Jazz to nurt w muzyce, który powstał w Stanach Zjednoczonych w stanie Nowy Orlean, a następnie stopniowo rozprzestrzenił się na cały świat. Muzyka ta największą popularnością cieszyła się w latach 30., to właśnie w tym czasie przypadł okres świetności tego gatunku, który łączył kulturę europejską i afrykańską. Teraz można usłyszeć wiele podgatunków jazzu, takich jak: bebop, jazz awangardowy, soul jazz, cool, swing, free jazz, jazz klasyczny i wiele innych.
Jazz łączył kilka kultur muzycznych i oczywiście przybył do nas z krajów afrykańskich, można to zrozumieć po złożonym rytmie i stylu wykonania, ale ten styl bardziej przypominał ragtime, w rezultacie łącząc ragtime i blues, muzycy dostali nowe brzmienie, które nazwali - jazz. Dzięki fuzji afrykańskiego rytmu i europejskiej melodii możemy teraz cieszyć się jazzem, a wirtuozerskie wykonanie i improwizacja czynią ten styl wyjątkowym i nieśmiertelnym, ponieważ ciągle wprowadzane są nowe modele rytmiczne, wymyślany jest nowy styl wykonawczy.
Jazz zawsze był popularny wśród wszystkich grup społecznych, narodowości i nadal jest interesujący dla muzyków i słuchaczy na całym świecie. Ale pionierem fuzji bluesa i afrykańskiego rytmu był Chicago Art Ensemble, to właśnie ci goście dodali formy jazzowe do afrykańskich motywów, co wywołało niezwykły sukces i zainteresowanie publiczności.
W ZSRR tournee jazzowe zaczęło powstawać w latach 20. (podobnie jak w USA), a pierwszym twórcą orkiestry jazzowej w Moskwie był poeta i postać teatralna Valentin Parnakh, koncert tej grupy odbył się 1 października 1922 r. , który jest uważany za urodziny jazzu w ZSRR. Oczywiście stosunek władz sowieckich do jazzu był dwustronny, z jednej strony wydawało się, że nie zakazują tego gatunku muzyki, ale z drugiej strony jazz był poddawany ostrej krytyce, przyjęliśmy przecież ten styl z Zachodu, a wszystko nowe i obce przez cały czas ostro krytykowane przez władze. Dziś w Moskwie corocznie odbywają się festiwale muzyki jazzowej, są kluby, w których zapraszane są światowej sławy zespoły jazzowe, wykonawcy bluesa, śpiewacy soulowi, czyli dla fanów tego kierunku muzycznego zawsze będzie czas i miejsce, by cieszyć się żywym i niepowtarzalne brzmienie jazzu.
Oczywiście współczesny świat się zmienia, zmienia się też muzyka, zmieniają się gusta, style i techniki wykonawcze. Można jednak śmiało powiedzieć, że jazz to klasyka gatunku, owszem, wpływ nowoczesnych brzmień nie ominął jazzu, niemniej jednak tych nut nigdy nie pomylisz z żadnymi innymi, bo to jest jazz, rytm, który nie ma analogi, rytm, który ma swoje własne tradycje i stał się muzyką świata (World Music).
Jazz to forma sztuki muzycznej, która powstała na początku XX wieku w Stanach Zjednoczonych w wyniku syntezy kultur afrykańskich i europejskich, a następnie rozpowszechniła się.
Jazz to niesamowita muzyka, żywa, ciągle rozwijająca się, chłonąca rytmiczny geniusz Afryki, skarby tysiącletniej sztuki bębnienia, rytualnych, rytualnych śpiewów. Dodaj chóralny i solowy śpiew baptystów, kościołów protestanckich - przeciwstawne rzeczy połączyły się, dając światu niesamowitą sztukę! Historia jazzu jest niezwykła, dynamiczna, pełna niesamowitych wydarzeń, które wpłynęły na światowy proces muzyczny.
Co to jest jazz?
Cechy charakteru:
- polirytmia oparta na rytmach synkopowanych,
- bit - regularne pulsowanie,
- swing - odchylenie od rytmu, zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej,
- improwizacja,
- kolorowe serie harmoniczne i barwy.
Ta gałąź muzyki powstała na początku XX wieku jako synteza kultur afrykańskich i europejskich jako sztuka oparta na improwizacji połączonej z przemyślaną, ale niekoniecznie pisaną formą kompozycji. Kilku wykonawców może improwizować jednocześnie, nawet jeśli głos solowy jest wyraźnie słyszalny w zespole. Gotowy obraz artystyczny dzieła zależy od interakcji członków zespołu między sobą iz publicznością.
Dalszy rozwój nowego kierunku muzycznego wynikał z wypracowania przez kompozytorów nowych modeli rytmicznych, harmonicznych.
Oprócz szczególnej ekspresyjnej roli rytmu odziedziczono inne cechy muzyki afrykańskiej - interpretację wszystkich instrumentów jako perkusyjnych, rytmicznych; przewaga intonacji potocznych w śpiewie, naśladowanie mowy potocznej podczas gry na gitarze, pianinie, instrumentach perkusyjnych.
Historia Jazzu
Początki jazzu tkwią w tradycjach muzyki afrykańskiej. Jej założycieli można uznać za ludy kontynentu afrykańskiego. Niewolnicy przywiezieni do Nowego Świata z Afryki nie pochodzili z tej samej rodziny i często się nie rozumieli. Potrzeba interakcji i komunikacji doprowadziła do zjednoczenia, stworzenia jednej kultury, w tym muzycznej. Charakteryzuje się złożonymi rytmami, tańcami z tupaniem, klaskaniem. Wraz z motywami bluesowymi nadały nowy muzyczny kierunek.
Procesy mieszania się kultury muzycznej Afryki i Europy, które uległy zasadniczym zmianom, zachodzą od XVIII wieku, aw XIX doprowadziły do powstania nowego kierunku muzycznego. Dlatego światowa historia jazzu jest nierozerwalnie związana z historią jazzu amerykańskiego.
Historia rozwoju jazzu
Początki jazzu sięgają Nowego Orleanu, na amerykańskim Południu. Etap ten charakteryzuje się zbiorową improwizacją kilku wariantów tej samej melodii przez trębacza (główny głos), klarnecistę i puzonistę na tle marszowego akompaniamentu basu blaszanego i perkusji. Znaczący dzień - 26 lutego 1917 r. - wówczas w nowojorskim studiu firmy Victor pięciu białych muzyków z Nowego Orleanu nagrało pierwszą płytę gramofonową. Przed wydaniem tej płyty jazz pozostawał zjawiskiem marginalnym, muzycznym folklorem, a po kilku tygodniach zadziwił i wstrząsnął całą Ameryką. Nagranie należało do legendarnego "Original Dixieland Jazz Band". Tak więc amerykański jazz rozpoczął swój dumny marsz dookoła świata.
