JAZZ. Słowo jazz, które pojawiło się na początku XX wieku, zaczęło oznaczać rodzaj nowego,
muzyka, która zabrzmiała wtedy po raz pierwszy, a także orkiestra, która ta muzyka
wykonywane. Czym jest ta muzyka i jak się pojawiła?
Jazz powstał w Stanach Zjednoczonych wśród uciskanej, pozbawionej praw wyborczych czarnej ludności,
wśród potomków czarnych niewolników, niegdyś przymusowo wywiezionych z ojczyzny.
Na początku XVII wieku do Ameryki przybyły pierwsze statki z niewolnikami, które miały na życie
ładunek. Została szybko podchwycona przez bogatych Amerykanów Południa, którzy stali się…
wykorzystują niewolniczą pracę do ciężkiej pracy na swoich plantacjach. Oderwana
od ojczyzny, oddzieleni od bliskich, wyczerpani przepracowaniem,
czarni niewolnicy znajdowali ukojenie w muzyce.
Czarni są niesamowicie muzykalni. Ich poczucie rytmu jest szczególnie subtelne i wyrafinowane.
W rzadkich godzinach odpoczynku Murzyni śpiewali, akompaniowali sobie klaskaniem w dłonie:
dmucha na puste pudełka, puszki - wszystko co było pod ręką.
Na początku była to prawdziwa muzyka afrykańska. Ten, który niewolnicy
przywiezione z ich ojczyzny. Ale minęły lata, dekady. W pamięci pokoleń
pamięć o muzyce kraju przodków została wymazana. Pozostał tylko spontaniczny
pragnienie muzyki, pragnienie ruchu do muzyki, poczucie rytmu, temperament. Na
ucho odbierało to, co brzmiało wokół - muzykę białych. I śpiewali
głównie chrześcijańskie hymny religijne. A Murzyni też zaczęli je śpiewać. Ale
śpiewaj po swojemu, wkładając w nie cały swój ból, całą swoją namiętną nadzieję na
lepsze życie nawet poza grobem. Tak powstały duchowe pieśni murzyńskie
spirale.
A pod koniec XIX wieku pojawiły się inne piosenki - piosenki-skargi, piosenki
protest. Stali się znani jako blues. Blues mówi o potrzebie, o trudnościach
pracy, o zwiedzionych nadziejach. Bluesowcy zwykle towarzyszyli
się na jakimś domowej roboty instrumencie. Na przykład dostosowany
szyja i sznurki do starego pudełka. Dopiero później udało im się kupić
prawdziwe gitary.
Murzyni bardzo lubili grać w orkiestrach, ale i tutaj instrumenty musiały
wymyśl siebie. Grzebienie owinięte w bibułkę, pasma,
nawleczone na patyku z przywiązaną suszoną dynią zamiast ciała,
deski do prania.
Po zakończeniu wojny domowej w latach 1861-1865 w Stanach Zjednoczonych
orkiestry dęte jednostek wojskowych. Pozostawione po nich narzędzia wpadły w
sklepy ze starociami, gdzie sprzedawano je za bezcen. Stamtąd czarni wreszcie
udało się zdobyć prawdziwe instrumenty muzyczne. Wszędzie zaczęło się pojawiać
Murzyńskie orkiestry dęte. Górnicy, murarze, stolarze, domokrążcy w
wolny czas zbierali i bawili się dla własnej przyjemności. Grali
na każdą okazję: święta, wesela, pikniki, pogrzeby.
Czarni muzycy grali marsze i tańce. Grał naśladując styl
występy spiritualsów i bluesów – ich narodowej muzyki wokalnej. Na
swoimi piszczałkami, klarnetami, puzonami odtwarzali cechy
Śpiew murzyński, jego rytmiczna swoboda. Nie znali notatek; musical
białe szkoły były dla nich zamknięte. Grane ze słuchu, uczące się od doświadczonych
muzycy, słuchając ich rad, przyswajając ich techniki. To samo dla
skomponowany przez ucho.
W wyniku przeniesienia murzyńskiej muzyki wokalnej i murzyńskiego rytmu do
Sfera instrumentalna narodziła się w nowej muzyce orkiestrowej – jazzie.
Główne cechy jazzu to improwizacja i swoboda rytmu,
swobodne melodie oddechowe. Muzycy jazzowi muszą umieć improwizować
albo zbiorowo, albo solo, na tle wyćwiczonego akompaniamentu. Co
dotyczy rytmu jazzowego (oznaczanego słowem swing z angielskiego swing)
Swing), wtedy jeden z amerykańskich muzyków jazzowych pisał o nim tak:
„To poczucie inspirującego rytmu, który sprawia, że muzycy czują
swoboda i swoboda improwizacji i sprawia wrażenie niepowstrzymanego ruchu
całej orkiestry do przodu w coraz szybszym tempie
w rzeczywistości tempo pozostaje takie samo.”
Od momentu powstania w południowoamerykańskim mieście Nowy Orlean, jazz
przebyła długą drogę. Rozprzestrzenił się najpierw do Ameryki, a potem do
na calym swiecie. To przestało być sztuką Murzynów: bardzo szybko przybyli do jazzu
biali muzycy. Nazwiska wybitnych mistrzów jazzu znane są wszystkim. To jest Louie
Armstrong, książę Ellington, Beni Goodman, Glen Miller. To są śpiewacy Ella
Fitzgeralda i Bessie Smith.
Muzyka jazzowa wpłynęła na symfonię i operę. amerykański kompozytor
George Gershwin napisał „Rapsodię w stylu bluesowym” na fortepian z
orkiestrę, wykorzystał elementy jazzu w swojej operze Porgy and Bess.
Jazz jest także w naszym kraju. Pierwszy z nich powstał w latach dwudziestych. to
była teatralną orkiestrą jazzową pod dyrekcją Leonida Utesowa. Na
przez wiele lat kompozytor Dunaevsky łączył z nim swój twórczy los.
Zapewne słyszeliście też tę orkiestrę: brzmi wesoło, spokojnie
przebojowy film „Jolly Fellows”.
W przeciwieństwie do orkiestry symfonicznej jazz nie ma stałej obsady. Jazz
To zawsze zespół solistów. A nawet jeśli przypadkiem kompozycje dwóch jazzów
kolektywy będą się pokrywać, ale nie mogą być dokładnie takie same: w końcu
w jednym przypadku najlepszym solistą będzie np. trębacz, a w innym będzie
jakiś inny muzyk.
Blues
(melancholia, smutek) - pierwotnie - solowa liryczna piosenka amerykańskich Murzynów, później - kierunek w muzyce.
W latach 20. XX wieku ukształtował się klasyczny blues, oparty na 12-taktowym okresie, odpowiadającym 3-wierszowej formie poetyckiej. Blues był pierwotnie muzyką graną przez czarnych dla czarnych. Po pojawieniu się bluesa na południu Stanów Zjednoczonych zaczyna rozprzestrzeniać się po całym kraju.
