и „Свети Петър на амвона”.
Италианските художници от Ренесанса са хора, които се посвещават изцяло на изкуството, без да обръщат внимание на обикновените ежедневни проблеми, които понякога ги водят до бедно съществуване. Masaccio не е изключение: брилянтният майстор умира много рано, на 27-28 години, оставяйки след себе си страхотни произведения и голям брой дългове.
Андреа Мантеня (1431-1506)
Това е представител на Падуанската школа на художниците. Той получи основите на уменията от осиновителя си. Стилът се формира под влиянието на произведенията на Мазачио, Андреа дел Кастаньо, Донатело и венецианската живопис. Това определя донякъде суровия и суров маниер на Андреа Мантеня в сравнение с флорентинците. Той беше колекционер и познавач на културни произведения от античния период. Благодарение на стила си, различен от всеки друг, той се прослави като новатор. Най-известните му произведения са: "Мъртвият Христос", "Триумфът на Цезар", "Юдит", "Битката на морските богове", "Парнас" (на снимката) и др. От 1460 г. до смъртта си той работи като придворен художник в семейството на херцозите на Гонзага.
Сандро Ботичели (1445-1510)
Ботичели е псевдоним, истинското име е Филипепи. Той не избира веднага пътя на художник, а първоначално учи изработка на бижута. В първите самостоятелни произведения (няколко Мадони) се усеща влиянието на Мазачо и Липи. В бъдеще той се прославя и като портретист, по-голямата част от поръчките идват от Флоренция. Изтънченият и изтънчен характер на работата му с елементи на стилизация (обобщаване на образи с помощта на конвенционални техники - простота на форма, цвят, обем) го отличава от другите майстори от онова време. Съвременник на Леонардо да Винчи и младия Микеланджело остави ярка следа в световното изкуство („Раждането на Венера“ (снимка), „Пролет“, „Поклонението на маговете“, „Венера и Марс“, „Коледа“ и др. .). Живописта му е искрена и чувствителна, а жизненият му път е сложен и трагичен. Романтичното възприемане на света в ранна възраст е заменено от мистицизъм и религиозна екзалтация в зрелостта. Последните години от живота си Сандро Ботичели живее в бедност и забрава.
Пиеро (Пиетро) дела Франческа (1420-1492)
Италиански художник и друг представител на ранния Ренесанс, произхождащ от Тоскана. Стилът на автора се формира под влиянието на флорентинската живописна школа. В допълнение към таланта на художника, Пиеро дела Франческа имаше изключителни способности в областта на математиката и посвети последните години от живота си на нея, опитвайки се да я свърже с високото изкуство. Резултатът е два научни трактата: „За перспективата в живописта“ и „Книгата на петте правилни тела“. Стилът му се отличава с тържественост, хармония и благородство на образите, композиционна уравновесеност, прецизност на линиите и конструкцията, мека цветова гама. Пиеро дела Франческа притежава удивителни познания за техническата страна на живописта и особеностите на перспективата за онова време, което му печели висок авторитет сред съвременниците му. Най-известните произведения: "Историята на Савската царица", "Бичуването на Христос" (на снимката), "Олтарът на Монтефелтро" и др.
Висока ренесансова живопис
Ако Проторенесанса и ранната епоха са продължили съответно почти век и половина и век, то този период обхваща само няколко десетилетия (в Италия от 1500 до 1527 г.). Това беше ярка, ослепителна светкавица, която даде на света цяла плеяда от велики, многостранни и брилянтни хора. Всички клонове на изкуството вървят ръка за ръка, така че много майстори са и учени, скулптори, изобретатели, а не само художници от Ренесанса. Списъкът е дълъг, но върхът на Ренесанса е белязан от творчеството на Л. да Винчи, М. Буанароти и Р. Санти.
Необикновеният гений на Да Винчи
Може би това е най-необикновената и изключителна личност в историята на световната художествена култура. Той беше универсална личност в пълния смисъл на думата и притежаваше най-многостранни знания и таланти. Художник, скулптор, теоретик на изкуството, математик, архитект, анатом, астроном, физик и инженер – всичко това е за него. Освен това във всяка от областите Леонардо да Винчи (1452-1519) се проявява като новатор. Досега са оцелели само 15 негови картини, както и много скици. Притежаващ огромна жизненост и жажда за знания, той беше нетърпелив, той беше очарован от самия процес на познанието. На много млада възраст (20 години) той се квалифицира като майстор на Гилдията на Свети Лука. Най-важните му творби са фреската "Тайната вечеря", картините "Мона Лиза", "Мадона Беноа" (на снимката горе), "Дамата с хермелин" и др.