W latach 20. XX wieku dostrzeżono główne cechy przyszłych stylów: równomierne pulsowanie kontrabasu i perkusji, które przyczyniły się do swingu, wirtuozerskie solówki, sposób wokalnej improwizacji bez słów z wykorzystaniem osobnych sylab („skat”). Blues zajął znaczące miejsce. Później oba etapy - Nowy Orlean, Chicago - łączy określenie "Dixieland".
W amerykańskim jazzie lat 20. powstał harmonijny system zwany „swingiem”. Swing charakteryzuje się pojawieniem się nowego rodzaju orkiestry – big bandu. Wraz ze wzrostem liczebności orkiestry konieczne było odejście od kolektywnej improwizacji i przejście do wykonywania zapisanych na nutach aranżacji. Aranżacja była jednym z pierwszych przejawów początku twórczości kompozytora.
Big band składa się z trzech grup instrumentów - sekcji, z których każda może brzmieć jak jeden instrument polifoniczny: sekcje saksofonu (później z klarnetami), sekcji "dętej" (piszczałki i puzony), sekcji rytmicznej (fortepian, gitara, kontrabas, perkusja). .
Nastąpiła solowa improwizacja oparta na „kwadracie” („refren”). „Kwadrat” to jedna wariacja, równa czasowi trwania (liczba taktów) tematowi, wykonywana na tle tego samego akompaniamentu akordowego co temat główny, do którego improwizator dopasowuje nowe zwroty melodyczne.
W latach trzydziestych XX wieku popularny stał się amerykański blues, a 32-taktowa forma piosenki stała się powszechna. W swingu zaczęto szeroko stosować „riff” - dwu-czterotaktowy rytmicznie elastyczny kij. Jest wykonywany przez orkiestrę, podczas gdy solista improwizuje.
Wśród pierwszych big bandów były orkiestry prowadzone przez znanych muzyków jazzowych – Fletchera Hendersona, Counta Basiego, Benny’ego Goodmana, Glenna Millera, Duke’a Ellingtona. Te ostatnie już w latach 40. zwróciły się ku dużym formom cyklicznym opartym na murzyńskim, latynoamerykańskim folklorze.
Amerykański jazz w latach trzydziestych XX wieku został skomercjalizowany. Dlatego wśród miłośników i znawców historii powstania jazzu powstał ruch na rzecz odrodzenia wcześniejszych, autentycznych stylów. Decydującą rolę odegrały małe murzyńskie zespoły lat 40., które odrzuciły wszystko obliczone na efekt zewnętrzny: różnorodność, taniec, śpiew. Temat był zagrany unisono i prawie nie brzmiał w swojej pierwotnej formie, akompaniament nie wymagał już tanecznej regularności.
Ten styl, który otworzył erę nowożytną, został nazwany „bop” lub „bebop”. Eksperymenty utalentowanych amerykańskich muzyków i wykonawców jazzowych - Charliego Parkera, Dizzy'ego Gillespiego, Theloniousa Monka i innych - położyły właściwie podwaliny pod rozwój niezależnej formy sztuki, tylko zewnętrznie związanej z gatunkiem pop i dance.
Od końca lat czterdziestych do połowy lat sześćdziesiątych rozwój odbywał się w dwóch kierunkach. Pierwszy obejmował style „cool” - „cool” i „west coast” - „west coast”. Cechuje ich szerokie wykorzystanie doświadczeń muzyki poważnej klasycznej i współczesnej - rozwinięte formy koncertowe, polifonia. Drugi kierunek obejmował style „hardbop” - „gorący”, „energetyczny” i zbliżony do niego „soul-jazz” (przetłumaczony z angielskiego „soul” - „soul”), łączący zasady starego bebopu z tradycjami folkloru murzyńskiego, temperamentalne rytmy i intonacje spirytusowe.
Oba te kierunki mają wiele wspólnego w chęci wyzbycia się podziału improwizacji na osobne kwadraty, a także swingowego walca i bardziej skomplikowanych metrum.
Podejmowano próby tworzenia dzieł o dużej formie - symfojazzu. Na przykład „Rapsodia w bluesie” J. Gershwina, szereg utworów I.F. Strawiński. Od połowy lat 50. eksperymenty łączenia zasad jazzu i muzyki nowoczesnej ponownie stały się powszechne, już pod nazwą „trzeciego nurtu”, także wśród wykonawców rosyjskich („Koncert na orkiestrę” A.Ya. Eshpay, utwory M.M. Kazhlaeva, II koncert fortepianowy z orkiestra R. K. Szczedrina, I symfonia A. G. Schnittke). Ogólnie rzecz biorąc, historia powstania jazzu jest bogata w eksperymenty, ściśle splecione z rozwojem muzyki klasycznej i jej nowatorskimi nurtami.
Od początku lat 60. rozpoczynają się aktywne eksperymenty ze spontaniczną improwizacją, nieograniczoną nawet konkretnym tematem muzycznym – Freejazz. Jeszcze ważniejsza jest jednak zasada modalna: za każdym razem ponownie wybierana jest seria dźwięków - próg, a nie wyraźnie wyodrębnione kwadraty. W poszukiwaniu takich trybów muzycy zwracają się ku kulturom Azji, Afryki, Europy itp. W latach 70. nadchodzą elektryczne instrumenty i rytmy młodzieżowej muzyki rockowej, opartej na drobniejszym niż dotychczas, miażdżącym rytmie. Ten styl jest najpierw nazywany „fusion”, tj. "stop".
Krótko mówiąc, historia jazzu to opowieść o poszukiwaniach, jedności, odważnych eksperymentach, namiętnej miłości do muzyki.
Rosyjscy muzycy i melomani są z pewnością ciekawi historii powstania jazzu w Związku Radzieckim.
W okresie przedwojennym jazz w naszym kraju rozwijał się w ramach różnych orkiestr. W 1929 roku Leonid Utyosov zorganizował popową orkiestrę i nazwał swój zespół „Tea-Jazz”. Styl Dixieland i Swing był praktykowany w orkiestrach A.V. Varlamova, NG Minha, A.N. Tsfasmana i innych. Od połowy lat 50. zaczynają się rozwijać małe grupy amatorskie („Osiem z Centralnego Domu Sztuki”, „Leningrad Dixieland”). Wielu wybitnych wykonawców otrzymało w nich start życiowy.
W latach 70. rozpoczęto szkolenie na wydziałach popowych szkół muzycznych, wydano podręczniki, notatki i płyty.
