Czym jest jazz, historia jazzu
Co to jest jazz? Te ekscytujące rytmy, przyjemne muzyka na żywo które nieustannie ewoluuje i porusza się. Z tym kierunkiem chyba nie można porównać żadnego innego i nie można go pomylić z żadnym innym gatunkiem, nawet dla początkującego. Co więcej, jest tu paradoks, łatwo go usłyszeć i rozpoznać, ale nie tak łatwo opisać go słowami, bo jazz nieustannie ewoluuje, a używane dziś koncepcje i cechy stają się przestarzałe za rok lub dwa.
Jazz - co to jest
Jazz to kierunek w muzyce, który powstał na początku XX wieku. Ściśle splata afrykańskie rytmy, rytualne śpiewy, pracę i świeckie pieśni, muzyka amerykańska minione wieki. Innymi słowy, jest to gatunek na wpół improwizowany, który powstał z połączenia muzyki zachodnioeuropejskiej i zachodnioafrykańskiej.
Skąd wziął się jazz?
Powszechnie przyjmuje się, że pojawił się z Afryki, o czym świadczą złożone rytmy. Do tego jeszcze taniec, wszelkiego rodzaju deptanie, klaskanie i tu jest ragtime. Czyste rytmy tego gatunku w połączeniu z bluesowymi melodiami dały początek nowemu kierunkowi, który nazywamy jazzem. Zastanawiając się, skąd wzięła się ta nowa muzyka, każde źródło da ci odpowiedź, że z pieśni czarnych niewolników, którzy zostali przywiezieni z powrotem do Ameryki początek XVII stulecie. Tylko w muzyce znaleźli ukojenie.
Początkowo były to motywy czysto afrykańskie, ale po kilkudziesięciu latach zaczęły mieć charakter bardziej improwizacyjny i obrastać nowymi melodiami amerykańskimi, głównie melodiami religijnymi - spirituals. Później dodano do tego piosenki-skargi - bluesowe i małe Orkiestry dęte. I tak powstał nowy kierunek – jazz.
Jakie są cechy muzyki jazzowej
Pierwszą i najważniejszą cechą jest improwizacja. Muzycy muszą umieć improwizować zarówno w orkiestrze, jak i solo. Kolejną nie mniej istotną cechą jest polirytm. Swoboda rytmiczna jest chyba najważniejszą cechą muzyki jazzowej. To właśnie ta wolność sprawia, że muzycy czują się lekko i nieustannie posuwają się do przodu. Pamiętasz jakąkolwiek kompozycję jazzową? Wydaje się, że wykonawcy bez trudu grają cudowną i przyjemną dla ucha melodię, nie ma tu ścisłych granic, jak w muzyce klasycznej, tylko niesamowita lekkość i odprężenie. Oczywiście utwory jazzowe, podobnie jak klasyczne, mają swój rytm, metrum i tak dalej, ale dzięki specjalnemu rytmowi zwanemu swingiem (z angielskiego swing) jest takie poczucie wolności. Co jeszcze jest ważne dla tego kierunku? Z pewnością trochę lub inaczej zwykła fala.
Rozwój jazzu
Pochodzący z Nowego Orleanu jazz szybko się rozprzestrzenia, stając się coraz bardziej popularny. Grupy amatorskie, składające się głównie z Afrykanów i Kreolów, zaczynają występować nie tylko w restauracjach, ale także zwiedzać inne miasta. Tak więc na północy kraju powstaje kolejne centrum jazzu - Chicago, gdzie nocne występy grup muzycznych są szczególnie pożądane. Wykonywane kompozycje komplikują aranżacje. Wśród wykonawców tego okresu wyróżnia się Louis Armstrong który przeniósł się do Chicago z miasta, w którym powstał jazz. Później style tych miast połączono w Dixieland, który charakteryzowała kolektywna improwizacja.
Masowe szaleństwo jazzu w latach 30. i 40. doprowadziło do zapotrzebowania na większe orkiestry, które mogłyby grać różnorodne melodie taneczne. Dzięki temu pojawił się swing, który jest pewnym odchyleniem od rytmicznego schematu. Stał się głównym nurtem tamtych czasów i zepchnął kolektywną improwizację na dalszy plan. Swingowe zespoły stały się znane jako big bandy.
Oczywiście takie odejście swingu od cech tkwiących we wczesnym jazzie, od narodowych melodii, wywołało niezadowolenie wśród prawdziwych koneserów muzyki. Dlatego big bandom i wykonawcom swingowym zaczyna przeciwstawiać się gra małych zespołów, w skład których wchodzą muzycy czarni. W ten sposób w latach 40. pojawił się nowy styl bebopu, który wyraźnie wyróżniał się na tle innych dziedzin muzyki. Charakteryzował się niesamowicie szybkimi melodiami, długą improwizacją i najbardziej złożonymi schematami rytmicznymi. Wśród wykonawców tego czasu wyróżniają się postacie Charliego Parkera i Dizzy Gillespie.
Od 1950 roku jazz rozwijał się w dwóch różnych kierunkach. Z jednej strony zwolennicy klasyki powrócili do muzyki akademickiej, odsuwając na bok bebop. Powstały chłodny jazz stał się bardziej powściągliwy i suchy. Z drugiej strony druga linia nadal rozwijała bebop. Na tym tle powstał hard bop, powracający tradycyjnymi ludowymi intonacjami, wyraźnym schematem rytmicznym i improwizacją. Styl ten rozwinął się w połączeniu z takimi dziedzinami jak soul jazz i jazz funk. Najbardziej zbliżyli muzykę do bluesa.
Darmowa muzyka
W latach 60. przeprowadzono różne eksperymenty i poszukiwanie nowych form. W efekcie pojawiają się łączące dwa różne kierunki jazz-rock i jazz-pop, a także free jazz, w którym wykonawcy całkowicie rezygnują z regulacji rytmiki i tonu. Wśród muzyków tego czasu zasłynęli Ornette Coleman, Wayne Shorter, Pat Metheny.
sowiecki jazz
Początkowo radzieckie orkiestry jazzowe wykonywały głównie modne tańce, takie jak fokstrot, Charleston. W latach 30. coraz większą popularność zaczyna zdobywać nowy kierunek. Mimo niejednoznacznego stosunku władz sowieckich do muzyki jazzowej nie została ona zakazana, ale jednocześnie była ostro krytykowana jako należąca do kultury zachodniej. koniec lat 40. zespoły jazzowe i byli prześladowani. W latach 50. i 60. wznowiono działalność orkiestr Olega Lundstrema i Eddiego Rosnera, a coraz więcej muzyków zaczęło interesować się nowym kierunkiem.
Nawet dzisiaj jazz stale i dynamicznie się rozwija, jest wiele kierunków i stylów. Ta muzyka nadal pochłania dźwięki i melodie ze wszystkich zakątków naszej planety, nasycając ją coraz większą ilością kolorów, rytmów i melodii.
Kilka dni temu wraz z przyjaciółmi próbowałem sobie przypomnieć jak więcej ludzi co naszym zdaniem zmieniło bieg historii. Cóż, jeśli rozszerzymy ten temat, możemy wyróżnić 10 kluczowych aspektów w różne obszary działalność człowieka, która wpłynęła na życie, światopogląd lub po prostu smak całej ludzkości. Dzisiaj chciałbym podkreślić10 standardów jazzowychktóre moim zdaniem są podstawąpopularna muzyka jazzowa. standardy jazzowe- to melodie lub tematy jazzowe, które ktoś kiedyś napisał, a które są tak chwytliwe, że znają je wszyscy muzycy jazzowi i prawie wszyscy. Nieźli muzycy, jak pisze np. Wikipedia, znają ich od kilkuset utworów, w co zresztą bardzo wątpię.
