Пейзажисти импресионисти. Най-добрите импресионистични картини със заглавия и снимки

“Нов святе роден, когато импресионистите са го рисували"

Анри Канвайлер

19 век. Франция. В живописта се случи немислимото. Група млади художници решиха да разклатят 500-годишната традиция. Вместо ясна рисунка, те използваха широка „небрежна“ мазка.

И те напълно изоставиха обичайните изображения. Изобразявайки всички. И дами с леко поведение, и господа със съмнителна репутация.

Публиката не беше готова за импресионистичната живопис. Бяха подигравани и мъмрени. И най-важното, нищо не са купили от тях.

Но съпротивата беше сломена. И част от импресионистите доживяват да видят своя триумф. Вярно, вече бяха над 40. Като Клод Моне или Огюст Реноар. Някои чакаха признание едва в края на живота си, като Камил Писаро. Някой не го оправда, като Алфред Сисли.

Какъв революционер направи всеки от тях? Защо обществото не ги прие толкова дълго? Ето 7 от най-известните френски импресионисти. Който познава целия свят.

1. Едуард Мане (1832 - 1883)

Едуард Мане. Автопортрет с палитра. 1878 г Частна колекция

Мане беше по-възрастен от повечето импресионисти. Той беше основният им вдъхновител за промяна.

Самият Мане не претендира да бъде водач на революционерите. Той беше светски човек. Мечтаех за официални награди.

Но той чакаше много дълго време за признание. Публиката искаше да види гръцките богини. Или в най-лошия случай натюрморти. За да изглежда красива в трапезарията. Мане искаше да пише модерен живот. Например куртизанки.

Резултатът беше "Закуска на тревата". Двама дендита си почиват в компанията на дами с лекота. Един от тях, сякаш нищо не се е случило, седи до облечени мъже.

Едуард Мане. Закуска на тревата. 1863 г., Париж

Сравнете неговата „Закуска на тревата“ с „Римляните в упадък“ на Томас Кутюр. Картината на Кутюр направи фурор. Художникът веднага стана известен.

"Закуска на тревата" беше обвинена в вулгарност. Бременните жени с пълна сериозност не се препоръчваха да я гледат.

Томас Кутюр. Римляни в упадък. 1847 г. Музей д'Орсе, Париж. artchive.ru

В картината на Couture виждаме всички атрибути на академизма ( традиционна живопис 16-19 век). Колони и статуи. Аполонови хора. Традиционни приглушени цветове. Маниеризмът на позите и жестовете. Сюжет от един далечен живот на съвсем различен народ.

„Закуска на тревата” на Мане е различен формат. Преди него никой не е изобразявал така лесно куртизанки. В близост до почтени граждани. Въпреки че много мъже от онова време прекарваха свободното си време по този начин. Истинския живот истински хора.

Веднъж писах на една уважавана дама. Грозни. Не можеше да я ласкае с четка. Дамата беше разочарована. Тя го остави разплакана.

Едуард Мане. Анджелина. 1860 г. Музей д'Орсе, Париж. wikimedia.commons.org

Така той продължи да експериментира. Например с цвят. Той не се опитваше да изобрази така наречения естествен цвят. Ако той видя сиво-кафява вода като ярко синя, тогава той я изобрази като ярко синя.

Това, разбира се, раздразни обществеността. В края на краищата дори Средиземно море не може да се похвали с такова синьо като водата в Мане, иронизираха те.

Едуард Мане. Аржантьой. Музей от 1874 г изящни изкуства, Турне, Белгия. wikipedia.org

Но фактът остава. Мане фундаментално промени целта на живописта. Картината се превърна в въплъщение на индивидуалността на художника. Който си пише както си иска. Забравете за моделите и традициите.

Всички нововъведения не му прощаваха дълго време. Признанието чакаше само в края на живота. Когато вече не му трябваше. Той болезнено избледняваше неизлечима болест.

