TEATR ROSYJSKI Wiadomości teatralne i siły teatralne w stolicach i na województwach Plotki o nowych wydarzeniach wydziału teatralnego. - Teatr latem w Petersburgu. - Utwór pana Gendre „Nero” i kto powinien go zagrać. - Gra podwójna w Petersburgu: Pietrowski i Fiodorow. - Podwyżki dla Pani.

1.2 Funkcje maski w teatrze No

Jak wspomnieliśmy wcześniej, kluczem do zrozumienia teatru No jest maska ​​teatralna, gdyż aktorzy tego teatru nie uciekają się do makijażu i mimiki. To właśnie w masce skrywa się wiele funkcji, odzwierciedlających nie tylko filozofię teatru „Ale”, ale także zasady wschodniej doktryny filozoficznej.

„Maska, maskus” z łaciny – maska, ale jest w niej jeszcze więcej starożytne słowo najtrafniej oddającym istotę maski Sonaze ​​jest powściągliwość. To właśnie ta funkcja maski była aktywnie wykorzystywana w rytualnym działaniu. Z definicji E.A. Torchinowa, który przez rytuał rozumie zestaw pewnych czynności, które mają święte znaczenie i mające na celu odtworzenie tego czy innego głębokiego doświadczenia lub jego symbolicznego przedstawienia, możemy stwierdzić, że maska ​​jest tarczą chroniącą przed obrazem, ale jednocześnie rodzajem drogi do niego (18, s. 67.).

W teatrze „Nie” znajduje się 200 maseczek, które są ściśle tajne. Bardzo jasne grupy to: bogowie (postacie kultów buddyjskich i shinto), mężczyźni (nadworni arystokraci, wojownicy, ludzie z ludu), kobiety (dwory, konkubiny szlacheckich panów feudalnych, pokojówki), szaleńcy (ludzie zszokowani żalem), demony (postacie fantastyczny świat). Maski różnią się także wiekiem, charakterem i wyglądem. Niektóre maski są przeznaczone do konkretnych zabaw, inne mogą zostać użyte do stworzenia istniejących postaci w dowolnej grze. Na tej podstawie twórcy Teatru No wierzyli, że na ich scenie reprezentowany jest cały świat (9, s. 21).

Maski wycinane są w różnych rozmiarach ze starannie wyselekcjonowanego drewna i malowane specjalną farbą. Technologia produkcji masek jest na tyle złożona, że ​​większość masek jest używana ten moment maski, stworzone przez słynnych rzeźbiarzy masek już w XIV-XVII wieku. Maski wykonane przez współczesnych mistrzów - imitacja dawnych dzieł. Pod tym względem możemy ocenić, że każda z masek teatru jest niezależna praca sztuka.

Należy zauważyć, że pomimo całej różnorodności masek, w teatrze „Ale” maska ​​często nie wyraża konkretnej postaci, a jedynie jest jej „duchem”, opowieścią, uogólnieniem ludzkiej postaci.

Ponieważ materiał literacki teatr „Ale” jest folklor starożytna Japonia maska ​​w teatrze pełni rolę dyrygenta duchowego doświadczenia. Maska niesie ze sobą wszystkie charakterystyczne cechy nie tylko osobowości, charakterystyczne cechy tamtych czasów i została stworzona w tym czasie, można przypuszczać, że zanurza widza w proponowanych okolicznościach.

Jednocześnie maska ​​odwraca uwagę od „lokalnego”, „widzenia”, gdyż według filozofów Wschodu „prawda nie jest otwarta dla oczu, im dalej pójdziesz, tym więcej zobaczysz”, czyli bezpośrednio związany z filozofią buddyzmu zen i filozofią teatru „Ale”. Potwierdza także podstawowe założenia wiodących koncepcji estetycznych teatru No – monomane i yugen.

Aktor teatru „Ale” nie zawsze odgrywa rolę w masce. Maskę zakładają wyłącznie główny aktor (shiete) i performerzy role kobiece. Towarzysze bohatera zakładają maskę dopiero w drugim akcie, po chwili „przemiany”. Jeśli shiete przedstawia postać romantyczną, aktor zwykle nie nosi maski. Twarz aktora, będąc bez niej, jest absolutnie statyczna, gdyż zabawa twarzą w teatrze „Ale” jest uważana za wulgarną.

Biorąc pod uwagę teatr „Ale”, współczesna badaczka kultury Wschodu – E. Grigoriewa przekonuje, że maska ​​jako „spokojna emocja” przypomina próżność namiętności. (8, s. 345) Maska jest jak „grzmiąca cisza”. Można stwierdzić, że maska ​​jest kluczem do odsłonięcia istoty roli, jej historii i skutku.

