Развитието на живописта в Русия в края на 19-ти началото на 20-ти век. Руската пейзажна живопис и произведенията на G.I. Гуркин и А.О. Никулин

Както в литературата, така и във визуалните изкуства имаше много дестинации: от реализъм, който продължи традициите на скитниците от 19 век, до авангардизъм, който създава съвременното изкуство, изкуството на утрешния ден. Всяка тенденция имаше своите фенове и противници.

По това време се наблюдава постепенен упадък в жанровата живопис - основата на изкуството на Скитниците, и разцветът на портретното изкуство, графиката, театралното и декоративното изкуство.

През този период наред с „Сдружението на пътуващите изложби“ се създават редица нови сдружения на художници: „Светът на изкуството“ в Санкт Петербург (1899-1924; С. Дягилев – основател, А. Беноа, К. Сомов, Л. Бакст, И. Грабар, А. Остроумова-Лебедева и др.), „Съюз на руските художници“ в Москва (1903-1923; К. Коровин, К. Юон, А. Архипов и др.), „Синя роза " (1907; П. Кузнецов, В. Марян, С. Судейкин и др.), "Диамантов валет" (1910-1916; П. Кончаловски, Р. Фалк, А. Лентулов и др.). Съставът на асоциациите беше течен и подвижен. Динамиката на развитието на събитията беше висока, често самите организатори и членовете напуснаха един съюз и се преместиха в друг. Бързината на художествената еволюция постепенно нараства.

Характерни чертипериод са:

• изравняване на неравномерното развитие на различни видове изкуство: до живопис, архитектура, декоративно-приложни изкуства, книжна графика, скулптура, театрална декорация; хегемонията на станковата живопис от средата на века е нещо от миналото;
• формира се нов тип универсален художник, който „може всичко” – да рисува картина и декоративен панел, изпълнете винетка за книга и монументална картина, изваяйте скулптура и "композирайте" театрален костюм(Врубел, художници от света на изкуството);
• изключителна активност на изложбения живот в сравнение с предходния период;
• интерес към изкуството на финансовите кръгове, появата на култура на покровителство и др.

Реалистичната тенденция в живописта е представена от И. Е. Репин. От 1909 до 1916 г. рисува много портрети: П. Столипин, психиатър В. Бехтерев и др. От 1917 г. художникът се оказва „емигрант“, след като Финландия получава независимост.

Нова живопис и нови художници

Бурното време на търсене даде на света нова живопис и велики имена на художници. Нека разгледаме по-подробно работата на някои от тях.

Валентин Александрович Серов (1865-1911)

Валентин Александрович Серов(1865-1911). В. А. Серов е роден в семейството на виден руски композитор Александър Николаевич Серов, автор на оперите Юдит, Рогнеда, Вражеска сила. Голяма роля за формирането на личността му изигра майката на художника, също композитор и пианист. От 10-годишна възраст В. Серов учи рисуване и рисуване при И. Репин, по негов съвет през 1880 г. постъпва в Художествената академия и учи при известния учител Павел Петрович Чистяков (1832-1919), който съчетава традициите на академичните образование с традициите на реализма. Феноменално изпълнение и всеотдайност, естествен оригинален талант превърнаха Серов в един от най-добрите и най-разнообразни художници от началото на века.

Той изигра специална роля в творческата биография на Серов Абрамцевски кръг (Кръг на мамут). Именно в Абрамцево 22-годишният Серов написа "Момичето с праскови" (1887, Вера Мамонтова) (ил. 27), а година по-късно нов шедьовър - "Момичето, озарено от слънцето" (Маша Симонович ). Славата на Серов започва с тези произведения. Валентин беше млад, щастлив, влюбен, щеше да се жени, искаше да напише нещо зарадващо, красиво, да остави настрана сюжетите на Скитниците. Тук жанровете са смесен портрет, смесен с пейзажа, с интериора. Тази смес беше обичана от импресионистите. Има причина да се смята, че Серов е започнал като импресионист.

Периодът на опиянение от света е краткотраен, постепенно импресионизмът намалява, художникът има дълбоки, сериозни възгледи. През 90-те години. той става първокласен портретист. Серов се интересува от самоличността на създателя: художник, писател, художник. По това време виждането му за модела се промени. Той се интересуваше важни черти на характера. В работата си върху портретите той развива идеята за „разумно изкуство“, художникът подчинява окото си на разума. По това време се появи "Портретът на художника Левитан", доста изображения на деца, портрети на тъжни жени.

Втората тенденция в живописта на Серов през 1890-1900 г. са произведения, посветени на руско селов която се съчетават жанрово и пейзажно начало. "Октомври. Домотканово" е обикновена селска Русия с крави, овчар, разклатени колиби.

Бурните времена от началото на 20 век. промени художника и неговата картина. Серов започва да се заема със задачата да трансформира реалността, да пише, а не да пише от природата.

В портрет той преминава в монументална форма. Размерите на платното се увеличават. Все по-често фигурата се рисува в пълен ръст. Това са известните портрети на М. Горки, М. Н. Ермолова, Ф. И. Шаляпин (1905). Не заобиколи Серов и страстта към модерността. Това може да се види в портрета на известната танцьорка "Ида Рубинщайн" (1910). Разголеното тяло подчертава екстравагантното поведение и в същото време трагичното й счупване. Тя, като красива пеперуда, е прикована към платното. А фигурата изглежда крехка и безтелесна. На снимката има само 3 цвята. Близък до този стил и "Портрет на О. К. Орлова" (1911).

През годините 1900-1910г. Обръща се Серов към исторически и митологични жанрове. "Петър I" (1907 г.) е малка картинанаправени в темпера. Тук няма повратни моменти, но има духът на епохата. Царят на остров Василиевски е едновременно велик и ужасен.

Накрая той се увлече древна митология. След пътуване до Гърция се появява фантастична и реална картина "Отвличането на Европа" (1910). В него той стигна до произхода на мита и доближи древността до нас - Серов застана на прага на ново откритие, тъй като никога не спираше на място. Той направи огромен творчески път, опитвайки се в няколко посоки и в много живописни жанрове.

През годините на Първата руска революция Серов се доказа като човек с хуманистични идеали. В отговор на провеждането на мирна демонстрация на 9 януари той се оттегля от титлата си академик и подава оставка от Московското училище по живопис, скулптура и архитектура, където преподава с Константин Коровин от 1901 г. и обучава плеяда от изключителни художници, вкл. П. Кузнецов, К. Петров-Водкин, С. Судейкин, Р. Фалк, К. Юон, И. Машков и др.

Виктор Елпидифорович Борисов-Мусатов (1870-1905)

Виктор Елпидифорович Борисов-Мусатов(1870-1905). Художникът произхожда от най-обикновеното саратовско семейство, баща му е служил като счетоводител в железницата. На тригодишна възраст му се случва нещастие - в резултат на падане момчето наранява гръбнака си, което впоследствие причинява спиране на растежа и поява на гърбица. Появата накара художника да страда от самота, от несходство с другите, от физическа болка. Но всичко това не му попречи да бъде лидер сред младите художници през годините на обучение. Той беше забележителна личност – сдържан, сериозен, чаровен, подчертано елегантен, облечен внимателно, дори елегантно. Носеше модерни ярки вратовръзки и тежка сребърна змийска гривна.

През годините на обучение (1890 - МУЖВЗ, 1891 - Художествена академия, 1893 - Москва, 1895 - Париж) той добави втората част от фамилното име Борисов, кръстен на дядо му, което му придаде аристократична звучност. През тези години в Москва той изпитва силно чувство към очарователното, весело момиче Елена Владимировна Александрова. Която едва през 1902 г. ще стане негова съпруга и ще му роди дъщеря. Художникът изобрази Елена Владимировна в картината "Резервоар" заедно със сестра си.

Своеобразното творчество на Борисов-Мусатов се нарежда сред различни области. Някой го класифицира художници символисти, някой смята, че изкуството му, тръгвайки от импресионизма, става постимпресионистично в живописен и декоративен вариант. В каквато и посока да принадлежи, изкуството му е оригинално и оказва пряко влияние върху група художници, които се появяват през 1907 г. на изложбата Синя роза (синята роза е символ на една несбъдната мечта).

Неговите картини- това е копнеж по изгубената красота и хармония, елегичната поезия на празните стари имения и паркове. Тези умиращи „благородни гнезда” са невъзможни без женски образи. Любим модел беше по-младият му сестра Елена(„Автопортрет със сестра си“, 1898 г., „Гоблен“, 1901 г. и др.), тя е била и негов помощник и близък приятел. В повечето картини на Борисов-Мусатов няма повествователно начало, няма сюжет. Основното тук е играта на цветове, светлина, линии. Зрителят се възхищава на красотата на самата картина, нейната музикалност. Борисов-Мусатов, по-добре от другите, успя да открие връзката между звуците и живописта. Светът на Мусатов е сякаш извън времето и пространството. Неговите картини са подобни на стари гоблени ("Изумрудено колие" 1903-1904 г., "Езерце", 1902 г. и др.), които са изработени в изящна студена "мусатовска гама" с преобладаване на сини, зелени, лилави тонове. Цветът за художника беше основното изразно средство на неговите музикални и поетични платна, в които отчетливо звучеше „мелодията на древната тъга“.

Михаил Александрович Врубел (1856-1910)

Михаил Александрович Врубел(1856-1910). Михаил Врубел е роден на 17 март 1856 г. в Омск, баща му е военен и семейството често сменя мястото си на пребиваване.

Врубел постъпва в Художествената академия през 1880 г. (заедно със Серов), преди това завършва Юридическия факултет на Санкт Петербургския университет и гимназия Ришельо в Одеса със златен медал.

През 1884 г. той напуска работилницата на Чистяков и заминава за Киев, където ръководи реставрацията на стенописите на църквата "Св. Кирил" и изпълнява редица монументални композиции. Мечтата на Врубел е да нарисува Владимирската катедрала в Киев, но Васнецов вече работи там, но по това време се появява поредица от акварели с темите „Надгробен камък“ и „Възкресение“, в които се оформя уникалният стил на Врубел. Стилът на Врубел се основава на смачкване на повърхността на формата на остри, остри ръбове, оприличаване на предмети с някакъв вид кристални образувания. Цветът е вид осветяване, светлина, проникваща във фасетите на кристалните форми.

Врубел довежда до станковата живопис монументалност. Така е написан "Демонът, седнал" (1890). Светлината тук идва отвътре, наподобяваща ефекта на витраж. Демонът на Врубел не е дявол, той е сравним с пророк, Фауст, Хамлет. Това е олицетворение на титаничната сила и болезнената вътрешна борба. Той е красив и величествен, но в очите му, гледащи в бездната, в жеста на стиснати ръце се чете безграничен копнеж. Образът на Демона ще премине през цялото творчество на Врубел („Летящият демон“, 1899 г., „Демонът съкрушен“, 1902 г.; както казват съвременници и свидетели, до нас са стигнали не най-добрите версии на Демоните). През 1906 г. символистичният орган - списание "Златно руно" - публикува стихотворение на В. Брюсов "До М. И. Врубел", написано под впечатлението на "Демон победен":

И в часа на огнения залез
Видяхте между древните планини,
Като дух на величие и проклятия
Падна в дупка от високо.
И там, в тържествената пустиня,
Само ти разбра докрай
Разперените крила блестят пауни
И скръбта на лицето на Едем!

Работейки в Киев, Врубел беше просяк, беше принуден да работи в училище за рисуване, да дава частни уроци, цветни снимки. На 33 брилянтен художникнапуска Киев завинаги (1889) и заминава за Москва. Той се установява в работилницата на Серов и Коровин. Коровин го въведе в мамутския кръг. А самият Савва Иванович Мамонтов изигра огромна роля в живота на Врубел. Той му предложи да се установи в имението си на улица Садово-Спасская и да работи в Абрамцево през лятото. Благодарение на Мамонтов той многократно пътува в чужбина.

