พรรคผู้รับบำนาญชาวรัสเซีย ในนิทรรศการที่ Manege ผลงานหลักชิ้นหนึ่งคือ "จิตรกรรมและผู้ชม" มันเป็นสิ่งสำคัญสำหรับคุณที่จะเข้าใจ

ศิลปิน เอริก บูลาตอฟ- หนึ่งในงานศิลปะคลาสสิกที่มีชีวิตของรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 และเป็นหนึ่งในงานศิลปะที่มีชื่อเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกโดยภัณฑารักษ์พิพิธภัณฑ์ นักสะสม และผู้ประมูล เมื่อสองปีก่อน ย้อนรอยครั้งใหญ่ "ฉันมีชีวิตอยู่ - ฉันเห็น"ใน Manege แสดงให้เห็นเส้นทางของเขาในงานศิลปะอย่างเต็มที่ที่สุด ตอนนี้เข้า "การประชุมเชิงปฏิบัติการของ Pyotr Fomenko", ในห้องโถง ฉากใหม่จนถึงกลางเดือนธันวาคมมีการจัดแสดงนิทรรศการเล็ก ๆ เกี่ยวกับการพิมพ์หินของ Bulatov ซึ่งเป็นส่วนเสริมทางศิลปะสำหรับการแสดงของโรงละครซึ่งเป็นที่ชื่นชอบของสาธารณชนชาวมอสโก

Bulatov อาศัยอยู่ในปารีสมานานกว่ายี่สิบปีเพื่อจับเขาในมอสโกก็คือ โชคดีมาก. เมื่อใช้โอกาสนี้ ARTANDHOUSES ได้พูดคุยกับศิลปินเกี่ยวกับความสำคัญของการแสดงผลครั้งแรก ศิลปะทางสังคมและความไม่เป็นอิสระทางสังคม ศิลปะรัสเซียในโลกตะวันตก และวิธีต้านทานแรงกดดันของตลาด

หลังจาก Tretyakov Gallery และ Manege นิทรรศการในห้องโถงของโรงละคร แม้แต่งานที่ยอดเยี่ยมพอๆ กับ Pyotr Fomenko Workshop ก็ดูไม่ธรรมดา อะไรเชื่อมโยงคุณกับโรงละคร และเหตุใดโครงการนี้จึงน่าสนใจสำหรับคุณ

ฉันจะเริ่มต้นประวัติศาสตร์การแสดงละครจากระยะไกล ฉันมีเรื่องไม่ธรรมดาและ ชื่อที่หายาก- เอริค มักจะถูกมองว่าเป็น รูปแบบจิ๋ว. แต่ความจริงก็คือพ่อแม่ของฉันเป็นนักดูละครตัวยงและนักแสดงคนโปรดของพวกเขาคือมิคาอิล เชคอฟ ที่สำคัญที่สุดพวกเขาชอบเขาในบทบาทของ Eric XIV ในโศกนาฏกรรมของ Strindberg นั่นคือสิ่งที่เกิดขึ้น - Strindberg, Chekhov และด้วยเหตุนี้ฉันคือ Eric

สำหรับนิทรรศการปัจจุบัน ในขณะที่ยังเป็นนักเรียน ฉันรู้จัก Petya Fomenko เป็นอย่างดี เราเป็นเพื่อนกัน มีความทรงจำมากมายเหลืออยู่จากเวลานี้ ดังนั้นสำหรับฉันที่นี่ไม่ใช่โรงละครแห่งหนึ่ง แต่เป็นที่ที่ชีวิตของฉันเชื่อมโยงกันโดยตรง เมื่อฉันถูกขอให้จัดนิทรรศการในห้องโถง นาตาชาและฉันคิดว่าคงเป็นเรื่องยากที่จะจัดนิทรรศการจริงจังที่นั่น การขนส่งภาพวาดจากปารีสทั้งมีราคาแพงและยาก แต่เราสามารถแสดงภาพพิมพ์หินที่สร้างจากผลงานต้นฉบับของฉันได้ . แต่ที่สำคัญที่สุดคือเป็นข้ออ้างในการจัดประชุมและสนทนากับนักแสดงและผู้ได้รับเชิญคนอื่นๆ หากมีความจำเป็นต้องเล่าหรืออธิบายเกี่ยวกับงานของตัวเอง ก็ไม่หลีกเลี่ยงโอกาสนี้ แต่กลับมองว่าเป็นหน้าที่ของตน

คุณไปโรงละครไหม?

ในปารีส - ไม่ค่อยมีส่วนใหญ่เมื่อมีโรงละครจากมอสโกหรือเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กมาทัวร์ และอีกอย่างเราเห็นทุกสิ่งที่โรงละคร Fomenko นำมาสู่ปารีส เมื่อใดก็ตามที่เป็นไปได้ เราไปมอสโคว์ด้วยความยินดี

นักวิจารณ์ศิลปะมีความหลงใหลในการแบ่งประเภทศิลปะตามสไตล์และการเคลื่อนไหว และงานของคุณมักถูกจัดว่าเป็นศิลปะทางสังคม แต่คุณปฏิเสธความเกี่ยวข้องใดๆ กับงานศิลปะ...

ฉันไม่ขอปฏิเสธเพราะประการแรก พื้นฐานของศิลปะสังคมคือการประชด ฉันไม่ได้ต่อต้านการประชดเช่นนี้ เพียงแต่ว่าผลงานของฉันไม่เคยมีการประชดเลย และประการที่สองและนี่อาจเป็นสิ่งที่สำคัญที่สุดที่ศิลปินศิลปะ Sots ติดตามปรมาจารย์ด้านป๊อปอาร์ตอเมริกัน (เพราะโดยพื้นฐานแล้วงานศิลปะของ Sots นั้นเป็นศิลปะป๊อปที่มีพื้นฐานมาจากเนื้อหาในอุดมการณ์ของสหภาพโซเวียต) อ้างว่าชั้นของความเป็นจริงซึ่ง เราดำรงอยู่เป็นความจริงแท้เพียงหนึ่งเดียวที่เรามี อย่างอื่นทั้งแม่น้ำ ป่าไม้ เมฆ ล้วนคลุมเครือและไม่ชัดเจน เมื่อหนังสือพิมพ์เขียนว่าป่าดังกล่าวถูกตัดขาด เราก็จะรู้ว่ามีอยู่จริงและถูกตัดลง หากพวกเขาประกาศทางวิทยุว่าสงครามได้เริ่มขึ้นแล้ว นั่นหมายถึงสงคราม ดังนั้นใครจะรู้บางทีอาจจะไม่มีอะไรในความเป็นจริง ความหมายของงานของฉันมาโดยตลอดคือ พื้นที่ที่ถูกแบ่งแยกตามอุดมการณ์นี้มีขีดจำกัด มีขอบเขต และงานของฉันในฐานะศิลปินคือการทำเครื่องหมายเส้นขอบนี้ และแสดงให้เห็นว่ามันเป็นไปได้ที่จะข้ามมัน เพื่อกระโดดออกจากพื้นที่ทางสังคมนี้ นั่นคืองานของฉันตรงกันข้ามกับที่ Sots Art แสดงไม่ทางใดก็ทางหนึ่งแม้ว่าเนื้อหาจะเหมือนกันก็ตาม

"พระอาทิตย์ตกหรือพระอาทิตย์ขึ้น"
1989

แล้วก็มีเรื่องการเมืองด้วย...