Melodia bluesowa charakteryzuje się strukturą pytanie-odpowiedź oraz zastosowaniem bluesowego progu.
Blues miał ogromny wpływ na powstanie muzyki jazzowej i popowej, elementy bluesowe wykorzystywali kompozytorzy XX wieku.
archaiczny jazz
Archaiczny (wczesny) jazz- Określenie najstarszych, tradycyjnych odmian jazzu, które istniały od połowy ubiegłego wieku w wielu południowych stanach USA.
Archaiczny jazz reprezentowała w szczególności muzyka XIX-wiecznych zespołów marszowych Murzynów i Kreolów.
Okres archaicznego jazzu poprzedził pojawienie się stylu nowoorleańskiego (klasycznego).
Nowy Orlean
Ojczyzna amerykańska, z której narodził się sam jazz, uważana jest za miasto piosenki i muzyki - Nowy Orlean.
Choć twierdzi się, że jazz powstał w całej Ameryce i to nie tylko w tym mieście, ale właśnie tutaj rozwinął się najmocniej. Ponadto wszyscy starzy muzycy jazzowi wskazali na centrum, które uważali za Nowy Orlean. W Nowym Orleanie rozwinęło się najkorzystniejsze środowisko dla rozwoju tego kierunku muzycznego: istniała duża społeczność murzynów, a duży procent populacji stanowili Kreole; aktywnie rozwijało się tu wiele kierunków i gatunków muzycznych, których elementy zostały następnie włączone do twórczości znanych jazzmanów. Różne grupy wypracowały własne kierunki muzyczne, a Afroamerykanie stworzyli nową sztukę, która nie ma analogii z połączenia bluesowych melodii, ragtime i własnych tradycji. Pierwsze płyty jazzowe potwierdzają prerogatywę Nowego Orleanu w powstawaniu i rozwoju sztuki jazzowej.
Dixieland
(Country Dixie) - potoczne określenie południowych stanów Stanów Zjednoczonych, jednej z odmian jazzu tradycyjnego.
Większość śpiewaków bluesowych, pianistów boogie-woogie, muzyków ragtime i zespołów jazzowych przybyła z południa do Chicago, przywożąc ze sobą muzykę, która wkrótce zostanie nazwana Dixieland.
Dixieland- najszersze określenie stylu muzycznego najwcześniejszych nowoorleańskich i chicagowskich muzyków jazzowych, którzy nagrywali płyty w latach 1917 - 1923.
Niektórzy historycy odnoszą się do Dixieland tylko jako do muzyki białych zespołów w stylu nowoorleańskim.
Muzycy Dixieland szukali odrodzenia klasycznego nowoorleańskiego jazzu.
Próby te zakończyły się sukcesem.
Boogie Woogie
Styl fortepianowy blues, jedna z najwcześniejszych odmian instrumentalnej muzyki murzyńskiej.
Styl, który okazał się bardzo przystępny dla szerokiej publiczności.
w pełni brzmiący styl boogie-woogie pojawił się z powodu powstałej na początku XX wieku potrzeby zatrudniania pianistów zamiast orkiestr w niedrogich kawiarniach typu „honky-tonk”. Aby zastąpić całą orkiestrę, pianiści wymyślili różne sposoby grania rytmicznego.
Cechy charakterystyczne: improwizacja, wirtuozeria techniczna, specyficzny rodzaj akompaniamentu - figuracja ruchowego ostinata w partii lewej ręki, przerwa (do 2-3 oktaw) między basem a melodią, ciągłość ruchu rytmicznego, odmowa użycia pedału.
Przedstawiciele klasycznego boogie-woogie: Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery, Mid Lux Lewis, Jimmy Yankee.
folkowy blues
Archaiczny akustyczny blues oparty na wiejskim folklorze czarnej ludności Stanów Zjednoczonych, w przeciwieństwie do klasycznego bluesa, który miał głównie miejski byt.
folkowy blues- To rodzaj bluesa, wykonywany z reguły nie na elektrycznych instrumentach muzycznych. Obejmuje szeroki zakres stylów gry i muzyki, może obejmować prostą, prostą muzykę graną na mandolinie, banjo, harmonijce ustnej i innych nieelektrycznych zespołach z dzbanami (tj. zrób to sam). nieokrzesana, nieco nieformalna muzyka. Jednym słowem to prawdziwa muzyka ludowa grana przez ludzi i dla ludzi.
W folkowym bluesie był wokalista bardziej wpływowy niż Blind Lemon Jefferson, Charlie Patton, Alger Alexander.
Dusza
(dosłownie - dusza); najpopularniejszy styl muzyczny lat 60. XX wieku, który rozwinął się z kultowej muzyki amerykańskich czarnych i zapożyczył wiele elementów rhythm and bluesa.
W muzyce soul jest kilka kierunków, z których najważniejsze to dusza tzw. „Memphis” i „Detroit”, a także „biała” dusza, która tkwi głównie w muzykach z Europy.
Boj
Termin narodził się w jazzie w latach 50. XX wieku. Styl „funk” jest bezpośrednią kontynuacją muzyki „soul”. Forma rytmu i bluesa.
Pierwszymi wykonawcami tego, co później nazwano „funką”, byli jazzmani, którzy grali bardziej energiczny, specyficzny rodzaj jazzu w późnych latach 50. i wczesnych 60.
Funk to przede wszystkim muzyka taneczna, która determinuje jej cechy muzyczne: ostateczną synchronizację części wszystkich instrumentów.
Funk charakteryzuje się wydatną sekcją rytmiczną, ostro synkopowaną partią gitary basowej, riffami ostinatowymi jako melodyczną i tematyczną podstawą kompozycji, elektronicznym brzmieniem, podekscytowanym wokalem i szybkim tempem muzyki.
James Brown i George Clinton stworzyli eksperymentalną szkołę funkową z PARLAMENT/FUNKDEIC.
Klasyczne nagrania funkowe pochodzą z przełomu lat 60. i 70. XX wieku.
darmowe funk
darmowe funk- mieszanka awangardowego jazzu z funkowymi rytmami.
Kiedy Ornette Coleman założył Prime Time, w rezultacie powstał „podwójny kwartet” (składający się z dwóch gitarzystów, dwóch basistów i dwóch perkusistów oraz jego altówka) grający muzykę w wolnej tonacji, ale z ekscentrycznymi rytmami funku. Trzej członkowie zespołu Colemana (gitarzysta James Blood Ulmer, basista Jamaaladin Takuma i perkusista Ronald Shannon Jackson) zorganizowali później własne projekty free-funkowe, a free-funk był głównym wpływem m-basistów, w tym altowiolistów Steve'a Colemana i Grega. Osby.
