Художник Митрохин. руски художници. Митрохин Дмитрий Исидорович. Художествени сдружения, в които членува Д. И. Митрохин

Сдобивайки се с печатница от време на време, той се пенсионира и се отдава на ново хоби за него. Н. С. Чага оказва голямо влияние върху художника, в неговата работилница Д. И. Митрохин се запознава с печатарското изкуство в ранна възраст, което води до страст към книгите и четенето, което впоследствие естествено се отразява на голямата му ерудиция. Способността лесно да влизате в комуникация, без напрежение да поддържате разговор на почти всяка тема, лесно влизайки в много взискателното културно общество на двете столици, Дмитрий Митрохин дължи, разбира се, на Наум Чага, неговата работилница, наличието на разнообразие на литературата - тази много заразна за него страст към печатарството във всичките му проявления, накрая.

И майката, и бащата обичаха да четат, в къщата от детството си спомням много книги и списания за "домашно четене", с много илюстрации. Голям интерес към работата на печатната преса. Приятелство с наборчици и печатари. Четенето и рисуването ме увличаха от ранна възраст. ... Виждам внимателни читатели от детството. В къщата на дядо ми, който идваше от линията на Кавказката Фанагория и изживяваше живота си с оскъдна пенсия като пенсиониран военен фелдшер, имаше списания и книги от 1860-те - „Синът на отечеството“, „Ваза“, а. модно списание "Искра" от Херман Гопе върху розова хартия. Сред книгите - Мартин Задек („главата на халдейските мъдреци, гадател, тълкувател на сънища“, многотомната книга на Велтман „Приключенията, извлечени от морето на живота. ... Един от далечните роднини се абонира“) за списанията Figaro Illustré, Illustration, Le Monde moderne. От него за първи път чух името на Steinlen (Théophile Steinlen). Той ми показа малка книжка от Aristide Bruant Dans la rue с пословичния начален ред: "T" es dans la rue - va, te "s chez toi" ("Изхвърлен на улицата, така че бъдете като у дома") с рисунките на Steinlen. Съдържа много скици на улични типове, които треперят от живота: бездомни хора, гуляйджии, улични певци, работници.

В MUZHVZ учителите на Д. И. Митрохин са А. М. Васнецов („пейзаж клас“) и А. С. Степанов (рисуване на животни), чиито часове, според него, заедно с рисуване и акварел – в училищната библиотека, го привличат повече от ученето в класната стая . Но той „трябваше сам да стане графичен отдел: в края на краищата в Русия нямаше такива отдели, нямаше“ отдели на книгата „“. Художникът с благодарност си спомня С. П. Щуров, уредник на музея Румянцев, „мълчалив и мрачен, но охотно отварящ папки с гравюри на стари италиански и немски художници“. Много и постоянно работи от природата.

С прехвърлянето на Д. И. Митрохин в Строгановското училище той започва да учи под ръководството на С. И. Ягужински (акварел) и С. В. Ноаковски (рисунка). Запознаването с V. D. Zamirailo най-накрая го наклонява към необходимостта да избере пътя на графиката.

Създаване

Д. И. Митрохин. В стария Петербург. 1910. Акварел

Дмитрий Исидорович Митрохин, който е живял дълъг творчески живот, е имал щастието да учи, да си сътрудничи, да бъде в близки отношения, да бъде в асоциации и общества с много художници, сред които има такива, чийто отпечатък върху изкуството на 20-ти век е сравним с влиянието върху хода на историята на най-важните открития на епохата. В първите редове на автобиографичните бележки на художника има имената на М. Ф. Ларионов, Н. С. Гончарова и А. В. Фонвизин, които са учили рамо до рамо и са били приятели с него - С. Т. Коненков и С. В. Малютин, с които работи в керамичния артел Мурава .

В Париж Дмитрий Митрохин, въпреки тесните обстоятелства и постоянната заетост („социалният живот не беше за мен“), общува доста много. Почти седемдесет години по-късно той си спомня посещенията си в салона на Е. Кругликова, който, подобно на нейната парижка работилница, се превърна в своеобразен руски културен център, където се събираше „висшето общество“, но за всички присъстващи изкуството беше най-важното" - за посещенията при Максимилиан Волошин, в чиято къща, според художника, той се чувстваше „по-спокоен", където също се отбиха много сънародници, които се перчеха по Лютеция, и където веднъж случайно се срещна с Константин Балмонт (бяха запознати накратко с 1904 г.), "който доведе дъщеря си, момиче, в червено палто" - ето я споменът на 90-годишен художник! И тези спомени са изпълнени с живо съдържание, видими образи на скици, когато той говори за непосредствената цел на престоя си в тогавашната столица на изкуствата.

Бях очарован от уличния живот на Париж. Бях напълно щастлив в тази златна светлина, с моя малък тефтер в ръка. Рисувах, стоя по средата на улицата и не рискувах да бъда смачкан от фиакре. Художниците бяха уважавани там, не ги смятаха за безделници. Зимата беше мека, каквато имаме на юг, нищо не пречеше на моя „скитнически“ живот. Можеше да си купиш торба пържени картофи, в същото време да се стоплиш на мангала и да си побъбриш с продавачката. Още по-хубави бяха кестените, които топлеха ръцете толкова славно. От време на време си позволявах да отида в кафене: като поисках чаша кафе, рисувах с часове, гледайки този весел, пъстър, обеднял живот.

Д. Митрохин. Алис Брускети. 1909. Мастило

Говорейки за своите парижки времена, неслучайно и не без нотка на гордост, той отбелязва, че плакати на Тулуз-Лотрек все още висят по улиците на френската столица - според самия Д. И. Митрохин, който имаше силно влияние върху него , - както и , и върху Паул Клее, с чието влияние първият за известно време беше фантастично съчетан в линията на творчеството на художника, за която той е наясно, както и влиянието, на определени етапи, на големия му интерес в изкуството на Анри Матис и Пол Сезан, Константин Гис.

В различните периоди на осмисляне на пътищата на изразителност и майсторство този интерес е насочен към различните им проявления и с различна мярка на въздействието им върху мирогледа на художника, понякога ефимерно и почти опортюнистично, и следователно лесно и безболезнено преодолими, които са били , например, салон, beardsley, модерни тенденции - това изисква по-продължителна "неутрализация", чисто декоративни, стилизирани орнаментални, популярни щампи и мотиви на петата; или, напротив, под формата на дълбоко, съществено разбиране, което е реализирано в системата от възгледи на художника, - западноевропейска и японска гравюра, - върху фундаментални принципи, които не се ограничават до разбиране на технологията - гравиране като цяло, суха игла , светотен, по-специално литография. „Но, като премина през тези хобита“, пищи М. В. Алпатов, „той се върна към такива ценности на изкуството, които надрастват границите на времето и пространството и съществуват навсякъде“.

Показателно е, че още в първите думи за началото на своето чиракуване художникът припомня библиотеката на училището „за огромното и вълнуващо щастие“, която „дава колекция от гравюри на Румянцевския музей“.

В не по-малка степен, във всеки случай - върху притежаването на средства за самоизразяване от гледна точка на техниката, отколкото контакта с продукта на печата - книга (по отношение на интелектуалното развитие - познания по графика), запознаването на художника с печата процес, включително ръчен, който той го познавах добре от работилницата на дядо ми от детството - „Композиторите бяха мои приятели. Думите оформление, фурнир, пространство, буква, размер, клише, корекция са познати от детството.

