Rosyjską sztukę piękną charakteryzował romantyzm i realizm. Jednak oficjalnie uznaną metodą był klasycyzm. Akademia Sztuk Pięknych stała się instytucją konserwatywną i bezwładną, utrudniającą wszelkie próby wolności twórczej. Domagała się ścisłego przestrzegania kanonów klasycyzmu, zachęcała do pisania obrazów w stylu biblijnym i tematy mitologiczne. Młodzi utalentowani rosyjscy artyści nie byli zadowoleni z ram akademizmu. Dlatego często zwracali się do gatunku portretów.
ucieleśnione w malarstwie romantyczne ideały epoka odrodzenia narodowego. Odrzucając surowe zasady klasycyzmu, które nie dopuszczały odstępstw, artyści odkryli różnorodność i oryginalność otaczającego ich świata. Znalazło to nie tylko odzwierciedlenie w znanych już gatunkach – portrecie i pejzażu – ale dało także impuls do narodzin malarstwa codziennego, które znalazło się w centrum uwagi mistrzów drugiej połowy stulecia. Tymczasem prymat pozostał przy gatunku historycznym. Była to ostatnia ostoja klasycyzmu, choć i tu romantyczne idee i tematy kryły się za formalnie klasycystyczną „fasadą”.
Romantyzm - (francuski romantisme), kierunek ideowy i artystyczny w europejskiej i amerykańskiej kulturze duchowej końca XVIII - I połowy. XIX wiek Odzwierciedlające rozczarowanie skutkami rewolucji francuskiej końca XVIII wieku, ideologią oświecenia i postępem społecznym. Romantyzm przeciwstawiał utylitaryzm i zrównanie jednostki z dążeniem do wolności nieograniczonej i „nieskończoności”, pragnieniem doskonałości i odnowy, patosem niezależności osobistej i obywatelskiej. Bolesna rozbieżność między rzeczywistością idealną a społeczną jest podstawą romantycznego światopoglądu i sztuki. Potwierdzenie wewnętrznej wartości życia duchowego i twórczego jednostki, wizerunek silne namiętności, obraz silnych namiętności, uduchowionej i uzdrawiającej natury, dla wielu romantyków - bohaterstwo protestu lub walki współistnieje z motywami „światowego smutku”, „światowego zła”, „nocnej” strony duszy, ubranej w formy ironii, groteskowej poetyki dwóch światów. Zainteresowanie przeszłością narodową (często jej idealizacją), tradycjami folkloru i kultury własnej i obcych narodów, chęć stworzenia uniwersalnego obrazu świata (przede wszystkim historii i literatury), idea syntezy sztuki znalazła wyraz w ideologia i praktyka romantyzmu.
W sztukach wizualnych romantyzm najwyraźniej przejawiał się w malarstwie i grafice, mniej wyraźnie w rzeźbie i architekturze (np. fałszywy gotyk). Większość narodowych szkół romantyzmu w sztukach wizualnych rozwinęła się w walce z oficjalnym klasycyzmem akademickim.
W trzewiach oficjalnej kultury państwowej zauważalna jest warstwa kultury „elitarnej”, służącej klasie panującej (arystokracji i dworowi królewskiemu) i charakteryzującej się szczególną podatnością na zagraniczne innowacje. Wystarczy przypomnieć romantyczne malarstwo O. Kiprenskiego, V. Tropinina, K. Bryullova, A. Iwanowa i innych najważniejszych artystów XIX wieku.
Kiprensky Orest Adamowicz, rosyjski artysta. Wybitny mistrz rosyjskiej sztuki romantycznej, znany jako wspaniały portrecista. W obrazie „Dmitrij Donskoj na polu Kulikowo” (1805, Muzeum Rosyjskie) wykazał się pewną znajomością kanonów akademickiego obrazu historycznego. Ale na początku obszarem, w którym jego talent ujawnia się w sposób najbardziej naturalny i naturalny, jest portret. Jego pierwszy portret malarski („A. K. Schwalbe”, 1804, ibid.), napisany w stylu „rembrandtowskim”, wyróżnia się wyrazistym i dramatycznym systemem światła i cienia. Z biegiem lat jego umiejętności - które przejawiały się w umiejętności tworzenia przede wszystkim niepowtarzalnych, indywidualnych, charakterystycznych obrazów, doboru specjalnych środków plastycznych dla podkreślenia tej cechy - stają się coraz większe. Pełen imponującej żywotności: portret chłopca autorstwa A. A. Cheliszczewa (ok. 1810–11), sparowane wizerunki małżonków F. V. i E. P. Rostopchina (1809) oraz V. S. i D. N. Chwostowa (1814, wszystkie - Galeria Trietiakowska). Artysta coraz częściej bawi się możliwościami koloru i kontrastami światła i cienia, tłem pejzażu, detalami symbolicznymi („E. S. Avdulina”, ok. 1822, tamże). Artysta wie, jak nawet duże portrety ceremonialne wykonać lirycznie, niemal intymnie zrelaksowanym („Portret życia pułkownika huzarów Jewgrafa Dawidowa”, 1809, Muzeum Rosyjskie). Jego portret młodego A.S. Puszkin jest jednym z najlepszych w tworzeniu romantycznego wizerunku. Puszkin Kiprenskiego wygląda uroczyście i romantycznie w aureoli poetyckiej chwały. „Pochlebiasz mi, Orestesie” - westchnął Puszkin, patrząc na gotowe płótno. Kiprensky był także rysownikiem-wirtuozem, tworzącym (głównie w technice włoskiego ołówka i pastelu) przykłady kunsztu graficznego, często przewyższającego swoje malarskie portrety otwartą, ekscytująco lekką emocjonalnością. Są to typy codzienne („Ślepy muzyk”, 1809, Muzeum Rosyjskie; „Kałmyczka Bayausta”, 1813, Galeria Trietiakowska) oraz słynna seria ołówkowych portretów uczestników Wojny Ojczyźnianej 1812 r. (rysunki przedstawiające E. I. Chaplitsa, A. R. Tomilovą , P. A. Olenina, ten sam rysunek z poetą Batiuszkowem i innymi, 1813-15, Galeria Trietiakowska i inne zbiory); heroiczny początek nabiera tu szczerej konotacji. Duża liczba szkiców i dowodów tekstowych pokazuje, że artysta jest cały swój okres dojrzały miał tendencję do tworzenia wielkich (jak sam to określił z listu do A. N. Olenina z 1834 r.), „spektakularnych lub, mówiąc po rosyjsku, mocnych i magiczny obraz”, gdzie w formie alegorycznej wyniki Historia Europy, a także cel Rosji. „Czytelnicy gazet w Neapolu” (1831, Galeria Trietiakowska) - z pozoru tylko portret grupowy - w rzeczywistości istnieje potajemnie symboliczna reakcja na rewolucyjne wydarzenia w Europie.
Jednak najbardziej ambitna z malowniczych alegorii Kiprenskiego pozostała niespełniona lub zniknęła (jak „grobowiec Anakreona”, ukończony w 1821 r.). Te romantyczne poszukiwania miały jednak kontynuację na szeroką skalę w twórczości K. P. Bryulłowa i A. A. Iwanowa.
Realistyczny sposób znalazł odzwierciedlenie w pracach V.A. Tropinin. Wczesne portrety Tropinina, malowane w powściągliwej kolorystyce (portrety rodzinne hrabiów Morkowa z 1813 i 1815 r., oba w Galerii Trietiakowskiej), w dalszym ciągu należą całkowicie do tradycji epoki oświecenia: model jest bezwarunkowym i stabilnym centrum obrazu w ich. Później kolorystyka obrazu Tropinina staje się bardziej intensywna, tomy są zwykle formowane wyraźniej i rzeźbiarsko, ale co najważniejsze, uroczo rośnie czysto romantyczne uczucie ruchomych elementów życia, którego tylko część wydaje się bohaterowi portretu być fragmentem („Bułachow”, 1823; „K. G. Ravich”, 1823; autoportret, ok. 1824 r.; wszystkie trzy – tamże). Taki jest A. S. Puszkin na słynnym portrecie z 1827 r. (Ogólnorosyjskie Muzeum A. S. Puszkina, Puszkin): poeta, kładąc rękę na stosie papieru, jakby „słuchał muzy”, słucha otaczającego go twórczego snu obraz z niewidzialną aureolą. Namalował także portret A.S. Puszkin. Zanim widz okaże się mądry doświadczenie życiowe niezbyt szczęśliwa osoba. W portrecie Tropinina poeta czaruje w swojski sposób. Z prac Tropinina emanuje szczególne, staro-moskiewskie ciepło i komfort. Do 47. roku życia przebywał w niewoli. Dlatego prawdopodobnie tak świeży, tak uduchowiony na płótnach twarzy zwykli ludzie. A młodość i urok jego „Koronkarki” są nieograniczone. Najczęściej V.A. Tropinin zwrócił się do wizerunku ludzi z ludu („Koronkarka”, „Portret syna” itp.).
Poszukiwania artystyczne i ideologiczne rosyjskiej myśli społecznej, oczekiwanie zmian znalazły odzwierciedlenie w malarstwie K.P. Bryullova „Ostatni dzień Pompejów” i A.A. Iwanow „Pojawienie się Chrystusa ludowi”.
Wielkim dziełem sztuki jest obraz „Ostatni dzień Pompejów” Karola Pawłowicza Bryulłowa (1799-1852). W 1830 roku rosyjski artysta Karl Pawłowicz Bryullow odwiedził wykopaliska starożytnego miasta Pompeje. Spacerował po starożytnych chodnikach, podziwiał freski, a w jego wyobraźni pojawiła się tragiczna noc sierpnia 79 r. n.e. e., kiedy miasto pokryło się rozżarzonym do czerwoności popiołem i pumeksem przebudzonego Wezuwiusza. Trzy lata później obraz „Ostatni dzień Pompejów” odbył triumfalną podróż z Włoch do Rosji. Artysta znalazł niesamowite kolory, aby przedstawić tragedię starożytne miasto, ginąc pod lawą i popiołem wybuchającego Wezuwiusza. Obraz jest przesiąknięty wysokimi ideałami humanistycznymi. Pokazuje odwagę ludzi, ich bezinteresowność, okazaną podczas straszliwej katastrofy. Bryullov przebywał we Włoszech w podróży służbowej z Akademii Sztuk Pięknych. W tej placówce edukacyjnej ugruntowano szkolenie w zakresie techniki malarstwa i rysunku. Akademia jednak jednoznacznie skupiała się na dziedzictwie starożytnym i tematyce heroicznej. Malarstwo akademickie charakteryzowało się dekoracyjnym pejzażem, teatralnością całości kompozycji. Sceny z Nowoczesne życie, zwykły rosyjski pejzaż uznano za niegodny pędzla artysty. Klasycyzm w malarstwie otrzymał miano akademizmu. Bryullov całą swoją twórczością był związany z Akademią.
Miał potężną wyobraźnię bystre oko i wierną ręką – i zrodził stworzenia żywe, zgodne z kanonami akademizmu. Zaprawdę dzięki wdziękowi Puszkina udało mu się uchwycić na płótnie piękno nagości Ludzkie ciało i drżenie promienia słońca na zielonym liściu. Jego płótna „Jeździec”, „Batszeba”, „Włoski poranek”, „Włoskie południe”, liczne portrety ceremonialne i intymne na zawsze pozostaną nieblaknącymi arcydziełami malarstwa rosyjskiego. Jednak artysta zawsze skłaniał się ku dużym tematom historycznym, do ukazywania znaczących wydarzeń w historii ludzkości. Wiele jego planów w tym zakresie nie zostało zrealizowanych. Bryullov nigdy nie porzucił pomysłu stworzenia epickiego płótna opartego na fabule z historii Rosji. Rozpoczyna obraz „Oblężenie Pskowa przez wojska króla Stefana Batorego”. Przedstawia kulminację oblężenia w 1581 r., kiedy wojownicy pskowscy i. mieszczanie napadli na Polaków, którzy wdarli się do miasta i wrzucili ich za mury. Ale obraz pozostał niedokończony, a zadanie stworzenia prawdziwie narodowego obrazy historyczne wykonał nie Bryulłow, ale kolejne pokolenie rosyjskich artystów. W tym samym wieku co Puszkin Bryulłow przeżył go o 15 lat. W ostatnich latach chorował. Z namalowanego wówczas autoportretu patrzy na nas rudowłosy mężczyzna o delikatnych rysach i spokojnym, zamyślonym spojrzeniu.
W pierwszej połowie XIX w. żył i pracował artysta Aleksander Andriejewicz Iwanow (1806–1858). Całe swoje twórcze życie poświęcił idei duchowego przebudzenia ludu, ucieleśniając ją w obrazie „Pojawienie się Chrystusa ludowi”. Przez ponad 20 lat pracował nad obrazem „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, w którym włożył całą moc i jasność swojego talentu. Na pierwszym planie jego okazałego płótna wzrok przykuwa odważna postać Jana Chrzciciela, wskazując ludziom zbliżającego się Chrystusa. W oddali widoczna jest jego postać. Jeszcze nie przyszedł, nadchodzi, na pewno przyjdzie – mówi artysta. A twarze i dusze tych, którzy czekają na Zbawiciela, rozjaśniają się, oczyszczają. Na tym zdjęciu pokazał, jak później powiedział I. E. Repin, „lud uciskany, spragniony słowa wolności”.
W pierwszej połowie XIX w. Malarstwo rosyjskie obejmuje codzienną fabułę.
Jednym z pierwszych, który zwrócił się do niego, był Aleksiej Gawrilowicz Wenecjanow (1780–1847). Swoją twórczość poświęcił przedstawianiu życia chłopów. Pokazuje to życie w wyidealizowanej, upiększonej formie, oddając hołd modnemu wówczas sentymentalizmowi. Jednak obrazy Venetsianova „Kłopot”, „W żniwach. Lato”, „Na gruntach ornych. Wiosna”, „Chłopka z chabrami”, „Zacharka”, „Poranek właściciela ziemskiego”, odzwierciedlające piękno i szlachetność zwykłego Rosjanina, służyły utwierdzeniu godności człowieka, niezależnie od jego statusu społecznego.
Jego tradycje kontynuował Paweł Andriejewicz Fiedotow (1815–1852). Jego płótna są realistyczne, przepełnione treściami satyrycznymi, eksponującymi komercyjną moralność, życie i obyczaje elity społeczeństwa („Major’s Matchmaking”, „Świeży kawaler” itp.). Karierę rozpoczął jako artysta satyryczny jako oficer straży. Potem zrobił zabawne, przewrotne szkice z życia armii. W 1848 roku na wystawie akademickiej zaprezentowano jego obraz „Świeży kawaler”. Była to śmiała kpina nie tylko z głupiej, zadowolonej z siebie biurokracji, ale także z tradycji akademickich. Brudna szata, którą założył bohater obrazu, bardzo przypominała antyczną togę. Bryulłow stał długo przed płótnem, po czym powiedział do autora pół żartem, pół serio: „Gratuluję, pokonałeś mnie”. Inne obrazy Fiedotowa („Śniadanie arystokraty”, „Swatanie majora”) również mają charakter komediowy i satyryczny. Jego ostatnie obrazy są bardzo smutne („Kotwica, więcej kotwicy!”, „Wdowa”). Współcześni słusznie porównali P.A. Fiedotow w malarstwie z N.V. Gogol w literaturze. Ujawnianie plag feudalnej Rosji to główny temat twórczości Pawła Andriejewicza Fiedotowa.