นี่ไม่ใช่การเมือง - นี่คือชีวิตของเรา มันเป็นไม่ทางใดก็ทางหนึ่งที่กำหนดโดยมาตรฐานทางอุดมการณ์และความคิดโบราณ พวกเขาหล่อหลอมจิตสำนึกของเราและไม่มีทางหนีจากพวกเขาได้ เพื่อแสดงของฉัน ชีวิตของตัวเองและชีวิตที่ฉันเห็นรอบตัวฉัน ฉันต้องไม่หันหลังกลับ ไม่แสร้งทำเป็นว่าไม่สังเกตเห็นคำสั่งของโซเวียต แต่ต้องทำงานร่วมกับพวกเขา งานของฉันคือการแสดงจิตสำนึกของคนในยุคนี้

เมื่อเวลาผ่านไป ความหมายที่คุณใส่ลงไปในงานของคุณเปลี่ยนไปอย่างไร และมันเปลี่ยนไปหรือเปล่า?

แน่นอนว่ามีบางอย่างเปลี่ยนไป ความเป็นจริงของสหภาพโซเวียตสิ้นสุดลง ฉันอาศัยอยู่ในประเทศอื่น แม้ว่าจะอยู่ในพื้นที่ทางสังคมด้วย ตามที่ฉันเข้าใจ พื้นที่ทางสังคมไม่สามารถเป็นอิสระได้ ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง อุดมการณ์บางอย่างควบคุมมัน ไม่มีอุดมการณ์คอมมิวนิสต์ แต่มีอุดมการณ์ตลาดซึ่งเป็นอันตรายต่อจิตสำนึกของประชาชนแม้ว่าจะไม่ก้าวร้าวและไร้มนุษยธรรมก็ตาม ตั้งแต่วัยเด็กเธอคุ้นเคยกับความจริงที่ว่าความหมายทั้งหมดของชีวิตอยู่ที่การได้มาและความสุข มีเหตุผลที่ค่อนข้างเข้าใจได้ในเรื่องนี้ แต่ถ้าคนตัดสินใจว่านี่คือเหตุผลเดียวที่เขามีชีวิตอยู่ก็เป็นอันตราย ดังนั้นสำหรับฉัน ปัญหาเสรีภาพและการขาดเสรีภาพยังคงอยู่แม้ว่าจะออกจากสหภาพโซเวียตแล้วก็ตาม เธอดูแตกต่างออกไป แต่เธอก็ไม่ได้หายไป ขอบฟ้าทางสังคมนี้ค่อยๆ เปลี่ยนในใจของฉันไปสู่ขอบฟ้าที่มีอยู่ ความเป็นไปได้ที่จะกระโดดข้ามขอบเขตของพื้นที่ทางสังคมนั้นชัดเจนอยู่แล้ว แต่แล้วขอบเขตการดำรงอยู่ก็เกิดขึ้น ซึ่งท้ายที่สุดก็ก่อให้เกิดปัญหาเดียวกัน แต่ในความไม่แน่นอนและมากขึ้น ระดับสูง. ฉันไม่ชอบที่จะพูดถึงเรื่องนี้เพราะสำหรับฉันแล้วงานของฉันควรจะพูดที่นี่แล้ว ไม่ว่าในกรณีใด ฉันกำลังพยายามที่จะบรรลุเป้าหมายนี้

คุณกล่าวถึงตลาด เมื่อคุณออกจากสหภาพโซเวียต คุณรู้สึกถึงความกดดันและการขาดอิสรภาพรูปแบบใหม่หรือไม่?

ทุกอย่างดำเนินไปอย่างมีความสุขสำหรับฉัน - ฉันไม่จำเป็นต้องพิสูจน์หรือพิชิตสิ่งใดเลย ฉันเป็นศิลปินที่เป็นผู้ใหญ่แล้ว และนั่นเป็นวิธีที่ฉันได้รับเชิญ ฉันแค่ทำสิ่งที่ฉันทำต่อไป ผลงานของฉันขายดีทันทีและมีมูลค่าค่อนข้างมาก ฉันกับนาตาชาอาศัยอยู่ในอเมริกาเป็นเวลาหนึ่งปีและสามารถซื้ออพาร์ตเมนต์ในปารีสได้แล้ว แต่มีช่วงเวลาดังกล่าว นิทรรศการครั้งแรกของฉันจัดขึ้นที่สวิตเซอร์แลนด์ ที่ Kunsthalle Zurich จากนั้นเดินทางไปทั่วยุโรป รวมถึงที่ Pompidou Center และในแฟรงก์เฟิร์ตที่พิพิธภัณฑ์ Porticus University ซึ่งจัดโดย Kasper Koenig บุคคลสำคัญในโลกศิลปะ ( ในปี 2014 Kasper Koenig เป็นภัณฑารักษ์ของ European Biennale ศิลปะร่วมสมัยประกาศ 10 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - -อาร์ทันด์เฮาส์) . มีการพูดคุยถึงงานของฉันกับนักเรียน และถูกถามว่าฉันจะวาดภาพปีละสองหรือสามภาพจริงๆ หรือไม่ ฉันตอบว่าใช่นั่นเป็นเรื่องจริง จากนั้นแคสเปอร์ โคนิกก็พูดอย่างรุนแรง: “นี่เป็นเพราะคุณมีจิตสำนึกประจำจังหวัด คุณอาศัยอยู่ในต่างจังหวัด สิ่งนี้เป็นไปได้ที่นั่น แต่ตอนนี้คุณมาหาเราแล้ว แต่ที่นี่เป็นไปไม่ได้ ดูสิเพื่อนของคุณ Kabakov เข้าใจทิศทางของเขาทันทีประพฤติตนอย่างถูกต้องและทุกอย่างทำงานได้ดีแค่ไหน และคุณก็ต้องการสิ่งเดียวกัน” ผ่านไปเกือบสามสิบปีก็ทำงานและทำงานต่อไปไม่มีใครบอกนี่คือต่างจังหวัด แบบนี้ถือว่ากดดันได้ไหม? อาจจะใช่. แต่ก็ขึ้นอยู่กับศิลปินว่าจะตอบสนองต่อแรงกดดันนี้อย่างไร

“พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ จิโอคอนด้า"
1997–1998 / 2004–2005

ทำไมคุณถึงวาดภาพปีละสองหรือสามภาพ - มันสำคัญไหมที่คุณจะต้องรู้ว่าคุณใส่อะไรลงไปในนั้น?

ไม่ ฉันรู้ล่วงหน้าเสมอว่าฉันต้องการอะไร ฉันทำไม่ได้ก็แค่นั้นแหละ ฉันต้องทำมาก ภาพวาดเตรียมการเพื่อทำความเข้าใจว่าจะแสดงสิ่งที่ต้องการและค้นหาโครงสร้างพื้นฐานเชิงพื้นที่ได้อย่างไร และเมื่อฉันพบมันแล้วเท่านั้น ฉันจึงจะเริ่มวาดภาพได้ ไม่มีอะไรได้มาง่ายๆ สำหรับฉัน มันเจ็บปวดเสมอด้วย ด้วยความยากลำบากอย่างยิ่งและฉันอิจฉาศิลปินที่มีพรสวรรค์ด้านศิลปะแบบง่ายๆ แต่สิ่งที่ไม่ได้ให้ก็ไม่ให้

ในนิทรรศการที่ Manege ผลงานหลักชิ้นหนึ่งคือ "จิตรกรรมและผู้ชม" มันสำคัญสำหรับคุณที่จะเข้าใจ?