Московският период на творчество беше най-интензивен, но най-трагичен. Врубел често се оказваше в центъра на противоречията. Ако Стасов го нарече декадент, тогава Рьорих се възхищаваше на гения на творчеството му. Това е разбираемо, тъй като самата работа на Врубел не беше без противоречия и отричания. Творчеството му е отличено с най-високите награди на международни изложби (златен медал в Париж през 1900 г. за камина от майолика) и мръсно проклятие от официална реакционна критика. В платната на художника преобладава студен, нощен цвят. Поезията на нощта триумфира в живописното пано „Люляк”, в пейзажа „Към нощта” (1990), в митологичната картина „Пан” (1899), в приказната „Принцесата лебед” (1900) (ил. 28). Много от картините на Врубел са автобиографични.

В живота той премина през период на непризнаване, лутане, неуреден живот. Звездата на надеждата светна от момента на срещата с Надежда Забела - оперен певец(1896), който го въвежда в света на музиката, го събира с Римски-Корсаков (под влиянието на приятелството с композитора и музиката му Врубел рисува своите приказни платна „Принцесата лебед“, „Тридесет и три богатири“ и др., завърши скулптурите "Волхов", "Мизгир" и др.). Но силен нервно напрежениестана известно. През 1903 г., след смъртта на двегодишния му син Сава, самият той иска да бъде отведен в болница за психично болни. В моменти на просветление на съзнанието той пише сред изрисуваните още 2 портрета на своята Надежда (1-ви на фона на голи есенни брези, 2-ри след представлението, до откритата камина). Към края на живота си той ослепява. 14 април 1910г

Михаил Александрович Врубел почина в петербургската клиника на д-р Бари. През 1910 г. голям брой хора взеха участие в погребението на художника на 16 април на гробището на Новодевичския манастир в Санкт Петербург. А. Блок говори на гроба: "...Пред това, което Врубел и подобните му разкриват на човечеството веднъж на век - мога само да треперя. Ние не виждаме тези светове, които те са видели." Творческото наследство на Врубел е много разнообразно от стативи до монументални картини, от майолика до извивки, от дизайна на спектакли в частната опера на Мамонтов до интериорния дизайн на имението на Морозов от архитект Фьодор Осипович Шехтел. Може би затова някои го наричат ​​художник-символист и сравняват творчеството му със симфониите на Скрябин, ранната поезия на Блок и Брюсов, други - художник от стил Арт Нуво. Може би и двамата са прави. Самият той не се смяташе за член на нито едно течение, единственият култ за него беше красотата, но с врубелов оттенък на меланхолия и „божествена скука“.

"Светът на изкуството" (1899-1924)

В края на 1890-те, с финансовата подкрепа на принцеса Тенишева и Мамонтов, Сергей Павлович Дягилев основава списание "Светът на изкуството", за което похарчи по-голямата част от собственото си състояние. Скоро името на списанието стана общоприето и се превърна в дефиниция на цяла естетическа платформа.

„Светът на изкуството“ беше един вид реакция на творческата интелигенция на Русия към прекомерната публицистика визуални изкустваСкитници, до политизиране на цялата култура като цяло, поради изостряне на общата криза на Руската империя. Основното ядро ​​на редакционния екип на списанието бяха млади художници и писатели, които бяха приятели от ученическите дни: Сомов, Беноа, Бакст, Добужински, Рьорих, Серов, Коровин, Врубел, Билибин. Техните произведения бяха острови на красотата в противоречие сложен свят. Обръщайки се към изкуството на миналото с откровено отхвърляне на съвременната реалност, Светът на изкуството запозна руската публика с новите художествени тенденции в Русия (импресионизъм), а също така разкри великите имена на Рокотов, Лавицки, Боровиковски и други, забравени от съвременниците .

Списанието имаше най-високо качество на печат с много илюстрации - беше скъпо издание. Мамонтов през 1904 г. претърпява големи финансови загуби. Дягилев направи всичко възможно, за да спаси списанието. Той изразходва по-голямата част от собствения си капитал, за да продължи да го публикува, но разходите нарастват неконтролируемо и изданието трябва да бъде прекратено.

И през 1906 г. Дягилев успява да организира изложба на руска живопис в Париж като част от Есенния салон.

За първи път на тази изложба Париж видя Руски художници и скулптори. Представена беше всяка живописна школа, от ранните икони до фантазиите на най-авангардните експериментатори. Успехът на изложбата беше огромен.

Нека се спрем по-подробно на някои членове на това общество (членството на „Светът на изкуството“ се промени).

Естетическият законодател и идеолог на „Светът на изкуството” беше Александър Беноа. Мирискусниците не искаха да зависят в работата си по темата на деня, както реалистите, Скитниците. Те се застъпваха за индивидуалната свобода на художника, който може да боготвори всичко и да го изобразява върху платна. Но имаше много съществено ограничение: само красотата и възхищението от красотата могат да бъдат източник на творчество. Съвременната реалност е чужда на красотата, което означава, че изкуството и славното минало могат да бъдат източник на красота. Оттук и изолацията на Света на изкуството от живота, нападките срещу селския реализъм на Скитниците, презрението към прозата на буржоазното общество.

Александър Николаевич Беноа (1870-1961)

Александър Николаевич Беноа (1870-1961) е роден в семейството на петербургски придворен архитект. Той израства в атмосфера, наситена с интерес към дворцовото изкуство от миналото. Учи в Художествената академия и посещава работилницата на И. Е. Репин.

Беноа беше идеолог "Светът на изкуството". Любимият мотив на картините му е царственото великолепие на аристократичното изкуство. Отказвайки да търси красотата в хаоса на живота, Беноа се обръща към отминалите художествени епохи. Изобразявайки времената на Луи XIV, Елизабет и Екатерина, увлечени от красотата на Версай, Царско село, Петерхоф и Павловск, той почувства, че всичко това е изчезнало завинаги („Банята на маркизата“, 1906, „Крал“, 1906, „ Парад при Павел I", 1907 г. и други, същите мотиви срещаме в Е. Лансенре (1875-1946), "Императрица Елизавета Петровна в Царско село" и др.).

Но Беноа трябваше да се изправи пред истината на живота чрез произведенията на Пушкин, Достоевски, Толстой, Чайковски, Мусоргски, когато работи върху книжни илюстрации и театрални декори за техните произведения.

Свободата, изобретателността и вътрешната енергия на рисунката отличаваха илюстрациите на Беноа към „Медният конник“ на Пушкин. Когато Беноа предава преследването на Евгений от кралския конник, той се издига до истински патос: художникът черпи възмездие за „бунта“ малък човексрещу гения на основателя на Петербург.

Работи върху театрални декориБеноа използва програмата „Светът на изкуството“, тъй като театралният спектакъл е причудлива измислица, „сценична магия“, изкуствени миражи. Наричаха го „театралния магьосник“. Тя е пряко свързана със славата на руското изкуство в Париж през театрални сезониСергей Дягилев (Беноа е художествен ръководител на театралните сезони в Париж 1908-1911). Създава сценични проекти на операта на Вагнер „Падението на боговете“ (Мариински театър, 1902-1903), балетът на Черепнин „Павилионът на Артемида в Мариинския театър“, 1907 и 1909, балет „Петрушка“ на Стравински (Болшой 1911-12). Славей“ (Антрепризът на Дягилев в Париж, 1909 г.).

Беноа охотно прибягва в своите произведения до формите на придворния театър от 17-18 век, до методите на стари чужди комедии, буфонада, кабина, където имаше фантастичен измислен „Свят на изкуството“.

Беноа прие предложението на Станиславски и оформи няколко спектакъла на МХТ, сред които „Въображаемият болен“, „Брак от плен“ от Молиер (1912), „Хозяйката на хана“ от Голдони (1913), Каменният гост, „Пир по време на чума”, „Моцарт и Салиери” от Пушкин (1914) Беноа внася истински драматичен патос в тези декори.

Художник и график, отличен илюстратор и изтънчен дизайнер на книги, театрален художник със световна слава и режисьор, един от най-големите руски изкуствоведи, Беноа направи много, за да гарантира, че руската живопис заема своето достойно място в световната история изкуство.

Константин Андреевич Сомов (1869-1939)

Константин Андреевич Сомов(1869-1939) - син на известен историк и изкуствовед, един от най-големите майстори на "Светът на изкуството" в творчеството си също се отдава на капризите на въображението. Сомов завършва Художествената академия в Санкт Петербург, брилянтен член на Репин, продължава образованието си в Париж.

Неговите "Дама в синьо"(1900) е наречена музата на „Светът на изкуството”, който е потопен в мечти от миналото.

Този портрет на художника Е. М. Мартинова (1897-1900) (ил. 30) е програмна работа на Сомов. Облечена в стара рокля, героинята с израз на умора и копнеж, неспособност да се бори в живота ви кара да усетите психически дълбочината на бездната, която разделя миналото от настоящето. В това произведение на Сомов най-откровено е изразен песимистичният фон на „изоставянето в миналото“ и невъзможността съвременният човек да намери спасение от себе си.

Какви са героите и сюжетите на други картини на Сомов?

Любовна игра - срещи, бележки, целувки по алеите, беседки на градини или пищно украсени будоари - обичайното забавление на героите на Сомов с техните напудрени перуки, високи прически, бродирани камизоли и рокли с кринолини ("Семейно щастие", "Остров на любовта" “, 1900, „Дама в розова рокля, 1903, Спящата маркиза, 1903, Фойерверки, 1904, Арлекин и смърт, 1907, Нелепата целувка, 1908, Пиеро и дамата, 1910, Дамата и дяволът 19 и други).

Но в забавлението на картините на Сомов няма истинска жизнерадост. Хората се радват не от пълнотата на живота, а от факта, че не знаят нищо друго. Това не е весел свят, а свят, обречен на забавление, на уморителен вечен празник, който превръща хората в марионетки на призрачно преследване на удоволствията на живота.

Животът се оприличава на куклен театър, така че през образите на миналото се прави оценка на живота, съвременен на Сомов.

През втората половина на 1900-те години Сомов създава поредица от портрети на художествената и аристократичната среда. Партретите на А. Блок, М. Кузмин, М. Добужински, Е. Лансере принадлежат към тази серия.

От 1923 г. Сомов живее в чужбина и умира в Париж.

Мстислав Валерианович Добужински (1875-1957)

Мстислав Валерианович Добужински(1875-1957), литовец по националност, е роден в Новгород. Художественото си образование получава в школата по рисуване на Дружеството за насърчаване на художниците в Санкт Петербург, която посещава едновременно с обучението си в университета от 1885 до 1887 г. След това продължава обучението си по изкуство в Мюнхен в ателието на А. Ашбе и С. Холоши (1899-1901). Връщайки се в Санкт Петербург, през 1902 г. той става член на "Светът на изкуството".

Сред художниците от "Светът на изкуството" Добужински се откроява със своя тематичен репертоарпосветен на модерния град, ако Беноа и Лансере създадоха образа на града от минали епохи, пълен с хармонична красота, то град Добужински е остро модерен.

Тъмните мрачни дворове-кладенци на Санкт Петербург, като тези на Достоевски ("Дворът", 1903, "Къщата в Санкт Петербург", 1905), изразяват темата за мизерното съществуване на човек в каменна торба от руската столица.

В снимки от миналотоДобужински се смее като Гогол през сълзите си. „Руската провинция от 1830 г. (1907-1909) той изобразява и мръсотия на площада, мързелива стража и облечена млада дама и ято врани, които кръжат над града.

В образа на мъжДобужински внася и момент на безмилостно драматично усещане за времето. В образа на поета К. А. Суненберг („Човекът с очила“, 1905-1997) (ил. 31) майсторът концентрира чертите на руски интелектуалец. Има нещо демонично и патетично в този човек едновременно. Той е ужасно същество и в същото време жертва на съвременния град.

Урбанизмът на съвременната цивилизация оказва натиск върху влюбените („Влюбените“), които едва ли ще успеят да запазят чистотата на чувствата си в покварената реалност.

Добужински не избягваше страстта към театъра. Подобно на мнозина, Добужински се надяваше да повлияе на реда на живота чрез изкуството. Най-благоприятните условия за това бяха осигурени от театъра, където художници и музиканти работеха заедно с писателя-драматург, режисьор и актьори, създавайки едно произведение за много зрители.

