Изпратете вашата добра работа в базата от знания е лесно. Използвайте формуляра по-долу
Студенти, специализанти, млади учени, които използват базата от знания в своето обучение и работа, ще Ви бъдат много благодарни.
Хоствано на http://www.allbest.ru
" Музикалното изкуство въъъне ме биваПосветяване"
Ученици от група 1ESTO
Сироваченко Олга
епохаПосветяване
Епохата на Просвещението е една от ключовите епохи в историята на европейската култура, свързана с развитието на научната, философската и социалната мисъл. Това интелектуално движение се основаваше на рационализма и свободомислието. Започвайки в Англия, това движение се разпространява във Франция, Германия, Русия и други европейски страни. Особено влиятелни са френските просветители, които стават „владетели на мислите“.
Музикалното изкуство може да се постави наравно с театъра и литературното изкуство. Опери и други музикални произведения са написани по темите на произведенията на велики писатели и драматурзи.
През втората половина на 18 век се развива изкуството на виенската класическа музикална школа, която играе решаваща роля в цялата следваща европейска музикална култура.
Развитието на музикалното изкуство се свързва преди всичко с имената на такива велики композитори като I.S. Бах, Г.Ф. Хендел, Й. Хайдн, В.А. Моцарт, Л. В. Бетовен.
Франц Йозеф Хайдн
Франц Йозеф Хайдн (31 март 1732 - 31 май 1809) е австрийски композитор, представител на виенската класическа школа, един от основателите на такива музикални жанрове като симфоничния и струнен квартет. Създателят на мелодията, която по-късно е в основата на химните на Германия и Австро-Унгария.
младостта.Йозеф Хайдн (композиторът никога не се е кръстил Франц) е роден на 31 март 1732 г. в имението на графовете Харах, долноавстрийското село Рорау, недалеч от границата с Унгария, в семейството на Матиас Хайдн (1699 г. -1763 г.). Родителите, които сериозно обичали вокалите и любителското музициране, открили музикалните способности на момчето и през 1737 г. го изпратили при роднини в град Хайнбург на Дунав, където Йозеф започнал да учи хорово пеене и музика. През 1740 г. Йосиф е забелязан от Георг фон Ройтер, директор на параклиса на виенската катедрала Св. Стивън. Ройтер заведе талантливото момче в параклиса и той пее в хора в продължение на девет години (включително няколко години с по-малките си братя).
Пеенето в хора беше добро за Хайдн, но единственото училище. С развитието на способностите му, му бяха възложени трудни солови части. Заедно с хора Хайдн често се изявява на градски тържества, сватби, погребения, участва в съдебни тържества.
През 1749 г. гласът на Йозеф започва да се чупи и той е изгонен от хора. Следващите десет години бяха много трудни за него. Йозеф поема различни работни места, включително като слуга на италианския композитор Никола Порпора, от когото взема и уроци по композиция. Хайдн се опитва да запълни празнините в своето музикално образование, изучавайки усърдно произведенията на Еманюел Бах и теорията на композицията. Написаните от него по това време сонати за клавесин са публикувани и привличат внимание. Първите му големи композиции са две кратки меси, F-dur и G-dur, написани от Хайдн през 1749 г., дори преди да напусне параклиса Св. Стефан; операта Куц демон (не е запазена); около дузина квартета (1755), първата симфония (1759).
През 1759 г. композиторът получава поста капелмайстор в двора на граф Карл фон Морцин, където Хайдн разполага с малък оркестър под негово командване, за който композиторът композира първите си симфонии. Въпреки това фон Морзин скоро започва да изпитва финансови затруднения и спира дейността на своя музикален проект.
През 1760 г. Хайдн се жени за Мари-Ан Келер. Те нямаха деца, за което композиторът много съжаляваше.
Обслужване в Esterhazy.През 1761 г. в живота на Хайдн се случва съдбовно събитие - той става вторият капелмайстър в двора на принцовете Естерхази, една от най-влиятелните и могъщи аристократични фамилии в Австрия. Задълженията на капелмайстора включват композиране на музика, дирижиране на оркестъра, изпълнение на камерна музика пред патрона и постановка на опери.
По време на почти тридесетгодишната си кариера в двора на Естерхази, композиторът композира голям брой произведения, славата му расте. През 1781 г., по време на престой във Виена, Хайдн се среща и се сприятелява с Моцарт. Дава уроци по музика на Сигизмунд фон Нойком, който по-късно става негов близък приятел.
На 11 февруари 1785 г. Хайдн е посветен в масонската ложа "Към истинската хармония" ("Zur wahren Eintracht"). Моцарт не успя да присъства на посвещението, тъй като беше на концерт на баща си Леополд.
През XVIII век в редица страни (Италия, Германия, Австрия, Франция и др.) протичат процеси на формиране на нови жанрове и форми на инструменталната музика, които окончателно се оформят и достигат своя връх в т.нар. училище" - в произведенията на Хайдн, Моцарт и Бетовен. Вместо полифонична текстура, хомофонно-хармоничната текстура придоби голямо значение, но в същото време големите инструментални произведения често включват полифонични епизоди, които динамизират музикалната тъкан.
Отново свободен музикант. През 1790 г. руският княз Николай Естерхази (англ.) умира, а неговият син и наследник, княз Антон (англ.) Русе, който не е любител на музиката, разпуска оркестъра. През 1791 г. Хайдн получава договор за работа в Англия. Впоследствие работи много в Австрия и Великобритания. Две пътувания до Лондон, където той написва най-добрите си симфонии за концертите на Соломон, засилват още повече славата на Хайдн.
Преминавайки през Бон през 1792 г., той среща младия Бетовен и го взема като чирак.
След това Хайдн се установява във Виена, където написва двете си известни оратории: Сътворението на света (1799) и Сезоните (1801).
Хайдн пробва ръката си във всички видове музикална композиция, но не всички жанрове на творчеството му се проявяват със същата сила.
В областта на инструменталната музика той справедливо се смята за един от най-големите композитори от втората половина на 18-ти и началото на 19-ти век.
Величието на Хайдн като композитор се проявява максимално в двете му финални произведения: големите оратории - Сътворението на света (1798) и Годишните времена (1801). Ораторията „Сезони“ може да послужи като образцов стандарт на музикалния класицизъм. Към края на живота си Хайдн се радва на огромна популярност.
Работата върху ораториите подкопава силата на композитора. Последните му произведения са Harmoniemesse (1802) и незавършен струнен квартет op. 103 (1802). Последните скици датират от 1806 г., след която дата Хайдн не е написал нищо. Композиторът умира във Виена на 31 май 1809 г.
Творческото наследство на композитора включва 104 симфонии, 83 квартета, 52 сонати за пиано, оратории („Сътворението на света“ и „Сезони“), 14 меси, 24 опери.
Списък с композиции:
камерна музика:
§ 12 сонати за цигулка и пиано (включително соната в ми минор, соната в ре мажор)
§ 83 струнен квартет за две цигулки, виола и виолончело
§ 7 дуети за цигулка и виола
§ 40 трио за пиано, цигулка (или флейта) и виолончело
§ 21 трио за 2 цигулки и виолончело
§ 126 трио за баритон, виола (цигулка) и виолончело
§ 11 трио за смесени духови и струнни инструменти
35 концерта за един или повече инструменти с оркестър, включително:
§ четири концерта за цигулка и оркестър
§ два концерта за виолончело и оркестър
§ два концерта за хорна и оркестър
§ 11 Концерти за пиано
§ 6 концерти за орган
§ 5 концерти за двуколесни лири
§ 4 концерта за баритон и оркестър
§ концерт за контрабас и оркестър
§ концерт за флейта и оркестър
§ концерт за тромпет и оркестър
§ 13 дивертисменти с клавир
Има общо 24 опери, включително:
§ Куцият демон (Der krumme Teufel), 1751 г
§ "Истинска постоянство"
§ "Орфей и Евридика, или душата на философа", 1791 г.
§ "Асмодей, или новият куц бес"
§ "Фармацевт"
§ "Ацис и Галатея", 1762г
§ „Пустинен остров“ (L „lsola disabitata)“
§ "Армида", 1783г
§ Жените рибари (Le Pescatrici), 1769 г
§ „Измамена изневяра“ (L „Infedelta delusa)
§ „Непредвидена среща“ (L „Incontro improviso), 1775 г
§ Лунен свят (II Mondo della luna), 1777 г
§ „Истинско постоянство“ (La Vera costanza), 1776 г
§ Награди за лоялност (La Fedelta premiata)
§ „Роланд Паладин“ (Орландо Раладино), героично-комична опера по сюжета на поемата на Ариосто „Яростният Роланд“
14 оратории, включително:
§ "Създаване на света"
§ "Сезони"
§ „Седемте думи на Спасителя на кръста“
§ "Завръщането на Тобия"
§ Алегорична кантата-оратория "Аплодисменти"
§ Ораториален химн Stabat Mater
14 меси, включително:
§ малка маса (Missa brevis, F-dur, около 1750 г.)
§ Голяма органна меса Es-dur (1766)
§ Литургия в чест на Св. Никола (Missa in honorem Sancti Nicolai, G-dur, 1772)
§ Литургия на Св. Цецилиани (Missa Sanctae Caeciliae, c-moll, между 1769 и 1773 г.)
§ малка маса на органа (B-dur, 1778 г.)
§ Меса Мариазел (Mariazellermesse, C-dur, 1782)
§ Меса с тимпани или литургия по време на войната (Paukenmesse, C-dur, 1796)
§ Mass Heiligmesse (B-dur, 1796)
§ Нелсън-Месе (Nelson-Messe, d-moll, 1798)
§ Меса Тереза (Theresienmesse, B-dur, 1799)
§ меса с тема от ораторията „Сътворението“ (Schopfungsmesse, B-dur, 1801)
§ Меса за месинг (Harmoniemesse, B-dur, 1802)
Общо 104 симфонии, включително:
§ "Прощална симфония"
§ "Оксфорд симфония"
§ "Погребална симфония"
§ 6 Парижки симфонии (1785-1786)
§ 12 Лондонски симфонии (1791-1792, 1794-1795), включително Симфония № 103 "Тимпани тремоло"
§ 66 дивертисменти и касации
Произведения за пиано:
§ Фантазии, вариации
§ 52 сонати за пиано
Лудвигвen Бетовен
Лудвиг ван Бетовен е немски композитор, диригент и пианист, един от трите „виенски класики“.