2. Клод Моне (1840 - 1926)

Клод Моне. Автопортрет в барета. 1886 г. Частна колекция

Клод Моне може да се нарече Кристофър импресионист. Тъй като той беше верен на тази посока, всичките му дълъг живот.

Той рисува не предмети и хора, а едноцветна конструкция от отблясъци и петна. Отделни удари. Треперене на въздуха.

Клод Моне. Басейн за гребане. 1869 Метрополитен музей на изкуствата, Ню Йорк. Metmuseum.org

Моне рисува не само природата. Той също беше добър в градските пейзажи. Един от най-известните - .

В тази картина има много фотография. Например, движението се предава с помощта на замъглено изображение.

Обърнете внимание, далечните дървета и фигури изглеждат в мъгла.

Клод Моне. Булевард де Капуцини в Париж. 1873 (Галерия за европейско и американско изкуство от 19-20 век), Москва

Пред нас е спрял миг от кипящия живот на Париж. Без постановка. Никой не позира. Хората са изобразени като набор от щрихи. Такава безсюжетност и ефектът на „замръзнала рамка“ - основна характеристикаимпресионизъм.

До средата на 80-те художниците се разочароваха от импресионизма. Естетиката, разбира се, е добра. Но безсмислието на мнозина потискаше.

Само Моне продължи да упорства. Хипертрофия на импресионизма. Това, което се превърна в поредица от картини.

Изобразявал е един и същи пейзаж десетки пъти. AT различно времедни. По различно време на годината. За да покаже колко температура и светлина могат да променят един и същ изглед до неузнаваемост.

Така се появиха безброй купи сено.

Картини на Клод Моне в Музея за изящни изкуства, Бостън. Вляво: Купи сено при залез слънце в Живерни, 1891 г. Вдясно: Купа сено (снежен ефект), 1891 г.

Моля, имайте предвид, че сенките в тези картини са цветни. И не сиво или черно, както беше обичайно преди импресионистите. Това е друга тяхна особеност.

Моне успя да се наслади на успех и материално благополучие. След 40 той вече забрави за бедността. Той има къща и красива градина. И твореше за собствено удоволствие дълги години.

Прочетете за най-емблематичната картина на майстора в статията

3. Огюст Реноар (1841 - 1919)

Пиер-Огюст Реноар. Автопортрет. 1875 Стърлинг и Франсин Кларк Институт за изкуство, Масачузетс, САЩ. Pinterest

Импресионизмът е най-позитивната живопис. А най-позитивният сред импресионистите беше Реноар.

В неговите картини няма да намерите драматизъм. Дори черна боятой не е използвал. Само радостта от съществуването. Дори най-баналният Реноар изглежда красив.

За разлика от Моне, Реноар рисува хора по-често. Пейзажите за него бяха по-малко значими. В неговите картини неговите приятели и познати си почиват и се наслаждават на живота.

Пиер-Огюст Реноар. Закуска на гребци. 1880-1881 г Колекция Филипс, Вашингтон, САЩ. wikimedia.commons.org

Няма да намерите в Реноар и замисленост. Той беше много щастлив да се присъедини към импресионистите. Които анкети отказаха сюжети.

Както самият той каза, най-после има възможност да пише цветя и да ги нарича просто „Цветя“. И не си измисляйте истории за тях.

Пиер-Огюст Реноар. Жена с чадър в градината. 1875 Музей Тисен-Борменис, Мадрид. arteuam.com

Реноар се чувствал най-добре в женска компания. Той помоли своите прислужници да пеят и да се шегуват. Колкото по-тъпа и наивна беше песента, толкова по-добре за него. Мъжкото бърборене го умори. Нищо чудно, че Реноар е известен със своите голи тела.

Моделът в картината „Голо в слънчева светлина” изглежда се появява на цветен абстрактен фон. Защото за Реноар няма нищо второстепенно. Окото на модела или зоната на фона са еквивалентни.