В Античния театър той изпълнява декорациите към средновековната пиеса на Адам де ла Хале „Играта на Робин и Марион“ (1907), стилизирайки средновековна миниатюра, художникът създава великолепен по своята фантастичност спектакъл. Оформяйки лубок, декорацията за "Демоническо действие" от А. М. Ремизов (1907) е направена в театъра на В. Ф. Комисаржевская.

По скици на Добужински са направени декорации за пиесата на А. А. Блок "Розата и кръстът" (1917).

В МХТ Добужински проектира пиесата „Николай Ставрогин“ по пиесата на Достоевски „Демони“. Сега, вече на сцената, Добужински изрази отношението си към нечовешкия свят, осакатявайки душите и живота.

Добужински изпълни скици на костюми и декори за музикални изпълнения.

През 1925 г. Добужински напуска Съветския съюз, живее в Литва, от 1939 г. - Англия, САЩ, умира в Ню Йорк.

Лев Бакст

Отличава се с интересни творби в театралното и декоративното изкуство. Лев Бакст(1866-1924). Шедьоври са неговите декори и костюми за Шехерезада на Римски-Корсаков (1910), Жар-птица на Стравински (1910), Дафнис и Хлоя на Равел (1912), балет " следобедна почивкаФавн" от Дебюси (1912) в постановка на Васлав Ниженски. Всички тези представления зарадваха парижката публика по време на антреприза на Сергей Дягилев.

Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927)

За Борис Михайлович Кустодиев(1878-1927) са източник на творческо вдъхновение Традиционни характеристики на руския национален живот. Той обичаше да изобразява спокойна патриархална провинция, весели селски празници и панаири с техните многоцветни чинц и сарафани, карнавали, искрящи от мразовит сняг и слънце с въртележки, кабинки, пъргави тройки, както и сцени от търговския живот - особено търговци, облечени в луксозни рокли, тържествено пиене на чай или извършване на традиционни пазарувания, придружени от лакеи („Търговец”, 1915, „Масленица”, 1916 и др.).

Художественото образование Кустодиев започва в родината си, в Аустрахан. През 1896 г. е преместен в работилницата на Репин, след 5 години завършва колеж с право да се пенсионира в Париж.

Нека кажем няколко думи за обучението в Художествената академия. През 1893 г. в Академията се извършва реформа, нейната структура и естеството на образованието се променят. Учениците след общи класове започват да работят в работилници, водени от изявени художници от онова време: през 1894 г. И. Е. Репин, В. Д. Поленов, А. И. Куинджи, И. И. Шишкин, В. А Маковски, В. В. Мате, П. О. Ковалевски.

Най-популярният беше Работилницата на Репин. Това беше фокусът на напреднали художествени и обществени интереси. „Цялата сила на следреформената академия сега е съсредоточена в градовете Репин и Мате“, пише А. Н. Беноа в статията „Студентски изложби в Академията“. Репин развива в своите ученици духа на творчество, социална активност, защитава тяхната индивидуалност. Нищо чудно от работилницата на Репин - Лебедева и др. Излязоха толкова различни и несходни художници като К. А. Сомов, И. Я. Билибин, Ф. А. Малявин, И. И. Бродски, Б. М. Кустодиев, А. П. Остроумова - Лебедева и др. Именно учениците на Репин отправиха опустошителна критика към старата система през годините на 1-ва руска революция, който активно говори в пресата по време на революцията от 1905-1907 г. с карикатури срещу царя и генералите, които извършваха репресии срещу бунтовния народ. По това време се появяват много списания ("Sting", "Zhupel" и др.), около 380 заглавия, които отговарят на темата на деня, в която графични произведения(това време се счита за разцвета на графиката). Сред тях беше и Кустодиев.

Окончателното съзряване на творчеството на художника Кустодиев се пада на 1911-1912 г. Именно през тези години картината му придобива онази празничност и мнозинство, онази декоративност и колоритност, които стават характерни за зрелия Кустодиев („Жената на търговец”, 1912 г. „Жената на търговец”, 1915 г., „Маленица”, 1916 г., „Пир в Село" и др.). Творческият импулс се оказва по-силен от болестта през 1911-1912 г. дългогодишна болест се превърна в сериозно нелечимо заболяване за художника - пълна неподвижност на краката ... През тези години той се запознава с Блок, чиито редове за търговското съсловие:

... И под кандилото близо до иконата
Пиейки чай, грабвам сметката,
След това обърнете купоните
Коремно отваряне на скрина.
И на пухени пера
Попадане в дълбок сън...

Приближават се до търговците Кустодиев, неговото „Чеене“, търговец, който брои пари, пълничка красавица, потопена в горещи пухени якета.

През 1914-1915г. Кустодиев вдъхновено работи по покана на Станиславски в МХТ, където оформя спектаклите „Смъртта на Пазухин“ от М. Е. Салтиков-Щедрин, „Есенни цигулки“ от Д. С. Сургучев и др.

Неговите шедьоври са свързани с последния период на творчество:

• картини "Балагани", "Търговец на чай", "Синя къща", "Руска Венера",
• декорации за представленията "Гръмотевична буря", "Снежанка", "Вражеска сила" от А. Н. Серов, " кралска булка"," Бълха ",
• илюстрации към произведенията на Н. С. Лесков, Н. А. Некрасов,
• литографии и линогравюри.

Къщата на Кустодиев беше един от художествените центрове на Петроград - А. М. Горки, А. Н. Толстой, К. А. Федин, В. Я. Шишков, М. В. Нестеров (ил. 29), С. Т. Коненков, Ф. И. Шаляпин и много други: момчето Митя Шостакович дойде тук при играй.

Кустодиев създаде едно цяло галерия от портрети на негови съвременници:

• художници („Групов портрет на художниците от „Светът на изкуството”, 1916-1920 г., портрет на И. Я. Билибин, 1901 г., портрет на В. В. Мате, 1902 г., автопортрети от различни години и др.),
• художници (Портрет на И. В. Ершов, 1905 г., портрет на Е. А. Полевицкая, 1095 г., портрет на В. И. Шаляпин, 1920-1921 г. и др.),
• писатели и поети (Портрет на Ф. Сологуб, 1907 г., портрет на В. Я. Шишков, 1926 г., Портрет на Блок, 1913 г., не е запазен, и много други),
• композитори Скрябин, Шостакович.

Ако в своята жанрова живопис художникът въплъщава живота във всички форми на неговото съществуване, често създавайки хиперболични образи, то неговите портрети, създадени в живописта, скулптурата, рисунката и гравюрата, винаги са строго автентични, житейски.

„Човек с висок дух“ нарича Кустодиев V. I. Шаляпин, който не се раздели с портрета си, направен от Борис Михайлович.

Разцеплението на "Светът на изкуството"

В средата на 1900 г. в редакцията на сп. „Светът на изкуството” настъпва разцепление, тъй като възгледите на художниците са еволюирали и първоначалните естетически нагласи са престанали да отговарят на мнозина. Издателската дейност преустановява и от 1910 г. „Светът на изкуството” функционира изключително като изложбена организация, не обвързана, както преди, с единството на творчески задачи и стилистични насоки. Някои художници продължиха традицията на по-възрастните другари.

Николай Рьорих (1874-1947)

Видна роля в актуализирания "Светът на изкуството" още през 1910-те години. изигран Николай Рьорих(1874-1947), той е председател на дружеството през 1910-1919.

Рьорих, ученик на Куинджи в Художествената академия, той наследява от него пристрастие към повишени колоритни ефекти, към специална живописна композиция. Творчеството на Рьорих е свързано с традициите на символизма. През 1900-1910г. той посвети работата си на древните славяни и Древна Русия от първите години на християнството, по това време Рьорих се увлича по археологията и историята на Древна Русия („Заморски гости“, 1901 г.). Дървеният кораб на варягите прилича на "брат" - древен черпак, който обединява приятели и люти врагове в пиршества. Ярките цветове на картината правят сюжета по-приказен, отколкото реален.

В много от картините на Рьорих се усеща влиянието на иконописта, очевидно тя е била важен източник в развитието на собствения му стил.

През 1909 г. той става академик по живопис. През 1900 г работи много за МХТ, за „Руските сезони“ на С. П. Дягилев и като стенописец (църквата в Талашкино). Рьорих е автор на много статии за изкуство, както и на проза, стихотворения, пътеписи. Той отделя много време и енергия на социални дейности.

През 1916 г. по здравословни причини Рьорих се установява в Сердобол (Карелия), който през 1918 г. е отстъпен на Финландия. През 1919 г. Рьорих се премества в Англия, след това в Америка. През 1920-1930-те години. прави експедиции до Хималаите, Централна Азия, Манджурия, Китай. Всичко това е отразено в неговите творби. От 1920 г живял в Индия.

Петров-Водкин

Говорейки за "Светът на изкуството", няма как да не се припомни и монументалното изкуство Петрова-Водкинакоито се стремят да намерят синтез между съвремен художествен езики културното наследство от миналото. Ще се спрем на работата му по-подробно в следващата глава.

Резултати от "Светът на изкуствата"

Обобщавайки разговора за „Светът на изкуството“, отбелязваме, че това е най-яркото явление в културния живот на „Сребърната епоха“, а значението на художниците от тази група се крие във факта, че те

• отхвърли салонизма на академизма,
• отхвърли тенденциозността (назидателността) на Скитниците,
• създава идейна и художествена концепция за руското изкуство,
• разкрива на съвременниците имената на Рокотов, Левицки, Кипренски, Вецианов,
• бяха в постоянна търси нов,
• постига световно признание на руската култура („Руски сезони“ в Париж).

"Съюз на руските художници" (1903-1923)

Едно от най-големите изложбени сдружения от началото на XX век. беше "Съюз на руските художници". Инициативата за създаването му е на московски художници - участници в изложби Светът на изкуството, които са недоволни от ограничените естетическа програма"Мирискусников"-петербургци. Създаването на "Съюза" датира от 1903 г. Врубел, Борисов-Мусатов, Серов са участници в първите изложби. До 1910 г. всички големи майстори на света на изкуството са членове на "Съюза". Но лицето на „Съюза“ се определя главно от художниците на московското училище, възпитаници на московското училище, които развиват традициите лирически пейзажЛевитан. Сред членовете на „Съюза” бяха и Скитниците, които също не приемаха „западничеството” на „Светът на изкуството”. И така, А. Е. Архипов (1862-1930) искрено разказва за тежкия трудов живот на хората („Перачки“, 1901). В недрата на Съюза се формира руска версия на живописния импресионизъм със свежа природа и поезия на селски образи на Русия.

Поезията на руската природа се разкрива И. Е. Грабар(1874-1960). Цветовата хармония и цветните откровения са поразителни в картината " февруари синьо"(1904), който самият художник нарича "празник на лазурното небе, перлени брези, коралови клони и сапфирени сенки върху люляк сняг." През същата година е нарисувана друга картина, отличаваща се с уникална пролетни цветове, "Мартенски сняг". Текстурата на картината имитира повърхността на топене мартенски сняг, а щрихите наподобяват шумоленето на изворни води.

В тези пейзажи Грабар прилага метода на дивизионизма – декомпозиция видим цвятвърху спектрално чистите цветове на палитрата.

Срещаме селски мотиви при Ф. А. Малявина(1969-1940). Във „Вихър“ (1906) селските чинтове са разпръснати в див хоровод, който образува странен декоративен модел, в който се открояват лицата на смеещи се момичета. Бунтът на четката на художника е съпоставим с елементите на селски бунт. А. П. Рябушкин, потомък на обикновени селяни, живял по-голямата част от живота си в скромното село Кородин, ни обръща към предпетровския живот на селяните и търговците, говори за ритуали, народни празници и ежедневие. Неговите герои, леко конвенционални, леко приказни, замръзнаха, като в древни икони („Сватбен влак“, 1901 г. и др.).

Интересен художник на "Съюза" е К. Ф. Юон(187 5-1958). Неговите картини са оригинална сплав битов жанрс архитектурен пейзаж. Той се възхищава на панорамата на стара Москва, древни руски градове с обикновен уличен живот.

Художниците от "Съюза" свързваха националния руски вкус със зимата и ранната пролет. И не е случайно, че един от най-добрите пейзажиЮон е „Мартенски слънце“ (1915).