Huśtać się
Charakterystyczny typ pulsacji oparty na stałych odchyleniach rytmu (wyprzedzający i opóźniający) od płatów referencyjnych.
Stwarza to wrażenie dużej energii wewnętrznej w stanie niestabilnej równowagi. Swingowy rytm przeniósł się z jazzu do wczesnego rock and rolla.
Wybitni swingersi: Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie...
bebop
Bop- styl jazzowy, który wykształcił się w połowie lat 40. XX wieku i charakteryzuje się szybkim tempem i złożonymi improwizacjami opartymi na graniu harmonii, a nie melodii. Bebop zrewolucjonizował jazz; boper stworzył nowe pomysły na to, czym jest muzyka.
Faza bebopu była znaczącym przesunięciem akcentu w jazzie z muzyki tanecznej opartej na melodii na mniej popularną „muzykę”, bardziej opartą na rytmie. Muzycy Bop preferowali złożone improwizacje oparte na brzdąkaniu akordów zamiast melodii.
Bebop był szybki, nerwowy, był „twardy dla słuchacza”.
Jazz progresywny
Równolegle z pojawieniem się bebopu w środowisku jazzowym rozwija się nowy gatunek – progresywny jazz. Główną różnicą tego gatunku jest chęć odejścia od zamrożonego kliszy big bandów i przestarzałych technik tzw. jazz symfoniczny.
Progresywni muzycy jazzowi starali się aktualizować i udoskonalać swoje swingowe modele fraz, wprowadzając do praktyki kompozytorskiej najnowsze osiągnięcia europejskiej symfonii w dziedzinie tonalności i harmonii. Największy wkład w rozwój „postępowego” wniósł Stan Kenton. Brzmienie muzyki wykonywanej przez jego pierwszą orkiestrę było bliskie stylowi Siergieja Rachmaninowa, a kompozycje nosiły cechy romantyzmu.
Za swoistą apoteozę rozwoju sztuki progresywnej można uznać serię nagranych albumów „Artystyka”, „Mile do przodu”, „Rysunki hiszpańskie”.
Chłodny(fajny jazz), jeden ze stylów współczesnego jazzu, powstały na przełomie lat 40. - 50. XX wieku na bazie rozwoju dokonań swingu i bopu.
Trębacz Miles Davis, który był jednym z pierwszych wykonawców bebopu, stał się innowatorem tego gatunku.
Cool jazz charakteryzuje się takimi cechami jak lekka, „sucha” barwa dźwięku, powolność ruchu, zamrożona harmonia, co tworzy iluzję przestrzeni. Dysonans również odgrywał pewną rolę, ale jednocześnie wyróżniał się zmiękczonym, stłumionym charakterem.
Saksofonista Lester Young po raz pierwszy ukuł termin „cool”.
Najbardziej znani muzycy kula to Dave Brubeck, Stan Getz, George Shearing, Milt Jackson, „Shorty” Rogers .
Główny nurt
(dosłownie - główny nurt); termin odnoszący się do pewnego okresu swingu, w którym wykonawcom udało się ominąć ugruntowane w tym stylu klisze i kontynuować tradycje murzyńskiego jazzu, wprowadzając elementy improwizacji.
Główny nurt charakteryzuje prosta, ale wyrazista linia melodyczna, tradycyjna harmonia i wyraźny rytm z wyraźnym drivem.
Wiodący artyści: Ben Webster, Gene Krupa, Coleman Hawkins, a także liderzy big bandów Duke Ellington i Benny Goodman.
twardy bop(twardy, twardy bop), styl współczesnego jazzu.
Jest kontynuacją tradycji klasycznego rhythm and bluesa i bebopu.
Powstał w latach 50. jako reakcja na akademizm i europejską orientację jazzu cool i zachodniego wybrzeża, który osiągnął wtedy swój szczyt.
Charakterystyczne cechy wczesnego hard bopu to przewaga silnie akcentowanego akompaniamentu rytmicznego, wzmocnienie elementów bluesowych w intonacji i harmonii, tendencja do ujawniania zasady wokalnej w improwizacji oraz pewne uproszczenie języka muzycznego.
Głównymi przedstawicielami hard bopu są w większości muzycy czarni.
Kwintet JAZZ MESSENGERS (1954) Arta Blakeya był pierwszym zespołem tego stylu, który nagrał płyty.
Inni czołowi muzycy: John Coltrane, Sonia Rollins, Henk Mobley, Max Roach…
Połączenie(dosłownie - fuzja, fuzja), nowoczesny kierunek stylistyczny, który powstał na bazie jazz-rocka, będącego syntezą elementów europejskiej muzyki akademickiej i pozaeuropejskiego folkloru. Zaczynając nie tylko od fuzji jazzu z muzyką pop i rockiem, fusion jako gatunek muzyczny pojawił się pod koniec lat 60. pod nazwą jazz-rock.
Larry Coryell, Tony Williams, Miles Davis wprowadzili elementy takie jak elektronika, rockowe rytmy i rozbudowane utwory, odwracając większość tego, co oznaczał jazz – swingowy rytm.
Kolejna zmiana dotyczy obszaru rytmu, gdzie swing został albo przedefiniowany, albo całkowicie zignorowany. Pulsacja, metrum nie były już istotnym elementem w czytaniu jazzu.
Free jazz istnieje do dziś jako realna forma ekspresji i faktycznie nie jest już tak kontrowersyjnym stylem, jak był postrzegany u zarania jego początków.
Jazzowa muzyka latynoskaPołączenie łacińskich elementów rytmicznych było obecne niemal od początku w mieszance kultur, która powstała w Nowym Orleanie. Muzyczne wpływy latynoskie w jazzie rozszerzyły się nie tylko na orkiestry i zespoły z najwyższej klasy improwizatorami pochodzenia latynoamerykańskiego, ale także na połączenie lokalnych i latynoskich muzyków, tworząc przykłady najbardziej ekscytującej muzyki scenicznej.
A jednak dzisiaj jesteśmy świadkami mieszania się coraz większej liczby kultur świata, które nieustannie zbliżają nas do tego, co w istocie już staje się „world music” (muzyka świata).
Na dzisiejszy jazz nie mogą nie wpływać dźwięki wnikające do niego z niemal każdego zakątka globu.
Potencjał dalszego rozwoju jazzu jest obecnie dość duży, gdyż drogi rozwoju talentu i środki jego wyrazu są nieprzewidywalne, mnożąc się dzięki połączonym wysiłkom różnych, promowanych dziś gatunków jazzowych.