Od 1973 pianista L.A. Chizhik zaczął występować z „wieczorami improwizacji jazzowej”. Zespoły prowadzone przez I. Brila, „Arsenał”, „Allegro”, „Kadans” (Moskwa), kwintet D.S. Goloshchekin (Leningrad), zespoły V. Ganelina i V. Czekasina (Wilno), R. Raubishko (Ryga), L. Vintskevich (Kursk), L. Saarsalu (Tallinn), A. Lyubchenko (Dniepropietrowsk), M. Yuldybaeva ( Ufa), orkiestra O.L. Lundstrem, KA Orbelyan, AA Kroll („Współczesny”).
Jazz we współczesnym świecie
Dzisiejszy świat muzyki jest różnorodny, dynamicznie się rozwija, pojawiają się nowe style. Aby swobodnie się po nim poruszać, rozumieć zachodzące procesy, trzeba znać przynajmniej krótką historię jazzu! Dziś jesteśmy świadkami mieszania się coraz większej liczby światowych kultur, nieustannie przybliżających nas do tego, co w istocie już staje się „world music” (world music). Dzisiejszy jazz łączy w sobie dźwięki i tradycje z niemal każdego zakątka globu. Łącznie z przemyśleniem kultury afrykańskiej, od której wszystko się zaczęło. Europejski eksperymentalizm z klasycznym podtekstem nadal wpływa na muzykę młodych pionierów, takich jak Ken Vandermark, awangardowy saksofonista znany ze współpracy ze znanymi współczesnymi saksofonistami, takimi jak Mats Gustafsson, Evan Parker i Peter Brotzmann. Inni bardziej tradycyjni młodzi muzycy, którzy nadal poszukują własnej tożsamości, to pianiści Jackie Terrasson, Benny Green i Braid Meldoa, saksofoniści Joshua Redman i David Sanchez oraz perkusiści Jeff Watts i Billy Stewart. Stara tradycja brzmieniowa jest kontynuowana i jest aktywnie podtrzymywana przez artystów takich jak trębacz Wynton Marsalis, który pracuje z całym zespołem asystentów, gra we własnych małych zespołach i prowadzi Lincoln Center Orchestra. Pod jego patronatem pianiści Marcus Roberts i Eric Reed, saksofonista Wes „Warmdaddy” Anderson, trębacz Markus Printup i wibrafonista Stefan Harris wyrośli na wielkich mistrzów.
Basista Dave Holland jest także wielkim odkrywcą młodych talentów. Wśród jego wielu odkryć są saksofoniści Steve Coleman, Steve Wilson, wibrafonista Steve Nelson i perkusista Billy Kilson.
Inni wielcy mentorzy młodych talentów to legendarny pianista Chick Corea, nieżyjący już perkusista Elvin Jones i piosenkarka Betty Carter. Potencjał dalszego rozwoju tej muzyki jest obecnie duży i różnorodny. Na przykład saksofonista Chris Potter wydaje mainstreamowe wydawnictwo pod własnym nazwiskiem i jednocześnie bierze udział w nagraniach z innym wielkim awangardowym perkusistą Paulem Motianem.
Przed nami jeszcze setki wspaniałych koncertów i śmiałych eksperymentów, pojawienie się nowych trendów i stylów - to jeszcze nie koniec!
W naszej szkole muzycznej oferujemy szkolenia:
- lekcje gry na pianinie - różnorodne utwory od muzyki klasycznej po współczesną muzykę rozrywkową, widoczność. Dostępne dla każdego!
- gitara dla dzieci i młodzieży - uważni nauczyciele i ekscytujące zajęcia!
Jako jedna z najbardziej szanowanych form sztuki muzycznej w Ameryce, jazz położył podwaliny pod całą branżę, wprowadzając na świat wiele nazwisk genialnych kompozytorów, instrumentalistów i wokalistów oraz dając początek szerokiej gamie gatunków. 15 najbardziej wpływowych muzyków jazzowych jest odpowiedzialnych za globalne zjawisko, które miało miejsce w historii gatunku na przestrzeni ostatniego stulecia.
Jazz rozwinął się w późniejszych latach XIX i na początku XX wieku jako połączenie klasycznych brzmień europejskich i amerykańskich z afrykańskimi motywami ludowymi. Pieśni były wykonywane w rytmie synkopowanym, co dało impuls do rozwoju, a później tworzenia dużych orkiestr do jej wykonywania. Muzyka zrobiła duży krok naprzód od ragtime'u do nowoczesnego jazzu.
Wpływ kultury muzycznej Afryki Zachodniej jest widoczny w sposobie pisania i wykonywania muzyki. Polirytmia, improwizacja i synkopa to cechy charakteryzujące jazz. Na przestrzeni ostatniego stulecia styl ten ulegał zmianom pod wpływem współczesnych mu gatunków, którzy własną ideą doprowadzili do istoty improwizacji. Zaczęły pojawiać się nowe kierunki - bebop, fusion, jazz latynoamerykański, free jazz, funk, acid jazz, hard bop, smooth jazz i tak dalej.
15 Arta Tatuma
Art Tatum to pianista jazzowy i wirtuoz, który był praktycznie niewidomy. Znany jest jako jeden z najwybitniejszych pianistów wszechczasów, który zmienił rolę fortepianu w zespole jazzowym. Tatum zwrócił się w stronę stylu stride, aby stworzyć swój własny, niepowtarzalny styl gry, dodając do rytmu swingowe rytmy i fantastyczne improwizacje. Jego stosunek do muzyki jazzowej zasadniczo zmienił znaczenie fortepianu w jazzie jako instrumentu muzycznego w stosunku do jego dotychczasowych cech.
Tatum eksperymentował z harmonią melodii, wpływając na strukturę akordu i rozszerzając go. Wszystko to charakteryzowało styl bebop, który jak wiadomo stał się popularny dziesięć lat później, kiedy pojawiły się pierwsze płyty z tego gatunku. Krytycy zwrócili również uwagę na jego nienaganną technikę gry – Art Tatum potrafił zagrać najtrudniejsze pasaże z taką łatwością i szybkością, że wydawało się, że jego palce ledwo dotykają czarno-białych klawiszy.
14 Theloniousa Monka
Jedne z najbardziej złożonych i różnorodnych brzmień można znaleźć w repertuarze pianisty i kompozytora, jednego z najważniejszych przedstawicieli epoki bebopu i jego późniejszego rozwoju. Sama jego osobowość jako ekscentrycznego muzyka przyczyniła się do spopularyzowania jazzu. Monk, zawsze ubrany w garnitur, kapelusz i okulary przeciwsłoneczne, otwarcie wyrażał swój swobodny stosunek do muzyki improwizowanej. Nie akceptował sztywnych zasad i wypracował własne podejście do tworzenia kompozycji. Niektóre z jego najbardziej błyskotliwych i znanych dzieł to Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I Mean You i Cóż, nie musisz.