Przed dotknięciem maski aktor wczuwa się w „magiczną pustkę” – całkowicie się oczyszcza. Teatroznawca Grigorij Kozintsew w swojej książce Przestrzeń tragedii wspomina rozmowę z Akirą Kurasawą, znawcą teatru Nie. „Zaczynam zdawać sobie sprawę, że „zakładanie maski” jest procesem równie trudnym, jak „wcielanie się w postać”. (8, s. 346) Na długo przed rozpoczęciem performansu artysta staje przy lustrze. Chłopak podaje mu maskę, a on ostrożnie ją bierze i w milczeniu zagląda w jej rysy. Wyraz oczu zmienia się niezauważalnie, wygląd staje się inny. Maska „przechodzi w osobę”. Następnie powoli i uroczyście zakłada maskę i odwraca się do lustra. Nie ma już osobno osoby i maski, teraz stanowią całość ”(8, s. 345-346.) Z tego wynika, że ​​maska ​​usuwa aktora ze świata zewnętrznego, przyczynia się do jego wejścia w stan „nie-ja”.

Aktor teatru „Ale” nigdy nie dotyka przedniej powierzchni maski, dotykając jej jedynie w miejscu, w którym znajdują się sznurki mocujące maskę do twarzy aktora. Po przedstawieniu maska ​​w podobny sposób jest wydalana z aktora, a następnie umieszczana w specjalnym etui do czasu kolejnego użycia. Tak naprawdę w każdej szkole teatralnej rola po jej realizacji zostaje „spalona”. W przeciwnym razie rola zniewoli samego wykonawcę.

Zakładając maskę, aktor dosłownie staje się nią, będąc przewodnikiem bohatera, przekazując nie tylko jego emocje, obraz moralny i fizyczny, ale także ducha. W jego duszy powinno być tylko jedno uczucie, które wyraża maska.

Tylko utalentowany aktor jest w stanie ożywić maskę, przekształcając jej statyczność w postać. Być może wynika to z gry światła, zmiany kąta, ruchu, ale są inne przykłady, w których te czynniki nie miały miejsca. Niemiecki dramaturg K. Zuckmayer w swoich wspomnieniach opisuje przypadek, który przydarzył się aktorowi Verne'owi Krause, kiedy rytualna maska ​​płakała na jego oczach, a znajdujący się w niej aktor odczuwał niewypowiedziany ból. (4, s. 109 -111)

W masce aktor teatru „Nie” prawie nie widzi widza, ale widz też nie widzi jego twarzy. Te niewidzialne połączenia tworzą spójną całość spektaklu.

„Odwieczny wróg ludzkości” czy „małpa Boga”? Wizerunek diabła w kulturze późnego średniowiecza

Proces Szatana pełen jest odniesień nie tylko do badań teologicznych, ale także do kultury popularnej, ludowej, w szczególności do tradycja teatralna tajemnice i cuda. Dialogi-sprzeczki pomiędzy dobrymi i złymi postaciami (na przykład dialog pomiędzy duszą a sercem...

W. Wysocki... „Przyszedłem tu, żeby odpowiedzieć na prawdę”

Po opuszczeniu MISI Wysocki przez sześć miesięcy intensywnie przygotowywał się do wejścia do studia teatralnego. Nina Maksimovna wspominała: „... To był dla niego bardzo stresujący czas. Następnie zaangażował się w koło teatralne ...

Święta ludowe Koryak

„Ullaun” to maska ​​noszona podczas niektórych rytuałów w dawnych czasach. Teraz jest używany na festiwalu Hololo w pantomimie. W uroczystości wzięli udział wszyscy mieszkańcy wsi oraz dwie lub trzy osoby ubrane w maski...

Kultura celtycka

Jeszcze przed końcem V wieku w sztuce celtyckiej pojawia się motyw maski ludzkiej, czasami zwieńczonej dwulistną koroną i towarzyszący jej motyw tzw. „bąbelków rybnych”. Motywem maski był bez wątpienia...

Tendencje postmodernistyczne w teatrze rosyjskim

Sytuacja w teatrze rosyjskim jest szczególna. Gwałtowna kapitalizacja społeczeństwa na przełomie lat osiemdziesiątych i dziewięćdziesiątych wraz ze skrzypieniem zaszczepiła w Rosji stosunki rynkowe. Jednak z międzynarodowego...

Opracowanie i wykonanie makijażu maski etnicznej na temat: „ Dziedzictwo kulturowe Ludy afrykańskie"

Pierwszym krokiem jest zastosowanie tonu. Powinno być równe i gładkie. Za pomocą gąbki nałożyłem brązowy lakier do twarzy lekkimi okrężnymi ruchami, równomiernie rozprowadzając go po całej twarzy. Ważne jest, aby nie nakładać farby długimi, prostymi pociągnięciami...