Malarstwo rosyjskie drugiej połowy XIX wieku

Druga połowa XIX wieku charakteryzował się rozkwitem rosyjskiej sztuki plastycznej. Stała się sztuką naprawdę wielką, przesiąkniętą patosem walki wyzwoleńczej ludu, odpowiadającą na wymagania życia i aktywnie wkraczającą w życie. W sztukach wizualnych ostatecznie zadomowił się realizm - prawdziwe i wszechstronne odzwierciedlenie życia ludzi, chęć odbudowania tego życia na zasadach równości i sprawiedliwości.
Świadomy zwrot nowego malarstwa rosyjskiego w kierunku realizmu demokratycznego, narodowości, nowoczesności zaznaczył się pod koniec lat 50. wraz z rewolucyjną sytuacją w kraju, dojrzałością społeczną raznochinckiej inteligencji, rewolucyjnym oświeceniem Czernyszewskiego, Dobrolubowa. , Saltykov-Shchedrin, z kochającą ludzi poezją Niekrasowa. W „Esejach o okresie Gogola” (1856) Czernyszewski napisał: „Jeśli malarstwo znajduje się obecnie w dość opłakanej sytuacji, to za główną przyczynę należy uznać wyobcowanie tej sztuki od współczesnych aspiracji”. Tę samą myśl przytoczono w wielu artykułach magazynu „Sovremennik”.
Tematem przewodnim sztuki był człowiek, nie tylko uciskany i cierpiący, ale także człowiek – twórca historii, człowiek-wojownik, twórca wszystkiego, co w życiu najlepsze.
Ugruntowanie realizmu w sztuce odbyło się w upartej walce z oficjalnym kierunkiem, który reprezentowało kierownictwo Akademii Sztuk Pięknych. Pracownicy akademii inspirowali swoich uczniów ideą, że sztuka jest czymś wyższym niż życie, w twórczości artystów proponowali wyłącznie wątki biblijne i mitologiczne.
Ale malarstwo zaczynało już łączyć się z nowoczesnymi aspiracjami - przede wszystkim w Moskwie. Szkoła Moskiewska a o jedną dziesiątą nie cieszyła się przywilejami petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych, ale była mniej zależna od jej zakorzenionych dogmatów, atmosfera była w niej bardziej ożywiona. Choć nauczycielami w Szkole są głównie pracownicy naukowi, ale pracownicy naukowi są średnie i chwiejni, to nie tłumili swojego autorytetu, jak to miało miejsce w Akademii F. Bruni, filarze starej szkoły, który swego czasu konkurował z Bryullowem obrazem „Miedziany wąż”.
W 1862 r. Rada Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu podjęła decyzję o zrównaniu praw wszystkich gatunków, znosząc prymat malarstwo historyczne. Złoty medal był teraz przyznawany niezależnie od tematyki obrazu, biorąc pod uwagę wyłącznie jego zalety. Jednak „swobody” w murach akademii nie trwały długo.
W 1863 r. młodzi artyści biorący udział w konkursie naukowym złożyli petycję „o pozwolenie na swobodny wybór tematów dla tych, którzy tego chcą, oprócz zadanego tematu”. Rada Akademii odmówiła. To, co wydarzyło się później, w historii sztuki rosyjskiej określa się mianem „buntu czternastu”. Czternastu uczniów klasy historycznej nie chciało pisać obrazków na zaproponowany temat z mitologii skandynawskiej – „Uczta w Valgaal” i wyzywająco złożyła petycję – o opuszczenie akademii. Pozostając bez warsztatów i pieniędzy, powstańcy zjednoczyli się w swego rodzaju komunie - podobnej do gmin opisanych przez Czernyszewskiego w powieści Co robić? - Artelu Artystów, na którego czele stał malarz Iwan Nikołajewicz Kramskoj. Pracownicy Artela przyjmowali zlecenia na wykonanie różnorodnych grafika, mieszkali w tym samym domu, gromadzili się we wspólnym pokoju na rozmowy, dyskusje o obrazach, czytanie książek.
Artel rozpadł się siedem lat później. W tym czasie, w latach 70., z inicjatywy artysty Grigorija Grigoriewicza Myasoedowa, powstało stowarzyszenie - Stowarzyszenie Artystycznych Wstawek Mobilnych, profesjonalne i komercyjne stowarzyszenie artystów o bliskich stanowiskach ideologicznych.
Stowarzyszenie Wędrowców, w odróżnieniu od wielu późniejszych stowarzyszeń, obeszło się bez deklaracji i manifestów. Statut stanowił jedynie, że członkowie Stowarzyszenia powinni sami prowadzić swoje sprawy materialne, niezależni w tym zakresie od nikogo, a także samodzielnie organizować wystawy i zabierać je do różne miasta(„przemieszczać się” po Rosji) w celu zapoznania kraju ze sztuką rosyjską. Obydwa te punkty miały istotne znaczenie, potwierdzając niezależność sztuki od władzy i wolę artystów szerokiego komunikowania się z ludźmi nie tylko w stolicy. główną rolę w tworzeniu Partnerstwa i rozwoju jego statutu, oprócz Kramskoja, należeli do Myasoedowa, Ge - z Petersburga, a od Moskali - do Perowa, Pryanisznikowa, Savrasowa.
„Wędrowcy” zjednoczyli się w odrzuceniu „akademizmu” z jego mitologią, dekoracyjnymi pejzażami i pompatyczną teatralnością. Chcieli ukazać żywe życie. Wiodące miejsce w ich twórczości zajmowały sceny rodzajowe (codzienne). Szczególną sympatią dla Wędrowców cieszyło się chłopstwo. Pokazali jego potrzebę, cierpienie, ucisk. W tamtym czasie – w latach 60-70. XIX wiek - ideologiczna strona sztuki była ceniona wyżej niż estetyczna. Dopiero z czasem artyści przypomnieli sobie o wrodzonej wartości malarstwa.
Być może największy hołd ideologii złożył Wasilij Grigoriewicz Perow (1834–1882). Wystarczy przypomnieć takie jego obrazy, jak „Przybycie policjanta na śledztwo”, „Picie herbaty w Mytishchi”. Niektóre dzieła Perowa przesiąknięte są prawdziwą tragedią („Trojka”, „Starzy rodzice na grobie syna”). Perow namalował wiele portretów swoich słynnych współczesnych (Ostrowskiego, Turgieniewa, Dostojewskiego).
Niektóre płótna „Wędrowców”, malowane z życia lub pod wrażeniem prawdziwych scen, wzbogaciły nasze zrozumienie życie chłopskie. Obraz S. A. Korovina „Na świecie” przedstawia potyczkę na wiejskim spotkaniu pomiędzy bogatym i biednym człowiekiem. V. M. Maksimov uchwycił wściekłość, łzy i smutek podziału rodziny. Uroczyste święto pracy chłopskiej znajduje odzwierciedlenie w obrazie G. G. Myasoedova „Kosiarki”.
W twórczości Kramskoya główne miejsce zajmował portret. Malował Gonczarowa, Saltykowa-Szczedrina, Niekrasowa. Jest właścicielem jednego z najlepszych portretów Lwa Tołstoja. Wzrok pisarza nie schodzi z widza, niezależnie od tego, z jakiego miejsca spojrzy na płótno. Jednym z najpotężniejszych dzieł Kramskoja jest obraz „Chrystus na pustyni”.
Otwarta w 1871 roku pierwsza wystawa Wędrowców przekonująco pokazała istnienie nowego kierunku, który kształtował się przez całe lata 60. XX wieku. Miała tylko 46 eksponatów (w przeciwieństwie do obszernych wystaw Akademii), ale starannie dobranych i chociaż wystawa nie była celowo programowa, ogólny, niepisany program wyłaniał się dość wyraźnie. Zaprezentowano wszystkie gatunki – historyczny, codzienny, portret pejzażowy – a widzowie mogli ocenić, co przynieśli im „Wędrowcy”. Pechowa była tylko rzeźba (była jedna, i to już dość niezwykła rzeźba F. Kamenskiego), ale tego typu sztuka „pechowa” była przez długi czas, właściwie przez całą drugą połowę stulecia.
Już na początku lat 90. wśród młodych artystów szkoły moskiewskiej znaleźli się jednak tacy, którzy godnie i poważnie kontynuowali tradycję wędrownego obywatelstwa: S. Iwanow ze swoim cyklem obrazów o imigrantach, S. Korovin – autor m.in. obraz „Na świecie”, w którym ciekawie i w przemyślany sposób ukazane są dramatyczne (naprawdę dramatyczne!) zderzenia wiejskiej wsi przedreformacyjnej. Ale to nie oni nadawali ton: Świat Sztuki, równie oddalony od Wędrowców i Akademii, zbliżał się. Jak wyglądała wówczas Akademia? Zniknęły jej dawne, rygorystyczne postawy artystyczne, nie obstawała już przy rygorystycznych wymogach neoklasycyzmu, przy osławionej hierarchii gatunków, była dość tolerancyjna wobec gatunku codziennego, wolała jedynie, aby był on „piękny”, a nie „muzhik” (ang. przykład „pięknych” dzieł pozaakademickich - sceny z starożytnego życia popularnego wówczas S. Bakałowicza). W przeważającej części produkcja nieakademicka, podobnie jak w innych krajach, była salonem burżuazyjnym, a jej „pięknem” – wulgarną urodą. Ale nie można powiedzieć, że nie przedstawiła talentów: wspomniany G. Semiradsky był bardzo utalentowany, V. Smirnov, który zmarł wcześnie (któremu udało się stworzyć imponujący Duży obraz„Śmierć Nerona”); nie można odmówić pewnych walorów artystycznych malarstwu A. Svedomsky'ego i V. Kotarbinsky'ego. O tych artystach, uważających ich za nosicieli „ducha helleńskiego”, Repin wypowiadał się z aprobatą w późniejszych latach, wywarli wrażenie na Vrubelu, podobnie jak Aiwazowski, także artysta „akademicki”. Natomiast nikt inny jak Semiradski w okresie reorganizacji Akademii zdecydowanie opowiadał się za gatunek domowy, wskazując jako pozytywny przykład Perowa, Repina i W. Majakowskiego. Było więc wystarczająco dużo punktów zbiegu między „Wędrowcami” a Akademią, a ówczesny wiceprezes Akademii I.I. Tołstoja, z którego inicjatywy powołani zostali do nauczania czołowi „Wędrowcy”.
Ale najważniejszą rzeczą, która nie przekreśla całkowicie roli Akademii Sztuk Pięknych, przede wszystkim jako instytucji edukacyjnej, w drugiej połowie stulecia, jest prosty fakt, że wiele wybitni artyści. To Repin, Surikow, Polenow i Wasnetsow, a później - Serow i Vrubel. Co więcej, nie powtórzyli „buntu czternastu” i najwyraźniej skorzystali na swojej praktyce zawodowej.
Szacunek dla rysunku, dla skonstruowanej formy konstruktywnej jest zakorzeniony w sztuce rosyjskiej. Ogólna orientacja kultury rosyjskiej na realizm stała się przyczyną popularności metody Czistyakowa - w ten czy inny sposób rosyjscy malarze, aż do Sierowa, Niestierowa i Vrubela włącznie, czcili „niezachwiane, wieczne prawa formy” i obawiali się „dematerializacji” " lub ujarzmienie kolorowego, amorficznego elementu, niezależnie od tego, jak bardzo kochali kolor.
Wśród Wędrowców zaproszonych do Akademii było dwóch malarzy pejzażu - Szyszkin i Kuindzhi. Właśnie w tym czasie rozpoczęła się hegemonia pejzażu w sztuce zarówno jako niezależnego gatunku, w którym królował Lewitan, jak i jako równorzędnego elementu malarstwa codziennego, historycznego i częściowo portretowego. Wbrew przewidywaniom Stasowa, który uważa, że rola krajobrazu będzie malała, w latach 90. wzrosła ona jak nigdy dotąd. Przeważał liryczny „krajobraz nastroju”, wywodzący swój rodowód od Sawrasowa i Polenowa.
Wędrowcy dokonali prawdziwych odkryć w malarstwie pejzażowym. Aleksiej Kondratiewicz Savrasow (1830-1897) zdołał pokazać piękno i subtelny liryzm prostego rosyjskiego krajobrazu. Jego obraz „Przybyły gawrony” (1871) skłonił wielu współczesnych do świeżego spojrzenia na rodzimą przyrodę.
Żył Fiodor Aleksandrowicz Wasiliew (1850-1873). krótkie życie. Jego dzieło, przerwane na samym początku, wzbogaciło się malarstwo domowe w pobliżu dynamicznych, ekscytujących krajobrazów. Artysta odnosił szczególne sukcesy w stanach przejściowych w przyrodzie: od słońca do deszczu, od spokoju do burzy.
Iwan Iwanowicz Szyszkin (1832–1898) został śpiewakiem rosyjskiego lasu, epickiej szerokości geograficznej rosyjskiej przyrody. Arkhipa Iwanowicza Kuindzhi (1841-1910) urzekła malownicza gra światła i powietrza. Tajemnicze światło księżyca w rzadkich chmurach, czerwone odbicia świtu na białych ścianach ukraińskich chat, ukośne poranne promienie przedzierające się przez mgłę i bawiące się w kałużach na błotnistej drodze – te i wiele innych malowniczych odkryć uwieczniono na jego płótna.
Top rosyjski pejzaż XIX wiek osiągnął w twórczości ucznia Sawrasowa Izaaka Iljicza Lewitana (1860-1900). Lewitan to mistrz spokojnych, cichych krajobrazów.Jest osobą bardzo nieśmiałą, nieśmiałą i bezbronną, potrafił odpoczywać jedynie w samotności, przesiąknięty nastrojem ukochanego krajobrazu.
Kiedyś przybył nad Wołgę, aby malować słońce, powietrze i przestrzenie rzeczne. Ale nie było słońca, niekończące się chmury pełzały po niebie i przestały padać tępe deszcze. Artysta był zdenerwowany, dopóki nie wciągnęła go ta pogoda i nie odkrył szczególnego uroku liliowych kolorów rosyjskiej złej pogody. Od tego czasu Górna Wołga, prowincjonalne miasto Ples, mocno wkroczyło w jego dzieło. W tych rejonach stworzył swoje „deszczowe” prace: „Po deszczu”, „Ponury dzień”, „Nad wiecznym pokojem”. Malowano tam także spokojne wieczorne pejzaże: „Wieczór nad Wołgą”, „Wieczór. Złoty zasięg”, „Wieczorne dzwonienie”, „Ciche mieszkanie”.
W ostatnich latach życia Lewitan zwrócił uwagę na twórczość francuskich artystów impresjonistów (E. Maneta, C. Moneta, C. Pizarro). Uświadomił sobie, że ma z nimi wiele wspólnego, że ich poszukiwania twórcze idą w tym samym kierunku. Podobnie jak oni wolał pracować nie w studiu, ale w powietrzu (jak mówią artyści, w plenerze). Podobnie jak oni rozjaśnił paletę, wyganiając ciemne, ziemiste kolory. Podobnie jak oni starał się uchwycić ulotność bytu, oddać ruchy światła i powietrza. W tym poszli dalej niż on, ale prawie rozpuścili trójwymiarowe formy (domy, drzewa) w strumieniach światła. Unikał tego.
„Malarstwa Lewitana wymagają powolnego badania” – pisał wielki znawca jego twórczości K. G. Paustovsky – „Nie razią oka. Są skromne i dokładne jak opowieści Czechowa, ale im dłużej się na nie patrzy, tym słodsza staje się cisza prowincjonalnych osiedli, znajomych rzek i wiejskich dróg.
W drugiej połowie XIX w. odpowiadają za twórczy rozkwit I. E. Repina, V. I. Surikowa i V. A. Serowa.
Ilya Efimovich Repin (1844–1930) urodził się w mieście Czuguew, w rodzinie osadnika wojskowego. Udało mu się wstąpić do Akademii Sztuk Pięknych, gdzie jego nauczycielem został P. P. Chistyakov, który wychował całą galaktykę znany artysta(V.I. Surikova, V.M. Vasnetsova, M.A. Vrubel, V.A. Serova). Repin również wiele się nauczył od Kramskoya. W 1870 roku młody artysta podróżował wzdłuż Wołgi. Liczne szkice przywiezione z podróży wykorzystał do obrazu „Przewoźnicy barek na Wołdze” (1872). Wyprodukowała mocne wrażenie Publicznie. Autor od razu wszedł do grona najpopularniejszych znani mistrzowie.
Repin był artystą bardzo wszechstronnym. W jego pędzlu znajduje się wiele monumentalnych obrazów rodzajowych. Być może nie mniej imponujące niż „Przewoźnicy barek” „ Procesja w obwodzie kurskim. Jasnoniebieskie niebo, przebite przez słońce chmury pyłu drogowego, złoty blask krzyży i szat, policja, zwykli ludzie i kaleki – wszystko mieści się na tym płótnie: wielkość, siła, słabość i ból Rosji.
W wielu obrazach Repina poruszano tematy rewolucyjne („Odmowa spowiedzi”, „Nie czekali”, „Aresztowanie propagandysty”). Rewolucjoniści na jego obrazach utrzymani są w prostocie i naturalności, unikając teatralnych póz i gestów. Na obrazie „Odmowa spowiedzi” skazany jakby celowo ukrył ręce w rękawach. Artysta wyraźnie sympatyzował z bohaterami swoich obrazów.
Napisano wiele obrazów Repina wątki historyczne(„Iwan Groźny i jego syn Iwan”, „Kozacy piszący list do tureckiego sułtana” itp.). Repin stworzył całą galerię portretów. Malował portrety - naukowców (Pirogowa i Sieczenowa), - pisarzy Tołstoja, Turgieniewa i Garszyna, - kompozytorów Glinki i Musorgskiego, - artystów Kramskoja i Surikowa. Na początku XX wieku. otrzymał zamówienie na obraz „Uroczyste posiedzenie Rady Państwa”. Artystce udało się nie tylko umieścić tak dużą liczbę obecnych na płótnie, ale także dać psychologiczny opis wielu z nich. Wśród nich były tak znane postacie jak S.Yu. Witte, K.P. Pobiedonoscew, P.P. Semenow Tyan-Szański. Na zdjęciu jest to ledwo zauważalne, ale Mikołaj II jest bardzo subtelnie narysowany.
Wasilij Iwanowicz Surikow (1848-1916) urodził się w Krasnojarsku, w rodzinie kozackiej. Rozkwit jego twórczości przypada na lata 80., kiedy stworzył trzy ze swoich najsłynniejszych obrazów historycznych: „Poranek egzekucji Streltsy”, „Mienszykow w Bieriezowie” i „Bojar Morozowa”.
Surikow dobrze znał życie i zwyczaje minionych epok, wiedział, jak nadać żywe cechy psychologiczne. Ponadto był znakomitym kolorystą (mistrzem koloru). Wystarczy przypomnieć sobie olśniewający świeży, błyszczący śnieg na obrazie „Bojar Morozowa”. Jeśli jednak zbliżyć się do płótna, śnieg niejako „kruszy się” na niebieskie, niebieskie i różowe pociągnięcia. Ten sceniczne przyjęcie kiedy dwa trzy różne uderzenia na odległość łączą się i dają żądany kolor szeroko stosowany przez francuskich impresjonistów.
Walentin Aleksandrowicz Sierow (1865–1911), syn kompozytora, malował pejzaże, płótna o tematyce historycznej, pracował jako artysta teatralny. Ale sława przyniosła mu przede wszystkim portrety.
W 1887 r. 22-letni Sierow spędzał wakacje w Abramcewie, daczy pod Moskwą filantropa S. I. Mamontowa. Wśród wielu swoich dzieci młody artysta był jego mężczyzną, uczestnikiem ich igraszek. Pewnego razu po obiedzie w jadalni przypadkowo zatrzymały się dwie osoby - Serow i 12-letnia Verusha Mamontova. Siedzieli przy stole, na którym leżały brzoskwinie, a podczas rozmowy Verusha nie zauważyła, jak artystka zaczęła szkicować swój portret. Praca ciągnęła się miesiąc, a Wierusza była zła, że Anton (jak w domu nazywano Sierow) zmusza ją do godzinnego siedzenia w jadalni.
Na początku września ukończono „Dziewczynę z brzoskwiniami”. Mimo niewielkich rozmiarów obraz, pomalowany w tonacji różowego złota, sprawiał wrażenie bardzo „przestrzennego”. Było w nim dużo światła i powietrza. Dziewczyna, która jakby na chwilę usiadła przy stole i wbiła wzrok w widza, oczarowana jasnością i duchowością. Tak, a całe płótno było pokryte czysto dziecinnym postrzeganiem codziennego życia, kiedy szczęście nie jest świadome siebie, ale przed sobą - całe życie.
Mieszkańcy domu „Abramcewo” oczywiście zrozumieli, że na ich oczach wydarzył się cud. Ale dopiero czas podaje ostateczne szacunki. Umieściło „Dziewczynę z brzoskwiniami” wśród najlepszych dzieł portretowych w sztuce rosyjskiej i światowej.
W następnym roku Sierowowi udało się prawie powtórzyć swoją magię. Namalował portret swojej siostry Marii Simonowicz („Dziewczyna oświetlona przez słońce”). Nazwa była trochę niedokładna: dziewczyna siedzi w cieniu, a polanę w tle oświetlają promienie porannego słońca. Ale na zdjęciu wszystko jest tak zjednoczone, tak zjednoczone - poranek, słońce, lato, młodość i piękno - że trudno o lepszą nazwę.
Serow stał się modnym portrecistą. Pozowano przed nim znani pisarze, artyści, artyści, przedsiębiorcy, arystokraci, a nawet królowie. Najwyraźniej nie dla wszystkich, do których pisał, leżała jego dusza. Niektóre portrety z wyższych sfer, wykonane techniką filigranową, okazały się zimne.
Przez kilka lat Sierow wykładał w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Był wymagającym nauczycielem. Przeciwnik zamrożonych form malarskich Sierow uważał jednocześnie, że poszukiwania twórcze powinny opierać się na solidnym opanowaniu techniki rysunku i pisma obrazkowego. Wielu wybitnych mistrzów uważało się za uczniów Sierowa. To jest M.S. Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuzniecow, K. S. Pietrow-Wodkin.
Wiele obrazów Repina, Surikowa, Lewitana, Sierowa, „Wędrowców” znalazło się w kolekcji Tretiakowa. Paweł Michajłowicz Tretiakow (1832-1898), przedstawiciel starej moskiewskiej rodziny kupieckiej, był osobą niezwykłą. Szczupły i wysoki, z krzaczastą brodą i cichym głosem, bardziej przypominał świętego niż kupca. Kolekcjonerstwo obrazów artystów rosyjskich rozpoczął w 1856 roku. To hobby stało się głównym zajęciem jego życia. Na początku lat 90. zbiory osiągnęły poziom muzealny, pochłaniając niemal cały majątek kolekcjonera. Później stał się własnością Moskwy. Galeria Trietiakowska stała się znanym na całym świecie muzeum rosyjskiego malarstwa, grafiki i rzeźby.
W 1898 roku w Petersburgu, w Pałacu Michajłowskim (twórstwo K. Rossiego), otwarto Muzeum Rosyjskie. Otrzymał prace rosyjskich artystów z Ermitażu, Akademii Sztuk i niektórych pałaców cesarskich. Otwarcie tych dwóch muzeów było niejako zwieńczeniem osiągnięć Rosjanina malarstwo XIX wiek.