แน่นอน. ฉันไม่คิดว่าจะมีใครสนใจ แต่คุณรู้ไหม ประเด็นก็คือฉันไม่เห็นความแตกต่างระหว่างตัวฉันกับผู้ชม ฉันเข้าใจตัวเองในฐานะผู้ชมที่ฉันกำหนดเป้าหมาย หากจากมุมมองของฉันมีบางอย่างผิดปกติฉันก็จะพยายามทำให้มันดี แน่นอนว่า หากสิ่งที่ฉันทำไม่โดนใจผู้ชม นั่นถือเป็นเรื่องเลวร้ายสำหรับฉัน

แล้วคุณจะทำอย่างไร?

ฉันพยายามอธิบาย การวิจารณ์ศิลปะของเราในพื้นที่นี้อ่อนแอมาก โดยทั่วไปฉันพยายามไม่อ่านสิ่งที่พวกเขาเขียนเกี่ยวกับงานของฉัน แต่ถ้าฉันอ่านก็มักจะไม่เหมาะสมอย่างยิ่ง การตัดสินมาจากการที่ผู้ชมเข้าใจว่าคุณต้องการทำอะไร แต่กลับเห็นว่าคุณไม่สามารถทำได้ นี่เป็นการตัดสินที่จริงจังและต้องนำมาพิจารณาด้วย แต่ในกรณีส่วนใหญ่ การตัดสินจะแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง - ผู้ชมจะไม่เห็นสิ่งที่ฉันทำจริง ๆ และถือว่าฉันเป็นสิ่งที่เขาจินตนาการโดยไม่ได้ดูภาพเขียนของฉันจริงๆ ฉันไม่สามารถคำนึงถึงการตัดสินดังกล่าวได้ แต่ฉันพยายามอธิบายว่าฉันหมายถึงอะไร

"เกียรติสิริของ CPSU"
1975

คุณช่วยยกตัวอย่างที่เฉพาะเจาะจงได้ไหม?

ฉันขอยกตัวอย่างด้วยภาพวาด "Glory to the CPSU" สำหรับฉันภาพวาดนี้มีความสำคัญมากซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานหลักของฉัน ยุคโซเวียต. นี่คือสูตรของอุดมการณ์โซเวียตอย่างที่ฉันเข้าใจ เมื่อมองแวบแรกภาพนี้แสดงถึง โปสเตอร์ทางการเมือง- ตัวอักษรที่เขียนพาดฟ้า ไม่ประชด ทุกอย่างก็เหมือนเดิม แต่ความพยายามทั้งหมดของฉันคือการสร้างพื้นที่ ระยะห่าง ระหว่างตัวอักษรสีแดงเหล่านี้กับเมฆ เพื่อที่ตัวอักษรจะได้ไม่ติดกับเมฆ แต่จะปรากฏแยกกัน และทันทีที่ปรากฎว่าพวกเขาไม่ได้เชื่อมต่อกันก็ชัดเจนทันทีว่าพวกเขาต่อต้านกันเพราะตัวอักษรปิดท้องฟ้าจากเราและไม่ยอมให้เราเข้าไปอย่าให้โอกาสเราเข้าไปที่นั่น นี่คือความหมายของภาพที่เห็น จดหมายเหล่านี้ควบคุมช่องว่างทั้งหมดระหว่างพวกเขากับเราอย่างดุเดือด แต่เบื้องหลังพวกเขามีโลกที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง - พื้นที่แห่งอิสรภาพ หากคุณไม่เห็นสิ่งนี้ คุณจะได้ภาพที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง นี่เป็นความเข้าใจผิดที่เกิดขึ้นอย่างต่อเนื่องเกี่ยวกับงานของฉัน ปฏิสัมพันธ์เชิงพื้นที่ ความขัดแย้งระหว่างอวกาศและระนาบ เป็นสิ่งสำคัญมากสำหรับฉันเสมอ การไม่สังเกตเห็นหมายความว่าเพียงไม่เห็นภาพวาดของฉัน

บอกเราเกี่ยวกับผลงานสำคัญล่าสุดของคุณ

ผลงานชิ้นล่าสุดที่สำคัญที่สุดสำหรับฉัน คืองานที่ฉันทำในฝรั่งเศส ในเทือกเขาพิเรนีส ในงานเหล็กที่ถูกทิ้งร้างในศตวรรษที่ 19 พื้นที่ของพืชทำให้ฉันประทับใจอย่างมากด้วยโศกนาฏกรรมและในขณะเดียวกันก็สิ้นหวังเพราะในอีกด้านหนึ่งมันคือความแข็งแกร่งพลังพลังงานที่ถูกละทิ้งและในทางกลับกันพวกเขากำลังพยายามที่จะให้มัน ชีวิตใหม่, เปิดในอาณาเขต ศูนย์วัฒนธรรม. สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าพื้นที่นี้คล้ายกับสิ่งที่เกิดขึ้นในยุโรปและรัสเซียในปัจจุบันมาก ฉันทำงานให้พวกเขาด้วยคำพูดนี่คือวลี "ทุกสิ่งไม่น่ากลัวนัก" - ตัวอักษรเหล็กสูงสองเมตรสี่ชั้นขึ้นไปบนหลังคา ตัวอักษรเป็นสีดำ หนาประมาณครึ่งเมตร ปลายเป็นสีแดง และเมื่อเรามองจากมุมหนึ่ง แสงสีแดงก็ปรากฏขึ้น บนหลังคามีหน้าต่างซึ่งมีแสงลอดผ่านเข้าไปได้ และให้เอฟเฟกต์ที่น่าทึ่งมาก มันเปิดออกอย่างชัดเจนมาก - สถานการณ์ที่ตึงเครียดและดราม่าภาพความวิตกกังวล แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่สิ้นหวัง เห็นปฏิกิริยาของคนมาเปิด-ประทับใจมาก

ตัวอักษรที่นั่นเป็นภาษารัสเซียเหรอ?

สิ่งนี้ชัดเจนสำหรับชาวต่างชาติหรือไม่?