Reżyseria i umiejętności aktorskie

Wielowiekowa historia teatr zna okresy wschodu i upadku, ma tysiące nazwisk wielkich artystów. Setki razy wiedząc i miłośników teatru ludzie próbowali wyjaśnić magiczną sztukę sceniczną, odkryć tajemnice oddziaływania na ludzi...

Rola ideologii w dziele sztuki

W tej pracy stawiamy pytania o rolę ideologiczną grafika, jesteśmy też zobowiązani dowiedzieć się, jakie miejsce zajmuje to pojęcie w psychologii twórczej twórcy i czy ostatecznie wpływa na jego twórczość i ocenę konsumentów…

Romantyzm w teatrze baletowym

Ruch baletu rosyjskiego w kierunku romantyzmu, w przeciwieństwie do baletu zachodnioeuropejskiego, został zawieszony i opóźniony na kilka lat. W Rosji, po stłumieniu powstania dekabrystów, przyszedł czas na okrutną reakcję…

Kreatywność Jewgienij Panfiłow

Balet Tołstoja Evgenia Panfilova Choreograf: Laureat konkursów ogólnounijnych i międzynarodowych Laureat Narodowej Nagrody Teatru Złotej Maski Laureat Nagrody Rządu RF im.

Teatr „Nie” – japoński teatr masek

Rozważymy analogie funkcji maski teatralnej „Ale”, które naszym zdaniem zostały zapożyczone przez wielkie postacie sztuki teatralnej XX wieku. Podejmij wyzwanie, aby zrozumieć...

Teatr jako forma sztuki

Sztuka teatralna jest jednocześnie prawdziwa i warunkowa. To prawda - pomimo swojej warunkowości. Jak jednak i każda sztuka. Formy sztuki różnią się od siebie zarówno stopniem prawdziwości, jak i stopniem umowności...

Teatr jako przedmiot kontroli

Ustawodawstwo Federacji Rosyjskiej dotyczące teatru i działalność teatralna opiera się na Konstytucji Federacji Rosyjskiej, ustawodawstwie cywilnym Federacji Rosyjskiej...

Teatry Omska

Teatr aktora, lalek, masek „Arlekin” – jeden z najstarszych teatry lalek Rosja. Na początku lat 90-tych zespół podjął próbę stworzenia nowego rodzaju teatru - uniwersalnego, syntetycznego, skierowanego do widzów w każdym wieku...

Cechy neoromantyzmu i impresjonizmu w teatrze baletowym

Kiedy realizm dotarł do innych form sztuki, balet europejski znalazł się w stanie kryzysu i upadku. Stracił swoją treść i integralność i został zastąpiony przez ekstrawagancję (Włochy), Music Hall (Anglia)...

Historia maski teatralnej

Wykonane:

Kuzovleva Evangelina Sergeevna

uczennica klasy V „G”.

Liderzy:

Bahir Elena Juriewna

Marina Valchuk Konstantinowna

Sankt Petersburg

rok 2014

Wstęp. C. 3.

Historyczne formy maski teatralnej:

Maska teatralna w starożytnej Grecji. C. 4.

Zrozumienie maski we włoskim teatrze komedii dell'arte. S. 8.

Tradycyjna maska ​​w Japońskim teatrze Noh. S. 9.

S. 11.

Wniosek:

Funkcje maski teatralnej w procesie historycznego rozwoju teatru

- „Maska” jako odmiana i sposób działania we współczesnym świecie

wydajność. S. 12.

Wykaz używanej literatury

Aplikacje

1. Wstęp.

Cel pracy - poznać historię maski teatralnej

Cele badań - selekcjonować i analizować literaturę dotyczącą historii maski teatralnej i jej roli w przedstawieniach.

Dziś, idąc do teatru, rzadko widzimy na scenie aktora w masce. We współczesnym znaczeniu coraz częściej kojarzony jest z ideą maskarady lub karnawału. Ale nie zawsze tak było. Aktor przez wieki nie pojawiał się bez niej na scenie. Odegrała ogromną rolę w przedstawieniu: wzbogaciła warsztat aktorski i jego zdolność oddziaływania na widza, pozwoliła mu osiągnąć zasadniczo inny poziom ekspresji, przekształciła akcja teatralna w tajemniczy, wysublimowany rytuał lub wprowadzał do przedstawienia umowność, symbolikę, karykaturę.

Historia maski teatralnej liczy ponad dwa tysiące lat – pierwsza z masek, o której istnieją wiarygodne informacje, została użyta w starożytny teatr grecki kilka wieków przed naszą erą. Aktorzy używali masek teatralnych na całym świecie, nic więc dziwnego, że jest ich bardzo wiele i potrafią uderzająco się od siebie różnić. Zaskakujące jest to, że czasami maski, które pojawiały się w różnym czasie i w różnych miejscach na ziemi, okazują się nieco podobne.