книжна графика

Първите си експерименти в книжната графика Дмитрий Митрохин дължи на Строгановския учител по акварел С. И. Ягужински, който през 1904 г. му предлага „малка работа за издателства“ и го оценява - Валерий Брюсов, по това време - главен редактор на Scorpion. След завръщането си през 1908 г. от Париж, където познанството му със С. П. Яремич му дава много, който от своя страна запознава художника с Е. С. Кругликова, която е живяла дълги години във Франция с известния полски скулптор Едуард Витиг, в студио, в което Дмитрий Митрохин е живял в трудни дни, той се мести в Санкт Петербург и вече започва системна работа като илюстратор на книги, което бързо му носи слава и което е улеснено от запознанството му с художниците от света на изкуството. В началния етап успешното развитие на работата на Д. И. Митрохин като художник на книга, илюстратор на списание, разбира се, беше повлияно и от помощта на Е. Е. Лансере, който изпрати издатели при него („Нарисувах модели с него Той ги покани на картината си в залата на библиотеката на Художествената академия ... Първите години от живота ми в Санкт Петербург бяха много оживени от вниманието на Евгений Евгениевич Лансере. "- Д. Митрохин. Автобиографични бележки ( 1973)). В същото време той започва да гравира върху линолеум (от В. Д. Фалилеев), „Той гравира цветни композиции, отпечатани не с маслени бои, а с акварели - по японски. Сътрудничи с много издателства на книги: „И. Н. Кнебел”, „Голике и Вилборг”, „Просвещение”, „Печатник”, „М. и С. Сабашников“ (за тях Д. И. Митрохин разработи издателска марка), „Аполо“, „М. В. Попов“ и много други. и др. Продължава да изучава колекции от гравюри в библиотеката на Художествената академия и Ермитажа. Работи много върху илюстрации на детски книги, върху скрийнсейвъри на списания, полузаглавия, подложки за книги и т. н. Рядко по красота и звучна изразителност, преследвано изпълнение - Е. Замятин "Округ" (1916; издателство на М. В. Попов), "Руска фея приказки за дядо Петър“ от Артър Рансъм (1916; Лондон и Единбург) и много други. други

Изключително важен факт, който най-вече говори за това какъв е Дмитрий Митрохин като художник на книга, докато беше, макар и голям, но далеч от основния етап в работата му - винаги работеше върху дизайна на определена публикация , при цялото разнообразие от графични техники, към които се е обърнал художникът, той се е ръководил от един принцип за всички елементи на книгата - като се започне от корицата, върховете и завършва с шрифта, декора - всички те са обект на стилистична общност.

Започнахме да мразим това, което се случва в графиките около нас. Но омразата сама по себе си не е достатъчна. Трябват знания. Обърнахме се към историята на щампите и книгите. Там те намериха оправдание за омразата си и потвърждение за правилността на пътя си. Старите майстори на венецианската, базелската и лионската печатница и нюрнбергските гравьори се оказаха отлични учители и консултанти, които и сега не отказват скъпоценни напътствия на всеки, който има нужда. - Д. Митрохин. Автобиографични бележки (1973)

- илюстрира детски книжки, издадени от И. Кнебел (до).
- работи върху кориците на поредицата за издателство на М. и С. Сабашникови.
- сътрудничество в списанията "Сатирикон" (до 1914 г.) и "Нов сатирикон" (до 1914 г.); - корица на "Чашата" от В. А. Жуковски (издателство на И. Н. Кнебел, Москва); - през март, по покана на Дрезденското дружество "Кунстворейн" участва с Г. Якулов в изложба на акварели.
1914 г. - декоративни бордюри на сп. "Лукоморие" (до 1917 г.).
- - направи много корици на книги.
- приет в "Светът на изкуството"; - изпълнява графичен дизайн на книгата на Артър Рансъм "Руски сказки на дядо Петър" (A. Ransome "Old Peter's Russian Tales" - Лондон); - В края на годината той започва да работи в отдела за гравюри и рисунки на Руския музей (последващи произведения за печат - в списъка).
1917 г. - мобилизация в армията с командироване в "Трофейната комисия"; - през септември, поради смъртта на баща си, заминава за Ейск, където ще остане до края на следващата година - „посвети много време на писане от природата, работи много с оловен молив и акварел, рисува пейзажи, интериори, натюрморти и портрети."

В съветско време художникът успешно развива това произведение, което го поглъща и изпълнява с любов, като ентусиазирано и много успешно го комбинира с гравиране, офорт и литография. Проектира и илюстрира огромен брой книги и списания в различни издателства - "Светлини", "Петрополис", "Петроград", "Мисъл". "Сърф" и др. други, в най-добрите от тях - Academia (с която си сътрудничи около шест години): "Седем любовни портрета" от А. дьо Рение (1920, 1921; Петроград), стихотворение от приказката на Марина Цветаева "Царската девойка" (1922 г.); - направени по вече станал традиционен за художника начин, пламенни рисунки с химикалка за дизайна на "Златния бъг" на Едгар Алън По (1922), "Епсин" на Бен Джонсън (1920, 1921; "Петрополис"), - илюстрации от Виктор Юго (1923), Анри Барбюс, Октав Мирбо, "Комедийни книги" от Аристофан (1930), "Етиопци" от Хелиодор (1932) и много други. и др., - автор на различни декоративни елементи на много публикации.

1918 г. - завръща се в края на годината в Петроград; - Назначен за ръководител на отдела по гравюри и рисунки на Руския музей.
1919 г. - професор във Висшия фотографски и фототехнически институт (до 1923 г.); - работи върху корици за "Народна библиотека" на ДИК; - корици на сериите (до 1926 г.).
1921 - книгата Vs. Войнов „Отметки на Д. И. Митрохин“ (в списъка има други публикации за Д. И. Митрохин).
1924 г. - професор в печатния отдел на Художествената академия (курс по книжна графика - до 1934 г.).

През 20-те години на миналия век Д. И. Митрохин отново влиза в контакт с детската литература, илюстрира и оформя няколко книги, сред които трябва да подчертаем вече споменатите „Златен бъг“ на Едгар Алън По (1921-1922) и „Пътуване в страната на киното “ от В. Шкловски (1926), „Октомврийската азбука” (1927). Работата по последното издание за пореден път потвърждава брилянтното владеене на художника в изкуството на шрифта. Появата на двутомния сатиричен роман на Карл Имерман "Мюнхаузен" (1930-1932) предполага, че художникът много гениално е подходил към решението на цялата система на тази публикация: героите на творбата са рязко карикатурирани, превръщайки се в особени, забавни коментари към книгата, оформлението на заглавните листове е остроумно; подвързия, маховка, прахобвивка - всичко е в хармония. От есента на 1939 г. Д. И. Митрохин работи върху дизайна на книгата с приказки от Х. К. Андерсен, след като е получил поръчка от немско издателство. Както може да се разбере от писмата на художника, той продължава да създава интересни илюстрации, съдейки по малкото оцелели екземпляри, още в средата на юни 1941 г. - това издание не е предопределено да види бял свят ...

Д. Митрохин. Екслибрис на А. П. Остроумова-Лебедева. 1924 г

Той е разработил няколко десетки издателски марки, търговски емблеми и етикети. В областта на "малките форми", която е овладяна от Д. И. Митрохин още през 1910-те години, книжният знак заема специално място. Перфектен майстор на композицията, добре запознат както с декоративните, така и с графичните компоненти на книгата, изтънчено усещайки нейната природа, той изработва почти петдесет екслибриса (повечето от 1919-1923 г.) - тези произведения с право се нареждат сред най-добрите, създадени в този жанр в Русия.

Но в периода от края на 1920-те до средата на 1930-те години художникът се отклонява от книжната графика, само периодично и без същият интерес да се връща към нея. След войната той много рядко изпълнява някаква работа за публикации. Изключение може да се счита илюстрираната и проектирана от Д. И. Митрохин през 1959 г. "Френски приказки" (M. GIHL), а една от последните - книгата с мемоари на М. В. Нестеров (М. "Изкуство"), проектирана от него в същата година.

Творчеството на Д. И. Митрохин претърпя промени в течение на почти половин век от неговата активна работа в тази област, сякаш предвиждаше призива на художника към единствената възможна за него, но и най-ярката, уникална форма на приложение на неговия талант - рисунка, която от определен момент ще бъде предопределена да се превърне в универсално изразно средство на неговия мироглед. Създава се впечатление, че същата „подготвителна“ функция е изпълнявана и от други видове стативни графики, сякаш помага на художника да намери този лапидарен, разбираем, но далеч от едносричен език на произведения, които са основни по съдържание, капацитет, индивидуални, напълно самостоятелен графичен стил на произведенията.