นี้ คำถามนิรันดร์. ไม่สำคัญว่าชาวต่างชาติหรือชาวรัสเซียจะมองภาพวาดของฉัน เพราะในความเป็นจริง การรับรู้ไม่ได้เริ่มต้นด้วยความเข้าใจ แต่เริ่มต้นจากการสัมผัสทางอารมณ์ในทันที ไม่จำเป็นต้องยินดี ในทางกลับกัน อาจเป็นการปฏิเสธที่เฉียบแหลมและไม่เป็นมิตร ซึ่งไม่น่ากลัว ตอนนี้ หากมีความเฉยเมยโดยสิ้นเชิง หากบุคคลมองไปที่กำแพง ไม่มีคำอธิบายใดที่สามารถฟื้นคืนชีพได้ ช่วงแรกนี้ถือเป็นการตัดสินใจเด็ดขาด แต่หากมีความสนใจเกิดขึ้นทันที ปฏิกิริยาใด ๆ - ความสับสน การปฏิเสธ คำถาม ขั้นตอนต่อไปคือการทำความเข้าใจ จากนั้นชาวต่างชาติจะอ่านความหมายของวลีนี้และเช่นเดียวกับชาวรัสเซียเขาจะเข้าใจทุกอย่าง น่าเสียดาย ในกรณีของฉัน มันเป็นคำภาษารัสเซียที่ตรงกันข้ามเกิดขึ้น เวลาโซเวียต. คำเหล่านี้ "ร้อนแรง" มากที่เกี่ยวข้องกับสถานการณ์ปัจจุบันซึ่งหลังจากอ่านวลี "Glory to CPSU" หรือ "ยินดีต้อนรับ" ผู้คนก็หันหลังออกจากภาพและจากไป บุคคลนั้นตัดสินใจว่านี่เป็นแถลงการณ์ทางการเมืองและมีการเจาะทะลุเชิงพื้นที่ประเภทใด เมื่อฉันพยายามอธิบายบางสิ่งบางอย่าง พวกเขาบอกฉันว่ามันเป็นการหลอกลวง ในแง่นี้ชาวต่างชาติได้เปรียบ ชะตากรรมของฉันเป็นเช่นนั้นงานของฉันได้รับการยอมรับในต่างประเทศเป็นครั้งแรกและจากนั้นในรัสเซีย

"อะไร? ที่ไหน? เมื่อไร?"
2006

สิ่งนี้ทำให้คุณขุ่นเคืองหรือไม่?

เลขที่ ทำไมฉันต้องรู้สึกขุ่นเคืองกับเรื่องนี้? ตอนนี้ในรัสเซียพวกเขาปฏิบัติต่อฉันเป็นอย่างดี พวกเขารักฉัน อย่างน้อยก็ในมอสโกว และการที่มันเริ่มต้นจากจุดนั้น... แน่นอนว่ามันเป็นการดูถูก

เมื่อพูดถึงศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 คุณจะถูกจัดกลุ่มกับศิลปินคนอื่นๆ ในรุ่นของคุณเป็นกลุ่ม "ผู้ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใด" หรือ "เปรี้ยวจี๊ดที่สอง" คุณรู้สึกเป็นส่วนหนึ่งของคนรุ่นนี้หรือไม่?

แน่นอนว่าเราเชื่อมโยงกัน แต่ในทางกลับกัน เราแต่ละคนมีความคิดของตัวเองเกี่ยวกับศิลปะและงานของเรา เราทุกคนจินตนาการว่าตนเองเป็นศิลปินที่ไม่ต้องการทำงานตามคำแนะนำของผู้บังคับบัญชาของเรา ส่วนใครอยากได้อะไร โปรแกรมบวกก็ต่างกัน

คุณอยู่ที่ Pompidou Center ในพิธีเปิดนิทรรศการครั้งล่าสุด” คุณชอบวิธีการนำเสนองานหรือไม่?

ปัญหาที่ซับซ้อน ฉันไม่โกรธเคืองเพราะผลงานหลักบางชิ้นของฉันถูกนำเสนอที่นั่น มีการจัดแสดงที่ดี แต่ฉันไม่พอใจกับสถานการณ์ทั่วไป หลักการคัดเลือกเมื่อพิพิธภัณฑ์ได้รับสิ่งที่มอบให้นั้นดูน่าสงสัยสำหรับฉัน เป็นเรื่องยากมากสำหรับนักสะสมที่จะแยกส่วนกับสิ่งที่ดีที่สุด แต่พิพิธภัณฑ์ก็ควรมีไว้ ผลงานที่ดีที่สุด. มีข้อยกเว้นที่น่ายินดี - Semenikhins ให้ฉันจริงๆ งานที่สำคัญ“ถวายเกียรติแด่ CPSU” แต่โดยรวมแล้วฉันไม่คิดว่านี่เป็นแนวทางที่ถูกต้อง

นิทรรศการ “คอลเลกชัน! ศิลปะร่วมสมัยในสหภาพโซเวียตและรัสเซีย พ.ศ. 2493-2543"
ปอมปิดูเซ็นเตอร์
ปารีส

คุณคิดว่าของขวัญชิ้นนี้สามารถเปลี่ยนทัศนคติต่องานศิลปะรัสเซียในโลกตะวันตกได้ หรือนี่คือความฝันในอุดมคติของเรา

ฉันคิดว่าบางที กระบวนการเรียนรู้ภาษารัสเซีย ศิลปะกำลังจะมาแต่จนถึงตอนนี้ช้ามาก ยังคงมีความเชื่อทางตะวันตกว่าไม่มีศิลปะรัสเซีย มีตอนเล็กๆ เปรี้ยวจี๊ด ยุค 1920 แต่ได้รับอิทธิพลจากศิลปะฝรั่งเศสเหมือนกัน ศิลปะรัสเซียคริสต์ศตวรรษที่ 19 เป็นภาษาเยอรมันประจำจังหวัด เปรี้ยวจี๊ดกลายเป็นคนต่างด้าวในงานศิลปะรัสเซียและไม่มีทั้งรุ่นก่อนหรือผู้ติดตาม - นี่คือสิ่งที่ได้รับการพิจารณาในตะวันตกซึ่งฉันไม่เห็นด้วยอย่างยิ่งและพยายามพูดคุยและเขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้ แน่นอนว่าศิลปินแนวหน้าปฏิเสธความเกี่ยวข้องใดๆ กับศิลปะแห่งศตวรรษที่ 19 แต่นี่เป็นลักษณะเฉพาะของนักสร้างสรรค์ทุกคน ไม่ใช่แค่ชาวรัสเซียเท่านั้น หากเรามองสถานการณ์อย่างเป็นกลาง ปรากฎว่าไม่เป็นเช่นนั้น ส่วนผู้ติดตามก็ต้องคำนึงด้วยว่า สถานการณ์ทางการเมืองซึ่งศิลปะรัสเซียค้นพบตัวเองในสมัยสตาลินเมื่อไม่ได้พัฒนาเลยตามกฎหมายของตัวเอง แต่ตามคำแนะนำจากด้านบน และการคิดว่านี่คือพัฒนาการตามธรรมชาติของเขานั้นโง่หรือเลวทราม ดังนั้น เราจึงพูดได้แค่เกี่ยวกับรุ่นของฉัน เกี่ยวกับผู้คนที่เริ่มพยายามพูดภาษาของตนเอง Vsevolod Nekrasov ซึ่งฉันคิดว่ากวีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเราในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เรียกยุคของเราว่า "ยุคแห่งการคัดค้าน" และที่นี่อิทธิพลของเปรี้ยวจี๊ดก็ปรากฏให้เห็นแล้ว

ศิลปินของเราหลายคนยังคงได้รับการยอมรับในโลกตะวันตก จริงๆ แล้วมีสองหรือสามคน ฉันไม่ได้พูดเรื่องนี้ด้วยความขุ่นเคือง - ฉันไม่มีอะไรจะบ่น Kabakov, Komar และ Melamid ได้รับการยอมรับ แต่นี่ถือเป็นความสำเร็จส่วนบุคคลและไม่เกี่ยวข้องกับงานศิลปะรัสเซียโดยรวมซึ่งดูเหมือนว่าจะมีอยู่จริง อย่างไรก็ตาม ในหลาย ๆ ด้าน นี่เป็นความผิดของนักทฤษฎีของเรา ไม่ใช่แค่ศิลปินเท่านั้น พวกเขาไม่คิดเกี่ยวกับมัน พวกเขาไม่ได้ทำ อย่างไรก็ตาม มีศิลปินรุ่นใหม่ที่ทำงานในระดับนานาชาติเพิ่มมากขึ้น ดังนั้นไม่ช้าก็เร็วศิลปะรัสเซียจะเข้ามาแทนที่สิ่งที่ตนมีสิทธิ์ ฉันหวังว่ารุ่นของฉันจะทำสิ่งนี้ แต่มันก็ไม่ได้ผล

คุณรู้สึกเชื่อมโยงกับศิลปินรุ่นก่อนหรือไม่?