Бетовен е ключова фигура в западната класическа музика между класицизма и романтизма и един от най-уважаваните и изпълнявани композитори в света. Той пише във всички жанрове, съществували по негово време, включително опера, музика за драматични представления и хорови композиции. Инструменталните произведения се считат за най-значими в наследството му: сонати за пиано, цигулка и виолончело, концерти за пиано и цигулка, квартети, увертюри, симфонии. Творчеството на Бетовен оказва значително влияние върху симфоничната музика през 19-ти и 20-ти век.
Лудвиг ван Бетовен е роден през декември 1770 г. в Бон. Точната дата на раждане не е установена, предполага се, че е 16 декември, известна е само датата на кръщението - 17 декември 1770 г. в Бон в католическата църква Св. Ремигий. Баща му Йохан Йохан ван Бетовен, 1740-1792) е певец, тенор, в придворния параклис, майка Мария Магдалена, преди брака си Кеверих ( Мария Магдалена Кеверич, 1748-1787), е дъщеря на придворен готвач в Кобленц, те се женят през 1767 г. Дядо Лудвиг (1712-1773) служи в същия параклис като Йохан, първо като певец, бас, след това капелмайстор. Той беше от Мехелен в Южна Холандия, откъдето идва и представката „ван“ пред фамилията му. Бащата на композитора иска да направи втори Моцарт от сина си и започва да го учи да свири на клавесин и цигулка. През 1778 г. в Кьолн се състоя първото представление на момчето. Бетовен обаче не се превърна в дете-чудо, бащата повери момчето на своите колеги и приятели. Единият научи Лудвиг да свири на орган, другият на цигулка.
През 1780 г. органистът и композитор Кристиан Готлоб Нефе пристига в Бон. Той става истински учител на Бетовен. Нефе веднага разбра, че момчето има талант. Той запознава Лудвиг с Добре темперирания клавир на Бах и произведенията на Хендел, както и с музиката на по-стари съвременници: Ф. Е. Бах, Хайдн и Моцарт. Благодарение на Нефе е публикувана и първата композиция на Бетовен, вариация на марша на Дресслер. По това време Бетовен е на дванадесет години и вече работи като помощник съдебен органист.
След смъртта на дядо му финансовото положение на семейството се влошава. Лудвиг трябваше да напусне училище рано, но той научи латински, учи италиански и френски и чете много. Вече станал възрастен, композиторът призна в едно от писмата си:
Сред любимите писатели на Бетовен са древногръцките автори Омир и Плутарх, английският драматург Шекспир, немските поети Гьоте и Шилер.
По това време Бетовен започва да композира музика, но не бърза да публикува творбите си. Голяма част от написаното от него в Бон по-късно е преработено от него. От младежките творби на композитора са известни три детски сонати и няколко песни, включително „Мармот“.
Бетовен научава за болестта на майка си и се връща в Бон. Тя умира на 17 юли 1787 г. Седемнадесетгодишното момче беше принудено да стане глава на семейството и да се грижи за по-малките си братя. Постъпва в оркестъра като виолист. Тук се поставят италиански, френски и немски опери. Особено силно впечатление на младия мъж направиха оперите на Глук и Моцарт.
През 1789 г. Бетовен, желаейки да продължи образованието си, започва да посещава лекции в университета. Точно по това време в Бон идват новините за революцията във Франция. Един от университетските преподаватели издава стихосбирка, прославяща революцията. Бетовен се абонира за него. След това съставя „Песента на свободния човек“, която съдържа думите: „Свободен е този, за когото предимствата на раждането и титлата не означават нищо“.
По време на живота си в Бон той влиза в масонството. Няма точна дата на неговото започване. Известно е само, че е станал масон още като млад. Доказателство за масонството на Бетовен е писмо, написано от композитора до масона Франц Вегелер, в което той изразява съгласието си да посвети една от своите кантати на масонството, известна като "Das Werk beginnt!" Известно е също, че с течение на времето Бетовен губи интерес към масонството и не участва активно в неговата дейност.
Хайдн спря по пътя си от Англия за Бон. Той говори с одобрение за композиторските експерименти на Бетовен. Младият мъж решава да замине за Виена, за да вземе уроци от известния композитор, тъй като Хайдн става още по-известен след завръщането си от Англия. През есента на 1792 г. Бетовен напуска Бон.
Първите десет години във Виена. Пристигайки във Виена, Бетовен започва уроци с Хайдн, като впоследствие твърди, че Хайдн не го е научил на нищо; класовете бързо разочароваха и ученика, и учителя. Бетовен вярваше, че Хайдн не е достатъчно внимателен към усилията му; Хайдн се уплаши не само от смелите възгледи на Лудвиг по това време, но и от доста мрачни мелодии, което не беше често срещано в онези години.
Скоро Хайдн заминава за Англия и дава своя ученик на известния учител и теоретик Албрехтсбергер. В крайна сметка самият Бетовен избра своя ментор - Антонио Салиери.
Още в първите години от живота си във Виена Бетовен печели слава като виртуозен пианист. Играта му удиви публиката.
Бетовен смело се противопостави на крайните регистри (а по това време те свирят предимно в средата), широко използва педала (тогава също беше рядко използван) и използва масивни акордови хармонии. Всъщност той създаде стил на пианодалеч от изящния дантелен маниер на клавесинистите.
Този стил може да се намери в неговите сонати за пиано No 8 „Pathetique” (заглавието дадено от самия композитор), No 13 и No 14. И двете имат авторски подзаглавия Соната quasi una Fantasia(„в духа на фантазията“). Соната № 14, поетът Релщаб по-късно нарича "Лунарна", и въпреки че това име е подходящо само за първата част, а не за финала, то е приписано на цялото произведение.
Бетовен също се откроява с появата си сред дамите и джентълмените от онова време. Почти винаги го намираха небрежно облечен и неподреден.
По друг повод Бетовен гостува на княз Лихновски. Лихновски много уважаваше композитора и беше фен на неговата музика. Той искаше Бетовен да играе пред публиката. Композиторът отказа. Лихновски започна да настоява и дори нареди да се разбие вратата на стаята, където Бетовен се беше заключил. Възмутеният композитор напуска имението и се връща във Виена. На следващата сутрин Бетовен изпрати писмо до Лихновски: „ Принц! Това, което съм, дължа на себе си. Има и ще има хиляди принцове, но Бетовен - само един!»
Композициите на Бетовен започват да се публикуват широко и се радват на успех. През първите десет години, прекарани във Виена, двадесет сонати за пиано и три клавирни концерта, осем сонати за цигулка, квартети и други камерни произведения, ораторията „Христос на Елеонската планина“, балетът „Творенията на Прометей“, Първият и са написани Втори симфонии.
През 1796 г. Бетовен започва да губи слуха си. Той развива тинит, възпаление на вътрешното ухо, водещо до звънене в ушите. По съвет на лекарите той се пенсионира за дълго време в малкия град Хайлигенщат. Тишината и спокойствието обаче не подобряват благосъстоянието му. Бетовен започва да осъзнава, че глухотата е нелечима. В тези трагични дни той пише писмо, което по-късно ще бъде наречено Heiligenstadt Testament. Композиторът разказва за преживяванията си, признава, че е бил близо до самоубийство:
В Хайлигенщат композиторът започва работа по нова Трета симфония, която ще нарече Героична.
В резултат на глухотата на Бетовен са запазени уникални исторически документи: "тетрадки за разговори", където приятелите на Бетовен записват своите редове вместо него, на които той отговаря или устно, или в отговор.
Въпреки това музикантът Шиндлер, който имаше две тетрадки със записи на разговорите на Бетовен, по всяка вероятност ги изгори, тъй като „те съдържаха най-грубите, яростни атаки срещу императора, както и престолонаследника и други високопоставени служители. Това, за съжаление, беше любимата тема на Бетовен; в разговора Бетовен непрекъснато се възмущаваше от властващите, техните закони и разпоредби.
По-късни години (1802г-1815). Когато Бетовен е на 34 години, Наполеон изоставя идеалите на Френската революция и се обявява за император. Затова Бетовен изоставя намеренията си да му посвети Третата симфония: „Този Наполеон също е обикновен човек. Сега той ще потъпче всички човешки права и ще стане тиранин.”
В клавирното произведение собственият стил на композитора се забелязва още в ранните сонати, но в симфонията зрелостта му идва по-късно. Според Чайковски само в третата симфония " за първи път беше разкрита цялата огромна, удивителна сила на творческия гений на Бетовен».
Поради глухота Бетовен рядко излиза от къщата, губи звуковото възприятие. Той става мрачен, оттеглен. Именно през тези години композиторът, една след друга, създава най-известните си произведения. През същите тези години Бетовен работи върху единствената си опера „Фиделио“. Тази опера принадлежи към жанра на операта на ужасите и спасителната опера. Успехът за Фиделио идва едва през 1814 г., когато операта е поставена първо във Виена, след това в Прага, където я дирижира известният немски композитор Вебер, и накрая в Берлин.
Малко преди смъртта си композиторът предава ръкописа на „Фиделио” на своя приятел и секретар Шиндлер с думите: „ Това дете на моя дух беше донесено на света в по-тежки мъки от другите и ми причини най-голяма скръб. Затова за мен е най-ценното...»