Dom " Artyści zagraniczni

Wielcy artyści zagraniczni

XIV (XIV wiek) XV (XV wiek) XVI (XVI wiek) XVII (XVII wiek) XVIII (XVIII wiek) XIX (XIX wiek) XX (XX wiek)

Artyści zagraniczni

Lorenzettiego Ambrogio
(1319-1348)
Kraj: Włochy

Malarstwo Lorenzettiego harmonijnie łączyło tradycje malarstwa sieneńskiego z jego liryzmem i uogólnieniem form oraz charakterystyczną dla sztuki Giotta perspektywowością konstrukcji przestrzennej. Choć artysta sięga po tematykę religijną i alegoryczną, w obrazach wyraźnie widać cechy współczesnego życia. Pejzaż warunkowy, charakterystyczny dla malarstwa mistrzów XIV wieku, Lorenzetti zastępuje rozpoznawalnymi pejzażami toskańskimi. Bardzo realistyczny, pisze winnice, pola, jeziora, porty morskie, otoczone skałami nie do zdobycia.

Eika Wanga
Kraj: Holandia

Ojczyzną braci Van Eyck jest miasto Maaseik. Niewiele zachowało się informacji na temat starszego brata Huberta. Wiadomo, że to on rozpoczął prace nad słynnym ołtarzem gandawskim w kościele św. Bawona w Gandawie. Prawdopodobnie do niego należał projekt kompozycyjny ołtarza. Sądząc po zachowanych archaicznych partiach ołtarza - „Kult Baranka”, figury Boga Ojca, Maryi i Jana Chrzciciela, - Huberta można nazwać mistrzem przejścia. Jego twórczość była znacznie bliższa tradycjom późnego gotyku (abstrakcyjno-mistyczna interpretacja tematu, umowność w przekazywaniu przestrzeni, niewielkie zainteresowanie wizerunkiem osoby).

Artyści zagraniczni

Albrechta Dürera
(1471-1528)
Kraj: Niemcy

Albrecht Dürer Wielki niemiecki artysta, największy przedstawiciel Kultura renesansu w Niemczech. Urodzony w Norymberdze w rodzinie złotnika pochodzącego z Węgier. Początkowo uczył się u ojca, następnie u norymberskiego malarza M. Wohlgemuta (1486-89). W latach studiów i wędrówkach po południowych Niemczech (1490-94), podczas podróży do Wenecji (1494-95) wchłonął dziedzictwo XV wieku, ale jego głównym nauczycielem stała się przyroda.

Bosch Hieronim
(1450-1516)
Kraj: Niemcy

Hieronim Bosch, wielki malarz holenderski. Urodzony w Herzogenbosch. Jego dziadek, brat dziadka i wszystkich pięciu wujków byli artystami. W 1478 roku Bosch poślubił bogatego patrycjusza Aleida van Merwerme, którego rodzina należała do najwyższej arystokracji. Z tego małżeństwa nie było dzieci i nie był szczególnie szczęśliwy. Niemniej jednak zapewnił artyście dobrobyt materialny, a Bosch, nie będąc jeszcze wystarczająco sławnym, mógł sobie pozwolić na malowanie tak, jak chciał.

Botticellego Sandro
(1445-1510)
Kraj: Włochy

Prawdziwe imię - Alessandro da Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi, wielkiego włoskiego malarza renesansu. Urodzony we Florencji w rodzinie garbarza. Początkowo został wysłany na studia do niejakiego Botticellego, złotnika, od którego nazwisko wziął Alessandro Filipepi. Jednak chęć malowania zmusiła go w latach 1459-65 do studiowania u słynnego florenckiego artysty Fra Philippe Lippiego. Wczesne prace Botticelli ( Pokłon Trzech Króli, Judyty i Holofernesa a zwłaszcza madonny - Corsini Madonna, Madonna z różą, Madonna z dwoma aniołami) powstały pod wpływem tego ostatniego.

Verrocchio Andrea
(1435-1488)
Kraj: Włochy

Prawdziwe nazwisko - Andrea di Michele di Francesco Choni, wybitny włoski rzeźbiarz. Urodzony we Florencji. Był znanym rzeźbiarzem, malarzem, rysownikiem, architektem, jubilerem i muzykiem. W każdym gatunku dał się poznać jako mistrz innowator, nie powtarzając tego, co zrobili jego poprzednicy.

Carpaccio Vittore
(ok. 1455/1465 - ok. 1526)
Kraj: Włochy

Carpaccio Vittore (ok. 1455/1465 - ok. 1526) – malarz włoski. Urodzony w Wenecji. Studiował u Gentile Belliniego, pozostawał pod silnym wpływem Giovanniego Belliniego i częściowo Giorgione. Uważnie obserwując wydarzenia współczesnego życia, artysta potrafił nasycić swoje kompozycje religijne żywą narracją i wieloma szczegółami gatunkowymi. W rzeczywistości stworzył encyklopedię życia i zwyczajów Wenecji w XV wieku. Mówią o Carpaccio, że ten mistrz „jest jeszcze w domu, w Wenecji”. I już sama idea Wenecji nierozerwalnie wiąże się ze wspomnieniem zielonkawych, jakby widocznych przez morską wodę obrazów genialnego rysownika i kolorysty.

Leonardo da Vinci
(1452 - 1519)
Kraj: Włochy

Jeden z największych Włoscy artyści Renesansowy Leonardo da Vinci był także wybitnym naukowcem, myślicielem i inżynierem. Przez całe życie obserwował i badał przyrodę - ciała niebieskie i prawa ich ruchu, góry i tajemnice ich pochodzenia, wodę i wiatry, światło słońca i życie roślin. Za część natury Leonardo uważał także osobę, której podlega ciało prawa fizyczne a jednocześnie służy jako „lustro duszy”. We wszystkim okazywał swoją dociekliwą, aktywną i niespokojną miłość do natury. To ona pomogła mu odkryć prawa natury, oddała swoje siły na służbę człowiekowi, to ona stworzyła Leonarda największy artysta, z taką samą uwagą uchwycił kwitnący kwiat, wyrazisty gest człowieka i mglistą mgłę spowijającą odległe góry.

Michał Anioł Buonarroti
(1475 - 1564)
Kraj: Włochy

„Nie narodził się jeszcze człowiek, który tak jak ja byłby tak skłonny kochać ludzi” – pisał o sobie wielki włoski rzeźbiarz, malarz, architekt i poeta Michał Anioł. Tworzył dzieła genialne, tytaniczne i marzył o stworzeniu jeszcze bardziej znaczących. Pewnego dnia, gdy artysta pracował nad marmurową zabudową w Carrarze, postanowił wyrzeźbić posąg z całej góry.

Rafał Santi
(1483 - 1520)
Kraj: Włochy

Raphael Santi, wielki włoski malarz tamtej epoki Wysoki renesans i architekt. Urodzony w Urbino w rodzinie J. Santiego – nadwornego malarza i poety księcia Urbino. Pierwsze lekcje malarstwa pobierał u ojca. Po jego śmierci Rafael przeniósł się do pracowni T. Vitiego. W 1500 roku przeniósł się do Perugio i wstąpił do warsztatu w Perugino, najpierw jako uczeń, a następnie jako asystent. Nauczyłem się tutaj Najlepsze funkcje styl umbryjskiej szkoły malarstwa: chęć wyrazistej interpretacji fabuły i szlachetność form. Wkrótce doprowadził swoje umiejętności do tego stopnia, że odróżnienie kopii od oryginału stało się niemożliwe.

Tycjan Vecellio
(1488- 1576)
Kraj: Włochy

Urodzony w Pieve di Cadoro - małe miasto na granicy posiadłości weneckich w Alpach. Pochodził z bardzo wpływowej w mieście rodziny Vecelli. W czasie wojny Wenecji z cesarzem Maksymilianem ojciec artysty zasłużył się Rzeczypospolitej Św. Marka.