Преобладаващото мнозинство от художниците на „Съюза“ продължиха линията Саврасов-Левитан на руския пейзаж.

Куинджи продължи традициите на композирания декоративен пейзаж А. А. Рилов(1870-1939). В неговия „Зелен шум“ (1904) се усеща оптимизъм и динамика, дълбоко разбиране и героично начало на пейзажа. Обобщение на образа на природата се усеща в картините "Лебеди над Кама" (1912), "Гръмливите реки", "Тревожна нощ" (1917) и др.

Един от най-известните художници на "Съюза" беше Коровин. С него са свързани първите стъпки на руския живописен импресионизъм.

Сдружение "Синя роза"

Друго голямо художествено сдружение беше "Синя роза". Под това име през 1907 г. в Москва, в къщата на М. Кузнецов на Мясницкая, ж.к. изложба на 16 художници- възпитаници и студенти на Московското училище по живопис, скулптура и архитектура, сред които П. В. Кузнецов, М. С. Сарян, Н. Н. Сапунов, С. Ю. Судейкин, Н. Кримов, скулптор А. Матвеев. Изложбата нямаше нито манифест, нито устав. „Синята роза“ беше подкрепена и популяризирана от списание „Златно руно“, което се смяташе за крепост на модернизма и за рупор на „най-новото“ (по отношение на „Светът на изкуството“) направление в изкуството.

Художници на Синята розаса последователи на Борисов-Мусатов и се стремят да създадат символ на нетленната красота. Символично е и името на сдружението. Но Кузнецов и Сарян скоро избягаха от плен на изкуствените аромати на „мистериозните градини“. През призмата на мечтата за един приказен, просветен свят, те - водещите художници на "розата" - разкриха темата за Изтока. П. В. Кузнецов(1878-1968) създава поредица от платна "Киргизка сюита". Пред нас е примитивна патриархална идилия, „златен век”, сбъдната мечта за хармония между човека и природата („Мираж в степта”, 1912 г. и др.). М. С. Сарян(1880-1972), който заедно с Кузнецов завършва класовете на МУЖВЗ, до края на живота си той запазва в своя колоритен, картинивярност към епичната първобитност на суровата планинска природа на Армения. Творческият стил на Сарян се отличава с лаконизъм („Улица. Обяд. Константинопол“, 1910 г., „Мулите, натоварени със сено“, 1910 г., „Египетски маски“, 1911 г. и др.). Според теорията на символизма, художниците на "Синята роза" са били обект на инсталиране на визуална трансформация на образите на реалността, за да се изключи възможността за буквално възприемане на нещата и явленията. Театърът се превръща в сферата на най-ефективното универсално преобразуване на реалността. Следователно картината на "Синята роза" беше в унисон със символичните продукции на В. Майерхолд.

Н. Н. Сапунов(1880-1912) и С. Ю. Судейкин(1882-1946) са първите в Русия, които проектират символичните драми на М. Метерлинк (в Театър-студио на Поварска, 1905). Сапунов при Мейерхолд създава постановки на Хеда Габлер от Ибсен, Куклено шоу на Блок (1906). "Синя роза" е ярка страница в историята на руското изкуство от началото на 20-ти век, пълна с поезия, мечти, фантазии, уникална красотаи духовност.

Групиране "Вале от диаманти"

В края на 1910-1911г. на арената артистичен животсе появява нова група с удебелено име "Диамантно валетче". Ядрото на обществото до 1916 г. са художниците

• П. П. Кончаловски ("Портрет на Якулов", "Агаве", 1916 г., "Портрет на Сиена, 1912 г. и др.),
• И. и Машков. („Плодове на поднос“, 1910 г., „Хляб“, 1910 г., „Натюрморт със сини сливи“, 1910 г. и др.),
• А. В. Лентулов ("Василий Блажени", 1913 г.; "Пръстен", 1915 г. и др.),
• А. В. Куприн („Натюрморт с глинена кана“, 1917 г. и др.),
• Р. Р. Фалк („Крим. Пирамидална топола“, „Слънце. Крим. Кози“, 1916 г. и др.).

„Диамантният валет“ имаше своя устав, изложби, колекции от статии и се превърна в нова влиятелна тенденция в руското изкуство. За разлика от импресионизма и художниците на Синята роза, възразяващи срещу изтънчения естетизъм на Света на изкуството, художниците на Диамантеното вале предлагаха на зрителя проста природа, лишена от интелектуален смисъл, която не предизвиква исторически и поетични асоциации . Мебели, съдове, плодове, зеленчуци, цветя в цветни художествени комбинации – това е красотата.

В своите живописни търсения художниците гравитират към късните Сезан, Ван Гог, Матис, използват техниките на неекстремния кубизъм, футуризъм, родени в Италия. Тяхната материална живопис се наричаше "сезанизъм". Важно е, че обръщайки се към световното изкуство, тези художници са използвали собствените си народни традиции - знаци, играчки, популярни щампи...

Михаил Федорович Ларионов (1881-1964)

През 1910-те години се появяват на художествената сцена Михаил Федорович Ларионов(1881-1964) и Наталия Сергеевна Гончарова (1881-1962). Като един от организаторите на "Диамантния валет", през 1911 г. Ларионов скъса с тази група и стана организатор на нови изложби под шокиращите имена "Магарешка опашка" (1912), "Мишена" (1913), "4" ( 1914 г., имената на изложбите са подигравка с имената „Синя роза“, „Венец“, „Златно руно“).

Младият Ларионов обича първо импресионизма, след това примитивизма, идващ от френските течения (Матис, Русо). Подобно на други, Ларионов искаше да черпи от руските традиции древна икона, селска шевица, градски табели, детски играчки.

Твърдяха Ларионов и Гончарова живописен нео-примитивизъм(името е измислено от нас), което достига своя връх през 1910-те години. В своите изпълнения те контрастираха ориенталската си живопис със западната, а също така неволно продължиха традициите на скитниците, като отново преминаха към ежедневния жанр, базиран на разказа („неволни скитници“). Те искаха да съчетаят сюжета с нова пластичност и получиха специален примитивен живот на провинциални улици, кафенета, фризьорски салони, войнишки казарми.

Ларионов от сериала "Фризьорство" се отнася към шедьоврите "офицерска бръснарница"(1909 г.). Картината е нарисувана в имитация на провинциален знак. Ларионов се шегува с героите (фризьор с огромни ножици и помпозен офицер), разкрива особеностите на тяхното поведение и им се възхищава. Сериалът "войник" възниква под влиянието на впечатленията му от службата в армията. Художникът се отнася към войниците си с любов и ирония („Войник на кон” е оприличен на детска играчка, „Почиващ войник” е направен с наивността на детска рисунка) и внушава недвусмислени асоциации. Следва цикълът на "Венера" ​​("войник", "молдовка", "еврейка") - голи жени, отпуснати на възглавници - обект на желания, мечти и фантазии.

Тогава той има наивни алегории "Сезони". Стилът на войника се заменя с "ограда", появяват се различни надписи, улицата започва да говори от картините на художника. В същото време той отваря своя собствена версия на необективното изкуство - Районизъм. През 1913 г. излиза книгата му Лучизъм.

Значението на творчеството на Ларионов се подчертава от думите на В. Маяковски: „Всички минахме през Ларионов”.

Маниерът на съпругата на Ларионов Наталия Гончарова е различен, тя избира темите на картините си най-често селски труд, евангелски сцени ("Жътва", "Измиване на платното", 1910 г.; "Риболов", "Риболяване на овце", "Къпане на коне" , 1911) и създаден епични произведенияоригинален народен живот.

Бенедикт Лифшиц пише за картините на Гончарова от 1910-1912 г.: „Посред фантастичното великолепие на цветовете, по изключителната изразителност на конструкцията, по напрежението на силата на фактурата те ми се сториха истински съкровища на световната живопис“. През 1914 г. в Париж се провежда личната изложба на Гончарова, каталогът за нея е отпечатан с предговор на известния поет Гийом Аполинер. През 1914 г. Гончарова прави костюми и декорации за „Златното петле“ на Римски-Корсаков за театъра. Година по-късно Ларионов и Гончарова заминават в чужбина, за да проектират балетите на Дягилев. Комуникацията с Русия беше прекъсната в живота, но не и в творчеството. До смъртта си художничката е заета с руската тема.

Нетрадиционното изкуство на Гончарова и Ларионов беше наречено формализъм и беше изтрито от историята на руското изкуство за дълго време.

Владимир Владимирович Маяковски (1893-1930)

Футуристично училище оглавява В. В. Маяковски(1893-1930). Той беше ученик на МУЖВЗ, научи много от В. Серов и го гледаше в неговите картини и рисунки.

Художественото наследство на Маяковские с голям размер и разнообразие. Работил е както в живописта, така и в почти всички жанрове на графиката, от портрети („Портрет на Л. Ю. Брик“) и илюстрации до плакати и скици на театрални постановки (трагедията „Владимир Маяковски“).

Маяковски имаше универсален талант. Неговите стихотворения на хартия имаха особена графика и ритъм, често придружени от илюстрации, при рецитацията изискваха театрално изпълнение. Синтезираната универсалност на неговите произведения оказва максимално въздействие върху слушателя и читателя. От тази гледна точка най-голям интерес ни интересуват неговите известни "ROSTA Windows". В тях Маяковски най-ясно се проявява и като художник, и като поет, създал съвсем ново явление в световното изкуство на 20 век. Въпреки факта, че Маяковски "Windows" направи след революцията от 1917 г., ние ще спрем на тази страница от работата му в тази глава.

Маяковски прави всеки „Прозорец“ като цяло стихотворение на една тема, разделено последователно на „рамки“ с рисунки и един или два реда текст. Римувани и ритмични стихове диктуват сюжета, а рисунките придават визуално, цветно звучене на думата. Още повече, че тогавашните зрители на „Прозорци”, свикнали с нямото кино, четат надписите на глас и така плакатите наистина са „озвучени”. Така възникна цялостно възприемане на "Windows".

В своите рисунки Маяковски, от една страна, пряко продължава традицията на руските популярни щампи, от друга страна, той разчита на опита на най-новата картина на М. Ларионов, Н. Гончарова, К. Малевич, В. Татлин , който най-вече принадлежеше на заслугата за възкресяването на живото отношение към живото изкуство в началото на 20 век Така на пресечната точка на 3 изкуства – поезия, живопис и кино – възниква нов вид изкуство, което се превръща в значимо явление. съвременна култура, в който думите се четат като рисунки, а рисунките опростени до схема (червено - работник, лилаво - буржоа, зелено - селянин, синьо - бяла гвардия, глад, опустошение, комуна, Врангел, въшка, ръка, око, пушка , Земята) се четат като думи. Самият Маяковски нарича този стил "революционен стил". Рисунката и словото в тях са неразделни един от друг и във взаимодействие образуват единен език на идеографията. Трябва да се отбележи, че много от съмишлениците на Маяковски - кубофутуристите - бяха едновременно поети и художници и често изобразяваха своите поетични произведения на графичен език („Стихотворение от армиран бетон“ от Давид Бурлюк).

Василий Василиевич Кандински (1866-1944)

Абстракционизмът в руската версия се развива в две посоки: за Кандински това е спонтанна, ирационална игра на цветни петна, за Малевич това е появата на математически проверени рационални геометрични конструкции. В. В. Кандински(1866-1944) и К. С. Малевич(1878-1935) са теоретици и практици на абстрактното изкуство. Затова е трудно да разберем платната им, без да познаваме теоретичните им разработки, да разберем какво се крие зад всякакви комбинации от първични елементи – линии, цветове, геометрични форми.

И така, Василий Кандински разглежда абстрактната форма като израз на вътрешното духовно състояние на човека („Истинското произведение на изкуството възниква мистериозно, загадъчно, по мистичен начин„на художника“). Той е един от първите, които поставят пред изкуството целта за съзнателно „освобождаване” от художника върху платното на енергията на движението, цвета, звука. И техният синтез за Кандински е „стъпки“ към бъдещото нравствено, духовно пречистване на човека. Кандински вярвал, че "цветът е средство, чрез което можете директно да повлияете на душата. Цветът е ключ; окото е чук; душата е многострунно пиано." Художникът, с помощта на клавишите, целенасочено привежда човешката душа във вибрация. Кандински тълкува цветовете и формите произволно: той приписва определен „свръхчувствен“ цвят на жълтия цвят и определен характер на „инхибиране на движението“ на синия цвят (тогава той също случайно промени характеристиките), той разглежда върха на заострения триъгълник като движение нагоре, като „образ на духовния живот” и обявен за „израз на неизмерима вътрешна тъга”.