Пиер-Огюст Реноар. Гола на слънчева светлина. 1876 г. Музей д'Орсе, Париж. wikimedia.commons.org

Реноар е живял дълъг живот. И никога не оставяйте четката и палитрата. Дори когато ръцете му бяха напълно оковани от ревматизъм, той завърза четката за ръката си с въже. И той рисува.

Подобно на Моне, той чака признание след 40 години. И видях моите картини в Лувъра, до творбите известни майстори.

Прочетете за един от най-очарователните портрети на Реноар в статията

4. Едгар Дега (1834 - 1917)

Едгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Калуст Гулбенкян, Лисабон, Португалия. културен.com

Дега не е класически импресионист. Не обичаше да работи на открито (на открито). При него няма да намерите умишлено изсветлена палитра.

Напротив, той обичаше ясната линия. Той има много черно. И той работеше изключително в студиото.

Но въпреки това той винаги е поставян наравно с други велики импресионисти. Защото беше импресионист на жеста.

Неочаквани ъгли. Асиметрия в подреждането на обектите. Герои, хванати неподготвени. Всичко това са основните атрибути на неговите картини.

Той спря мига на живота, не му позволи да дойде на себе си. Вижте поне неговия „Оперен оркестър“.

Едгар Дега. Оперен оркестър. 1870 г. Музей д'Орсе, Париж. commons.wikimedia.org

На преден план е облегалката на стол. Музикантът е с гръб към нас. И на заден планбалерините на сцената не се вписваха в „рамката“. Главите им са безмилостно „отсечени“ от ръба на картината.

Следователно толкова обичаните от него танцьори далеч не винаги са изобразени в красиви пози. Понякога просто се разтягат.

Но такава импровизация е въображаема. Разбира се, Дега внимателно обмисля композицията. Това е просто ефект на стоп рамка, а не истинска стоп рамка.

Едгар Дега. Двама балетисти. 1879 Шелбърн музей, Вермут, САЩ

Едгар Дега обичаше да рисува жени. Но болестта или особеностите на организма не му позволиха да има с тях физически контакт. Той никога не се жени. Никой никога не го е виждал с жена.

Липсата на реални сюжети в личния му живот придава фина и наситена еротичност на образите му.

Едгар Дега. Балетна звезда. 1876-1878 г Музей д'Орсе, Париж. wikimedia.comons.org

Моля, обърнете внимание, че в картината „Звезда на балета“ е нарисувана само самата балерина. Колегите й от задкулисието едва се различават. Само няколко крака.

Това не означава, че Дега не е завършил картината. Такъв е приемът. Дръжте само най-важните неща на фокус. Останалото да изчезне, нечетливо.

Прочетете за други картини на майстора в статията.

5. Берта Моризо (1841 - 1895)

Едуард Мане. Портрет на Берта Моризо. 1873 г. Музей на Мармотан Моне, Париж.

Берта Моризо рядко е поставяна на първия ред с великите импресионисти. Сигурен съм, че не е заслужено. Точно в нея ще намерите всички основни характеристики и техники на импресионизма. И ако харесвате импресионизма, ще обикнете работата й с цялото си сърце.

Моризо работеше бързо и упорито. Пренасяне на вашите впечатления върху платното. Фигурите сякаш са на път да се разтворят в пространството.

Берт Моризо. лято. 1880 г. Музей на Фабр, Монпелие, Франция.

Подобно на Дега, тя често оставя някои детайли недовършени. И дори части от тялото на модела. Не можем да различим ръцете на момичето в картината „Лято“.

Пътят на Моризо към себеизразяването беше труден. Тя не само се занимаваше с „небрежно“ рисуване. Тя все още беше жена. В онези дни една жена трябваше да мечтае да се омъжи. След това всякакви хобита бяха забравени.