W pracy tej wykorzystałem przede wszystkim prace z historii teatru, które przedstawiają rekonstrukcję przedstawienia teatralnego Starożytna Grecja, średniowiecznych Włoszech i Japonii, aby porównać główne typy masek teatralnych, ich przeznaczenie i możliwości artystyczne w przedstawieniach teatralnych różnych epok i krajów, zobaczyć, jak wyglądały, dlaczego aktorzy uciekali się do ich pomocy, jakie korzyści mogła przynieść maska ​​daje i jakie trudności stwarza? A także zrozumieć znaczenie, jakie może mieć maska nowoczesne wykonanie jak może pomóc nowoczesny aktor i widz. Przecież wraz z odrzuceniem maski we współczesnym teatrze jej bogactwo również odeszło w przeszłość. możliwości ekspresyjne i świadomość, że maska ​​może wzbogacić przedstawienie, uszlachetnić je, pomóc w stworzeniu na scenie warunkowego, poetyckiego teatru.

W mojej pracy chcę rozważyć główne odmiany masek teatralnych, aby pokazać, które z nich znaczenie musiała stworzyć szczególną atmosferę spektaklu i to, w jaki sposób może pomóc aktorowi już teraz – przekazać widzowi wzniosłą treść, wzbogacić ekspresję aktora, jego zdolność do transformacji.

Myślę, że zapoznanie się z historią maski teatralnej jest jednym z przykładów możliwej owocnej współpracy z tradycją, której odwołanie do bogatego doświadczenia staje się zawsze źródłem świeżego spojrzenia i nowych odkryć we współczesnym życiu. Przekonamy się, że historia maski teatralnej to ekscytująca i fascynująca podróż, w której uczestniczy wiele osób niesamowite odkrycia i tajemnice, które na zawsze pozostaną nierozwiązane.

2. Historyczne formy maski teatralnej.

Maska teatralna w starożytnej Grecji.

Wiele interesujących nieoczekiwane fakty, z których niektóre mogą wydawać się współczesnemu człowiekowi ciekawe, kojarzy się z maską aktora w starożytnym teatrze greckim i rzymskim.

Przedstawienia w starożytnej Grecji odbywały się kilka razy w roku i było to wydarzenie na wzór święta narodowego lub igrzysk olimpijskich. „W dni prezentacji sądy były zamknięte, praca była przerywana popularne zgromadzenia i innych instytucjach rządowych zamarło życie handlowe i przemysłowe, a wszyscy obywatele w szczególnie wesołych, świątecznych nastrojach udali się wspólnie do teatru. .

Odbyły się konkursy pomiędzy aktorami i dramatopisarzami, w wyniku których wyłoniono zwycięzców. .

Teatry starożytnej Grecji były ogromne - amfiteatry na świeżym powietrzu mogły pomieścić dziesiątki tysięcy widzów, na przykład teatr Dionizosa w Atenach - 17 000 i teatr miasta Megalopolis - 44 000 . Wyraz twarzy aktora byłby dla większości widzów niemożliwy do rozpoznania, dlatego wystąpił w masce, która uwydatniała „cechy” bohatera. „Maska aktora wykonywana była z drewna, a jeszcze częściej z lnu” . « Zabytkowe maski wykonywano z popularnych druków i otynkowanego lnu, później ze skóry i wosku.» .

Starożytni autorzy zwracali uwagę, że konstrukcja maski wzmacniała także brzmienie głosu, co również było bardzo ważnym zadaniem dla gigantycznych teatrów greckich. W tym celu w specjalny sposób opracowano również projekt sceny. "Zarówno w Grecji, jak i w Rzymie grano w maskach o specjalnym kształcie ust, w formie lejka – ustnika. Urządzenie to wzmocniło głos aktora i umożliwiło usłyszenie jego przemówienia przed wieloma tysiącami widzów amfiteatru. /.../ Usta maski były zwykle oprawione w metal, a czasami cała maska ​​w środku była wyłożona miedzią lub srebrem w celu zwiększenia rezonansu.» .

Maska aktora została nałożona na głowę aktora niczym hełm - wraz z fryzurą i była już wcześniej umalowana. „Sądząc po opisach starożytnych, maski różniły się od siebie także karnacją i włosami. Niektórzy mieli przyczepione na stałe brody; maski królów były wyposażone w diadem. Maski młodych kobiet wyróżniały się także szczególnie skomplikowanymi fryzurami. .