Artyści zagraniczni

Rubensa Petera Paula
(1577 - 1640)
Kraj: Niemcy

Rubens Peter Paul, wielki malarz flamandzki. „Król malarzy i malarz królów” nazywany był współczesnymi Flemingowi Rubensowi. W jednym z najpiękniejszych zakątków Antwerpii do dziś mieści się Rubens Hughes – dom artysty, zbudowany według własnego projektu, oraz pracownia. Wyszło stąd około trzech tysięcy obrazów i wielu wspaniałych rysunków.

Goyena Jana Wanga
(1596-1656)
Kraj: Holandia

Goyen Jan van jest holenderskim malarzem. Pasja do malarstwa objawiła się bardzo wcześnie. W wieku dziesięciu lat Goyen rozpoczął naukę rysunku u artystów z Lejdy, I. Swanenburga i K. Schilperorta. Ojciec chciał, aby jego syn został malarzem na szkle, ale sam Goyen marzył o byciu malarzem pejzażu i został przydzielony do nauki u przeciętnego malarza krajobrazu Willema Gerritsa w mieście Goorn.

Seger Herkules
(1589/1590 - ok. 1638)
Kraj: Holandia

Seghers Hercules to holenderski malarz pejzażysta i grafik. Studiował w Amsterdamie u G. van Coninxloo. W latach 1612-1629 mieszkał w Amsterdamie, gdzie został przyjęty do cechu artystów. Odwiedził Flandrię (ok. 1629-1630). Od 1631 mieszkał i pracował w Utrechcie, a od 1633 – w Hadze.

Fransa Halsa
(ok. 1580-1666)
Kraj: Holandia

Decydującą rolę w kształtowaniu się sztuki narodowej na wczesnym etapie rozwoju holenderskiej szkoły artystycznej odegrała twórczość Fransa Halsa, jej pierwszego wielkiego mistrza. Był niemal wyłącznie portrecistą, ale jego sztuka nie tylko wiele znaczyła malarstwo portretowe Holland, ale także do tworzenia innych gatunków. W twórczości Halsa można wyróżnić trzy rodzaje kompozycji portretowych: portret zbiorowy, portret indywidualny zamawiany oraz szczególny rodzaj obrazów portretowych, nawiązujący w swej istocie do malarstwa gatunkowego, uprawianego przez niego głównie w latach 20. i na początku lat 30. XX wieku.

Velasqueza Diego de Silvy
(1559-1660)
Kraj: Hiszpania

Urodzony w Sewilli, jednym z największych ośrodków sztuki w Hiszpanii na przełomie XVI i XVII wieku. Ojciec artysty pochodził z portugalskiej rodziny, która przeniosła się do Andaluzji. Chciał, aby jego syn został prawnikiem lub pisarzem, ale nie przeszkodził Velazquezowi w malowaniu. Jego pierwszym nauczycielem był ks. Herrera Starszego, a następnie – F. Pacheco. Córka Pacheco została żoną Velazqueza. W warsztacie Pacheco Velasquez zajmował się malowaniem głów z życia. W wieku siedemnastu lat Velasquez otrzymał tytuł mistrza. Kariera młodego malarza rozwijała się pomyślnie.

Kraj: Hiszpania

El Greco
(1541-1614)
Kraj: Hiszpania

El Greco, prawdziwe nazwisko - Domenico Theotokopuli, wielkiego hiszpańskiego malarza. Urodził się w biednej, ale oświeconej rodzinie w Candia na Krecie. Kreta w tym czasie była własnością Wenecji. Najprawdopodobniej uczył się u lokalnych malarzy ikon, którzy nadal kultywowali tradycje średniowiecznej sztuki bizantyjskiej. Około 1566 roku przeniósł się do Wenecji, gdzie wstąpił do warsztatu Tycjana.

Caravaggio Michelangelo Merisi
(1573-1610)
Kraj: Włochy

Caravaggio Michał Anioł Merisi, wybitny malarz włoski. Pojawienie się i rozkwit nurtu realistycznego w malarstwie włoskim przełomu XVI i XVII wieku wiąże się z nazwiskiem Caravaggia. Twórczość tego niezwykłego mistrza odegrała ogromną rolę życie artystyczne nie tylko we Włoszech, ale także w innych krajach europejskich. Sztuka Caravaggia urzeka nas dużą ekspresją artystyczną, głęboką prawdomównością i humanizmem.

Carracci
Kraj: Włochy

Carracci, rodzina włoskich malarzy pochodzących z Bolonii na początku XVII wieku, założycieli akademizmu w malarstwie europejskim. Na przełomie XVI i XVII wieku we Włoszech, w reakcji na manieryzm, ukształtował się akademicki nurt w malarstwie. Jej główne zasady ustanowili bracia Carracci – Lodovico (1555-1619), Agostino (1557-1602) i Annibale (1560-1609).

Brueghela Piotra Starszego
(między 1525 a 1530-1569)
Kraj: Holandia

Każdy, kto czytał wspaniałą powieść Charlesa de Costera „Legenda Thiela Ulenspiegela”, wie, że cały naród brał udział w rewolucji holenderskiej, w walce z Hiszpanami o niepodległość, walce okrutnej i bezlitosnej. Świadkiem i uczestnikiem tych wydarzeń, podobnie jak Ulenspiegel, był Peter Bruegel Starszy, największy holenderski artysta, rysownik i rytownik, jeden z twórców realistycznej sztuki holenderskiej i flamandzkiej.

Van Dycka Anthony’ego
(1599- 1641)
Kraj: Holandia

Van Dyck Anthony, wybitny malarz flamandzki. Urodzony w Antwerpii w rodzinie zamożnego biznesmena. Początkowo studiował u malarza z Antwerpii Hendricka van Balena. W 1618 wstąpił do warsztatu Rubensa. Swoją twórczość rozpoczął od kopiowania swoich obrazów. Wkrótce został głównym asystentem Rubensa przy realizacji dużych zamówień. Otrzymał tytuł mistrza cechu św. Łukasza w Antwerpii (1618).

Poussin Nicolas
(1594-1665)
Kraj: Francja

Nicolas Poussin (1594-1665), wybitny malarz francuski, czołowy przedstawiciel klasycyzmu. Urodzony we wsi Andely w Normandii w rodzinie małego właściciela ziemskiego. Początkowo uczył się w swojej ojczyźnie u mało znanego, ale raczej utalentowanego i kompetentnego wędrownego artysty K. Varena. W 1612 r. Poussin udał się do Paryża, gdzie jego nauczycielem został J. Aalleman. W Paryżu zaprzyjaźnił się z włoskim poetą Marine.

XVII (XVII wiek)

Artyści zagraniczni

Przylądek Alberta Gerritsa
(1620-1691)
Kraj: Holandia

Cape Albert Gerrits był holenderskim malarzem i rytownikiem.

Studiował u swojego ojca, artysty J. Keipa. Na jego styl artystyczny wpłynęło malarstwo J. van Goyena i S. van Ruysdaela. Pracował w Dordrechcie. Wczesne prace Cuypa, bliskie malarstwu J. van Goyena, są monochromatyczne. Maluje pagórkowate pejzaże, wiejskie drogi biegnące w oddali, biedne chłopskie chaty. Obrazy są najczęściej wykonane w jednym żółtawym odcieniu.

Ruisdael Jacob van
(1628/1629-1682)
Kraj: Holandia

Ruisdal Jacob van (1628/1629-1682) – holenderski malarz pejzażysta, rysownik, rytownik. Prawdopodobnie uczył się u swojego wuja, malarza Salomona van Ruysdaela. Odwiedził Niemcy (1640-1650). Mieszkał i pracował w Haarlemie, w 1648 roku został członkiem cechu malarzy. Od 1656 mieszkał w Amsterdamie, w 1676 uzyskał stopień doktora medycyny w skarbcu i wpisany na listę lekarzy amsterdamskich.

Rembrandta Harmenszoona van Rijna
(1606-1669)
Kraj: Holandia

Urodzony w Lejdzie w rodzinie młynarza. Sprawy ojca w tym okresie układały się dobrze i był w stanie zapewnić synowi lepsze wykształcenie niż inne dzieci. Rembrandt wstąpił do szkoły łacińskiej. Słabo się uczył i chciał malować. Mimo to ukończył szkołę i wstąpił na uniwersytet w Lejdzie. Rok później zaczął brać lekcje malarstwa. Jego pierwszym nauczycielem był J. van Swanenburg. Po ponad trzech latach pobytu w swojej pracowni Rembrandt udał się do Amsterdamu do malarza historycznego P. Lastmana. Wywarł silny wpływ na Rembrandta i nauczył go sztuki grawerowania. Sześć miesięcy później (1623) Rembrandt wrócił do Lejdy i otworzył własny warsztat.

Terborcha Gerarda
(1617-1681)
Kraj: Holandia

Terborch Gerard (1617-1681), słynny malarz holenderski. Urodzony w Zwolle w zamożnej rodzinie mieszczańskiej. Jego ojciec, brat i siostra byli artystami. Pierwszymi nauczycielami Terborcha byli jego ojciec i Hendrik Averkamp. Ojciec kazał mu dużo kopiować. Swoje pierwsze dzieło stworzył już w wieku dziewięciu lat. W wieku piętnastu lat Terborch wyjechał do Amsterdamu, a następnie do Haarlemu, gdzie znalazł się pod silnym wpływem ks. Chalsa. Już wówczas zasłynął jako mistrz gatunku codziennego, najchętniej malował sceny z życia wojska – tzw. „stróże”.

Canalletto (Canale) Giovanni Antonio
(1697-1768)
Kraj: Włochy

Pierwszym nauczycielem Canaletta był jego ojciec, dekorator teatralny B. Canale, któremu pomagał projektować przedstawienia w teatrach w Wenecji. Działał w Rzymie (1717-1720, początek lat 40. XVIII w.), Wenecji (od 1723 r.), Londynie (1746-1750, 1751-1756), gdzie wykonywał dzieła stanowiące podstawę jego twórczości. Malował weduty – pejzaże miejskie, przedstawiał ulice, budynki, kanały, łodzie sunące po falach morskich.

Manyasco Alessandro
(1667-1749)
Kraj: Włochy

Alessandro Magnasco (1667-1749) był włoskim malarzem, malarzem gatunkowym i pejzażowym. Studiował u swojego ojca, artysty S. Magnasco, następnie u mediolańskiego malarza F. Abbiatiego. Jego styl ukształtował się pod wpływem mistrzów genueńskiej szkoły malarstwa, S. Rosy i J. Callo. Mieszkał i pracował w Mediolanie, Florencji, Genui.

Watteau Antoine’a
(1684-1721)
Kraj: Francja

Watteau Antoine, wybitny malarz francuski, którego twórczość wiąże się z jednym z znaczących etapów rozwoju malarstwa codziennego we Francji. Los Watteau jest niezwykły. Ani we Francji, ani w krajach sąsiednich nie było tam w latach, gdy pisał swoje najlepsze rzeczy, ani jednego artysty, który byłby w stanie z nim konkurować. Tytani XVII wieku nie dożyli epoki Watteau; ci, którzy po nim sławili wiek XVIII, poznali świat dopiero po jego śmierci. Tak naprawdę Fragonard, Quentin de La Tour, Perronneau, Chardin, David we Francji, Tiepolo i Longhi we Włoszech, Hogarth, Reynolds, Gainsborough w Anglii, Goya w Hiszpanii – to wszystko jest środek, a nawet koniec XVIII wieku .

Lorrain Claude
(1600-1682)
Kraj: Francja

Lorrain Claude (1600-1682) – malarz francuski, który już w młodym wieku pracował w Rzymie jako służący u A. Tassiego, następnie został jego uczniem. Artysta zaczął otrzymywać duże zamówienia w latach trzydziestych XVII wieku, jego klientami byli papież Urban VIII i kardynał Bentivoglio. Od tego czasu Lorrain stała się popularna wśród koneserów sztuki rzymskiej i francuskiej.

XVIII (XVIII wiek)

Artyści zagraniczni

Gainsborough Thomas
(1727- 1788)
Kraj: Anglia

Gainsborough Thomas, wybitny malarz angielski, twórca portretu narodowego. Urodzony w Sudbury w Suffolk jako syn handlarza suknem. Malownicze okolice miasteczka, położonego nad rzeką Stour, przyciągały Gainsborougha od dzieciństwa, nieustannie ukazując je w swoich dziecięcych szkicach. Pasja chłopca do rysowania była tak wielka, że ojciec bez wahania przez długi czas wysłał trzynastoletniego syna na studia do Londynu, który w tamtym czasie stał się już centrum życia artystycznego.

Turnera Josepha Mallorda Williama
(1775-1851)
Kraj: Anglia

Turner Joseph Mallord William – angielski pejzażysta, malarz, rysownik i rytownik. W latach 1789-1793 pobierał lekcje malarstwa u T. Moltona (ok. 1789). studiował w Royal Academy w Londynie. W 1802 r. Turner był akademikiem, a w 1809 r. profesorem zajęć akademickich. Artysta dużo podróżował po Anglii i Walii, odwiedził Francję i Szwajcarię (1802), Holandię, Belgię i Niemcy (1817), Włochy (1819, 1828). Jego styl artystyczny ukształtował się pod wpływem K. Lorraina, R. Wilsona i holenderskich malarzy morskich.

Jana Vermeera z Delft
(1632-1675)
Kraj: Holandia

Jan Vermeer z Delft jest wielkim holenderskim artystą. O artyście nie ma prawie żadnych informacji. Urodzony w Delft w rodzinie mieszczanina, który był właścicielem hotelu. Zajmował się także wyrobem jedwabiu i handlem obrazami. Być może dlatego chłopiec wcześnie zainteresował się malarstwem. Jego mentorem został mistrz Karel Fabricius. Vermeer wkrótce poślubił Katarzynę Bolney, córkę zamożnego mieszczanina, a już w 1653 roku został przyjęty do cechu św. Łukasza.

Goya i Lucientes Francisco Hosse
(1746-1828)
Kraj: Hiszpania

Pewnego dnia mały Francisco, syn biednego złotnika ołtarzowego z wioski niedaleko hiszpańskiego miasta Saragossa, namalował świnię na ścianie swojego domu. Przechodzący nieznajomy dostrzegł prawdziwy talent w rysowaniu dziecka i poradził chłopcu, aby się uczył. Ta legenda o Goi jest podobna do tej, którą opowiada się o innych mistrzach renesansu, gdy prawdziwe fakty z ich biografii nie są znane.

Guardiego Francesco Lazzaro
(1712-1793)
Kraj: Włochy

Guardi Francesco Lazzaro – włoski malarz i rysownik, przedstawiciel szkoła wenecka obraz. Studiował u swojego starszego brata, malarza Giovanniego Antonio, w którego pracowni pracował z młodszym bratem Niccolò. Malował pejzaże, obrazy o tematyce religijnej i mitologicznej, kompozycje historyczne. Pracował przy tworzeniu dekoracji dekoracyjnych do wnętrz teatrów Manin i Fenice w Wenecji (1780-1790).

Vernet Claude Joseph
(1714-1789)
Kraj: Francja

Vernet Claude Joseph – francuski artysta. Studiował najpierw u ojca A. Verneta, następnie u L. R. Vialiego w Aix i B. Fergioniego, od 1731 r. – w Awinionie u F. Sovana, a później we Włoszech u Manglara, Panniniego i Locatellego. W latach 1734-1753. pracował w Rzymie. W okresie rzymskim wiele czasu poświęcał pracy z naturą w Tivoli w Neapolu, nad brzegiem Tybru. Malował pejzaże i widoki na morze („Wybrzeże w pobliżu Anzio”, 1743; „Widok na most i zamek św. Anioła”, „Ponte Rotto w Rzymie”, 1745 - oba w Luwrze w Paryżu; „Wodospad w Tivoli”, 1747; „Poranek w Castellammare”, 1747, Ermitaż w Petersburgu; „Willa Pamphili”, 1749, Muzeum Puszkina w Moskwie; „Port włoski”, „Wybrzeże morskie ze skałami”, 1751; „Skały blisko morza”, 1753 - wszystko w Ermitażu w Sankt Petersburgu). Prace te zadziwiają wirtuozerią w przekazywaniu światła i powietrza z otoczenia oraz oświetleniem, niezawodnością i doskonałą obserwacją.