Дърворезба. Резачка. литография

Д. Митрохин. Продавач на четки. 1926. Дърворез

Д. Митрохин. Футболист. 1926. Дърворез

Имайки възможността да възприеме този творчески опит ретроспективно, може да се наблюдава точно такава тенденция в неговото развитие: от средата на 30-те години книжната графика вече няма първостепенно значение в творчеството на художника, тя започва да отстъпва място на дърворезбите, гравюрите върху метал, рисунка и акварел. Работата от природата никога не е била изключена от броя на редовните класове, от сферата на интересите на Д. И. Митрохин и той непрекъснато търси и усъвършенства в тази област, което повлия на постепенното преобразуване на смисъла и съдържанието на рисунката: от необходимото разбиране на традицията, към която е принадлежал, „училища на природата” – към изразената самостоятелна стойност на оригиналния статив лист.

1923 г. - началото на систематичните дърворезни проучвания (до 1934 г.).
1925 г. - първата персонална изложба (Казан - 250 листа).
1927 г. - започва да гравира с длето и суха игла върху метал (до 1951 г.).
1928 г. - започва да учи литография (до 1934 г.).
1935-1941 г. - работи върху поредица от гравюри от цикъла "Ленинградски пейзажи" (от страната на Петроград, Централен парк за култура и отдих).
1941 г. - в първите дни на Великата отечествена война се включва доброволец в народната милиция; - 58-годишен художник работи за издателството на Генералния щаб, за Института по кръвопреливане (“История на кръвопреливането” (1941-1942); - създава около 100 рисунки с молив и акварел, включително тези, посветени на живота на обсадения град.
1942 г. - сутринта на 1 януари умира съпругата на художника Алиса Яковлевна Брускети; - през лятото работи от природата по улиците на обсадения град и излага свои рисунки; - в края на годината Д. И. Митрохин, след престой в болницата, в състояние на крайно изтощение, е евакуиран в Алма-Ата.
1943 г. - Член на управителния съвет на Съюза на художниците на Казахстан и председател на неговата графична секция, излага, основно се занимава с акварел.

Д. Митрохин. Блокада. 1941 г

Д. И. Митрохин започва да се занимава с дърворезби „почти от любопитство“, под влиянието на Всеволод Владимирович Войнов, един от инициаторите и пропагандистите на възраждането на дърворезбите като независима (нерепродуктивна) станкова техника, с която Дмитрий Исидорович се справя добре запознати от „Светът на изкуството” - и музейното дело; през 1941 г. влизат заедно в опълчението, преживяват блокадата и са заедно в Алма-Ата. В. Войнов запознава с дърворезбата и Б. М. Кустодиев, който поради болест в последните си години не е напълно изолиран от творчеството само благодарение на гравюрата.

Д. Митрохин. Къщи на Карповка. 1929. Дърворез

Д. Митрохин. улични типове. 1928 г. Дърворез

Д. Митрохин. Буря. 1932. Дърворез

Д. И. Митрохин направи малко повече от 70 гравюри, но дори този сравнително малък брой произведения в тази област ни позволява да го наредим сред най-добрите домашни майстори на дърворезбата. Започвайки с техники, близки до „черния маниер“, когато художникът предпочита бял, леко груб щрих, по-късно стига до „сребриста гама, богата на полутонове и различни текстурирани елементи“; чуждо му е всякакъв вид "виртуозност" - първоначално в дърворезбите той е привлечен от изобразителната изразителност, за целта понякога осветява акварелни щампи - понякога едва забележими, понякога - корпусни и сочни. И тук може да се наблюдава целостта на изкуството на Митрохин, за което свидетелства добре проследената връзка между неговата дърворезба и рисунка.

Произведенията от този период (1920-те - края на 1930-те) са доминирани от пейзажни цикли - много дърворезби и гравюри (художникът нарочно не се обръща към офорт, оценявайки чистата, жива линия на суха игла и резачка), литографии, посветени на след това покрайнините на Ленинград - пустошите на Петроградската страна, площадите на островите. „Митрохин безкрайно се привързваше към пейзажа на тази част на града, която беше много специална през онези години. Именно тук, благодарение на бързото развитие в началото на века, прекъснат от Първата световна война и революцията, се появи един вид архитектурно неорганизиран конгломерат от големи жилищни къщи с празни защитни стени, пустоши с могъщи стари дървета, безкрайни огради и са създадени оцелели дървени къщи. Пейзажът, който не можеше да се види в други части на бившата столица, завладя Митрохин с трогателния контраст на града, който внезапно спря в настъплението си, и островите на природата, които му се съпротивляват героично.

Започвайки от парижките си скици, творчеството на Дмитрий Митрохин неизменно има жанрова тема. Корените му се връщат към една стабилна и най-богата традиция, датираща от античността - тя продължава в средновековната книжна графика, в ориенталските миниатюри, в рисунките на стари майстори, в ренесансовите гравюри, в народните типове на Дюрер, сред малките холандци, в руските популярни щампи , накрая - на японски щампи ukiyo-e. Най-голяма социална острота придобива през 18 век в прочутата поредица френски и английски гравюри „Cries of Paris” и „Cries of London”; тази традиция се развива от рисунки, литографии и порцеланови фигурки на петербургските народни типове от началото на 19 век.

Д. Митрохин. Цветя в чаша. 1934. Катер. рулетка. Рисувана щампа

И ако уличните сцени, малки фигури на минувачи, като своеобразен „персонал“, оживяват почти всички пейзажи на Д. И. Митрохин, то в неговия градски набор от дърворезби от средата на 1920-те - началото на 1930-те години персонажът, „човек от улицата“ заема централно място. Творбите на тези понякога мило иронични, понякога почти гротескни цикли, заедно с поредица от литографии и гравюри в по-големи формати, са най-съобразени с тази традиция („Улични типове”, „Сладоледник”, „Футболист”, „Цвете продавач”, „Полиестер”, „Петрорайрабкооп” и др.) .

В същото време през 30-те години на миналия век в поредица от крайни гравюри на Д. И. Митрохин, посветени на живота на Азовския регион, „жанровата живопис“ е заменена от романтични мотиви, продиктувани от интереса на художника „към сюжета в неговите специфични форми, грижа за декоративната цялост и изразителността на дърворезбата.

Владеенето на техниките на дърворезбата, до които Д. И. Митрохин достига в средата на 30-те години на миналия век, естествено кара художника да превключи интересите си към гравиране с длето, което вече го привлича по това време. Докато крайната гравюра и литографията преживяват възраждане от 20-те години на миналия век, гравирането в Русия вече е загубило чертите на високото изкуство, имайки само приложно значение; в Западна Европа също едва през 10-20-те години някои майстори започват да разбират за графиката за нейната независима стойност, която също отдавна е била там сред само занаятчийство, репродукция. Художникът, имайки обща представа за техниката на резковата гравюра, нямаше живи примери около себе си и именно разбирането за неговите възможности за решаване на независими графични задачи от първите експерименти отвежда майстора далеч от възпроизвеждането техники - той „рисува“ с гравьор. По този повод Ю. А. Русаков правилно отбеляза: „Няма да е преувеличено да се каже, че това е ново откритие на гравирането с резец.“ Обогатявайки тоналните възможности, майсторът работи и със суха игла, по-свободната дисциплина на линията на която също я приближава по отношение на постигнатите ефекти до естествена рисунка, рисунка с химикал, което беше една от задачите на автора. - да запазят своята жизненост и топлина. Но той не имитира рисунката, а само се опитва, благодарение на това използване на възможностите за гравиране върху метал, да придаде на отпечатъка свежо впечатление, емоционален характер.

Д. Митрохин. Буря. 1932. Суха игла

Д. Митрохин. Фенер (детайл). 1928 г. Литография

През 20-те години той се обръща към същата тема: пейзажи от петроградската страна, натюрморт, Йейск, но получава разширяване на сюжета - работата придобива по-голяма динамика, в някои случаи - качество на живописност. В средата на 30-те години той създава цикъл от широкоформатни щампи, посветени на Централния парк на културата и културата - няколко панорамни пейзажа, базирани на скици, направени от прозорци. Отделна малка група произведения се състои от натюрморти, гравирани от Д. И. Митрохин в края на 30-те-40-те години, които авторът първоначално е имал предвид светло акварелно оцветяване; общото състояние на тези произведения е близко до визията, до която той стига много по-късно.