„W komediach takich jak Ptaki, Chmury czy Osy maski chóru były fantastyczne” . „Arystofanes sprawiał, że chór swoich pieśni ukazywał się albo w postaci chmur, albo w postaci ptaków, albo żab /.../ i mamy pewne dowody, że chór z „Chmur” wywoływał śmiech widzów swoimi brzydkimi maski z wielkimi nosami” . Z drugiej strony „próbowali uzyskać podobieństwo do portretu, w którym na scenę wprowadzano prawdziwe twarze” .

Aktor musiał za sceną założyć odpowiednią maskę i był gotowy do wyjścia na scenę. Wymaganych było wiele zmian masek. Faktem jest, że w przedstawieniu starożytnej Grecji początkowo brał udział jeden aktor, który prowadził „dialog” z chórem: sam dramatopisarz był jedynym aktorem w swojej sztuce, który „odpowiadał” swoimi uwagami na pieśni chóru”. . Reprezentował na zmianę różne postacie który rozmawiał na przykład z ludźmi. Często portretował posłańca, który opowiadał długie historie o wydarzeniach, które miały miejsce poza sceną, zamiast, jak to u nas w zwyczaju, pozwolić widzowi zobaczyć je na własne oczy na scenie.

Co więcej, szczególnie interesujące jest to, że podczas odgrywania tej samej postaci mogli grać różni aktorzy. W starożytnym greckim przedstawieniu aktorzy nie tylko mówili, ale także śpiewali, jak we współczesnej operze. Najtrudniejsze i najbardziej odpowiedzialne „aria” i teksty do recytacji „wkładane w usta różnym aktorzy, którego z tego powodu nie można było jednocześnie wprowadzić na scenę” wykonane główny aktor- który posiadał najlepsze dane i umiejętności aktorskie, najpotężniejszy i najbardziej wyrazisty głos. W rzeczywistości pomogli mu drugi i trzeci aktor. Czasem, gdy na scenie miało być obecnych kilka postaci, w masce mógł też wyjść „statysta” – wykonawca z chóru, który nie wymawiał tekstu, ale po prostu był obecny na scenie jako jeden z aktorów – słuchacze.

Dla głównych bohaterów spektaklu można było przygotować dwie lub trzy maski, które przedstawiały go na przykład w radości i smutku. Tekst spektaklu został tak skomponowany, aby wszelkie zmiany w losach bohatera odbywały się za kulisami, aby mógł on wyjść i zmienić maskę na taką, jakiej potrzebował.

Zachowały się dowody na to, że istniały także maski, na których prawa połowa twarzy przedstawiała jedną emocję, a lewa połowę drugą. Za pomocą tej maski aktor zdawał się grać, zwracając się do widowni z profilu prawą stroną. Jednak badacze starożytnych dowodów, które przetrwały do ​​dziś, którzy przywrócili wygląd starożytnemu greckiemu przedstawieniu, zauważyli, że jeśli takich masek używano, to prawdopodobnie rzadko.

Kolejna ciekawa cecha: w starożytnej Grecji i starożytnym Rzymie, a także w innych krajach na całym świecie aż do renesansu, kobietom nie wolno było brać udziału w przedstawieniach teatralnych. . W każdym razie w „poważnych” przedstawieniach: aktorki występowały wyłącznie w „niskich gatunkach” - pantomimie, były tancerkami, akrobatami, członkami wędrownych trup. W starożytności i średniowieczu bohaterki portretowano przez mężczyzn na scenach teatralnych zarówno krajów europejskich, jak i krajów Wschodu. Najlepsi aktorzy potrafili umiejętnie oddać kobiecy głos i ruchy. W tych warunkach maska ​​kobiety była bardzo, bardzo przydatna. Rzymski poeta Juvenal napisał: „Łatwo uwierzyć, że to nie maska ​​aktora, tam przemawia Kobieta” .

Możliwe, że w późniejszym okresie istnienia starożytnego teatru greckiego performerzy „zakładali maskę tylko wtedy, gdy potrzebowali nadać swojej twarzy charakterystyczne rysy, tak że do tego czasu zaczęła ona służyć dokładnie tym samym celom, do których aktorzy uciekają się teraz do skomplikowanego makijażu”, na przykład w rolach starych ludzi .

Teatr i przedstawienia starożytnego Rzymu zapożyczyły wiele z teatru greckiego, w tym maskę. Cesarz „Sam Neron dopuścił się tragedii, nakazując, aby maski bogów i bogiń, które reprezentował, były podobne do jego własnej twarzy lub twarzy jego żony” .

Zrozumienie maski we włoskim teatrze komedii dell'arte.

Kolejną z najjaśniejszych kart w historii maski teatralnej jest włoski teatr komedii dell'arte (LakomediaDell" sztuka). A to już zupełnie inne, szczególne spojrzenie na maskę spektakl teatralny. Nie bez powodu w historii sztuki teatralnej teatr komedii dell'arte nazywany jest także teatrem masek. .