แน่นอน - ทั้งศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 โดยมี Malevich นักคอนสตรัคติวิสต์ แค่ดูภาพวาดของฉันพวกเขาจะเล่าเกี่ยวกับมันเอง

นักวิจารณ์ศิลปะ ผู้สังเกตการณ์ตลาดศิลปะ สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยแห่งรัฐมอสโก เอ็มวี Lomonosov (คณะประวัติศาสตร์ภาควิชาประวัติศาสตร์ศิลปะ) ผู้สนับสนุนหลักให้กับนิตยสาร The Art Newspaper, Snob และ Robb Report เธอได้ร่วมงานกับสื่อรัสเซียมากมาย รวมถึงวิทยุ Business FM, หนังสือพิมพ์ Vedomosti, RBC Daily, Nezavisimaya Gazeta, นิตยสาร Expert และพอร์ทัล Moscow Culture ผู้แต่งอัลบั้มเกี่ยวกับชีวิตและผลงานของศิลปินในซีรีส์ "Gallery of Geniuses" สำหรับสำนักพิมพ์ Olma Media Group

เอริก บูลาตอฟ. เด้ง 1994

เขาเป็นศิลปินชาวรัสเซียเพียงคนเดียวที่ได้รับการจัดแสดงผลงานที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ศูนย์ศิลปะและวัฒนธรรมแห่งชาติปอมปิดู และพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในปารีส ในปี 1988 Erik Bulatov ได้รับการยอมรับจาก UNESCO ศิลปินที่ดีที่สุดของปี. ปรมาจารย์กล่าวว่าเขามองว่าสถานการณ์นี้ไม่ได้ปราศจากการประชด ในขณะเดียวกันเขายังคงเป็นนักเขียนภาพวาดที่ประสบความสำเร็จอย่างต่อเนื่องในการประมูลชั้นนำ

Eric Vladimirovich Bulatov เป็นหนึ่งในศิลปินแนวหน้าชาวรัสเซียที่โด่งดังที่สุด เขาถือเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้ง Sots Art เกิดที่เมือง Sverdlovsk ในปี 1933 จบการศึกษา สถาบันศิลปะตั้งชื่อตาม V.I. Surikov

เอริก บูลาตอฟ. พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ จิโอคอนดา. 2549

ภาพวาดของ Bulatov เป็นที่รู้จักไปทั่วโลก สิ่งนี้เกิดขึ้นได้ด้วยเทคนิคที่เป็นเอกลักษณ์ โสตศิลป์หรือป๊อปอาร์ตในภาษารัสเซีย ภาพวาดของเขามักจะเต็มไปด้วยสัญลักษณ์ซึ่งในรูปแบบที่เข้ารหัสนำเสนอผู้ชมด้วยการสังเกตของเขาเกี่ยวกับความไร้สาระของความเป็นจริงของสหภาพโซเวียตซึ่งใกล้จะถึงจุดเปลี่ยนรีบเร่งจากด้านหนึ่งไปอีกด้านหนึ่งมองหาทางออก แต่มี เป็นเพียงทางตันเท่านั้น มีเพียงเจ้าหน้าที่ที่อยู่รอบข้างที่มีความเด็ดขาดอย่างสมบูรณ์และอุตสาหกรรมที่มีอยู่ทั่วไปทุกหนทุกแห่งของตะวันตกซึ่งทำลายวัฒนธรรมที่อ่อนแอของประชาชนโซเวียตอย่างมีพลังอย่างทรงพลัง

บ่อยครั้งที่คำและประโยคเหล่านี้ถูกนำออกจากบริบทจากโปสเตอร์ของสหภาพโซเวียตในสมัยนั้น ซ้อนทับบนภาพวาด ยืนยัน ไม่เห็นคุณค่าในตนเอง หรือส่งเสริมซึ่งกันและกัน ทั้งหมดนี้ เช่นเดียวกับความไม่พอใจต่อความเป็นจริง เช่น การเยาะเย้ย การประท้วง และอารมณ์การปฏิวัติ สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะของ Erik Bulatov

เอริก บูลาตอฟ. ขอบฟ้า. พ.ศ. 2514-2515

ในแง่นี้ศิลปินกลายเป็นพรสวรรค์ที่แท้จริง ในประเทศของเรามีศิลปินไม่มากนักที่สามารถได้รับความนิยมไปทั่วโลกในสาขาเปรี้ยวจี๊ด ประเด็นนี้ไม่ได้อยู่ในความรู้สึกต่อต้านโซเวียตในบางประเทศของโลกซึ่งได้รับการสนับสนุนจากภาพวาดของเขา แต่ในพรสวรรค์ของผู้เขียนเอง วิธีการของเขาในการวาดภาพ การใช้สัญลักษณ์ จนถึงแนวเพลงใหม่ที่เขาเลี้ยงดูและสวมใส่ เท้าของมัน

E. Bulatov เริ่มผลิตเม็ดมีดครั้งแรกในปี 1957 ในเวลานั้นนิทรรศการจัดขึ้นเฉพาะในรัสเซียซึ่งเป็นที่ต้องการอย่างมากเนื่องจากสังคมตามคำพูดของ Viktor Tsoi "กำลังรอการเปลี่ยนแปลง" ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2516 ศิลปินเริ่มจัดแสดงในต่างประเทศ ตั้งแต่ปี 1992 เขาอาศัยอยู่ที่ปารีส ถือว่าเป็นหนึ่งในศิลปินชาวรัสเซียที่แพงที่สุด ผลงานของเขา "Soviet Space" ขายได้ในราคา 1.6 ล้านเหรียญสหรัฐที่ Philips Auctions

เอริก บูลาตอฟ. ถนนคราซิโควา 1977

“ฉันอยากจะแสดง ชีวิตโซเวียตอย่างที่เป็นอยู่โดยไม่แสดงท่าทีใดๆ ต่อสิ่งนั้น ไม่มีการประท้วงที่ชัดเจนในภาพวาดของฉัน ฉันไม่มีความปรารถนาที่จะโน้มน้าวผู้ชมในเรื่องใด ๆ ดูสิว่ามันแย่ขนาดไหน! ฉันไม่ใช่วีรบุรุษแห่งการต่อสู้ทางสังคมเหมือนออสการ์ ราบิน งานของฉันแตกต่างโดยพื้นฐาน ฉันอยากให้ผู้ชมเห็นชีวิตของเขาอย่างที่มันเป็น แต่ให้มองมันราวกับว่าจากภายนอก”