Метална гравюра от Д. И. Митрохин е уникално явление в предвоенното съветско изкуство. Истинското артистичност, с което майсторът успя да въплъти фината емоционална структура и лиризма на своята артистична природа, не намери отговор, за да подкрепи това ново начинание, а истинската област на творчеството му наистина заема място сред " най-големите явления на европейското гравиране върху метал на 20-ти век” – отбелязва художникът, историкът на изкуството Ю. А. Русаков. С него се съгласява признат специалист, ценител на офорт В. М. Звонцов: „Той беше единственият, който развил изкуството на проницателното гравиране чак до наши дни. такава идея за Митрохин беше подсилена от разкази за него от художници от по-старото поколение, мои учители (В. Н. Левицки, Л. Ф. Овсяников, Г. С. Верейски и др.).

За да запази живия контакт на мек литографски молив с работната повърхност, той пренебрегва корена pyr, което му позволява да прехвърли предварително направена рисунка - художникът работи директно върху камъка. И тук той използва цялото богатство от техники: рисува с широк лек щрих, използва химикал, изсветлява тона чрез надраскване на дълги успоредни щрихи (което е възможно само при работа директно върху отпечатаната равнина). Най-вече прави стативи литографии за монохромни щампи - върху един камък, но няколко литографии са отпечатани от 2 и дори от 3 камъка (1929-1931).

В неговите литографии преобладава същата тема като в крайната гравюра - Ленинградската улица, риболовният Ейск. Най-добрата поредица е "Шест литографии, оцветени от автора" (1928). И тук вниманието на художника е насочено към цветни улични типове, тези творби ни предават облика на града, аромата на отминала епоха...

Кратка страст към тази техника доведе до Д. И. Митрохин в опита да я използва в книжната графика - проектирани са „Избрани произведения” на Н. С. Лесков (1931). Последната си литография художникът прави през 1934 г. - това е пейзаж на ЦПКиО, той никога повече не се обръща към него.

Д. Митрохин. Транспорт под прозореца ми. 1948-1949 г. Резачка

1944 г. - се премества в Москва през юли; от това време той започва систематично да изучава акварел и рисунка; периодично се връща към книжната графика (до 60-те години на миналия век).
1946 г. - възобновява гравирането на метал (до 1951 г.).
1959 г. - започва да работи с цветни моливи.
1967-1969 - прави няколко гравюри със суха игла.
1969 г. - удостоен със званието заслужил артист на РСФСР.
1971 г. - последната статия на Д. И. Митрохин "Рисувай всеки ден" ("Творчество", № 4)
1973 г. - изложби в Малката галерия на издателство "Изкуство" (Дрезден) и "Към 90-годишнината и 70-годишнината от творческата дейност" в Съюза на художниците на СССР в Москва (повече от 800 листа). На 7 ноември художникът почина.

През московския период на творчество Д. И. Митрохин два пъти се връща към гравирането върху метал - 20 отпечатъци от втората половина на 40-те - началото на 1950-те и няколко произведения в края на 60-те години. Сред тези произведения има няколко първокласни, от които Таранът (1948) - много изразителна, динамична гравюра - Ябълка и ядки (1969), която дори без подразбиращото се оцветяване създава впечатление за напълно завършена, трябва да бъде споменат.

картина

Д. И. Митрохин. Столове. 1968. Молив

Повечето от тези, които са изучавали наследството на Дмитрий Исидорович Митрохин, стигат до заключението, че последните тридесет години от неговия творчески живот са най-интересните в много отношения. Това е метод, който напълно удовлетворява художника, не го ограничава, не го принуждава да се съобразява с поръчката, това е универсалната форма на себеизразяване, която той открива, към която той, когато съзнателно и когато несъзнателно, отиде за мнозина години, това е синтез на всичко, което той е разбрал и изстрадал, в резултат на което се получи опиянен, премерен разказ, съставен от прости естествени думи на ясен и хармоничен език на стотици произведения. При такава оценка на последния период, без да се отрича значението на всичко, което е направил по-рано, солидарни са всички, които познават и оценяват работата му: М. В. Алпатов, Ю. А. Русаков и Е. А. Кибрик, Н. И. Харджиев, В. М. Звонцов, А. Рансъм и И. В. Голицин и накрая - скулпторът Л. В. Чага, който много фино и съпричастно разбира това произведение, превръщайки се в чувствителен и неравнодушен свидетел на триумфа на наистина свободното изкуство.

Д. И. Митрохин. Ябълки и ядки. 1969. Резачка, суха точка. Рисувана щампа

Василий Михайлович Звонцов, който оглавяваше редакцията на издателство „Аврора“ (1973-1977) - най-добрият домакин на онова време, и който подготвяше книга за Д. И. Митрохин за публикуване, беше принуден да възстанови монографията, след като видя в нея изцяло това, което художникът е направил през последните десетилетия. Той говори за „неочакваното и завладяващо“ впечатление, което тези листи от тетрадката му направиха: „На последния етап от този път художникът постигна необикновено съвършенство, възможно в редки случаи. Той придоби пълно единство на намерение и изразни средства.

И наистина, в "третия" период от работата си, Д. И. Митрохин опроверга установеното мнение за невъзможността за художника на "свеж поглед", "младо възприятие" в напреднала възраст. Със своите рисунки, в отговор на мнението на К. Хамсун, че „никой не може да се очаква да... пише толкова добре след петдесет години, както е писал преди“ - с убедителността, щедростта и почтеността на своите произведения, майсторът заявява че много зависи от вътрешния свят на този човек и от дисциплината, която той следва - художникът вече не може да начертае равна линия, но творбите му изумяват с увереността на линиите, звучността на образите до последен ден.

Д. И. Митрохин. Интериор. 1964. Молив

На тези, които дойдоха при него с намерението да отдадат почит на „живата реликва“, „последния свят на изкуството“, Дмитрий Исидорович заяви, че дълго време „няма Митрохин“, че „Кнебел Митрохин“ не заинтересува го изобщо. „Те похвалиха неговата книжна графика… възхитиха се на екслибрисите. Сред такива посетители имаше не само „писци”, „колекционери”, но и художници. Никой от тях не си спомняше нито гравюрите на Митрохин, нито неговите рисунки. Дмитрий Исидорович беше много раздразнен от такива посетители, изчерви се ядосано и каза, че „все още не е мъртъв“ ... С широки, тежки стъпки той минава през стаите. Дрехите са твърде свободни на измършавото му тяло. Скулптурите на Джакомети дойдоха на ум. Но очите изглеждат остри и млади. И ръцете, необичайно изразителни, запазиха своята грация и сила до края.

И в зависимост от готовността на търсенето, което дойде до възприятието, което тревожеше художника в този момент, и Д. И. Митрохин беше проницателен - той винаги „виждаше събеседника много добре“, той изложи последните си творби пред него: удивително разнообразни пейзажи, наблюдавани от едни и същи прозорци, много смислени постановки - два, три обекта, различни интериори, видяни в една и съща стая...

Това е история без литература, когато "героите" живеят собствен живот, имат ярко изразен характер, темперамент, взаимодействат, а театърът - истинската драматизъм буквално принуждава зрителя да търси, улавя настроенията, интонациите на "актьорите". Може би това е единствената положителна алтернатива на еврейската театрализация? Между другото, Д. И. Митрохин беше добре запознат с Н. Н. Евреинов и като автор, и като драматург, и като човек (дори се „споразумяха“ в едно издание - за заглавието „Примитивна драма на германците“ само че издателска марка на Полярната звезда, създадена от графика) - както, между другото, той беше запознат с много актьори и писатели. Самият той в младостта си пише поезия – през 1908 г. в Харков Н. Поярков издава алманаха „Кристал” с корицата му, което не изчерпва участието в изданието на Д. И. Митрохин – ето две стихотворения от цикъла му „На юг ": "Рибари" и "Жега", които са вдъхновени от спомените за Ейск и Азовско море. В алманаха участваха Андрей Бели, Константин Балмонт, Александър (Александър Брюсов), И. Новиков, С. Кречетов и др.

"все още-лебен"

Д. Митрохин. ядка. 1969. Молив, акварел

Първоначално Д. И. Митрохин по волята на съдбата се озовава в лагера на най-близките до салона, но след това в Русия това беше неизбежният път на естетиката, противопоставен на господството на вулгарността, безцеремонно нахлуваща в изкуството; той изпита и други влияния, преодолявайки ги стъпка по стъпка две трети от пътя си, оставайки освен това първокласен майстор.