Nastał okres jego świetnościXVI- XVIIwiek. Było to pierwsze w Europie teatr zawodowy: nazwa została tak dosłownie przetłumaczona - słowo „komedia” oznaczało „teatr”, „arte” - „rzemiosło”, „zawód”. Był to teatr wędrownych zespołów aktorskich, które podróżowały po całych Włoszech, a nawet krajach sąsiednich. Dlatego było wiele podobnych postaci - „masek” z różne nazwy, który przedstawiał typowych dla tamtych czasów mieszkańców Włoch - weneckiego kupca, naukowca zwanego Doktorem, kapitana armii hiszpańskiej, parę kochanków, dwóch służących wyglądających jak błazny - z których jeden jest zwykle bardziej przebiegły i zaradny , a drugi jest rustykalny.

Tutaj maskę nazywano obrazem, charakterem każdej konkretnej postaci, która występowała w różnych przedstawieniach w niezmienionej formie. „Maska to obraz aktora, który on przyjmuje raz na zawsze /.../ całkowicie wykluczona jest możliwość, że aktor dziś gra Pantalona, ​​jutro Harlekina czy nawet Doktora /.../ nie ma ról Tam. Jest rola. Jedna rola, którą aktor odgrywa we wszystkich sztukach” .

Uważa się, że aktorzy komedii dell'arte w trakcie przedstawienia dużo improwizowali, co jest możliwe właśnie w przypadku, gdy aktor był mocno przywiązany do swojej jedynej postaci i potrafił z powodzeniem ją wcielić w postać. różne sytuacje. Każdy aktor mógł na swój sposób przedstawić swoją postać, ale grał tylko jedną z nich, a czasami przez lata - w tym samym przebraniu, z tymi samymi cechami charakteru, przyzwyczajeniami i indywidualnymi cechami zachowania.

Dla wielu bohaterów komedii dell'arte maska ​​wykonana „z tektury lub ceraty” była nieodzownym elementem stroju. To stary wenecki kupiec Pantalone, naukowiec lub filozof pod ogólnym pseudonimem Doktor, dobrze znany wszystkim Arlekin i inni słudzy - każdy z własnym charakterem - Brigella, Coviello, Pulcinella, których łączy wspólne imię - zani. „Maski są powszechnym atrybutem postaci komiksowych, ale nawet wtedy nie wszystkimi. Czasem maskę zastępuje grubo wybielona twarz, albo ogromne okulary, albo zaklejony nos. .

W przypadku innych postaci „maską” był cały ich wygląd – kostium, mowa, zachowanie. Na przykład para kochanków wyróżniała się luksusowymi, modnymi strojami, mówiła poprawnym językiem literackim i wykazywała się wyrafinowanymi manierami. Ale nawet to był obraz wymyślony raz na zawsze: „każdy aktor i każda aktorka to stały typ. W różnych przedstawieniach występowali pod swoją stałą nazwą „ .

Tradycyjna maska ​​w Japońskim teatrze Noh.

Japoński teatr Noh to starożytna sztuka teatralna bogata historia i wielowiekowe tradycje. Podobnie jak w starożytnym greckim teatrze, muzyka, taniec i śpiew są ze sobą powiązane. „Wystawienie tych sztuk – naszym zdaniem – ma charakter bardzo zbliżony do naszej opery, gdyż aktorzy na scenie przeważnie śpiewają lub mówią recytatywem melodycznym; Ale obecność chóru i orkiestry także przybliża No do opery. Z drugiej strony spektakl „Nie” pod wieloma względami zbliża się do naszego baletu, gdyż ruchy aktorów opierają się na tańcu, a miejscami przechodzą w prawdziwy taniec, który jest jednocześnie centralnym miejscem zarówno całej roli, jak i spektaklu. cały występ jako całość. . Estetykę teatru No, podobnie jak estetykę spektaklu starożytnej Grecji, cechuje wysublimowana poezja, a nie prawdziwość.

W teatrze Noh w masce występuje wyłącznie główny bohater i towarzyszący mu aktor, jeśli jest to rola kobieca. Maska pomaga aktorowi stworzyć wyjątkowy wizerunek: „nadaje aktorowi tajemniczy urok, charyzmę, zamienia jego postać w rzeźbę udrapowaną w piękne ubrania” .

Maski wykonane są ze specjalnego drewna wyłącznie przez dziedzicznych rzemieślników, którzy przekazują swoje umiejętności z pokolenia na pokolenie. O niesamowitym kunszcie ich wykonania świadczy fakt, że wiele masek teatru Noh wystawianych jest jako dzieła sztuki w muzeach i galeriach.