Последните години.След 1812 г. творческата дейност на композитора пада за известно време. След три години обаче той започва да работи със същата енергия. По това време са създадени сонати за пиано от 28-а до последна, 32-ра, две сонати за виолончело, квартети и вокалния цикъл „На далечна любима“. Много време се отделя на обработката на народни песни. Наред с шотландците, ирландците, уелците има и руснаци. Но основните творения на последните години са две от най-монументалните творби на Бетовен – „Тържествената литургия“ и Симфония № 9 с хор.
Деветата симфония е изпълнена през 1824 г. Публиката аплодира композитора. Известно е, че Бетовен застана с гръб към публиката и не чу нищо, след което един от певците го хвана за ръката и се обърна с лице към публиката. Хората размахваха носни кърпички, шапки, ръце, приветстваха композитора. Овациите продължиха толкова дълго, че присъстващите полицейски служители веднага поискаха тя да бъде спряна. Такива поздрави бяха разрешени само по отношение на личността на императора.
В Австрия след поражението на Наполеон е установен полицейски режим. Изплашено от революцията, правителството потиска всякакви „свободни мисли“. Множество тайни агенти проникнаха във всички сектори на обществото. В разговорните тетрадки на Бетовен от време на време има предупреждения: Тихо! Внимавай, тук има шпионин!И вероятно след някакво особено смело изказване на композитора: Ще се озовете на ешафода!»
Популярността на Бетовен обаче е толкова голяма, че правителството не смее да го докосне. Въпреки глухотата, композиторът продължава да е наясно не само с политическите, но и с музикалните новини. Той чете (тоест слуша с вътрешното си ухо) партитурите на оперите на Росини, преглежда сборника с песни на Шуберт, запознава се с оперите на немския композитор Вебер „Вълшебният стрелец” и „Евриант”. Пристигайки във Виена, Вебер посещава Бетовен. Двамата обядваха заедно и Бетовен, който обикновено не беше склонен към церемонии, ухажваше госта си.
След смъртта на по-малкия си брат, композиторът поема грижите за сина му. Бетовен настанява племенника си в най-добрите интернати и инструктира своя ученик Карл Черни да учи музика при него. Композиторът искаше момчето да стане учен или художник, но не беше привлечен от изкуството, а от карти и билярд. Заплетен в дългове, той направи опит за самоубийство. Този опит не причини много вреда: куршумът само леко надраска кожата на главата. Бетовен беше много притеснен за това. Здравето му рязко се влошило. Композиторът получава тежко чернодробно заболяване.
Бетовен умира на 26 март 1827 г. Над двадесет хиляди души последваха ковчега му. По време на погребението е изпълнена любимата на Бетовен заупокойна меса в до минор от Луиджи Керубини.
Произведения на изкуството:
§ 9 симфонии: № 1 (1799-1800), № 2 (1803), № 3 „Юнашка” (1803-1804), № 4 (1806), № 5 (1804-1808), бр. 6 „Пасторал” (1808 ), No 7 (1812), No 8 (1812), No 9 (1824).
§ 11 симфонични увертюри, включително Кориолан, Егмонт, Леонора № 3.
§ 5 концерти за пиано и оркестър.
§ 6 младежки сонати за пиано.
§ 32 сонати за пиано, 32 вариации и около 60 пиано.
§ 10 сонати за цигулка и пиано.
§ концерт за цигулка и оркестър, концерт за пиано, цигулка и виолончело с оркестър („троен концерт”).
§ 5 сонати за виолончело и пиано.
§ 16 струнни квартети.
§ Балет „Творенията на Прометей”.
§ Opera Fidelio.
§ Тържествена литургия.
§ Вокален цикъл „Към далечната любима”.
§ Песни към стихотворения на различни поети, обработки на народни песни.
Волфганг Амадеус Моцарт
музикално изкуство просветление Моцарт Бетовен
Волфганг Амадеус Моцарт (27 януари 1756, Залцбург - 5 декември 1791, Виена) - австрийски композитор, капелмайстор, виртуозен цигулар, клавесин, органист. Според съвременници той имал феноменален слух за музика, памет и способност да импровизира. Моцарт е широко признат като един от най-великите композитори: неговата уникалност се крие във факта, че е работил във всички музикални форми на своето време и е постигнал най-висок успех от всички. Наред с Хайдн и Бетовен той принадлежи към най-значимите представители на Виенската класическа школа.
Моцарт е роден на 27 януари 1756 г. в Залцбург, който тогава е бил столица на Залцбургската архиепископия, сега този град се намира на територията на Австрия. На втория ден след раждането си той е кръстен в катедралата Свети Руперт. Запис в книгата на кръщенията дава името му на латински като Йоханес Хризостом Волфганг Теофил (Готлиб) Моцарт. В тези имена първите две думи са името на св. Йоан Златоуст, което не се използва в бита, а четвъртата приживе на Моцарт варира: лат. Амадеус, Немски Готлиб, Италиански Амадеокоето означава „възлюбен от Бога“. Самият Моцарт предпочиташе да се казва Волфганг.
Музикалните способности на Моцарт се проявяват в много ранна възраст, когато е на около три години. Баща му Леополд е един от водещите европейски музикални педагози. Книгата му „Опитът на една солидна школа по цигулка“ излиза през 1756 г. – годината на раждане на Моцарт, претърпява много издания и е преведена на много езици, включително и на руски. Бащата преподава на Волфганг основите на свиренето на клавесин, цигулка и орган.
В Лондон младият Моцарт беше обект на научни изследвания, а в Холандия, където музиката беше строго забранена по време на пости, беше направено изключение за Моцарт, тъй като духовенството видя пръста на Бог в неговия необикновен талант.
През 1762 г. бащата на Моцарт предприема артистично пътешествие със сина си и дъщеря си Анна, също чудесен изпълнител на клавесин, до Мюнхен, Париж, Лондон и Виена, а след това и до много други градове в Германия, Холандия и Швейцария. През същата година младият Моцарт написва първата си композиция. Навсякъде той предизвикваше учудване и възторг, излизайки победител от най-трудните изпитания, които му предлагаха хора както с музика, така и от любители. През 1763 г. в Париж са публикувани първите сонати на Моцарт за клавесин и цигулка. От 1766 до 1769 г., докато живее в Залцбург и Виена, Моцарт изучава произведенията на Хендел, Страдел, Карисими, Дуранте и други велики майстори. По поръчка на император Йосиф II Моцарт написва опера за италианска трупа за няколко седмици. "Въображаема простащина"(итал. Проба от La Finta), но певците не харесаха композицията на 12-годишния композитор, техният упорит отказ да изпълнят операта в крайна сметка принуди Леополд Моцарт да отстъпи и да не настоява. В бъдеще певците непрекъснато ще се оплакват, че Моцарт в оперите си ги заглушава с „твърде масивен акомпанимент“.
Моцарт прекарва 1770-1774 г. в Италия. През 1770 г. в Болоня се запознава с композитора Йозеф Мисливечек, който по това време е изключително популярен в Италия; Влиянието на „Божествения бохем“ се оказва толкова голямо, че по-късно, поради сходството на стила, някои от неговите композиции се приписват на Моцарт, включително ораторията „Авраам и Исак“.
През 1771 г. в Милано, отново с противопоставянето на театралните импресарио, операта на Моцарт все пак е поставена. « Митридат, цар на Понт» (итал. Митридат, Ре ди Понто), което беше прието с голям ентусиазъм от публиката. Със същия успех е дадена и втората му опера Лусио Сула (Lucius Sulla) (1772). За Залцбург пише Моцарт "Мечтата на Сципион"(итал. Il sogno di Scipione), по повод избора на нов архиепископ, 1772 г., за Мюнхен - опера "La bella finta Giardiniera", 2 меси, офертори (1774). Когато е на 17 години, сред творбите му вече има 4 опери, няколко духовни произведения, 13 симфонии, 24 сонати, да не говорим за масата от по-малки композиции.
През годините 1775-1780, въпреки притесненията за материална подкрепа, безплодното пътуване до Мюнхен, Манхайм и Париж, загубата на майка си, Моцарт пише, наред с други неща, 6 клавирни сонати, концерт за флейта и арфа, голяма симфония No 31 в ре мажор, с прякор парижки, няколко духовни хора, 12 балетни номера.
През 1779 г. Моцарт получава длъжност като придворен органист в Залцбург (сътрудничи с Михаел Хайдн). На 26 януари 1781 г. операта Идоменей е поставена в Мюнхен с голям успех, отбелязвайки известен обрат в творчеството на Моцарт. В тази опера, следи от стария италиански оперна серия(голям брой колоратурни арии, партия на Идаманте, написана за кастрата), но в речитативите и особено в хоровете се усеща нова тенденция. Голяма крачка напред се вижда и в инструментите. По време на престоя си в Мюнхен Моцарт написва предложение за Мюнхенския параклис "Misericordias Domini"- един от най-добрите образци на църковна музика от края на 18 век.
Виенски период. През 1781 г. Моцарт най-накрая се установява във Виена. В края на 70-80-те години император Йосиф II е очарован от идеята за развитие на германската национална опера - Singspiel, заради която италианската опера е затворена във Виена през 1776 г. През 1782 г. по заповед на императора Моцарт написва за немската трупа зингшпила „Отвличането от сераля“ (нем. Die Entführung aus dem Serail), приет с ентусиазъм във Виена и скоро стана широко разпространен в Германия. Моцарт обаче не успява да развие успех: през същата 1782 г. експериментът със Singspiel приключва и императорът връща италианската трупа във Виена.
През същата година Моцарт се жени за Констанс Вебер, сестра на Алоизия Вебер, в която е бил влюбен по време на престоя си в Манхайм. Още в първите години Моцарт придоби широка популярност във Виена; популярни били неговите "академии", както се наричали публичните авторски концерти във Виена, в които се изпълнявали произведения на един композитор, често от самия него. Именно за тези „академии“ са написани повечето му клавирни концерти. В годините 1783-1785 са създадени 6 известни струнни квартета, които Моцарт посвещава на Йозеф Хайдн, майсторът на този жанр, и които той приема с най-голямо уважение. Неговата оратория принадлежи към същото време. „Дейвид се покая» (Каещи се Давид).