„Пътят назад“, но пътят към „новите пространства“, също беше труден, до момента, когато „нов глас проби“ - болезнен. „Поръчките от издатели се прекратяват. Клиентите са разочаровани – бившият виртуозен майстор не съществува.”

Според Л. Чаг художникът трябваше да започне с проучвания, плахи рисунки, „мръсни“ студентски натюрморти, черни сенки. Този мъдър художник връща „обективността” на изобразеното – само с една разлика: сега „компонентите на разказаното” са одухотворени, той ги дарява с ново чувство за участие, без нужда от сантиментално-декоративно, свръхреалистично или изключително обобщени - те не са безразлични към зрителя, като декларират правото на поверителен, искрен диалог между художника и него... от пристигането им) се появяват веднага след като са били приети в обятията си от масовата култура и провъзгласени навсякъде), спокойно и последователно, без реклама и аффекти, започнаха да правят любимото си нещо добре, придавайки му ново значение и пространство - има няма нужда от гигантски формати за изразяване на страхотни мисли.

Между другото, цветята тук не са просто красиви растения или техни разновидности, те имат не само качествата на живот, но и способността да предават нюансите на настроението на своя „втори“ създател - съвестен, търпелив и внимателен ученик на „първия“. Фармацевтичните бутилки, благодарение на грижата на автора, много активно надвишават своята полезност. Плодовете се радват, ядките дебнат, черупките са на път да се бият, тук столовете са продължение на собствениците си, а не обратното.

„Имаше и сюжети на „Андерсън“ – игла и игла, чиле канап. Занаятчийски играчки - свирки, кончета, петли, дървени, боядисани яйца - се появяват в рисунките в най-неочаквани превъплъщения и интерпретации: променят цвета, пропорциите, пренасят се във въображаемо пространство, разиграват се сцени, „малки трагедии“.

Сухите клони на старо дърво са щедро обсипани с цветя.

Само сред големите майстори на този жанр през 17 век или в наше време с Г. Моранди, нещата, предметите и плодовете живеят толкова пълен, дълбок и индивидуален живот, както в рисунките на Д. И. Митрохин. Веднъж А. П. Чехов, сочейки пепелник, каза: „Ако искаш, ще напиша история за нея“. Това са "историите", които художникът е написал с моливи и акварели. Но те са най-малко литература. Тези растения, плодове и предмети се виждат от художника с някаква необикновена дълбочина и проницателност, във всеки от тях той се чувства сякаш затворен във форма, облечен в цвят, но му разказващ за тайната на сътворението.. - Е. Левитин.

Не харесвам думата "натюрморт". По-добре е друг термин "Still-Leben". Спокоен, скрит живот, който един художник може и трябва да види... Почти винаги намирам някаква доброта, приветливост в нещата. И аз искам да говоря за това. ...Когато гледам рисунките си, най-успешните ми се струват чужди, но усещам недостатъците, сякаш са мои... Когато ме попитат коя от моите творби ценя най-много, обикновено отговарям: тези което ще бъде направено утре. Защото работата на целия живот е подготовка за това, което ще направиш утре. - Д. И. Митрохин. Относно рисунката.

Галерия

Статии от Д. И. Митрохин

"Художествени изложби в Москва" - "Утро". Харков, 1907 г., 25 януари
„Изложба картини на Б. Е. Борисов-Мусатов” – „Утро”. Харков, 1907 г., 27 февруари
"Бохемия" - "Утро". Харков, 1907 г., 4 ноември
К. Гис. - „Младост”, 1907, бр.2-3, с. 13, 14
Манга Хокусай. - "Руски слух", 1912 г., 22 декември. Анонимен, без заглавие. - Първата статия за великия японски художник, написана от руски автор. Авторството на Д. И. Митрохин е отбелязано в доклада на П. И. Нерадовски (1919).
1870 във френска карикатура. – „Гласът на живота“, 1915, No 7, с. шестнадесет
Бедствията на войната от Жак Кало. – „Гласът на живота” (Петроград), 1915, No 10, с. 14, 16
Рисунки от V. D. Zamirailo. – „Ново списание за всеки” (Петроград), 1915, No 5, с. 54, 55
За Нарбут (за изложбата в Руския музей) - в книгата "Аргонавти" (Петроград), 1923, с. 19-21
В памет на Нарбут. - Сред колекционерите, 1922, бр.9, с. 5-9
За рисунките на М. Добужински за тупейския художник Н. Лесков и В. Конашевич за стихотворенията на А. Фет. - Сред колекционерите, 1922, No 7-8, с. 71, 72
Гравирани бележки. - в книгата на П. А. Шилинговски "Руски гравьори". Казан 1926г
В. М. Конашевич. – в книгата „Б. М. Конашевич за себе си и бизнеса си. М. 1968. С. 115-119
Относно рисунката. - Списание за творчество, 1971, бр.4, с. 6-8

Художествени сдружения, в които членува Д. И. Митрохин

Книги и статии за Д. И. Митрохин

Замирало В.Д. И. Митрохин. - "Огледало". 1911. No 20
Мантел А.Д. Митрохин. Предговор от Н. Рьорих. Казан. 1912 г
Левинсън А.Издания за изкуство. - "Ден" (приложение "Литература, изкуство и наука"). 1913 г., 16 декември.
Философите Д.Красиви книги. - "Реч". 1915 г., 19 януари.
Лисенков Е.Две книги с рисунки на Митрохин. - Дом на изкуствата. 1921, бр.2, с. 108, 109
Воини Всеволод. Отметки от Д. И. Митрохин. Петербург. 1921 г
М. Кузмин, Воини Всеволод . Д. И. Митрохин. Москва. 1922 г
Кузмин М. Войнов В.Д. И. Митрохин. Москва-Петроград. 1922 г
Кусмин М. Войнов В.Д. И. Митрочин. Москва-Петроград. 1922 г
Кузмине М. Войнов В.Д. И. Митрохин. Москва-Петроград. 1922 г
Етингер П.Д. И. Митрохин. М.: Детска литература. 1940 г
Русаков Ю.Нови произведения на Д. Митрохин. М.: чл. 1961 г
Алпатов М.Рисунки от художника Митрохин. Списание "Декоративно изкуство на СССР" № 5. 1962 г. С. 32, 33
Коивтун Ю.Метални гравюри на Дмитрий Митрохин. Съветска литература. Москва. 1964. I. PP. 167, 169
Русаков Ю.Дмитрий Исидорович Митрохин. Л.-М. 1966 г
Александрова Н.Д. И. Митрохин. - Изкуството на книгата. Т. 5. М. 1968. С. 146-153
Звонцов В.Наследството на Дмитрий Исидорович Митрохин (1883-1973) - списание "Изкуство". бр.8. 1974. С. 33-38
Сурис Б.Дмитрий Митрохин. - Съветска графика „73. М. 1974. С. 78-84
Алпатов М.Рисунките на Митрохин от последните години. - Въпроси на съветското изобразително изкуство. М. 1975. С. 238-251

Бележки

Източници

Дмитрий Митрохин. Л: Аврора. 1977 г.
Книга за митрохин. Статии, писма, мемоари. Съставител Л. В. Чага. Подготовка на текста и бележки от И. Я. Василиева. - М.: Художник на РСФСР. 1986 г
Д. И. Митрохин. Творби от последните години. Комплект пощенски картички (двуезични). - Ленинград: Аврора. 1973 г

Малко мъка на сайта Runivers с илюстрации на Д. Митрохин
Животът на Алмансор на сайта Runivers с илюстрации на Д. Митрохин