Najprawdopodobniej wielu zna zebrane przeze mnie kompozycje jazzowe, ale każdy standard ma swoją historię, o której nie wszyscy wiedzą.
Więc numer jeden:
1. Jesieńpozostawia
Pierwotnie, w 1945 roku, była to pieśń francuska ” Les Feuilles Mortes(dosłownie „Martwe liście”) z muzyką Józef Kosma i wiersze poety Jacques Prevert). Yves Montand (z Irene Joachim) zaprezentował w filmie „Les Feuilles Mortes” w 1946 roku Les Portes de la Nuit. 1947 amerykański kompozytor Johnny Mercer napisał angielski tekst ta piosenka i Joe Stafford był jednym z pierwszych, który wystąpił Nowa wersja kompozycje. Autumn Leaves stało się standardem jazzu i popu w obu językach, a także w wersji instrumentalnej.
Poniższy film przedstawia improwizowaną wersję tego tematu autorstwa jednego z najlepszych improwizatorów i kompozytorów jazzowych (oraz jednego z moich ulubionych) naszych czasów. Keitha Jarretta. Zwróć uwagę, jak w zabawny sposób wyje i tańczy podczas swojej solówki. Jego gra ma szczególny urok i jest natychmiast wyróżniana i rozpoznawana przez ucho dzięki podkładowi mikrofonowemu jego specyficznego „muczenia”.
2. Niech pada śnieg!Niech pada śnieg!Niech pada śnieg!
Piosenka znana jest również jako „Let It Snow”. Autorstwo należy do tekstów Sammy Cahn i kompozytor Julia Styne w 1945 roku. Co ciekawe, powstał w lipcu 1945 roku w Hollywood, podczas jednego z najgorętszych dni lata.
Jeszcze ciekawsze jest to, że chyba każdy na naszej niebieskiej kuli orki Wszechświata wie o tym, nawet ten, który całe życie mieszkał na pustyni. Osobiście zawsze śpiewam tę piosenkę, gdy pada śnieg lub deszcz ( Niech pada! Ciągle możesz Niech się zaparuje!)
3. Mam cię pod skórą
Nie każdy zna tę kompozycję, którą wykonali wszyscy wokaliści jazzowi, jeśli nie na scenie, to na pewno pod prysznicem. Autorstwo należy Cole Porter i został napisany w 1936 roku. Na prezentowanym filmie (podobnie jak na poprzednim) wykonuje go mój ulubiony muzyk Jamie Callam (JamieKullum). Po tej piosence będzie mały bonus - kolejna piosenka w wykonaniu Jamiego - Wysoka i sucha (Radiohead). To jedna z moich ulubionych piosenek.
4. Leć mnie na księżyc
A ten temat jest jednym z tych, do których najwygodniej się huśtać, nawet dla mnie, osoby, której daleko do swingu. Napisałem arcydzieło Barta Howarda w 1954 roku.
5. Weź pięć
Jeśli muzyk chce sprawdzić swój talent muzyczny w niestandardowym rytmie, Braćpięć- to najlepsza kompozycja jazzowa do eksperymentowania. Metrum 5 ćwiartek wyraźnie pokazuje, że utwór zasługuje na uwagę. Nawiasem mówiąc, jest wiele piosenek, które zaczynają się od słynnego standardu, ale wymyśliłem właśnie jego „pierwszy raz” Paul Desmond i został po raz pierwszy zaprezentowany przez kwartet wielkich Dave Brubeck (The Dave Brubeck Quartet) w albumie "Koniec czasu" w 1959
6. Artysta
Cóż, wszyscy to wiedzą. Kompozycję napisał założyciel stylu ragtime Scott JoplinScott Joplin ponad 110 lat temu (w 1902). To klasyka ragtime. Ta jazzowa kompozycja odzyskała międzynarodową sławę podczas « ragtime odrodzenie” w latach 70., kiedy został wykorzystany jako piosenka przewodnia do filmu „ Żądło" który zdobył Oscara.
7. Śpiewaniewtendeszcz
„Śpiew w deszczu” – pieśń na wersy Artur Freed i muzyka Nakio Herb Brown (Nacio Herb Brown), napisany w 1929, stał się sławny po film o tej samej nazwie. Po obejrzeniu filmu zawsze zaczynam się radować!
8. czas letni
Kiedy ludzie mówią o jazz, to często mają na myśli dokładnie „ czas letni”. Praca pisemna George Gershwin w 1935 za operę „Porgy i Bess”. Autorzy tekstów: DuBos Hayward i Ira Gershwin(brat Jerzego). Powiedzenie, co jest podstawą napisania arii Gershwin wziął ukraińską kołysankę "Och, śpij w pobliżu Vikon", którą usłyszał w Nowym Jorku w wykonaniu Ukraińskiego Chóru Narodowego pod dyrekcją Aleksandra Koszyce. Tam też dajemy ciepło!
9. uczuciedobry
"czuć się dobrze" (znany również jako " Czuję się dobrze„) to piosenka napisana przez angielskich piosenkarzy i autorów piosenek Anthony Newley I Leslie Bricusse w 1965 roku. Od tego czasu kompozycja została nagrana przez wielu artystów, w tym wybitnych Nina simone.
10. cześćLaleczka
Cóż, gdzie jesteśmy bez? Armstrong! Ciekawe jest jednak autorka muzyki i słów słynna piosenka, nie Armstrong osoba, która jako pierwsza postawiła stopę na Marsie Jerry German (Herman) (Jerry Herman). Piosenka była bardzo popularna w 1964 roku, kiedy grano ją w radiu tak często, jak gra się ją dzisiaj. Lady Gaga. Ale wszyscy kochamy Louis Armstrong zrobiliśmy to, co znamy dzisiaj.
Wkrótce przygotuję 25 najlepszych kompozycji jazzowych, w tym standardy jazzowe w oryginale oraz ich nowoczesne aranżacje.
Po tym, jak Krzysztof Kolumb odkrył nowy kontynent i osiedlili się na nim Europejczycy, statki handlarzy ludźmi coraz częściej podążały za wybrzeżami Ameryki.
Wyczerpani ciężką pracą, tęskniąc za domem i cierpiąc z powodu okrutnego traktowania strażników, niewolnicy znajdowali ukojenie w muzyce. Stopniowo Amerykanie i Europejczycy zaczęli interesować się niezwykłymi melodiami i rytmami. Tak narodził się jazz. Czym jest jazz i jakie są jego cechy, rozważymy w tym artykule.
Cechy kierunku muzycznego
Jazz nawiązuje do muzyki pochodzenia afroamerykańskiego, która opiera się na improwizacji (swing) i specjalnej konstrukcji rytmicznej (omdlenie). W przeciwieństwie do innych obszarów, w których jedna osoba tworzy muzykę, a druga wykonuje, muzycy jazzowi są również kompozytorami.
Melodia powstaje spontanicznie, okresy pisania, wykonywania są oddzielone minimalnym okresem czasu. Tak powstaje jazz. orkiestra? To jest zdolność muzyków do wzajemnego dostosowywania się. W tym samym czasie każdy sam improwizuje.
Wyniki spontanicznych kompozycji są zapisane w notacji muzycznej (T. Cowler, G. Arlen „Szczęśliwy przez cały dzień”, D. Ellington „Nie wiesz, co kocham?” itp.).