Jazz- rodzaj sztuki muzycznej, który pojawił się na przełomie XIX i XX wieku w wyniku połączenia afrykańskiej kultury muzycznej czarnych niewolników i europejskiej. Z pierwszej kultury tego rodzaju muzyka zapożyczyła improwizację, rytm, powtarzanie głównego motywu, az drugiej harmonię, dźwięki w molowym i durowym. Warto zauważyć, że takie elementy folkloru afrykańskich niewolników sprowadzonych do Ameryki jak tańce rytualne, praca i pieśni kościelne, blues znajdują odzwierciedlenie również w melodiach jazzowych.
Spory o pochodzenie jazzu wciąż trwają. Wiadomo na pewno, że rozprzestrzenił się na cały świat z USA, a jego klasyczny kierunek wywodzi się z Nowego Orleanu, gdzie 26 lutego 1917 roku pierwsza płyta jazzowa została nagrana przez Original Dixieland Jazz Band.
W pierwszej dekadzie XX wieku w południowych stanach Stanów Zjednoczonych szczególnie popularne stały się zespoły muzyczne, które wykonywały oryginalne improwizacje na tematy bluesowe, ragtime i europejskie. Nazywano ich „zespołem jazzowym”, od którego wzięło się słowo „jazz”. W skład tych grup wchodzili muzycy grający na różnych instrumentach, m.in.: trąbce, klarnecie, puzonie, banjo, tubie, kontrabasie, perkusji i fortepianie.
Jazz ma kilka charakterystycznych cech, które odróżniają go od innych gatunków muzycznych:
- rytm;
- huśtać się;
- instrumenty imitujące ludzką mowę;
- rodzaj „dialogu” między instrumentami;
- specyficzny wokal, intonowo przypominający rozmowę.
Jazz stał się integralną częścią przemysłu muzycznego, rozprzestrzeniając się na cały świat. Popularność melodii jazzowych doprowadziła do powstania ogromnej liczby wykonujących je zespołów, a także do pojawienia się nowych kierunków w tym gatunku muzyki. Do tej pory znanych jest ponad 30 takich stylów, wśród których najpopularniejsze to blues, soul, ragtime, swing, jazz-rock, symphonic-jazz.
Dla tych, którzy chcą poznać podstawy tego typu sztuki muzycznej, decyzja o zakupie klarnetu, trąbka, banjo, puzon czy jakikolwiek inny instrument jazzowy będzie świetnym początkiem na drodze do opanowania tego gatunku. Później saksofon został włączony do składu orkiestr i zespołów jazzowych, które dziś można kupić nawet w sklepie internetowym. Oprócz wymienionych powyżej, grupa jazzowa może również zawierać etniczne instrumenty muzyczne.
Po tym, jak Krzysztof Kolumb odkrył nowy kontynent i osiedlili się na nim Europejczycy, statki handlarzy ludźmi coraz częściej podążały za brzegami Ameryki.
Wyczerpani ciężką pracą, tęskniąc za domem i cierpiąc z powodu okrutnego traktowania strażników, niewolnicy znajdowali ukojenie w muzyce. Stopniowo Amerykanie i Europejczycy zaczęli interesować się niezwykłymi melodiami i rytmami. Tak narodził się jazz. Czym jest jazz i jakie są jego cechy, rozważymy w tym artykule.
Cechy kierunku muzycznego
Jazz nawiązuje do muzyki pochodzenia afroamerykańskiego, która opiera się na improwizacji (swing) i specjalnej konstrukcji rytmicznej (omdlenie). W przeciwieństwie do innych obszarów, w których jedna osoba pisze muzykę, a druga wykonuje, muzycy jazzowi są również kompozytorami.
Melodia powstaje spontanicznie, okresy pisania, wykonywania są oddzielone minimalnym okresem czasu. Tak powstaje jazz. orkiestra? To jest zdolność muzyków do wzajemnego dostosowywania się. W tym samym czasie każdy sam improwizuje.
Wyniki spontanicznych kompozycji są zapisane w notacji muzycznej (T. Cowler, G. Arlen „Szczęśliwy cały dzień”, D. Ellington „Nie wiesz, co kocham?” itp.).
Z czasem muzyka afrykańska została zsyntetyzowana z europejską. Pojawiły się melodie łączące plastyczność, rytm, melodyjność i harmonię dźwięków (CEATHAM Doc, Blues In My Heart, CARTER James, Centerpiece itp.).
Wskazówki
Istnieje ponad trzydzieści kierunków jazzu. Rozważmy niektóre z nich.
1. Blues. W tłumaczeniu z angielskiego słowo to oznacza „smutek”, „melancholia”. Blues był pierwotnie liryczną solową piosenką Afroamerykanów. Jazz-blues to dwunastotaktowy okres odpowiadający trzywierszowej formie zwrotki. Kompozycje bluesowe wykonywane są w wolnym tempie, w tekstach można doszukać się niedopowiedzeń. blues - Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith i inni.
2. Ragtime. Dosłowne tłumaczenie nazwy stylu to zepsuty czas. W języku terminów muzycznych „reg” oznacza dźwięki, które są dodatkowe pomiędzy uderzeniami taktu. Kierunek pojawił się w USA, po tym, jak porwał je za oceanem twórczość F. Schuberta, F. Chopina i F. Liszta. Muzyka kompozytorów europejskich wykonywana była w stylu jazzu. Później pojawiły się oryginalne kompozycje. Ragtime jest charakterystyczny dla twórczości S. Joplina, D. Scotta, D. Lamba i innych.
3. Boogie-woogie. Styl pojawił się na początku ubiegłego wieku. Właściciele niedrogich kawiarni potrzebowali muzyków do grania jazzu. To, co jest akompaniamentem muzycznym, wymaga oczywiście obecności orkiestry, ale zaproszenie dużej liczby muzyków było kosztowne. Brzmienie różnych instrumentów kompensowali pianiści, tworząc liczne kompozycje rytmiczne. Funkcje Boogie:
- improwizacja;
- technika wirtuozowska;
- specjalny akompaniament: lewa ręka wykonuje ruchową konfigurację ostinant, odstęp między basem a melodią wynosi dwie lub trzy oktawy;
- ciągły rytm;
- wykluczenie pedału.
Boogie-woogie grali Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery i inni.
legendy stylu
Jazz jest popularny w wielu krajach na całym świecie. Wszędzie są gwiazdy, które otoczone są armią fanów, ale niektóre nazwiska stały się prawdziwą legendą. Są znani i kochani na całym świecie, a do takich muzyków należy w szczególności Louis Armstrong.
Nie wiadomo, jak potoczyłby się los chłopca z biednej murzyńskiej dzielnicy, gdyby Louis nie trafił do obozu poprawczego. Tutaj przyszła gwiazda została nagrana w orkiestrze dętej, jednak zespół nie grał jazzu. i jak to się robi, młody człowiek odkrył znacznie później. Armstrong zyskał światową sławę dzięki pracowitości i wytrwałości.