Портрети от ренесансови художници са рядкост. Предпочитаха да оставят образите си в картини с много лица. И така, около автопортрета на да Винчи (на снимката) споровете не стихват и до днес. Изказват се версии, че го е направил на 60 години. Според биографа, художник и писател Вазари, великият майстор умира в ръцете на своя близък приятел крал Франсис I в неговия замък Кло Луче.
Рафаел Санти (1483-1520)
Художник и архитект, родом от Урбино. Името му в изкуството неизменно се свързва с идеята за възвишена красота и природна хармония. За сравнително кратък живот (37 години) той създава много световноизвестни картини, фрески и портрети. Сюжетите, които той изобразява, са много разнообразни, но той винаги е бил привлечен от образа на Божията майка. Напълно основателно Рафаело е наричан "майстор на мадоните", особено известни са тези, които той рисува в Рим. Във Ватикана той работи от 1508 г. до края на живота си като официален художник в папския двор.
Всестранно надарен, подобно на много други велики художници на Ренесанса, Рафаело също е бил архитект и също така се е занимавал с археологически разкопки. Според една версия последното хоби е в пряка връзка с преждевременната смърт. Предполага се, че се е заразил с римска треска по време на разкопките. Великият майстор е погребан в Пантеона. Снимката е негов автопортрет.
Микеланджело Буоанароти (1475-1564)
Дългият 70-годишен живот на този човек беше светъл, той остави на потомците си нетленни творения не само на живописта, но и на скулптурата. Подобно на други велики творци на Ренесанса, Микеланджело живее във време, изпълнено с исторически събития и катаклизми. Неговото изкуство е красива финална нотка на целия Ренесанс.
Майсторът поставя скулптурата над всички други изкуства, но по волята на съдбата се превръща в изключителен художник и архитект. Най-амбициозната му и необичайна творба е картината (на снимката) в двореца във Ватикана. Площта на фреската надхвърля 600 квадратни метра и съдържа 300 човешки фигури. Най-впечатляваща и позната е сцената на Страшния съд.
Италианските ренесансови художници са многостранни таланти. Така че малко хора знаят, че Микеланджело е бил и велик поет. Тази страна на неговия гений се проявява напълно в края на живота му. До днес са оцелели около 300 стихотворения.
Късноренесансова живопис
Последният период обхваща периода от 1530 г. до 1590-1620 г. Според Енциклопедия Британика Ренесансът като исторически период завършва с падането на Рим през 1527 г. Приблизително по същото време Контрареформацията триумфира в Южна Европа. Католическото течение гледаше с опасение на всяко свободомислие, включително възпяването на красотата на човешкото тяло и възкресяването на изкуството от античния период - тоест всичко, което беше стълбът на Ренесанса. Това доведе до една специална тенденция - маниеризъм, характеризираща се със загуба на хармония между духовното и физическото, човека и природата. Но дори и през този труден период някои известни ренесансови художници създават своите шедьоври. Сред тях са Антонио да Кореджо (считан за основател на класицизма и паладианството) и Тициан.
Тициан Вечелио (1488-1490 - 1676)
Той с право се смята за титан на Ренесанса, заедно с Микеланджело, Рафаело и да Винчи. Още преди да навърши 30 години, Тициан е известен като „краля на художниците и художника на кралете“. По принцип художникът рисува картини на митологични и библейски теми, освен това той става известен като великолепен портретист. Съвременниците вярвали, че да бъдеш отпечатан с четката на велик майстор означава да получиш безсмъртие. И наистина е така. Поръчките до Тициан идват от най-уважаваните и благородни личности: папи, крале, кардинали и херцози. Ето само някои от най-известните негови произведения: „Венера от Урбино“, „Отвличането на Европа“ (на снимката), „Носене на кръста“, „Коронация с тръни“, „Пезаро Мадона“, „Жена с огледало" и др.
Нищо не се повтаря два пъти. Епохата на Ренесанса даде на човечеството блестящи, необикновени личности. Имената им са вписани със златни букви в световната история на изкуството. Архитекти и скулптори, писатели и художници от Ренесанса - техният списък е много дълъг. Докоснахме се само до титаните, сътворили историята, донесли идеите на просвещението и хуманизма на света.