Styl gry Monka opierał się na nowatorskim podejściu do improwizacji. Jego utwory wyróżniają się pasażami perkusyjnymi i ostrymi pauzami. Dość często podczas swoich występów podskakiwał od fortepianu i tańczył, podczas gdy pozostali członkowie zespołu kontynuowali grę melodii. Thelonious Monk pozostaje jednym z najbardziej wpływowych muzyków jazzowych w historii gatunku.
13 Karol Mingus
Uznany wirtuoz kontrabasu, kompozytor i lider zespołów, był jednym z najwybitniejszych muzyków sceny jazzowej. Wypracował nowy styl muzyczny, łączący gospel, hard bop, free jazz i muzykę klasyczną. Współcześni nazywali Mingusa „spadkobiercą Duke'a Ellingtona” za jego fantastyczną umiejętność pisania utworów dla małych zespołów jazzowych. W jego kompozycjach wszyscy członkowie zespołu pokazali swoje umiejętności gry, z których każdy był nie tylko utalentowany, ale charakteryzował się niepowtarzalnym stylem gry.
Mingus starannie dobierał muzyków, którzy tworzyli jego zespół. Legendarny kontrabasista był znany ze swojego temperamentu, a raz nawet uderzył puzonisty Jimmy'ego Kneppera w twarz, wybijając mu ząb. Mingus cierpiał na zaburzenie depresyjne, ale nie był gotowy pogodzić się z faktem, że w jakiś sposób wpłynęło to na jego twórczość. Mimo tej przypadłości Charles Mingus jest jedną z najbardziej wpływowych postaci w historii jazzu.
12 Arta Blakeya
Art Blakey był znanym amerykańskim perkusistą i liderem zespołu, który zrobił furorę w stylu i technice gry na zestawie perkusyjnym. Łączył swing, bluesa, funk i hard bop – styl, który słychać dziś w każdej nowoczesnej kompozycji jazzowej. Wraz z Maxem Roachem i Kennym Clarkiem wynalazł nowy sposób grania bebopu na perkusji. Przez ponad 30 lat jego zespół, The Jazz Messengers, dawał jazz wielu artystom jazzowym: Benny'emu Golsonowi, Wayne'owi Shorterowi, Cliffordowi Brownowi, Curtisowi Fullerowi, Horace'owi Silverowi, Freddiemu Hubbardowi, Keithowi Jarrettowi i wielu innym.
The Jazz Messengers nie tylko tworzyli fenomenalną muzykę – byli swego rodzaju „muzycznym poligonem doświadczalnym” dla młodych utalentowanych muzyków, takich jak zespół Milesa Davisa. Styl Arta Blakeya zmienił samo brzmienie jazzu, stając się nowym muzycznym kamieniem milowym.
11 Dizzy Gillespie (Dizzy Gillespie)
Trębacz jazzowy, wokalista, autor tekstów i lider zespołu stał się wybitną postacią w czasach bebopu i nowoczesnego jazzu. Jego styl gry na trąbce wywarł wpływ na Milesa Davisa, Clifforda Browna i Fatsa Navarro. Po pobycie na Kubie, po powrocie do USA, Gillespie był jednym z tych muzyków, którzy aktywnie promowali afro-kubański jazz. Oprócz niepowtarzalnego występu na charakterystycznie zakrzywionej trąbce, Gillespie był rozpoznawalny dzięki okularom w rogowej oprawie i niewiarygodnie dużym policzkom podczas gry.
Wielki improwizator jazzowy Dizzy Gillespie, a także Art Tatum, wprowadzali harmonijne innowacje. Kompozycje Salt Peanuts i Goovin' High były rytmicznie zupełnie inne od poprzednich utworów. Wierny bebopowi przez całą swoją karierę, Gillespie jest pamiętany jako jeden z najbardziej wpływowych trębaczy jazzowych.
10 Maks Roach
Do 15 najbardziej wpływowych muzyków jazzowych w historii gatunku należy Max Roach, perkusista znany jako jeden z pionierów bebopu. On, jak mało kto, wywarł wpływ na współczesny styl gry na zestawie perkusyjnym. Roach był działaczem na rzecz praw obywatelskich i współpracował z Oscarem Brownem Jr. i Colemanem Hawkinsem przy albumie We Insist! - Wolność teraz („Nalegamy! - Wolność teraz”), poświęcona 100. rocznicy podpisania Proklamacji Emancypacji. Max Roach jest przedstawicielem nienagannego stylu gry, potrafiącym zagrać długie solo przez cały koncert. Absolutnie każda publiczność była zachwycona jego niezrównanymi umiejętnościami.
9 Billie Holiday
Lady Day jest ulubieńcem milionów. Billie Holiday napisała tylko kilka piosenek, ale kiedy śpiewała, odwróciła głos od pierwszych nut. Jej występ jest głęboki, osobisty, a nawet intymny. Jej styl i intonacja są inspirowane brzmieniem instrumentów muzycznych, które słyszała. Jak niemal wszyscy omówieni powyżej muzycy, stała się kreatorką nowego, ale już wokalnego stylu, opartego na długich frazach muzycznych i tempie ich śpiewania.
Słynny Strange Fruit jest najlepszy nie tylko w karierze Billie Holiday, ale w całej historii jazzu ze względu na uduchowiony występ wokalistki. Została pośmiertnie uhonorowana prestiżowymi nagrodami i wprowadzona do Grammy Hall of Fame.
8 Johna Coltrane'a
Nazwisko Johna Coltrane'a kojarzone jest z wirtuozowską techniką gry, znakomitym talentem komponowania muzyki i pasją poznawania nowych aspektów gatunku. U progu początków hard bopu saksofonista odniósł ogromny sukces i stał się jednym z najbardziej wpływowych muzyków w historii gatunku. Muzyka Coltrane'a miała ostre brzmienie, a on grał z dużą intensywnością i poświęceniem. Potrafił zarówno grać sam, jak i improwizować w zespole, tworząc partie solowe o niewyobrażalnym czasie trwania. Grając na saksofonie tenorowym i sopranowym, Coltrane potrafił także tworzyć melodyjne kompozycje smooth jazzowe.
John Coltrane jest autorem swego rodzaju „bebopowego restartu”, wkomponowując w to modalne harmonie. Pozostając główną aktywną postacią awangardy, był bardzo płodnym kompozytorem i nie przestawał wydawać płyt, nagrywając około 50 albumów jako lider zespołu w całej swojej karierze.