Billie Holiday (prawdziwe nazwisko Eleanor Fagan) jest uważana za założycielkę śpiewu jazzowego. Piosenkarka osiągnęła szczyt popularności w latach 50. ubiegłego wieku, kiedy zmieniła sceny klubów nocnych na scenę.
Życie właścicielki gamy trzech oktaw, Elli Fitzgerald, nie było łatwe. Po śmierci matki dziewczynka uciekła z domu i prowadziła niezbyt przyzwoity tryb życia. Początkiem kariery piosenkarki był występ na konkursie muzycznym Amateur Nights.
George Gershwin jest znany na całym świecie. Kompozytor tworzył utwory jazzowe oparte na muzyce klasycznej. Nieoczekiwany sposób wykonania urzekł słuchaczy i współpracowników. Koncertom niezmiennie towarzyszyły oklaski. Do najbardziej znanych dzieł D. Gershwina należą „Błękitna rapsodia” (współautorstwo z Fredem Grofem), opery „Porgy and Bess”, „Amerykanin w Paryżu”.
Popularnymi wykonawcami jazzowymi byli i pozostają Janis Joplin, Ray Charles, Sarah Vaughn, Miles Davis i inni.
Jazz w ZSRR
Pojawienie się tego nurtu muzycznego w Związku Radzieckim wiąże się z imieniem poety, tłumacza i bywalca teatru Valentina Parnacha. Pierwszy koncert zespołu jazzowego prowadzonego przez wirtuoza odbył się w 1922 roku. Później A. Tsfasman, L. Utyosov, Y. Skomorovsky utworzyli kierunek teatralnego jazzu, łącząc wykonanie instrumentalne i operetkę. E. Rozner i O. Lundstrem zrobili wiele dla popularyzacji muzyki jazzowej.
W latach 40. ubiegłego wieku jazz był szeroko krytykowany jako fenomen kultury burżuazyjnej. W latach 50. i 60. ustały ataki na wykonawców. Zespoły jazzowe powstawały zarówno w RFSRR, jak iw innych republikach związkowych.
Dziś jazz jest wykonywany bez przeszkód na salach koncertowych iw klubach.
Jazz - forma sztuki muzycznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku w USA, w Nowym Orleanie w wyniku syntezy kultur afrykańskich i europejskich, a następnie upowszechniła się. Początki jazzu to blues i inna afroamerykańska muzyka ludowa. Charakterystycznymi cechami muzycznego języka jazzu stały się początkowo improwizacja, polirytm oparty na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej - swing. Dalszy rozwój jazzu nastąpił dzięki opracowaniu przez muzyków i kompozytorów jazzowych nowych modeli rytmicznych i harmonicznych. Subjazzami jazzu są: awangardowy jazz, bebop, jazz klasyczny, cool, modalny jazz, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop i wiele innych.
Historia rozwoju jazzu
Wilex College Jazz Band, Teksas
Jazz powstał jako połączenie kilku kultur muzycznych i tradycji narodowych. Pochodzi z Afryki. Każda afrykańska muzyka charakteryzuje się bardzo złożonym rytmem, muzyce zawsze towarzyszą tańce, które są szybkie tupanie i klaskanie. Na tej podstawie pod koniec XIX wieku powstał kolejny gatunek muzyczny – ragtime. Następnie rytmy ragtime w połączeniu z elementami bluesa dały początek nowemu muzycznemu kierunku - jazzowi.
Blues powstał pod koniec XIX wieku jako fuzja afrykańskich rytmów i europejskiej harmonii, ale jego początków należy szukać od momentu sprowadzenia niewolników z Afryki do Nowego Świata. Sprowadzeni niewolnicy nie pochodzili z tego samego klanu i zwykle nawet się nie rozumieli. Konieczność konsolidacji doprowadziła do zjednoczenia wielu kultur iw efekcie do powstania jednej kultury (w tym muzycznej) Afroamerykanów. Procesy mieszania afrykańskiej kultury muzycznej z europejską (która również przeszła poważne zmiany w Nowym Świecie) miały miejsce od XVIII wieku, a w XIX wieku doprowadziły do pojawienia się „proto-jazzu”, a następnie jazzu w ogólnie przyjętym sens. Kolebką jazzu było amerykańskie Południe, a zwłaszcza Nowy Orlean.
Przyrzeczenie wiecznej młodości jazzu - improwizacja
Osobliwością stylu jest wyjątkowe, indywidualne wykonanie wirtuoza jazzu. Kluczem do wiecznej młodości jazzu jest improwizacja. Po pojawieniu się genialnego wykonawcy, który całe życie żył w rytmie jazzu i nadal pozostaje legendą - Louis Armstrong, sztuka wykonawstwa jazzowego ujrzała dla siebie nowe niezwykłe horyzonty: solowy występ wokalny lub instrumentalny staje się centrum całego spektaklu , całkowicie zmieniając ideę jazzu. Jazz to nie tylko pewien rodzaj muzycznego wykonania, ale także wyjątkowa wesoła epoka.
jazz nowoorleański
Termin Nowy Orlean jest powszechnie używany do opisania stylu muzyków, którzy grali jazz w Nowym Orleanie w latach 1900-1917, a także muzyków z Nowego Orleanu, którzy grali w Chicago i nagrywali płyty od około 1917 do 1920 roku. Ten okres w historii jazzu znany jest również jako Epoka Jazzu. Termin ten jest również używany do opisania muzyki granej w różnych okresach historycznych przez nowoorleańskich odrodzeniowców, którzy starali się grać jazz w tym samym stylu, co muzycy ze szkoły nowoorleańskiej.
Afroamerykański folklor i jazz rozeszły się od czasu otwarcia Storyville, dzielnicy czerwonych latarni w Nowym Orleanie słynącej z lokali rozrywkowych. Ci, którzy chcieli się tu dobrze bawić i dobrze się bawić, czekali na wiele uwodzicielskich okazji, które oferowały parkiety taneczne, kabaret, pokazy różnorodności, cyrk, bary i jadłodajnie. I wszędzie w tych instytucjach brzmiała muzyka i mogli znaleźć pracę muzycy, którzy opanowali nową muzykę synkopowaną. Stopniowo, wraz ze wzrostem liczby muzyków pracujących zawodowo w zakładach rozrywkowych w Storyville, zmniejszyła się liczba orkiestr marszowych i ulicznych, a zamiast nich powstały tak zwane zespoły Storyville, których muzyczna manifestacja staje się bardziej indywidualna , w porównaniu z grą orkiestr dętych. Kompozycje te, często nazywane „orkiestrami combo”, stały się założycielami stylu klasycznego nowoorleańskiego jazzu. W latach 1910-1917 kluby nocne w Storyville stały się idealnym miejscem dla jazzu.
W latach 1910-1917 kluby nocne w Storyville stały się idealnym miejscem dla jazzu.