Z biegiem czasu muzyka afrykańska została zsyntetyzowana z europejską. Pojawiły się melodie łączące plastyczność, rytm, melodyjność i harmonię dźwięków (CEATHAM Doc, Blues In My Heart, CARTER James, Centerpiece itp.).
Wskazówki
Istnieje ponad trzydzieści kierunków jazzu. Rozważmy niektóre z nich.
1. Blues. Tłumaczenie z angielskie słowo oznacza „smutek”, „melancholia”. Blues był pierwotnie nazywany solo piosenka liryczna Afroamerykanie. Jazz-blues to dwunastotaktowy okres odpowiadający trzywierszowej formie. Piosenki bluesowe wykonywane są w wolne tempo, w tekstach można doszukać się pewnych insynuacji. blues - Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith i inni.
2. Ragtime. Dosłowne tłumaczenie nazwy stylu to przerwany czas. W języku terminów muzycznych „reg” oznacza dźwięki, które są dodatkowe pomiędzy uderzeniami taktu. Kierunek pojawił się w USA, po tym, jak za oceanem porwały ich dzieła F. Schuberta, F. Chopina i F. Liszta. Muzyka kompozytorów europejskich wykonywana była w stylu jazzu. Później pojawiły się oryginalne kompozycje. Ragtime jest charakterystyczny dla twórczości S. Joplina, D. Scotta, D. Lamba i innych.
3. Boogie-woogie. Styl pojawił się na początku ubiegłego wieku. Właściciele niedrogich kawiarni potrzebowali muzyków do grania jazzu. To, co jest akompaniamentem muzycznym, wymaga oczywiście obecności orkiestry, ale zaproszenie dużej liczby muzyków było kosztowne. Brzmienie różnych instrumentów kompensowali pianiści, tworząc liczne kompozycje rytmiczne. Funkcje Boogie:
- improwizacja;
- technika wirtuozowska;
- specjalny akompaniament: lewa ręka wykonuje konfigurację motoryczną ostinant, odstęp między basem a melodią wynosi dwie lub trzy oktawy;
- ciągły rytm;
- wykluczenie pedału.
Boogie-woogie grali Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery i inni.
legendy stylu
Jazz jest popularny w wielu krajach na całym świecie. Wszędzie są gwiazdy, które otoczone są armią fanów, ale niektóre nazwiska stały się prawdziwa legenda. Są znani i kochani na całym świecie, a do takich muzyków należy w szczególności Louis Armstrong.
Nie wiadomo, jak potoczyłby się los chłopca z biednej murzyńskiej dzielnicy, gdyby Louis nie trafił do obozu poprawczego. Tutaj przyszła gwiazda zapisali się do orkiestry dętej, jednak w zespole nie grali jazzu. i jak to się robi, młody człowiek odkrył znacznie później. Armstrong zyskał światową sławę dzięki pracowitości i wytrwałości.
Billie Holiday (prawdziwe nazwisko Eleanor Fagan) jest uważany za założyciela śpiewu jazzowego. Piosenkarka osiągnęła szczyt popularności w latach 50. ubiegłego wieku, kiedy to zmieniła sceny z klubów nocnych na sceny teatralne.
Życie właścicielki gamy trzech oktaw, Elli Fitzgerald, nie było łatwe. Po śmierci matki dziewczynka uciekła z domu i prowadziła niezbyt przyzwoity tryb życia. Początek kariery piosenkarki to występ na konkurs muzyczny amatorskie noce.
George Gershwin jest znany na całym świecie. Kompozytor tworzył utwory jazzowe oparte na muzyce klasycznej. Nieoczekiwany sposób wykonania urzekł słuchaczy i współpracowników. Koncertom niezmiennie towarzyszyły brawa. Bardzo prace godne uwagi D. Gershwin - "Rhapsody in Blues" (współautor z Fredem Grofem), opery "Porgy and Bess", "Amerykanin w Paryżu".
Również popularny wykonawcy jazzowi była i nadal jest Janis Joplin, Ray Charles, Sarah Vaughn, Miles Davis itp.
Jazz w ZSRR
Pojawienie się tego nurtu muzycznego w Związku Radzieckim wiąże się z imieniem poety, tłumacza i bywalca teatru Valentina Parnacha. Pierwszy koncert zespołu jazzowego prowadzonego przez wirtuoza odbył się w 1922 roku. Później A. Tsfasman, L. Utyosov, Y. Skomorovsky utworzyli kierunek teatralnego jazzu, łącząc wykonanie instrumentalne i operetkę. E. Rozner i O. Lundstrem zrobili wiele dla popularyzacji muzyki jazzowej.
W latach 40. ubiegłego wieku jazz został poddany powszechna krytyka jako fenomen kultury burżuazyjnej. W latach 50. i 60. ustały ataki na wykonawców. Zespoły jazzowe powstawały zarówno w RFSRR, jak iw innych republikach związkowych.
Dziś jazz jest wykonywany bez przeszkód na salach koncertowych iw klubach.
stronie internetowej. Obecnie modne stało się łączenie różnych gatunków muzycznych i tworzenie projektów brzmiących zarówno z muzyki akademickiej, jak i jazzu. W Jakucku widzieliśmy już, jak to robią, na przykład Leonid Senderski z kim grał w program "Arco artico" lub zespół „Kwartet Rastrelli”, którego repertuar obejmuje wszystko, od muzyki klezmerskiej po ścieżki dźwiękowe.
A teraz słuchacz Jakuta ma możliwość oceny projektu „Jazz i opera”, którą reprezentują śpiewacy Olga Godunowa I Ekaterina Lechina. W ich programie jest muzyka pop, operetka, jazz i wydaje się, że jest ich znacznie więcej. Opowiedzieli nam szczegółowo o swojej pracy w przeddzień występu.
Jak powstał Twój projekt?
Olga: - Pojawił się trzy lata temu, a inspiracja wróciła w odległych latach 90., kiedy usłyszałam koncerty z cyklu Pavarotti i Przyjaciele, który łączył muzykę klasyczną, pop, a nawet rock. I wtedy pojawiła się myśl: dlaczego tego nie mamy? I mimo, że w tym czasie studiowałem muzykę akademicką i pracowałem w operze, już wtedy czułem, że pop i jazz są mi bliższe. Od tego czasu zacząłem wykluwać się z tego pomysłu, a trzy lata temu się spełnił.
- Ale ten pomysł zrodził się w twojej głowie. A jak to się stało, że podzieliłeś się tym z Ekateriną?
Jekateryna: Znamy się od bardzo dawna. Mieliśmy też jednego nauczyciela śpiewu, chociaż uczyliśmy się w różnych miejscach - Ola w Wołgogradzie, a ja w Moskwie. A Olga w czasie, gdy się poznaliśmy, czasami przyjeżdżała do Moskwy i tak się nasze spotkanie.
Olga: - W tym czasie zdążyłem już mieszkać w Europie, odwiedziłem Amerykę, gdzie usłyszałem musicale na Broadwayu i zdałem sobie sprawę, że to mój. I z propozycją Katii odwróciłem się, prawdopodobnie dlatego, że najpierw byliśmy przyjaciółmi. A potem oboje mamy soprany, chociaż głos Katyi jest jeszcze wyższy i robi po prostu skandaliczne nuty, na które nie mam wpływu. Cóż, najwyraźniej szkoła ogólnokształcąca również wpłynął. Ale ogólnie Katia nie odpowiedziała od razu na ofertę. A wszystko zaczęło się od Summertime Gershwina – kiedyś w Wołgogradzie zaśpiewaliśmy tę piosenkę z jednym z moich znajomych, śpiewakiem operowym. I wyszło bardzo dobrze. A z Katyą nasza historia zaczęła się od tej kompozycji.