Дмитрий Исидорович Митрохин- мъдър човек и невероятен художник. Творческият му път обхваща три четвърти от нашия век. Той решава да стане график като дете и този избор е причинен от дълбоката вътрешна склонност на Митрохин към този вид изкуство, което изисква голяма ерудиция, художествен вкус и самодисциплина.
Принципите на творчеството на Митрохин се формират на фона, богат на различни преживявания. В предреволюционните години художникът често сътрудничи в списанията "Аполон", "Лукоморие" и др. Тогава той се изявява като илюстратор на книгата.
По време на създаването на илюстрациите към приказката на Р. Густафсон "Шлепът" (1913 г.) Митрохин е близък с художниците на сдружението "Светът на изкуството", а през 1916 г. става член.
В "Шлеп" художникът избра лаконична техника, удобна за полиграфско възпроизвеждане, напомняща техниката на дърворезбата. Черният цвят се появява в комбинация с щрих с пълнеж от равнини. В някои илюстрации големи площи са покрити с цвят, но той играе второстепенна роля.
Митрохин илюстрира подробно историята на скитанията на брига "Морски орел", но, желаейки да засили поетичната мелодия на приказката, никъде не изобразява конкретни епизоди от приключенията на кораба. В почти всички листове, където присъства бригът, го виждаме отдалеч. В листа „Арктически океан“ бяла лодка на фона на мрачна вода изглежда като крехка визия. Интересно е решението на лист "Дъждовна гора". Графичните арабески, които запълват листа, включват жителите и растенията на тропическите гори, нарисувани с научна точност.
В бъдеще илюстрациите на Митрохин стават по-сбити, по-свободно разположени върху повърхността на листа. Забележителен феномен в творчеството на художника са илюстрациите към книгата на Едгар Алън По „Златният бъг“, публикувана през 1922 г. В тях той постига най-богатите пластични ефекти само чрез комбиниране на щрихи и силует. След „Златния бръмбар” преминаването към ажурната графика на „Ефионика” от Хелиодор беше естествено. В леката рисунка на "Ефионика" и лаконичните гравюри с длето, където всеки щрих точно и еластично лежи върху повърхността на листа, може да се предвиди появата на прекрасните рисунки на Митрохин от шейсетте години.

Работа на художника

Митрохин Дмитрий Исидорович (1883-1973)

Д. И. Митрохин имаше късмета да изживее не един, а три цели независими творчески живота и всеки от тях беше пълен и красив по свой начин.

Първият започва в детството, когато той, роден в отдалечена провинция, в семейството на малък служител, се разпалва от желание да стане художник на книги. За тази цел той влезе в MUZHVZ (1902), две години по-късно го промени в SHPU, но беше убеден, че все още трябва да развие сам графичните умения, от които се нуждае.

Тук му помогнаха впечатленията от пътуване до Париж, но основната отправна точка бяха графиките на майсторите на света на изкуството. Ето защо през 1908 г. се премества в Санкт Петербург, където попада в така желана артистична среда. Тук той бързо привлича вниманието, като илюстрира няколко детски книги, включително „Малко брашно“ от В. Гауф (1912), „Роланд Скуайър“ от В. А. Жуковски и „Шлепът“ от Р. Густафсон (и двете 1913). Всеки от тях беше образцов по отношение на безупречността на графичния стил и единството на рисунки, надписи и орнаменти.

Признанието дойде при Митрохин и с признание - множество поръчки, които той изпълняваше съвестно и ентусиазирано, неведнъж превръщайки обикновените корици в произведения на сложна графика. Заедно с Г. И. Нарбут и С. В. Чехонин той определя високото ниво на руското книжно изкуство в навечерието на революцията.

Книжната графика остава в центъра на интересите му дори след революцията, въпреки факта, че кръгът на дейността му се разширява значително: от 1918 г. той става уредник и ръководител на отдела за гравюри и рисунки на Руския музей и се занимава с преподавателска дейност. . В същото време, продължавайки да прави корица след корица, той развива свой собствен стил, като постепенно го освобождава от прекомерни шарки и подчинение на разработения канон; в това му помогнаха интензивни изследвания по рисуване от природата. Върна се към детската книга, работи много в списания.

Но с течение на времето посоката на творческите му интереси започва да се променя. Още в средата на 1920 г. Митрохин се интересуваше от възможностите на печатните графични техники и книжната графика постепенно отстъпваше на заден план. Във всяка от овладените от него техники той се показа като талантлив и уверен майстор.
Отначало това е дърворезба, след това литография и накрая гравюра върху метал (с длето и суха игла) - усъвършенствана и става доста рядка през 20-ти век. Техника. В него той постига най-впечатляващите резултати и израства в един от най-големите и оригинални майстори на статива гравюра.

В своите малки камерни пейзажи, изобразяващи обикновено тихите кътчета на Ленинград и стария парк на остров Елагин, той се появява в ново качество - като внимателен и лиричен наблюдател, способен да опоетизира непретенциозни житейски мотиви и да ги издигне до нивото на високото изкуство. . Нови промени в творчеството на Митрохин, който живее в Москва от 1943 г., възникнаха по собствено желание. В края на 1940 г той, губейки силата си, трябваше да се раздели с гравирането, а десет години по-късно - с книжната графика.

Все по-окован от старостта и болестта, затворен в пределите на апартамента си, но все още обзет от неукротима жажда за творчество, той намира изход в това, което все още е налично – в обикновена рисунка с молив, често леко оцветена с акварел. Стотици от тези малки (обикновено не повече от пощенска картичка) рисунки станаха доказателство за феноменалната творческа младост на художника и се превърнаха в класика на руското изкуство на 20-ти век.

Биография

Изключителен руски и съветски график, илюстратор, майстор на станкова гравюра, офорт и литография; автор на много илюстрации на книги. Изкуствовед. Ръководи графичния отдел на Ленинградския клон на Съюза на художниците на СССР (ЛОШ, 1932–1939). Заслужил деятел на изкуството на РСФСР (1969).

Дмитрий Исидорович Митрохин е роден в Ейск, Краснодарски край. След като завършва реалното училище в Ейск (1902 г.), той постъпва в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура (MUZHVZ). В MUZhVZ учители на Д. И. Митрохин бяха А. М. Васнецов и А. С. Степанов. През 1904 г. се премества в Строгановското училище. Неговата керамика участва в XII изложба на Московското дружество на художниците (1905); през ноември пътува до Париж през Санкт Петербург и Кьолн. През 1906 г. учи в класовете по рисуване на Академията на Гранд Шомиер (Académie de la Grande Chaumiére), при Е. Грас и Т. Стайнлен.

Художникът работи в няколко издателства в Санкт Петербург (1908). По покана на А. Беноа и К. Сомов Митрохин участва в изложбата "Светът на изкуството". Участва в "Салона" С. Маковски и в VI изложба на Съюза на руските художници.

Дмитрий Митрохин е член на много художествени сдружения: "Мурава" (Артел на грънчарите, 1904-1908), Московската асоциация на художниците (1905-1924), обществото Леонардо да Винчи (1906-1911), Тверската социално-педагогическа Кръг (1909-1913), Съюз на руските художници (SRH, 1910–1923), Пръстен (1911–1914), Московски салон (1911–1921), Апартамент № 5 (1915–1917), Светът на изкуството (1916–1916). 1924), "Дом на изкуствата" (1919-1922), Асоциация на художниците на революционна Русия (1922-1932), "Шестнадесет" (1923-1928), "Огнен цвят" (1923-1929), Секция на гравьорите ( ОПХ, 1928-1929), Дружество на художниците (1928-1930). Член-основател на Дружеството на графичните художници (1928–1932).

Работи като ръководител на Отдела по гравюри и рисунки на Руския музей (1918 г.) Професор във Висшия институт по фотография и фототехника (1919–1926). Професор в печатния отдел на Висшия художествен и технически институт (1924-1930) в Ленинград.

Той е разработил няколко десетки издателски марки, търговски емблеми и етикети. В областта на "малките форми", която е овладяна от Д. И. Митрохин още през 1910-те години, книжният знак заема специално място. Съвършен майстор на композицията, добре запознат както с декоративните, така и с графичните компоненти на книгата, усещайки фино нейната природа, той изработва почти петдесет екслибриса (повечето от 1919-1923 г.).