7 Hrabia Basie
Rewolucyjny pianista, organista, kompozytor i lider zespołu Count Basie prowadził jeden z odnoszących największe sukcesy zespołów w historii jazzu. W ciągu 50 lat Count Basie Orchestra, w skład której wchodzą niezwykle popularni muzycy, tacy jak Sweets Edison, Buck Clayton i Joe Williams, zdobył reputację jednego z najbardziej rozchwytywanych big bandów w Ameryce. Dziewięciokrotny zdobywca nagrody Grammy, Count Basie, zaszczepił w pokoleniach słuchaczy miłość do brzmienia orkiestrowego.
Basie napisał wiele piosenek, które stały się standardami jazzowymi, takich jak April in Paris i One O'Clock Jump. Koledzy mówili o nim jako o osobie taktownej, skromnej i entuzjastycznej. Gdyby nie Count Basie Orchestra w historii jazzu, era big bandów brzmiałaby inaczej iz pewnością nie tak wpływowa, jak za sprawą tego wybitnego lidera zespołu.
6 Colemana Hawkinsa
Saksofon tenorowy jest symbolem bebopu i ogólnie muzyki jazzowej. I za to możemy być wdzięczni, że jesteśmy Colemanem Hawkinsem. Innowacje wprowadzone przez Hawkinsa były kluczowe dla rozwoju bebopu w połowie lat czterdziestych. Jego wkład w popularność tego instrumentu mógł zadecydować o przyszłych karierach Johna Coltrane'a i Dextera Gordona.
Kompozycja Body and Soul (1939) stała się dla wielu saksofonistów wzorcem gry na saksofonie tenorowym. Wpływ Hawkinsa mieli także inni instrumentaliści - pianista Thelonious Monk, trębacz Miles Davis, perkusista Max Roach. Jego zdolność do niezwykłych improwizacji doprowadziła do odkrycia nowych jazzowych stron gatunku, których nie dotykali jemu współcześni. To częściowo wyjaśnia, dlaczego saksofon tenorowy stał się integralną częścią współczesnego zespołu jazzowego.
5 Benny'ego Goodmana
Otwiera się pierwsza piątka 15 najbardziej wpływowych muzyków jazzowych w historii gatunku. Słynny King of Swing prowadził niemal najpopularniejszą orkiestrę początku XX wieku. Jego koncert w Carnegie Hall w 1938 roku uznawany jest za jeden z najważniejszych koncertów na żywo w historii muzyki amerykańskiej. Ten spektakl pokazuje nadejście ery jazzu, uznanie tego gatunku za niezależną formę sztuki.
Pomimo faktu, że Benny Goodman był głównym wokalistą dużej orkiestry swingowej, brał także udział w rozwoju bebopu. Jego orkiestra stała się jedną z pierwszych, która w swoim składzie zjednoczyła muzyków różnych ras. Goodman był głośnym przeciwnikiem ustawy Jim Crow Act. Odrzucił nawet wycieczkę po południowych stanach w celu poparcia równości rasowej. Benny Goodman był aktywną postacią i reformatorem nie tylko jazzu, ale także muzyki popularnej.
4 Milesa Davisa
Jedna z centralnych postaci jazzu XX wieku, Miles Davis, stał u początków wielu wydarzeń muzycznych i obserwował ich rozwój. Przypisuje mu się pionierskie gatunki muzyki bebop, hard bop, cool jazz, free jazz, fusion, funk i techno. W swoich ciągłych poszukiwaniach nowego stylu muzycznego zawsze odnosił sukcesy i był otoczony przez genialnych muzyków, w tym Johna Coltrane'a, Cannoball Adderley, Keitha Jarretta, JJ Johnsona, Wayne'a Shortera i Chicka Coreę. Podczas swojego życia Davis otrzymał 8 nagród Grammy i został wprowadzony do Rock and Roll Hall of Fame. Miles Davis był jednym z najbardziej aktywnych i wpływowych muzyków jazzowych ubiegłego wieku.
3 Charliego Parkera
Kiedy myślisz o jazzie, pamiętasz nazwę. Znany również jako Bird Parker, był pionierem jazzowego saksofonu altowego, muzykiem bebopowym i kompozytorem. Jego szybka gra, czysty dźwięk i talent improwizatora wywarły znaczący wpływ na muzyków tamtych czasów i nam współczesnych. Jako kompozytor zmienił standardy pisania muzyki jazzowej. Charlie Parker był muzykiem, który kultywował ideę, że jazzmani to artyści i intelektualiści, a nie tylko showmani. Wielu artystów próbowało skopiować styl Parkera. Jego słynne techniki gry można również prześledzić w manierze wielu współczesnych początkujących muzyków, którzy biorą za podstawę kompozycję Bird, zgodną z przydomkiem alto-sakozofisty.
2 Duke'a Ellingtona
Był wybitnym pianistą, kompozytorem i jednym z najwybitniejszych dyrygentów orkiestr. Chociaż znany jest jako pionier jazzu, wyróżniał się również w innych gatunkach, w tym w muzyce gospel, bluesie, muzyce klasycznej i popularnej. To Ellingtonowi przypisuje się ustanowienie jazzu jako odrębnej formy sztuki. Z niezliczonymi nagrodami i wyróżnieniami, pierwszy wielki kompozytor jazzowy nigdy nie przestał się doskonalić. Był inspiracją dla następnego pokolenia muzyków, w tym Sonny'ego Stitta, Oscara Petersona, Earla Hinesa, Joe Passa. Duke Ellington pozostaje uznanym geniuszem pianistyki jazzowej – instrumentalistą i kompozytorem.
1 Louis Armstrong Louis Armstrong
Prawdopodobnie najbardziej wpływowy muzyk jazzowy w historii gatunku, znany jako Satchmo, jest trębaczem i wokalistą z Nowego Orleanu. Znany jest jako twórca jazzu, który odegrał kluczową rolę w jego rozwoju. Niezwykłe zdolności tego wykonawcy pozwoliły zbudować z trąbki solowy instrument jazzowy. Jest pierwszym muzykiem, który zaśpiewał i spopularyzował styl scat. Nie sposób było nie rozpoznać jego niskiego, „grzmiącego” tembru głosu.
Przywiązanie Armstronga do własnych ideałów wpłynęło na twórczość Franka Sinatry i Binga Crosby'ego, Milesa Davisa i Dizzy'ego Gillespiego. Louis Armstrong wywarł wpływ nie tylko na jazz, ale na całą kulturę muzyczną, dając światu nowy gatunek, niepowtarzalny sposób śpiewania i gry na trąbce.
Jazz to szczególny rodzaj muzyki, który stał się szczególnie popularny w Stanach Zjednoczonych. Początkowo jazz był muzyką czarnoskórych obywateli Stanów Zjednoczonych, jednak później ten kierunek wchłonął zupełnie inne style muzyczne, które rozwinęły się w wielu krajach. Porozmawiamy o tym rozwoju.