Jekateryna: - Tak, zamówiliśmy bardzo dobrą, nietypową aranżację. I nagrali płytę, zdobywając świetne recenzje. Słyszałem, jak świetnie się to łączy - pop Oliny, jazzowy styl śpiewania i mój akademicki styl, a także z tak nietypową aranżacją klasycznego jazzu. I zaczęliśmy myśleć o repertuarze, kłócić się, dyskutować, próbować.
I w związku z twoimi ostatnimi słowami. Jak dobieracie repertuar, by jazz, opera i musicale harmonijnie się połączyły?
Jekateryna: - Siadamy do fortepianu, piszemy, co zamierzamy zagrać i próbujemy sobie wyobrazić, jak to będzie brzmiało jeden po drugim. Ponadto mamy też numery orkiestrowe, które prowadzą do wykonania klasycznego lub jazzowego, tworząc pewne połączenia między kompozycjami.
Olga: - Poza tym mamy taki zapał, że akademicy często sobie na to nie pozwalają - komunikujemy się z publicznością. Kiedyś kolega, który dużo pracował na Broadwayu, powiedział mi, że wiele można połączyć, ale bardzo ważne jest, jak się do tego sprowadzi. A kiedy zaczęliśmy pracować z Katyą, postanowiliśmy odejść od stereotypów - śpiewak operowy śpiewał i wyszedł, wszystko było surowe itp. A Katya ma niesamowitą plastyczność - w przeszłości był łyżwiarzem figurowym. Dlaczego nie możemy sami tańczyć i prowadzić koncertu?
Jekateryna: - Ponadto stwarza bliski i co najważniejsze szybki kontakt z publicznością. Czujemy energię publiczności i taką wymianę z nią.
Olga: - Ale oczywiście nie wypowiadamy kluczowej frazy "Nie widzimy twoich rąk" (śmiech). Ogólnie rzecz biorąc, jeśli pamiętasz, nasz pierwszy koncert odbył się w Obnińsku pod Moskwą, gdzie przedstawiliśmy nasz projekt.
A wśród zwykłej i powiedzmy typowej publiczności znalazło się kilku tak zwanych rockmanów – wszyscy w tatuażach, wszystko było tak, jak powinno. A teraz podchodzą do nas po koncercie i mówią, że w końcu zdali sobie sprawę, że opera jest ciekawa i co im zdradziliśmy nowy Świat. Kupili płyty i byli nam bardzo wdzięczni.
I to był właśnie cel naszego projektu - pokrycie różnych upodobań smakowych publiczności - opery, jazzu, musicalu. I wydaje mi się, że artysta może wykonywać różne gatunki, oczywiście we własnym stylu. Katya przez całe życie śpiewała operę, a nasz projekt obejmuje także musicale i muzykę pop.
- Ale o tańcu - czy naprawdę tańczysz podczas programu?
Jekateryna: - Oczywiście nie Cygan z wyjściem (śmiech), ale w przegranej orkiestry można wymyślić kilka kroków.
Olga: - Gdybyś miał lód, moglibyśmy zrobić coś bardziej oryginalnego, biorąc pod uwagę, że Katia jest łyżwiarką figurową.
- W Jakucku jest Lodowy Pałac.
Następnym razem (śmiech).
- Na podstawie twoich programów lubisz inną muzykę, ale co dokładnie?
Olga: - Zupełnie inna muzyka, ważne, żeby dotykała. Nawet wokalista może nie ma mocnego głosu, ale jest w nim coś chwytliwego. Na przykład Charles Aznavour: każda z jego piosenek to opowieść. I nie ma wybitnych zdolności wokalnych. A czasem głos jest piękny, ale nie da się go słuchać. Lubię słuchać Anny Netrebko i wielu moich kolegów, w tym Katii.
Jekateryna: - Jesteśmy normalnymi ludźmi - słuchamy wszystkiego, co jest wysokiej jakości i ciekawe, najważniejsze jest to, że muzyka jest melodyjna i profesjonalna.
Jeśli wrócimy do „Jazzu i Opery”, jaka będzie kontynuacja Twojego projektu? Może nagranie płyty, koncertowanie za granicą?
Jekateryna: - W tej chwili negocjujemy z niektórymi krajami, w których możemy wystąpić. Wprawdzie nie będę zdradzał wszystkich szczegółów, ale proces w tym kierunku jest w toku. Również w marcu zaprezentujemy nasz drugi program i wyruszymy w trasę po tych miastach, w których już koncertowaliśmy i gdzie ponownie jesteśmy wzywani. A tak przy okazji, w Jakucku wykonamy kilka numerów z nowego programu.
Olga: - A co do dysku, to jeszcze nie ma go w planach. Dokonujemy nagrań z koncertów, umieszczamy je w Internecie. Ponadto zajmie to dużo czasu, którego nie mamy zbyt wiele.
- W kontynuacji tematu i w związku z 23 lutego. Chcesz zaprosić mężczyznę do swojego projektu?
Olga: - Swoją drogą, pytają nas sami mężczyźni (śmiech). Ale jeszcze nie teraz. Jednorazowo - jest to całkiem możliwe, na przykład jako gość specjalny. Ponadto mężczyzna i kobieta są na scenie zjawiskiem powszechnym, mężczyzna i mężczyzna są również częstym zjawiskiem. Ale ponieważ pracujemy, nie ma analogów w Rosji, a może w Europie. Ogólnie chłopak zepsuje cały obraz (śmiech).
Szczególnie w środowisku artystycznym panuje duża konkurencja, która czasami przybiera niezbyt piękne formy. Jak udaje Ci się uniknąć zazdrości i innych nieprzyjemnych uczuć podczas wspólnej pracy? A może masz takie myśli?
Jekateryna: - Nie, nawet o tym nie myślimy. Oprócz tego projektu mamy własne życie twórcze i realizujemy się w różnych projektach. Ponadto nigdy się nie obrażamy, gdy coś sobie proponujemy. W końcu dużo lepiej widać z zewnątrz.
Olga: - Na przykład wręcz przeciwnie, jeśli moi koledzy odnoszą jakieś sukcesy, to mnie motywuje zawodowo. Katya jest właścicielem nagrody Grammy, w Rosji jest ich tylko kilka.
Te zwycięstwa, zwłaszcza bliskie osoby, inspirują do pracy i to nie dlatego, że chcę Grammy, chociaż oczywiście tak! (śmiech). Ale zawodowo trzeba do siebie pasować, a zazdrość – nie wiem skąd się to bierze, nie mamy tego.
A nie mamy takiego, że ktoś powinien być lepszy od drugiego: nasza praca to praca na wynik. A artysta zawsze powinien mieć motywację, poszukiwanie, jakieś wątpliwości. Jeśli tak nie jest, a wydaje mu się, że osiągnął już wszystko, to rozwój zawodowy się kończy.
Jekateryna: - Wiesz, miałem szczęście i rozmawiałem ze wspaniałym Placido Domingo. To z jednej strony po prostu nieosiągalna gwiazda, ale jednocześnie jest tak prosty i szczery w komunikacji. On, jak nikt inny, zna całą specyfikę naszej pracy. A sposób, w jaki podchodzi do młodych ludzi, jest po prostu niesamowity. Kiedy on sam stoi przy stanowisku dyrygenta, widzisz jego świetliste oczy i chęć pomocy, i to w taki sposób, że zapomina nawet o orkiestrze.