В съветско време художникът успешно се занимава със станкова графика, проектира и илюстрира книги; автор е на огромен цикъл миниатюри в жанра на камерния натюрморт. Тази работа на илюстратора, изпълнена от него с любов, той ентусиазирано и много успешно я съчетава с гравюра, офорт и литография. Проектира и илюстрира значителен брой книги и списания в различни издателства – „Светлини“, „Петрополис“, „Петроград“, „Мисъл“. "Сърф" и много други, в най-добрите от тях - Академия (с която си сътрудничи около шест години): "Седем любовни портрета" от А. дьо Рение (1920, 1921; Петроград), стихотворение от приказка на Марина Цветаева "Царската девойка" (1922); - направени по вече станал традиционен за художника начин, пламенни рисунки с химикал за дизайна на "Златния бъг" на Едгар По (1922), "Епсин" на Бен Джонсън (1920, 1921; "Петрополис"), - илюстрации на Виктор Юго (1923), Анри Барбюс, Октав Мирбо, "Книги на комедиите" от Аристофан (1930), "Етиопци" от Хелиодор (1932).

През 20-те години на миналия век Д. И. Митрохин отново влиза в контакт с детската литература, илюстрира и оформя няколко книги, сред които трябва да подчертаем вече споменатите „Златен бъг“ на Едгар Алън По (1921-1922) и „Пътуване в страната на киното “ от В. Шкловски (1926), „Октомврийската азбука” (1927). Работата по последното издание за пореден път потвърждава брилянтното владеене на художника в изкуството на шрифта. Появата на двутомния сатиричен роман Мюнхаузен (1930–1932) от К. Имерман предполага, че художникът много гениално е подходил към решението на цялата структура на тази публикация: героите на произведението са рязко карикатурирани, превръщайки се в особени, забавни коментари към книгата, оформлението на заглавните листи е остроумно; подвързия, маховка, прахобвивка - всичко е в хармония. От есента на 1939 г. Д. И. Митрохин работи върху дизайна на книгата с приказки от Х. К. Андерсен, след като е получил поръчка от немско издателство. Както се разбира от писмата на художника, той продължава да създава интересни илюстрации, ако се съди по малкото оцелели екземпляри, още в средата на юни 1941 г. - това издание не е предопределено да види бял свят.

От средата на 30-те години на миналия век за Д. И. Митрохин книжната графика вече няма първостепенно значение в творчеството му, започва да отстъпва място на дърворезбата, гравирането върху метал, рисунката и акварела. Работата от природата никога не е била изключена от редовните занятия, от сферата на интересите на художника и той непрекъснато търси и се усъвършенства в тази област. Дмитрий Митрохин направи малко повече от 70 гравюри, но дори този сравнително малък брой произведения в тази област ни позволява да го наредим сред най-добрите домашни майстори на дърворезба. Започвайки с техники, близки до „черния маниер“, когато художникът предпочита бял, леко груб щрих, по-късно стига до „сребриста гама, богата на полутонове и различни текстурирани елементи“.

Митрохин започва да се занимава с дърворезба „почти от любопитство“ под влиянието на В. В. Войнов, един от инициаторите и пропагандистите на възраждането на дърворезбите като независима (нерепродуктивна) станкова техника, с когото Дмитрий Исидорович е добре запознат от Светът на изкуството и музейното дело; през 1941 г. влизат заедно в опълчението, преживяват блокадата и са заедно в Алма-Ата. Митрохин работи в издателството на Генералния щаб, от 1941 до 1942 г. в Института по кръвопреливане. Създава около 100 рисунки с молив и акварел, включително тези, посветени на живота на обсадения град.

До втората половина на 20-те години той само два пъти се обръща към работа върху камък. От тези, създадени от Д. И. Митрохин в литография, половината се отнасят за 1928 г. - първата година от пълноценното му занимание с тази печатна техника. За да запази живия контакт на мекия литографски молив с работната повърхност, той пренебрегва кореновата клада, което му позволява да прехвърли предварително направената рисунка - художникът работи директно върху камъка. И тук той използва цялото богатство от техники: рисува с широк лек щрих, използва химикал, изсветлява тона, надрасквайки дълги успоредни щрихи. Най-вече прави стативи литографии за монохромни щампи - върху един камък, но няколко литографии са отпечатани от 2 и дори от 3 камъка (1929-1931).

В неговите литографии преобладава същата тема като в крайната гравюра - Ленинградската улица, риболовният Ейск. Най-добрата серия - "Шест литографии, оцветени от автора" (1928). И тук вниманието на художника е насочено към цветни улични типове, тези творби ни предават облика на града, аромата на отминала епоха.

Кратка страст към тази техника доведе до Д. И. Митрохин в опита да я използва в книжната графика - проектирани са „Избрани произведения” на Н. С. Лесков (1931). Последната литография художникът прави през 1934 г. - това е пейзаж на Централния парк на културата и културата, той никога повече не се обръща към него.

С всички успехи на Д. И. Митрохин в книжната графика и постиженията в гравирането, най-значимата и значима част от работата му е стативата рисунка. Тази концепция съчетава действителната работа с молив, акварел и произведения, направени в смесена техника - основното занимание през последните тридесет години от живота му. Стотици малки стативни листове (повечето с размер на пощенска картичка, страница от тефтер) съдържат най-яркия и впечатляващ израз на мирогледа на художника; те много органично сляха графичния и изобразителния принцип; тези апартаменти, създадени през годините, са страници от дневник, изпълнен с живот. Творчеството на Д. И. Митрохин претърпя промени в течение на почти половин век от неговата активна работа в тази област, сякаш предвиждаше призива на художника към единствената възможна за него, но и най-ярката, уникална форма на приложение на неговия талант - рисунка, която от определен момент ще бъде предопределена да се превърне в универсално изразно средство на неговия мироглед. Създава се впечатление, че същата „подготвителна“ функция е изпълнявана и от други видове стативни графики, сякаш помага на художника да намери този лапидарен, разбираем, но далеч от едносричен език на произведения, които са основни по съдържание, капацитет, индивидуални, напълно самостоятелен графичен стил на произведенията.

Дмитрий Исидорович Митрохин, който е живял дълъг творчески живот, е имал щастието да учи, да си сътрудничи, да се сприятелява, да бъде в асоциации и общества с много художници, сред които има такива, чийто отпечатък върху изкуството на 20-ти век е сравним с влиянието върху хода на историята на най-важните открития на епохата. В първите редове на автобиографичните бележки на художника има имената на М. Ф. Ларионов, Н. С. Гончарова и А. В. Фонвизин, които са учили рамо до рамо и са били приятели с него - С. Т. Коненков и С. В. Малютин.

В различни периоди на осмисляне на пътищата на изразителност и умение интересът на художника е насочен към различните им проявления и с различна мярка на тяхното въздействие върху мирогледа на художника, понякога ефимерно и почти опортюнистично, и следователно лесно и безболезнено преодолимо, т.е. като например салон, Beardsley, модерни тенденции - тези, които изискват по-продължителна "неутрализация", чисто декоративни, стилизирани орнаментални, популярни щампи и щампирани мотиви; или, напротив, под формата на дълбоко, съществено разбиране, реализирано в системата от възгледи на художника – западноевропейски и японски гравюри. „Но, след като премина през тези хобита“, пише М. В. Алпатов, „той се върна към такива ценности на изкуството, които надрастват границите на времето и пространството и съществуват навсякъде“.

Творчеството на художника Д. И. Митрохин е представено в Руския музей (РМ), Държавната Третяковска галерия, Руския архив за литература и изкуство (RGALI), Руската национална библиотека (Санкт Петербург), Музея на изящните изкуства на Карелия , Националната галерия на Република Коми, Удмуртският музей на изящните изкуства, чувашкият художествен музей, Луганск музей, много частни колекции и галерии.

Този имейл адрес е защитен от спам ботове. Трябва да имате активиран JavaScript, за да видите.

Биография

Дмитрий Исидорович Митрохин(1883-1973) - руски график, илюстратор, книжен художник, изкуствовед.

Роден в семейството на малък служител и дъщеря на казашки търговец. Като дете, прекарвайки много време в печатницата на дядо си, той се запознава с печатарското изкуство и се интересува от четене. След като завършва Йейското реално училище, той постъпва в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура и през 1903 г. участва за първи път в изложбата на училището. Година по-късно той се премества в Строгановското училище, учи в класовете по рисуване на Академията Grande Chaumière. (Académie de la Grande Chaumiere), отделяйки много време за изучаване както на съвременни графики, така и на рисунки от стари майстори, класически европейски и японски гравюри.