Starożytna maska ​​aktora teatru Noh daje niesamowity efekt - dzięki doskonałym umiejętnościom aktora zdaje się ożywać: przechyl go samolotem w dół, zamieniając go w cień i zdradzając wyraz smutku; szybko poruszaj głową z boku na bok, okazując silne emocje” .

Nic dziwnego, że „podobnie jak inne rzeczy w średniowiecznej Japonii, maska ​​(wraz z lustrem, amuletem, mieczem) była obdarzona magicznymi właściwościami; aktor nadal traktuje maskę jako przedmiot sakralny: garderoba aktora zawsze ma swój własny ołtarz ze starożytnymi maskami” .

Makijaż jako rodzaj maski teatralnej w japońskim teatrze Kabuki.

Najczęściej stosowano makijaż jako substytut maski Inne czasy na całym świecie, w tym w Grecji. „Sami starożytni opowiadali, że początkowo maskę zastępowano smarowaniem twarzy moszczem winnym lub przykrywaniem jej liśćmi roślin” .

Ciekawą i znaną wersję takiej „maski” możemy rozważyć w japońskim teatrze Kabuki. To sztuka znacznie młodsza od teatru Noh – jej historia liczy „tylko” około dwustu lat.

Cechą charakterystyczną teatru Kabuki jest dążenie do autentyczności na scenie obiektów i kostiumów, ale jednocześnie szczera konwencja w pracy „służących sceną” i charakteryzacji aktorskiej. „Wszystkie rzeczy, podobnie jak kostiumy, nie są rekwizytami, nie imitacjami, ale rzeczami autentycznymi, a w dodatku wysokiej jakości” . Ale „rzeczy na scenie Kabuki mają przydzieloną specjalną służbę, co jest cechą charakterystyczną teatru warunkowego: ci warunkowo „niewidzialni” ludzie (ubrani i przebrani na czarno) podczas akcji pełnią obowiązki służącej, pomagają aktorom, gdy bawiąc się rzeczami, podawaj im przedmioty, uwalniaj je od niepotrzebnych ruchów” .

Specjalny makijaż warunkowy, a także cała akcja w przedstawieniu Kabuki, to tradycja rozświetlona czasem. Odzwierciedlało to „chęć zachowania i odtworzenia teatralnego wyglądu wielkich aktorów”, którzy „wymyślili” taką lub inną kombinację kolorów i wzorów makijażu dla każdego rodzaju roli, na przykład szlachetnego rycerza, chłopa, odważny bohater albo niefortunny bohater. Również w składzie aktorów teatru Kabuki zauważalny jest „wpływ masek scenicznych starego teatru Noh”.

Prawdopodobnie nie ma na świecie ani jednego teatru, w którym główny emblemat teatru - maski - nie byłby przedstawiony w sali w formie płaskorzeźby lub w innej formie. Symbole teatralne komedie i tragedie są wyrazem istoty tego spektakularnego establishmentu.

starożytne muzy greckie

Aby odpowiedzieć na pytanie, dlaczego tak się stało, musimy sięgnąć do początków Cywilizacja europejska- kultura starożytnej Grecji, w której sama dramaturgia pojawiła się przed naszą erą, jej głównymi gałęziami są tragedia i komedia, ich muzy patronackie (odpowiednio Melpomena i Thalia) oraz symbole sceny, które pozostały przez wieki - maski. Atrybuty teatralne, które ostatecznie zamieniły się w emblemat. Wszystko zaczęło się jak zwykle od starożytne mity greckie. Dziewięć córek Zeusa i Mnemosyne (tytanidy, córki Urana i Gai), które uosabiały pamięć, stały się patronkami nauki i sztuki. Każda z nich miała swój własny wizerunek, odpowiadający obszarowi, któremu patronowała i nadzorowała.

Od niepamiętnych czasów

Melpomene i Thalia, patronki przedstawień teatralnych, od czasów starożytnych były przedstawiane jako kobiety trzymające maski. Symbole teatralne stopniowo zaczęły żyć własnym życiem i zaczęły personifikować scenę. Jednak pochodzenie tych atrybutów sięga czasów starożytnych. Na przykład Arystoteles, wychowawca Aleksandra Wielkiego, żyjący w IV wieku p.n.e., zaświadcza, że ​​już za jego czasów historia używania masek na arenie teatralnej zaginęła w niepamiętnych otchłaniach czasu. I nie jest to zaskakujące. Rzeczywiście, w czasach starożytnych wszystkie przedstawienia teatralne odbywały się na placach i arenach. Zgromadziło się mnóstwo ludzi i żeby zobaczyć charakter bohaterów w ostatnich rzędach, usłyszeć o czym rozmawiają, aktorzy zaczęli używać masek. Jaskrawo narysowane, wyrażające radość lub złość, zamiast ust miały ustnik wzmacniający dźwięk.