“ฉันต้องการสร้างระยะห่างระหว่างความเป็นจริงนี้กับจิตสำนึกของผู้ดู นี่คือสิ่งที่ภาพวาดทำหน้าที่ ทำงานเป็นระยะทาง เสมือนเป็นการจ้องมองที่แยกจากกัน ฉันสร้างงานศิลปะขึ้นมาเป็นตัวอย่างระหว่างความเป็นจริงกับจิตสำนึก . นั่นคือสิ่งที่สำคัญสำหรับฉัน เพื่อให้ผู้ชมคิดว่า: ดังนั้นนี่คือสิ่งที่ชีวิตของฉันเป็น ... เพื่อที่เขาจะได้รับรู้ว่าภาพวาดของฉันไม่ใช่การสอน แต่ยังค้นพบตัวเองด้วย”

เอริก บูลาตอฟ. อยากทำก่อนมืดแต่ไม่มีเวลา 2545

เอริก บูลาตอฟ. ฤดูใบไม้ผลิทั้งหมดนี้ 1998

เอริก บูลาตอฟ. ภาพถ่ายเพื่อความทรงจำ

มาร์กาเร็ต ริสมอนโด. บูเลอวาร์ด ราสเปล

นภา

ภูมิทัศน์ฤดูใบไม้ร่วง

“เบรจเนฟ. อวกาศโซเวียต" (1977)

รัสเซียศตวรรษที่ 20

เป็นเกียรติแก่ กปปส

วิธีการสร้างสรรค์ที่เป็นลักษณะเฉพาะและเป็นที่รู้จักของ Bulatov คือการชนกันของข้อความโปสเตอร์ที่นำมาจากบริบทของความเป็นจริงของสหภาพโซเวียตโดยมีองค์ประกอบที่เป็นรูปเป็นร่าง (ส่วนใหญ่มักเป็นภูมิทัศน์ที่ยืมมาจากสื่อมวลชน) เป็นผลให้ศิลปินสามารถแสดงให้เห็นถึงความไร้สาระของความเป็นจริงด้วยวิธีที่เข้าถึงได้อย่างมากซึ่งเต็มไปด้วยสัญลักษณ์ของการโฆษณาชวนเชื่อของสหภาพโซเวียต

นอกจากผลงานแนวศิลปะสังคมแล้วยังอยู่ในนั้นด้วย งานยุคแรก ah Bulatov พัฒนาทฤษฎีปฏิสัมพันธ์ระหว่างภาพวาดกับอวกาศ ในงานเหล่านี้ของเขา อิทธิพลของ Falk เห็นได้ชัดเจน เวทีการทำงานที่แข็งแกร่งและมีเอกลักษณ์ของเขา ไม่ได้รับการชื่นชมในบริบทของประวัติศาสตร์ศิลปะ

ผลงานของ Bulatov ได้รับการจัดแสดงอย่างต่อเนื่องในการประมูลงานศิลปะร่วมสมัย ดังนั้นในการประมูลของ Philips งาน "Soviet Space" มีราคาประมาณ 1.6 ล้านดอลลาร์ ผืนผ้าใบอีกสองผืนในธีมโซเวียตรวมถึง "Revolution - Perestroika" ถูกขายไปในราคาหนึ่งล้านดอลลาร์ต่อชิ้นซึ่งทำให้ Bulatov เป็นหนึ่งในราคาแพงที่สุด ศิลปินรัสเซียร่วมสมัย

Eric Bulatov "Liberte" 1992 - ภาพวาดนี้ปรากฏบนโปสเตอร์นิทรรศการ "Counterpoint"

เมื่อวันที่ 14 ตุลาคม 2553 มีการเปิดนิทรรศการ "Counterpoint: Russian Contemporary Art" ที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ นิทรรศการจัดแสดงผลงานของศิลปินกว่า 20 ท่าน เหล่านี้คือ Eric Bulatov, Emilia และ Ilya Kabakov, Vitaly Komar และ Alexander Melamid, Valery Koshlyakov, Alexey Kallima, Vladimir Dubosarsky และ Alexander Vinogradov, Andrey Monastyrsky, Vadim Zakharov, Yuri Leiderman, Yuri Albert, Avdey Ter-Oganyan, กลุ่ม Blue Noses และ AES+F และอื่นๆ ก่อนวันเริ่มต้นการประชุม นักข่าว Izvestia ในฝรั่งเศส Yuri Kovalenko ได้พบกับนักวิชาการ Erik Bulatov ในเวิร์คช็อปของเขาที่ปารีส

ข่าว: ไม่มีศิลปินชาวรัสเซียคนใดจัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในช่วงชีวิตของพวกเขา และจำนวนปรมาจารย์ชาวตะวันตกที่ได้รับเกียรติเช่นนี้ก็มีไม่มากนัก พูดง่ายๆ ก็คือการไปพิพิธภัณฑ์ลูฟร์นั้นเจ๋งมาก!

เอริก บูลาตอฟ: แท้จริงแล้ว พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ดูเหมือนเป็นสิ่งที่ไม่สามารถบรรลุได้สำหรับเราทุกคน แต่ของเรา นิทรรศการจะเกิดขึ้นราวกับว่าอยู่ในห้องใต้ดิน - ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ยุคกลางซึ่งมีการขุดฐานรากของกำแพงและหอคอยของพระราชวัง สถานที่สำหรับจัดนิทรรศการนี้ไม่เหมาะสมอย่างยิ่ง ที่นั่นคุณสามารถทำการติดตั้งหรือแสดงวิดีโอเท่านั้น นิทรรศการอย่างแท้จริงที่จะพูดถึง สถานะปัจจุบันงานศิลปะของเรา - โดยเฉพาะในช่วงปีรัสเซียในฝรั่งเศส - ควรถูกจัดขึ้นที่อื่น ตัวอย่างเช่น ที่ศูนย์ศิลปะและวัฒนธรรมแห่งชาติ Georges Pompidou

และ: แล้วคุณรู้สึกขุ่นเคืองไหม?

Bulatov: ฉันไม่ได้โกรธเคือง แต่ฉันแค่ไม่อยากให้มีความรู้สึกอิ่มเอมใจและยินดีอย่างล้นหลาม:“ โอ้พิพิธภัณฑ์ลูฟร์พิพิธภัณฑ์ลูฟร์!” แต่สำหรับพวกเราชาวรัสเซียแล้ว พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ก็เป็นเช่นนั้น สถานที่ศักดิ์สิทธิ์ที่เรากำลังจะเข้าร่วม อาจจะอยู่ที่ไหนสักแห่งในมุมหนึ่ง ในรอยแตกร้าว

และ ถือ “Counterpoint” หมายถึงการยอมรับศิลปะร่วมสมัยของเราหรือไม่? หรือนี่เป็นเพียงหนึ่งในเหตุการณ์ข้ามปีของรัสเซียและฝรั่งเศส?

Bulatov: ฉันถามตัวเองด้วยคำถามนี้ มีสัญญาณของทั้งคู่ ในแง่หนึ่ง ในโลกตะวันตกมีความเชื่อกันมานานแล้วว่าไม่มีงานศิลปะของรัสเซีย ไม่นับรวมศิลปินแนวหน้าในช่วงทศวรรษปี 1920 อย่างอื่นก่อนและหลังเป็นของจังหวัดและรอง แน่นอนว่าศิลปินของเราสามหรือสี่คนได้รับการยอมรับ แต่ความสำเร็จของพวกเขายังคงเป็นส่วนตัวและไม่ได้ถ่ายโอนไปยังงานศิลปะรัสเซียโดยทั่วไป ในทางกลับกัน กระบวนการสถาปนางานศิลปะรัสเซียโดยรวมกำลังดำเนินอยู่ - แม้ว่าจะช้ามากก็ตาม

และ: นิทรรศการปัจจุบันในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์สะท้อนถึงศิลปะรัสเซียร่วมสมัยมากน้อยเพียงใด?