Прилагайки теорията си на практика, Кандински създава абстрактни произведения от три вида - импресии, импровизации и композиции, еднакво лишени от смисъл, несвързани с живота. Но „схемите на движението на цвета“ не дадоха резултати, цветните геометрични форми не загубиха своята статична природа и Кандински се обърна към музиката, но не модернистична (например музиката на Шьонберг), а към „Картини на изложба“ на Мусоргски “ – но комбинирането на несъвместимо е неблагодарна задача (спектакъл в театъра в Десау през 1928 г. беше монотонен и досаден: актьорите се движеха по сцената с абстрактни форми на триъгълници, ромби, квадрати; подобен филмов експеримент с Унгарската рапсодия на Лист беше също неуспешно). Най-забележителният период в творчеството на Кандински е 1910-те години. В по-късните години Кандински губи уникалността на това време.

Кандински започна пътуването си късно професионален художник. Учи в гимназия в Одеса, след това учи право в Московския университет, интересува се от етнография, прави няколко пътувания из Русия, свързани с научните му интереси, до 30-годишна възраст е готов да ръководи катедра в Дерп (Тарту), но той рязко променя решението си и заминава за Мюнхен да учи рисуване. Животът в изкуството продължи около 50 години.

Чиракуването беше краткотрайно. Кандински започна да търси лицето му. С приятели създава "Фаланга" (1901-1904). Нейният опит не беше напразен, благодарение на Кандински известните общества „Нов художествена асоциация"(1909), "Синият ездач" (1911). Приемайки парижкия фовизъм, немския експресионизъм, Кандински създава своето оригинално изкуство.

По време на Първата световна война живее в Русия. Октомврийска революциявърна Кандински към активни организационни, педагогически и научна дейност. Той участва в създаването на музей на изобразителната култура, редица провинциални музеи, организацията на Държавната академия на художествените науки, ръководи Института за художествена култура, преподава във Vkhutemas, известното московско висше учебно заведение, което провъзгласи нови принципи на художествена педагогика и пр. Но не всичко върви добре и през В края на 1921 г. художникът напуска Русия и заминава за Берлин, откъдето няколко месеца по-късно се мести във Ваймар, а през 1925 г. в Десау и работи в Баухаус. Институт по изкуствата. Нацистите обявяват изкуството му за дегенерат, той заминава за Франция, където умира.

Казимир Малевич (1878-1935)

Казимир Малевич също смята, че не е достойно да изобразява истински художник реалния свят. В движението си към обобщение той стига от импресионизма през кубофутуризма до супрематизма (1913; Супрематизъм- от полски - най-високият, недостъпен; Полският беше родният език на Малевич). Супрематизмът се счита от своя създател като най-висшата форма на творчество по отношение на фигурното изкуство и е призван да пресъздаде, използвайки комбинации от геометрични фигури, боядисани в различни тонове, пространствената структура („живописна архитектоника“ на света) и да предаде определени космически модели. В необективните му картини, изоставили земните „забележителности“, идеята за „горе“ и „долу“, за „ляво“ и „дясно“ изчезна – всички посоки са равни, както във Вселената. А "Черният квадрат" (1916) от Малевич символизира началото нова ерав изкуството, базирано на пълна геометрия и схематизъм на формите. През 1916 г., в писмо до А. Н. Беноа, Малевич изразява своето „кредо” по следния начин: „Всичко, което виждаме в областта на изкуството, е същите повторения на миналото. Нашият свят се обогатява на всеки половин век от работата на брилянтен създател -" технология! Но Светът на изкуството е обогатил съвременното му време? Той представи чифт кринолини и няколко униформи на Петър.

Затова призовавам само тези, които могат да дадат своя плод на изкуството на днешното време. И аз съм щастлив, че лицето на моя квадрат не може да се слее с нито един майстор или време. Не е ли? Не слушах бащите си, не съм като тях.

И аз съм стъпка.

Разбирам ви, вие сте бащи и искате децата ви да са като вас. И ги караш на пасището на старите и заклеймяваш младата им душа с печатите на лоялност, както в раздела на паспорта.

Имам една гола, нерамкова (като джобна) икона на моето време."

Супрематизмът на Малевич преминава през три етапа: черен, бял и цветен. К. Малевич смята философската основа на изкуството на супрематизма за интуиционизъм. „Интуицията“, пише той, „тласка волята към креативност, а за да стигнем до него, е необходимо да се отървем от обекта, трябва да създадем нови знаци... Стигайки до пълното унищожаване на обективността в изкуството, ще поемем по творческия път на създаване на нови формации, избягвайте каквото и да е жонглиране с телта на изкуството различни предметитова, което те практикуват сега ... училища по изобразително изкуство. "Ако абстракционизмът на Малевич и Кандински се развива първоначално изключително в рамките на стативната живопис, то в творчеството В. Е. Татлин(1885-1953), текстурата става обект на абстрактен експеримент. Tatlin комбинира различни материали - калай, дърво, стъкло, превръщайки картинната равнина в своеобразен скулптурен релеф. В т. нар. контрарелефи на Татлин „героите“ не са реални предмети, а абстрактни категории текстура – ​​груба, крехка, вискозна, мека, искряща – които живеят помежду си без определен изобразителен сюжет.

Този вид изкуство се смяташе за модерно, съответстващо на времето на машинната епоха.

Трябва да се помни, че социалната и културна среда, която формира мирогледа на Ларионов, Малевич и Татлин, рязко се различава от средата на Бакст, Беноа, Сомов. Те произхождаха от прости семейства, без ни най-малка претенция към по-висока култура, и напускаха училище рано. Те не са повлияни от мощна културна традиция, както художниците от "Светът на изкуството", следователно не е редно да се съчетават с идеите на изтънчения символизъм и с висшата математика. Те бяха директни, спонтанни артисти, подчиняващи се на инстинкта, интуицията, а не на трезвата пресметливост и културното влияние върху тях не беше сеанс и не маса. химични елементиМенделеев, но циркът, панаирът и живота на улицата.

констатации

Обобщавайки, отбелязваме, че основните характеристики на изкуството от този период са - демокрация, революционен, синтезиране(взаимодействие, взаимовръзка, взаимно проникване на формите на изкуството).

Домашното изкуство вървеше в крак с времето, включваше различни течения (реализъм, импресионизъм, постимпресионизъм, футуризъм, кубизъм, експресионизъм, абстракционизъм, примитивизъм и др.). Никога досега не е имало такова идеологическо объркване, толкова противоречиви търсения и тенденции и такова изобилие от имена. Една след друга се появиха нови асоциации с гръмки манифести и декларации. Всяко от направленията претендираше за изключителна роля. Младите художници се опитаха да обезкуражят зрителя, да предизвикат недоумение, смях.

Един вид дивотия (често художници от лявото крило се наричаха "диви") се стигна до грубо сваляне на властта. Така че в отричане реалистично изкуствостигна до "процеса на Репин" в Московския политехнически музей. Но както и да е, това е една от най-интересните и противоречиви страници на руското изкуство, за която разговорът никога няма да бъде скучен, недвусмислен и пълен. Фантастично ирационално начало се крие в творчеството на забележителен художник от Витебск М. З. Чагала(1887-1985). Със своята философия на живописта Шагал учи за кратко при Ю. Пън във Витебск и при Бакст в Санкт Петербург.

Какво всъщност е нарисувано върху известни руски картини.

Николай Неврев. "Сделка. Сцена от живота на крепостта. 1866 г

Един земевладелец продава крепостна девойка на друг. Внушително показва на купувача пет пръста - петстотин рубли. 500 рубли - средна ценаРуски крепост през първата половина на 19 век. Продавачът на момичето е благородник с европейско образование. Картини по стените, книги. Момичето послушно чака съдбата си, други роби се тълпят на прага и гледат как приключва пазарлъкът. Копнеж.

Василий Перов. „Селско религиозно шествие на Великден“. 1861 г

Руско село 19 век Православен Великден. Всички са адски пияни, включително и свещеникът. Пичът в центъра носи иконата с главата надолу и е на път да падне. Някои вече паднаха. Забавен! Същността на картината е, че привързаността на руския народ към Православието е преувеличена. Пристрастяването към алкохола е очевидно по-силно. Перов е признат майстор на жанровата живопис и портрета. Но тази негова снимка в царска Русия беше забранена за показване и възпроизвеждане. Цензура!

Григорий Мясоедов. — Земята обядва. 1872 г

Времена на Александър II. Отменено е крепостното право. Въведено местно самоуправление – земства. Там се избирали и селяни. Но между тях и висшите класове има пропаст. Следователно обяд апартейд. Господа – в къщата, със сервитьорите, селяните – на вратата.

Федор Василиев. "Село". 1869 г

1869 г Пейзажът е красив, но селото, ако се вгледате внимателно, е бедно. Жалки къщи, спукани покриви, пътят е заровен в кал.

Ян Хендрик Верхейен. "Холандско село с фигури на хора." 1-ви етаж 19 век.

Е, така е, за сравнение

Алексей Корзухин. "Завръщане от града". 1870 г

Положението в къщата е лошо, дете пълзи по опърпан под, бащата донесе скромен подарък от града за по-голяма дъщеря - куп гевреци. Вярно е, че в семейството има много деца - само на снимката има три от тях, плюс може би още едно в импровизирана люлка.

Сергей Коровин. "На света". 1893 г

Това е село от края на 19 век. Вече няма крепостни селяни, но се появи разслоение – кулаци. На селско събрание – някакъв спор между бедните и кулаците. За горкия човек темата явно е жизненоважна, той почти хлипа. Богатият юмрук цвили над него. Другите юмруци на заден план също се кикотят на измамния неудачник. Но другарят вдясно от бедняка беше пропит от думите му. Вече има двама готови членове на комитета, остава да се изчака 1917 година.

Василий Максимов. „Търг за просрочени задължения”. 1881-82

Данъчната служба е полудяла. Царските чиновници продават с чука самовари, чугунени тенджери и други селски вещи. Най-тежките данъци върху селяните бяха изкупните плащания. Александър II "Освободителят" всъщност освободи селяните за пари - след това в продължение на много години те бяха задължени да плащат на родната си държава за парцелите, които им бяха дадени заедно с волята им. Всъщност селяните са имали тази земя преди, ползвали са я много поколения, докато са били крепостни. Но когато станаха свободни, те бяха принудени да платят за тази земя. Плащането трябваше да се извършва на вноски, чак до 1932 г. През 1907 г. на фона на революцията властите премахват тези реквизиции.

Владимир Маковски. „На булеварда“. 1886-1887

В края на 19 век индустриализацията дойде в Русия. Младежите се местят в града. Тя има покрив там. Те вече не се интересуват от стария си живот. А този млад трудолюбец дори не се интересува от жена си селянка, дошла при него от село. Тя не е напреднала. Момичето е ужасено. Пролетар с акордеон - всичко според фиг.

Владимир Маковски. "Дата". 1883 г

В селото има бедност. Момчето беше дадено „на хората“. Тези. изпратен в града да работи за собственика, който експлоатира детския труд. Майката дойде да посети сина си. Том явно му е трудно, майка му вижда всичко. Момчето лакомо изяжда донесената кифла.

И Владимир Маковски. Банков крах. 1881 г

Тълпа измамени вложители в офиса на банката. Всички са в шок. Мошеник банкер (вдясно) тихо изхвърля с плячка. Ченгето гледа на другата страна, сякаш не го вижда.

Павел Федотов. " свеж кавалер". 1846 г

Младият чиновник получи първата поръчка. Измива се цяла нощ. На следващата сутрин, поставяйки кръста точно върху халата, той го демонстрира на готвача. Луд поглед, пълен с арогантност. Готвачът, олицетворяващ хората, го гледа с ирония. Федотов беше майстор на такива психологически картини. Значението на това: мигащите светлини не са на колите, а в главите им.