Затова Берта дълго време отказваше брак. Докато не намери мъж, който се отнасяше с уважение към нейната професия. Йожен Мане е брат на художника Едуар Мане. Той послушно копнееше за статива и боите на жена си.

Берт Моризо. Йожен Мане с дъщеря си в Бугивал. 1881 г. Музей на Мармотан Моне, Париж.

Но това беше още през 19 век. Не, Моризо не носеше панталони. Но тя не можеше да си позволи пълна свобода на движение.

Не можеше да отиде сама в парка на работа. Непридружен от някой близък. Не можех да седя сам в кафене. Затова нейните картини са хора от семейния кръг. Съпруг, дъщеря, роднини.

Берт Моризо. Жена с дете в градина в Бугивал. 1881 г Национален музейУелс, Кардиф.

Моризо не дочака признание. Тя почина на 54-годишна възраст от пневмония. През живота си не е продал почти нищо от творбите си. В акта за смъртта й в графата "професия" имаше тире. Беше немислимо една жена да се нарича художник. Дори и наистина да беше.

Прочетете за картините на майстора в статията

6. Камий Писаро (1830 - 1903)

Камил Писаро. Автопортрет. 1873 г. Музей д'Орсе, Париж. wikipedia.org

Камил Писаро. Неконфликтен, разумен. Мнозина го смятаха за учител. Дори най-темпераментните колеги не говореха лошо за Писаро.

Той беше верен последовател на импресионизма. В крайна нужда, с пет деца и жена, той все още работеше усилено в същия стил. И никога не премина към салонно боядисване. За да станат по-популярни. Не е известно откъде е намерил сили да вярва напълно в себе си.

За да не умре изобщо от глад, Писаро рисува ветрила. които се продаваха лесно. И истинското признание дойде при него след 60 години! Когато най-накрая успя да забрави за нуждата.

Камил Писаро. Дилижанс в Лувесиен. 1869 г. Музей д'Орсе, Париж

Въздухът в картините на Писаро е гъст и плътен. Необичайно сливане на цвят и обем.

Художникът не се страхуваше да рисува най-променливите природни явления. Което ще се появи за миг и ще изчезне. Първи сняг, мразовито слънце, дълги сенки.

Камил Писаро. Слана. 1873 г. Музей д'Орсе, Париж

Най-известните му творби са изгледи от Париж. С широки булеварди, суетна и пъстра тълпа. През нощта, през деня, при различно време. Нещо общо с поредица от картини на Клод Моне.

Импресионизмът е течение в живописта, възникнало във Франция през XIX-XX век, което е артистичен опит да се улови някакъв момент от живота в цялата му променливост и подвижност. Картините на импресионистите са като качествено измита фотография, съживяваща във фантазията продължението на видяната история. В тази статия ще разгледаме 10 от най-много известни импресионистиспокойствие. за щастие, талантливи художницимного повече от десет, двадесет или дори сто, така че нека се съсредоточим върху тези имена, които трябва да знаете със сигурност.

За да не обидим нито артистите, нито техните почитатели, списъкът е даден по азбучен ред на руски език.

1. Алфред Сисли

Това френски художник английски произходсмятан за най-известния пейзажист от втория половината на XIXвек. В колекцията му има повече от 900 картини, от които най-известните са „Селска алея“, „Слана в Лувесиен“, „Мост в Аржантьой“, „Ранен сняг в Лувесиен“, „Морави през пролетта“ и много други.

2. Ван Гог

Известен по целия свят тъжна историяотносно ухото му (между другото, той не отряза цялото ухо, а само лобчето), Уанг Гон стана популярен едва след смъртта си. И през живота си успя да продаде една-единствена картина, 4 месеца преди смъртта си. Казват, че бил и предприемач, и свещеник, но често изпадал психиатрични болниципоради депресия, така че цялото бунтарство на неговото съществуване доведе до легендарни произведения.