บูลาตอฟ: มีพื้นฐานอยู่บนแนวความคิดเป็นหลัก ซึ่งเป็นทิศทางที่จะนำเสนออย่างน่าเชื่อที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ แต่นี่ไม่ใช่งานศิลปะของเราทั้งหมด ผลลัพธ์ไม่ใช่ภาพที่เป็นรูปธรรม แต่เป็นชิ้นส่วนบางประเภท ศิลปินหลายคนที่ดูมีความสำคัญต่อฉันมากไม่ได้เข้าร่วมนิทรรศการนี้ ตัวอย่างเช่น ฉันคิดว่า Oskar Rabin ควรได้รับเชิญ

และ: ความประหลาดใจกำลังรอสาธารณชนอยู่ ในวันเปิดทำการที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ศิลปิน ยูริ ไลเดอร์แมน จัดการแสดงของเขา: ผู้หญิงสองคนในภาษารัสเซีย เครื่องแต่งกายประจำชาติกะหล่ำปลีหนึ่งร้อยหัวจะถูกสับต่อหน้าผู้ชม ในส่วนของเขา ยูริ อัลเบิร์ต เพื่อนร่วมงานของเขาจะนำทางผู้ชมผ่านพิพิธภัณฑ์ลูฟร์แบบปิดตา...

Bulatov: นี่คือแนวความคิดของเรา

และ: บนโปสเตอร์นิทรรศการ ภาพวาดของคุณ "Liberte" ("Freedom") ของคุณได้รับการทำซ้ำ ซึ่งสะท้อนถึงภาพวาดอันโด่งดังของ Delacroix เรื่อง "Liberty on the Barricades"

Bulatov: มีผลงานของฉันสองชิ้นจัดแสดงอยู่ นอกจากนี้ยังมีภาพวาด “Black Evening - White Snow” อีกด้วย

และ: “Liberte” เป็นภาพตำราเรียนในทุกแง่มุม เมื่อรวมกับงานอื่นของคุณ - "Soviet Space" - มันถูกรวมอยู่ในหนังสือเรียนภาษาฝรั่งเศสด้วยซ้ำ

Bulatov: ฉันได้รับคำสั่งนี้ในปี 1989 ตอนที่ฉันกำลังเตรียมการ การเฉลิมฉลองครั้งใหญ่เนื่องในโอกาสครบรอบ 200 ปีแห่งการปฏิวัติ พวกเขากำลังจะนำเรือเหาะขึ้นไปในอากาศ ซึ่งด้านหนึ่งจะวาดโดยศิลปินชาวรัสเซีย และอีกด้านหนึ่งเป็นชาวอเมริกัน และฉันก็มีความคิดที่เกี่ยวข้องกับเรา สถานการณ์การปฏิวัติ 1980 สมัยนั้นมีภาพลวงตาที่รักอิสระมากมาย

และ: ผู้ชมชาวตะวันตกรับรู้ศิลปะรัสเซียในปัจจุบันอย่างไร

Bulatov: ด้วยความสนใจเสมอ ฉันมั่นใจในสิ่งนี้ในนิทรรศการ "Russian Landscape" ที่ หอศิลป์แห่งชาติในลอนดอน. พิพิธภัณฑ์เข้าชมฟรี แต่ต้องเสียค่านิทรรศการ และผู้คนก็ยืนกรานที่จะไปถึงมัน ความสนใจแบบเดียวกันนี้จ่ายให้กับนิทรรศการรัสเซียในปารีส ปัญหาเกิดจากการวิพากษ์วิจารณ์ - ไม่สนใจ

และ: แล้วความจริงอยู่ฝ่ายไหน?

Bulatov: ความจริงไม่สามารถเข้าข้างผู้ที่พยายามกำกับงานศิลปะได้ การคิดว่าเธออยู่เคียงข้างผู้ฟังก็ผิดเช่นกัน ตัวอย่างเช่น มวลชนไปที่กลาซูนอฟหรือชิลอฟ ไม่ว่าในกรณีใดไม่มีใครสามารถเพิกเฉยต่อผู้ชมหรืออย่างน้อยก็ผู้ที่ต้องการเข้าใจภาพวาด พวกเขาจำเป็นต้องได้รับการศึกษา พวกเขาจำเป็นต้องทำงานด้วย ไม่ใช่แค่การประกาศให้ศิลปินคนหนึ่งเป็นคนดีและอีกคนที่ไม่ดี แต่ยังอธิบายสิ่งต่าง ๆ เกี่ยวกับหลักการพื้นฐานของศิลปะด้วย

และ: มีสำนวนภาษาฝรั่งเศส “ฝึกสายตา”

Bulatov: ไม่ใช่แค่ดวงตาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศีรษะด้วย ดวงตาตามที่อาจารย์ของฉัน Vladimir Andreevich Favoritesky กล่าวว่าสามารถถูกหลอกได้ สตินั้นยากกว่าที่จะหลอกลวง

และ: Favorite ไม่เพียงแต่เป็นศิลปินเท่านั้น แต่ยังเป็นนักปรัชญาอีกด้วย

Bulatov: เขาเป็นนักปรัชญาด้านศิลปะ เขาเชื่อมต่อกับ Florensky และกับคนอื่น ๆ ของเรา นักปรัชญาทางศาสนา. ฉันไม่ใช่นักปรัชญา แค่เป็นศิลปิน ฉันแค่พยายามที่จะเข้าใจว่าทำไมและทำไมฉันถึงทำเช่นนี้และไม่ใช่อย่างอื่น

และ: ภัณฑารักษ์ที่เรียกว่าผู้บังคับการตำรวจที่นี่ ยึดอำนาจมากเกินไปในมือพวกเขาไม่ใช่หรือ? ตามคำพูดของคุณ ศิลปินมีวัสดุเสริมบางอย่างอยู่ในมือ - สีและแปรงใช่ไหม?

Bulatov: ฉันรู้สึกว่าสถานการณ์ทั่วไปกำลังเปลี่ยนแปลงไป อาจเป็นเพราะมีการเปลี่ยนแปลงไปตามยุคสมัยระหว่างภัณฑารักษ์

และ: ศิลปะไม่ได้สูญเสียคุณธรรมไปมากนักและกลายเป็นส่วนหนึ่งของวงการบันเทิงไม่ใช่หรือ?