Но с операта на Моцарт през следващите години във Виена тя не се развива по най-добрия начин. опери "L"oca del Cairo"(1783) и "Lo sposo deluso"(1784) остава недовършен. Накрая през 1786 г. е написана и поставена операта „Сватбата на Фигаро“, чието либрето е Лоренцо да Понте. Има добър прием във Виена, но след няколко представления е оттеглена и поставена едва през 1789 г., когато постановката е възобновена от Антонио Салиери, който смята „Сватбата на Фигаро“ за най-добрата опера на Моцарт. Но в Прага "Сватбата на Фигаро" имаше зашеметяващ успех, мелодии от нея се пееха на улицата и в таверните. Благодарение на този успех Моцарт получава нова поръчка, този път от Прага. През 1787 г. бял свят вижда нова опера, създадена в сътрудничество с Да Понте – Дон Джовани (Don Giovanni). Тази творба, която все още се смята за една от най-добрите в световния оперен репертоар, имаше дори по-голям успех в Прага от Le nozze di Figaro.
Много по-малък успех се пада на дела на тази опера във Виена, като цяло от времето на Фигаро тя охладнява към творчеството на Моцарт. От император Йосиф Моцарт получава 50 дуката за Дон Джовани и според Дж. Райс през годините 1782-1792 това е единственият случай, когато композиторът получава плащане за опера, поръчана не във Виена. Обществеността като цяло обаче остана безразлична. От 1787 г. неговите "академии" са прекратени, Моцарт не успява да организира изпълнението на последните три, сега най-известните симфонии: № 39 в ми-бемол мажор (KV 543), № 40 в соль минор (KV 550) и № 41 до мажор „Юпитер” (KV 551), написана в рамките на месец и половина през 1788 г.; само три години по-късно една от тях, Симфония № 40, е изпълнена от А. Салиери в благотворителни концерти.
В края на 1787 г., след смъртта на Кристоф Вилибалд Глук, Моцарт получава длъжността "имперски и кралски камерен музикант" със заплата от 800 флорина, но задълженията му се свеждат основно до композиране на танци за маскаради, операта - комична, на сюжет от светския живот - беше поръчана от Моцарт само веднъж и тя стана "Cosm fan tutte"(1790).
Съдържанието от 800 флорина не може да осигури напълно за Моцарт; очевидно вече по това време той започна да трупа дългове, утежнени от разходите за лечение на болната му съпруга. Моцарт вербувал студенти, но според експертите не били много от тях. През 1789 г. композиторът иска да напусне Виена, но пътуването му на север, включително до Берлин, не оправдава надеждите му и не подобрява финансовото му положение.
Историята за това как в Берлин получава покана да стане ръководител на придворния параклис на Фридрих Вилхелм II със съдържание от 3 хиляди талера, Алфред Айнщайн препраща към сферата на фантазията, както и сантименталната причина за отказа - т.к. ако от уважение към Йосиф II. Фредерик Уилям II поръчва само шест прости сонати за пиано за дъщеря си и шест струнни квартета за себе си.
По време на пътуването бяха направени малко пари. Те едва стигнаха да изплатят дълга от 100 гулдена, които бяха взети от брата на масона Хофмедел за пътни разходи. През 1789 г. Моцарт посвещава струнен квартет с концертна партия за виолончело (Ре мажор) на пруския крал.
Според Дж. Райс от момента, в който Моцарт пристига във Виена, император Йосиф му дава повече покровителство от всеки друг виенски музикант, с изключение на Салиери. През февруари 1790 г. Йосиф умира; с възкачването на трона на Леополд II, Моцарт отначало има големи надежди; музикантите обаче нямаха достъп до новия император. През май 1790 г. Моцарт пише на сина си, ерцхерцог Франц: „... Любовта ми към работата и съзнанието за моето умение ми позволяват да се обърна към вас с молба да ми предоставите позицията на капелмайстор, особено след като Салиери, макар и опитен капелмайстор, никога не се занимавал с църковна музика...". Но надеждите му не се оправдаха, Салиери остана на поста си, а финансовото положение на Моцарт се оказа толкова безнадеждно, че той трябваше да напусне Виена от преследване на кредитори, за да подобри малко делата си с артистично пътуване.
Миналата година. Последните опери на Моцарт са « Така правят всички» (1790) « Милост на Тит» (1791), съдържащ прекрасни страници, въпреки факта, че е написан за 18 дни, и накрая, « магическа флейта» (1791). Представена през септември 1791 г. в Прага, по повод коронацията на Леополд II за чешки крал, операта „Милосърдие на Тит“ е приета хладно; Вълшебната флейта, поставена през същия месец във Виена, в крайградски театър, напротив, имаше такъв успех, че Моцарт не беше познавал в австрийската столица от много години. В обширната и разнообразна дейност на Моцарт тази приказна опера заема специално място.
През май 1791 г. Моцарт е записан на неплатена длъжност като помощник-капелмайстър на катедралата Свети Стефан; тази длъжност му дава право да стане капелмайстер след смъртта на тежко болния Леополд Хофман; Хофман обаче надживява Моцарт.
Моцарт, подобно на повечето негови съвременници, обръща много внимание на духовната музика, но оставя няколко страхотни примера в тази област: освен "Misericordias Domini" - « Ave verum corpus» (KV 618, 1791), написана в стил, напълно нехарактерен за Моцарт, и величествено тъжния Реквием (KV 626), върху който Моцарт работи през последните месеци от живота си. Интересна е историята на написването на Реквиема. През юли 1791 г. мистериозен непознат в сиво посети Моцарт и му поръча Реквием (погребална литургия за мъртвите). Както установяват биографите на композитора, това е пратеникът на граф Франц фон Валсег-Щупах, музикален любител, който обича да изпълнява чужди произведения в своя дворец с помощта на своя параклис, купувайки авторство от композитори; той искаше да почете паметта на покойната си съпруга с реквием. Работата по недовършения „Реквием“, който все още шокира слушателите с тъжен лиризъм и трагична изразителност, е довършен от неговия ученик Франц Ксавер Зюсмайер, който преди това е участвал в композирането на операта „Милосърдие на Тит“.
Смъртта на Моцарт. Моцарт умира на 5 декември 1791 г., около час след полунощ (на тридесет и шестата година от живота си). Причината за смъртта на Моцарт все още е предмет на спорове. Повечето изследователи смятат, че Моцарт наистина е починал, както е посочено в медицинския доклад, от ревматична (просо) треска, вероятно усложнена от остра сърдечна или бъбречна недостатъчност. Известната легенда за отравянето на Моцарт от композитора Салиери все още се подкрепя от няколко музиколози, но няма убедителни доказателства за тази версия. През май 1997 г. съдът, заседаващ в Двореца на правосъдието в Милано, след като разгледа делото на Антонио Салиери по обвинения в убийството на Моцарт, го оправда.
Датата на погребението на Моцарт е спорна (6 или 7 декември). Около 15 часа тялото на Моцарт е донесено в катедралата Свети Стефан. Тук, в малък параклис, се състоя скромна религиозна церемония. Кой от приятелите и роднините е присъствал на това остава неизвестно. Катафалката отиде на гробищата след шест вечерта, тоест вече по тъмно. Тези, които придружаваха ковчега, не го последваха извън градските порти. Мястото за погребение на Моцарт е гробището Сан Марко.
Погребението на Моцарт се проведе в трета категория. В отделен гроб с надгробна плоча или паметник могат да бъдат погребани само много богати хора и представители на благородството. В третата категория общите гробове са предназначени за 5-6 души. Погребението на Моцарт не беше необичайно за времето. Това не беше погребение на просяк. Впечатляващото (макар и второкласно) погребение на Бетовен през 1827 г. се случва в друга епоха и освен това отразява рязко повишения социален статус на музикантите, за който самият Моцарт се бори през целия си живот.
За виенчаните смъртта на Моцарт премина почти незабележимо, но в Прага, с голяма тълпа от хора (около 4000 души), в памет на Моцарт, 9 дни след смъртта му, 120 музиканти изпълниха със специални допълнения, написани още през 1776 г. Реквием“ от Антонио Розети.
Произведения на изкуството:
опери:
§ « Дългът на първата заповед "(Die Schuldigkeit des ersten Gebotes), 1767 г. Театрална оратория
§ "Аполон и зюмбюл" (Apollo et Hyacinthus), 1767 г. - студентска музикална драма на латински текст
§ „Бастиен и Бастиен“ (Bastien und Bastienne), 1768 г. Друго студентско нещо, сингшпил. Немска версия на известната комична опера от Ж. Ж. Русо - "Селският магьосник"
§ „Престореното просто момиче“ (La finta semplice), 1768 г. - упражнение в жанра на опера буфа по либрето на Голдони
§ "Митридат, крал на Понт" (Mitridate, re di Ponto), 1770 г. - в традицията на италианската оперна серия, базирана на трагедията на Расин
§ "Асканио в Алба" (Ascanio in Alba), 1771 г. Опера-серенада (пасторална)
§ Betulia Liberata, 1771 - оратория. Базиран на историята на Юдит и Олоферн
§ „Сънят на Сципион“ (Il sogno di Scipione), 1772 г. Опера-серенада (пасторална)
§ „Лусио Сула“ (Lucio Silla), 1772 г. Оперна поредица
§ „Тамос, крал на Египет“ (Thamos, König in Dgypten), 1773, 1775. Музика за драмата на Геблер
§ "Въображаемият градинар" (La finta giardiniera), 1774-5 - отново връщане към традициите на оперния любител
§ "Кралят пастир" (Il Re Pastore), 1775 г. Опера-серенада (пасторална)
§ Zaide, 1779 (реконструиран от Х. Черновин, 2006)
§ „Идоменей, крал на Крит“ (Idomeneo), 1781г
§ Отвличането от сераля (Die Entführung aus dem Serail), 1782 г. Singspiel
§ "Кайрска гъска" (L "oca del Cairo), 1783 г
§ „Измамен съпруг“ (Lo sposo deluso)
§ Режисьорът на театъра (Der Schhauspieldirektor), 1786. Музикална комедия
§ Сватбата на Фигаро (Le nozze di Figaro), 1786 г. Първата от 3-те големи опери. В жанра на opera buff.