Rozwój jazzu w Stanach Zjednoczonych w pierwszej ćwierci XX wieku
Po zamknięciu Storyville jazz zaczął przekształcać się z regionalnego gatunku folkowego w ogólnokrajowy kierunek muzyczny, rozprzestrzeniając się na północne i północno-wschodnie prowincje Stanów Zjednoczonych. Ale oczywiście samo zamknięcie jednego kwartału rozrywkowego nie mogło przyczynić się do jego szerokiej dystrybucji. Wraz z Nowym Orleanem, St. Louis, Kansas City i Memphis od samego początku odgrywały ważną rolę w rozwoju jazzu. Ragtime narodził się w Memphis w XIX wieku, skąd w latach 1890-1903 rozprzestrzenił się na cały kontynent północnoamerykański.
Z drugiej strony występy minstreli, z ich pstrokatą mozaiką wszelkiego rodzaju folkloru afroamerykańskiego, od jigów po ragtime, szybko rozprzestrzeniły się wszędzie i przygotowały scenę na nadejście jazzu. Wiele przyszłych gwiazd jazzu rozpoczęło swoją podróż w show minstreli. Na długo przed zamknięciem Storyville nowoorleańscy muzycy koncertowali z tak zwanymi zespołami „wodewilowymi”. Jelly Roll Morton od 1904 regularnie koncertował w Alabamie na Florydzie w Teksasie. Od 1914 miał kontrakt na występy w Chicago. W 1915 przeniósł się do Chicago i Toma Browna White Dixieland Orchestra. Duże trasy wodewilowe po Chicago odbył także słynny Creole Band, prowadzony przez nowoorleańskiego kornetistę Freddiego Kepparda. Po odłączeniu się od Olympia Band artyści Freddiego Kepparda już w 1914 roku z powodzeniem występowali w najlepszym teatrze w Chicago i otrzymali propozycję nagrania dźwiękowego ich występów jeszcze przed Original Dixieland Jazz Band, który jednak Freddie Keppard krótkowzrocznie odrzucony. Znacząco rozszerzył obszar objęty wpływem jazzu, orkiestry grające na statkach wycieczkowych, które pływały w górę Missisipi.
Od końca XIX wieku popularne stały się wycieczki rzeczne z Nowego Orleanu do St. Paul, najpierw na weekend, a później na cały tydzień. Od 1900 roku na tych rzecznych statkach występują orkiestry nowoorleańskie, których muzyka stała się najatrakcyjniejszą rozrywką dla pasażerów podczas rejsów po rzece. W jednej z tych orkiestr zaczął Suger Johnny, przyszła żona Louisa Armstronga, pierwszy pianista jazzowy Lil Hardin. W zespole pływającym po rzece innego pianisty, Faiths Marable, pojawiło się wiele przyszłych gwiazd nowoorleańskiego jazzu.
Parowce płynące wzdłuż rzeki często zatrzymywały się na mijanych stacjach, gdzie orkiestry organizowały koncerty dla miejscowej publiczności. To właśnie te koncerty stały się twórczymi debiutami dla Bix Beiderbeck, Jess Stacy i wielu innych. Inna słynna trasa biegła wzdłuż Missouri do Kansas City. W tym mieście, gdzie dzięki silnym korzeniom afroamerykańskiego folkloru rozwinął się i wreszcie ukształtował blues, wirtuozowskie granie nowoorleańskich jazzmanów znalazło wyjątkowo podatne środowisko. Na początku lat dwudziestych Chicago stało się głównym ośrodkiem rozwoju muzyki jazzowej, w którym dzięki wysiłkom wielu muzyków, którzy zgromadzili się z różnych części Stanów Zjednoczonych, powstał styl, który został nazwany jazzem chicagowskim.
Wielkie zespoły
Klasyczna, ugruntowana forma big bandów znana jest w jazzie od wczesnych lat dwudziestych. Ta forma zachowała swoją aktualność do końca lat 40. XX wieku. Muzycy, którzy wchodzili do większości big bandów, z reguły prawie jako nastolatkowie, grali całkiem określone partie, albo wyuczone na próbach, albo z nut. Ostrożne orkiestracje, wraz z masywnymi sekcjami instrumentów dętych blaszanych i drewnianych, wytworzyły bogate harmonie jazzowe i wytworzyły rewelacyjnie głośny dźwięk, który stał się znany jako „brzmienie big bandu”.
Big band stał się popularną muzyką swoich czasów, osiągając swój szczyt w połowie lat 30. XX wieku. Ta muzyka stała się źródłem szaleństwa swingowego. Liderzy słynnych zespołów jazzowych Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet skomponowali lub zaaranżowali i nagrali na płytach prawdziwą paradę przebojów, które brzmiały nie tylko w radiu, ale także wszędzie w salach tanecznych. Wiele big bandów pokazało swoich solowych improwizatorów, którzy wprowadzali publiczność w stan bliski histerii podczas rozreklamowanych „bitew orkiestr”.
Wiele big bandów demonstrowało swoich solowych improwizatorów, którzy wprowadzali publiczność w stan bliski histerii.
Chociaż duże zespoły straciły na popularności po II wojnie światowej, orkiestry prowadzone przez Basiego, Ellingtona, Woody'ego Hermana, Stana Kentona, Harry'ego Jamesa i wielu innych często koncertowały i nagrywały w ciągu następnych kilku dekad. Ich muzyka ulegała stopniowej przemianie pod wpływem nowych trendów. Grupy takie jak zespoły prowadzone przez Boyda Ryburna, Sun Ra, Olivera Nelsona, Charlesa Mingusa, Thada Jonesa-Mal Lewisa badały nowe koncepcje w zakresie harmonii, instrumentacji i swobody improwizacji. Dziś big bandy są standardem w edukacji jazzowej. Orkiestry repertuarowe, takie jak Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra i Chicago Jazz Ensemble regularnie wykonują oryginalne aranżacje kompozycji big bandów.
północno-wschodni jazz
Chociaż historia jazzu rozpoczęła się w Nowym Orleanie wraz z nadejściem XX wieku, to muzyka ta przeżywała prawdziwy rozkwit na początku lat 20., kiedy trębacz Louis Armstrong opuścił Nowy Orlean, by tworzyć nową rewolucyjną muzykę w Chicago. Rozpoczęta wkrótce potem migracja nowoorleańskich mistrzów jazzu do Nowego Jorku wyznaczyła trend ciągłego przemieszczania się muzyków jazzowych z południa na północ.