- Tak, tacy ludzie zawsze zadziwiają szerokością duszy, mimo że są sławni, a nawet wielcy.
Olga: - To chyba najtrudniejsza rzecz w naszym zawodzie - walka z próżnością. A im więcej człowiek nad sobą pracuje, tym więcej dostanie później. Ogólnie rzecz biorąc, to wielka przyjemność wiedzieć, że nadal czegoś nie wiesz, a jest do czego dążyć i nauczyć się czegoś nowego.
- Dużo koncertujesz z projektem. Jak myślisz, jak jest postrzegana przez społeczeństwo?
Jesteśmy bardzo zainteresowani jazdą. Od roku jesteśmy w trasie. Prawdę mówiąc, wiele filharmonii jest wobec nas raczej nieufnych - jakie połączenie „jazzu i opery”? Poglądy nieco konserwatywne, ale potem wszyscy są zadowoleni.
Kiedyś w Ułan Ude zdarzyła się sprawa – były śpiewak operowy przyszedł na koncert, a po pierwszej części wszedł za kulisy z kwiatami i po prostu obsypał nas mnóstwem komplementów, co nie zawsze ma miejsce w środowisku śpiewu. To wraca do tego, o czym rozmawialiśmy ostatnio. I rozumiemy, że te komplementy to nie tylko słowa, ale dowodzą, że ten projekt był naprawdę sukcesem.
A jest to szczególnie miłe, gdy na sali jest dużo młodych ludzi. Wielu twierdzi, że opera jest nudna, nieciekawa. A kiedy Katya wyjdzie - tak ciekawa piosenkarka, który komunikuje się z publicznością, a także tańczy, wtedy percepcja oczywiście się zmienia.
- A jeśli odejdziesz od Opery i Jazzu, jak rozwinie się Twoja kariera poza projektem?
Jekateryna: - Oprócz różnych działalność koncertowa Od drugiego sezonu realizuję się w gatunku muzycznym. W Moskwie gram w Upiorze w operze i gram tylko śpiewaczkę operową Carlottę. Na szczęście nie muszę zmieniać sposobu, w jaki śpiewam, ale to wciąż nie opera, aw musicalu też trzeba być aktorką dramatyczną i też tańczyć. I czerpię z tego ogromną przyjemność, chociaż do ostatniego eksperymentu odmawiałem sobie tego nowego eksperymentu. Ale dzięki moim przyjaciołom i Olyi, w tym, wciąż próbowałem i bardzo mi się podoba, chociaż to oczywiście jest bardzo szalone tempo - mam 13 występów miesięcznie. I o dziwo nie nudzę się, nawet po dwóch sezonach. Miałem też wspaniały pokaz w Weronie - "Opera na lodzie". Było wielu znanych łyżwiarzy figurowych, którzy jeździli na łyżwach do mojego śpiewu. Program jest po prostu niespotykany na świecie, był po prostu niesamowity.
Olga: - Teraz aktywnie współpracuję z orkiestrą operatorską pod dyrekcją Siergieja Skripki, co jest dla mnie ogromną przyjemnością. Nigdy nie marzyłem o pracy z tym dyrygentem. Od dzieciństwa, kiedy oglądałem filmy, w napisach końcowych widziałem jego imię dyrygent „S. Violin”, a teraz jestem z nim na tej samej scenie. Występujemy w hala koncertowa Czajkowskiego i Filharmonii, no i oczywiście wykonujemy muzykę z kina.
- A jak myślisz - teraz w Rosji jest renesans kultura muzyczna Czy raczej podupada?
Jekateryna: - Moim zdaniem, muzyka klasyczna teraz coraz bardziej popularne. Jeśli przejdziemy na scenę zawodową, to na przykład w teatrach operowych jest teraz bardzo dobry program dla młodych artystów, kiedy ci, którzy dopiero co ukończyli konserwatorium, bez doświadczenia, studiują za rok lub dwa umiejętności aktorskie i zdobądź pracę. i zainteresowanie sztuka operowa rośnie, wielu chce kojarzyć się ze śpiewem. Nawiasem mówiąc, kanał telewizyjny Kultura i projekt Bolszoj Opera również odgrywają znaczącą rolę.
Olga: - Tak, a konkursy dla dzieci, takie jak „Dziadek do orzechów”, również przyczyniają się do popularyzacji kultury muzycznej. Ale niestety poza kanałem Kultura reszta telewizji pozostawia wiele do życzenia. Ogólnie rzecz biorąc, teraz wiele osób chce stać się sławnymi, chcą śpiewać i być pokazywane, i to oczywiście nie tylko u nas. Ale wśród mas są tacy, którzy naprawdę zajmują się sztuką. A kiedy to widzisz, myślisz, że to wszystko nie umarło i nie umrze razem z nami. Mamy dużo utalentowani ludzie którzy nadal niosą to ziarno prawdziwej sztuki.
Jazz - forma sztuki muzycznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku w USA, w Nowym Orleanie w wyniku syntezy kultur afrykańskich i europejskich, a następnie upowszechniła się. Początki jazzu to blues i inna afroamerykańska muzyka ludowa. Charakterystycznymi cechami muzycznego języka jazzu stały się początkowo improwizacja, polirytm oparty na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej - swing. Dalszy rozwój jazzu nastąpił dzięki opracowaniu przez muzyków i kompozytorów jazzowych nowych modeli rytmicznych i harmonicznych. Subjazzami jazzowymi są: awangardowy jazz, bebop, jazz klasyczny, cool, modal jazz, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop i wiele innych.
Historia rozwoju jazzu
Wilex College Jazz Band, Teksas
Jazz powstał jako połączenie kilku kultur muzycznych i tradycji narodowych. Pochodzi z Afryki. Każda muzyka afrykańska charakteryzuje się bardzo złożonym rytmem, muzyce zawsze towarzyszą tańce, które są szybkie tupanie i klaskanie. Na tej podstawie pod koniec XIX wieku kolejny gatunek muzyczny- ragtime. Następnie rytmy ragtime w połączeniu z elementami bluesa dały początek nowemu kierunekowi muzycznemu - jazzowi.
Blues powstał pod koniec XIX wieku jako fuzja afrykańskich rytmów i europejskiej harmonii, ale jego początków należy szukać od momentu sprowadzenia niewolników z Afryki do Nowego Świata. Sprowadzeni niewolnicy nie pochodzili z tego samego klanu i zwykle nawet się nie rozumieli. Konieczność konsolidacji doprowadziła do zjednoczenia wielu kultur iw efekcie do powstania jednej kultury (w tym muzycznej) Afroamerykanów. Procesy mieszania afrykańskiej kultury muzycznej z europejską (która również przeszła poważne zmiany w Nowym Świecie) miały miejsce od XVIII wieku, a w XIX wieku doprowadziły do pojawienia się „proto-jazzu”, a następnie jazzu w ogólnie przyjętym sens. Kolebką jazzu było amerykańskie Południe, a zwłaszcza Nowy Orlean.