3. Камил Писаро

Писаро е роден на остров Свети Тома, в семейство на буржоазни евреи, и е един от малкото импресионисти, чиито родители насърчават хобито му и скоро го изпращат в Париж да учи. Художникът най-много харесваше природата и я изобразяваше във всички цветове, или по-точно, Писаро имаше специален талант да избира мекотата на цветовете, съвместимостта, след което в картините сякаш се появяваше въздух.

4. Клод Моне

От детството си момчето реши, че ще стане художник, въпреки забраните на семейството. След като се премести сам в Париж, Клод Моне се потопи в сивото ежедневие на тежък живот: две години служба във въоръжените сили в Алжир, съдебни спорове с кредитори поради бедност, болест. Все пак има усещането, че трудностите не са потискали, а са вдъхновили твореца да създава такива ярки снимки, като „Впечатление, изгрев“, „Къщата на парламента в Лондон“, „Мост към Европа“, „Есен в Аржантьой“, „На брега на Трувил“ и много други.

5. Константин Коровин

Хубаво е да се знае, че сред французите, родоначалници на импресионизма, с гордост можем да поставим нашия сънародник - Константин Коровин. Страстната любов към природата му помогна интуитивно да придаде невъобразима жизненост на статична картина, благодарение на комбинацията от подходящи цветове, ширина на щрихи, избор на тема. Невъзможно е да се мине покрай картините му "Кей в Гурзуф", "Риба, вино и плодове", " Есенен пейзаж», « Лунна нощ. Зима” и поредица от негови творби, посветени на Париж.

6. Пол Гоген

До 26-годишна възраст Пол Гоген дори не си е помислял да рисува. Той беше предприемач и имаше голямо семейство. Въпреки това, когато за първи път видях картините на Камий Писаро, реших, че със сигурност ще започна да рисувам. С течение на времето стилът на художника се променя, но най-известните импресионистични картини са "Градина в снега", "На скалата", "На плажа в Диеп", "Голо", "Палми в Мартиника" и други.

7. Пол Сезан

Сезан, за разлика от повечето си колеги, става известен още приживе. Той успя да организира собствена изложба и да спечели значителни приходи от нея. Хората знаеха много за неговите картини - той, както никой друг, се научи да комбинира играта на светлина и сянка, направи силен акцент върху правилното и грешното геометрични форми, строгостта на темата на неговите картини беше в хармония с романтиката.

8. Пиер Огюст Реноар

До 20-годишна възраст Реноар работи като декоратор на ветрила за по-големия си брат и едва след това се премества в Париж, където се запознава с Моне, Базил и Сисли. Това запознанство му помогна в бъдеще да поеме по пътя на импресионизма и да стане известен по него. Реноар е известен като автор на сантиментален портрет, сред най-забележителните му творби - "На терасата", "Разходка", "Портрет на актрисата Жана Самари", "Ложата", "Алфред Сисли и съпругата му", " На люлка“, „Жабата“ и много други.

9. Едгар Дега

Ако не сте чували нищо за „Сините танцьорки“, „Балетни репетиции“, „Балетна школа“ и „Абсент“ – побързайте да научите повече за творчеството на Едгар Дега. Изборът на оригинални цветове, уникални теми за картини, усещането за движение на картината - всичко това и много повече направи Дега един от най- известни артистиспокойствие.

10. Едуард Мане

Не бъркайте Мане с Моне - това са две различен човеккоито са работили по едно и също време и в едно и също художествено направление. Мане винаги е бил привлечен от домашни сцени, необичаен външен види типове, сякаш случайно "уловени" моменти, впоследствие уловени за векове. Между известни картиниМане: "Олимпия", "Закуска на тревата", "Бар във Фоли Бержер", "Флейтист", "Нана" и др.

Ако имате и най-малката възможност да видите на живо картините на тези майстори, ще се влюбите в импресионизма завинаги!