Verneta Horacego
(1789-1863)
Kraj: Francja

Vernet Horace to francuski malarz i grafik. Studiował pod kierunkiem swojego ojca, Carla Verneta. Pisząc w epoce rozkwitu sztuki romantyzmu, artysta wykorzystuje w swoich pracach środki właściwe romantykowi. Interesuje go człowiek w mocy żywiołów naturalnych, w sytuacjach ekstremalnych. Vernet przedstawia wojowników walczących zaciekle w bitwach, huraganach i wrakach statków („Bitwa na morzu”, 1825, Ermitaż, St. Petersburg).

Delacroix Eugeniusz
(1798 - 186)
Kraj: Francja

Urodzony w Charenton w rodzinie prefekta. Otrzymał doskonałe wykształcenie. Malarstwa uczył się najpierw w Szkole Sztuk Pięknych w Paryżu, następnie w pracowni P. Guerina (1816-22), którego zimny kunszt wywarł na niego mniejszy wpływ niż namiętna sztuka romantyka T. Gericaulta, z którym związał się blisko Szkoły. Decydującą rolę w kształtowaniu się stylu malarskiego Delacroix odegrało kopiowanie dzieł dawnych mistrzów, zwłaszcza Rubensa, Veronese i D. Velasqueza. W 1822 roku zadebiutował w Szponie obrazem „Wieża Dante”(„Dante i Wergiliusz”) na podstawie fabuły pierwszej pieśni „Piekło” („Boska Komedia”).

Gericault Teodor
(1791-1824)
Kraj: Francja

Urodzony w Rouen w zamożnej rodzinie. Studiował w Paryżu w Liceum Cesarskim (1806-1808). Jego nauczycielami byli K. J. Berne i P.N. Guerina. Nie wpłynęły one jednak na kształtowanie się jego stylu artystycznego – w malarstwie Gericaulta prześledzone są tendencje w sztuce A. J. Grosa i J. L. Davida. Artysta odwiedził Luwr, gdzie wykonał kopie dzieł dawnych mistrzów, szczególnie podziwiał jego malarstwo Rubensa.

Galeria Sztuki Art Vedia to biografia współczesnych artystów. Kupuj, sprzedawaj współczesne obrazy artystów z różnych krajów.

Hiroshige Ando
(1797-1858)
Kraj: Japonia

Urodzony w Edo (obecnie Tokio) w rodzinie drobnego samuraja Ando Genemona. Jego ojciec był naczelnikiem miejskiej straży pożarnej, a życie rodziny było w miarę bezpieczne. Dzięki wczesnej edukacji szybko nauczył się rozumieć właściwości papieru, pędzla i tuszu. Ogólny poziom edukacji w tym czasie był dość wysoki. Teatry, grafiki, ikeba-fa były częścią codziennego życia.

Hokusai Katsushika
(1760-1849)
Kraj: Japonia

Hokusai Katsushika to japoński malarz i rysownik, mistrz kolorowego drzeworytu, pisarz i poeta. Studiował u grawera Nakayamy Tetsusona. Był pod wpływem artysty Shunsho, w którego warsztacie pracował. Malował pejzaże, w których życie przyrody, jej piękno jest ściśle związane z życiem i działalnością człowieka. W poszukiwaniu nowych doświadczeń Hokusai dużo podróżował po kraju, robiąc szkice wszystkiego, co zobaczył. Artysta starał się w swojej twórczości odzwierciedlić problem relacji człowieka z otaczającą go przyrodą. Jego twórczość przesiąknięta jest patosem piękna świata i świadomością uduchowionej zasady wprowadzanej przez człowieka we wszystko, z czym się styka.

Artyści zagraniczni

Boningtona Richarda Parkesa
(1802-1828)
Kraj: Anglia

Bonington Richard Parkes to angielski malarz i grafik. Od 1817 mieszkał we Francji. Malarstwa uczył się w Calais u L. Franci, od 1820 uczęszczał do Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu, gdzie jego nauczycielem był A. J. Gros. Od 1822 zaczął wystawiać swoje obrazy na Salonach Paryskich, a od 1827 brał udział w wystawach Towarzystwa Artystów Wielkiej Brytanii i Królewskiej Akademii Sztuk w Londynie.

Ensora Jamesa
(1860-1949)
Kraj: Belgia

Ensor James (1860-1949) Belgijski malarz i grafik. Artysta urodził się i wychował w portowym mieście Ostenda, gdzie spędził niemal całe życie. Obraz tego nadmorskiego miasteczka z wąskimi uliczkami zamieszkałymi przez rybaków i żeglarzy, z corocznymi karnawałowymi karnawałami i niepowtarzalną morską atmosferą często pojawia się na wielu jego obrazach.

Vincenta Van Gogha
(1853- 1890)
Kraj: Holandia

Van Gogh Vincent, wielki malarz holenderski, przedstawiciel postimpresjonizmu. Urodzony w brabanckiej wiosce Groot Zundert w rodzinie pastora. Od szesnastego roku życia pracował w Firmie Malarskiej, a następnie jako asystent nauczyciela w prywatnej szkole w Anglii. W 1878 roku dostał pracę jako kaznodzieja na terenie górniczym w południowej Belgii.

Ankera Mikaela
(1849-1927)
Kraj: Dania

Anker Mikael to duński artysta. Studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Kopenhadze (1871-1875), a także w pracowni duńskiego artysty P. Kreyera. Później w Paryżu studiował w pracowni Puvisa de Cha-vannesa, jednak okres ten nie znalazł odzwierciedlenia w jego twórczości.Wraz z żoną Anną pracował w Skagen, w małych wioskach rybackich. W jego pracach morze nierozerwalnie łączy się z wizerunkami rybaków jutlandzkich. Artysta ukazuje ludzi w chwilach ich ciężkiej i niebezpiecznej pracy.

Modiglianiego Amedeo
(1884-1920)
Kraj: Włochy

Jak subtelnie i elegancko Anna Achmatowa mówiła o Amedeo Modiglianim! A jednak – była poetką! Amedeo miał szczęście: poznali się w 1911 roku w Paryżu, zakochali się w sobie, a uczucia te stały się własnością świata sztuki, co znalazło wyraz w jego rysunkach i jej wierszach.

Eakins Thomas
(1844-1916)
Kraj: USA

Studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Filadelfii (Pensylwania) i w Szkole Sztuk Pięknych w Paryżu (1866-1869). Na ukształtowanie się jego stylu artystycznego duży wpływ miała twórczość dawnych mistrzów hiszpańskich, którą studiował w Madrycie. Od 1870 roku malarz mieszkał w swojej ojczyźnie, w Filadelfii, gdzie zajmował się działalnością pedagogiczną. Już w pierwszych samodzielnych pracach Eakins dał się poznać jako realista (Max Schmitt w łódce, 1871, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork; Na żaglówce, 1874; Żaglówki na Delaware, 1874).

Kenta Rockwella
(1882-1971)
Kraj: USA

Kent Rockwell to amerykański malarz krajobrazu, rysownik, grafik i pisarz. Studiował u przedstawiciela szkoły plenerowej artysty Williama Merritta Chase’a w Shinnecock na Long Island, następnie u Roberta Henry’ego w School of Art w Nowym Jorku, gdzie uczęszczał także na zajęcia Kennetha Millera.

Homera Winslowa
(1836-1910)
Kraj: USA

Homer Winslow to amerykański malarz i rysownik. Nie otrzymał systematycznego wykształcenia, w młodości opanował jedynie rzemiosło litografa. W latach 1859-1861. uczęszczał do wieczorowej szkoły rysunku w National Academy of Arts w Nowym Jorku. Od 1857 wykonywał rysunki do czasopism, m.in wojna domowa(1861-1865) współpracował z ilustrowanym tygodnikiem Harper's Weekly, dla którego współpracował realistyczne rysunki ze scenami bitewnymi, wyróżniającymi się wyrazistymi i surowymi formami. W 1865 roku został członkiem Narodowej Akademii Sztuk.

Bonnarda Pierre’a
(1867-1947)
Kraj: Francja

Bonnard Pierre – francuski malarz, rysownik, litograf. Urodzony w okolicach Paryża. W młodości studiował prawo, jednocześnie rysując i malując w École des Beaux-Arts i Académie Julian. Lubił japońskie grawerowanie. Razem z artystami E. Vuillardem, M. Denisem, P. Serusierem tworzyli trzon grupy, która nazywała siebie „Nabi” – od hebrajskiego słowa „prorok”. Członkowie grupy byli zwolennikami symboliki mniej złożonej i literackiej niż symbolika Gauguina i jego zwolenników.

Małżeństwo Jerzego
(1882-1963)
Kraj: Francja

Małżeństwo Georges – francuski malarz, rytownik, rzeźbiarz. W latach 1897-1899. studiował w École des Beaux-Arts w Le Havre, następnie w Akademii Bursztynu i w École des Beaux-Arts w Paryżu (1902-1903). Jego wczesna praca naznaczony wpływami fowistów, zwłaszcza A. Deraina i A. Matisse’a. To właśnie w tym okresie artysta najczęściej sięga po gatunek pejzażu: maluje porty, zatoki morskie z łodziami, budynki przybrzeżne.

Gauguin Paweł
(1848-1903)
Kraj: Francja

Gauguin Paul (1848-1903), wybitny malarz francuski. przedstawiciel impresjonizmu. Urodzony w Paryżu. Jego ojciec był pracownikiem gazety „Nacional” o umiarkowanych przekonaniach republikańskich. Zmiana kursu politycznego zmusiła go do opuszczenia ojczyzny w 1849 roku. Na statku płynącym do Ameryka Południowa nagle zmarł. Gauguin spędził pierwsze cztery lata swojego życia w Limie (Peru) u krewnych swojej matki. W wieku 17-23 lat służył jako marynarz, palacz, sternik w handlu i marynarce wojennej, pływał do Rio de Janeiro i innych odległych miast.

Degasa Edgara
(1834-1917)
Kraj: Francja

Edgar Degas był na pierwszy rzut oka osobą sprzeczną i dziwną. Urodzony w rodzinie bankiera w Paryżu. Potomek rodziny arystokratycznej (jego prawdziwe nazwisko brzmiało de Ha), z młodości porzucił przedrostek szlachecki. Już jako dziecko wykazywał zainteresowanie rysunkiem. Otrzymał dobre wykształcenie. W 1853 roku zdał egzaminy licencjackie i rozpoczął studia prawnicze. Ale już w tym czasie studiował u malarza Barriasa, a następnie u Louisa Lamothe. Podobnie jak Édouard Manet przygotowywał go do błyskotliwej kariery, ale porzucił studia prawnicze i przeniósł się do Szkoły Sztuk Pięknych.

Derena Andre
(1880-1954)
Kraj: Francja

Derain Andre – francuski malarz, ilustrator książek, rytownik, rzeźbiarz, jeden z twórców fowizmu. Zaczął malować w Shatu w 1895 roku, jego nauczycielem był miejscowy artysta. W latach 1898-1900. studiował w Paryżu w Akademii Kariery, gdzie poznał A. Matisse’a, J. Puya i A. Marqueta. Wkrótce Deren opuścił akademię i zaczął uczyć się samodzielnie.

Daubigny’ego Charlesa Francois
(1817-1878)
Kraj: Francja

Daubigny Charles Francois – francuski pejzażysta, grafik, przedstawiciel szkoły barbizonskiej. Studiował u swojego ojca, artysty E. F. Daubigny'ego, następnie u P. Delaroche'a. Pod wpływem Rembrandta. W Luwrze kopiował obrazy mistrzów holenderskich, szczególnie atrakcyjne były jego dzieła J. Ruisdala i Hobbemy. W latach 1835-1836. Daubigny odwiedził Włochy, a w 1866 roku udał się do Holandii, Wielkiej Brytanii i Hiszpanii. Ale te podróże praktycznie nie znalazły odzwierciedlenia w twórczości artysty, prawie wszystkie jego prace poświęcone są francuskim krajobrazom.

Dufy’ego Raoula
(1877-1953)
Kraj: Francja

Dufy Raoul – francuski malarz i grafik. Studiował w Le Havre, w klasach wieczorowych Miejskiej Szkoły Artystycznej, gdzie uczył Luye (1892-1897). Tutaj Dufy poznał OJ Braque i O. Friesza. W tym okresie malował portrety członków swojej rodziny, a także pejzaże na wzór E. Boudina.

Isabey Louis Gabriel Jean
(1803-1886)
Kraj: Francja

Isabey Louis Gabriel Jean (1803-1886) – francuska malarka romantyczna, akwarelistka, litografka. Studiował u swojego ojca, miniaturzysty J.-B. Izaba. Był pod wpływem malarstwa angielskich malarzy morskich i małoholenderskich z XVII wieku. Pracował w Paryżu. W poszukiwaniu nowych doświadczeń Isabey odwiedziła Normandię, Owernię, Bretanię, południową Francję, Holandię, Anglię i jako artystka towarzyszyła wyprawie do Algierii.

Courbeta Gustawa
(1819-1877)
Kraj: Francja

Courbet Gustave to wybitny francuski malarz, wspaniały mistrz realistycznego portretu. „…nigdy nie należał do żadnej szkoły, żadnego kościoła… do żadnego reżimu, a jedynie do reżimu wolności”.

Maneta Edouarda
(1832-1883)
Kraj: Francja

Edouard MANET (1832-1883), wybitny francuski artysta, który na nowo przemyśleł tradycje narracyjnego malarstwa realistycznego. „Zwięzłość w sztuce jest zarówno koniecznością, jak i elegancją. Osoba, która wypowiada się krótko, zmusza do myślenia; gadatliwa osoba nudzi się.

Marche Albert
(1875-1947)
Kraj: Francja

Marquet Albert (1875-1947) – francuski malarz i grafik. W latach 1890-1895. studiował w Paryżu w Szkole sztuka dekoracyjna, a od 1895 do 1898 - w Szkole Sztuk Pięknych w pracowni G. Moreau. Malował portrety, wnętrza, martwe natury, pejzaże, wśród których znajdują się widoki na morze, wizerunki portów i portów. W pejzażach stworzonych przez artystę na przełomie lat 90. XIX i XX wieku. zauważalnie silny wpływ impresjonistów, zwłaszcza A. Sisleya („Drzewa w Billancourt”, ok. 1898, Musée des Arts, Bordeaux).

Moneta-Claude'a
(1840-1926)
Kraj: Francja

Monet Claude, malarz francuski, twórca impresjonizmu. „To, co piszę, to chwila”. Urodzony w Paryżu w rodzinie kupca spożywczego. Dzieciństwo spędził w Le Havre. W Le Havre zaczął tworzyć kreskówki, sprzedając je w sklepie papierniczym. Zwrócił na nie uwagę E. Boudin i udzielił Monetowi pierwszych lekcji malarstwa plenerowego. W 1859 roku Monet wstąpił do paryskiej Szkoły Sztuk Pięknych, a następnie do pracowni Gleyera. Po dwuletnim pobycie w Algierii za służba wojskowa(1860-61) wrócił do Le Havre i spotkał Jonkinda. Pełne światła i powietrza krajobrazy Ionkind wywarły na nim głębokie wrażenie.