§ "Дон Джовани" (Don Giovanni), 1787г
§ „Всички го правят“ (Cosm fan tutte), 1789 г
§ « милост тита» (La clemenza di Tito), 1791
§ « магическа флейта» (Die Zauberflöte), 1791. Зингшпил
17 меси, включително:
§ "Коронация", KV 317 (1779)
§ "Велика меса" до-минор, KV 427 (1782)
§ "Реквием", KV 626 (1791)
§ 41 симфония, включително:
§ "Парижанин" (1778)
§ № 35, KV 385 "Хафнер" (1782)
§ № 36, KV 425 "Linzskaya" (1783)
§ № 38, KV 504 "Прага" (1786)
§ № 39, KV 543 (1788)
§ № 40, KV 550 (1788)
§ № 41, KV 551 "Юпитер" (1788)
§ 27 концерти за пиано и оркестър
§ 6 концерти за цигулка и оркестър
§ Концерт за две цигулки и оркестър (1774 г.)
§ Концерт за цигулка и виола и оркестър (1779)
§ 2 концерта за флейта и оркестър (1778 г.)
§ № 1 в соль мажор K. 313 (1778)
§ No 2 в ре мажор К. 314
§ Концерт за обой и оркестър до мажор K. 314 (1777)
§ Концерт за кларинет в ля мажор K. 622 (1791)
§ Концерт за фагот и оркестър в си бемол мажор K. 191 (1774)
§ 4 концерта за хорна и оркестър:
§ № 1 в ре мажор K. 412 (1791)
§ № 2 в ми бемол мажор K. 417 (1783)
§ № 3 в ми бемол мажор K. 447 (между 1784 и 1787)
§ № 4 в ми бемол мажор K. 495 (1786)
§ 10 серенади за струнен оркестър, включително:
§ „Малка нощна серенада“ (1787)
§ 7 дивертисменти за оркестър
§ Различни ансамбли от духови инструменти
§ Сонати за различни инструменти, триа, дуети
§ 19 сонати за пиано
§ 15 цикъла от вариации за пиано
§ Рондо, фантазии, пиеси
§ Повече от 50 арии
§ Ансамбъли, хорове, песни
Хоствано на Allbest.ru
Подобни документи
Надареното семейство Моцарт, изключителните таланти на децата в това семейство. Детство на Волфганг Амадеус, ранни творби и обучение с най-добрите композитори в Европа. Самостоятелна дейност, финансово състояние. Инструментално творчество на Моцарт и опера.
доклад, добавен на 10.11.2010 г
Listuvannya Моцарт с бащата. Vidatnye zdіbnosti Волфганг Амадей Моцарт. Wislovlyuvannya Suchasniki за голямото значение на произведенията на Моцарт. Ликуващ ефект, като примамка на всички произведения на Моцарт. Победа в минор, хроматизъм, прекъснати обороти в сонати.
презентация, добавена на 23.11.2017
Подробна биография на Волфганг Амадеус Моцарт и първите му "стъпки" към музиката, легенди за причините за смъртта, анализ на творчеството и темите на произведенията. Характерни черти на камерната, клавирната и църковната музика на Моцарт, както и неговото изкуство на импровизация.
резюме, добавен на 27.12.2009
Информация за родителите на V.A. Моцарт, неговите творчески постижения в детството. Особености на характера на австрийския композитор. Известни опери: "Сватбата на Фигаро", "Дон Джовани", "Вълшебната флейта". Реквиемът е последното музикално произведение на Моцарт.
презентация, добавена на 19.11.2013
Работата на P.I. Песента на чучулигата на Чайковски. Изработка на инструмент за маракоша. Музикална аранжировка, съответстваща на моделите "зима", "лято", "пролет" и "есен". Въздействието на музикалния гений на Волфганг Амадеус Моцарт върху слушателя.
творческа работа, добавена на 27.06.2013
Развитие на музикалното възприятие при обучение на свирене на пиано. Концепцията за музикална семантика. Инструменталният театър на Хайдн: пространството на метаморфозите. Хайдн в музикалното училище. Работете върху правилното четене на текста. Интерпретация на музикално произведение.
резюме, добавен на 10.04.2014
Периоди на развитие на музикалното изкуство и неговите жанрове. Творческият гений на M.I. Глинка. Развитие на хоровата и камерната музика. Височините на музикалния романтизъм, работата на P.I. Чайковски. Нова посока в руската духовна музика, "мистерия" от A.N. Скрябин.
реферат, добавен на 04.10.2009г
Запознаване с особеностите на бароковата музика, правилата на нейните преходи и контрасти. Разглеждане на музикалното наследство на Клаудио Монтеверди, Антонио Вивалди, Волфганг Амадеус Моцарт, Джордж Фридрих Хендел. Орнаментика, пъстрота на руския барок.
презентация, добавена на 18.10.2015
Биография на живота и уникалното творчество на Волфганг Амадеус Моцарт. Музикални способности на великия австрийски композитор. Връзката на музиката му с различни национални култури (особено италианската). Популярността на трагедията на Пушкин "Моцарт и Салиери".
презентация, добавена на 22.12.2013
Запознаване с кратка биография на V.A. Моцарт, анализ на творческата дейност. Обща характеристика на произведението "Ave verum corpus". Мотет като полифонична вокална композиция, жанр на професионалното музикално изкуство.
Музикалното изкуство може да се постави наравно с театъра и литературното изкуство. Опери и други музикални произведения са написани по темите на произведенията на велики писатели и драматурзи.
Развитието на музикалното изкуство се свързва преди всичко с имената на такива велики композитори като Й. С. Бах, Г. Ф. Хендел, Й. Хайдн, В. А. Моцарт, Л. В. Бетовени т.н.
Ненадминат майстор на полифонията е немски композитор, органист и клавесинист Йохан Себастиан Бах (1685-1750).Творбите му са пропити с дълбок философски смисъл и висока етичност. Той успя да обобщи постиженията в музикалното изкуство, които са постигнали неговите предшественици. Най-известните му композиции са Добре темперираният клавир (1722–1744), Страстта по Йоан (1724), Страстта по Матей (1727 и 1729), много концерти и кантати, Симинорната литургия (1747–1749) и др.
За разлика от Й. С. Бах, който не е написал нито една опера, немският композитор и органист Георг Фридрих Хендел (1685–1759)принадлежат към повече от четиридесет опери. Както и произведения на библейски теми (оратории "Израел в Египет" (1739), "Саул" (1739), "Месия" (1742), "Самсон" (1743), "Юда Макавей" (1747) и др.) , органови концерти, сонати, сюити и др.
Майсторът на класическите инструментални жанрове като симфонии, квартети, както и сонатни форми е великият австрийски композитор
Йозеф Хайдн (1732–1809).Именно благодарение на него се формира класическият състав на оркестъра. Притежава няколко оратории („Сезони“ (1801), „Сътворение на света“ (1798)), 104 симфонии, 83 квартета, 52 сонати за пиано, 14 месит.д.
Друг австрийски композитор Волфганг Амадей Моцарт (1756-1791),е дете-чудо, благодарение на което става известен още в ранна детска възраст. Притежава над 20 опери, сред които известните Сватбата на Фигаро (1786), Дон Джовани (1787), Вълшебната флейта (1791), повече от 50 симфонии, много концерти, клавирни произведения (сонати, фантазии, вариации), незавършени „Реквием” (1791), песни, литургии и др.
Трудната съдба, която остави своя отпечатък върху цялото творчество, беше с немския композитор Лудвиг ван Бетовен (1770-1827).Неговият гений се проявява още в детството и не го оставя дори в ужасна беда за всеки композитор и музикант - загуба на слуха. Философски характер може да се проследи в неговите произведения. Много произведения са повлияни от републиканските му възгледи като композитор. Бетовен притежава девет симфонии, инструментални сонати (Лунна светлина, Патетика), шестнадесет струнни квартета, ансамбли, опера Фиделио, увертюри (Егмонт, Кориолан), концерти за пиано и други произведения.
Известният му израз: „Музиката трябва да изстреля огън от човешките сърца“. Той следва тази идея до края на живота си.
класицизъм
класицизъмзапочва да се оформя през 17 век. Характеризира се с връщане към постиженията на древния свят.
Основните принципи на класицизма са философски рационализъм, рационалност, редовност, облагородена красота. Образованието играеше важна роля. В същото време общественото беше поставено над личното. Героите на класицизма се бориха със своите страсти за доброто на обществото, дълга и т.н.
В литературата класицизмът е отразен в произведенията на такива майстори като немския поет, драматург Йохан Фридрих Шилер (1759-1805)(„Мери Стюарт“, „Девата на Орлеан“, „Уилям Тел“ и др.), френски поет и драматург Мари Жозеф Шение (1764–1811)(„Карл IX, или урок за крале”, „Кай Гракх” и др.), неговия брат, поет и драматург Андре Мари Шение (1762–1794)(цикъл "Ямба").
Класицизмът в живописта се свързва преди всичко с френския художник Жак Луи Давид (1748–1825).Възприемайки древния пример, той създава истински шедьоври на живописта на класицизма: Клетвата на Хорациите (1784), Смъртта на Марат (1793), Сабинката (1799), Андромаха в леглото на Хектор (1783), портрети “ Доктор А. Лерой” (1783), „Гринмейкър”, „Старец с черна шапка” и др.
Ученик на Ж.-Л. Дейвид беше отличен портретист, френски художник Жан Огют Енгр (1780–1867)(„Портрет на художника” (ок. 1800), „Портрет на Бертен” (1832), „Мадам Девоз” (1807)).