Różnorodność masek

Nie można sobie wyobrazić starej akcji bez maski. Warunkiem koniecznym i głównym przedstawienia były atrybuty teatralne. I oczywiście było ich wiele - były maski męskie i żeńskie, bohaterowie i złoczyńcy, starcy, młodzi ludzie i dzieci, bogowie i inne istoty wyższego rzędu. Maski przedstawiały smutek i radość. Stopniowo, wraz z pojawieniem się budynków teatralnych ze sceną i określoną akustyką, potrzeba maski znika, ale służąc przedstawieniom teatralnym tysiąclecia, pozostaje symbolem tej formy sztuki. Dwie maski – komedia i tragedia – uosabiają teatr w ogóle, a ponadto symbolizują jego starożytność. Obydwoje mają otwarte usta, chociaż nie ma możliwości wzmocnienia dźwięku. U Thalii, symbolu komedii, kąciki ust są podniesione, u Melpomene żałośnie opuszczone. Maski teatralne znają wszyscy. Poniższe zdjęcia przedstawiają najczęstsze wizerunki duetu.

Niesiona przez wieki

Ogólnie rzecz biorąc, rola masek w życiu człowieka jest bardzo duża. Nigdy nie wyszły całkowicie z użycia, nawet gdy zostały zakazane przez prawo (rewolucja francuska). Rytualne, karnawałowe maski istniały od zawsze. Można o nich opowiadać bardzo długo, jeśli pamięta się Wenecję. W dzisiejszych czasach demonstracje protestacyjne we wszystkich krajach świata rzadko obchodzą się bez masek uosabiających tę czy inną postać polityczną. Maska stała się symbolem tajemnicy. Co dało początek wielu wyrażeniom tym słowem, sugerującym tajemnicę, nieszczerość, zagadkę. Istnieje nieskończona liczba masek. Szczególne miejsce wśród całości zajmują różnorodne maski teatralne. Niektóre zdjęcia można zobaczyć poniżej.

Złoto najwyższej próby

Specjalne miejsce przydzielono złotej masce. Złoto zawsze symbolizowało najwyższy stopień czegoś, niezależnie od tego, czy był to medal, czy kula kolejowa.

Jest to symbol pomyślnego zakończenia czegoś dużego i istotnego. Nic dziwnego, że wraz ze złotą maską wenecką, która ucieleśnia najwyższy stopień sukcesu w społeczeństwie, pojawiła się teatralna złota maska, symbolizująca szczyt aktorstwa i reżyserii. W 1994 roku rosyjska świątynia Melpomene nabyła własną festiwal teatralny na dość wysokim poziomie, ponieważ założycielami było Ministerstwo Kultury Federacji Rosyjskiej i rząd Moskwy, a od 2002 roku Sbierbank Rosji stał się generalnym sponsorem corocznego festiwalu „ złota maska„. Prezes Stowarzyszenia z pod tą samą nazwą długie lata jest Georgy Taratorkin. Festiwal poprzedzony jest rygorystyczną i profesjonalną selekcją spektakli, prowadzoną przez cały rok przez rady eksperckie, w skład których wchodzą wybitni i wybitni choreografowie, dyrygenci, reżyserzy i aktorzy.

Uznanie rówieśnicze

Ogólnorosyjski festiwal odbywa się wiosną i kończy kolorową, piękną ceremonią wręczenia nagród, której symbolem jest wizerunek złotej maski, który został opracowany i wykonany własnoręcznie przez artystę Olega Sheintsisa.

Nagroda teatralna „Złota Maska” przyznawana jest w kilku kategoriach. Ma znak wysokiej jakości: Michaił Uljanow powiedział, że nagrodę wręczają profesjonaliści profesjonalistom. Nie można go zdobyć za pieniądze ani za „znajomość”. Ma wysoki status - Narodową Nagrodę Teatralną, której założycielem jest tak poważna organizacja jak Związek Pracowników Teatru. Nagroda nie ma odpowiednika pieniężnego, jej główną zaletą jest uznanie talentu i osiągnięć przez współpracowników.

Maski dziecięce

Dzieci mają swoje hobby i nagrody, które istnieją równolegle ze światem dorosłych - teatry dla dzieci, świąteczne kolorowe karnawały, przedstawienia szkolne. Do tego często potrzebne są dziecięce maski teatralne. A tu jest już miejsce na fantazję: bajki, filmy animowane - wszystko jest w służbie dzieciom. Możesz zrobić maskę Ilyi Murometsa lub Shreka, dowolnego zwierzęcia, w tym bajecznego, lub Barbie Muszkieterki. Co więcej, szkice masek na każdy gust są dostępne dla każdego.