Pierre'a Augusta Renoira
(1841-1919)
Kraj: Francja

Pierre Auguste Renoir urodził się w wielodzietnej rodzinie biednego krawca i od najmłodszych lat uczył się „żyć w koniczynie”, nawet gdy w domu nie było ani kawałka chleba. Już w wieku trzynastu lat opanował już to rzemiosło – malował filiżanki i spodki fabryka porcelany. Poplamiona farbą bluza robocza miała na sobie jeszcze, gdy przyszedł do Szkoły Sztuk Pięknych. W pracowni Gleyre'a zebrał puste tubki po farbie rzucone przez innych uczniów. Wyciskając je do ostatniej kropli, mruczał pod nosem coś beztrosko wesołego.

Redona Odilona
(1840-1916)
Kraj: Francja

Redon Odilon – francuski malarz, rysownik i dekorator. W Paryżu studiował architekturę, ale jej nie ukończył. Przez pewien czas uczęszczał do Szkoły Rzeźby w Bordeaux, następnie studiował w Paryżu w pracowni Hieronima. Jako malarz kształtował się pod wpływem sztuki Leonarda da Vinci, J. F. Corota, E. Delacroix i F. Goi. Botanik Armand Claveau odegrał ważną rolę w jego życiu. Mając bogatą bibliotekę, przedstawił młody artysta z twórczością Baudelaire'a, Flauberta, Edgara Allana Poe, a także z poezją indyjską i filozofią niemiecką. Razem z Clavo Redonem studiowali świat roślin i mikroorganizmów, co znalazło później odzwierciedlenie w jego rycinach.

Cezanne'a Paula
(1839-1906)
Kraj: Francja

Do tej pory w cieniu pozostawał jeden z uczestników pierwszej wystawy na Boulevard des Capucines, najcichszy z gości kawiarni Gerbois, Paul Cezanne. Pora przybliżyć się do jego obrazów. Zacznijmy od autoportretów. Przyjrzyjmy się bliżej twarzy tego brodatego mężczyzny o wysokich kośćch policzkowych, który wygląda jak wieśniak (kiedy ma na sobie czapkę), a potem jak mądry pisarz (kiedy widać jego strome, mocne czoło). Cezanne był jednym i drugim, łącząc upartą pracowitość chłopa z dociekliwym umysłem naukowca.

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de
(1864-1901)
Kraj: Francja

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de, wybitny francuski artysta. Urodzony w Albi na południu Francji w rodzinie należącej do największej rodziny arystokratycznej, która niegdyś przewodziła wyprawom krzyżowym. Od dzieciństwa wykazywał talent artystyczny. Malowaniem zajął się jednak po upadku z konia (w wieku czternastu lat), w wyniku czego stał się kaleką. Wkrótce po tym, jak ojciec przedstawił go Prensto, Henri zaczął stale przychodzić do studia przy Rue Faubourg Saint-Honoré. Godzinami mógł patrzeć, jak artysta rysuje lub maluje.

Artyści zagraniczni

Dali Salvador
(1904-1989)
Kraj: Hiszpania

Dali Salvador, wielki hiszpański artysta, największy przedstawiciel surrealizmu. Urodzony w Figueres (Katalonia) w rodzinie słynnego prawnika. W wieku szesnastu lat Dali został wysłany do katolickiej uczelni w Figueres. Na ukształtowanie się jego osobowości ogromny wpływ miała rodzina Pichotów. Wszyscy członkowie rodziny posiadali instrumenty muzyczne, organizowali koncerty. Ramon Pichot jest malarzem pracującym w Paryżu i znającym blisko P. Picassa. W domu Pichotowa Dali zajmował się rysowaniem. W 1918 roku w Fegueras odbyła się jego pierwsza wystawa, która została pozytywnie oceniona przez krytykę.

Kalninsh Eduardas
(1904-1988)
Kraj: Łotwa

Kalninsh Eduardas – łotewski malarz morski. Urodzony w Rydze w rodzinie prostego rzemieślnika, wcześnie zaczął rysować. Pierwszym nauczycielem Kalnina był artysta Jewgienij Moszkiewicz, który otworzył w Tomsku, gdzie rodzina chłopca przeniosła się na początku I wojny światowej, pracownię dla początkujących malarzy. Po 1920 Kalniņš wrócił z rodzicami do Rygi i w 1922 wstąpił do Łotewskiej Akademii Sztuk Pięknych. Jego nauczycielem został Vilhelme Purvitis, uczeń AI Kuindzhi.

Wynika to z przedstawicieli malarstwa zachodnioeuropejskiego XIX wieku, świata Centrum Kultury w tamtym czasie, podobnie jak poprzednio (od XVII wieku), rozważano Francję, a stylem artystycznym, który otworzył tę erę, był romantyzm. Co dziwne, w Internecie znacznie łatwiej jest znaleźć informacje o przedstawicielach romantyzmu w ogóle niż o Francuzach XIX wieku. Możesz na przykład odwołać się do informacji podanych na stronie smolbay.ru, która zawiera listę artystów romantycznych nie tylko we Francji, ale także w innych krajach. Nawiasem mówiąc, listę przedstawicieli romantyzmu w malarstwie XIX wieku należy rozpocząć od jednego z jego twórców - Hiszpana Francisco Goyi. Tutaj także można zaliczyć nazwiska Jacques’a Louisa Davida, którego twórczość sytuuje się na pograniczu klasycyzmu i romantyzmu, oraz „prawdziwych romantyków” Theodore’a Géricaulta i Eugene’a Delacroix.

Romantyzm wypiera malarstwo realistyczne, które również wywodzi się z Francji. Dość pojemne na temat tego kierunku zawarte jest w „ słownik encyklopedyczny Brockhaus i Efron”, w Internecie jego tekst można znaleźć na stronie dic.academic.ru. Do przedstawicieli realizmu w sztukach pięknych Francji zaliczają się przede wszystkim Honore Daumier, Gustave Courbet i Jean-Francois Millet.

Jednym z najbardziej uderzających w historii malarstwa francuskiego jest pojawienie się i rozwój. Informacje o artystach impresjonistycznych można dość łatwo znaleźć, odwołując się do stron hudojnik-impressionist.ru, impressionism.ru, a także do licznych drukowanych publikacji na ten temat, na przykład „Impresjonizm. Ilustrowana encyklopedia” Iwana Mosina, „Impresjonizm. Zaczarowana chwila” Natalii Sinelnikowej, „Historia malarstwa światowego. Impresjonizm” Natalii Skorobogatko. Czołowymi mistrzami są tutaj Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Edgar Degas.

Nie mniej powszechne są informacje o przedstawicielach neoimpresjonizmu i postimpresjonizmu. Można go znaleźć na wspomnianej już stronie smolbay.ru lub w książce Eleny Zoriny „Historia malarstwa świata. Rozwój impresjonizmu. Przede wszystkim listę należy uzupełnić nazwiskami Georgesa Seurata, Paula Signaca, Paula Cezanne'a, Paula Gauguina, Vincenta van Gogha, Henriego de Toulouse-Lautreca.
Kierunek w malarstwie angielskim drugiej połowy XIX wieku, jakim jest prerafaelizm, zyskuje coraz większą popularność. Nazwiska jej przedstawicieli można znaleźć na stronach internetowych dic.academic.ru, Restorewiki.ru czy w książkach „Prerafaelizm” Ivana Mosina, „Historia malarstwa światowego. Malarstwo wiktoriańskie i prerafaelici” Natalii Mayorowej i Giennadija Skokowa. Czołowymi mistrzami tego nurtu są Dante Gabriel Rossetti, John Everett Milles, William Holman Hunt, William Morris, Edward Burne-Jones.

Mistrzowie malarstwa rosyjskiego XIX wieku

O wiele łatwiej jest sporządzić listę rosyjskich artystów XIX wieku, kontaktując się z takimi stronami jak www.art-portrets.ru, art19.info lub jedną z wielu encyklopedii w celu uzyskania informacji. W tym miejscu należy wyróżnić przedstawicieli romantyzmu (Orest Kiprensky, Wasilij Tropinin, Karl Bryullov), artystów, których twórczość reprezentuje przejście od romantyzmu do realizmu (Aleksander Iwanow, Paweł Fedotow) i wreszcie słynnych Wędrowców (Ilja Repin, Iwan Kramskoj, Wasilij Perow, Wasilij Surikow, Aleksiej Sawrasow, Iwan Szyszkin, Izaak Lewitan, Wiktor Wasniecow i wielu innych).

Sporządzanie listy artystów XIX wieku nie jest takie proste trudne zadanie, wystarczy włożyć trochę wysiłku w znalezienie i uporządkowanie informacji.

Malarstwo rosyjskie pierwszej połowy XIX wieku.

Romantyczne ideały epoki odrodzenia narodowego zostały ucieleśnione w malarstwie. Odrzucając surowe zasady klasycyzmu, które nie dopuszczały odstępstw, artyści odkryli różnorodność i oryginalność otaczającego ich świata. Znalazło to nie tylko odzwierciedlenie w znanych już gatunkach – portrecie i pejzażu – ale dało także impuls do narodzin malarstwa codziennego, które znalazło się w centrum uwagi mistrzów drugiej połowy stulecia. Tymczasem prymat pozostał przy gatunku historycznym. Była to ostatnia ostoja klasycyzmu, choć i tu romantyczne idee i tematy kryły się za formalnie klasycystyczną „fasadą”.

Romantyzm - (francuski romantisme), kierunek ideowy i artystyczny w europejskiej i amerykańskiej kulturze duchowej końca XVIII - I połowy. XIX wiek Odzwierciedlające rozczarowanie skutkami rewolucji francuskiej końca XVIII wieku, ideologią oświecenia i postępem społecznym. Romantyzm przeciwstawiał utylitaryzm i zrównanie jednostki z dążeniem do wolności nieograniczonej i „nieskończoności”, pragnieniem doskonałości i odnowy, patosem niezależności osobistej i obywatelskiej. Bolesna rozbieżność między rzeczywistością idealną a społeczną jest podstawą romantycznego światopoglądu i sztuki. Twierdzenie o wrodzonej wartości duchowego i twórczego życia jednostki, obraz silnych namiętności, obraz silnych namiętności, uduchowionej i uzdrawiającej natury, dla wielu romantyków - bohaterów protestu lub walki sąsiadują z motywami „świata” smutek”, „zło świata”, „nocna” strona duszy, ubrana w formy ironii, groteskowej poetyki dwóch światów. Zainteresowanie przeszłością narodową (często jej idealizacją), tradycjami folkloru i kultury własnej i obcych narodów, chęć stworzenia uniwersalnego obrazu świata (przede wszystkim historii i literatury), idea syntezy sztuki znalazła wyraz w ideologia i praktyka romantyzmu.

W sztukach wizualnych romantyzm najwyraźniej przejawiał się w malarstwie i grafice, mniej wyraźnie w rzeźbie i architekturze (np. fałszywy gotyk). Większość narodowych szkół romantyzmu w sztukach wizualnych rozwinęła się w walce z oficjalnym klasycyzmem akademickim.

W trzewiach oficjalnej kultury państwowej zauważalna jest warstwa kultury „elitarnej”, służącej klasie panującej (arystokracji i dworowi królewskiemu) i charakteryzującej się szczególną podatnością na zagraniczne innowacje. Wystarczy przypomnieć romantyczne malarstwo O. Kiprenskiego, V. Tropinina, K. Bryullova, A. Iwanowa i innych najważniejszych artystów XIX wieku.

Kiprensky Orest Adamowicz, rosyjski artysta. Wybitny mistrz rosyjskiej sztuki romantycznej, znany jako wspaniały portrecista. W obrazie „Dmitrij Donskoj na polu Kulikowo” (1805, Muzeum Rosyjskie) wykazał się pewną znajomością kanonów akademickiego obrazu historycznego. Ale na początku obszarem, w którym jego talent ujawnia się w sposób najbardziej naturalny i naturalny, jest portret. Jego pierwszy portret malarski („A. K. Schwalbe”, 1804, ibid.), napisany w stylu „rembrandtowskim”, wyróżnia się wyrazistym i dramatycznym systemem światła i cienia. Z biegiem lat jego umiejętności – objawiające się przede wszystkim umiejętnością tworzenia niepowtarzalnych, indywidualnych, charakterystycznych obrazów, doborem specjalnych środków plastycznych dla podkreślenia tej cechy – są coraz silniejsze. Pełne imponującej żywotności: portret chłopca autorstwa A. A. Cheliszczewa (ok. 1810–1811), sparowane wizerunki małżonków F. V. i E. P. Rostopchinów (1809) oraz W. S. i D. N. Chwostowów (1814, całość - Galeria Trietiakowska). Artysta coraz częściej bawi się możliwościami koloru i kontrastami światła i cienia, tłem pejzażu, detalami symbolicznymi („E. S. Avdulina”, ok. 1822, tamże). Artysta wie, jak nawet duże portrety ceremonialne wykonać lirycznie, niemal intymnie zrelaksowanym („Portret życia pułkownika huzarów Jewgrafa Dawidowa”, 1809, Muzeum Rosyjskie). Jego portret młodego A. S. Puszkina, pokryty poetycką chwałą, jest jednym z najlepszych w tworzeniu romantycznego wizerunku. Puszkin Kiprenskiego wygląda uroczyście i romantycznie w aureoli poetyckiej chwały. „Pochlebiasz mi, Orestesie” - westchnął Puszkin, patrząc na gotowe płótno. Kiprensky był także rysownikiem-wirtuozem, tworzącym (głównie w technice włoskiego ołówka i pastelu) przykłady kunsztu graficznego, często przewyższającego swoje malarskie portrety otwartą, ekscytująco lekką emocjonalnością. Są to typy codzienne („Ślepy muzyk”, 1809, Muzeum Rosyjskie; „Kałmyczka Bayausta”, 1813, Galeria Trietiakowska) oraz słynna seria ołówkowych portretów uczestników Wojny Ojczyźnianej 1812 r. (rysunki przedstawiające E. I. Chaplitsa, A. R. Tomilovą , P. A. Olenina, ten sam rysunek z poetą Batiuszkowem i innymi, 1813-15, Galeria Trietiakowska i inne zbiory); heroiczny początek nabiera tu szczerej konotacji. Duża liczba szkiców i dowodów tekstowych wskazuje, że artysta przez cały swój dojrzały okres miał tendencję do tworzenia dużego (jak sam to określił z listu do A. N. Olenina z 1834 r.), „spektakularnego, czyli po rosyjsku uderzającego i magicznego obrazu ”, gdzie wyniki historii Europy, a także losy Rosji, zostaną przedstawione w formie alegorycznej. „Czytelnicy gazet w Neapolu” (1831, Galeria Trietiakowska) - z pozoru tylko portret grupowy - w rzeczywistości istnieje potajemnie symboliczna reakcja na rewolucyjne wydarzenia w Europie.

Jednak najbardziej ambitna z obrazowych alegorii Kiprensky'ego pozostała niespełniona lub zniknęła (jak Grób Anakreona, ukończony w 1821 r.). Te romantyczne poszukiwania miały jednak kontynuację na szeroką skalę w twórczości K. P. Bryulłowa i A. A. Iwanowa.

Realistyczny sposób znalazł odzwierciedlenie w pracach V.A. Tropinin. Wczesne portrety Tropinina, malowane w powściągliwej kolorystyce (portrety rodzinne hrabiów Morkowa z 1813 i 1815 r., oba w Galerii Trietiakowskiej), w dalszym ciągu należą całkowicie do tradycji epoki oświecenia: model jest bezwarunkowym i stabilnym centrum obrazu w ich. Później kolorystyka obrazu Tropinina staje się bardziej intensywna, tomy są zwykle formowane wyraźniej i rzeźbiarsko, ale co najważniejsze, uroczo rośnie czysto romantyczne uczucie ruchomych elementów życia, którego tylko część wydaje się bohaterowi portretu być fragmentem („Bułachow”, 1823; „K.G. Ravich”, 1823; autoportret, ok. 1824 r.; wszystkie trzy – tamże). Taki jest A. S. Puszkin na słynnym portrecie z 1827 r. (Ogólnorosyjskie Muzeum A. S. Puszkina, Puszkin): poeta, kładąc rękę na stosie papieru, jakby „słuchał muzy”, słucha twórczego snu otaczającego obraz niewidzialnej aureoli. Namalował także portret A. S. Puszkina. Zanim widz wydaje się mądry przez doświadczenie życiowe, niezbyt szczęśliwą osobą. W portrecie Tropinina poeta czaruje w swojski sposób. Z prac Tropinina emanuje szczególne, staro-moskiewskie ciepło i komfort. Do 47. roku życia przebywał w niewoli. Dlatego prawdopodobnie twarze zwykłych ludzi są tak świeże, tak inspirowane jego płótnami. A młodość i urok jego „Koronkarki” są nieograniczone. Najczęściej V. A. Tropinin zwracał się do wizerunku ludzi z ludu („Koronkarka”, „Portret syna” itp.).

Poszukiwania artystyczne i ideologiczne rosyjskiej myśli społecznej, oczekiwanie zmian znalazły odzwierciedlenie w malarstwie K.P. Bryulłowa „Ostatni dzień Pompejów” i A. A. Iwanowa „Pojawienie się Chrystusa ludowi”.

Wielkim dziełem sztuki jest obraz „Ostatni dzień Pompejów” Karola Pawłowicza Bryulłowa (1799-1852). W 1830 roku rosyjski artysta Karl Pawłowicz Bryullow odwiedził wykopaliska starożytnego miasta Pompeje. Spacerował po starożytnych chodnikach, podziwiał freski, a w jego wyobraźni pojawiła się tragiczna noc sierpnia 79 r. n.e. e., kiedy miasto pokryło się rozżarzonym do czerwoności popiołem i pumeksem przebudzonego Wezuwiusza. Trzy lata później obraz „Ostatni dzień Pompejów” odbył triumfalną podróż z Włoch do Rosji. Artysta znalazł niesamowite kolory, aby przedstawić tragedię starożytnego miasta, umierającego pod lawą i popiołem wybuchającego Wezuwiusza. Obraz jest przesiąknięty wysokimi ideałami humanistycznymi. Pokazuje odwagę ludzi, ich bezinteresowność, okazaną podczas straszliwej katastrofy. Bryullov przebywał we Włoszech w podróży służbowej z Akademii Sztuk Pięknych. W tej placówce edukacyjnej ugruntowano szkolenie w zakresie techniki malarstwa i rysunku. Akademia jednak jednoznacznie skupiała się na dziedzictwie starożytnym i tematyce heroicznej. Malarstwo akademickie charakteryzowało się dekoracyjnym pejzażem, teatralnością całości kompozycji. Sceny ze współczesnego życia, zwykły rosyjski krajobraz uznano za niegodne pędzla artysty. Klasycyzm w malarstwie nazywano akademizmem. Bryullov całą swoją twórczością był związany z Akademią.

Posiadał potężną wyobraźnię, bystre oko i wierną rękę – tworzył żywe stworzenia, zgodne z kanonami akademizmu. Zaprawdę dzięki wdziękowi Puszkina udało mu się uchwycić na płótnie piękno nagiego ludzkiego ciała i drżenie promienia słońca na zielonym liściu. Jego płótna „Jeździec”, „Batszeba”, „Włoski poranek”, „Włoskie południe”, liczne portrety ceremonialne i intymne na zawsze pozostaną nieblaknącymi arcydziełami malarstwa rosyjskiego. Jednak artysta zawsze skłaniał się ku dużym tematom historycznym, do ukazywania znaczących wydarzeń w historii ludzkości. Wiele jego planów w tym zakresie nie zostało zrealizowanych. Bryullov nigdy nie porzucił pomysłu stworzenia epickiego płótna opartego na fabule z historii Rosji. Rozpoczyna obraz „Oblężenie Pskowa przez wojska króla Stefana Batorego”. Przedstawia kulminację oblężenia w 1581 r., kiedy wojownicy pskowscy i. mieszczanie napadli na Polaków, którzy wdarli się do miasta i wrzucili ich za mury. Ale obraz pozostał niedokończony, a zadanie stworzenia prawdziwie narodowych obrazów historycznych wykonał nie Bryulłow, ale kolejne pokolenie rosyjskich artystów. W tym samym wieku co Puszkin Bryulłow przeżył go o 15 lat. W ostatnich latach chorował. Z namalowanego wówczas autoportretu patrzy na nas rudowłosy mężczyzna o delikatnych rysach i spokojnym, zamyślonym spojrzeniu.

W pierwszej połowie XIX w. żył i pracował artysta Aleksander Andriejewicz Iwanow (1806–1858). Całe swoje twórcze życie poświęcił idei duchowego przebudzenia ludu, ucieleśniając ją w obrazie „Pojawienie się Chrystusa ludowi”. Przez ponad 20 lat pracował nad obrazem „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, w którym włożył całą moc i jasność swojego talentu. Na pierwszym planie jego okazałego płótna wzrok przykuwa odważna postać Jana Chrzciciela, wskazując ludziom zbliżającego się Chrystusa. W oddali widoczna jest jego postać. Jeszcze nie przyszedł, nadchodzi, na pewno przyjdzie – mówi artysta. A twarze i dusze tych, którzy czekają na Zbawiciela, rozjaśniają się, oczyszczają. Na tym zdjęciu pokazał, jak później powiedział I. E. Repin, „lud uciskany, spragniony słowa wolności”.

W pierwszej połowie XIX w. Malarstwo rosyjskie obejmuje codzienną fabułę.

Jednym z pierwszych, który zwrócił się do niego, był Aleksiej Gawrilowicz Wenecjanow (1780–1847). Swoją twórczość poświęcił przedstawianiu życia chłopów. Pokazuje to życie w wyidealizowanej, upiększonej formie, oddając hołd modnemu wówczas sentymentalizmowi. Jednak obrazy Venetsianova „Kłopot”, „W żniwach. Lato”, „Na gruntach ornych. Wiosna”, „Chłopka z chabrami”, „Zacharka”, „Poranek właściciela ziemskiego”, odzwierciedlające piękno i szlachetność zwykłego Rosjanina, służyły utwierdzeniu godności człowieka, niezależnie od jego statusu społecznego.

Jego tradycje kontynuował Paweł Andriejewicz Fiedotow (1815–1852). Jego płótna są realistyczne, przepełnione treściami satyrycznymi, eksponującymi komercyjną moralność, życie i obyczaje elity społeczeństwa („Major’s Matchmaking”, „Świeży kawaler” itp.). Karierę rozpoczął jako artysta satyryczny jako oficer straży. Potem zrobił zabawne, przewrotne szkice z życia armii. W 1848 roku na wystawie akademickiej zaprezentowano jego obraz „Świeży kawaler”. Była to śmiała kpina nie tylko z głupiej, zadowolonej z siebie biurokracji, ale także z tradycji akademickich. Brudna szata, którą założył bohater obrazu, bardzo przypominała antyczną togę. Bryulłow stał długo przed płótnem, po czym powiedział do autora pół żartem, pół serio: „Gratuluję, pokonałeś mnie”. Inne obrazy Fiedotowa („Śniadanie arystokraty”, „Swatanie majora”) również mają charakter komediowy i satyryczny. Jego ostatnie obrazy są bardzo smutne („Kotwica, więcej kotwicy!”, „Wdowa”). Współcześni słusznie porównali P. A. Fiedotowa w malarstwie z N. W. Gogolem w literaturze. Ujawnianie plag feudalnej Rosji to główny temat twórczości Pawła Andriejewicza Fiedotowa.

Malarstwo rosyjskie drugiej połowy XIX wieku.

Świadomy zwrot nowego malarstwa rosyjskiego w kierunku realizmu demokratycznego, narodowości, nowoczesności zaznaczył się pod koniec lat 50. wraz z rewolucyjną sytuacją w kraju, dojrzałością społeczną raznochinckiej inteligencji, rewolucyjnym oświeceniem Czernyszewskiego, Dobrolubowa. , Saltykov-Shchedrin, z kochającą ludzi poezją Niekrasowa. W „Esejach o okresie Gogola” (1856) Czernyszewski napisał: „Jeśli malarstwo znajduje się obecnie w dość opłakanej sytuacji, to za główną przyczynę należy uznać wyobcowanie tej sztuki od współczesnych aspiracji”. Tę samą myśl przytoczono w wielu artykułach magazynu „Sovremennik”.

Tematem przewodnim sztuki był człowiek, nie tylko uciskany i cierpiący, ale także człowiek – twórca historii, człowiek-wojownik, twórca wszystkiego, co w życiu najlepsze.

Ugruntowanie realizmu w sztuce odbyło się w upartej walce z oficjalnym kierunkiem, który reprezentowało kierownictwo Akademii Sztuk Pięknych. Pracownicy akademii inspirowali swoich uczniów ideą, że sztuka jest czymś wyższym niż życie, w twórczości artystów proponowali wyłącznie wątki biblijne i mitologiczne.

Ale malarstwo zaczynało już łączyć się z nowoczesnymi aspiracjami - przede wszystkim w Moskwie. Szkoła moskiewska nie cieszyła się nawet jedną dziesiątą przywilejów petersburskiej Akademii Sztuk, była jednak mniej zależna od swoich zakorzenionych dogmatów, atmosfera w niej była bardziej ożywiona. Choć nauczycielami w Szkole są głównie pracownicy naukowi, ale pracownicy naukowi są średnie i chwiejni, to nie tłumili swojego autorytetu, jak to miało miejsce w Akademii F. Bruni, filarze starej szkoły, który swego czasu konkurował z Bryullowem obrazem „Miedziany wąż”.

W 1862 r. Rada Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu podjęła decyzję o zrównaniu praw wszystkich gatunków, znosząc prymat malarstwa historycznego. Złoty medal był teraz przyznawany niezależnie od tematyki obrazu, biorąc pod uwagę wyłącznie jego zalety. Jednak „swobody” w murach akademii nie trwały długo.

W 1863 r. młodzi artyści biorący udział w konkursie naukowym złożyli petycję „o pozwolenie na swobodny wybór tematów dla tych, którzy tego chcą, oprócz zadanego tematu”. Rada Akademii odmówiła. To, co wydarzyło się później, nazywa się w historii sztuki rosyjskiej „buntem czternastu”. Czternastu uczniów klasy historycznej nie chciało malować na zaproponowanym motywie z mitologii skandynawskiej – „Uczcie w Valgaal” i wyzywająco złożyło petycję – o opuszczenie akademii. Pozostając bez warsztatów i pieniędzy, powstańcy zjednoczyli się w swego rodzaju komunie - podobnej do gmin opisanych przez Czernyszewskiego w powieści Co robić? - Artelu Artystów, na którego czele stał malarz Iwan Nikołajewicz Kramskoj. Pracownicy Artelu przyjmowali zamówienia na wykonanie różnych dzieł sztuki, mieszkali w tym samym domu, gromadzili się we wspólnym pokoju na rozmowy, dyskusje o obrazach i czytanie książek.

Artel rozpadł się siedem lat później. W tym czasie, w latach 70., z inicjatywy artysty Grigorija Grigoriewicza Myasoedowa, powstało stowarzyszenie - Stowarzyszenie Artystycznych Wstawek Mobilnych, profesjonalne i komercyjne stowarzyszenie artystów o bliskich stanowiskach ideologicznych.

Stowarzyszenie Wędrowców, w odróżnieniu od wielu późniejszych stowarzyszeń, obeszło się bez deklaracji i manifestów. Statut stanowił jedynie, że członkowie Stowarzyszenia powinni sami prowadzić swoje sprawy materialne, niezależni od nikogo w tym zakresie, a także samodzielnie organizować wystawy i zabierać je do różnych miast („przemieszczać” po Rosji) w celu zapoznania się z kraj ze sztuką rosyjską. Obydwa te punkty miały istotne znaczenie, potwierdzając niezależność sztuki od władzy i wolę artystów szerokiego komunikowania się z ludźmi nie tylko w stolicy. Główną rolę w powstaniu Partnerstwa i opracowaniu jego statutu odegrali, oprócz Kramskoja, Myasoedov, Ge - z Petersburgów, a z Moskali - Perow, Pryanishnikov, Savrasov.

„Wędrowcy” zjednoczyli się w odrzuceniu „akademizmu” z jego mitologią, dekoracyjnymi pejzażami i pompatyczną teatralnością. Chcieli ukazać żywe życie. Wiodące miejsce w ich twórczości zajmowały sceny rodzajowe (codzienne). Szczególną sympatią dla Wędrowców cieszyło się chłopstwo. Pokazali jego potrzebę, cierpienie, ucisk. W tamtym czasie – w latach 60-70. XIX wiek - ideologiczna strona sztuki była ceniona wyżej niż estetyczna. Dopiero z czasem artyści przypomnieli sobie o wrodzonej wartości malarstwa.

Być może największy hołd ideologii złożył Wasilij Grigoriewicz Perow (1834–1882). Wystarczy przypomnieć takie jego obrazy, jak „Przybycie funkcjonariusza policji na śledztwo”, „Picie herbaty w Mytishchi”. Niektóre dzieła Perowa przesiąknięte są prawdziwą tragedią („Trojka”, „Starzy rodzice na grobie syna”). Perow namalował wiele portretów swoich słynnych współczesnych (Ostrowskiego, Turgieniewa, Dostojewskiego).

Niektóre płótna „Wędrowców”, malowane z życia lub pod wrażeniem prawdziwych scen, wzbogaciły nasze wyobrażenia o życiu chłopskim. Obraz S. A. Korovina „Na świecie” przedstawia potyczkę na wiejskim spotkaniu pomiędzy bogatym i biednym człowiekiem. V. M. Maksimov uchwycił wściekłość, łzy i smutek podziału rodziny. Uroczyste święto pracy chłopskiej znajduje odzwierciedlenie w obrazie G. G. Myasoedova „Kosiarki”.

W twórczości Kramskoya główne miejsce zajmował portret. Malował Gonczarowa, Saltykowa-Szczedrina, Niekrasowa. Jest właścicielem jednego z najlepszych portretów Lwa Tołstoja. Wzrok pisarza nie schodzi z widza, niezależnie od tego, z jakiego miejsca spojrzy na płótno. Jednym z najpotężniejszych dzieł Kramskoja jest obraz „Chrystus na pustyni”.

Otwarta w 1871 roku pierwsza wystawa Wędrowców przekonująco pokazała istnienie nowego kierunku, który kształtował się przez całe lata 60. XX wieku. Miała tylko 46 eksponatów (w przeciwieństwie do obszernych wystaw Akademii), ale starannie dobranych i chociaż wystawa nie była celowo programowa, ogólny niepisany program wyłaniał się dość wyraźnie. Zaprezentowano wszystkie gatunki – historyczny, codzienny, portret pejzażowy – a widzowie mogli ocenić, co przynieśli im „Wędrowcy”. Pechowa była tylko rzeźba (była jedna, i to już dość niezwykła rzeźba F. Kamenskiego), ale tego typu sztuka „pechowa” była przez długi czas, właściwie przez całą drugą połowę stulecia.