Музикалното изкуство на класицизма във връзка с Френската революция придобива малко нови форми. На първо място, това се дължи на появата на нови идеали, желанието за масов характер. Появата на нов музикален жанр "опера на спасението" беше възможна благодарение на двама композитори от тази епоха: Франсоа Жозеф Госеку (1734–1829)(опера Триумфът на републиката, или Лагерът на Гран Пре, 1793) и Етиен Мегул(песни за революционни тържества, операта Стратоника (1792), Йосиф (1807) и др.).
Разочарованието от революцията, социалните катаклизми доведоха до промяна в идеалите. Отвращението към буржоазната система с нейния рационализъм и просвещение доведе до факта, че класицизмът започна да остарява. Тя беше заменена с нова посока - романтизъм.
романтизъм. Реализъм
Романтиците започнаха да изоставят обективността в полза на субективното творческо въображение.
Сред писателите на романтизъм си струва да се подчертае Жан Пол (1763-1825),основател на романтичната етика, автор на романите Хесперус, Зибенкес и др., както и романтик, блестящ немски писател Ернст Теодор Хофман (1776-1822).
Върхът на английския романтизъм беше лирикът Джордж Ноел Гордън Байрон (1766–1824).Неговите творби се характеризират с протест. Главният герой, бунтовник и индивидуалист, се стреми към свобода, често е песимист.
През 19 век Прогресивният романтизъм започва да се откроява във Франция. Сред неговите последователи са писатели Виктор Юго (1802–1885).
Сред романтичните композитори специално място заемат Ф. Шуберт, К. М. Вебер, Р. Вагнер, Г. Берлиоз, Н. Паганини, Ф. Шопен, Ф. Лист.
австрийски композитор Франц Шуберт (1797–1828)е създател на романтични песни и балади, притежава няколко вокални цикъла, симфонии, ансамбли. Той с право се нарича най-големият представител на ранния романтизъм.
Основателят на немската романтична опера е композитор и диригент, както и музикален критик Карл Мария фон Вебер.
Друг немски композитор и диригент внесе иновации в операта Рихард Вагнер (1813–1883).В своите опери той добавя поетичен и философски смисъл към музикалната основа.
Романтизмът е отразен и във визуалните изкуства. Във Франция романтизмът се свързва предимно с художника Теодор Жерико (1791 - 1824).Творбите му се отличават с драматично напрежение, психологизъм.
Друг романтичен художник е сънародникът Т. Жерико Йожен Делакроа (1798–1863)творбите са пропити от духа на свободолюбието, напрежението, вълнението.
Но романтизмът не трае вечно. Дойде моментът, когато той напълно се изтощи. Тогава той беше заменен от ново направление в изкуството - реализъм.Започва да се оформя през тридесетте години на XIX век. И до средата на века се превръща в доминираща тенденция в изкуството на Новата ера. Характеризира се с предаването на истината за живота.
В литературата реализмът достига своя връх в творчеството на френския писател Оноре дьо Балзак (1799–1850).
Друг писател реалист, френски Проспер Мериме (1803–1870)с право се смята за майстор на романа. Неговите творби са елегантни, лаконични, имат изискана форма.
Най-великият реалист в Англия е писателят Чарлз Дикенс (1812–1870)пионер на нова тенденция критичен реализъм.Описвайки различните слоеве на английското общество, той осмива неговите пороци и недостатъци.
В музикалното изкуство реализмът се характеризира с появата на нова посока - веризъм.
Развитие на философията, науката, изобразителното изкуство, литературата. Френските енциклопедисти J.J. Русо и Д. Дидро са изключителни представители на просветното движение. Естетически възгледи на енциклопедистите.
Преходът от полифоничното изкуство към хомофонно-хармоничния склад на писането в музиката.
Оперно изкуство. Кризата на италианската оперна серия и френската лирическа трагедия, която засегна драматургията, сценичното въплъщение на представлението и практиката на вокалното изпълнение. Жанр опера буфа. Неговите теми, образи, връзка с народната музика. Джовани Перголези (1710-1736) и неговата опера „Господарка прислужница“ е класически пример за нов жанр. Характеристики на развитието на действието и музикалната композиция, принципи на тематично развитие. Основни вокални форми, ролята на оркестъра.
Френска комична опера. Народни панаирни представления и водевил като негов произход. Сюжети на опери. Френска песен като основа на интонационното съдържание. Куплетно-строфичната структура на ариите, жанрово-изобразителното използване на оркестъра. „Войната на шутовете“. Опера "Селският магьосник" от Жан Жак Русо (1712-1778), създаване на нов мелодичен склад. Опери от Ф. Филидор, П. Монсини. Опера от Андре Гретри (1741-1813) „Ричард Лъвското сърце” е жанрово-битова опера от лирическото направление.
Кристоф Уилибалд Глук (1714-1787). Значението на изкуството K.V. Глук в историята на развитието на операта. Творчески начин. Първите иновативни музикални драми са Орфей и Алцест. Борбата между "глюкисти" и "пичинисти". Естетическите възгледи на K.V. Глюк. Принципи на оперната драматургия. Интонационно обновяване и драматизиране на вокални партии. Ролята на хор, балет, оркестър. Историческото значение на K.V. Глюк за по-нататъшното развитие на музикалния театър.
Инструментална музика от 18 век. Формиране в условията на различни национални култури на сонатно-симфонични и концертни жанрове. Развитие на принципите на сонатното развитие в инструментализма на 18 век. Формиране на класическата композиция на симфоничния оркестър. Значение в развитието на инструменталната музика от 18 век на симфоничната школа, създадена от чешки композитори. Франтишек Вацлав Миха (1694-1744) - създател на една от първите симфонии. Представители на Манхаймската школа: Ян Стамиц (1717-1757), Франтишек Рихтер (1709-1789). Антон Филц (1730-1760). Характерни музикални образи, особености на предмета, принципи на развитие и форма. Иновация на динамичния начин на музикално изпълнение. Влиянието на школата на Й. Стамиц върху творчеството на И.К. Бах, В.А. Моцарт и други композитори.
Музикалният класицизъм и основните етапи на неговото развитие
Класицизъм (от лат. сlassicus - примерен) - стил в изкуството на 17 - 18 век. Името "класицизъм" идва от призива към класическата античност като най-висок стандарт за естетическо съвършенство. Представителите на класицизма черпиха своя естетически идеал от образци на древното изкуство. Класицизмът се основаваше на вярата в разумността на битието, в наличието на ред и хармония в природата и вътрешния свят на човека. Естетиката на класицизма съдържа сбора от задължителни строги правила, с които едно произведение на изкуството трябва да се съобразява. Най-важните от тях са изискването за баланс между красота и истина, логическа яснота, хармония и завършеност на композицията, строги пропорции и ясно разграничение между жанрове.
В развитието на класицизма се отбелязват 2 етапа:
Класицизмът от 17 век, който се развива отчасти в борбата с изкуството на барока, отчасти във взаимодействието с него.
Просвещенският класицизъм от 18 век.
Класицизмът от 17-ти век е в много отношения антитеза на барока. Най-пълно изражение получава във Франция. Това е разцветът на абсолютната монархия, която осигурява най-високо покровителство на придворното изкуство и изисква от него помпозност и блясък. Трагедиите на Корней и Расин, както и комедиите на Молиер, на чието творчество Лули разчита, стават върхът на френския класицизъм в областта на театралното изкуство. Неговите „лирически трагедии” носят отпечатъка на въздействието на класицизма (строга логика на строителството, героизъм, сдържан характер), въпреки че имат и барокови черти – великолепието на оперите му, изобилието от танци, шествия, хорове.
Класицизмът на 18 век съвпада с епохата на Просвещението. Просвещението - широко движение във философията, литературата, изкуството, обхващащо всички европейски страни. Името „Просвещение“ се обяснява с факта, че философите от тази епоха (Волтер, Дидро, Русо) се стремят да образоват своите съграждани, опитват се да разрешат въпроси за структурата на човешкото общество, човешката природа и неговите права. Просветителите изхождаха от идеята за всемогъществото на човешкия ум. Вярата в човек, в неговия ум определя светлото, оптимистично настроение, присъщо на възгледите на дейците на Просвещението.
Операта е в центъра на музикални и естетически спорове. Френските енциклопедисти го смятаха за жанр, в който трябва да бъде възстановен синтезът на изкуствата, съществували в античния театър. Тази идея е в основата на K.V. Глюк.
Голямото постижение на просветителския класицизъм е създаването на жанра симфония (сонатно-симфоничен цикъл) и сонатната форма, която се свързва с творчеството на композиторите от школата в Манхайм. Манхаймската школа се формира в град Манхайм (Германия) в средата на 18 век на базата на придворен хор, в който работят предимно чешки музиканти (най-големият представител е чехът Ян Стамиц). В творчеството на композиторите на школата в Манхайм се установява 4-частната структура на симфонията и класическата композиция на оркестъра.
Школата в Манхайм се превръща в предшественик на виенската класическа школа - музикално направление, обозначаващо творчеството на Хайдн, Моцарт, Бетовен. В творчеството на виенските класици се оформя окончателно превърналият се в класика сонатно-симфоничен цикъл, както и жанровете на камерния ансамбъл и концерта.
Сред инструменталните жанрове особено популярни бяха различни видове ежедневна развлекателна музика - серенади, дивертисменти, които звучаха на открито вечер. Divertimento (френско забавление) - многочастни инструментални произведения за камерен ансамбъл или оркестър, съчетаващи характеристиките на соната и сюита и близки до серенада, ноктюрн.
К. В. Глук - великият реформатор на операта
Кристоф Вилибалд Глук (1714 - 1787) - германец по рождение (роден в Ерасбах (Бавария, Германия)), въпреки това е един от видните представители на виенската класическа школа.