Najważniejszą cechą jazzu, zarówno pierwotnie, jak i obecnie, jest rytm. Melodie jazzowe łączą w sobie elementy muzyki afrykańskiej i europejskiej. Ale jazz uzyskał swoją harmonię dzięki wpływom europejskim. Drugim fundamentalnym elementem jazzu po dziś dzień jest improwizacja. Jazz często grano bez wcześniej przygotowanej melodii: dopiero w trakcie gry muzyk wybierał ten czy inny kierunek, ulegając natchnieniu. Tak więc na oczach słuchaczy, podczas gry muzyka, narodziła się muzyka.
Na przestrzeni lat jazz zmieniał się, ale wciąż zachowywał swoje podstawowe cechy. Nieoceniony wkład w ten kierunek wnieśli osławieni „blues” – przeciągające się melodie, charakterystyczne również dla czarnych. W tej chwili większość melodii bluesowych jest integralną częścią kierunku jazzowego. W rzeczywistości blues wywarł szczególny wpływ nie tylko na jazz: rock and roll, country i western również wykorzystują motywy bluesowe.
Mówiąc o jazzie, nie sposób nie wspomnieć o amerykańskim mieście Nowy Orlean. Dixieland, jak nazywano nowoorleański jazz, po raz pierwszy połączył motywy bluesowe, czarne pieśni kościelne i elementy europejskiej muzyki ludowej.
Później pojawił się swing (nazywany również jazzem w stylu „big bandu”), który również otrzymał szeroki rozwój. W latach czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku popularność zyskał „modern jazz”, który był bardziej złożoną grą melodii i harmonii niż wczesny jazz. Istnieje nowe podejście do rytmu. Muzycy próbowali wymyślać nowe utwory, używając innych rytmów, przez co technika gry na perkusji stała się bardziej skomplikowana.
„Nowa fala” jazzu przetoczyła się przez świat w latach 60.: uważana jest za jazz tych samych improwizacji, o których była mowa powyżej. Wychodząc na koncert orkiestra nie mogła odgadnąć, w jakim kierunku iw jakim rytmie będzie przebiegał ich występ, żaden z jazzmanów nie wiedział z góry, kiedy zmieni się tempo i szybkość wykonania. I trzeba też powiedzieć, że takie zachowanie muzyków nie oznacza, że muzyka była nie do zniesienia: wręcz przeciwnie, pojawiło się nowe podejście do wykonywania już istniejących melodii. Śledząc rozwój jazzu widzimy, że jest to muzyka ciągle zmieniająca się, która jednak przez lata nie straciła swojego fundamentu.
Podsumujmy:
- Na początku jazz był czarną muzyką;
- Dwa postulaty wszystkich melodii jazzowych: rytm i improwizacja;
- Blues - wniósł ogromny wkład w rozwój jazzu;
- Jazz nowoorleański (Dixieland) łączył bluesa, pieśni kościelne i europejską muzykę ludową;
- Swing - kierunek jazzu;
- Wraz z rozwojem jazzu rytmy stały się bardziej skomplikowane, aw latach 60. orkiestry jazzowe ponownie oddały się improwizacji podczas występów.
Jazz - fenomen muzyki XX wieku
Jazz jest istotną częścią amerykańskiej kultury muzycznej. Powstały na bazie muzyki ludowej, muzyki czarnoskórych Amerykanów, jazz stał się oryginalną sztuką zawodową, wywierającą zauważalny wpływ na rozwój muzyki współczesnej.
Muzyka jazzowa nazywana jest sztuką amerykańską, wkładem Ameryki w sztukę. Jazz zyskał uznanie wśród tych, którzy wychowali się głównie na tradycjach zachodnioeuropejskiej muzyki koncertowej.
Dziś jazz ma zwolenników i wykonawców we wszystkich częściach świata, przeniknął do kultury wszystkich krajów. Można śmiało powiedzieć, że jazz jest muzyką świata i pierwszą pod tym względem.
Jazz (angielski jazz) rozwinął się w południowych stanach Stanów Zjednoczonych na przełomie XIX i XX wieku w wyniku syntezy europejskiej i afrykańskiej kultury muzycznej. Nosicielami kultury afrykańskiej byli amerykańscy Murzyni - potomkowie niewolników wywiezionych z Afryki. Przejawiało się to w rytualnych tańcach, pieśniach roboczych, hymnach duchowych – spirituals, lirycznych bluesach i ragtimach, ewangeliach (psalmy murzyńskie), które powstały w XVIII-XX wieku w procesie asymilacji kultury białej ludności Stanów Zjednoczonych przez czarni.
Głównymi cechami jazzu są fundamentalna rola rytmu, regularna pulsacja metryczna, czyli „bit” (ang. beat – bicie), akcenty melodyczne dające wrażenie ruchu falowego (swing), początek improwizacji itp. Jazz nazywany jest także orkiestrą, składającą się głównie z instrumentów dętych, perkusyjnych i szumowych przeznaczonych do wykonywania takiej muzyki.
Jazz jest par excellence sztuką performatywną. Po raz pierwszy słowo to pojawiło się w 1913 roku w jednej z gazet w San Francisco, w 1915 weszło do nazwy orkiestry jazzowej T. Browna, która występowała w Chicago, a w 1917 pojawiło się na płycie gramofonowej nagranej przez słynny nowoorleański Orkiestra Original DixieIand Jazz (Jass Band.
Samo pochodzenie słowa „jazz” jest raczej niejasne. Jednak nie ma wątpliwości. Że miało ono raczej wulgarne znaczenie w momencie, gdy zaczęto je stosować do tego typu muzyki – około 1915 roku. Należy podkreślić, że biali pierwotnie nadali tę nazwę muzyce, okazując swój lekceważący stosunek do niej.
Początkowo słowo „jazz” można było usłyszeć tylko w kombinacji „zespół jazzowy”, oznaczającej mały zespół składający się z trąbki, klarnetu, puzonu i sekcji rytmicznej (mogło to być banjo lub gitara, tuba lub kontrabas), interpretując melodie z gatunku spirituals, ragtime, blues i popularne piosenki. Spektakl był zbiorową polifoniczną improwizacją. Później zbiorowa improwizacja została zachowana tylko w początkowych i końcowych odcinkach, aw pozostałych jednym głosem był solista, wspierany sekcją rytmiczną i nieskomplikowanym akordowym brzmieniem instrumentów dętych.