Александра Скрипкина,

Импресионизмът е един от най известни дестинации френска живопис, ако не и най-известният. И то възниква в края на 60-те и началото на 70-те години на XIX век и до голяма степен повлиява по-нататъчно развитиеизкуство от онова време.

Импресионизъм в живописта

Самото име импресионизъм» е измислен от французите изкуствоведнаречен Луи Лероа след посещение на първата импресионистична изложба през 1874 г., където той критикува картината на Клод Моне „Впечатление: Изгряващо слънце“(„импресия“ в превод на френски звучи като „импресия“).

Клод Моне, Камий Писаро, Едгар Дега, Пиер Огюст Реноар, Фредерик Базил са основните представители на импресионизма.

Импресионизмът в живописта се характеризира с бързи, спонтанни и свободни щрихи. Водещият принцип беше реалистично изображение на светлинно-въздушната среда.

Импресионистите се стремят да уловят мимолетни моменти върху платно. Ако точно в този момент обектът се появи в неестествен цвят, поради определен ъгълпадането на светлината или нейното отражение, тогава художникът го изобразява по този начин: например, ако слънцето боядисва повърхността на езерце в розов цвят, тогава ще бъде изписано в розово.

Характеристики на импресионизма

Говорейки за основните характеристики на импресионизма, трябва да посочим следното:

незабавен и оптически точен образ на мимолетен момент;
извършване на цялата работа на открито - без повече подготвителни скици и довършителни работи в ателието;

използването на чист цвят върху платното, без предварително смесване върху палитрата;
използването на пръски от ярка боя, щрихи с различни размери и степени на размах, които визуално се добавят към една картина само когато се гледат от разстояние.

Руски импресионизъм

Еталонният портрет в този стил се счита за един от шедьоврите на руската живопис - "Момиче с праскови" на Александър Серов, за когото импресионизмът обаче се превърна в период на страст. Руският импресионизъм също включва произведения, написани в края на 19-ти и началото на 20-ти век от Константин Коровин, Абрам Архипов, Филип Малявин, Игор Грабар и други художници.

Тази принадлежност е доста условна, тъй като руският и класическият френски импресионизъм имат свои специфики. Руският импресионизъм беше по-близо до материалността, обективността на произведенията, гравитира към художественото значение, докато френският импресионизъм, както беше споменато по-горе, просто се стремеше да изобрази моментите от живота, без ненужна философия.

Всъщност руският импресионизъм възприе от френския само външната страна на стила, методите на неговото рисуване, но не усвои самото изобразително мислене, заложено в импресионизма.

Модерният импресионизъм продължава традициите на класиката френски импресионизъм. В съвременната живопис на 21 век много художници работят в тази посока, например Лоран Парселие, Карън Тарлтън, Даяна Леонард и др.

Шедьоври в стила на импресионизма

„Тераса в Сент-Адрес“ (1867), Клод Моне

Тази картина може да се нарече първият шедьовър на Моне. Тя все още е най популярна живописранен импресионизъм. И тук има любима тема на художничката – цветята и морето. Платното изобразява няколко души, релаксиращи на тераса в слънчев ден. На столовете, с гръб към публиката, са изобразени роднините на самия Моне.

Цялата картина е наводнена с ярки слънчева светлина. Разделят се ясни граници между земята, небето и морето, подреждайки композицията вертикално с помощта на два пилона, но композицията няма ясен център. Цветовете на знамената са съчетани със заобикалящата природа, подчертавайки разнообразието и богатството на цветовете.

„Бал в Мулен дьо ла Галет“ (1876), Пиер-Огюст Реноар

Тази картина изобразява типичен неделен следобед в Париж от 19-ти век в Moulin de la Galette, кафене с открит дансинг, наречено на вятърната мелница наблизо, емблематична за Монмартър. Къщата на Реноар се намираше до това кафене; посещаваше неделните следобедни танци и обичаше да гледа щастливи двойки.