Реформаторската дейност на Глук се провежда във Виена и Париж и се осъществява в съответствие с естетиката на класицизма. Общо Глук пише около 40 опери - италиански и френски, бифа и серия, традиционни и новаторски. Именно благодарение на последния той си осигури видно място в историята на музиката.
Принципите на реформата на Глук са очертани в неговия предговор към партитурата на операта Алцест. Те се свеждат до това:
Музиката трябва да изразява поетичния текст на операта; тя не може да съществува самостоятелно, извън драматичното действие. Така Глук значително повишава ролята на литературната и драматургичната основа на операта, подчинявайки музиката на драмата.
Операта трябва да има морално въздействие върху човек, оттук и привличането към древни сюжети с техния висок патос и благородство („Орфей и Евридика“, „Париж и Елена“, „Ифигения в Авлида“). Г. Берлиоз нарече Глук "Есхил на музиката".
Операта трябва да отговаря на „трите велики принципа на красотата във всички изкуства” – „простота, истина и естественост”. Необходимо е да се освободи операта от прекомерна виртуозност и вокална орнаментация (присъща на италианската опера), сложни сюжети.
Не трябва да има рязък контраст между арията и речитатива. Глук заменя секо речитатив с акомпанимент, в резултат на което се доближава до ария (в традиционната оперна серия речитативите служат само като връзка между концертните номера).
Глук също интерпретира арии по нов начин: той въвежда характеристики на импровизационна свобода, свързва развитието на музикалния материал с промяна в психологическото състояние на героя. Арии, речитативи и хорове се комбинират в големи драматични сцени.
Увертюрата трябва да изпревари съдържанието на операта, да въведе слушателите в нейната атмосфера.
Балетът не трябва да бъде интерстициален номер, който не е свързан с действието на операта. Неговото въвеждане трябва да се определя от хода на драматичното действие.
Повечето от тези принципи са въплътени в операта „Орфей и Евридика“ (премиера през 1762 г.). Тази опера поставя началото на нов етап не само в творчеството на Глук, но и в историята на цялата европейска опера. Орфей е последван от друга от неговите пионерски опери, Алцест (1767).
В Париж Глук пише други реформистки опери: Ифигения в Авлида (1774), Армида (1777), Ифигения в Таврида (1779). Постановката на всеки от тях се превърна в грандиозно събитие в живота на Париж, предизвиквайки разгорещен спор между „глюкистите“ и „пичинистите“ – привърженици на традиционната италианска опера, олицетворена от неаполитанския композитор Николо Пичини (1728 г. – 1800). Победата на Глук в този спор е белязана от триумфа на неговата опера Ифигения в Таврид.
Така Глук превърна операта в изкуство на високите образователни идеали, насищайки я с дълбоко морално съдържание и разкривайки на сцената истински човешки чувства. Оперната реформа на Глук оказва ползотворно влияние както върху неговите съвременници, така и върху следващите поколения композитори (особено виенските класици).
Федерална агенция за образованиеПермски държавен университет
Катедра по нова и най-нова история
Резюме по темата
Музика на Просвещението Франция
Изпълнено от: студент 3-та година
1 група IPF
Ефимова Марина
Въведение
Просвещението - интелектуално и духовно движение от края на XVII - началото на XIX век. в Европа и Северна Америка. Това е естествено продължение на хуманизма на Ренесанса и рационализма от началото на Новата епоха, които поставят основите на просвещенския мироглед: отхвърлянето на религиозния мироглед и призивът към разума като единствен критерий за познаване на човекът и обществото.
Франция става център на просветителското движение през 18 век. На първия етап на френското Просвещение главните фигури са Монтескьо (1689 - 1755) и Волтер (1694 - 1778). В трудовете на Монтескьо доктрината на Лок за върховенството на закона е доразвита. Волтер имаше различни политически възгледи. Той е идеологът на просветения абсолютизъм и се стреми да насади идеите на Просвещението в монарсите на Европа. Отличава се с ясно изразена антиклерикална дейност, противопоставя се на религиозния фанатизъм и лицемерие, църковния догматизъм и първенството на църквата над държавата и обществото. Дидро (1713 - 1784) и енциклопедистите играят главната роля във втория етап на френското Просвещение. Енциклопедия, или тълковен речник на науките, изкуствата и занаятите, 1751-1780 г. е първата научна енциклопедия, която очертава основните понятия в областта на физическите и математическите науки, природните науки, икономиката, политиката, инженерството и изкуството. В повечето случаи статиите бяха изчерпателни и отразяваха най-новото състояние на познанието.
Третият период изложи фигурата на J.-J. Русо (1712 - 1778). Той става най-видният популяризатор на идеите на Просвещението. Русо предлага свой собствен начин на политическата структура на обществото. Идеите на Русо намират своето по-нататъшно развитие в теорията и практиката на идеолозите на Великата френска революция.
Просвещението оказва силно влияние върху изкуството и културата на цяла Европа, и по-специално музиката на Франция като център на Просвещението.
Целта на това резюме е общ преглед на музиката на Франция по това време.
17-ти и началото на 18-ти век са един от значимите и блестящи периоди в историята на френската музика. Цял период в развитието на музикалното изкуство, свързан със „стария режим”, избледнява в миналото; епохата на последния Луи, епохата на класицизма и рококо беше към своя край. Започва епохата на Просвещението. Стиловете, от една страна, разграничени; от друга страна, те се наслояваха, сливаха се един с друг, образувайки странни хибриди, които трудно се анализираха. Интонационният облик и образната структура на френската музика бяха променливи и разнообразни. Но водещата тенденция, която вървеше в посока на предстоящата революция, се появи с неумолима яснота.
В края на XVII - началото на XVIII век. съд и става основен клиент за писане на музикални изпълнения (появява се монопол), като в резултат на това основната функция на френската музика от Просвещението е да обслужва нуждите на френския двор - танци и различни изпълнения.
Френската опера в известен смисъл е рожба на класицизма. Нейното раждане е важно събитие в историята на националната култура на страната, която до втората половина на 17 век почти не е познавала друго оперно изкуство, освен вносното италианско. Почвата на френската художествена култура обаче съвсем не беше чужда и безплодна за нея. Операта се основава на национални жанрово-исторически предпоставки и доста органично усвоява техните придобивки 2 .
Жан Батист Люли (1632 - 1687), композитор, цигулар, танцьор, диригент и учител от италиански произход, с право може да се счита за баща на френската опера; съветник и секретар на краля, на кралския дом и на короната на Франция; надзорник на музиката на Негово Величество.
На 3 март 1671 г. в Париж се състоя премиерата на първата френска опера „Помона“, написана от Пиер Перен и Робер Камбер. Дори не беше опера, а по-скоро пасторал, но имаше фантастичен успех сред публиката, издържайки в Оперната академия, за която Перин имаше 15-годишна кралска привилегия, 146 представления. Въпреки това Перин фалира и е изпратен в затвора. Люли, близък до краля, много фино усеща настроението на публиката и, което е по-важно, на краля. Той изоставя Молиер, през 1672 г. изкупува привилегията от Перен и, след като получава редица специални патенти от краля, получава пълен контрол върху френската оперна сцена.
Първата "трагедия, пусната на музика" е трагедията "Кадъм и Хърмаяни", написана по стихове на Филип Кино. Парцелът е избран от краля. Премиерата на операта се състоя на 27 април 1673 г.] в Palais-Royal, след смъртта на Молиер, тя беше дадена на Люли. Основната особеност на неговите опери е особената изразителност на мелодиите: когато ги композира, Люли отива да гледа играта на големите трагични актьори. Той записва драматичното им рецитиране в ноти и след това го възпроизвежда в своите композиции. Сам си избира музиканти и актьори, възпитава ги. Сам репетира оперите си и сам ги дирижира с цигулка в ръце. Общо той композира и поставя 13 „трагедии в музиката“ в театъра: Кадъм и Хермиона (1673), Алцест (1674), Тезей (1675), Атис (1676), Изида (1677), Психея (1678, оперна версия от комедията-балет 1671), Белерофонт (1679), Прозерпина (1680), Персей (1682), Фаетон (1683), Амадис (1684) ), „Роланд“ (1685) и „Армида“ (1687). Операта Ахил и Поликсена (1687) е завършена от Паскал Колас 3 след смъртта на Лули.
Първа трета на 18 век беше много трудно за оперното изкуство. Те могат да се нарекат времена на безвремие, естетическо объркване, своеобразна децентрализация на операта – както по отношение на управлението на операта, така и в художествено отношение. Големи творчески личности практически не се появяват 4 . Сред многото композитори, които са се изявявали в операта, най-значимият е Андре Кампра (1660 - 1744). След Лули той беше единственият композитор, който можеше да го замени, поне донякъде. Само появата на Рамо донякъде изтласква творбите на Кампра на заден план. Пастичо Кампра се радва на голям успех (тоест опери, съставени от откъси от опери на различни композитори, които имат най-голям успех) - "Fragments de Lulli", "Telemaque ou les fragments des modernes". От оригиналните творби на Кампра се откроява „La sérénade vénétienne ou le jaloux trompé“. Кампра е написал 28 произведения за сцената; Композира и кантати и мотети. 5
По времето на Луи XV във френската опера действат напълно различни и дори противоположно насочени сили: инерцията на героичното, създадена от класицизма на 17 век; влияния на изящно елегантно, тънко като бижута и често идилично рококо; новият, граждански и полемико-дидактичен класицизъм на драматурга Волтер и неговата школа; накрая, естетическите идеи на енциклопедистите (Д'Аламбер, Дидро и др.). В столичния театър се наложи така нареченият „версайски стил”, запазвайки сюжета и схемата на класицизма, но ги разтваряйки в брилянтен, изискан дивертисмент и отличаващ се с особено изискан лукс на постановка: декорации, реквизит, костюми и архитектурна украса на аудиторията. Важен фактор за формирането на „версайския стил” с присъщата му хегемония на балета е формирането и усъвършенстването през първата половина на 18 век на нова френска школа за хореографско изкуство – школа, която прераства в изключително влиятелна културна и художествена сила и оказва силно влияние върху операта 6.