Zastaw wieczna młodość jazz - improwizacja
Osobliwością stylu jest wyjątkowe, indywidualne wykonanie wirtuoza jazzu. Kluczem do wiecznej młodości jazzu jest improwizacja. Po pojawieniu się genialnego wykonawcy, który całe życie żył w rytmie jazzu i nadal pozostaje legendą - Louis Armstrong, sztuka wykonawstwa jazzowego ujrzała dla siebie nowe niezwykłe horyzonty: solowy występ wokalny lub instrumentalny staje się centrum całego spektaklu , całkowicie zmieniając ideę jazzu. Jazz to nie tylko pewien rodzaj muzycznego wykonania, ale także wyjątkowa wesoła epoka.
jazz nowoorleański
Termin Nowy Orlean jest powszechnie używany do opisania stylu muzyków, którzy grali jazz w Nowym Orleanie w latach 1900-1917, a także muzyków z Nowego Orleanu, którzy grali w Chicago i nagrywali płyty od około 1917 do 1920 roku. Ten okres w historii jazzu znany jest również jako Epoka Jazzu. I tym pojęciem określa się również muzykę graną w różnych okresy historyczne reprezentanci nowoorleańskiego odrodzenia, którzy aspirowali do wykonywania jazzu w tym samym stylu, co muzycy szkoły nowoorleańskiej.
Afroamerykański folklor i jazz rozeszły się od czasu otwarcia Storyville, dzielnicy czerwonych latarni w Nowym Orleanie słynącej z lokali rozrywkowych. Ci, którzy chcieli się tu dobrze bawić i dobrze się bawić, czekali na wiele uwodzicielskich okazji, które oferowały parkiety taneczne, kabarety, pokazy rozrywkowe, cyrk, bary i restauracje. I wszędzie w tych instytucjach rozbrzmiewała muzyka i muzycy, którzy opanowali nową muzykę synkopowaną, mogli znaleźć pracę. Stopniowo, wraz ze wzrostem liczby muzyków pracujących zawodowo w zakładach rozrywkowych Storyville, zmniejszyła się liczba orkiestr marszowych i ulicznych, a zamiast nich powstały tak zwane zespoły Storyville, których muzyczna manifestacja staje się bardziej indywidualna , w porównaniu z grą orkiestr dętych. Kompozycje te, często nazywane „orkiestrami combo”, stały się założycielami stylu klasycznego nowoorleańskiego jazzu. W latach 1910-1917 kluby nocne w Storyville stały się idealnym miejscem dla jazzu.
W latach 1910-1917 kluby nocne w Storyville stały się idealnym miejscem dla jazzu.
Rozwój jazzu w Stanach Zjednoczonych w pierwszej ćwierci XX wieku
Po zamknięciu Storyville jazz z regionalnego gatunek folk zaczyna być obywatelem Kierunek muzyczny, rozciągający się na północne i północno-wschodnie prowincje Stanów Zjednoczonych. Ale oczywiście samo zamknięcie jednego kwartału rozrywkowego nie mogło przyczynić się do jego szerokiej dystrybucji. Wraz z Nowym Orleanem, St. Louis, Kansas City i Memphis od samego początku odgrywały ważną rolę w rozwoju jazzu. Ragtime narodził się w Memphis w XIX wieku, skąd w latach 1890-1903 rozprzestrzenił się na cały kontynent północnoamerykański.
Z drugiej strony występy minstreli, z ich pstrokatą mozaiką folkloru afroamerykańskiego od jig do ragtime, szybko się rozprzestrzeniły i przygotowały scenę na nadejście jazzu. Wiele przyszłych gwiazd jazzu rozpoczęło swoją podróż w show minstreli. Na długo przed zamknięciem Storyville nowoorleańscy muzycy koncertowali z tak zwanymi zespołami „wodewilowymi”. Jelly Roll Morton od 1904 regularnie koncertował w Alabamie na Florydzie w Teksasie. Od 1914 miał kontrakt na występy w Chicago. W 1915 przeniósł się do Chicago i White Dixieland Orchestra Toma Browna. Duże trasy wodewilowe po Chicago odbył także słynny Creole Band, prowadzony przez nowoorleańskiego kornetistę Freddiego Kepparda. Oderwawszy się niegdyś od Olympia Band, artyści Freddiego Kepparda już w 1914 roku z powodzeniem występowali w najlepszy teatr Chicago i otrzymali ofertę nagrania dźwiękowego swoich występów jeszcze przed „Original Dixieland Zespół jazzowy”, które jednak krótkowzrocznie odrzucił Freddie Keppard. Znacząco poszerzył obszar objęty wpływem jazzu, orkiestry grające na statkach wycieczkowych pływających w górę Missisipi.
Od końca XIX wieku popularne stały się wycieczki rzeczne z Nowego Orleanu do St. Paul, najpierw na weekend, a później na cały tydzień. Od 1900 roku na tych rzecznych statkach występują orkiestry nowoorleańskie, których muzyka stała się najatrakcyjniejszą rozrywką dla pasażerów podczas rejsów po rzece. W jednej z tych orkiestr zaczął Suger Johnny przyszła żona Louis Armstrong, pionier jazzowy pianista Lil Hardin. W zespole rzecznym innego pianisty, Faiths Marable, wystąpiło wiele przyszłych gwiazd nowoorleańskiego jazzu.
Parowce płynące wzdłuż rzeki często zatrzymywały się na mijanych stacjach, gdzie orkiestry organizowały koncerty dla miejscowej publiczności. To właśnie te koncerty stały się twórczymi debiutami dla Bix Beiderbeck, Jess Stacy i wielu innych. Inna słynna trasa biegła wzdłuż Missouri do Kansas City. W tym mieście, gdzie dzięki silnym korzeniom afroamerykańskiego folkloru rozwinął się i wreszcie ukształtował blues, wirtuozowskie granie nowoorleańskich jazzmanów znalazło wyjątkowo podatne środowisko. Na początku lat dwudziestych Chicago stało się głównym ośrodkiem rozwoju muzyki jazzowej, w którym staraniem wielu muzyków zgromadzonych z różnych części Stanów Zjednoczonych powstał styl, który otrzymał przydomek Chicago jazz.
Wielkie zespoły
Klasyczna, ugruntowana forma big bandów znana jest w jazzie od wczesnych lat dwudziestych. Forma ta zachowała swoją aktualność do końca lat 40. XX wieku. Muzycy, którzy wchodzili do większości big bandów, z reguły prawie jako nastolatkowie, grali całkiem określone partie, albo wyuczone na próbach, albo z nut. Ostrożne orkiestracje, wraz z masywnymi sekcjami instrumentów dętych blaszanych i drewnianych, wytworzyły bogate harmonie jazzowe i wytworzyły rewelacyjnie głośny dźwięk, który stał się znany jako „brzmienie big bandu”.
Stał się big band muzyka popularna swego czasu, osiągając szczyt sławy w połowie lat 30. XX wieku. Ta muzyka stała się źródłem szaleństwa swingowego. Liderzy słynne zespoły jazzowe Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet skomponowali lub zaaranżowali i nagrali na płytach prawdziwą paradę przebojów, które brzmiały nie tylko w radiu, ale wszędzie w całym kraju. sale taneczne. Wiele big bandów popisywało się swoimi improwizatorami-solistami, którzy wprowadzali publiczność w stan bliski histerii podczas rozreklamowanych „bitew orkiestr”.
Wiele big bandów zademonstrowało swoich solowych improwizatorów, którzy wprowadzili publiczność w stan bliski histerii.