Louis Armstrong
Chicago przyjęło muzykę z Nowego Orleanu i sprawiło, że stała się gorąca, podkręcając ją nie tylko słynnymi zespołami Armstronga Hot Five i Hot Seven, ale także innymi, w tym takimi jak Eddie Condon i Jimmy McPartland, których ekipa z Austin High School pomogła ożywić Nowy Orlean szkoły. Inni znani mieszkańcy Chicago, którzy przesunęli granice klasycznego nowoorleańskiego jazzu, to pianista Art Hodes, perkusista Barrett Deems i klarnecista Benny Goodman. Armstrong i Goodman, którzy ostatecznie przenieśli się do Nowego Jorku, stworzyli tam rodzaj masy krytycznej, która pomogła temu miastu zamienić się w prawdziwą jazzową stolicę świata. I podczas gdy Chicago pozostało przede wszystkim centrum nagrań dźwiękowych w pierwszej ćwierci XX wieku, Nowy Jork stał się także pierwszorzędnym miejscem jazzu, goszcząc tak legendarne kluby jak Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy i Village Vanguard oraz a także areny takie jak Carnegie Hall.
Styl Kansas City
W epoce Wielkiego Kryzysu i Prohibicji scena jazzowa w Kansas City stała się mekką dla nowomodnych dźwięków późnych lat 20. i 30. XX wieku. Styl, który rozkwitł w Kansas City, charakteryzują uduchowione utwory z nutą bluesa, wykonywane zarówno przez big bandy, jak i małe swingowe zespoły, demonstrujące bardzo energiczne solówki, wykonywane dla bywalców tawern z nielegalnie sprzedawanym trunkiem. To właśnie w tych pubach krystalizował się styl wielkiego hrabiego Basiego, zaczynając w Kansas City z orkiestrą Waltera Page'a, a później z Bennym Motenem. Obie te orkiestry były typowymi reprezentantami stylu Kansas City, który opierał się na specyficznej formie bluesa, zwanej „urban blues” i ukształtowanej w grze tych orkiestr. Scenę jazzową Kansas City wyróżniała też cała plejada wybitnych mistrzów wokalnego bluesa, wśród których uznanym „królem” był wieloletni solista Count Basie Orchestra, słynny bluesowy wokalista Jimmy Rushing. Słynny saksofonista altowy Charlie Parker, urodzony w Kansas City, po przybyciu do Nowego Jorku, szeroko wykorzystywał charakterystyczne bluesowe „żetony”, których nauczył się w orkiestrach Kansas City, a później stał się jednym z punktów wyjścia w eksperymentach bopperów w latach czterdziestych.
Jazz na Zachodnim Wybrzeżu
Artyści uchwyceni przez ruch cool jazzu w latach 50. pracowali intensywnie w studiach nagraniowych w Los Angeles. Ci artyści z Los Angeles, w dużej mierze zainspirowani nonetem Milesem Davisem, stworzyli coś, co jest obecnie znane jako West Coast Jazz. Jazz z Zachodniego Wybrzeża był znacznie łagodniejszy niż wściekły bebop, który go poprzedził. Większość jazzu z Zachodniego Wybrzeża została napisana bardzo szczegółowo. Linie kontrapunktu często używane w tych kompozycjach wydawały się być częścią europejskiego wpływu, który przeniknął do jazzu. Muzyka ta pozostawiała jednak dużo miejsca na długie, linearne improwizacje solowe. Chociaż West Coast Jazz wykonywano głównie w studiach nagraniowych, w klubach takich jak Lighthouse w Hermosa Beach i Haig w Los Angeles często występowali jego mistrzowie, w tym trębacz Shorty Rogers, saksofoniści Art Pepper i Bud Shenk, perkusista Shelley Mann i klarnecista Jimmy Giuffrey .
Rozprzestrzenianie się jazzu
Jazz od zawsze wzbudzał zainteresowanie muzyków i słuchaczy na całym świecie, niezależnie od ich narodowości. Wystarczy prześledzić wczesną twórczość trębacza Dizzy'ego Gillespiego i jego fuzję tradycji jazzowych z muzyką czarnych Kubańczyków w latach 40. lub później, połączenie jazzu z muzyką japońską, euroazjatycką i bliskowschodnią, znanego w twórczości pianisty Dave'a. Brubeck, a także genialnego kompozytora i lidera jazzu – Orkiestry Duke’a Ellingtona, która połączyła muzyczne dziedzictwo Afryki, Ameryki Łacińskiej i Dalekiego Wschodu.
Dave Brubeck
Jazz nieustannie wchłaniał i nie tylko zachodnie tradycje muzyczne. Na przykład, gdy różni artyści zaczęli próbować pracować z elementami muzycznymi Indii. Przykład tego wysiłku można usłyszeć w nagraniach flecisty Paula Horna w Taj Mahal, czy w nurcie „world music” reprezentowanym na przykład przez zespół z Oregonu czy projekt Shakti Johna McLaughlina. W muzyce McLaughlina, dawniej opartej w dużej mierze na jazzie, zaczęto wykorzystywać nowe instrumenty indyjskiego pochodzenia, takie jak khatam czy tabla, podczas jego pracy z Shakti brzmiały zawiłe rytmy, a forma indyjskiej ragi była szeroko stosowana.
W miarę postępującej globalizacji świata na jazz nieustannie wpływają inne tradycje muzyczne.
Art Ensemble z Chicago był pionierem w łączeniu form afrykańskich i jazzowych. Później świat poznał saksofonistę/kompozytora Johna Zorna i jego eksplorację żydowskiej kultury muzycznej, zarówno w ramach Orkiestry Masada, jak i poza nią. Dzieła te zainspirowały całe grupy innych muzyków jazzowych, takich jak klawiszowiec John Medeski, który nagrywał z afrykańskim muzykiem Salifem Keitą, gitarzystą Markiem Ribotem i basistą Anthonym Colemanem. Trębacz Dave Douglas czerpie inspiracje z Bałkanów w swojej muzyce, a Azjatycko-Amerykańska Orkiestra Jazzowa stała się czołowym orędownikiem konwergencji jazzu i azjatyckich form muzycznych. W miarę postępującej globalizacji świata, na jazz nieustannie wpływają inne muzyczne tradycje, dostarczając dojrzałego pokarmu dla przyszłych badań i udowadniając, że jazz jest prawdziwie światową muzyką.
Jazz w ZSRR i Rosji
Pierwszy w zespole jazzowym RSFSR Valentina Parnakh
Scena jazzowa narodziła się w ZSRR w latach 20., jednocześnie z rozkwitem w USA. Pierwsza orkiestra jazzowa w Rosji Sowieckiej została utworzona w Moskwie w 1922 roku przez poetę, tłumacza, tancerza, postać teatralną Valentina Parnakha i została nazwana „Pierwszą ekscentryczną orkiestrą jazzową Valentina Parnakha w RSFSR”. Urodziny rosyjskiego jazzu tradycyjnie uważa się za 1 października 1922 roku, kiedy odbył się pierwszy koncert tej grupy. Orkiestra pianisty i kompozytora Aleksandra Tsfasmana (Moskwa) uważana jest za pierwszy profesjonalny zespół jazzowy, który występuje na antenie i nagrywa płytę.