Още Павел Федотов. "Закуска на аристократ" 1849-1850.

Сутрин обеднял благородник беше изненадан неочаквани гости. Той набързо покрива закуската си (парче черен хляб) с френски роман. Благородниците (3% от населението) са били привилегирована класа в стара Русия. Те притежаваха огромно количество земя в цялата страна, но рядко ставаха добър фермер. Не е баровски бизнес. В резултат - бедност, дългове, всичко е ипотекирано и преипотекирано в банки. В „Вишневата градина“ на Чехов имението на земевладелката Раневская се продава за дългове. Купувачи (заможни търговци) разкъсват имението и човек наистина се нуждае от черешовата градина на господаря (за да я препродаде като летни вили). Причината за проблемите на семейство Раневски е безделието в няколко поколения. Никой не се грижеше за имението, а самата любовница през последните 5 години живееше в чужбина и пропиля пари.

Борис Кустодиев. „Търговец“. 1918г

Провинциалното търговско съсловие е любимата тема на Кустодиев. Докато благородниците в Париж прахосваха имотите си, тези хора се издигнаха от дъното, правейки пари в огромна страна, където имаше къде да сложат ръцете и капитала си. Прави впечатление, че картината е нарисувана през 1918 г., когато кустодиевските търговци и търговци в цялата страна вече са в разгара си срещу буржоазията.

Иля Репин. Религиозно шествие в провинция Курск. 1880-1883

Различни слоеве на обществото идват на шествието и Репин ги изобразява всички. Отпред се носи фенер със свещи, последван от икона, след това отиват най-добрите хора - чиновници в униформи, свещеници в злато, търговци, благородници. Отстрани - охрана (на кон), след това - обикновените хора. Хората покрай пътищата периодично гребят, за да не отсекат властите и да не се качат в неговата лента. Третяков не хареса полицая на снимката (вдясно, в бяло, с цялата си глупост бие някой от тълпата с камшик). Той помоли художника да премахне това ченгешко беззаконие от сюжета. Но Репин отказа. Третяков все пак купи картината. За 10 000 рубли, което беше просто колосална сума по онова време.

Иля Репин. "Конвергенция". 1883 г

Но тези млади момчета в друга снимка на Репин - вече не ходят с тълпата на всякакви религиозни шествия. Те имат свой собствен път - терор. Това е "Народна воля", подземна организация на революционери, които убиха цар Александър II.

Николай Богданов-Белски. „Устно броене. В народното училище на С. А. Рачински. 1895 г

Селско училище. Селски деца в лаптови обувки. Но желанието за учене е налице. Учителят е в европейски костюм с папийонка. Това е истински човек - Сергей Рачински. Математик, професор в Московския университет. Доброволец преподава в селско училищев селото Татево (сега Тверска област), където е имал имение. Страхотна сделка. Според преброяването от 1897 г. нивото на грамотност в Русия е само 21%.

Ян Матейко. „Окована Полша“. 1863 г

Според преброяването от 1897 г. в страната има 21% грамотни хора и 44% великоруси. Империя! Междуетническите отношения в страната никога не са били гладки. Картината на полския художник Ян Матейко е нарисувана в памет на антируското въстание от 1863 г. Руските офицери със злобни халби оковават момиче (Полша), победено, но не счупено. Зад нея седи друго момиче (блондинка), което символизира Литва. Друг руснак я лапа мръсни. Полякът вдясно, седнал с лице към зрителя, е плюеният образ на Дзержински.

Николай Пимоменко. Жертва на фанатизъм. 1899 г

Картината изобразява истински случай, който е бил в град Кременец (Западна Украйна). Еврейско момиче се влюби в украински ковач. Младите решили да се оженят с покръстването на булката. Това разтревожи местната еврейска общност. Държаха се изключително нетолерантно. Родителите (вдясно на снимката) се отрекоха от дъщеря си и момичето беше възпрепятствано. Жертвата е с кръст на врата, пред него е равин с юмруци, зад него е разтревожена публика с бухалки.

Франц Рубо. „Нападението на село Гимри“. 1891 г

Кавказката война от 19 век Адска партида даги и чеченци от царската армия. Аулът на Гимри (родовото село на Шамил) падна на 17 октомври 1832 г. Между другото, от 2007 г. режимът на антитерористична операция отново действа в аула на Гимри. Последната (по време на писане на тази публикация) изчистване от полицията за безредици беше на 11 април 2013 г. Първата е на снимката по-долу:

Василий Верещагин. „Хранители на опиум“. 1868 г

Картината е нарисувана от Верещагин в Ташкент по време на една от туркестанските кампании на руската армия. Тогава Централна Азия беше присъединена към Русия. Как видяха участниците в кампаниите на предците на настоящите гастарбайтери - Верещагин остави картини и мемоари за това. Мръсотия, бедност, наркотици...

Петър Белоусов. — Ще тръгнем по другия път! 1951 г

И накрая, основното събитие в историята на Русия през 19 век. На 22 април 1870 г. в Симбирск е роден Володя Улянов. По-големият му брат, член на "Народна воля", се пробва, това беше в сферата на индивидуалния терор - той подготвяше покушение срещу царя. Но опитът се провалил и братът бил обесен. Точно тогава младият Володя, според легендата, казал на майка си: „Ще вървим по другия път!“. И да тръгваме.

Живопис от края на 19 - началото на 20 век в Русия

През 1894г най-големите представителиСкитници: Репин, Маковски, Шишкин, Куинджи станаха част от академичната професорска длъжност. Обвинителната линия на руската живопис забележимо намалява, а търсенето на идеалите за хармония продължава все повече. Красота, която е застрашена в буржоазния свят.

В търсене на нов език художниците често се обръщат към приказни, митологични сюжети.

Художниците формулират нова задача. Не за изобличаване, а за запазване на чувството за красиво, за преподаване на красота. Носете красотата дори в себе си ежедневен свят: в ежедневието, в архитектурата и предмети за ежедневна употреба.

Изложбите са постоянни, издават се много списания и алманаси, възникват и изчезват различни художествени групи.

Наред със стативната живопис активно се развиват изкуствата и занаятите, книжната графика и театралната декорация. Появява се тип универсален художник. Може да нарисува картина, да създаде декоративно пано, винетка за книга, да изработи скулптура, да композира театрален костюм.

Такъв е М. А. Врубел, художници от сдружението „Светът на изкуствата“. Художниците са групирани в Абрамцево около С. И. Мамонтов. Там се култивира развитието на театрално-декоративното и декоративно-приложното изкуство. Художниците от кръга Абрамцево са привлечени от дърворезба, бродерия, популярни щампи и играчки. Възраждат се народните занаяти.

Жанрова живопис от 90-те години

През 90-те години жанровата живопис губи водещите си позиции. Художниците вече не са привлечени от обобщени, монументални образи на руския селянин, природата, а от промените, които се случват в руския живот.

С. А. Коровин (1858 – 1908)

Темите за разслоението на селото, враждата на кулаците и бедните, разцеплението в общността.

„По света“ 1893 Държавна Третяковска галерия

С удивителна психологическа достоверност е предадена сцената на спора между напълно съсипания, отчаян бедняк и самодоволния кулак, който знае, че законът и силата на парите са на негова страна. Няма идеална общност, която да е била толкова ценена през 60-те години. Селски святотхвърля бедните, никой няма да му се притече на помощ. Авторът намира нови средства за образа. Сцената е представена сякаш отгоре, изведнъж се озоваваме в тесен кръг от хора. Големите фигури, тяхната осезаема телесност ни карат да виждаме откровено насилствена драма, разиграна в едно от селата

А. Е. Архипов (1862 - 1930)

Този художник внесе в жанра постиженията на импресионистичната живопис: сцена, случайно изтръгната от ежедневието, цветови отношения, пленерна живопис.

"Перачки" 1901 Държавна Третяковска галерия

Пред нас е като скица на моментално заснета сцена. Изобразени са не конкретни събития, а непоносимите условия на работа на пералните. Работата им е представена като зашеметяваща и обичайна. Майсторски е предадено усещането за влажно мазе, хлъзгав под, купища мръсно пране, гореща пара, издигаща се от горещ чан към студен прозорец. Като хлъзгав щрих с четка, ние сме потопени в застоялата влага на влажния въздух.

С. И. Иванов (1864 - 1910)

Този художник значително разшири темите на жанра.

"На пътя. Смърт на заселник, 1889 г., Държавна Третяковска галерия

Пред нас е трагичният финал на номадския живот на селско семейство, тръгнало да търси по-добре сподели. Точността на позите и детайлите е поразителна. Но основното е недоизказано. Трагедията е такава, че художникът не се заема да преразказва директно всичките й последици. Той рисува обедното слънцестоене, вцепенението на природата и хората, еднообразна обгорена равнина. Вдигнатите нагоре валове на вагони са символ на спряно движение. Всичко създава усещане за пълна безнадеждност за тези, които са загубили надежда.

"Екзекуция" 1905г

Едно от най-добрите произведения за революционни събития. Отляво са облаци от прахови изстрели. Фонът е тъмен набор от войнишки редици. Вдясно е фрагмент от тълпа с транспаранти. Пустинна зона, залята със слънце. Автентичността на позата на мъртвите и ранените, най-вероятно отстрани, куче, наклонено в бягане, поразява с автентичност. Сенките на къщите са траурна граница, осветените участъци на страничните стени са леки клинове, сякаш сочещи към дебнещите в сенките убийци.

Н. А. Касаткин (1859 - 1930)

Този художник разкрива за първи път темата за навлизането на труда на работническата класа на арената на историята.

„Въглищни миньори. Промяна" 1895 Държавна Третяковска галерия

Атмосферата на мрачна стая с дървени ферми, които се издигат нагоре, и тълпа миньори, сгушени отдолу. Всичко вдъхва мрачна тържественост. Лицата на много миньори в тълпата изглеждат отдалечени и враждебни към зрителя. Право към нас върви миньор със зловещ блясък в бялото на очите на сажденото му лице. Той се възприема като примирие, изпълнено с омраза от страна на трудещите се маси към врага. По същество светската сцена на смяната на смяната в клетката на мината е надарена с такава сила и значение, че предава нарастващия гняв сред работническата класа.

А. П. Рябушкин (1861 - 1904)

Съчетанието на история и битов жанр води до раждането на историческа и битова картина в творбите на този художник. Най-добрите му картини са „Московските жени от 17 век в църква "1899 г.", Сватбен влак в Москва от 17 век "1901 г

Пред нас са сцени от ежедневието, само че в далечното минало. Следователно картините са лишени от монументалност. Историята е обърната не от драматичната страна, както беше при Суриков или Репин, а от естетическата страна. Художникът се възхищава на живота от миналото, той се наслаждава на цвета на живота на Москва през 17 век. Възрастта не е избрана случайно. През 17-ти век руските шарки и полихромия достигат изключителна грандиозна сила. Рябушкин беше пропит с духа на пъстрото руско средновековие.

В по-късните картини се появяват черти на гротеска, сатира.

М. В. Нестеров (1862 - 1942)

Ученик на Перов, започнал в духа на скитниците, този художник навлиза в руската живопис с картина "отшелник",в която намира своята тема: монашество, църковна Русия, монашество. Няма реалности от определено време. Нестеров създава идеална картина на сливането на човека с естествен святизвън цивилизацията. Оттук и героите - монаси, Сергий Радонежски, отшелници. Неговата програмна снимка - „Визия за младите Вартоломей" 1890 Държавна Третяковска галерияпредставлява момента, в който истината се разкрива на бъдещия Сергий Радонежски, а душата на момчето се изпълва с необикновена нежност пред всяко стръкче трева, сухо листо и в същото време с чувствителна бдителност. Настъпва духовен катаклизъм. Всичко това се разкрива в прочувствен есенен пейзаж. Руският свят се превръща в своеобразен "земен рай".