W XVIII-wiecznej Europie, kiedy improwizacja była powszechną cechą wykonawstwa muzycznego, improwizował tylko jeden muzyk (lub śpiewak). W jazzie, przy pewnym porozumieniu, nawet ośmiu muzyków może improwizować jednocześnie. Tak właśnie stało się w najwcześniejszym stylu jazzu - w tak zwanych zespołach „Dixieland”.
Blues jest najważniejszym i najbardziej wpływowym ze wszystkich afroamerykańskich idiomów jazzowych. Blues używany w jazzie niekoniecznie odzwierciedla smutek lub smutek. Forma ta jest połączeniem elementów tradycji Afryki i Europy. Blues jest śpiewany z melodyjną spontanicznością i dużą emocjonalnością. Na początku lat dwudziestych, a być może wcześniej, blues stał się nie tylko gatunkiem wokalnym, ale także instrumentalnym.
Prawdziwy ragtime pojawił się pod koniec lat 90. XIX wieku. Od razu stał się popularny i przeszedł wszelkie możliwe uproszczenia. W swej istocie ragtime był muzyką graną na instrumentach, które miały klawiaturę podobną do pianina. Nie ma wątpliwości, że taniec z tortem (pierwotnie oparty na eleganckiej, stylizowanej parodii uroczych manier białych południowych) poprzedzał ragtime, więc musiała istnieć muzyka Cakewalk.
Istnieją tak zwane nowoorleańskie i chicagowskie style jazzu. Tubylcy z Nowego Orleanu tworzyli najsłynniejsze zespoły i dzieła jazzowe. Wczesny jazz był zwykle wykonywany przez małe orkiestry składające się z 5 do 8 instrumentów i charakteryzował się specyficznym stylem instrumentalnym. Uczucia przenikają jazz, stąd większy przypływ emocjonalny i głębia. W końcowej fazie centrum rozwoju jazzu przenosi się do Chicago. Jego najwybitniejszymi przedstawicielami byli trębacze Joe King Oliver i Louis Armstrong, klarneciści J. Dodds i J. Nui, pianista i kompozytor Jelly Roll Morton, gitarzysta J. St. Cyr i perkusista Warren Baby Dodds.
Wykonania utworów jednego z pierwszych zespołów jazzowych – Original Dixieland Jazz-Band – zostały utrwalone na płytach gramofonowych w 1917 roku, a od 1923 roku rozpoczęto systematyczne nagrywanie utworów jazzowych.
Szerokie kręgi amerykańskiej publiczności zetknęły się z jazzem zaraz po zakończeniu I wojny światowej. Jego technika została podchwycona przez wielu wykonawców i odcisnęła piętno na całej muzyce rozrywkowej w Stanach Zjednoczonych i Europie Zachodniej.
Jednak od lat dwudziestych do połowy lat trzydziestych XX wieku zwyczajem było bezkrytyczne stosowanie słowa „jazz” do prawie wszystkich rodzajów muzyki, na które wpływ miał jazz pod względem rytmicznym, melodycznym i tonalnym.
Symphojazz (ang. symphojazz) to stylistyczna odmiana jazzu połączona z lekką muzyką symfoniczną. Po raz pierwszy tego terminu użył w latach 20. XX wieku słynny amerykański dyrygent Paul Whiteman. W większości przypadków była to muzyka taneczna z domieszką „saloonu”. Jednak ten sam Whiteman zainicjował powstanie i pierwszego wykonawcę słynnej Blues Rhapsody George'a Gershwina, gdzie fuzja jazzu i muzyki symfonicznej okazała się niezwykle organiczna. Próbowano odtworzyć taką syntezę w nowej roli iw późniejszym czasie.
Na początku lat trzydziestych nowoorleański i chicagowski jazz został zastąpiony stylem „swingowym”, którego uosobieniem były „big bandy”, w skład których wchodziły 3-4 saksofony, 3 trąbki, 3 puzony i sekcja rytmiczna. Termin „swing” pojawił się wraz z Louisem Armstrongiem i został użyty do określenia stylu, w którym jego wpływ był silnie odczuwalny. Rozrost składu spowodował konieczność przejścia na wykonywanie przygotowanych wcześniej aranżacji, zapisywanych na nutach lub wyuczonych bezpośrednio ze słuchu na bezpośrednie polecenie autora. Najbardziej znaczący wkład w „swing” wnieśli F. Henderson, E. Kennedy, Duke Ellington, W. Chick Webb, J. Landsford. Każdy z nich łączył w sobie talent lidera orkiestry, aranżera, kompozytora i instrumentalisty. Za nimi podążały orkiestry B. Goodmana, G. Millera i innych, które zapożyczyły osiągnięcia techniczne muzyków murzyńskich.
Pod koniec lat 30. „swing” wyczerpał się, zamieniając się w zestaw formalnych technik technicznych. Wielu wybitnych mistrzów „swingu” zaczyna rozwijać gatunki jazzu kameralnego i koncertowego. Występując w niewielkich zespołach, tworzą cykle utworów adresowanych zarówno do tanecznej publiczności, jak i do stosunkowo wąskiego grona słuchaczy-koneserów. Ellington nagrał ze swoją orkiestrą suitę „Reminiscence in Tempo”, która wyniosła jazz poza trzyminutowy układ taneczny.
Decydujący punkt zwrotny nastąpił na początku lat 40., kiedy grupa muzyków wyznaczyła nowy kierunek w jazzie, nazywając go onomatopeicznym słowem „bebop”. Położył podwaliny pod modern jazz (angielski modern jazz - modern jazz) - tym terminem określa się style i kierunki jazzu, które powstały po dominacji swingu. Bebop zapewnił ostateczne zerwanie jazzu ze sferą muzyki rekreacyjnej. Pod względem artystycznym otworzył drogę do samodzielnego rozwoju jazzu jako jednej z gałęzi współczesnej sztuki muzycznej.
W latach czterdziestych najpopularniejszą orkiestrą była Glenn Miller Orchestra. Niemniej jednak zasługa prawdziwej kreatywności w jazzie w tych latach należy do Duke'a Ellingtona, który według jednego z krytyków wydawał arcydzieła, jak się wydaje, co tydzień.
Pod koniec lat 40. wyłonił się kierunek „cool” jazz, charakteryzujący się umiarkowaną dźwięcznością, przejrzystością barw i brakiem ostrych kontrastów dynamicznych. Powstanie tego kierunku wiąże się z działalnością trębacza M. Davisa. W przyszłości „cool” jazz był uprawiany głównie przez grupy działające na zachodnim wybrzeżu Stanów Zjednoczonych.
W jazzie lat czterdziestych i pięćdziesiątych język harmoniczny staje się coraz bardziej chromatyczny, wręcz „neo-debussowski”, a muzycy wykonują złożone popularne melodie. Jednocześnie nadal wyrażają tradycyjną esencję bluesa. A muzyka zachowała i rozszerzyła żywotność swojej rytmicznej podstawy.