От 1908 г. Дмитрий Митрохин си сътрудничи с няколко издателства, като участва в изложбата „Светът на изкуството“. През целия си живот е бил член на много творчески художествени сдружения и дружества. От 1908 г. системно се занимава с книжна графика, рисувайки за много водещи книгоиздатели - И. Н. Кнебел”, „Голике и Вилборг”, „Просвещение”, „Печатник”, „М. и С. Сабашников” и др. Работил е много върху илюстрациите за детски книги; в работата си той се придържа към единен принцип за всички елементи на книгата - всичко, от корицата с върхове до шрифтове с декор, е подчинено на стилистична общност.

В съветско време той продължава работата си, като я съчетава с гравюра, офорт, литография; От 1918 г. той отговаря за отдела за гравюри и рисунки на Руския музей, е професор в Института по фотография и фототехника, катедрата за печат на Художествената академия. Като цяло той проектира и илюстрира огромен брой книги, разработи няколко десетки издателски марки, търговски емблеми и етикети и направи почти петдесет екслибриса.

Най-често рисувам с молив (олово). След това обичам да оцветявам рисунката си с акварели. Този метод на работа, очевидно, възникна в резултат на дълго гравиране. Моливът често лежи като длето или игла за гравиране. Понякога използвам цветни моливи. Но аз не съм художник, цветът играе второстепенна роля в творбите ми. Основата, дизайнът е чертежът. Размерът на чертежите (вероятно в резултат на многогодишна работа по книгата) не надвишава размера на страниците на книгата. Всичко, което искам да кажа, се побира на малко листче хартия. Говоря тихо и кратко.

За рисунката не мога да кажа нищо ново. Нищо освен простите правила, изложени във всеки учебник. Това е методът, от който съм се ръководил цял живот: рисувай, рисувай, рисувай. Рисувайте всеки ден, докато сте живи, докато съществувате, защото да рисувате е това, което означава да живеете, да се присъединявате към всичко живо. Рисунката е в основата на цялото изобразително изкуство, на всички негови видове.

Рисуването от природата е изучаване на реалността около нас, целия огромен живот: хора, пейзаж, жилища, облаци, светлина, сянка, неща, живеещи близо до нас.

Не харесвам думата "натюрморт". По-добре друг термин: "Still-Leben". Тих, скрит живот, който един художник може и трябва да види.

През целия си дълъг живот съм се занимавал основно с илюстриране на книги. Изработени са и много композиции, гравюри, литографии. Така че основата на цялата ми работа винаги са били рисунки и скици от природата.

Преди да рисувате, трябва да видите: колкото повече рисунки са направени от природата, толкова по-лесно ще бъде да се изобрази това, което е измислено, прочетено или чуто.

Рисувайте всеки ден, мислете какво ще рисувате след това, наблюдавайте, търсете, винаги търсете нови начини за изобразяване. Търсете, винаги оставайки себе си, никога не почивайки на направеното. Реалността се променя завинаги. Всеки ден нов пейзаж в прозореца, нещата се групират по нов начин, светлината и пространството се променят, възникват нови, мистериозни взаимоотношения. Цветята се появяват и падат. Някой носи неочаквани плодове от далечни земи. Хората минават покрай прозореца, закачват дрехи в двора, чистят килими, играят волейбол. Ездачът следва от конюшнята до хиподрума, птици се стичат за храна, коли се втурват, нещо крилато се спуска по страницата. Минувачите спираха, говореха си (така се обличат сега!). Наблюдавайте, рисувайте, винаги научавайте нови неща.

През последните години съм правил малко гравиране, само рисуване. В крайна сметка рисуването е самостоятелна област на изобразителното изкуство. Бих искал да създам готови рисунки, като кристали, и най-важното - живи. Но много рядко това, което се прави, радва. Най-често рисувам с молив (олово). След това обичам да оцветявам рисунката си с акварели. Този метод на работа, очевидно, възникна в резултат на дълго гравиране. Моливът често лежи като длето или игла за гравиране. Понякога използвам цветни моливи. Но аз не съм художник, цветът играе второстепенна роля в творбите ми. Основата, дизайнът е чертежът. Размерът на чертежите (вероятно в резултат на многогодишна работа по книгата) не надвишава размера на страниците на книгата. Всичко, което искам да кажа, се побира на малко листче хартия. Говоря тихо и кратко.

Моите рисунки са групирани в серии. Поредицата съчетава или сюжет – цветя, рибни пейзажи, интериори – или материала, който използвам в даден период от време: цветни моливи или акварел, торшон или ватман. Намирам за необходимо да сменям материалите от време на време, както и инструментите, които използвам. Това е необходимо като нов сюжет, нова природа. Опитвам се с всички средства да постигна, да търся нов, жив и ясен изобразителен език.

Лошото ми здраве от малка, възрастта ми прави невъзможно рисуването на хора – портрети, близки планове на групи хора. В моите рисунки хората най-често са малки фигурки, които се въртят в далечината. Виждам ги сякаш през обърнат бинокъл. Ето защо незначителни предмети, наречени неодушевени, често се появяват в моите рисунки като сюжет, тема (например аптечно стъкло, столове).

Хората са склонни да възприемат, ограничени от определени граници. Рамката може да бъде по-широка или по-тясна, но има и дълбочина. Работейки, наблюдавайки, се опитвам да извличам и разкривам не само формата, теглото, пространствените отношения (между другото, лист, повърхността на хартията установява нови пространствени отношения), но и да се науча как да ги управлявам, да ги променям. Опитвам се да намеря и предам на зрителското възприятие поетическата и философската същност на изобразеното. Почти винаги намирам някаква доброта, дружелюбие в нещата. И аз искам да говоря за това.

Спомням си невероятните рисунки на Врубел, идолизирани от един от моите приятели-учители - В. Д. Замирайло - С. В. Ноаковски, С. П. Яремич, К. С. Петров-Водкин. Калиграфията на Замирайло и възхищението му от рисунките на Врубел, отличните рисунки с тебешир върху черната дъска на Ноаковски, рисунките на Яремич в Санкт Петербург и неговата най-богата колекция от рисунки и гравюри на стари майстори, изключителните познания на П. Д. Етингер за произведенията на руски и чуждестранни майстори, разговори за изкуството с изкуството на Замирайло. Петров-Водкин (той се интересуваше от моите гравюри с резачка за метал) – всичко това несъмнено повлия на формирането ми като художник.

Когато гледам рисунките си, най-успешните ми се струват непознати, но усещам недостатъците като свои. Ще бъде лесно, когато работиш сто пъти. Непрекъснато си спомням за безсмъртния Хокусай, ненадминатия Мангва. Когато хората ме питат кои от моите произведения ценя най-много, обикновено отговарям: тези, които ще бъдат направени утре. Защото работата на целия живот е подготовка за това, което ще направиш утре.”

(c) "Теглене всеки ден"
Списание "Творчество", 1971, No4

„След като достигна деветдесетгодишна възраст - възраст, на която само малцина могат да работят истински творчески - Митрохин продължи да работи неуморно до последния ден, тъй като смисълът на съществуването му беше съсредоточен за него в рисуването. Но може би най-забележителното е, че Митрохин не просто работи, а непрекъснато се развива като художник. От година на година, от ден на ден той търсеше „нов, жив и ясен, по собствените му думи, живописен език“. И той намира нови начини, средства, форми на изразяване на наблюденията, постигайки в рисунката все по-пълно и задълбочено разкриване на вечно променящата се, никога не се повтаря реалност.

(в) Ю.А. Русаков.

„В творческия живот на Дмитрий Исидорович не е трудно да се разграничат определени периоди, но нито един от тях не е затворен цикъл, всички те са етапи на един, дълъг път, непрекъснато движение към възвишена цел. На последния етап от този път художникът постига изключително съвършенство, възможно в редки случаи. Той придоби пълно единство на намерение и изразни средства. По пътя към това съвършенство художникът преодоля такива житейски трудности, с които малцина могат да се справят. Болестта го принуди да се ограничи до малък апартамент повече от десет години, да откаже широка комуникация с хората. Художникът открива изпълнен със събития живот на собствения си работен плот, във всеки ъгъл на стаята. Той успява да усети съвременния свят през заобикалящите го предмети и да разкаже за своето жизнеутвърждаващо, оптимистично отношение към него.