Руски импресионист. К Коровин (1861 - 1939)

Подобно на Левитан, той учи в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура при Саврасов и Поленов. на снимката "Пейзаж през зимата" 1894 г. той действа като приемник на Саврасов. Пред нас е сив зимен ден, дворът на селска хижа и кон, впрегнат в шейна до плета. Но основната задача на Коровин тук не е пейзаж на настроението, а чисто живописен: да рисува сиво и черно върху бяло. С изключение на мекото златисто дърво и прясно рендосана шейна, на снимката няма чисти цветове. Забележителни нюанси на пепеляво-сиво, синкаво-лилаво След пътуване до Франция и запознаване с живописта на импресионистите, Коровин се обръща към темата голям град.

"Парижките светлини" 1911 г GTG

Темата е градският живот. Пред нас е фрагмент от неговия живот, оттук и фрагментацията на композицията. В същото време точката за наблюдение е необичайна - рязко отгоре, щрихът е динамичен, контурите, сякаш замъглени от дъжд, треперят във въздуха на улицата. Но руският темперамент се проявява в повишената интензивност на цвета, спонтанността на щриха и емоционалността.

Главният новатор В. А. Серов (1865 - 1911)

Ученик на Репин, наследник на реалистичната традиция на руската живопис, той прави голяма революция в художествените търсения на епохата. Серов премина от критичен реализъм към поетичен реализъм, към въплъщение на красотата и хармонията чрез реалистичния метод.

„Момиче с праскови“ 1887 Държавна Третяковска галерия

Младостта е изворът на живота - темата на това прекрасна картина. Красиво е и в живота, и в картината на Серов. Пред нас е дъщерята на Сава Иванович Мамонтов - Вера Мамонтова. Изглежда, че просто изтича в къщата и седна на масата. Това усещане за подвижен, динамичен живот е подобно на импресионистичен стил. Цялата картина на картината сякаш е пронизана от светло, радостно чувство за приемане на живота. Такъв е пейзажът извън прозореца, а интериорът - образът на стаята, и натюрмортът - праскови на масата, а лицето на момичето - всичко диша със светлина. Усеща се импресионистичен щрих, майсторско предаване на светловъздушната среда, изобилие от фрагментарно изобразени предмети. За да може героинята да бъде в центъра, Серов създава почти квадратен формат на картината. За да предадете хармония - изобилие от кръгли предмети: праскови на масата, кръгла чиния на стената. Всичко това е в тон с кръглия овал на лицето на момичето. Картината се превърна в принципно ново произведение в руската живопис от края на 19 век.

„Момиче, озарено от слънцето“ 1888 г

За да се отдалечи от импресионистичния маниер, Серов кондензира цветовете в плътни маси. Тук отново усещането за светло-въздушната среда.

През 90-те години Серов създава цяла линияпортрети на писатели, актьори, художници: Шаляпин, Горки, Ермолова. Всички негови герои са владетели на мислите на своето време. В Серов те се появяват не като работници на мисълта, а като „предвестници на истините на вековете“. Това са гении в ореол на изключителност.

Горки в портрета е даден в сложно спираловидно разпръскване, лицето му е озарено от мисъл, вижда се внимателно тревожен интерес към невидим събеседник.

Ермолова е откъсната от всичко битово, светско, изявява се в героична перспектива, вид на пророчица, лицето й е оформено меко, озарено от вътрешна светлина. Форматът на картината - вертикалата подчертава царствената хармония на фигурата на голямата актриса. Цветът – черно върху сиво, линейният контур, тишината, откъснато-идеалната структура на образа сякаш го изваждат от реалността. Оттук и усещането. Това, което имаме пред нас, не е маслена картина.

Шаляпин вече е нарисуван с въглен върху платно. Оттогава Серов предпочита чиста темпера на матов фон.

Всички портрети се появяват пред нас, сякаш на пиедестал пред невидимо тълпа от хиляди. Портретите датират от 1905 г.

Всички техники са взети като от преден портрет: шествие, позиране, но личностите са ясно пропорционални на това.

Друга версия на церемониалния портрет на Серов е създаването на характера на лицето, което се изобразява през обкръжението му.

"Портрет на графиня Орлова" 1911 г., Руски музей

Претенциозната поза, играта на остри ъглови линии на силуета, „изтънченост“ и „шик“ са ясно присъщи на тази жена, истинска героиня от 10-те години. Интериорът очевидно е необитаем: редки, скъпи неща, сякаш за шоу. И самата Орлова ясно демонстрира себе си: носи кожи, перлена огърлица, хиперболично огромна шапка. Също като героиня скъпо нещо. Орлова е модна дама в стил Арт Нуво, също рисувана в стил Ар Нуво. Но не можете да останете в тази позиция дълго време. Оттук и усещането за маскарадно изпълнение.

Историческите композиции на Серов.

Серия "кралски лов"разходки за удоволствие на Елизабет и Екатерина Велика, ловни забавления на младия Петър II. Оттук и най-значимата от историческите картини - контрастно забавление -

Държавна Третяковска галерия "Петър Велики" 1907 г

Предават се мащабите на ерата на кризи и промени. Композицията на картината е за мотива на шествието, „стъпките на историята“. Обобщеният образ на волята и решителността е подобен на епохата на първата руска революция, когато е създадено това платно. Тук търсенето на обобщена форма вече е осезаемо. Този път изведе Серов от чисто реалистичен начинкъм произхода на битието – към мита. Така се ражда един прекрасен античен цикъл на художника: „Одисей и Навсикая“ и „Отвличане Европа“.

„Отвличането на Европа“ 1910 Държавна Третяковска галерия

Картината е проектирана като декоративно пано и е резултат от пътуването на Серов в Гърция. Това не е конкретно кътче на природата, а обобщена картина на всички нейни сили. Надигащата се вълна затваря хоризонта – оттук и усещането за безкрайността на света. Вълните рисуват правилна парабола, тялото на бика е диагонал, фигурата на Европа е точно в центъра. Разминаващите се вълни образуват семантичния център на картината – лицето на Европа. Лицето й възпроизвежда маската от архаична кора, видяна от Серов на Акропола. Човек от 20-ти век се обърна към миналото, видя очарователна картина от древността, но в центъра на нея е мистериозна архаична маска. Серов стана един от най-обичаните учители на Московското училище.

Отклонение от реалистичните тенденции

М. А. Врубел (1856 - 1910)

Творбите му винаги могат да бъдат разпознати по субективната им страст, по драматичния израз на формите.

Син на военен юрист от Омск, той започва да учи рисуване рано, но постъпва в юридическия факултет на университета в Санкт Петербург. След завършването му през 1880 г. - Художествената академия. Взех уроци от Репин.

1884 г. Врубел получава покана да дойде в Киев, за да изрисува църквата "Св. Кирил" от 12 век. Там той създава няколко композиции, сред които централната е образът на Божията майка. Той й придаде чертите на жената, която обичаше. Тази работа му вдъхна усещане за монументалност.

След това пътуване до Италия, запознаване с Венеция. Връщайки се в Киев, Врубел се оказва в центъра на търсенето на голям национален стил. Реши да намери свой собствен език. Врубел разработи свой собствен уникален стил. Доминирането на пластично-скулптурната триизмерна рисунка. Раздробяване на повърхността на формата на остри, остри ръбове. Цветът се възприема като цветна светлина (тип стъклопис)

През 1889 г. Врубел живее в Абрамцево, където започва да се интересува от майолика (вид керамика). Прави камини с плочки с русалки, юнаци, фигури на Садко, Берендей и други юнаци.

Резултатът от търсенето в Киев беше картината "Демон".

"Демон" (седнал) 1890 г., Държавна Третяковска галерия

Списание "Златно руно" обяви конкурс на тема "Дявола". Врубел търсеше решение на образа на гордо предизвикателство към света, персонажът буквално преследваше художника. „Демонът“ на Врубел е символичен и мащабен като църковна фреска. Тук има ясно отклонение от реализма. Светът е фантастично преобразен. Поглед към Демона през призмата на културата. Тялото на Демона е изваяно и наподобява работата на Микеланджело. В цветовата гама ясно се забелязва влиянието на венецианската школа. Някаква "мозайка" на живописта наподобява мозайката на киевските църкви. Светлината сякаш идва отвътре. Това е ефектът на стъклопис. Собствен интерес към вечен образДемонът не е случаен. Врубел предпочита героите на "вечни теми": демон, Фауст, Кармен, античност.

"Демон победен" 1902 г

Нека го сравним с предишна работа. Демонът на това платно е разпръснат в дефиле. Това не е мощен спортист, а рязко деформирано в пропорции, болезнено крехко същество.

На лицето е гримаса на обидена гордост, оперно красивото лице наподобява колективния тип на декадентски поет.

Автопортрети и портрети.

Тяхната тема е светът като плашеща гатанка.

"Портрет на С. И. Мамонтов" 1897 GT G

От фона стърчи червеникав фон, мрачен акорд от цветове, надгробна стела с фигурата на опечален. Руският "Лоренцо Великолепни" сякаш разиграва сцена с призраци. На лицето му е психическо объркване, почти страх. Изглежда, че Врубел предсказва съдбата на „могъщите“ в Русия през 20-ти век.

В творбите на Врубел ясно се усеща култът към нощта.

„Люляк“, „През нощ“, „Пан“, „Принцесата лебед“.Във всички тези произведения преобладава студен цвят, рядко се срещат червени проблясъци. Интересът на Врубел към фолклора, античността, митологията, приказния материал, литературните сюжети е в съответствие с търсенето на нов език. Виктор Васнецов, Суриков, Серов следваха подобен път.

Желанието да внесе красота в ежедневието накара Врубел да създаде не само стативни карини, но и декоративни пана.

През 1896 г. на панаира в Нижни Новгородбяха изложени две пана на Врубел : "Микула Селянинович"по темите на руските епоси и "Принцеса мечта"базиран на работата на Едмон Ростан. Копие от това произведение красеше фронтона на хотел Метропол.

Още по-рано Врубел създава панел Испания, Венеция.Последният панел е интересно решен. "Венеция"Врубел - това всеки знае за този град: Мостът на въздишките, великолепен бароков картуш над стрехите на двореца, луксът на екзотични тоалети, всичко носи атмосферата на италиански карнавали . "Испания"- механа, крехка жена с цвете, двама мъже отдалеч, обърна им гръб. Това е началото на интригата, развявана в разказите на Мериме. ("Кармен")

В цялото творчество на Врубел се усеща една обща задача – да прегърне неговото творческа фантазиясвят на красотата, създават ново отношение към света чрез преразглеждане на всички епохи и култури.

През 1902 г. Врубел се разболява от психично заболяване, оттогава всичко, което рисува, той неизменно унищожава. Това бяха портрети на лекари, санитари, болничното му легло, гледката от прозореца на болницата, ъглите на стаите, диван, гарафа и чаша вода. Малко преди смъртта му видението се проваля на господаря.

В. Борисов-Мусатов (1870 - 1905)

В основата на стила му е импресионизмът с неговото внимание към светлината и въздушната среда, неуловимите нюанси на състоянията.

Той е роден в Саратов, местен учител убеди родителите му да изпратят момчето в Москва. Учи в Московското училище, а след това в Академията в Санкт Петербург. В края на 90-те години Борисов-Мусатов посети Париж. Но темата на Борисов-Мусатов е чисто руска ретроспекция: копнеж по изгубена красота, елегична поезия на празни „благородни гнезда“, паркове, водоеми. Неговият свят е извън конкретната историческа реалност и по този начин наподобява света на призраците. Героите са облечени в камизоли, перуки, кринолини. Любима техника - пастел и темпера.

"Езерцето" 1902г

Това е най-значимото произведение на художника. Платното прилича на декоративен панел или гоблен. Линията на хоризонта е необичайно висока, а равнината на земята с огледалото на резервоара се оказва почти успоредна на равнината на платното. Синьото небе с бели облаци се отразява само във водното огледало. Водната повърхност е толкова спокойна, че сякаш няма движение в света, времето е замръзнало и нищо не се случва. Героините на художника са в същото състояние на очарование. Момичето, седнало на подиум, гледа някъде в далечината и е потопено в мечтана забрава. Друга фигура със спуснати, сякаш насън клепачи, се плъзга по ръба на резервоара.