Najważniejsze wydarzenia w historii jazzu koncentrują się wokół kompozytorów, którzy syntetyzują muzykę i nadają jej ogólne formy, a następnie wokół poszczególnych muzyków, pomysłowych solistów, którzy okresowo aktualizują jazzowe słownictwo. Czasami te etapy są wymienne, od syntezy Mortona do innowacji Armstronga, od syntezy Ellingtona do innowacji Parkera.
Od drugiej połowy XX wieku wzrasta liczba najróżniejszych koncepcji artystycznych i sposobów wykonywania muzyki jazzowej. Znaczący wkład w doskonalenie techniki kompozycji jazzowej wniósł zespół Modern Jazz Quartet, który zsyntetyzował zasady „bebopu”, „cool jazzu” i europejskiej polifonii XVII-XVIII wieku. Ten nurt doprowadził do powstania rozbudowanych utworów na orkiestry mieszane, w tym muzyków akademickich i improwizatorów jazzowych. To jeszcze bardziej pogłębiło przepaść między jazzem a dziedziną muzyki rozrywkowej i ostatecznie zraziło do niej ogół społeczeństwa.
W poszukiwaniu odpowiedniego substytutu tańcząca młodzież zaczęła zwracać się ku rytmicznemu i bluesowemu gatunkowi murzyńskiej muzyki codziennej (rhythm-and-blues), łączącej ekspresyjne wykonanie wokalne w stylu bluesa z energicznym akompaniamentem perkusji i dźwiękami gitary elektrycznej lub saksofonu. . W tej formie muzyka była prekursorem „rock and rolla” lat 50. i 60., który miał ogromny wpływ na komponowanie i wykonywanie popularnych piosenek. Z kolei „boogie-woogie”, które było bardzo popularne w Stanach Zjednoczonych pod koniec lat 30. (w rzeczywistości są one znacznie starsze), to style bluesowe grane na pianinie.
Pod koniec lat 50. do rytmu i bluesa dołączył kolejny popularny gatunek – soul (ang. soul – soul), będący świecką wersją jednej z gałęzi murzyńskiej muzyki sakralnej.
Kolejny trend jazzowy przełomu lat 60. i 70. wynika z rosnącego zainteresowania folklorem i profesjonalną sztuką muzyczną Azji i Afryki. Pojawia się szereg sztuk różnych autorów opartych na materiale melodii i tańców ludowych Ghany, Nigerii, Sudanu, Egiptu i krajów Półwyspu Arabskiego.
Pod koniec lat 60. w Stanach Zjednoczonych pojawił się gatunek muzyki jazzowej wykorzystujący tradycyjny rock, pod wpływem murzyńskiego muzyka Milesa Davisa i jego uczniów, którzy starali się uczynić swoją muzykę bardziej przejrzystą i przystępną. Rozkwit „intelektualnego” rocka i nowość stylu sprawiły, że w połowie lat 70. stał się on niezwykle popularny. Później jazz-rock rozpadł się na kilka bardziej specyficznych form, część jego wyznawców powróciła do tradycyjnego jazzu, część przeszła do szczerej muzyki pop, a tylko nieliczni nadal szukali sposobów na głębsze przenikanie się jazzu i rocka. Nowoczesne formy jazz rocka są lepiej znane jako fusion.
Przez dziesięciolecia rozwój jazzu był w dużej mierze spontaniczny i w dużej mierze zdeterminowany przypadkiem. Pozostając przede wszystkim fenomenem kultury afroamerykańskiej, system języka muzycznego jazzu i zasady jego wykonywania nabierają stopniowo charakteru międzynarodowego. Jazz jest w stanie łatwo przyswoić elementy artystyczne każdej kultury muzycznej, zachowując przy tym swoją oryginalność i integralność.
Pojawienie się jazzu w Europie pod koniec lat 1910-tych natychmiast przyciągnęło uwagę nowatorskich kompozytorów. Wyodrębnione elementy struktury, zwroty intonacyjno-rytmiczne i techniki wykorzystali w swoich utworach C. Debussy, I. F. Strawiński, M. Ravel, C. Weil i inni.
Jednocześnie wpływ jazzu na twórczość tych kompozytorów był ograniczony i krótkotrwały. W Stanach Zjednoczonych fuzja jazzu z muzyką o tradycji europejskiej dała początek twórczości J. Gershwina, który wszedł do historii muzyki jako najwybitniejszy przedstawiciel jazzu symfonicznego.
Tak więc historię jazzu można określić w kategoriach rozwoju sekcji rytmicznych i stosunku muzyków jazzowych do partii trąbki.
Europejskie zespoły jazzowe zaczęły powstawać na początku lat 20. XX wieku, ale do końca II wojny światowej brak poparcia masowej publiczności zmusił je do wykonywania głównie repertuaru popowego i tanecznego. Po 1945 roku w ciągu następnych 15-20 lat w większości stolic i dużych miast Europy ukształtowała się kadra instrumentalistów, którzy opanowali technikę wykonywania niemal wszystkich form jazzu: M. Legrand, H. Littleton, R. Scott, J. Dankworth, L. Gullin, V. Schleter, J. Kwasnitsky.
Jazz funkcjonuje w środowisku, w którym konkuruje z innymi formami muzyki popularnej. Jednocześnie jest sztuką tak popularną, że zyskała najwyższe i powszechnie akceptowane uznanie i szacunek oraz przyciągnęła uwagę zarówno krytyków, jak i naukowców. Ponadto zmiany w innych formach muzyki popularnej czasami wydają się chwilową modą. Jazz ze swej strony ewoluuje i rozwija się. Jego wykonawcy czerpali wiele z muzyki z przeszłości i budowali na niej własną muzykę. I, jak powiedział S. Dance, „najlepsi muzycy zawsze wyprzedzali swoją publiczność” .
Spis wykorzystanej literatury
Encyklopedia jazzowa / muzyczna. T. 2. S. 211-216.
Michajłow J.K. Refleksje na temat muzyki amerykańskiej // USA. Ekonomia, polityka, ideologia. 1978. nr 12. s. 28-39.
Pereverzev L. Pieśni robocze ludu murzyńskiego // Sov. muzyka. 1963. nr 9. s. 125-128.
Troitskaya G. Piosenkarka jazzowa. Do tras koncertowych zagranicznej muzyki rozrywkowej // Teatr. 1961. nr 12. s. 184-185.
Williams M. Krótka historia jazzu // USA. Ekonomia, polityka, ideologia. 1974. nr 10. s. 84-92. nr 11. s. 107-114.