Началото на френския Ренесанс датира от средата на 15 век. То е предшествано от процеса на формиране на френската нация и формирането на национална държава. На кралския трон, представителят на новата династия - Валоа. При Луи XI политическото обединение на страната е завършено. Походите на френските крале в Италия запознават художниците с постиженията на италианското изкуство. Готическите традиции и тенденциите в холандското изкуство са изместени от италианския Ренесанс. Френският Ренесанс има характер на придворна култура, чиито основи са положени от крале-покровители, като се започне от Карл V.
Жан Фуке (1420-1481), придворният художник на Шарл VII и Луи XI, се счита за най-великия творец на Ранния Ренесанс. Наричан е още великият майстор на френския Ренесанс.
Той е първият във Франция, който последователно въплъщава естетическите принципи на италианското Quattrocento, което предполага преди всичко ясна, рационална визия за реалния свят на Zh и разбиране на природата на нещата чрез познаването на вътрешните му закони.
През 1475 г. той става "художник на краля". В това си качество той създава много церемониални портрети, включително Карл VII. По-голямата част от творческото наследство на Фуке е съставено от миниатюри от книги за часовници, в изпълнението на които понякога е участвала неговата работилница. Фуке рисува пейзажи, портрети, картини на исторически теми. Фуке е единственият художник на своето време, който има епична визия за историята, чието величие е съизмеримо с Библията и античността. Неговите миниатюри и книжни илюстрации са направени по реалистичен начин, по-специално за изданието на Декамерон от Дж. Бокачо.
В началото на 16 век Франция се превръща в най-голямата абсолютистка държава в Западна Европа. Кралският двор става център на културния живот, а първите ценители и ценители на красотата са придворните и царската свита. При Франциск I, почитател на великия Леонардо да Винчи, италианското изкуство става официална мода. Италианските маниеристи Росо и Приматичио, поканени от Маргарита Наварска, сестра на Франциск I, основават училището Фонтенбло през 1530 г. С този термин обикновено се нарича посоката във френската живопис, възникнала през 16 век в замъка Фонтенбло. В допълнение, той се използва във връзка с произведения на митологични теми, понякога сладострастни, и за сложни алегории, създадени от неизвестни художници и също датиращи от маниеризма. Школата Фонтенбло става известна със създаването на величествени декоративни картини на ансамблите на замъците. Изкуството на школата Фонтенбло, заедно с парижкото изкуство от началото на 17 век, играе преходна роля в историята на френската живопис: в него могат да се намерят първите симптоми както на класицизма, така и на барока.
През 16 век се полагат основите на френския литературен език и висок стил. Френският поет Жоашен дю Беле (ок. 1522-1560) през 1549 г. публикува програмен манифест „Защита и прослава на френския език“. Той и поетът Пиер дьо Ронсар (1524-1585) са най-видните представители на френската поетична школа на Ренесанса - "Плеяда", която вижда своята цел в издигането на френския език до същото ниво с класическите езици \ u200b\u200b - гръцки и латински. Поетите от Плеядите се фокусираха върху древната литература. Те изоставят традициите на средновековната литература и се стремят да обогатят френския език. Формирането на френския литературен език е тясно свързано с централизацията на страната и желанието да се използва единен национален език за това.
Подобни тенденции в развитието на националните езици и литератури се проявяват и в други европейски страни.
Сред видните представители на френския Ренесанс е и френският писател хуманист Франсоа Рабле (1494-1553). Неговият сатиричен роман "Гаргантюа и Пантагрюел" е енциклопедичен паметник на френската ренесансова култура. Произведението се основава на народни книги за великани, разпространени през 16 век (гигантите Гаргантюа, Пантагрюел, търсачът на истината Панург). Отхвърляйки средновековния аскетизъм, ограничаването на духовната свобода, лицемерието и предразсъдъците, Рабле разкрива хуманистичните идеали на своето време в гротескните образи на своите герои.
Великият философ хуманист Мишел дьо Монтен (1533-1592) слага край на културното развитие на Франция през 16 век. Произхождащ от богато търговско семейство, Монтен получава отлично хуманистично образование и по настояване на баща си започва да се занимава с право. Славата на Монтен е донесена от „Експериментите“ (1580-1588), написани в уединението на семейния замък Монтен близо до Бордо, което дава името на цяла тенденция в европейската литература - есета (фр. essai - опит). Книгата с есета, белязана от свободомислие и своеобразен скептичен хуманизъм, представлява набор от съждения за ежедневните нрави и принципи на човешкото поведение в различни обстоятелства. Споделяйки идеята за удоволствието като цел на човешкото съществуване, Монтен го тълкува в епикурейски дух – приемайки всичко, което е дадено на човека от природата.