Chociaż duże zespoły straciły na popularności po II wojnie światowej, orkiestry prowadzone przez Basiego, Ellingtona, Woody'ego Hermana, Stana Kentona, Harry'ego Jamesa i wielu innych często koncertowały i nagrywały w ciągu następnych kilku dekad. Ich muzyka ulegała stopniowym przemianom pod wpływem nowych trendów. Grupy takie jak zespoły prowadzone przez Boyda Ryburna, Sun Ra, Olivera Nelsona, Charlesa Mingusa, Thada Jonesa-Mal Lewisa badały nowe koncepcje w zakresie harmonii, instrumentacji i swobody improwizacji. Dziś big bandy są standardem w edukacji jazzowej. Orkiestry repertuarowe, takie jak Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra i Chicago Jazz Ensemble regularnie wykonują oryginalne aranżacje kompozycji big bandów.
północno-wschodni jazz
Chociaż historia jazzu rozpoczęła się w Nowym Orleanie wraz z nadejściem XX wieku, to muzyka ta przeżywała prawdziwy rozkwit na początku lat 20., kiedy trębacz Louis Armstrong opuścił Nowy Orlean, by tworzyć nową rewolucyjną muzykę w Chicago. Niedługo potem migracja mistrzów jazzu z Nowego Orleanu do Nowego Jorku stała się trendem ciągły ruch muzycy jazzowi z południa na północ.
Louis Armstrong
Chicago przejęło muzykę Nowego Orleanu i rozgrzało ją, podnosząc jej intensywność nie tylko z wysiłkiem słynne zespoły Hot Five i Hot Seven Armstronga, ale także inne, w tym tacy mistrzowie jak Eddie Condon i Jimmy McPartland, którego gang z Austin High School pomógł ożywić Nowy Orlean. Wśród innych znanych mieszkańców Chicago, którzy przesunęli horyzonty klasyki styl jazzowy Nowy Orlean to pianista Art Hodes, perkusista Barrett Deems i klarnecista Benny Goodman. Armstrong i Goodman, którzy ostatecznie przenieśli się do Nowego Jorku, stworzyli tam rodzaj masy krytycznej, która pomogła temu miastu zamienić się w prawdziwą jazzową stolicę świata. I choć Chicago pozostało przede wszystkim centrum nagrań dźwiękowych w pierwszej ćwierci XX wieku, to Nowy Jork również stał się głównym miejsce koncertu jazz, z legendarnymi klubami, takimi jak Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy i Village Vanguard, a także arenami, takimi jak Carnegie Hall.
Styl Kansas City
W epoce Wielkiego Kryzysu i Prohibicji scena jazzowa w Kansas City stała się mekką dla nowomodnych dźwięków późnych lat 20. i 30. XX wieku. Styl, który rozkwitł w Kansas City, charakteryzują uduchowione utwory z nutą bluesa, wykonywane zarówno przez big bandy, jak i małe swingowe zespoły, demonstrujące bardzo energiczne solówki, wykonywane dla bywalców tawern z nielegalnie sprzedawanym trunkiem. To właśnie w tych pubach krystalizował się styl wielkiego hrabiego Basiego, zaczynając w Kansas City z orkiestrą Waltera Page'a, a później z Bennym Motenem. Obie te orkiestry były typowi przedstawiciele styl Kansas City, którego podstawą była swoista forma bluesa, zwana „urban blues” i ukształtowana w grze wspomnianych orkiestr. Scenę jazzową Kansas City wyróżniała też cała plejada wybitnych mistrzów wokalnego bluesa, wśród których uznanym „królem” był wieloletni solista Count Basie Orchestra, słynny bluesowy wokalista Jimmy Rushing. Słynny saksofonista altowy Charlie Parker, urodzony w Kansas City, po przybyciu do Nowego Jorku, szeroko wykorzystywał charakterystyczne bluesowe „żetony”, których nauczył się w orkiestrach Kansas City, a później stał się jednym z punktów wyjścia w eksperymentach bopperów w latach czterdziestych.
Jazz na Zachodnim Wybrzeżu
Artyści uchwyceni przez ruch cool jazzu w latach 50. pracowali intensywnie w studiach nagraniowych w Los Angeles. Ci artyści z Los Angeles, w dużej mierze zainspirowani nonetem Milesem Davisem, stworzyli coś, co jest obecnie znane jako West Coast Jazz. Jazz z Zachodniego Wybrzeża był znacznie łagodniejszy niż wściekły bebop, który go poprzedził. Większość jazzu z Zachodniego Wybrzeża została napisana bardzo szczegółowo. Linie kontrapunktu często używane w tych kompozycjach wydawały się być częścią europejskiego wpływu, który przeniknął do jazzu. Muzyka ta pozostawiała jednak dużo miejsca na długie, linearne improwizacje solowe. Chociaż West Coast Jazz wykonywano głównie w studiach nagraniowych, kluby takie jak Lighthouse w Hermosa Beach i Haig w Los Angeles często gościły swoich mistrzów, wśród których byli trębacz Shorty Rogers, saksofoniści Art Pepper i Bud Shenk, perkusista Shelley Mann i klarnecista Jimmy Giuffrey .
Rozprzestrzenianie się jazzu
Jazz od zawsze wzbudzał zainteresowanie muzyków i słuchaczy na całym świecie, niezależnie od ich narodowości. Wystarczy prześledzić wczesna praca trębacz Dizzy Gillespie i jego fuzja tradycji jazzowych z czarną muzyką kubańską w latach 40. lub później łączenie jazzu z muzyką japońską, euroazjatycką i bliskowschodnią, znane z twórczości pianisty Dave'a Brubecka, a także genialnego kompozytora i lidera jazzowego zespołu Duke'a Ellington, który w połączeniu dziedzictwo muzyczne Afryka, Ameryka Łacińska i Daleki Wschód.
Dave Brubeck
Jazz nieustannie wchłaniał i to nie tylko zachodnie tradycje muzyczne. Na przykład, kiedy różni artyści zacząłem próbować pracować z elementy muzyczne Indie. Przykładem tego wysiłku są nagrania flecisty Paula Horna w Taj Mahal, czy w nurcie „world music” reprezentowanym np. przez zespół z Oregonu czy projekt Shakti Johna McLaughlina. W muzyce McLaughlina, dawniej opartej w dużej mierze na jazzie, zaczęły pojawiać się nowe instrumenty indyjskiego pochodzenia, takie jak khatam czy tabla, podczas jego pracy z Shakti brzmiały zawiłe rytmy, a forma indyjskiej ragi była szeroko stosowana.
W miarę postępującej globalizacji świata na jazz nieustannie wpływają inne… tradycje muzyczne
Art Ensemble z Chicago był pionierem w łączeniu form afrykańskich i jazzowych. Później świat poznał saksofonistę/kompozytora Johna Zorna i jego eksplorację żydowskiej kultury muzycznej, zarówno w orkiestrze Masada, jak i poza nią. Dzieła te zainspirowały całe grupy innych muzyków jazzowych, takich jak klawiszowiec John Medeski, który nagrywał z afrykańskim muzykiem Salifem Keitą, gitarzystą Markiem Ribotem i basistą Anthonym Colemanem. Trębacz Dave Douglas czerpie inspiracje z Bałkanów w swojej muzyce, podczas gdy Azjatycko-Amerykańska Orkiestra Jazzowa stała się czołowym orędownikiem konwergencji jazzu i azjatyckich form muzycznych. W miarę postępującej globalizacji świata, na jazz nieustannie wpływają inne tradycje muzyczne, dostarczając dojrzałego pokarmu dla przyszłych badań i udowadniając, że jazz jest prawdziwie światową muzyką.