Друг френски композитор, който значително повлия върху музиката на Просвещението във Франция, е Жан Филип Рамо. Операта на Рамо е френска, а не италианска: музикалното развитие не се прекъсва, преходът от готови вокални номера към речитативи е изгладен. В оперите на Рамо вокалната виртуозност не заема централно място; имат много оркестрови интермедии и като цяло се отделя много внимание на оркестровата част през цялото време; хорове и разширени балетни сцени също са от съществено значение. В сравнение с по-късния класически оперен модел, Рамо има по-малко вокали и приблизително същото количество оркестър и хор. Мелодията на Рамо винаги следва текста, предавайки смисъла му по-точно от италианската ария; въпреки че беше отличен мелодист, вокалната линия в неговите опери по принцип е по-близка до речитатив, отколкото до кантилена. Основното изразно средство не е мелодията, а богатото и изразително използване на хармонията - това е оригиналността на оперния стил на Рамо. Композиторът използва в своите партитури възможностите на съвременния оркестър на Парижката опера: струнни, дървени духови, валдхорни и перкусии, като отделя специално внимание на дървените духови, тембрите на които създават оригинален оркестров привкус в оперите на Рамо. Хоровото писане варира в зависимост от сценичните ситуации, хоровете винаги са драматични и често приличат на танци. За безкрайните му танци и балетни сцени е характерно съчетанието на пластична красота с емоционална изразителност; именно хореографските фрагменти от оперите на Рамо веднага завладяват слушателя. Образният свят на този композитор е много богат и всяко от емоционалните състояния, дадени в либретото, е отразено в музиката. Така страстната изтощение е уловена например в клавирните пиеси Timide (La timide) и Разговорът на музите (L "Entretien des Muses), както и в много пасторални сцени от неговите опери и оперни балети 7.
Повечето от творбите на композитора са написани в древни, вече несъществуващи форми, но това не се отразява на високата оценка на неговото наследство. Рамо може да бъде поставен до Г. Пърсел, а що се отнася до съвременниците му, той е втори след Бах и Хендел. осем
Наследството на Рамо се състои от няколко десетки книги и редица статии по музика и акустична теория; четири тома клавирни пиеси (един от тях - Концертни пиеси - за клавир и флейта с виола да гамба); няколко мотета и солови кантати; 29 сценични композиции - опери, опера-балети и пасторали.
Рамо обяснява използването на съвременните за него акорди с помощта на хармонична система, произтичаща от физическата природа на звука, и в това отношение отива по-далеч от известния акустик Ж. Совьор. Вярно е, че теорията на Рамо, осветяваща същността на консонанса, оставя необясним дисонанса, който не се образува от елементите на обертоновата серия, както и възможността за намаляване на всички темперирани звуци в една октава.
Днес не теоретичните изследвания на Рамо, а неговата музика са от по-голямо значение. Композиторът работи едновременно с Й. С. Бах, Г. Ф. Хендел, Д. Скарлати и оцелява всички, но творчеството на Рамо се различава от музиката на великите му съвременници. Днес клавирните му пиеси са най-известни, но основната сфера на дейност на композитора е операта. Той получава възможността да работи в сценичните жанрове още на 50-годишна възраст и за 12 години създава основните си шедьоври - лирическите трагедии Иполит и Аризия (1733), Кастор и Полукс (1737) и Дардан (две издания - 1739 и 1744) ; опера-балети "Галантна Индия" (1735) и "Празници на Хебе" (1739); лирическа комедия "Платея" (1745). Рамо е композирал опери до 80-годишна възраст, като във всяка от тях има фрагменти, потвърждаващи славата му на голям музикален драматург 9 .
Идеите на енциклопедистите също изиграват значителна роля в подготовката на реформата на К. В. Глук, която води до създаването на нов оперен стил, който въплъщава естетическите идеали на третото съсловие в навечерието на Френската революция. Поставянето на оперите на Глук „Ифигения в Авлида” (1774), „Армида” (1777) и „Ифигения в Таврид” (1779) в Париж засилва борбата на посоките. Привържениците на старата френска опера, както и привържениците на италианската опера, които се противопоставят на Глук, му се противопоставят с традиционното творчество на Н. Пичини. Борбата между „глюкистите“ и „пичинистите“ (Глук излиза победител) отразява дълбоките идеологически промени, настъпили във Франция през втората половина на 18 век.
В оперите на Люли и Рамо се развива особен тип увертюра, наречена по-късно френска. Това е голяма и цветна оркестрова пиеса, състояща се от три части. Крайните части са бавни, тържествени, с изобилие от кратки пасажи и други изящни украшения на основната тема. За средата на парчето, като правило, се избираше бързо темпо (очевидно беше, че авторите брилянтно владееха всички техники на полифонията). Такава увертюра вече не беше мимолетен номер, под който шумно сядаха закъснели, а сериозна творба, която въведе слушателя в действие и разкри богатите възможности на звученето на оркестъра. От оперите френската увертюра скоро преминава в камерна музика и по-късно често се използва в произведенията на немските композитори Г. Ф. Хендел и Й. С. Бах. В областта на инструменталната музика във Франция основните постижения са свързани с клавира. Клавишната музика е представена от два жанра. Едно от тях са миниатюрни парчета, семпли, елегантни, изискани. В тях са важни малките детайли, опитите да се изобрази пейзаж или сцена със звуци. Френските клавесинисти създадоха специална мелодия, пълна с изящни декорации - мелизми (от гръцки "melos" - "песен", "мелодия"), които представляват "дантела" от кратки звуци, които могат да добавят дори една мъничка мелодия. Имаше много разновидности на мелизми; те бяха обозначени в нотния текст със специални знаци. Тъй като звукът на клавесина не се разтяга, често са необходими мелизми, за да се създаде непрекъснато звучаща мелодия или фраза. Друг жанр на френската клавирна музика е сюитата (от френска сюита - „ред“, „последователност“). Такова произведение се състоеше от няколко части - танцови пиеси, контрастни по характер; те се следваха един след друг. За всяка сюита бяха задължителни четири основни танца: алеманда, куранте, сарабанда и гиг. Сюитата може да се нарече международен жанр, тъй като включва танци от различни национални култури. Allemande (от френски allemande - "немски"), например, от немски произход, камбанки (от френски courante - "бягане") - италиански, родното място на sarabanda (испански zarabanda) - Испания, jig (на английски, jig) - Англия . Всеки от танците имаше свой характер, размер, ритъм, темп. Постепенно, освен тези танци, в сюитата започват да се включват и други номера - менует, гавот и др. Жанрът на сюитата намира зряло въплъщение в творчеството на Хендел и Бах 10 .
Френската революция също оказва голямо влияние върху музиката. През тези години комичната опера става широко разпространена (въпреки че първите комични опери се появяват още в края на 17 век 11) – предимно едноактни представления, базирани на народна музика. Този жанр беше много популярен сред хората - мотивите и думите на куплетите се запомняха лесно. Комичната опера също придобива популярност през 19 век. Но все пак най-популярният жанр несъмнено беше песента. Новата социална функция на музиката, породена от революционната ситуация, поражда масови жанрове, включително маршове и песни (Песента на Госек от 14 юли), композиции за няколко хора и оркестри (Lesueur, Megül). Създава патриотични песни. През годините на революцията (1789 - 1794) се появяват повече от 1500 нови песни. Музиката е частично заимствана от комични опери, народни песни от 16-17 век. 4 песни бяха особено обичани: „Saera” (1789), „The marching song” (1794), „Carmagnola” (1792) – името вероятно идва от името на италианския град Карманьола, където работещите бедни съставлявали мнозинството от населението, революционен химн „Марсилеза“; сега националният химн; композиран и пуснат на музика от Руже дьо Лил в Страсбург след обявяването на войната през април 1792 г. Под влияние на революционната идеология възникват нови жанрове - агитационни изпълнения с помощта на големи хорови маси („Избраният от републиканците, или Празникът на разума“ Гретри, 1794 г.; „Триумфът на републиката, или Лагерът в Гранд Пре, Госек, 1793 г.), както и „спасителната опера”, изрисувана с романтиката на революционната борба срещу тиранията („Лодойска”, 1791 г. и „Водонос”, 1800 г., Керубини; „Пещерата” от Lesueur, 1793 г.) 12. Революционните трансформации засегнаха и системата на музикалното образование. Църковните училища (метризас) са премахнати, а през 1793 г. в Париж на базата на обединеното музикално училище на Националната гвардия и Кралското училище за пеене и рецитиране се създава Националният музикален институт (от 1795 г. - Консерваторията за музика и Рецитиране). Париж става най-важният център на музикалното образование.
Заключение
Френската музика от Просвещението се развива според самата епоха. Така френската комична опера от панаирна комедия с музика се превърна в утвърден музикален и театрален жанр със самостоятелно значение, представен от големи артистични фигури от различни личности, много жанрови разновидности и голям брой интересни, въздействащи произведения.
Музиката, както и преди, се развива едновременно в няколко направления - официална и народна. Абсолютизмът беше както катализатор, така и инхибитор на развитието на официалната - тоест операта, балета, въобще, театралната - музика, от една страна имаше държавна поръчка за писане и изпълнение на музика, от друга страна, държавни монополи , почти предотвратявайки развитието на нови композитори и тенденции.
Народната музика, от друга страна, получи широкото си разпространение благодарение на Великата френска революция в химни, маршове и песни, авторството на повечето от които сега е почти невъзможно да се установи, но които не са загубили своята културна стойност поради това.
Списък на използваната литература
К. К. Розеншилд Музиката във Франция от 17-ти - началото на 18-ти век, - М.: "Музика", 1979 г.
Енциклопедичен речник на Брокхаус и Ефрон (1890-1907).
Голяма съветска енциклопедия
Интернет ресурси:
