W ciągu XV wieku, w złożonej sytuacji historycznej, charakteryzującej się feudalnym rozdrobnieniem i warunkami wojny stuletniej (1337-1453), nastąpiły zmiany w dziedzinie francuskiej sztuki plastycznej, która stopniowo nabierała świeckiego charakteru.
Duch gotyku przeniknął jednak głęboko do świadomości ludzi, a gusta, oparte na zakorzenionej tradycji gotyckiej, ulegały bardzo powolnym przemianom. Do końca XVI wieku. średniowieczna architektura nadal współistniała
i renesansowe formy, a nawet w rzeźbie i malarstwie zachowały się elementy gotyku.
Być może pierwszym rodzajem sztuki, w którym tendencje realistyczne ujawniły się najpełniej, była miniatura książkowa. To właśnie w ilustracjach psałterzy, ewangeliach, księgach godzin, kronikach historycznych widzimy nowy stosunek do otaczającego nas świata i przejście od obrazowania konwencjonalnego do realistycznego. Uważna dbałość o naturę, chęć jej studiowania i naśladowania doprowadziły do powstania nowych technik przekazywania rzeczywistości: przedmioty i postacie ludzkie rzucają cień, rozległe przestrzenie oddalają się, przedmioty kurczą się i rozmywają w miarę oddalania się. Po raz pierwszy artyści zaczęli przekazywać środowisko światła i powietrza oraz mechanikę ruchu ludzkiego ciała. Całkowicie nowe aspiracje w sztuce francuskiej XV wieku. przejawiały się w twórczości artystów, którzy pracowali w Tours, rezydencji króla, głównym ośrodku kulturalnym ówczesnej Francji. Touraine nazywano francuską Toskanią i tu narodził się nowy styl francuskiej sztuki renesansowej.
W Tours żył i tworzył jeden z najważniejszych francuskich artystów XV wieku. -Jean Fouquet(1420-1477/81).
Fouquet był pierwszym francuskim artystą, którego prace wykazywały tak wyraźne zainteresowanie indywidualnością człowieka i przenoszeniem wizerunku portretowego. W ramach gotyckiej kompozycji ołtarzowej absolutnym arcydziełem jest dyptyk z Melun, na lewym skrzydle którego przedstawiono darczyńcę (klienta obrazu ołtarzowego) Etienne Chevalier i patrona św. Stefana, po prawej Madonnę z Dzieciątkiem. Wyraziste postacie donatora i świętego w rozpiętości trzech czwartych zajmują niemal całą płaszczyznę obrazu i mimo ascetycznych wizerunków nie wyglądają na oderwane i nieziemskie. Przestrzeń za ich postaciami naznaczona jest głębią, a twarze naturalnym goździkiem. Przeciwnie, marmurowa biel bezkrwawej twarzy Madonny i ciała dziecka wyraźnie odcina się od absolutnie płaskiego tła luksusowego tronu podtrzymywanego przez ognistoczerwone i jasnoniebieskie postacie serafinów i cherubinów. Jednocześnie wysokie ogolone czoło, małe usta, biała skóra, ciasno ściągnięta talia, poza i szaroniebieska sukienka z gronostajowym płaszczem to charakterystyczne cechy wyglądu dworskiej damy tamtych czasów, zwłaszcza od wizerunek Madonny nie jest pozbawiony portretowego podobieństwa do ukochanej Karola VII, Agnes Sorel. Taki kontrast ceremonialnej, sakralnej chwili i codziennych, codziennych realiów jest zbliżony do technik stosowanych przez Jana van Eycka w jego obrazach ołtarzowych (zob. kolor m.in.).
Rosnące stosunki handlowe z Włochami, a następnie włoskie kampanie królów francuskich Karola VIII i Franciszka I otworzyły drogę do powszechnej penetracji włoskiej kultury renesansowej do Francji. O specyfice francuskiego humanizmu decydował jego związek ze środowiskiem dworskim. Nie była to kultura mieszczańska, jak w Holandii, ale dworska, a mecenat sztuki Franciszka I nadał jej arystokratyczny zabarwienie. We Francji najbardziej rozwinięty był związany ze świeckim światopoglądem. sensacja - percepcja poprzez doznania. W sztuce był najpełniej reprezentowany szkoła Fontainebleau i poeci „Plejady”, Franciszek I przyciągał na swój dwór najbardziej światłych ludzi Francji, poetów, artystów, naukowców. Wielbiciel sztuki włoskiej, zapraszał znanych artystów z Włoch, którzy choć nie mieli znaczącego wpływu na sztukę francuską, z pewnością przyczynili się do przełamania w niej średniowiecznych tradycji. Na dworze Franciszka I wielki Leonardo da Vinci spędził ostatnie trzy lata swojego życia.
Najbardziej kompletne i żywe idee francuskiego renesansu zostały zawarte w literaturze. Na dworze królewskim istniało kółko literackie. Siostra króla Margherita z Nawarry, sama wybitna pisarka (napisała słynny Heptameron, napisany na wzór Dekameronu Boccaccia), skupiła się wokół swoich humanistycznych pisarzy i poetów, w których twórczości szczególnie wyraźnie zabrzmiały nowe idee i dążenia. Byli to Rabelais, Ronsard, Montaigne, których prace bez wątpienia przyczyniły się do przekształcenia społeczeństwa w nowy sposób.
Francois Rabelais(1494-1553) był największym przedstawicielem francuskiego renesansu, jego powieść „Gargantua i Pantagruel” odegrała tę samą rolę w kulturze francuskiej, co „Boska komedia” Dantego we Włoszech, czyli przyczynił się w znacznym stopniu do szybkiego rozwoju idei humanistycznych charakterystycznych dla renesansu.
Fabułę Rabelais zaczerpnął z literatury ludowej, a mianowicie z książki „Wielkie i bezcenne kroniki o wielkim i ogromnym olbrzymu Gargantua”. Rabelais uczynił bohaterów gigantami, obdarzając ich rozmachem duszy i zasięgiem, które, jak się powszechnie uważa, są nieodłączne od dużych ludzi; groteskowy, ordynarny humor ludowy stanowił podstawę stylu pisarskiego Rabelaisa. Sama powieść była prawdziwym manifestem francuskiego renesansu.
Jest to entuzjastyczny hymn do nowych idei w dziedzinie edukacji, do których ludzie tworzący nową kulturę przywiązywali wielką wagę, ponieważ został powołany do przygotowania człowieka od wczesnego dzieciństwa do percepcji tej kultury. Rabelais, opierając się na praktyce pedagogicznej włoskich humanistów, u podstaw edukacji publicznej postawił dwie zasady: po pierwsze, osoba powinna otrzymywać nie tylko wiedzę, ale także wychowanie fizyczne, a po drugie, różne dyscypliny powinny być naprzemiennie w systemie edukacji - nauki humanitarne i przyrodnicze naukowe, przeplatane wypoczynkiem. Ogłaszając ten program, Rabelais jednocześnie atakował scholastyków i teologów z całą mocą swej nieokiełznanej satyry jako ideologicznej twierdzy starego świata.
Wizerunek Pantagruela, uosabiający idealnego monarchę i idealnego człowieka, w pewnym stopniu odzwierciedlał cnoty, jakie niewątpliwie posiadali oświeceni monarchowie Franciszek I i Henryk II. Życie dworskie zmuszało pisarza do podążania za gustami monarchy, do schlebiania jego dumie, ale jednocześnie umożliwił te smaki. Nawet poeta Ronsard tworzył dzieła, w których gloryfikując ród Valois, wzywał króla, aby kierował się w życiu i czynach wysokimi zasadami i cnotami.
W kreatywności Pierre de Ronsard(1524-1585) i pisarzy humanistycznych, którzy zjednoczyli się w kręgu literackim „Plejady” („Siedem Gwiazd”), osiągnęła apogeum francuskiej poezji renesansowej. Plejady składały się z siedmiu pisarzy, którzy zdecydowanie zerwali z tradycjami literatury średniowiecznej, dostrzegali źródło doskonałego piękna w starożytnej i nowożytnej poezji włoskiej oraz bronili praw francuskiego języka narodowego. Najważniejszym dziedzictwem twórczym Plejad były teksty, w których poeci, wśród których pierwszym był Ronsard, z niezwykłym blaskiem pokazali swój talent. W hymnie Francji ogłosił:
W wieku dwudziestu lat urzeczony beztroską urodą, myślałem o wylewaniu wierszem mojego serdecznego żaru, ale zgadzając się z uczuciami języka francuskiego, zobaczyłem, jak to było niegrzeczne, niejasne i brzydkie. Potem dla Francji, dla mojego ojczystego języka, zacząłem dzielnie i surowo pracować:
pomnożyłem, zmartwychwstałem, wymyśliłem słowa,
A stworzony został uwielbiony przez plotkę.
Ja, po przestudiowaniu starożytnych, otworzyłem moją drogę,
Uporządkował frazy, różnorodność sylaby,
Znalazłem porządek poezji - i z woli muz,
Podobnie jak Rzymianin i Grek, Francuz stał się wielki.
W odach Ronsarda brzmi spokojne, pogańskie poczucie natury:
Wysyłam ci te wiersze, Wolne pastwiska, pola,
Ty, jaskinie, strumienie, gaje, leniwe rzeki,
Ty, spadając ze stromy, posyłam włóczęgę nad strumieniem
Klucz górski. Moja piosenka.
W sonetach 1 Ronsard wzbogacił poezję francuską o nowy metr, znany jako linia Ronsarda:
Wymaż, moja pazio, bezlitosną dłonią Emalia wiosny, która zdobiła ogród, Oszaluj cały dom, wlej w niego zapach Kwiatów i ziół, które kwitły nad rzeką.
Daj mi lirę! Nastroję struny w taki sposób, Aby osłabić tę niewidzialną truciznę, Która spaliła mnie jednym spojrzeniem, Nierozerwalnie nade mną panuje.
Atrament, papier - zaopatrzmy się! Na stu prześcieradłach, niezniszczalnych jak diament, chcę uchwycić moją ociężałość,
I to, co cicho roztapiam w moim sercu - Moja udręka, mój niemy smutek - Podzielą się przyszłe pokolenia.
Za Franciszka I budowa rozpoczęła się w całej Francji. Francuscy architekci XVI wieku stworzył oryginalną wersję narodowej architektury renesansowej. Zwracając się do starożytnych form architektonicznych i doświadczeń Włoch, nie porzucili wynalazku swoich przodków. Charakterystyczne stało się połączenie tradycyjnych stromych dachów z lukarnowymi oknami (otwór okienny w poddaszu) i wysokimi kominami, iglicami, wieżami z porządkową obróbką ścian. Za podstawę przyjęto stary zamek, zbudowany z ciosanego wapienia połączonego z cegłą i przebudowany w nowy sposób w formach architektonicznych wysokiej klasyki. W zamku zachowano dawny wieloboczny plan, rozebrano mury twierdzy, a elewacje budynków okazały się zwrócone w stronę otoczenia, ale do zamku można było dostać się przez ciężkie bramy z basztami. Pionową aspirację budynku złagodziło szerokie zastosowanie belkowania, duża liczba wydłużonych okien; zwykły gotycki wystrój został zastąpiony medalionami, pilastrami, liśćmi akantu, koronowanymi salamandrami - emblematem Franciszka I.
Wiele podobnych zamków powstało w pierwszej połowie XVI wieku. w Dolinie Loary, w rezydencjach królewskich. Są to zamki Blois, Chambord, Cheverny, Amboise, Chenonceau. Najważniejszy etap kultury francuskiej związany jest z budową zamku w Fontainebleau.
Sonet - sztywna forma wersyfikacyjna, składająca się z dwóch czterowierszy i dwóch linii trzeciorzędnych.
Zamek Fontainebleau. Łuk. J. Lebretona. Francja
W drugiej połowie swego panowania Franciszek I przeniósł centrum działalności budowlanej bliżej Paryża, w historyczny region Ile de France. Rozrastający się przez wieki zamek był budowlą dość chaotyczną, architekt podjął się jej przebudowy w 1528 roku Julesa Lebretona. Następnie zamek był kilkakrotnie przebudowywany, ale zachowały się jego główne części, zbudowane za Franciszka I. To tzw. Dwór Owalny, otoczony apartamentami króla, wśród których znajduje się słynna sala balowa (galeria Henryka II).
Do nich przylegała galeria, zwana galerią Franciszka I, z jednej strony tworząca dziedziniec Źródła, który otwierał się na rozległy staw, a z drugiej dziedziniec Diany z klombami i rzeźbą Diany w Centrum. Główny budynek, prostopadły do galerii, zamykał oba te dziedzińce i wychodził na dziedziniec Białego Konia – miejsce festynów i turniejów. Odzwierciedla cechy wspólne dla francuskiej architektury renesansowej, które stały się decydujące dla wszystkich obiektów porządku: kwadratowe okładziny murowane i boniowane, zastąpienie okrągłych wież prostokątnymi gzymsami muru - rzuty 1 z wydzieleniem środka wzdłuż elewacji, podział gzymsów piętro po piętrze poziomymi.
Do Fontainebleau przeniesiono najbogatszą bibliotekę królewską, kolekcję antyków, arcydzieła Rafaela i Leonarda da Vinci. Do dekoracji wewnętrznych komnat Franciszek I zaprosił włoskich artystów manierystycznych Rosso, Primaticcio, Cellini. Znaleźli naśladowców wśród francuskich artystów tworzących tzw Szkoła Fontainebleau.
Największym przedstawicielem manieryzmu, który pracował w Fontainebleau, był florencki artysta Giovanni Baggista di Jacopo, nazywany przez kolor włosów. Rosso Fiorentino(1493-1541) - rudowłosa florentynka. Zwolennik Andrei del
1 Rizalit(z wł. risalita - gzyms) - część budynku wystająca poza główną linię elewacji.
Rosso Fiorenpszno. Galeria Franciszka I. Zamek Fontainebleau
Sarto i Michał Anioł, Rosso stworzył własny styl, charakteryzujący się ekstremalną ekspresją, zbudowany na połączeniu wydłużonych postaci, ostrych kontrastów, ostrych kątów. Styl ten odpowiadał przede wszystkim arystokratycznemu duchowi francuskiego humanizmu, dominującym wyobrażeniom o pięknie, w którym zachowała się „gotycka krzywa” i alegoryczność.
Głównym dziełem Rosso w Fontainebleau, a jedynym zachowanym, był projekt galerii Franciszka I. Parkiet dębowy, sufit, panele, sięgające do środka ściany „w stylu francuskim”, zostały wykonane według rysunków Rosso przez stolarzy. Górną część ścian pomalowano freskami ujętymi w ozdobną rzeźbę. Dziwnie wydłużone postacie na nich wydają się spłaszczone ze względu na bardzo jasne kolory i wijące się, przeplatające się linie kompozycji. Poczucie bezcielesności tych postaci potęguje bliskość trójwymiarowej, niemal okrągłej, gipsowej rzeźby z wieloma detalami: kartuszami 1 , girlandami, postaciami ludzkimi. Tak harmonijne połączenie „francuskiego manier” w architekturze, przestrzennego malarstwa i trójwymiarowej realistycznej rzeźby, która wcześniej nie była nigdzie stosowana, było twórczym wynalazkiem samego Rosso. Galeria zrobiła oszałamiające wrażenie na współczesnych, wywołała liczne naśladownictwa i stała się „protoplastą” słynnych galerii Luwru i Wersalu, zdobionych już w stylu barokowym.
Zaproszony do pomocy Rosso, boloński artysta Francesco Primaticcio (1504-1570), po śmierci mistrza, został dyktatorem gustów artystycznych szkoły z Fontainebleau. Podkreśloną przez Rosso ekspresję, Primaticcio zastąpił powolnym i ospałym manieryzmem, ustanawiając nowy kanon piękna, łącząc kobiecość z cechami męskimi. Jej ulubioną postacią stała się Diana, młoda dziewicza bogini, wysoka, szczupła. Za najlepszy jej wizerunek uważa się Luwr
1 Kartusz - ozdoba w postaci tarczy lub na pół złożonego zwoju.
„Diana Łowczyni”, która kojarzyła się z osobowością słynnej piękności i wszechmocnej faworytki Henryka II, Diany de Poitiers.
Bardzo charakterystyczne dla francuskiej kultury dworskiej było połączenie poezji i malarstwa, urozmaicające tę samą fabułę.
Przykładem jest opowiadanie „Powóz” Małgorzaty z Nawarry, które opisuje, jak jeździ po łąkach, podziwiając wiejski krajobraz, rozmawiając ze zwykłymi ludźmi pracującymi w polu. Trzy szlachetne damy, które wyszły z lasu, skarżą się na cierpienie miłości. Ich historia jest tak wymowna, wylewy tak retoryczne i towarzyszą im tak obfite łzy, że niebo pokrywają chmury, a na ziemię leje się ulewny deszcz, przerywając ten elegijny spacer.
Ta sama scena została przedstawiona na pięknym rycinie Bernarda Salomona, i był używany przez Primaticcio do dekoracji sali balowej Henryka P. Tutaj wspaniała dekoracyjność Primaticcio osiągnęła swój najwyższy szczyt. Zwrócił się nie tylko do wątków z Metamorfoz Owidiusza, odbijających się echem w zwiewnych, pełnych gracji postaci kobiecych, ale także do sielankowych scen, w których wdzięczni peizans i peisans reprezentowali sielankę chłopskiej pracy.
Projektując salę balową, artysta zrezygnował z rzeźby, zastępując ją złoconymi bagietkami, co wzmocniło rolę malarstwa i wprowadziło większą geometryczność i rygoryzm do projektu sali.
W malarstwie wnętrz pałacowych i rzeźbie obramowującej obrazy wyraźnie widoczne są cechy stylowe szkoły z Fontainebleau. Po pierwsze preferowano tematy historyczne, mitologiczne i alegoryczne. Ale modne stały się także sezonowe sceny chłopskiej pracy, tak częste w starych francuskich miniaturach. Po drugie, zaczęto przedstawiać nagie postacie kobiece, których do tej pory nie było w pracach francuskich artystów. Jednocześnie malowniczym obrazom nadano wykwintny, celowo świecki charakter, całkowicie pozbawiony ludzkiego ciepła, dzięki nieproporcjonalnie rozciągniętym „wężowatym figurom”. Po trzecie, ulubionym kolorem stały się bielone, prawie przezroczyste bladoróżowe, niebiesko-niebieskie, bladozielone odcienie, odpowiadające manierystycznym wyobrażeniom o wyrafinowanym, wyrafinowanym, eterycznym, kruchym pięknie.
Zhyan był wybitnym przedstawicielem stylu Fontainebleau we francuskiej sztuce plastycznej. Goujón(1510-1568). Jego najbardziej inspirującym dziełem jest to, które stworzył w starożytnych formach wraz z Pierre Lescaut(1515-1578) „Fontanna Niewiniątek”. Dla fontanny Goujon wykonał płaskorzeźby nimf, których wydłużone, giętkie postacie są wpisane w wąskie, wydłużone ku górze płyty. Ich nieważkie i pełne gracji ruchy odbijają się echem w lekkich, drapowanych tunikach, przypominających płynącą wodę. Te postacie - rodzaj symbolu smaku epoki - kojarzą się z obrazami poezji Rona-Sarowa:
Na wiosnę spotkałem driadę na polu. Jest w prostej sukience, wśród kwiatów, Trzyma bukiet nieostrożnymi palcami, Duży kwiat przeleciał przede mną...
Nazwa Goujon kojarzy się z dekoracją rzeźbiarską zachodniej fasady Luwru, wzniesionej przez Pierre'a Lescauta i uważanej za szczytowe osiągnięcie francuskiej architektury renesansowej. Rzeźba skoncentrowana jest w ramach okien trzeciego piętra i ryzalitach. Okrągłe okna nad wejściami otaczają alegoryczne postacie wojny i pokoju, płaskorzeźby przedstawiające bóstwa, zakutych w łańcuchy niewolników i skrzydlatych geniuszy trzymających tarczę zdobią górną część ryzalitów.
J. Goujona. Nimfy. Fontanna niewinnych. Paryż
Goujon zaprojektował także wnętrza pałacu: bogini Diana, fauny i fauny, jelenie i psy stały się częścią luksusowej dekoracji Schodów Henryka II; w Sali Szwedzkiej Goujon wykonał platformę wspartą na kariatydach, podobną do posągów ateńskiego Erechtejonu.
Estetyczne ideały Goujona decydowały o specyfice jego pracy, która polegała na tym, że nie wyrzeźbił ani jednego portretu, kierując cały swój talent na stworzenie uogólnionego, idealnie pięknego obrazu.
Równolegle z rozwojem architektury, malarstwa i rzeźby w XV-XVI wieku. Znaczący sukces osiąga sztuka i rzemiosło.
Sztuka wykonywania emalii, która powstała na południu Francji, w Limoges już w XII wieku osiągnęła wysoki poziom doskonałości. Ale jeśli wcześniej produkcja malowanych emalii służyła potrzebom kościoła, teraz są to głównie produkty do celów świeckich.
Wyjątkową oryginalność charakteryzują te powstałe w XVI wieku. przedmioty ceramiczne. Najważniejsze miejsce w ówczesnej produkcji fajansu zajmują: Bernard Palissy(1510-1590), który stworzył fajans, który nazwał „gliną wiejską”. Z tej ceramiki wykonał duże naczynia, talerze, kubki, masywne i ciężkie, całkowicie pokrywając je reliefowymi wizerunkami jaszczurek, węży, raków, ślimaków, motyli, liści, muszli, umieszczonych na niebieskim lub brązowym tle. Niezwykle dekoracyjne są produkty Palissy, dojrzewające w soczystych odcieniach brązu, zieleni, szarości, błękitu i bieli.
Jednak francuska kultura artystyczna XVI wieku. nie ograniczał się tylko do świątecznego i radosnego odrodzenia starożytności. Równolegle nastąpiło odrodzenie tradycji średniowiecznej, która nigdy nie została całkowicie przerwana. W drugiej połowie XVI wieku. nurt gotycki w sztuce francuskiego renesansu nabierał rozpędu i znalazł swoje odzwierciedlenie w twórczości rzeźbiarza w bardzo osobliwy sposób Germaine Pilon(1535-1605), który zwrócił się do kościoła nagrobnego
Noe z plastiku. Jego światopogląd był w zgodzie ze średniowieczną tęsknotą za życiem pozagrobowym, której odzwierciedleniem są gotyckie „Tańce śmierci” – freski na murach francuskich cmentarzy. Śmierć pojawiła się tam w przerażającym realizmie żywego szkieletu i zwróciła się do mężczyzny w ponurym wierszu Clémenta Moreau:
Duch jest jak ogień, a ciało jak piętno,
Ale duch jest rozdarty do nieba, a ciało ma tendencję do pylenia.
To ponury, nienawistny loch,
Gdzie uwięziony duch jest smutny z powodu jasnej wysokości.
Twórczość Pilona wyróżniała królewska pompatyczność, ale średniowieczne wyobrażenia o cnocie coraz bardziej podporządkowywały ideał renesansowej wielkości, dlatego w jego twórczy sposób naturalizm współistniał z ideałami antycznymi. Tak więc na nagrobku Walentyny Balbiani jest przedstawiona na pokrywie sarkofagu we wspaniałej szacie, z małym psem, a płaskorzeźba na sarkofagu z odrażającym realizmem ukazywała ją leżącą w trumnie, nagą i rozłożoną, prawie jak szkielet. W nagrobku Henryka II i Katarzyny Medycejskiej w kościele opackim Saint-Denis, na szczycie kaplicy grobowej, są oni przedstawieni w szatach królewskich, klęcząc, a poniżej, pod jego sklepieniem, są nadzy, pozbawieni swojej dawny splendor, jak szczątki jakiegoś żebraka. Te realistyczne, pozbawione upiększeń obrazy były odzwierciedleniem ponurego nastroju panującego w całym świecie zachodnim okresu kontrreformacji.
Wysyłanie dobrej pracy do bazy wiedzy jest proste. Skorzystaj z poniższego formularza
Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy będą Ci bardzo wdzięczni.
Hostowane na http://www.allbest.ru/
PLan
Wstęp
kultura renesansu
Kultura renesansu we Francji
Francuskie malarstwo renesansowe:
Życie i twórczość François Clouet
Życie i twórczość François Cloueta Młodszego
Życie i twórczość Jeana Fouquet
Lista wykorzystanej literatury
Wstęp
Renesans - era w historii kultury europejskiej XIII-XVI wieku, która wyznaczyła początek New Age.
Renesans - epoka w dziejach kultury i sztuki, odzwierciedlająca początek przejścia od feudalizmu do kapitalizmu. W formach klasycznych renesans kształtował się w Europie Zachodniej, głównie we Włoszech, ale podobne procesy miały miejsce w Europie Wschodniej i Azji. W każdym kraju ten typ kultury miał swoje własne cechy związane z cechami etnicznymi, specyficznymi tradycjami i wpływem innych kultur narodowych. Odrodzenie związane jest z procesem formowania się kultury świeckiej, świadomości humanistycznej. W podobnych warunkach podobne procesy rozwijały się w sztuce, filozofii, nauce, moralności, psychologii społecznej i ideologii. Humaniści włoscy XV wieku kierowali się odrodzeniem kultury antycznej, której światopogląd i zasady estetyczne uznano za ideał godny naśladowania. W innych krajach takiego zorientowania na starożytne dziedzictwo może nie było, ale istota procesu wyzwolenia człowieka i zapewnienie siły, inteligencji, piękna, wolności jednostki, jedności człowieka i natury są charakterystyczne dla wszystkich kultur typ renesansowy.
W rozwoju kultury renesansowej wyróżnia się następujące etapy: Wczesny Renesans, którego przedstawicielami byli Petrarka, Boccaccio, Donatello, Botticelli, Giotto i inni; Wysoki renesans, reprezentowany przez Leonarda da Vinci, Michała Anioła, Rafaela, François Rabelais, oraz późny renesans, kiedy ujawnia się kryzys humanizmu (Szekspir, Cervantes). Główną cechą renesansu jest integralność i wszechstronność w rozumieniu człowieka, życia i kultury. Gwałtowny wzrost autorytetu sztuki nie doprowadził do jej sprzeciwu wobec nauki i rzemiosła, ale był postrzegany jako równorzędność i równouprawnienie różnych form ludzkiej aktywności. W tej epoce sztuka użytkowa i architektura osiągnęły wysoki poziom, łącząc kreatywność artystyczną z projektowaniem technicznym i rzemiosłem. Osobliwością sztuki renesansowej jest to, że ma wyraźny demokratyczny i realistyczny charakter, w centrum którego znajduje się człowiek i natura. Artyści docierają do szerokiego zasięgu rzeczywistości i są w stanie wiernie pokazać główne trendy swoich czasów. Poszukują najskuteczniejszych środków i sposobów na odtworzenie bogactwa i różnorodności przejawów realnego świata. Piękno, harmonia, wdzięk to właściwości świata rzeczywistego.
kultura renesansu
W różnych krajach kultura renesansu rozwija się w różnym tempie. We Włoszech renesans przypisuje się XIV-XVI wiekom, w innych krajach - XV-XVI wiekom. Najwyższy punkt w rozwoju kultury renesansowej przypada na XVI wiek - renesans wysoki, czyli klasyczny, kiedy renesans rozprzestrzenił się na inne kraje europejskie.
Idee humanizmu jednoczą kulturę różnych narodów Europy. Zasada humanizmu, czyli najwyższy kulturowy i moralny rozwój ludzkich zdolności, najpełniej wyraża główny nacisk kultury europejskiej XIV-XVI wieku. Idee humanizmu obejmują wszystkie warstwy społeczne - koła kupieckie, sfery religijne, masy. Pojawia się nowa świecka inteligencja. Humanizm potwierdza wiarę w nieograniczone możliwości człowieka. Dzięki humanistom do kultury duchowej dochodzi wolność osądu, niezależność w stosunku do autorytetów i odważny duch krytyczny. Osobowość, potężna i piękna, staje się centrum sfery ideologicznej. Ważną cechą kultury renesansu było odwołanie się do dziedzictwa antycznego. Odżył starożytny ideał człowieka, rozumienie piękna jako harmonii i miary, realistyczny język sztuk plastycznych, w przeciwieństwie do średniowiecznej symboliki. Artystów, rzeźbiarzy i poetów renesansu przyciągały tematy starożytnej mitologii i historii, starożytne języki - łacina i greka. Wynalezienie druku odegrało ważną rolę w rozpowszechnianiu starożytnego dziedzictwa.
Kultura renesansu była pod wpływem kultury średniowiecznej z jej długą historią i silnymi tradycjami, ale humaniści krytykowali kulturę średniowiecza, uważając ją za barbarzyńską; w renesansie pojawiła się ogromna liczba pism skierowanych przeciwko kościołowi i jego ministrom. Jednocześnie renesans nie był kulturą całkowicie świecką. Niektóre postacie chciały pogodzić chrześcijaństwo z antykiem lub stworzyć nową, zjednoczoną religię, przemyśleć ją na nowo. Sztuka renesansu była rodzajem syntezy starożytnego piękna fizycznego i duchowości chrześcijańskiej. Pod koniec XV wieku. we Francji stabilne trendy renesansowe utrwalają się w literaturze, malarstwie, rzeźbie itp. Większość francuskich badaczy przypisuje ukończenie renesansu we Francji 70-80 latom. XVI wiek, biorąc pod uwagę koniec XVI wieku. jako przejście od renesansu przez manieryzm do baroku i późniejszego klasycyzmu.
Kultura renesansowa wFrancja
Wczesny renesans francuski charakteryzuje się rozwojem dziedzictwa antycznego, pogłębiającego się wraz z kontaktami kulturowymi z Włochami.
Od końca XV wieku. Do Francji przyjeżdżają włoscy pisarze, artyści, historiografowie, filolodzy: poeta Fausto Andrenini, grecki naukowiec John Laskaris, filolog Julius Caesar Slapiger, artyści Benvenutto Cellini, Leonardo da Vinci. Dzięki elegancji stylu dzieło Pavla Emina „10 książek o czynach Franków” posłużyło jako przykład dla młodszych pokoleń francuskich humanistów.
Młodzi mężczyźni z rodzin szlacheckich i zamożnych aspirowali do Włoch, aby dostrzec bogactwo włoskiej kultury. Znalazło to odzwierciedlenie w charakterze francuskiego renesansu, zwłaszcza w jego początkowym stadium, nadając mu zauważalny odcisk arystokratyczny i szlachecki, co znalazło odzwierciedlenie w przyswajaniu przez rody szlacheckie przede wszystkim zewnętrznych elementów kultury włoskiej. Renesans i szeroki mecenat francuskiego dworu królewskiego. Patronat nad rodzącą się inteligencją francuską objął Anna z Bretanii Franciszek I; tradycje kręgu literackiego Anny Bretanii kontynuowała później Małgorzata z Nawarry, która przyciągnęła do siebie Rabelaisa, Lefevre d'Etal, młodego Kalwina, Clemmanna, Marota, Bonawenturę itd.
A jednak nie ma powodu, aby specyfikę francuskiego renesansu sprowadzać tylko do arystokracji, a także czerpać jego genezę wyłącznie z wpływów włoskich. Kultura francuskiego renesansu rosła przede wszystkim tylko na własnej ziemi. Podstawą jego powstania było dokończenie politycznego zjednoczenia kraju, ukształtowanie rynku wewnętrznego i stopniowe przekształcanie Paryża w centrum gospodarcze, polityczne i kulturalne, do którego skłaniały się najbardziej odległe regiony. Koniec wojny stuletniej, który spowodował wzrost świadomości narodowej, był także potężnym bodźcem do rozwoju kultury francuskiej.
Rozwój kultury humanistycznej byłby niemożliwy bez podniesienia ogólnego poziomu wykształcenia. O umiejętności czytania i pisania ludności, zwłaszcza miejskiej, świadczy ogromna liczba rękopiśmiennych książek. Poczesne miejsce wśród nich (poza Biblią i zbiorami średniowiecznych fablios) zajmują rękopisy zbliżone czcionką do włoskiego opowiadania humanistycznego („Świetny przykład nowych opowiadań” Nicola de Troy, „100 nowych opowiadań”, połączenie wpływów Dekameronu Boccaccia z tradycjami kultury ludowej średniowiecza), które otwierają nowy kierunek w literaturze ludowej francuskiego renesansu. Rozpowszechnienie druku przyczyniło się również do rozwoju kultury we Francji.
Francuskie malarstwo renesansowe
Renesans był znaczącym etapem rozwoju kultury francuskiej. W tym czasie w kraju szybko rozwijają się stosunki burżuazyjne i umacnia się władza monarchiczna. Religijna ideologia średniowiecza jest stopniowo spychana na dalszy plan przez humanistyczny światopogląd. Sztuka świecka zaczyna odgrywać ważną rolę w życiu kulturalnym Francji. Realizm sztuki francuskiej, połączenie z wiedzą naukową, odwoływanie się do idei i obrazów starożytności zbliżają ją do włoskiego. Jednocześnie renesans we Francji ma osobliwy wygląd, w którym renesansowy humanizm łączy się z elementami tragedii, zrodzonymi ze sprzeczności sytuacji w kraju.
W wyniku wielu klęsk Francji podczas wojny stuletniej z Anglią, która trwała od 1337 do 1453 roku, w kraju zapanowała anarchia feudalna. Chłopstwo, przygniecione nieznośnymi podatkami i okrucieństwami najeźdźców, powstało do walki ze swymi ciemiężcami. Ze szczególną siłą ruch wyzwoleńczy rozgorzał w momencie, gdy wojska brytyjskie, które zdobyły północ Francji, skierowały się do Orleanu. Nastroje patriotyczne zaowocowały występem francuskich chłopów i rycerstwa pod wodzą Joanny d'Arc przeciwko wojskom angielskim. Rebelianci odnieśli kilka błyskotliwych zwycięstw. Ruch nie ustał nawet po schwytaniu Joanny d'Arc i za milczącą zgodą francuski król Karol VII, spalony przez duchownych na stosie.
W wyniku długiej walki ludu z obcymi najeźdźcami Francja została wyzwolona. Monarchia wykorzystała to zwycięstwo do własnych celów, podczas gdy pozycja zwycięskiego ludu nadal była trudna.
W drugiej połowie XV wieku. dzięki staraniom Ludwika XI Francja została politycznie zjednoczona. Rozwinęła się gospodarka kraju, poprawiła się nauka i oświata, nawiązano stosunki handlowe z innymi państwami, zwłaszcza z Włochami, z których kultura przenikała do Francji. W 1470 r. otwarto w Paryżu drukarnię, która wraz z innymi książkami zaczęła drukować dzieła włoskich humanistów.
Rozwija się sztuka miniatury książkowej, w której obrazy mistyczne i religijne zostały zastąpione realistycznymi wyobrażeniami o otaczającym świecie. Na dworze księcia Burgundii pracują wspomniani już wyżej utalentowani artyści, bracia Limburg. W Burgundii pracowali słynni mistrzowie holenderscy (malarze bracia van Eyck, rzeźbiarz Sluter), więc w prowincji tej zauważalny jest wpływ renesansu holenderskiego w sztuce mistrzów francuskich, natomiast w innych prowincjach, np. w Prowansji, wpływy włoskie Renesans się rozwinął.
Jednym z największych przedstawicieli francuskiego renesansu był pracujący w Prowansji artysta Anguerrand Charonton, malujący monumentalne i złożone kompozycyjnie płótna, w których mimo motywów religijnych żywo wyrażało się zainteresowanie człowiekiem i otaczającą go rzeczywistością („Madonna Miłosierdzia”, „Koronacja Maryi”, 1453). Wprawdzie obrazy Sharonton wyróżniały się dekoracyjnym efektem (wyrafinowane linie, połączone w dziwaczny ornament, symetria kompozycji), ale ważne miejsce w nich zajmowały szczegółowe sceny z życia codziennego, pejzaże i postacie ludzkie. Na twarzach świętych i Maryi widz może odczytać uczucia i myśli, które je posiadają, wiele dowiedzieć się o charakterze bohaterów.
To samo zainteresowanie pejzażem, w starannym przeniesieniu wszystkich detali kompozycji, wyróżnia ołtarze innego prowansalskiego artysty – Nicolasa Fromenta („Zmartwychwstanie Łazarza”, „Płonący krzew”, 1476).
Cechy nowości w sztuce francuskiej przejawiały się szczególnie wyraźnie w twórczości artystów ze szkoły Loary, którzy pracowali w centralnej części Francji (w dolinie Loary). Wielu przedstawicieli tej szkoły mieszkało w mieście Tours, w którym w XV wieku. był rezydencją króla francuskiego. Mieszkańcem Tours był jeden z najwybitniejszych malarzy tej epoki, Jean Fouquet.
Jeden z najsłynniejszych artystów końca XV wieku. był Jean Clouet Starszy, znany również jako Mistrz Moulin. Przed 1475 pracował w Brukseli, a następnie przeniósł się do Moulins. Około 1498-1499 Jean Clouet Starszy wykonał swoje najważniejsze dzieło - tryptyk do katedry w Moulin, na środkowym skrzydle, na którym przedstawiona jest scena "Matka Boża w Chwale", a po bokach - portrety klientów ze świętymi patronami.
Centralna część przedstawia Madonnę z Dzieciątkiem, nad której głową aniołowie trzymają koronę. Prawdopodobnie Clouet był wzorowany na wizerunku Maryi przez francuską dziewczynę, kruchą i ładną. Jednocześnie abstrakcyjność intencji autora, efekty dekoracyjne (koncentryczne kręgi wokół Maryi, anioły tworzące girlandę wzdłuż krawędzi płótna) nadają dziełu podobieństwo do sztuki gotyckiej.
Ogromnym zainteresowaniem cieszą się piękne krajobrazy, które Jean Clouet Starszy umieszcza w kompozycjach o tematyce religijnej. Obok postaci świętych w tych pracach znajdują się portrety klientów. Na przykład na płótnie „Narodzenie” (1480), po prawej stronie Maryi, można zobaczyć kanclerza Rolena, który złożył w modlitwie ręce.
W drugiej połowie XV wieku. Simon Marmion pracował także we Francji, wykonując szereg kompozycji ołtarzowych i miniatur, wśród których najbardziej znane jego dzieła to ilustracje do Wielkiej Kroniki Francuskiej, oraz Jean Bourdichon, portrecista i miniaturzysta, który stworzył wspaniałe miniatury do Godzin Anny św. Bretoński.
Największym artystą tego czasu był Jean Perreal, który kierował lyońską szkołą malarstwa. Był nie tylko artystą, ale także pisarzem, architektem i matematykiem. Sława o nim wyszła poza Francję i rozprzestrzeniła się na Anglię, Niemcy, Włochy. Perreal służył u króla Karola VIII i Franciszka I, w Lyonie pełnił funkcję eksperta budowlanego. Zachowało się wiele jego dzieł portretowych, m.in. portret Marii Tudor (1514), Ludwika XII, Karola VIII. Jedną z najlepszych prac Perreala jest urocza i poetycka Dziewczyna z kwiatkiem. Interesujące są także jego obrazy katedry w Puy, na których obok wizerunków religijnych i antycznych artysta umieścił portrety francuskich humanistów, wśród nich wyróżnia się wizerunek Erazma z Rotterdamu.
Na początku XVI wieku. Francja była największym (pod względem powierzchni i liczby ludności) państwem w Europie Zachodniej. W tym czasie sytuacja chłopów została nieco złagodzona i pojawiły się pierwsze kapitalistyczne formy produkcji. Ale francuska burżuazja nie osiągnęła jeszcze poziomu zajmowania pozycji władzy w kraju, jak to było we włoskich miastach w XIV-XV wieku.
Epokę tę naznaczyły nie tylko przemiany w gospodarce i polityce Francji, ale także szerokie rozpowszechnienie renesansowych idei humanistycznych, najpełniej reprezentowanych w literaturze, w pismach Ronsarda, Rabelaisa, Montaigne'a, Du Bellaya. Montaigne, na przykład, uważał sztukę za główny środek edukacji człowieka.
Podobnie jak w Niemczech rozwój sztuki był ściśle związany z ruchem reformatorskim przeciwko Kościołowi katolickiemu. W ruchu tym uczestniczyli niezadowoleni ze swojej pozycji chłopi, a także mieszczaństwo i burżuazja. Po długiej walce został stłumiony, katolicyzm utrzymał swoją pozycję. Choć reformacja w niewielkim stopniu wpłynęła na sztukę, jej idee przeniknęły do środowiska artystów humanistycznych. Wielu francuskich malarzy i rzeźbiarzy było protestantami.
Ośrodkami kultury renesansowej były takie miasta jak Paryż, Fontainebleau, Tours, Poitiers, Bourges, Lyon. Król Franciszek I odegrał ważną rolę w szerzeniu idei renesansu, zapraszając na swój dwór francuskich artystów, poetów i naukowców. Przez kilka lat na dworze królewskim pracowali Leonardo da Vinci i Andrea del Sarto. Wokół zaangażowanej w działalność literacką siostry Franciszka Małgorzaty z Nawarry zjednoczyli się poeci i pisarze humanistyczni, promując nowe poglądy na sztukę i porządek świata. W latach 30. XVI wieku w Fontainebleau włoscy manieryści założyli szkołę malarstwa świeckiego, która miała znaczący wpływ na rozwój francuskiej sztuki plastycznej.
Ważne miejsce w malarstwie Francji pierwszej połowy XVI wieku. sztuką zajmowali się zaproszeni z Włoch artyści Giovanni Battista Rosso, Niccolò del Abbate i Francesco Primaticcio do malowania pałacu królewskiego w Fontainebleau. Centralne miejsce w ich freskach zajmowały tematy mitologiczne, alegoryczne i historyczne, w tym wizerunki nagich postaci kobiecych, których nie było na obrazach ówczesnych francuskich mistrzów. Wyrafinowana i elegancka, choć nieco zmanierowana sztuka Włochów wywarła wielki wpływ na wielu francuskich artystów, którzy dały początek kierunkowi zwanemu szkołą Fontainebleau.
Dużym zainteresowaniem cieszy się sztuka portretowa tego okresu. Francuscy portreciści kontynuowali najlepsze tradycje mistrzów XV wieku, a przede wszystkim Jeana Fouqueta i Jeana Cloueta Starszego.
Portrety były szeroko rozpowszechnione nie tylko na dworze, obrazy ołówkowe służyły jako nowoczesne fotografie w wielu francuskich rodzinach. Rysunki te często wyróżniały się wirtuozerią wykonania i rzetelnością w przekazywaniu cech charakteru człowieka.
Portrety ołówkowe były popularne w innych krajach europejskich, na przykład w Niemczech i Holandii, ale tam pełniły rolę szkicu poprzedzającego portret obrazkowy, a we Francji takie prace stały się niezależnym gatunkiem.
Największym francuskim portrecistą tej epoki był Jean Clouet Młodszy.
Cornel de Lyon, który pracował w Lyonie, był znakomitym portrecistą, który malował subtelne i uduchowione wizerunki kobiece („Portret Beatrice Pacheco”, 1545; „Portret królowej Claude”), wyróżniające się niemal miniaturowym wykonaniem i drobnym szkliwem oraz dźwięczne kolory.
Proste i szczere portrety dzieci i mężczyzn autorstwa Corneille de Lyon charakteryzują się umiejętnością ukazania głębi wewnętrznego świata modelki, prawdziwości i naturalności póz i gestów („Portret chłopca”, „Portret nieznanego Człowiek z czarną brodą”).
Od połowy XVI wieku. we Francji pracowali utalentowani mistrzowie portretu ołówkowego: B. Foulon, F. Quesnel, J. Decourt, którzy kontynuowali tradycje słynnego Francois Cloueta. Znakomitymi portrecistami pracującymi w technice graficznej byli bracia Etienne i Pierre Dumoustier.
Życie i twórczość François Clouet
odrodzenie malarstwa artystycznego francuskiego
François Clouet urodził się około 1516 roku w Tours. Studiował u ojca, Jeana Cloueta Młodszego, pomagał mu w wypełnianiu zamówień. Po śmierci ojca odziedziczył posadę nadwornego malarza królowi.
Chociaż w twórczości Francois Cloueta zauważalny jest wpływ Jeana Cloueta Młodszego, a także włoskich mistrzów, jego styl artystyczny wyróżnia się oryginalnością i jasną osobowością.
Jednym z najlepszych dzieł François Cloueta jest obraz „Kąpiąca się” (ok. 1571), który w sposobie wykonania przypomina nieco obraz szkoły z Fontainebleau. Jednocześnie, w przeciwieństwie do kompozycji mitologicznych tej szkoły, skłania się ku gatunkowi portretowemu. Niektórzy historycy sztuki uważają, że obraz przedstawia Dianę Poitier, podczas gdy inni uważają, że jest to ukochana Karola IX, Marie Touchet. Kompozycja zawiera elementy rodzajowe: obraz przedstawia kobietę w wannie, obok której stoi dziecko i pielęgniarka z niemowlęciem na rękach; w tle pokojówka podgrzewająca wodę do kąpieli. Jednocześnie dzięki specjalnej konstrukcji kompozycyjnej i wyraźnemu portretowi w interpretacji wizerunku młodej kobiety patrzącej na widza z zimnym uśmiechem błyskotliwej świeckiej damy płótno nie sprawia wrażenia zwykłej codzienności scena.
Niezwykłe umiejętności François Cloueta ujawniły się w jego pracy portretowej. Jego wczesne portrety pod wieloma względami przypominają prace jego ojca, Jeana Cloueta Młodszego. W bardziej dojrzałych utworach wyczuwa się oryginalną manierę francuskiego mistrza. Choć w przeważającej części portrety te wyróżniają się wielkością i powagą, blask dodatków oraz luksus kostiumów i draperii nie przeszkadzają artyście w przedstawieniu widzowi żywych, indywidualnych cech swoich modeli.
Zachowało się kilka portretów Karola IX autorstwa François Cloueta. We wczesnym ołówkowym portrecie z 1559 roku artysta przedstawiał zadowolonego z siebie nastolatka, który z uwagą przyglądał się widzowi. Rysunek z 1561 roku przedstawia zamkniętego, lekko wymuszonego młodzieńca, ubranego w galowy strój. Malowniczy portret wykonany w 1566 roku ukazuje widza Karola IX w pełni wzrostu. W kruchej postaci i bladej twarzy artysta dostrzegł główne cechy swojej postaci: niezdecydowanie, brak woli, drażliwość, egoistyczny upór.
Jedno z najwybitniejszych dzieł sztuki francuskiej XVI wieku. stał się malowniczym portretem Elżbiety Austriaczki, napisanym przez François Cloueta około 1571 roku. Obraz przedstawia młodą kobietę we wspaniałej sukni ozdobionej błyszczącymi klejnotami. Jej piękna twarz jest zwrócona do widza, a wyraziste ciemne oczy wyglądają na nieufne i niedowierzające. Bogactwo i harmonia koloru sprawiają, że płótno jest prawdziwym arcydziełem malarstwa francuskiego.
Inaczej powstaje intymny portret, na którym Francois Clouet przedstawił swojego przyjaciela, aptekarza Pierre'a Kute (1562). Artysta umieścił bohatera w swoim zwykłym środowisku biurowym, przy stole, na którym leży zielnik. W porównaniu z poprzednią pracą obraz wyróżnia się bardziej powściągliwą kolorystyką, zbudowaną na połączeniu odcieni złota, zieleni i czerni.
Dużym zainteresowaniem cieszą się portrety ołówkowe Francois Cloueta, wśród których wyróżnia się portret Joanny d "Albret, przedstawiający elegancką młodą dziewczynę, w której oczach widz może przybrać mocny i zdecydowany charakter.
W latach 1550-1560 Francois Clouet stworzył wiele portretów graficznych, w tym piękne rysunki przedstawiające małego Franciszka II, żywą i uroczą dziewczynę Małgorzatę Walezjuszną, Marię Stuart, Gasparda Coligny, Henryka II. Choć niektóre obrazy są nieco wyidealizowane, główną cechą portretów jest ich realizm i prawdziwość. Artysta stosuje różnorodne techniki: sangwiniczne, akwarelowe, drobne i lekkie pociągnięcia.
Francois Clouet zmarł w 1572 roku w Paryżu. Jego sztuka wywarła wielki wpływ na współczesnych artystów i grafików, a także francuskich mistrzów kolejnych pokoleń.
Życie i twórczość François Cloueta Młodszego
Jean Clouet Młodszy, syn Jeana Cloueta Starszego, urodził się około 1485 roku. Ojciec i został jego pierwszym nauczycielem malarstwa. Niewiele jest informacji o życiu artysty, wiadomo tylko, że od 1516 roku. Jean Clouet Młodszy pracował w Tours, a od 1529 w Paryżu, gdzie piastował stanowisko nadwornego malarza.
Portrety Jeana Cloueta Młodszego są niezwykle autentyczne i zgodne z prawdą. Oto ołówkowe wizerunki dworzan: Diane Poitiers, Guillaume Goufier, Anny Montmorency. Artysta kilkakrotnie namalował niektórych współpracowników króla: zachowały się trzy portrety Gaio de Genuillaca, uczestnika bitwy pod Marignano, wykonane w latach 1516, 1525 i 1526, dwa portrety marszałka Brissaca z lat 1531 i 1537 do dzisiaj. Jednym z jego najlepszych portretów ołówkowych jest wizerunek hrabiego d „Ethana (ok. 1519), w którym zauważalne jest pragnienie mistrza wniknięcia w głąb wewnętrznego świata człowieka. Godny uwagi jest również portret Erazma z Rotterdamu (1520) , zaskakująco żywotny i duchowy.
Jean Clouet Młodszy opanował nie tylko ołówek, ale i pędzel. Świadczy o tym kilka zachowanych do dziś płócien. Wśród nich jest portret delfina Franciszka (ok. 1519), księcia Claude de Guise (ok. 1525), Ludwika de Cleves (1530).
Wizerunki są nieco wyidealizowane w uroczystych, ceremonialnych portretach małej Charlotty z Francji (ok. 1520) i Franciszka I na koniu (1540), prostym i surowym portretem nieznanego mężczyzny z tomem Petrarki w ręku.
Niektórzy badacze uważają, że portret Franciszka I, obecnie przechowywany w Luwrze, należy do pędzla Jana Cloueta Młodszego. Tę wersję potwierdza rysunek wykonany przez artystę, choć niewykluczone, że posłużył za wzór jednemu z uczniów Jeana Cloueta Młodszego (np. jego synowi Francois Clouetowi) do stworzenia malowniczego portretu króla.
Luwrowski portret Franciszka I łączy w sobie powagę, dekoracyjność i chęć oddania indywidualnych cech modela – króla-rycerza, jak nazywali Franciszka współcześni. Wspaniałość tła i bogata szata króla, blask dodatków - wszystko to nadaje obrazowi splendoru, ale nie przesłania różnorodności ludzkich uczuć i cech charakteru, które można odczytać w oczach Franciszka: oszustwo, próżność, ambicja, odwaga. Portret ukazywał spostrzegawczość artysty, umiejętność dokładnego i wiernego dostrzeżenia tej wyjątkowej rzeczy, która odróżnia jedną osobę od drugiej.
Jean Clouet Młodszy zmarł w 1541 roku. Jego prace (zwłaszcza rysunki) wywarły wielki wpływ na licznych uczniów i naśladowców, wśród których chyba najbardziej utalentowanym był jego syn Francois Clouet, którego Ronsard w „Elegii do Jeana” (współcześni Jeanowi nazywali wszystkich przedstawiciele rodziny Clouet) nazywali „honorem naszej Francji”.
Życie i twórczość Jeana Fouquet
Jean Fouquet urodził się około 1420 roku w Tours w rodzinie księdza. Studiował malarstwo w Paryżu i być może w Nantes. Pracował w Tours jako malarz nadworny króla Karola VII, a następnie Ludwika XI. Posiadał duży warsztat, w którym wykonywano rozkazy dworu królewskiego.
Fouquet przez kilka lat mieszkał we Włoszech, w Rzymie, gdzie zapoznał się z twórczością włoskich mistrzów. Ale pomimo tego, że w jego pracach, zwłaszcza wczesnych, zauważalny jest wpływ sztuki włoskiej i holenderskiej, artysta szybko wypracował własny, niepowtarzalny styl.
Sztuka Fouqueta najdobitniej przejawiała się w gatunku portretowym. Portrety Karola VII i jego ministrów stworzone przez artystę są realistyczne i zgodne z prawdą, nie zawierają pochlebstw ani idealizacji. Choć sposób wykonania tych prac pod wieloma względami przypomina obrazy malarzy holenderskich, to portrety Fouquet są bardziej monumentalne i znaczące.
Najczęściej Fouquet portretował swoje modele w chwilach modlitwy, więc bohaterowie jego prac wydają się pogrążeni we własnych myślach, zdają się nie zauważać ani tego, co dzieje się wokół nich, ani na widowni. Jego portrety nie odznaczają się ceremonialnym przepychem i luksusem dodatków, obrazy na nich są zwyczajne, prozaiczne i statyczne w stylu gotyckim.
Na portrecie Karola VII (ok. 1445) widnieje napis: „Najbardziej zwycięski król Francji”. Ale Fouquet przedstawił króla tak rzetelnie i zgodnie z prawdą, że nic nie wskazuje na jego zwycięstwo: obraz przedstawia słabego i brzydkiego człowieka, w którego wyglądzie nie ma nic bohaterskiego. Widz widzi przed sobą egoistę nasyconego życiem i zmęczonego rozrywką z małymi oczami, dużym nosem i mięsistymi ustami.
Tak samo prawdziwy, a nawet bezlitosny jest portret jednego z najbardziej wpływowych dworzan króla, Juvenela des Yurzena (ok. 1460). Obraz przedstawia grubego mężczyznę o spuchniętej twarzy i zadowolonym spojrzeniu. Realistyczny jest również portret Ludwika XI. Artysta nie starał się w jakiś sposób upiększyć swoich modeli, przedstawił je dokładnie takimi, jakimi były za życia. Potwierdzają to liczne rysunki ołówkiem poprzedzające malarskie portrety.
Arcydziełem Fouquet był dyptyk napisany około 1450 roku, którego jedna część przedstawia Etienne Chevalier ze św. Szczepan, az drugiej Madonna z Dzieciątkiem Jezus. Maria uderza wdziękiem i spokojną urodą. Blade ciała Madonny z Dzieciątkiem, szaroniebieska suknia i gronostajowa szata Marii ostro kontrastują z jaskrawoczerwonymi postaciami aniołków otaczających tron. Wyraźne linie, lakoniczna i surowa kolorystyka obrazu nadają obrazowi powagi i wyrazistości.
Obrazy drugiej części dyptyku odznaczają się tą samą ścisłą wyrazistością i wewnętrzną głębią. Jego bohaterowie są zamyśleni i spokojni, ich wygląd odzwierciedla jasne cechy charakteru. Stefan stoi swobodnie i prosto, przedstawiony jako prawdziwa osoba, a nie święty. Jego ręka spoczywa protekcjonalnie na ramieniu lekko spętanego Etienne Chevalier, którego artysta reprezentuje w chwili modlitwy. Kawaler to mężczyzna w średnim wieku o pomarszczonej twarzy, haczykowatym nosie i surowym spojrzeniu małych oczu. Tak prawdopodobnie wyglądał w prawdziwym życiu. Podobnie jak obraz z Madonną, ta część dyptyku wyróżnia się integralnością kompozycji, bogactwem i dźwięcznością koloru, opartą na odcieniach czerwieni, złota i fioletu.
Duże miejsce w twórczości Fouquet zajmują miniatury. Te prace artysty są bardzo podobne do dzieł braci Limburg, ale są bardziej realistyczne w przedstawianiu otaczającego ich świata.
Fouquet stworzył wspaniałe ilustracje do „Wielkich kronik francuskich” (koniec lat pięćdziesiątych XIV wieku), Księgi godzin Etienne'a Chevaliera (1452-1460), „Powieści” Boccaccia (ok. 1460), „Starożytności żydowskich” Józefa Flawiusza (ok. 1470). ). W miniaturach przedstawiających sceny religijne, antyczne lub życie włoskie, współczesne francuskie miasta z cichymi uliczkami i dużymi placami, łąkami, wzgórzami, brzegami rzek pięknej ojczyzny malarza, artysta odgaduje niezwykłe zabytki architektoniczne Francji, w tym katedrę Notre Dame , Saint-Chapelle.
Miniatury prawie zawsze przedstawiają postacie ludzkie. Fouquet lubił przedstawiać sceny z życia chłopskiego, miejskiego i dworskiego, epizody bitew niedawno zakończonej wojny. Na niektórych miniaturach można zobaczyć portrety współczesnych artystce ("Reprezentacja Matki Bożej autorstwa Etienne Chevalier").
Fouquet jest utalentowanym kronikarzem, jego prace opisują wydarzenia historyczne z niezwykłą dokładnością, szczegółowością i prawdą. Taka jest miniatura „Proces księcia Alençon w 1458 roku”, przedstawiająca ponad dwieście postaci na jednym arkuszu. Mimo ogromnej liczby figur obraz nie scala się, a kompozycja pozostaje wyraźna i wyraźna. Szczególnie żywi i naturalni wydają się bohaterowie na pierwszym planie - mieszczanie, którzy przyszli popatrzeć na sędziego, strażnicy powstrzymujący napór tłumu. Rozwiązanie kolorystyczne jest bardzo udane: centralną część kompozycji podkreślono niebieskim tłem dywanu, który zakrywa miejsce osądu. Inne dywany z pięknymi zdobieniami, gobelinami i roślinami podkreślają wyrazistość miniatury i nadają jej szczególnego piękna.
Prace Fouquet świadczą o umiejętności ich autora w mistrzowskim przekazywaniu przestrzeni. Na przykład jego miniatura „Św. Marcina” (Księga godzin Etienne'a Chevaliera) przedstawia most, nabrzeże, domy i mosty tak dokładnie i rzetelnie, że łatwo przywrócić wygląd Paryża za panowania Karola VII.
Wiele miniatur Fouquet odznacza się subtelnym liryzmem, który tworzy poetycki i spokojny pejzaż (arkusz „Dawid dowiaduje się o śmierci Saula” z „Starożytności Żydów”).
Fouquet zmarł w latach 1477-1481. Bardzo popularny za życia artysta został szybko zapomniany przez rodaków. Jego sztuka została doceniona dopiero wiele lat później, pod koniec XIX wieku.
Wwniosek
Sztuka w okresie renesansu była główną formą aktywności duchowej. Prawie nie było ludzi obojętnych na sztukę. Prace artystyczne najpełniej wyrażają zarówno ideał harmonijnego świata, jak i miejsce w nim człowieka. Wszystkie formy sztuki są w różnym stopniu podporządkowane temu zadaniu.
Ideały renesansu zostały najpełniej wyrażone przez architekturę, rzeźbę, malarstwo, a malarstwo w tym okresie wysuwa się na pierwszy plan, odsuwając architekturę na bok. Tłumaczy się to tym, że malarstwo miało więcej możliwości pokazania realnego świata, jego piękna, bogactwa i różnorodności.
Cechą charakterystyczną kultury renesansowej jest ścisły związek nauki ze sztuką. Artyści, dążąc do jak najpełniejszego odzwierciedlenia wszelkich form naturalnych, sięgają po wiedzę naukową. Powstaje nowy system artystycznego widzenia świata. Artyści renesansowi rozwijają zasady perspektywy linearnej. Odkrycie to pomogło poszerzyć wachlarz przedstawianych zjawisk, włączyć pejzaż i architekturę w malowniczą przestrzeń, czyniąc obraz rodzajem okna na świat. Połączenie naukowca i artysty w jedną twórczą osobę było możliwe dopiero w renesansie. W okresie renesansu narodziły się i rozwinęły nowe style i trendy, które w dużej mierze determinowały zarówno rozkwit nowoczesnej kultury, jak i jej dalszy rozwój.
Zlista wykorzystanej literatury
1) Gurevich PS. Kulturologia: Podręcznik. - M., 1996.
3) Kulturologia / wyd. Radugina AA - M., 1996.
4) Sztuka wczesnego renesansu. - M.: Sztuka, 1980. - 257 s.
5) Historia sztuki: renesans. - M.: AST, 2003. - 503 s.
6) Yaylenko E. V. Włoski renesans. - M.: OLMA-PRESS, 2005. - 128 s.
7) Yaylenko E. V. Włoski renesans. - M.: OLMA-PRESS, 2005. - 128 s.
8) Livshits N.A. Sztuka francuska XV-XVIII wiek L., 1967.
9) Pietruszewicz NB. Sztuka Francji 15-16 wieków. M., 1973.
10) Kamenskaya T.D. Nowoselskaja I.N. Rysunek francuski XV-XVI wiek. L., 1969.
Hostowane na Allbest.ru
Podobne dokumenty
Cechy renesansu. Narodziny kultury renesansowej w Holandii. Dzieło Pietera Brueghela i Jana van Eycka. Technika portretowa autorstwa Francois Cloueta. Praca mistrzów szkoły z Fontainebleau. Charakterystyczne cechy kultury artystycznej renesansu północnego.
praca semestralna, dodana 30.09.2015
Ogólna charakterystyka renesansu, jego charakterystyczne cechy. Główne okresy i człowiek renesansu. Rozwój systemu wiedzy, filozofia renesansu. Charakterystyka arcydzieł kultury artystycznej okresu największego rozkwitu sztuki renesansowej.
praca twórcza, dodano 17.05.2010
Periodyzacja renesansu i jego charakterystyka. Specyfika kultury materialnej renesansu. Charakter wytwarzania przedmiotów kultury materialnej. Główne cechy stylu, artystyczny wygląd epoki. Cechy charakterystyczne kultury materialnej.
praca semestralna, dodana 25.04.2012
Rozwój kultury artystycznej renesansu we Włoszech. Ścieżka życiowa i twórczość Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła Buonarrotiego. Twórczość wielkich mistrzów późnego renesansu - Palladio, Veronese, Tintoretto. Sztuka renesansu.
streszczenie, dodane 13.03.2011
Tło społeczno-gospodarcze, pochodzenie duchowe i charakterystyczne cechy kultury renesansu. Rozwój kultury włoskiej w okresie protorenesansu, wczesnego, wysokiego i późnego renesansu. Cechy okresu renesansu w państwach słowiańskich.
streszczenie, dodane 05.09.2011
Ustalenie stopnia wpływu średniowiecza na kulturę renesansu. Analiza głównych etapów rozwoju kultury artystycznej renesansu. Charakterystyczne cechy renesansu w różnych krajach Europy Zachodniej. Cechy kultury białoruskiego renesansu.
praca semestralna, dodana 23.04.2011
Renesans jako epoka w dziejach Europy. Historia pojawienia się tego zjawiska, cechy wczesnego renesansu. Rozkwit renesansu w Holandii, Niemczech i Francji. Sztuka renesansu północnego, nauka, filozofia i literatura. Architektura i muzyka.
prezentacja, dodano 15.12.2014
Ramy chronologiczne renesansu, jego charakterystyczne cechy. Świeckość kultury i jej zainteresowanie człowiekiem i jego działalnością. Etapy rozwoju renesansu, cechy jego manifestacji w Rosji. Odrodzenie malarstwa, nauki i światopoglądu.
prezentacja, dodana 24.10.2015
Humanizm jako ideologia renesansu. Manifestacje humanizmu w różnych epokach. Charakterystyczne cechy renesansu. Twórczość włoskiego poety Francesco Petrarca. Erazm z Rotterdamu – największy uczony renesansu północnego.
prezentacja, dodana 10.12.2016
Problem renesansu we współczesnych studiach kulturowych. Główne cechy renesansu. Natura kultury renesansu. Humanizm renesansu. Wolnomyślicielstwo i świecki indywidualizm. Nauka renesansu. Doktryna społeczeństwa i państwa.
Renesans we Francji miał w zasadzie te same warunki rozwoju, co we Włoszech. Istniały jednak znaczne różnice w społeczno-kulturowym zapleczu procesu literackiego w obu krajach. W przeciwieństwie do Włoch, gdzie w regionach północnych już w XIII wieku. ma miejsce przewrót polityczny i powstaje szereg całkowicie niezależnych republik miejskich we Francji, gdzie rozwój burżuazyjny w tym czasie był wolniejszy niż we Włoszech, szlachta nadal pozostała klasą rządzącą.
Z tego wszystkiego wynika pewne zacofanie francuskiej burżuazji w porównaniu z włoską czy nawet angielską, a zwłaszcza jej słaby udział w ruchu humanistycznym. Z drugiej strony idee humanistyczne znalazły istotne oparcie w kręgach szlachty, która zetknęła się bezpośrednio z kulturą Włoch.
Ogólnie rzecz biorąc, silny wpływ Włoch jest jedną z najważniejszych cech francuskiego renesansu. Szybki rozkwit myśli humanistycznej przypada na pierwszą połowę panowania Franciszka I (1515-1547). Kampanie włoskie, które rozpoczęły się za jego poprzedników i przez niego kontynuowały, znacznie rozszerzyły stosunki kulturalne między dwoma narodami. Młodzi francuscy szlachcice, niegdyś we Włoszech, byli zaślepieni bogactwem swoich miast, przepychem strojów, pięknem dzieł sztuki, elegancją obyczajów. Natychmiast rozpoczął się wzmożony import włoskiej kultury renesansowej do Francji. Franciszek 1 przyciągał do swojej służby najlepszych włoskich artystów i rzeźbiarzy – Leonarda da Vinci, Andreę del Sarto, Benvenuto Cellini. Włoscy architekci budują mu zamki w stylu neorenesansowym w Blois, Chambord, Fontainebleau. Pojawia się duża liczba tłumaczeń Dantego, Petrarki, Boccaccio itp. Do języka francuskiego przenika duża liczba włoskich słów z dziedziny sztuki, techniki, spraw wojskowych, świeckich zabaw itp. Spośród włoskich humanistów, którzy w tym czasie przenieśli się do Francji, najwybitniejszym był Juliusz Cezar Scaliger (zm. 1558), lekarz, filolog i krytyk, autor słynnej „Poetyki” po łacinie, w której nakreślił zasady uczonego dramat humanistyczny.
Ryż. 29,1
Równolegle przeprowadzono dogłębne studium starożytności, do którego dotarło także częściowo za pośrednictwem włoskiej mediacji. W pierwszych latach swojego panowania Franciszek I zlecił publikację przekładów dzieł Tukidydesa, Ksenofonta i innych „dla pouczenia francuskiej szlachty” jego słynnego przekładu Żywotów Plutarcha.
Franciszek I chciał osobiście kierować francuskim renesansem, aby nim kierować i utrzymywać go pod swoją kontrolą, ale w rzeczywistości podążał tylko za mentalnym ruchem epoki. Spośród jego doradców prawdziwymi przywódcami ruchu powinni być przede wszystkim: Guillaume Bude (Guillaume Bude, 1468-1540), który najpierw pełnił funkcję sekretarza Franciszka I, a następnie jego bibliotekarza. Bude napisał ogromną liczbę prac po łacinie z zakresu filozofii, historii, filologii, matematyki i prawoznawstwa. Główną ideą Bude było to, że filologia jest główną podstawą edukacji, ponieważ studiowanie starożytnych języków i literatury poszerza mentalność człowieka i poprawia jego cechy moralne. Wiele w poglądach Bude na religię, moralność, edukację zbliża go do Erazma z Rotterdamu. Największym przedsięwzięciem Budego był plan stworzenia uniwersytetu świeckiego, realizowany przez Franciszka I. Według planu Budego nauczanie w nim powinno opierać się nie na scholastyce i teologii, jak na Sorbonie, ale na filologii. W ten sposób w 1530 roku powstało College de France, które natychmiast stało się cytadelą wolnej wiedzy humanistycznej.
Drugim najważniejszym momentem, który zadecydował o losach francuskiego renesansu, jest jego szczególny związek z reformacją, która początkowo była zgodna z humanizmem, ale potem ostro od niego odbiegała.
W historii francuskiego protestantyzmu należy wyróżnić dwa okresy – przed połową lat 30. XVI wieku i po. Pierwsi protestanci we Francji byli rozproszonymi intelektualistami humanistycznego sposobu myślenia, krytycznymi wobec wszelkich spraw, w tym podstaw religii, ale jednocześnie mało skłonnymi do kazań i walki. Wybitny matematyk i hellenista Lefebvre d'Etaples (1455-1537), który odwiedził Włochy i został przesiąknięty ideami platonizmu dzięki rozmowom z Marsilio Ficino i Pico della Mirandola, zaczął wracając do Francji w nowy sposób interpretować Arystotelesa , tj. odwołując się wyłącznie do źródeł pierwotnych i próbując wniknąć w ich prawdziwe znaczenie, nie zniekształcone przez scholastyczne komentarze. Następnie Lefebvre wpadł na pomysł, aby zastosować tę samą metodę do ksiąg Pisma Świętego – i tutaj odkrył, że nie mówi się ani o poście, ani o celibacie kleru, ani o większości „sakramentów” w Ewangelii. Z tego zrodził się w nim i jego przyjaciołach pomysł powrotu do pierwotnej czystości nauczania ewangelii, stworzenia „ewangelicznej” religii. Zagłębiając się dalej w rozważania na temat zasad chrześcijaństwa, Lefebvre w 1512 roku, tj. pięć lat przed przemówieniem Lutra przedstawił dwie propozycje, które później stały się głównymi dla protestantyzmu wszystkich przekonań: 1) usprawiedliwienie przez wiarę, 2) Pismo Święte jako jedyna podstawa doktryny religijnej. Aby wzmocnić nową doktrynę, Lefebvre opublikował swój przekład Biblii, pierwszy w języku francuskim.
Sorbona potępiła ten przekład, jak również wszelką nową herezję w ogóle. Kilku zwolenników Lefebvre'a zostało straconych, a on sam musiał na jakiś czas uciekać za granicę. Wkrótce jednak Franciszek I zrehabilitował go, a nawet wyznaczył opiekuna jego syna. Ogólnie rzecz biorąc, w tym okresie król faworyzował protestantów, a nawet myślał o wprowadzeniu protestantyzmu we Francji. Jednak w połowie lat 30. nastąpił gwałtowny zwrot w jego polityce, spowodowany powszechną w Europie ofensywą reakcji i związaną z nią kontrreformacją - zamach stanu uwarunkowany lękiem klas rządzących przed powstaniami chłopskimi. i zbyt śmiałe dążenia myśli humanistycznej, które groziły obaleniem „wszelkich podstaw”. Tolerancja Franciszka dla wszelkiego rodzaju wolnomyślicielstwa – religijnego czy naukowo-filozoficznego – dobiegła końca. Egzekucje protestantów i humanistów wolnomyślicielskich stały się na porządku dziennym. Jednym z przypadków rażącej arbitralności było spalenie na stosie w 1546 roku wybitnego naukowca i drukarza Etienne Doleta.
W tym momencie francuski protestantyzm wkracza w drugą fazę. Staje się jego głową Jacques Calvin(1509-1564), który w 1536 r. przeniósł się z Francji do Genewy, która odtąd staje się głównym ośrodkiem kalwinizmu, kierując całym ruchem protestanckim we Francji. W tym samym roku 1536 Kalwin ostatecznie sformułował swoją doktrynę w Pouczeniu o wierze chrześcijańskiej, które pierwotnie ukazało się po łacinie, a pięć lat później zostało przedrukowane po francusku. Od tego momentu kontemplacyjną, utopijną ewangelizację zastępuje ostry, wojowniczy kalwinizm.
Burżuazyjna istota reformacji pojawia się wyraźnie w naukach Kalwina, który zaleca oszczędność i akumulację bogactwa, usprawiedliwia lichwę, a nawet dopuszcza niewolnictwo. Podstawą doktryny Kalwina są dwa postanowienia – o „przeznaczeniu” oraz o nieingerencji Boga w życie świata, podlegające niezmiennym prawom. Według pierwszego z nich każdy człowiek od urodzenia przeznaczony jest albo na wieczną błogość, albo na wieczne męki, niezależnie od tego, jak będzie się zachowywał w życiu. Nie wie, do czego jest przeznaczony, ale musi myśleć, że czeka go zbawienie i musi to pokazać całym swoim życiem. Tak więc ta doktryna „predestynacji” nie prowadzi do fatalizmu i bierności, lecz przeciwnie, jest bodźcem do działania.
Wyznawcy Kalwina i jego główne postanowienia o predestynacji i nieingerencji Boga rozwijają doktrynę „światowego powołania”, zgodnie z którą każdy powinien dążyć do uzyskania jak największej korzyści i pożytku ze swojego zawodu oraz „ziemskiej ascezy”, zalecając oszczędność i umiar w zaspokajaniu swoich potrzeb w celu powiększenia ich własności. Stąd pogląd na pracę jako „obowiązek” i przekształcenie pragnienia akumulacji w „cnotę akumulacji”.
Mimo wyraźnie wyrażonej burżuazyjnej natury kalwinizmu, znalazł licznych zwolenników w tych warstwach szlachty, które nie chciały pogodzić się z absolutyzmem, głównie na anektowanym stosunkowo późno (XIII w.) południu. z których miejscowa szlachta nie zdążyła jeszcze zapomnieć o swoich swobodach i starała się być sama. Tak więc, jeśli w drugiej ćwierci XVI wieku. Protestantyzm rozprzestrzenił się prawie wyłącznie wśród burżuazji i mniej więcej równomiernie w całej Francji, ale od połowy stulecia intensywnie szerzył się wśród szlachty południowej Francji, ostoi reakcji feudalnej. Kiedy w drugiej połowie XVI wieku. wybuchły wojny religijne, to kalwińska szlachta walczyła z absolutyzmem, pełniąc rolę organizatorów i przywódców powstania; co więcej, po zakończeniu wojny wielu z nich chętnie przystąpiło do katolicyzmu.
Jednocześnie zmienia się charakter protestantyzmu, wyrzekającego się zasady wolności badań i przesiąkniętego duchem nietolerancji i fanatyzmu. Żywym przykładem jest spalenie przez Kalwina w 1553 r. Miguela Servety (1511 - 1553), hiszpańskiego teologa, lekarza, przyrodnika, oskarżonego przez niego o przynależność do rewolucyjnej sekty anabaptystów.
Ryż. 29.2.
We Francji, podzielonej na dwa obozy – katolików i protestantów, nie było kompletnej partii narodowej, gdyż obaj walczący ze szkodą dla ojczyzny często działali w sojuszu z obcymi władcami. Hugenoci (jak nazywano protestantów we Francji), którzy nie mieli poparcia wśród ludu, nieustannie wzywali pomocy swoich współwyznawców z Niemiec, Holandii i Anglii. Co do katolików, to początkowo byli oni partią jedności narodowej i religijnej, ale z czasem, zwłaszcza po utworzeniu Ligi Katolickiej w 1576 roku, przywódcy partii zaczęli szukać wsparcia u Hiszpanii, a nawet myśleli o przeniesieniu korony francuskiej do hiszpańskiego króla Filipa II. Prawdziwy patriotyzm można było w tamtych czasach znaleźć tylko wśród mas ludowych: wśród chłopów lub wśród miejskich mas plebejskich, które całkowicie zrujnowane wojnami domowymi i doprowadzone do rozpaczy, nagle podniosły się, jak ich pradziadowie w Stuletnim Wojna, aby pokonać jednocześnie żołnierzy hiszpańskich i niemieckich, rajtarów, a co najważniejsze - własnych szlachciców - właścicieli ziemskich dowolnego ugrupowania politycznego i dowolnej religii. Ale te powstania chłopskie, z których największe miały miejsce około 1580 i około 1590 roku, nie mogły zostać uwieńczone sukcesem i zostały bezwzględnie stłumione, często przy pomocy zdrady i zdrady.
Humanizm miał pewne punkty styczne z obiema stronami, ale jeszcze więcej różnic. Wielu humanistów przyciągnęła do partii katolickiej idea jedności narodowej (Ronsard i inni członkowie Plejad), ale większość z nich nie mogła pogodzić się z ciasnotą myśli i przesądami katolicyzmu. A humaniści zostali odepchnięci od kalwinizmu przez jego burżuazyjną ciasnotę umysłu, coraz większy fanatyzm. Niemniej jednak racjonalistyczny zaczyn kalwinizmu, jego heroiczny duch, wysoka moralność i marzenie o jakiejś idealnej strukturze ludzkiego społeczeństwa przyciągały do niego wielu humanistów (Agrippa d'Aubigne, a wcześniej - Maro). Jednak najgłębsi humaniści, tak wielcy pisarze francuskiego renesansu, jak Rabelais, Denerier, Montaigne, unikali waśni religijnych, równie obcych dla fanatyzmu obu wyznań, i najprawdopodobniej skłaniali się ku religijnej wolności myślenia.
Pisarzy francuskiego renesansu, w porównaniu z autorami wczesnego średniowiecza, cechuje niezwykłe poszerzenie horyzontu, duży zasięg zainteresowań intelektualnych. Najwięksi z nich nabierają charakterystycznych dla renesansu cech „człowieka uniwersalnego”, otwartego na wszystko i zaangażowanego. Najbardziej uderzającym tego przykładem jest twórczość i działalność Rabelaisa, lekarza, przyrodnika, archeologa, prawnika, poety, filologa i genialnego satyryka. Wielką wszechstronność można zaobserwować także w twórczości Maro, Małgorzaty z Nawarry, Ronsarda, d'Aubigné i innych.
Charakterystyczne cechy, mniej lub bardziej wspólne wszystkim pisarzom stulecia, to z jednej strony spontaniczny materializm, podatność na wszystko, co materialne i zmysłowe, z drugiej zaś kult piękna, dbałość o elegancję formy. Zgodnie z tym rodzą się nowe gatunki lub radykalnie przekształcają stare. Pojawia się barwnie i realistycznie opracowane opowiadanie (Małgorzata z Nawarry, Denerier), swoista forma powieści satyrycznej (Rabelais), nowy styl w liryce (Marot, potem zwłaszcza Ronsard i Plejady), początki świeckiego dramatu renesansowego ( Jodele), pamiętnik typu anegdotyczno-moralnego (Brant), obywatelska poezja oskarżycielska (d'Aubigné), filozoficzne „eksperymenty” (Montaigne) itp.
Zarówno poezja, jak i proza francuskiego renesansu charakteryzują się szerszym, bardziej realistycznym podejściem do rzeczywistości. Obrazy są bardziej konkretne i indywidualne. Abstrakcja i naiwne budowanie stopniowo zanikają. Prawdomówność artystyczna staje się miarą i środkiem wyrażania treści ideowych.
We francuskim renesansie należy wyróżnić kilka etapów. W pierwszej połowie wieku kwitły idee humanistyczne, dominował optymizm, wiara w możliwość zbudowania lepszego, doskonalszego sposobu życia. Choć od połowy lat 30. XX wieku nastroje te zostały przyćmione przez zbliżającą się reakcję, rozłam religijno-polityczny nie zdążył jeszcze w pełni zamanifestować swoich destrukcyjnych skutków.
W drugiej połowie wieku, pośród rozpoczynających się lub przygotowywanych wojen religijnych, pojawiają się wśród humanistów pierwsze oznaki zwątpienia i rozczarowania. Mimo to w trzecim ćwierćwieczu podejmuje się potężne wysiłki, aby stworzyć nową, całkowicie narodową poezję i bogaty język narodowy. Począwszy od lat 60. XVI wieku kryzys humanizmu osiąga pełną siłę, a literatura odzwierciedla z jednej strony bitwy i fermentację umysłów wywołaną wojnami domowymi, z drugiej zaś głębokie poszukiwania przygotowujące późniejsze formy społecznej i artystycznej świadomość.
Pytania i zadania
- 1. Kiedy zaczyna się renesans we Francji?
- 2. Jaka jest specyfika powstania i rozwoju renesansu we Francji w porównaniu z Włochami?
- 3. Jaka jest rola Franciszka I w rozwoju francuskiego renesansu?
- 4. Korzystając z podręczników i encyklopedii, zorientuj się, czym jest reformacja i kalwinizm.
- 5. Jakie są charakterystyczne cechy światopoglądu i twórczości przedstawicieli francuskiego renesansu?
- 6. Sporządź tabelę etapów renesansu we Francji, odzwierciedlając w niej: 1) wydarzenia historyczne; 2) główne idee; 3) krótki opis najważniejszych autorów; 4) tytuły i daty głównych prac.
Tematy abstraktów i raportów
- 1. Rola Włoch w rozwoju francuskiego renesansu.
- 2. Mistrzowie włoscy we Francji: Leonardo da Vinci i Benvenuto Cellini.
- 3. Reformacja we Francji.
Renesans – przetłumaczony z francuskiego oznacza „Renesans”. Tak nazwali całą epokę, symbolizując intelektualny i artystyczny rozkwit kultury europejskiej. Renesans rozpoczął się we Włoszech na początku XIV wieku, zwiastując schyłek epoki upadku kultury i średniowiecza, opartego na barbarzyństwie i ignorancji, a rozwijając się, osiągnął swój szczyt w XVI wieku.
Po raz pierwszy o renesansie pisał historiograf pochodzenia włoskiego, malarz i autor prac o życiu znanych artystów, rzeźbiarzy i architektów na początku XVI wieku.
Początkowo termin „renesans” oznaczał pewien okres (początek XIV wieku) kształtowania się nowej fali sztuki. Ale po pewnym czasie pojęcie to zyskało szerszą interpretację i zaczęło oznaczać całą epokę rozwoju i formowania się kultury przeciwstawnej feudalizmowi.
Okres renesansu jest ściśle związany z pojawieniem się we Włoszech nowych stylów i technik malarskich. Istnieje zainteresowanie starożytnymi obrazami. Sekularyzm i antropocentryzm to integralne cechy, które wypełniają ówczesne rzeźby i malarstwo. Renesans zastępuje ascezę charakteryzującą epokę średniowiecza. Pojawia się zainteresowanie wszystkim, co przyziemne, bezgraniczne piękno natury i oczywiście człowieka. Artyści renesansowi podchodzą do wizji ludzkiego ciała z naukowego punktu widzenia, starając się dopracować wszystko w najdrobniejszych szczegółach. Obrazy stają się realistyczne. Malarstwo pełne jest niepowtarzalnego stylu. Ustanowiła podstawowe kanony smaku w sztuce. Szeroko rozpowszechniona jest nowa koncepcja światopoglądowa zwana „humanizmem”, zgodnie z którą osoba jest uważana za najwyższą wartość.
okres renesansu
Duch rozkwitu jest szeroko wyrażany w ówczesnych obrazach i nadaje obrazowi szczególną zmysłowość. Renesans łączy kulturę z nauką. Artyści zaczęli uważać sztukę za dziedzinę wiedzy, szczegółowo badając fizjologię człowieka i otaczającego go świata. Dokonano tego, aby bardziej realistycznie oddać prawdę o stworzeniu Boga i wydarzeniach rozgrywających się na ich płótnach. Dużo uwagi poświęcono przedstawieniu tematów religijnych, które dzięki umiejętnościom geniuszy takich jak Leonardo da Vinci nabrały ziemskiej treści.
Istnieje pięć etapów rozwoju włoskiej sztuki renesansowej.
Międzynarodowy (dworski) gotycki
Pochodzący z początku XIII wieku gotyk dworski (ducento) charakteryzuje się przesadnym blaskiem, przepychem i pretensjonalnością. Głównym typem malarstwa jest miniatura przedstawiająca sceny ołtarzowe. Artyści do tworzenia swoich obrazów używają farb temperowych. Renesans obfituje w sławnych przedstawicieli tego okresu, takich jak włoscy malarze Vittore Carpaccio i Sandro Botticelli.
Okres przedrenesansowy (protorenesans)
Kolejny etap, który, jak się uważa, zapowiadał renesans, nazywa się protorenesansem (trecento) i przypada na koniec XIII - początek XIV wieku. W związku z szybkim rozwojem humanistycznego światopoglądu malarstwo tego okresu historycznego ujawnia wewnętrzny świat człowieka, jego duszę, ma głębokie znaczenie psychologiczne, ale jednocześnie ma prostą i przejrzystą strukturę. Wątki religijne schodzą na dalszy plan, a wiodąca stają się wątki świeckie, a głównym bohaterem jest osoba ze swoimi uczuciami, mimiką i gestami. Pojawiają się pierwsze portrety włoskiego renesansu, które zastępują ikony. Znani artyści tego okresu to Giotto, Pietro Lorenzetti.
Wczesny renesans
Na początku rozpoczyna się etap wczesnego renesansu (quattrocento), symbolizującego rozkwit malarstwa przy braku tematów religijnych. Twarze na ikonach przybierają ludzką postać, a pejzaż jako gatunek w malarstwie zajmuje osobną niszę. Założycielem kultury artystycznej wczesnego renesansu jest Mosaccio, którego koncepcja opiera się na inteligencji. Jego obrazy są bardzo realistyczne. Wielcy mistrzowie zgłębiali perspektywę liniową i powietrzną, anatomię i wykorzystywali wiedzę w swoich kreacjach, co widać we właściwej trójwymiarowej przestrzeni. Przedstawicielami wczesnego renesansu są Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pollaiolo, Verrocchio.
Wysoki renesans lub „złoty wiek”
Od końca XV wieku rozpoczął się i nie trwał długo, aż do początku XVI wieku, etap wysokiego renesansu (cinquecento). Jego centrum stały się Wenecja i Rzym. Artyści poszerzają swoje ideowe horyzonty i interesują się przestrzenią. Człowiek pojawia się na obraz bohatera, doskonałego zarówno duchowo, jak i fizycznie. Postaciami tej epoki są Leonardo da Vinci, Rafael, Tycjan Vecellio, Michał Anioł Buonarroti i inni. Wielki artysta Leonardo da Vinci był „człowiekiem uniwersalnym” i nieustannie poszukiwał prawdy. Zajmując się rzeźbą, dramaturgią, różnymi eksperymentami naukowymi, znalazł czas na malowanie. Kreacja „Madonna in the Rocks” wyraźnie odzwierciedla stworzony przez malarza styl światłocienia, gdzie połączenie światła i cienia tworzy trójwymiarowy efekt, a słynna „Gioconda” wykonana jest techniką „smuffato”, która tworzy iluzja mgły.
Późny renesans
W okresie późnego renesansu, który przypada na początek XVI wieku, miasto Rzym zostało zdobyte i splądrowane przez wojska niemieckie. To wydarzenie zapoczątkowało erę zagłady. Rzymskie centrum kulturalne przestało być patronem najsłynniejszych postaci, które zmuszono do rozejścia się do innych miast Europy. W wyniku narastającej pod koniec XV wieku niespójności poglądów między wiarą chrześcijańską a humanizmem dominującym stylem charakteryzującym malarstwo staje się manieryzm. Renesans powoli dobiega końca, gdyż za podstawę tego stylu uważa się piękny manier, który przysłania wyobrażenia o harmonii świata, prawdzie i wszechmocy umysłu. Kreatywność staje się złożona i nabiera cech konfrontacji różnych kierunków. Genialne prace należą do tak znanych artystów jak Paolo Veronese, Tinoretto, Jacopo Pontormo (Carrucci).
Włochy stały się kulturalnym centrum malarstwa i obdarzyły świat genialnymi artystami tego okresu, których obrazy do dziś budzą emocjonalny zachwyt.
Oprócz Włoch rozwój sztuki i malarstwa zajmował ważne miejsce w innych krajach europejskich. Ten trend został nazwany.Na szczególną uwagę zasługuje malarstwo renesansowej Francji, które wyrosło na własnej ziemi. Koniec wojny stuletniej spowodował wzrost powszechnej świadomości i rozwój humanizmu. Jest w tym realizm, połączenie z wiedzą naukową, pociąg do obrazów starożytności. Wszystkie powyższe cechy zbliżają go do włoskiego, ale obecność tragicznej nuty na płótnach jest istotną różnicą. Znani artyści renesansu we Francji - Anguerrand Charonton, Nicolas Froment, Jean Fouquet, Jean Clouet Starszy.
Francuski renesans XVI wiek
W XVI wieku. we Francji szerzą się idee humanistyczne . Częściowo ułatwił to kontakt Francji z humanistyczną kulturą Włoch podczas kampanii w tym kraju. Decydujące znaczenie miał jednak fakt, że cały przebieg społeczno-gospodarczego rozwoju Francji stwarzał dogodne warunki do samodzielnego rozwoju takich idei i prądów kulturowych, które na francuskiej ziemi nabrały wyrazistego smaku.Dokończeniu zjednoczenia kraju, umocnieniu jego jedności gospodarczej, co znalazło wyraz w rozwoju rynku wewnętrznego i stopniowym przekształcaniu Paryża w główny ośrodek gospodarczy, towarzyszyło XVI - XVII wiek. stopniowe kształtowanie się narodowej kultury francuskiej . Proces ten trwał i pogłębiał się, choć był bardzo złożony, sprzeczny, spowolniony przez wojny domowe, które wstrząsnęły i zrujnowały kraj.
Nastąpiły duże zmiany narodowy język francuski . To prawda, że w odległych regionach i prowincjach północnej Francji nadal istniała duża liczba lokalnych dialektów: normański, pikardyjski, szampański itd. Dialekty języka prowansalskiego również pozostały, ale coraz większe znaczenie i rozpowszechnienie nabierał język literacki północnofrancuski: prawa wydawano w nim, prowadzono postępowania sądowe, pisali swoje dzieła poeci, pisarze, kronikarze. Rozwój rynku krajowego, wzrost poligrafii, polityka centralizacji absolutyzmu przyczyniły się do stopniowego wypierania lokalnych dialektów, chociaż w XVI wieku. proces ten był jeszcze daleki od zakończenia.
Jednakże Renesans nosił we Francji dość zauważalny odcisk arystokratyczno-szlachecki. Jak wszędzie, wiązała się z odrodzeniem nauki antycznej – filozofii, literatury – i dotyczyła przede wszystkim filologii. Wielkim filologiem był Bude, rodzaj francuskiego Reuchlina, który tak dobrze nauczył się języka greckiego, że mówił i pisał w nim, naśladując styl starożytnych. Bude był nie tylko filologiem, ale także matematykiem, prawnikiem i historykiem.
Innym wybitnym wczesnym humanistą we Francji był Lefebvre d'Etaple, nauczyciel Budego w dziedzinie matematyki. Jego traktaty o arytmetyce i kosmografii po raz pierwszy stworzyły szkołę matematyków i geografów we Francji. Luter wyraził dwa podstawowe postanowienia reformacji: usprawiedliwienie przez wiarę i Pismo Święte jako źródło prawdy. Był on rozmarzonym i cichym humanistą, przerażonym konsekwencjami własnych pomysłów, gdy zobaczył z przemówienia Lutra, do czego to może doprowadzić.
ważne wydarzenie Renesans w XVI-wiecznej Francji był fundamentem pewnego rodzaju nowego uniwersytetu, wraz z Uniwersytetem Paryskim, tzw. „Kolegium Francuskiego” (College de France) – otwartego stowarzyszenia naukowców, które rozpowszechniały nauki humanistyczne.
Naśladownictwo modeli antycznych połączono z rozwojem aspiracji narodowych. Poeci Joaquim Dubelle (1522-1560), Pierre de Ronsard (1524-1585) i ich zwolennicy zorganizowali grupę o nazwie Plejady. W 1549 opublikowała manifest, którego sam tytuł „Obrona i gloryfikacja języka francuskiego” odzwierciedlał narodowe aspiracje francuskiego renesansu. Manifest obalił opinię, że tylko starożytne języki mogą uosabiać wysokie idee poetyckie w godnej formie i potwierdził wartość i znaczenie języka francuskiego. Plejady zostały uznane przez dwór, a Ronsard został dworskim poetą. Pisał ody, sonety, pastorałki, improwizowane. Teksty Ronsarda opiewały człowieka, jego uczucia i intymne przeżycia, ody i improwizacje z okazji wydarzeń politycznych i militarnych służyły wywyższeniu monarchy absolutnego.
Wraz z rozwojem i przetwarzaniem starożytnego dziedzictwa Literatura francuskiego renesansu
przyswajał najlepsze przykłady i tradycje ustnej sztuki ludowej. Odzwierciedlał cechy charakteru tkwiące w utalentowanych i kochających wolność Francuzach: wesołe usposobienie, odwagę, pracowitość, subtelny humor i miażdżącą siłę mowy satyrycznej, zwróconej ostrzem przeciwko pasożytom, kłótliwym, chciwym, wyrachowanym święci, ignoranccy scholastycy żyjący kosztem ludu.
Najwybitniejszy Przedstawiciel XVI-wieczny humanizm francuski był François Rabelais (1494-1553) . Najbardziej znanym dziełem Rabelais jest powieść satyryczna „Gargantua i Pantagruel”, baśniowa forma powieści, oparta na starych francuskich baśniach o królach-olbrzymach. To wspaniała, pełna dowcipu i sarkazmu satyra na społeczeństwo feudalne. Rabelais przedstawił feudalnych panów w postaci niegrzecznych gigantów, żarłoków, pijaków, łobuzów, obcych wszelkim ideałom, prowadzących zwierzęce życie. Demaskuje politykę zagraniczną królów, ich niekończące się, bezsensowne wojny. Rabelais potępia niesprawiedliwość dworu feudalnego („Wyspa Puszystych Kotów”), kpi z absurdu średniowiecznej nauki scholastycznej („Dysputa dzwonów”), wyśmiewa monastycyzm, atakuje Kościół katolicki i autorytet papieski. Rabelais skontrastował ludzi z ludu z postaciami satyrycznymi ucieleśniającymi wady klasy rządzącej (brat Jean - obrońca ojczyzny, chłop - lub Panurg, na którego obrazie oddano rysy miejskiego plebejuszy). Rabelais w swojej powieści wyśmiewa nie tylko Kościół katolicki, ale także protestantyzm (papimans i papifigs).
Jak humanista Rabelais oznaczał wszechstronny, harmonijny rozwój ludzkiej osobowości. Wszystkie swoje humanistyczne ideały ucieleśniał w swoistej utopii „Opactwo Thelema”, w której żyją wolni ludzie, dbając o ich rozwój fizyczny i doskonalenie duchowe w nauce i sztuce.