Jazz w ZSRR i Rosji
Pierwszy w zespole jazzowym RSFSR Valentina Parnakh
Scena jazzowa narodziła się w ZSRR w latach 20., jednocześnie z rozkwitem w USA. Pierwsza orkiestra jazzowa w Rosji Sowieckiej została utworzona w Moskwie w 1922 roku przez poetę, tłumacza, tancerza, postać teatralną Valentina Parnakha i została nazwana „Pierwszą ekscentryczną orkiestrą jazzową Valentina Parnakha w RSFSR”. Za urodziny rosyjskiego jazzu tradycyjnie uważa się 1 października 1922 roku, kiedy odbył się pierwszy koncert tej grupy. Orkiestra pianisty i kompozytora Aleksandra Tsfasmana (Moskwa) jest uważana za pierwszy profesjonalny zespół jazzowy, który występuje na antenie i nagrywa płytę.
Wczesne radzieckie zespoły jazzowe specjalizujące się w występach tańce modowe(fokstrot, charleston). W masowej świadomości jazz zaczął zdobywać szeroką popularność w latach 30., głównie dzięki zespołowi leningradzkiemu kierowanemu przez aktora i piosenkarza Leonida Utesowa oraz trębacza Ya B. Skomorovsky'ego. Popularna komedia filmowa z jego udziałem „Merry Fellows” (1934) poświęcona była historii muzyk jazzowy i miał odpowiednią ścieżkę dźwiękową (skomponowaną przez Isaaka Dunaevsky'ego). Utiosow i Skomorowski stworzyli oryginalny styl „tea-jazzu” (teatralnego jazzu), oparty na mieszance muzyki z teatrem, operetką, numerami wokalnymi i elementem wykonawczym, który odegrał w nim dużą rolę. Znaczący wkład w rozwój sowieckiego jazzu wniósł Eddie Rosner, kompozytor, muzyk i lider orkiestr. Rozpocząwszy karierę w Niemczech, Polsce i innych krajach Europy, Rozner przeniósł się do ZSRR i stał się jednym z pionierów swingu w ZSRR oraz inicjatorem białoruskiego jazzu.
W masowej świadomości jazz zaczął zdobywać szeroką popularność w ZSRR w latach 30. XX wieku.
Stosunek władz sowieckich do jazzu był niejednoznaczny: rodzimych wykonawców jazzowych z reguły nie zakazywano, ale ostra krytyka jazzu jako takiego była powszechna w kontekście krytyki Kultura Zachodu ogólnie. Pod koniec lat 40., w czasie walki z kosmopolityzmem, jazz w ZSRR przeżywał szczególnie trudny okres, kiedy prześladowano zespoły wykonujące muzykę „zachodnią”. Wraz z nadejściem „odwilży” ustały represje wobec muzyków, ale krytyka trwała. Według badań profesor historii i kultury amerykańskiej Penny Van Eschen, Departament Stanu USA próbował użyć jazzu jako broni ideologicznej przeciwko ZSRR i ekspansji sowieckich wpływów w krajach trzeciego świata. W latach 50. i 60. w Moskwie wznowiły działalność orkiestry Eddiego Roznera i Olega Lundstrema, pojawiły się nowe kompozycje, wśród których wyróżniały się orkiestry Iosifa Weinsteina (Leningrad) i Vadima Ludwikowskiego (Moskwa) oraz Ryga Variety Orchestra (REO).
Big bandy wychowały całą plejadę utalentowanych aranżerów i solowych improwizatorów, których praca przeniosła radziecki jazz na jakościowo nowy poziom i zbliżył go do światowych standardów. Wśród nich są Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Rozpoczyna się rozwój jazzu kameralnego i klubowego w całej jego różnorodności stylistycznej (Wiaczesław Ganelin, David Goloshchekin, Giennadij Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan , Igor Bril, Leonid Chizhik itp.)
Klub Jazzowy „Błękitny Ptak”
Wielu z powyższych mistrzów sowieckiego jazzu rozpoczęło swoją działalność kreatywny sposób na scenie legendarnego moskiewskiego klubu jazzowego „Blue Bird”, który istniał od 1964 do 2009 roku, odkrywając nowe nazwiska przedstawicieli współczesnego pokolenia rosyjskich gwiazd jazzu (bracia Aleksandra i Dmitrija Brila, Anny Buturliny, Jakow Okun, Romana Miroshnichenko i inni). W latach 70. dużą popularność zyskało trio jazzowe „Ganelin-Tarasov-Chekasin” (GTC) składające się z pianisty Wiaczesława Ganelina, perkusisty Władimira Tarasowa i saksofonisty Władimira Czekasina, które istniało do 1986 roku. W latach 70-80 znany był także kwartet jazzowy z Azerbejdżanu „Gaya”, gruzińskie zespoły wokalno-instrumentalne „Orera” i „Jazz-Khoral”.
Po spadku zainteresowania jazzem w latach 90. zaczął ponownie zyskiwać popularność w kulturze młodzieżowej. W Moskwie co roku odbywają się festiwale muzyki jazzowej, takie jak Usadba Jazz i Jazz w Ogrodzie Ermitażu. Najpopularniejszym klubem jazzowym w Moskwie jest klub jazzowy Union of Composers, który zaprasza światowej sławy wykonawców jazzu i bluesa.
Jazz we współczesnym świecie
Współczesny świat muzyki jest tak różnorodny, jak klimat i geografia, których uczymy się podróżując. A jednak dzisiaj jesteśmy świadkami mieszania się coraz większej liczby kultur świata, nieustannie zbliżając nas do tego, co w istocie już się staje „ Muzyka Światowa» ( Muzyka Światowa). Na dzisiejszy jazz nie mogą nie oddziaływać dźwięki wpadające do niego niemal z każdego zakątka. Globus. Europejski eksperymentalizm z klasycznymi wydźwiękami nadal wpływa na muzykę młodych pionierów, takich jak Ken Vandermark, awangardowy saksofonista free jazz, znany ze współpracy z m.in. sławni współcześni jak saksofoniści Mats Gustafsson, Evan Parker i Peter Brotzmann. Inni, bardziej tradycyjni młodzi muzycy, którzy nadal poszukują własnej tożsamości, to pianiści Jackie Terrasson, Benny Green i Braid Meldoa, saksofoniści Joshua Redman i David Sanchez oraz perkusiści Jeff Watts i Billy Stewart.
stara tradycja Brzmienie jest szybko kontynuowane przez artystów takich jak trębacz Wynton Marsalis, który pracuje z zespołem asystentów zarówno we własnych małych zespołach, jak iw kierowanej przez siebie Lincoln Center Jazz Orchestra. Pod jego patronatem pianiści Marcus Roberts i Eric Reed, saksofonista Wes „Warmdaddy” Anderson, trębacz Markus Printup i wibrafonista Stefan Harris wyrośli na wielkich muzyków. Basista Dave Holland jest także wielkim odkrywcą młodych talentów. Wśród jego wielu odkryć są tacy artyści jak saksofonista/m-basista Steve Coleman, saksofonista Steve Wilson, wibrafonista Steve Nelson i perkusista Billy Kilson. Inni wielcy mentorzy młodych talentów to pianista laska korea, a już nie żyje - perkusista Elvin Jones i piosenkarka Betty Carter. Potencjalne możliwości dalszy rozwój jazzu są obecnie dość duże, ponieważ drogi rozwoju talentu i środki jego ekspresji są nieprzewidywalne, mnożąc się dzięki połączonym wysiłkom różnych gatunków jazzu, które są dziś zachęcane.