Już na początku lat 90. wśród młodych artystów szkoły moskiewskiej znaleźli się jednak tacy, którzy godnie i poważnie kontynuowali tradycję wędrownego obywatelstwa: S. Iwanow ze swoim cyklem obrazów o imigrantach, S. Korovin – autor m.in. obraz „Na świecie”, w którym ciekawie i w przemyślany sposób ukazane są dramatyczne (naprawdę dramatyczne!) zderzenia wiejskiej wsi przedreformacyjnej. Ale to nie oni nadawali ton: Świat Sztuki, równie oddalony od Wędrowców i Akademii, zbliżał się. Jak wyglądała wówczas Akademia? Zniknęły jej dawne, rygorystyczne postawy artystyczne, nie obstawała już przy rygorystycznych wymogach neoklasycyzmu, przy osławionej hierarchii gatunków, była dość tolerancyjna wobec gatunku codziennego, wolała jedynie, żeby był on „piękny” niż „muzhik” (ang. przykład „pięknych” dzieł pozaakademickich - sceny z starożytnego życia popularnego wówczas S. Bakałowicza). W przeważającej części produkcja nieakademicka, podobnie jak w innych krajach, była salonem burżuazyjnym, a jej „pięknem” – wulgarną urodą. Ale nie można powiedzieć, że nie przedstawiła talentów: wspomniany powyżej G. Semiradsky był bardzo utalentowany, V. Smirnov, który zmarł wcześnie (któremu udało się stworzyć imponujący duży obraz „Śmierć Nerona”); nie można odmówić pewnych walorów artystycznych malarstwa A. Svedomsky'ego i V. Kotarbinsky'ego. O tych artystach, uważających ich za nosicieli „ducha helleńskiego”, Repin wypowiadał się z aprobatą w późniejszych latach, wywarli wrażenie na Vrubelu, podobnie jak Aiwazowski, także artysta „akademicki”. Z drugiej strony nikt inny jak Semiradski w okresie reorganizacji Akademii zdecydowanie opowiadał się za gatunkiem codziennym, wskazując jako pozytywny przykład Perowa, Repina i W. Majakowskiego. Było więc wystarczająco dużo punktów zbieżności między „Wędrowcami” a Akademią i zrozumiał to ówczesny wiceprezes Akademii I. I. Tołstoj, z którego inicjatywy powołani zostali do nauczania czołowi „Wędrowcy”.

Ale najważniejszą rzeczą, która nie przekreśla całkowicie roli Akademii Sztuk Pięknych, przede wszystkim jako instytucji edukacyjnej, w drugiej połowie stulecia, jest prosty fakt, że z jej murów wyszło wielu wybitnych artystów. To Repin, Surikow, Polenow i Wasnetsow, a później - Serow i Vrubel. Co więcej, nie powtórzyli „buntu czternastu” i najwyraźniej skorzystali na swojej praktyce zawodowej.

Szacunek dla rysunku, dla skonstruowanej formy konstruktywnej jest zakorzeniony w sztuce rosyjskiej. Ogólna orientacja kultury rosyjskiej na realizm stała się przyczyną popularności metody Czistyakowa - w ten czy inny sposób rosyjscy malarze, aż do Sierowa, Niestierowa i Vrubela włącznie, czcili „niezachwiane, wieczne prawa formy” i obawiali się „dematerializacji” " lub ujarzmienie kolorowego, amorficznego elementu, niezależnie od tego, jak bardzo kochali kolor.

Wśród Wędrowców zaproszonych do Akademii było dwóch malarzy pejzażu - Szyszkin i Kuindzhi. Właśnie w tym czasie rozpoczęła się hegemonia pejzażu w sztuce zarówno jako niezależnego gatunku, w którym królował Lewitan, jak i jako równorzędnego elementu malarstwa codziennego, historycznego i częściowo portretowego. Wbrew przewidywaniom Stasowa, który uważa, że rola krajobrazu będzie malała, w latach 90. wzrosła ona jak nigdy dotąd. Przeważał liryczny „krajobraz nastroju”, wywodzący swój rodowód od Sawrasowa i Polenowa.

Wędrowcy dokonali prawdziwych odkryć w malarstwie pejzażowym. Aleksiej Kondratiewicz Savrasow (1830–1897) potrafił pokazać piękno i subtelny liryzm prostego rosyjskiego krajobrazu. Jego obraz „Przybyły gawrony” (1871) skłonił wielu współczesnych do świeżego spojrzenia na rodzimą przyrodę.

Fiodor Aleksandrowicz Wasiliew (1850-1873) żył krótko. Jego twórczość, ucięta na samym początku, wzbogaciła domowe malarstwo o szereg dynamicznych, emocjonujących pejzaży. Artysta odnosił szczególne sukcesy w stanach przejściowych w przyrodzie: od słońca do deszczu, od spokoju do burzy.

Iwan Iwanowicz Szyszkin (1832–1898) został śpiewakiem rosyjskiego lasu, epickiej szerokości rosyjskiej przyrody. Arkhipa Iwanowicza Kuindzhi (1841-1910) urzekła malownicza gra światła i powietrza. Tajemnicze światło księżyca w rzadkich chmurach, czerwone odbicia świtu na białych ścianach ukraińskich chat, ukośne poranne promienie przedzierające się przez mgłę i bawiące się w kałużach na błotnistej drodze – te i wiele innych malowniczych odkryć uwiecznia na jego płótna.

Rosyjskie malarstwo pejzażowe XIX wieku osiągnęło swój szczyt w twórczości ucznia Savrasowa Izaaka Iljicza Lewitana (1860–1900). Lewitan to mistrz spokojnych, cichych krajobrazów.Jest osobą bardzo nieśmiałą, nieśmiałą i bezbronną, potrafił odpoczywać jedynie w samotności, przesiąknięty nastrojem ukochanego krajobrazu.

Kiedyś przybył nad Wołgę, aby malować słońce, powietrze i przestrzenie rzeczne. Ale nie było słońca, niekończące się chmury pełzały po niebie i przestały padać tępe deszcze. Artysta był zdenerwowany, dopóki nie wciągnęła go ta pogoda i nie odkrył szczególnego uroku liliowych kolorów rosyjskiej złej pogody. Od tego czasu Górna Wołga, prowincjonalne miasto Ples, mocno wkroczyło w jego dzieło. W tych rejonach stworzył swoje „deszczowe” prace: „Po deszczu”, „Ponury dzień”, „Nad wiecznym pokojem”. Malowano tam także spokojne wieczorne pejzaże: „Wieczór nad Wołgą”, „Wieczór. Złoty zasięg”, „Wieczorne dzwonienie”, „Ciche mieszkanie”.

W ostatnich latach życia Lewitan zwrócił uwagę na twórczość francuskich artystów impresjonistów (E. Maneta, C. Moneta, C. Pizarro). Uświadomił sobie, że ma z nimi wiele wspólnego, że ich poszukiwania twórcze idą w tym samym kierunku. Podobnie jak oni wolał pracować nie w studiu, ale w powietrzu (jak mówią artyści, w plenerze). Podobnie jak oni rozjaśnił paletę, wyganiając ciemne, ziemiste kolory. Podobnie jak oni starał się uchwycić ulotność bytu, oddać ruchy światła i powietrza. W tym poszli dalej niż on, ale prawie rozpuścili trójwymiarowe formy (domy, drzewa) w strumieniach światła. Unikał tego.

„Malarstwa Lewitana wymagają powolnego badania” – pisał wielki znawca jego twórczości K. G. Paustovsky – „Nie razią oka. Są skromne i dokładne jak opowieści Czechowa, ale im dłużej się na nie patrzy, tym słodsza staje się cisza prowincjonalnych osiedli, znajomych rzek i wiejskich dróg.

W drugiej połowie XIX w. odpowiadają za twórczy rozkwit I. E. Repina, V. I. Surikowa i V. A. Serowa.

Ilya Efimovich Repin (1844–1930) urodził się w mieście Czuguew, w rodzinie osadnika wojskowego. Udało mu się wstąpić do Akademii Sztuk Pięknych, gdzie jego nauczycielem został P. P. Chistyakov, który wychował całą plejada znanych artystów (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Repin również wiele się nauczył od Kramskoya. W 1870 roku młody artysta podróżował wzdłuż Wołgi. Liczne szkice przywiezione z podróży wykorzystał do obrazu „Przewoźnicy barek na Wołdze” (1872). Zrobiła duże wrażenie na opinii publicznej. Autor natychmiast wszedł w szeregi najsłynniejszych mistrzów.

Repin był artystą bardzo wszechstronnym. Jego pędzel należy do szeregu monumentalnych obrazów rodzajowych. Być może nie mniej imponujące niż „Przewoźnicy barek” robi „Procesja religijna w guberni kurskiej”. Jasnoniebieskie niebo, przebite przez słońce chmury pyłu drogowego, złoty blask krzyży i szat, policja, zwykli ludzie i kaleki – wszystko mieści się na tym płótnie: wielkość, siła, słabość i ból Rosji.

W wielu obrazach Repina poruszano tematy rewolucyjne („Odmowa spowiedzi”, „Nie czekali”, „Aresztowanie propagandysty”). Rewolucjoniści na jego obrazach utrzymani są w prostocie i naturalności, unikając teatralnych póz i gestów. Na obrazie „Odmowa spowiedzi” skazany jakby celowo ukrył ręce w rękawach. Artysta wyraźnie sympatyzował z bohaterami swoich obrazów.

Wiele obrazów Repina jest napisanych na tematy historyczne („Iwan Groźny i jego syn Iwan”, „Kozacy piszący list do tureckiego sułtana” itp.). Repin stworzył całą galerię portretów. Malował portrety - naukowców (Pirogowa i Sieczenowa), - pisarzy Tołstoja, Turgieniewa i Garszyna, - kompozytorów Glinki i Musorgskiego, - artystów Kramskoja i Surikowa. Na początku XX wieku. otrzymał zamówienie na obraz „Uroczyste posiedzenie Rady Państwa”. Artystce udało się nie tylko umieścić tak dużą liczbę obecnych na płótnie, ale także dać psychologiczny opis wielu z nich. Wśród nich były takie znane postacie, jako S. Yu. Witte, K. P. Pobedonostsev, P. P. Semenov Tyan-Shansky. Na zdjęciu jest to ledwo zauważalne, ale Mikołaj II jest bardzo subtelnie narysowany.

Wasilij Iwanowicz Surikow (1848-1916) urodził się w Krasnojarsku, w rodzinie kozackiej. Rozkwit jego twórczości przypada na lata 80., kiedy stworzył trzy ze swoich najsłynniejszych obrazów historycznych: „Poranek egzekucji Streltsy”, „Mienszykow w Bieriezowie” i „Bojar Morozowa”.

Surikow dobrze znał życie i zwyczaje minionych epok, wiedział, jak nadać żywe cechy psychologiczne. Ponadto był znakomitym kolorystą (mistrzem koloru). Wystarczy przypomnieć sobie olśniewający świeży, błyszczący śnieg na obrazie „Bojar Morozowa”. Jeśli zbliżysz się do płótna, śnieg niejako „kruszy się” na niebieskie, niebieskie i różowe pociągnięcia. Ta technika malarska, w której dwa lub trzy różne pociągnięcia łączą się na odległość i dają pożądany kolor, była szeroko stosowana przez francuskich impresjonistów.

Walentin Aleksandrowicz Sierow (1865-1911), syn kompozytora, malował pejzaże, płótna o tematyce historycznej, pracował jako artysta teatralny. Ale sława przyniosła mu przede wszystkim portrety.

W 1887 r. 22-letni Sierow spędzał wakacje w Abramcewie, daczy pod Moskwą filantropa S. I. Mamontowa. Wśród wielu swoich dzieci młody artysta był jego mężczyzną, uczestnikiem ich igraszek. Pewnego razu po obiedzie w jadalni przypadkowo zatrzymały się dwie osoby - Serow i 12-letnia Verusha Mamontova. Siedzieli przy stole, na którym leżały brzoskwinie, a podczas rozmowy Verusha nie zauważyła, jak artystka zaczęła szkicować swój portret. Praca ciągnęła się miesiąc, a Wierusza była zła, że Anton (jak w domu nazywano Sierow) zmusza ją do godzinnego siedzenia w jadalni.

Na początku września ukończono „Dziewczynę z brzoskwiniami”. Mimo niewielkich rozmiarów obraz, pomalowany w tonacji różowego złota, sprawiał wrażenie bardzo „przestrzennego”. Było w nim dużo światła i powietrza. Dziewczyna, która jakby na chwilę usiadła przy stole i wbiła wzrok w widza, oczarowana jasnością i duchowością. A całe płótno było przesiąknięte czysto dziecinnym postrzeganiem życia codziennego, kiedy szczęście nie jest samo w sobie świadome, a przed nami całe życie.

Mieszkańcy domu „Abramcewo” oczywiście zrozumieli, że na ich oczach wydarzył się cud. Ale dopiero czas podaje ostateczne szacunki. Umieściło „Dziewczynę z brzoskwiniami” wśród najlepszych dzieł portretowych w sztuce rosyjskiej i światowej.

W następnym roku Sierowowi udało się prawie powtórzyć swoją magię. Namalował portret swojej siostry Marii Simonowicz („Dziewczyna oświetlona przez słońce”). Nazwa była trochę niedokładna: dziewczyna siedzi w cieniu, a polanę w tle oświetlają promienie porannego słońca. Ale na zdjęciu wszystko jest tak zjednoczone, tak zjednoczone - poranek, słońce, lato, młodość i piękno - że trudno o lepszą nazwę.

Serow stał się modnym portrecistą. Przed nim pozowali znani pisarze, artyści, artyści, przedsiębiorcy, arystokraci, a nawet królowie. Najwyraźniej nie dla wszystkich, do których pisał, leżała jego dusza. Niektóre portrety z wyższych sfer, wykonane techniką filigranową, okazały się zimne.

Przez kilka lat Sierow wykładał w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Był wymagającym nauczycielem. Przeciwnik zamrożonych form malarskich Sierow uważał jednocześnie, że poszukiwania twórcze powinny opierać się na solidnym opanowaniu techniki rysunku i pisma obrazkowego. Wielu wybitnych mistrzów uważało się za uczniów Sierowa. To jest M.S. Saryan, K.F. Yuon, P. V. Kuzniecow, K. S. Petrov-Vodkin.

Wiele obrazów Repina, Surikowa, Lewitana, Sierowa, „Wędrowców” znalazło się w kolekcji Tretiakowa. Paweł Michajłowicz Tretiakow (1832-1898), przedstawiciel starej moskiewskiej rodziny kupieckiej, był osobą niezwykłą. Szczupły i wysoki, z krzaczastą brodą i cichym głosem, bardziej przypominał świętego niż kupca. Kolekcjonerstwo obrazów artystów rosyjskich rozpoczął w 1856 roku. To hobby stało się głównym zajęciem jego życia. Na początku lat 90. zbiory osiągnęły poziom muzealny, pochłaniając niemal cały majątek kolekcjonera. Później stał się własnością Moskwy. Galeria Trietiakowska stała się znanym na całym świecie muzeum rosyjskiego malarstwa, grafiki i rzeźby.

W 1898 roku w Petersburgu, w Pałacu Michajłowskim (twórstwo K. Rossiego), otwarto Muzeum Rosyjskie. Otrzymał prace rosyjskich artystów z Ermitażu, Akademii Sztuk i niektórych pałaców cesarskich. Otwarcie tych dwóch muzeów było niejako zwieńczeniem osiągnięć malarstwa rosyjskiego XIX wieku.