Wczesne radzieckie zespoły jazzowe specjalizowały się w wykonywaniu modnych tańców (fokstrot, Charleston). W świadomości masowej jazz zaczął zyskiwać szeroką popularność w latach 30., głównie dzięki zespołowi leningradzkiemu kierowanemu przez aktora i piosenkarza Leonida Utesowa oraz trębacza Ya B. Skomorovsky'ego. Popularna komedia filmowa z jego udziałem „Merry Fellows” (1934) poświęcona była historii muzyka jazzowego i miała odpowiednią ścieżkę dźwiękową (napisaną przez Isaaca Dunayevsky'ego). Utiosow i Skomorowski stworzyli oryginalny styl „tea-jazzu” (teatralnego jazzu), oparty na mieszance muzyki z teatrem, operetką, numerami wokalnymi i elementem wykonawczym, który odegrał w nim dużą rolę. Znaczący wkład w rozwój sowieckiego jazzu wniósł Eddie Rosner, kompozytor, muzyk i lider orkiestr. Rozpocząwszy karierę w Niemczech, Polsce i innych krajach Europy, Rozner przeniósł się do ZSRR i stał się jednym z pionierów swingu w ZSRR oraz inicjatorem białoruskiego jazzu.
W masowej świadomości jazz zaczął zdobywać szeroką popularność w ZSRR w latach 30. XX wieku.
Stosunek władz sowieckich do jazzu był niejednoznaczny: rodzimych wykonawców jazzowych z reguły nie zakazano, ale ostra krytyka jazzu jako takiego była powszechna, w kontekście krytyki kultury zachodniej w ogóle. Pod koniec lat 40., w czasie walki z kosmopolityzmem, jazz w ZSRR przeżywał szczególnie trudny okres, kiedy prześladowano zespoły wykonujące muzykę „zachodnią”. Wraz z nadejściem „odwilży” powstrzymano represje wobec muzyków, ale krytyka trwała nadal. Według badań profesor historii i kultury amerykańskiej Penny Van Eschen Departament Stanu USA próbował użyć jazzu jako broni ideologicznej przeciwko ZSRR i ekspansji sowieckich wpływów w krajach trzeciego świata. W latach 50. i 60. w Moskwie wznowiły działalność orkiestry Eddiego Roznera i Olega Lundstrema, pojawiły się nowe kompozycje, wśród których wyróżniały się orkiestry Iosifa Weinsteina (Leningrad) i Vadima Ludwikowskiego (Moskwa) oraz Ryga Variety Orchestra (REO).
Big bandy wychowały całą plejadę utalentowanych aranżerów i solowych improwizatorów, których praca przeniosła radziecki jazz na jakościowo nowy poziom i zbliżył go do światowych standardów. Wśród nich są Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Rozpoczyna się rozwój jazzu kameralnego i klubowego w całej jego różnorodności stylistycznej (Wiaczesław Ganelin, David Goloshchekin, Giennadij Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan , Igor Bril, Leonid Chizhik itp.)
Klub Jazzowy „Niebieski Ptak”
Wielu z powyższych mistrzów sowieckiego jazzu rozpoczęło swoją twórczą karierę na scenie legendarnego moskiewskiego klubu jazzowego „Blue Bird”, który istniał od 1964 do 2009 roku, odkrywając nowe nazwiska przedstawicieli nowoczesnego pokolenia rosyjskich gwiazd jazzu (bracia Aleksandra i Dmitrij Bril, Anna Buturlina, Jakow Okun, Roman Miroshnichenko i inni). W latach 70. dużą popularność zyskało trio jazzowe „Ganelin-Tarasov-Chekasin” (GTC) składające się z pianisty Wiaczesława Ganelina, perkusisty Władimira Tarasowa i saksofonisty Władimira Czekasina, które istniało do 1986 roku. W latach 70-80 znany był także kwartet jazzowy z Azerbejdżanu „Gaya”, gruzińskie zespoły wokalno-instrumentalne „Orera” i „Jazz-Khoral”.
Po spadku zainteresowania jazzem w latach 90. zaczął ponownie zyskiwać popularność w kulturze młodzieżowej. W Moskwie co roku odbywają się festiwale muzyki jazzowej, takie jak Usadba Jazz i Jazz w Ogrodzie Ermitażu. Najpopularniejszym klubem jazzowym w Moskwie jest klub jazzowy Union of Composers, który zaprasza światowej sławy wykonawców jazzu i bluesa.
Jazz we współczesnym świecie
Współczesny świat muzyki jest tak różnorodny, jak klimat i geografia, których uczymy się podróżując. A jednak dzisiaj jesteśmy świadkami mieszania się coraz większej liczby kultur świata, które nieustannie zbliżają nas do tego, co w istocie już staje się „world music” (muzyka świata). Na dzisiejszy jazz nie mogą nie wpływać dźwięki wnikające do niego z niemal każdego zakątka globu. Europejski eksperymentalizm z klasycznymi wydźwiękami nadal wpływa na muzykę młodych pionierów, takich jak Ken Vandermark, chłodny saksofonista awangardowy znany ze współpracy z tak wybitnymi rówieśnikami, jak saksofoniści Mats Gustafsson, Evan Parker i Peter Brotzmann. Inni, bardziej tradycyjni młodzi muzycy, którzy nadal poszukują własnej tożsamości, to pianiści Jackie Terrasson, Benny Green i Braid Meldoa, saksofoniści Joshua Redman i David Sanchez oraz perkusiści Jeff Watts i Billy Stewart.
Stara tradycja brzmieniowa jest szybko kontynuowana przez artystów takich jak trębacz Wynton Marsalis, który pracuje z zespołem asystentów zarówno we własnych małych zespołach, jak i w prowadzonym przez siebie Lincoln Center Jazz Band. Pod jego patronatem pianiści Marcus Roberts i Eric Reed, saksofonista Wes „Warmdaddy” Anderson, trębacz Markus Printup i wibrafonista Stefan Harris wyrośli na wielkich muzyków. Basista Dave Holland jest także wielkim odkrywcą młodych talentów. Wśród jego licznych odkryć są tacy artyści jak saksofonista/m-basista Steve Coleman, saksofonista Steve Wilson, wibrafonista Steve Nelson i perkusista Billy Kilson. Inni wielcy mentorzy młodych talentów to pianista Chick Corea i nieżyjący już perkusista Elvin Jones oraz piosenkarka Betty Carter. Potencjał dalszego rozwoju jazzu jest obecnie dość duży, gdyż drogi rozwoju talentu i środki jego wyrazu są nieprzewidywalne, mnożąc się dzięki połączonym wysiłkom różnych, promowanych dziś gatunków jazzowych.