Реноар проявява истински талант и съчетава изкуството на груповия портрет, натюрморта и пейзажна живописв една снимка. Използването на светлина в тази композиция и гладкостта на ударите по най-добрия начинпредставя стил на широката публика импресионизъм. Тази снимка се превърна в една от най- скъпи картинипродавани някога на търг.

Булевард Монмартър през нощта (1897), Камий Писаро

Въпреки факта, че Писаро е известен с картините си, изобразяващи селски живот, написа още той голям бройКрасив град парцели XIXвек в Париж. Той обичаше да рисува града заради играта на светлината през деня и вечерта, заради пътищата, осветени както от слънчева светлина, така и от улични лампи.

През 1897 г. той наема стая на булевард Монмартър и го рисува по различно време на деня и тази работа е единствената работа в поредицата, заснета след падането на нощта. Платното е изпълнено с наситено сини и ярко жълти петна от градски светлини. Във всички снимки от цикъла "таблоид" основното ядро на композицията е пътят, който отива в далечината.

Картината е в момента национална галерияЛондон, но по време на живота на Писаро тя никога не е излагала никъде.

Можете да гледате видео за историята и условията на творчество на основните представители на импресионизма тук:

Импресионизмът е течение главно във френската живопис, характеризиращо се с желанието да се предадат мимолетни впечатления, богатство на цветове, психологически нюанси, подвижност и променливост на атмосферата на заобикалящия свят с помощта на изкуството.

Смели щрихи, ярки цветове, сцени от ежедневието, откровени пози и, най-важното, точно описание на светлината ... Само малка част от характеристиките на един от най-популярните художествени направления. във Франция през средата на деветнадесетивек. Преди да се появи, натюрморти, портрети и дори пейзажи обикновено са създавани от художници в техните ателиета.

За първи път в историята на изкуството художниците си поставиха за правило да рисуват не от ателието, а под него открито небе: на брега на реката, в полето, в гората. Опитвайки се да изразят възможно най-точно своите непосредствени впечатления от нещата, импресионистите създават нов метод на рисуване.

ПАРКЕТАЧИ GUSTAVE CAIBOTTE

Една от първите картини, изобразяващи градската работническа класа. Caillebotte е пример за непоколебим интерес към ежедневието. Забележете колко точно художникът е уловил светлината, идваща през прозореца и сенките. Картината е реалистична като снимка, но въпреки това беше отхвърлена от най-престижните художествени изложбии салони: изобразяването на полуголи мъже от работническата класа се смяташе за "вулгарна тема".

Алексей Зайцев- един от видни представители импресионизъм. Работи на това съвременен художникса добре познати не само в Русия, но и в чужбина. Майсторът рисува с маслени бои, щедро нанася щрихи, но картините са леки и слънчеви. Може би това е тайната на очарованието на неговите картини.

Алексей Зайцев е от Рязан. Той разви любов към рисуването от детството - собствената леля на Алексей беше почетен художник на съюза, тя беше щастлива да въведе племенника си в света на изкуството. Може би детските наблюдения за това как се раждат картините са станали отправна точка за творческите търсения на бъдещия художник.

Решавайки да свърже живота си с изящни изкуства, Алексей постъпва в Московския университет и получава образование по специалността " книжна диаграма". Той никога не става професионален илюстратор, но знанията и уменията, придобити в университета, позволяват на Алексей Зайцев да развие своя артистичен талант.

Отличителна черта в характера на Алексей Зацев е безкористна любовкъм родината. Пътувайки из Москва и нейните предградия, той гледа с възторг ежедневието обикновените хора, често прави скици на открито и след това, връщайки се в студиото, финализира изображенията. Художникът е еднакво добър в градските скици, природните пейзажи и жанровите сцени. Всичко вдъхва живот, пълно с цветове. Художникът умело съчетава работа с палитра и рисуване на детайли с четка, в резултат на което картините не губят своята изтънченост, а придобиват специална наситеност на цветовете.