Върху бледолилавата (мечтания цвят) рокля е бяла дантелена пелерина. Момичетата не се виждат, но са свързани с музикален ритъм: заоблени контури, съзвучие на меки преливащи се цветни тонове. Вътрешното единство на това, което е външно разделено - основна темаБорисов-Мусатов. Плавният ритъм на вибриращия щрих обединява всички обекти на платната на художника. В картините му няма нищо мистично, донесено отвън, специфични литературни асоциации. Доминира елегична тъга, сякаш разлята в природата и обединяваща героите на картините с вечния свят на природата.

"Призраци" (1903)

Ленти от мъгла, пълзящи по земята, са подобни на криволичещите пътеки на стар парк. Статуите оживяват на стъпалата на класицистично имение. А сградата под купола е като че ли органично подвижна, течна. В този случай няма мистицизъм. Ето как окото вижда при здрач.

Само през 1906 г., след смъртта на художника, С. Дягилев показва 50 свои творби, като му дава посмъртен апотеоз.

Тенденциите в живописта на 19 век са тясно свързани с тенденциите от предходния век. В началото на века водещата посока в много страни беше. Възникнал през 18-ти век, този стил продължава да се развива, освен това в различни страниразвитието му беше индивидуално.

класицизъм

Художниците, работили в тази посока, отново се обръщат към образите на античността. Но чрез класическата тематика те се опитват да изразят революционни настроения – стремеж към свобода, патриотизъм, хармония между човека и обществото. Виден представител на революционния класицизъм е художникът Луис Дейвид. Вярно е, че с течение на времето класицизмът прерасна в консервативна посока, която беше подкрепена от държавата, което означава, че стана безличен, изгладен от цензурата.

Особено ярък разцвет на живописта през 19 век се наблюдава в Русия. По това време тук се формират много нови стилове и тенденции. Аналогът на класицизма в Русия беше академизмът. Този стил имаше чертите на класическия европейски стил - призив към образите на древността, възвишени теми, идеализиране на образите.

романтизъм

В началото на 30-те години на 19 век романтизмът се появява в опозиция на класицизма. В тогавашното общество имаше много повратни моменти. Художниците се стремяха да се абстрахират от грозната реалност, създавайки свой собствен идеален свят. Въпреки това романтизмът се счита за прогресивна тенденция на своето време, тъй като желанието на художниците-романти беше да предадат идеите на хуманизма и духовността.

Това е просторна тенденция, отразена в изкуството на много страни. Смисълът му е възвисяването на революционната борба, създаването на нови канони за красота, рисуването на картини не само с четка, но и със сърцето. Тук емоционалността е на преден план. Романтизмът се характеризира с въвеждането на алегорични образи в много реален сюжет, умела игра на светлотенце. Представители на тази тенденция бяха Франсиско Гоя, Йожен Делакроа, Русо. В Русия произведенията на Карл Брюлов се класифицират като романтизъм.

Реализъм

Задачата на това направление беше образът на живота такъв, какъвто е. Художниците реалисти се обърнаха към образите на обикновените хора, основните черти на техните произведения са критичност и максимална правдивост. Те изобразяваха в детайли парцалите и дупките по дрехите на обикновените хора, лицата на обикновените хора, изкривени от страдание, и дебелите тела на буржоазите.

Интересен феномен на 19 век е Барбизонската школа на художниците. Този термин се свързва с няколко френски майсторикоито са разработили свой собствен стил. Ако в посоките на класицизма и романтизма природата беше идеализирана по различни начини, тогава Барбизоните се стремяха да изобразяват пейзажи от природата. В техните картини - образи на родната природа и обикновените хора на този фон. Най-известните художници от Барбизон са Теодор Русо, Жул Депрес, Верджил ла Пеня, Жан-Франсоа Миле, Шарл Добини.

Жан Франсоа Милет

Работата на хората от Барбизон оказва влияние върху по-нататъшното развитие на живописта през 19 век. Първо, художниците на тази тенденция имат последователи в редица страни, включително Русия. Второ, барбизонците дадоха тласък на появата на импресионизма. Те първи рисуваха на открито. В бъдеще традицията да се изобразяват реални пейзажи е подета от импресионистите.

Той се превърна в последния етап в живописта на 19 век и падна в последната трета на века. Художниците импресионисти подходиха към изобразяването на реалността още по-революционно. Те се стремяха да предадат не самата природа и не изображения в детайли, а впечатлението, което създава това или онова явление.

Импресионизмът е пробив в историята на живописта. Този период даде на света много нови техники и уникални произведения на изкуството.

Живопис в Русия през 19 век е богат и интересен.

19-ти век обикновено се нарича „златният век на руската култура“. Руската живопис преживя необикновен разцвет.

От време на време на небето проблясва нова, ярка, оригинална звезда, образувайки съзвездия от талантливи художници. Всеки от тях имаше свой индивидуален почерк, който беше невъзможно да не разпознаем или объркаме.

Художник от "Меча Русия"

Орест Адамович Кипренски (24 март 1782 - 17 октомври 1836) Отначало почтените италиански преподаватели по живопис не вярват, че портретите, направени в отлична техника, предават както характера, настроението, така и душевното състояние на изобразеното лице, принадлежат на неизвестен художник Орест Кипренски от дива Русия.

О. Кипренски портрет на А. С. Пушкин снимка

Майсторството на платната на Кипренски, който беше незаконен син на земевладелец и крепостен селянин, по никакъв начин не беше по-нисък от майстори като Рубенс или Ван Дайк. Този художник с право се смята за най-добрия портретист на 19 век. Жалко, че в собствената си страна не беше оценен според заслугите му. Портретът на А. С. Пушкин от Кипренски е отпечатан в такъв тираж, какъвто може би няма друг художник.

Художник на народния бит

Венецианов Алексей Гаврилович (18 февруари 1780 - 16 декември 1847), уморен от дванадесет години копиране на академични картини в Ермитажа, заминава за село Сафонково, Тверска губерния. Започва да изписва живота на селяните по свой, само по свой начин. изобилие слънчева светлина, въздушни течения, изключителна лекота върху платната на родоначалника на руската жанрова и пейзажна живопис.

Венецианов. снимка На обработваема земя. пролетна снимка

Руски простори и мир известни картини„На обработваемата земя. Пролет” и „В жътва. Лято". „Карл Велики” Това е името на учениците и много съвременници на великия руски художник, представител на монументалната живопис Карл Павлович Брюлов (23 декември 1799 г. - 23 юни 1852 г.) Неговите картини са наречени ярко явление в живопис от 19 век. Най-известната му картина "Последният ден на Помпей" е триумф за руското изкуство. А аристократичната „Конница“ или цялото селско момиче, проникнато от слънчева светлина в картината „Италианско пладне“, възбужда и събужда романтични чувства.

"Римски отшелник"

Александър Андреевич Иванов (28 юли 1806 - 15 юли 1858) е нееднозначно явление в руската живопис. Той пише по строго академичен начин. Темите на картините му са библейски и древни митове. Най-известният от тях е „Явяването на Христос пред хората”. Това грандиозно по размери платно все още привлича зрителя, не му позволява просто да погледне и да се отдалечи.

Снимка А. Иванов Явяване на Христос пред хората снимка

Това е геният на този живописец, който четвърт век не напуска римската работилница, страхувайки се да загуби свободата на личността и независимостта на художника поради завръщането си в родината. Способността майсторски да предава не само външно, но и вътрешно съдържание, той беше далеч по-напред не само от своите съвременници, но и от следващите поколения. От Иванов нишките на приемствеността се простират до Суриков, Ге, Врубел, Корин.

Как живеят хората по света...

Певец на ежедневния жанр - така може да се определи творчеството на художника Павел Андреевич Федотов (4 юли 1815 - 26 ноември 1852), живял много кратък, но много плодотворен живот. Сюжетите на всичките му малко картини са буквално едно събитие, често доста кратко във времето. Но върху него можете да напишете цяла история не само за настоящето, но и за миналото и бъдещето.

П. Федотов снимка Сватовство на голяма снимка

И това въпреки факта, че картините на Федотов никога не са били претоварени с детайли. Мистерията на истински талантлив художник! И тъжна, трагична съдба, когато истинското признание идва едва след смъртта.

Време е за промяна

Промените, настъпили в руското общество през втората половина на 19 век, предизвикаха не само нови политически движения, но и тенденции в изкуството. Академизмът се заменя с реализъм. Поглъщайки всички най-добри традиции на своите предшественици, новото поколение художници предпочита да работи в стила на реализма.

Бунтовници

9 ноември 1863 г. четиринадесет слушатели дипломен курсХудожествена академия в знак на протест срещу отказа да се разреши писането състезателни работина свободна тема, напусна Академията. Инициатор на академичния бунт е (8 юни 1837 - 5 април 1887) отличен портретист и автор на изключително дълбочина, философско и нравствено платно "Христос в пустинята". Бунтовниците организират собствена „Асоциация на пътуващите художествени изложби“.

Иван Крамской рисува Христос в пустинята снимка

Социалният състав на „скитниците“ бил много разнообразен – простолюдие, синове на селяни и занаятчии, пенсионирани войници, селски дякони и дребни чиновници. Те се стремяха да служат на народа си със силата на своя талант. Василий Григориевич Перов (21 декември 1833 - 29 май 1882) идеолог и духовен наставник на Скитниците.

Картините му са пълни с трагедия от тежкия дял на хората „Виждане на мъртвите“, а в същото време създава платна, изпълнени с хумор и любов към природата. („Ловци на почивка“) Алексей Кондратиевич Саврасов през 1871 г. рисува малка картина „Горовете пристигнаха“ и става основател на руската пейзажна живопис. Известното платно виси в една от залите на Третяковската галерия и се счита за живописен символ на Русия.

Нова ера на руската живопис

Светът на нуждата, липсата на права и потисничеството се появява пред зрителя в картините на великия руски художник (5 август 1844 г. - 29 септември 1930 г.) Неговите известни „Боржи на Волга“ са не само образ на тежък труд , но и прославяне на силата и могъществото на народа, неговата непокорна природа. Исак Илич Левитан (30 август 1860 - 4 август 1900) все още е ненадминат майстор на руския пейзаж.

Иля Репин рисува баржи на снимката на Волга

Ученик на Саврасов, той възприема и изобразява природата по съвсем различен начин. Изобилието от слънце, въздух, безкрайни простори по всяко време на годината върху платна създават настроение на мир, спокойствие и тихо щастие. Душата почива от тези прелестни руски речни завои, водни поляни, есенна гора.

хронисти

Историческите сюжети привличаха художниците със своята драматичност, интензивност на страстите, желание да изобразят известни исторически личности. Николай Николаевич Ге (27 февруари 1831 - 13 юни 1894), уникален художник, изключително искрен, художник, мислител и философ, сложен, противоречив и много емоционален.

Николай Ге снимка Петър 1 разпитва Царевич Алексей снимка

Той смяташе живописта за висша морална мисия, отваряща пътя към знанието и историята. Той вярваше, че художникът не е длъжен да доставя на зрителя само удоволствие, а трябва да може да го накара да ридае. Каква сила, каква трагедия, каква сила на страстите върху най-известното му платно, изобразяващо сцената на разпит от Петър I на сина му Алексей!

В. Суриков картина Суворов Прекоси Алпите снимка

(24 януари 1848 - 19 март 1916) потомствен казак, сибирец. Учи в Художествената академия за сметка на красноярски търговец - меценат. Неговите голям талантживописецът е подхранван от дълбок патриотизъм и високо гражданство. Затова неговите платна на историческа тема радват не само с умения и високи технологии, но и изпълват зрителя с гордост от смелостта и смелостта на руския народ.

В. Васнецов картина Рицар на кръстопът снимка

(15 май 1848 - 23 юли 1926), известен художник, се стреми да комбинира приказни, митични сюжети с национални чертируски хора. Самият той се нарича разказвач, епос, живописен арфист. Следователно и Альонушка, и Трима богатири отдавна са се превърнали в символи на руския народ и Русия.

Легендарната Буденовка и дългополото палто на бойците от Първа конна армия на Будьони са изобретени от художника Виктор Васнецов. Уборът за глава приличаше на шлема на древните руски воини, а палтото „с разговори“ (пришити напречни ивици на гърдите) беше като стрелецки кафтан.