Bulatov: เราไม่สามารถตัดสินศิลปะในปัจจุบันอย่างเป็นกลางได้ เพราะเราตัดสินอย่างแม่นยำจากสิ่งที่แสดงให้เราเห็น ฉันไม่รู้ว่าสิ่งนี้สอดคล้องกับสิ่งที่เกิดขึ้นในงานศิลปะมากแค่ไหน นอกจากนี้ฉันหวังว่าจะไม่เป็นเช่นนั้นเลย และเราจะได้เรียนรู้ว่าศิลปะในปัจจุบันคืออะไร ในอีกห้าสิบปีข้างหน้า

และ: ชัยชนะที่กำลังจะเกิดขึ้นในโลกตะวันตกของวัฒนธรรมชนชั้นกลางมวลชนได้รับการทำนายโดย Herzen ตอนนี้ดูเหมือนว่าจะได้เปรียบในรัสเซียในที่สุด

Bulatov: เธอไม่สามารถชนะได้อย่างสมบูรณ์ แน่นอนว่าเราไม่ได้อาศัยอยู่ในยุคเรอเนซองส์ แต่ศิลปะไม่สามารถพินาศได้ หากสิ่งนี้เกิดขึ้น การดำรงอยู่ของมนุษย์จะกลายเป็นสิ่งไร้ความหมาย ศิลปะถามคำถามที่ไม่มีใครถามว่า “มนุษย์มีไว้เพื่ออะไร”

และ: คุณยังคงไปพิพิธภัณฑ์ลูฟร์เพื่อศึกษากับคลาสสิก ศิลปินที่มีชื่อเสียงและมีชื่อเสียงสามารถเรียนรู้อะไรได้บ้าง

Bulatov: จริงๆ แล้วฉันทำได้น้อยมาก ฉันไม่สามารถทำอะไรได้มากมาย

และ: ความอัปยศอดสูมากกว่าความภาคภูมิใจ?

บูลาตอฟ: ไม่ มันเป็นเรื่องจริง ศิลปินทุกคนมีเส้นทางที่เขาเดินตาม และถ้าคุณสะดุดเพียงเล็กน้อย คุณจะพบว่าตัวเองอยู่ในหล่มที่ไม่สามารถเดินเรือได้เลย และทุกครั้ง งานใหม่คุณต้องเริ่มต้นใหม่ ตัดสินใจอีกครั้ง เพราะในงานศิลปะ การตัดสินใจทั้งหมดเกิดขึ้นเพียงครั้งเดียว

และ: คุณยังคงทรมานกับความเจ็บปวดที่สร้างสรรค์อยู่หรือไม่?

Bulatov: ฟอล์กเป็นครูของฉันร่วมกับฟาร์สกี้ ในฐานะนักเรียนฉันมาแสดงผลงานของฉันให้เขาดู และเขาถามฉันว่า: “คุณคิดอย่างไรเกี่ยวกับพวกเขา?” จากนั้นฉันก็หมดหวังอย่างยิ่งกับความธรรมดาของตัวเองและเล่าให้เขาฟังเกี่ยวกับเรื่องนี้ ฟอล์กตอบฉันว่า: “ตอนนี้คุณอยู่ในสภาพสร้างสรรค์ที่ดีมาก ฉันจะบอกคุณบางอย่างที่จะไม่เป็นการปลอบใจคุณ แต่จะมีประโยชน์ในอนาคต สถานะนี้จะคงอยู่ไปตลอดชีวิตของคุณ และถ้าเป็นเช่นนั้น ผ่าน มันหมายความว่าคุณในฐานะศิลปินจบลงแล้ว” ฉันไม่เคยรู้สึกหมดหนทางเหมือนตอนนี้ ในวัยชรา เมื่อฉันเริ่มต้นชีวิตใหม่

และ: ถัดจากผลงานของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่คนไหนใน Tretyakov Gallery หรือพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ที่คุณอยากจะจัดแสดงภาพวาดของคุณ?

Bulatov: ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ - พูดได้น่ากลัว - กับเพลง "The Coronation of Our Lady" โดย Fra Angelico และกับ "Rural Concert" ของ Titian ในแกลเลอรี Tretyakov - กับ Alexander Ivanov หรือ Levitan ภาพวาดเลวีแทนที่ฉันชอบคือ "ทะเลสาบ" ซึ่งอยู่ในพิพิธภัณฑ์รัสเซีย ควรจะเรียกว่า "มาตุภูมิ" แต่เลวีแทนอายที่จะให้ชื่อนี้เนื่องจากภาพไม่ประสบความสำเร็จ

และ: เหตุใดจึงมีการเลียนแบบ La Gioconda แขวนอยู่ในสตูดิโอในมอสโกของคุณ?

Bulatov: ฉันเขียนบทความเกี่ยวกับ La Gioconda เป็นสิ่งสำคัญสำหรับฉันว่าภาพนี้มีโครงสร้างอย่างไร ปัญหาของขอบเขตระหว่างศิลปะกับชีวิตถูกแสดงอย่างไร นี่คือสิ่งที่เลโอนาร์โดทำมากกว่าใครๆ

และ: แต่ชีวิตยังสำคัญกว่าศิลปะเหรอ?

บูลาตอฟ: ฉันไม่รู้จริงๆ ในด้านหนึ่งนี่เป็นเรื่องจริง แต่อีกด้านหนึ่ง ชีวิตคือวัตถุสำหรับงานศิลปะ

และ: หลังจากอาศัยอยู่ในฝรั่งเศสมาประมาณสองทศวรรษ คุณคิดว่าตัวเองเป็นศิลปินชาวรัสเซียหรือชาวยุโรป เพราะเหตุใด

Bulatov: ฉันเป็นศิลปินชาวรัสเซียโดยการศึกษาและการฝึกอบรม ดังนั้นฉันจึงเป็นศิลปินชาวยุโรป เช่นเดียวกับศิลปินคนอื่นๆ ที่อาศัยอยู่ในฝรั่งเศส เยอรมนี หรืออิตาลี

และ: ในบรรดาปรมาจารย์ที่คุณชื่นชอบคือ Levitan และ Savrasov คุณไม่สามารถเข้าใจพวกเขาด้วยใจของคุณ?

บูลาตอฟ: ศิลปินไม่ได้มีอิทธิพลต่อจิตใจ แต่เป็นความรู้สึก งานศิลปะของพวกเขาใช้ได้กับคุณทันทีหรือไม่ได้ผลเลย ฉันเชื่อว่าหากนิทรรศการภูมิทัศน์ของรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ได้รับการจัดระเบียบอย่างดี มันจะสร้างความประทับใจอย่างมาก

และ: คุณเคยบอกฉันว่า Levitan และ Malevich ไม่ใช่ผู้ต่อต้าน

บูลัต: เนื่องจากทั้งสองมีรากฐานมาจากวัฒนธรรมรัสเซีย แน่นอนว่าพวกเขาไม่ใช่สิ่งที่ตรงกันข้าม พวกเขาพยายามทำให้ผู้ชมมีส่วนร่วมในสิ่งที่พวกเขาทำ เป็นสิ่งสำคัญมากสำหรับเลวีตันที่ผู้ชมที่ข้ามภาพวาดไปพบว่าตัวเองอยู่ในภูมิประเทศของเขาในป่าเบิร์ชทันที

และ: จิตรกรภูมิทัศน์คนใหม่ระดับเลวีตันสามารถปรากฏตัวในวันนี้ได้หรือไม่?

Bulatov: มีจิตรกรทิวทัศน์เช่นนี้ นี่คือ Oleg Vasiliev (เพื่อนและพันธมิตรของ Bulatov ซึ่งพวกเขาทำงานร่วมกันมาหลายปี กราฟิกหนังสือ. - "อิซเวสเทีย"). เขาสังเกตเห็นแล้ว แต่ก็ยังถูกประเมินต่ำไป

และ: ชาวบราซิล Gil Vicente วาดภาพบนผืนผ้าใบหลายสิบภาพที่แสดงภาพการฆาตกรรมในจินตนาการของ George Bush, ประธานาธิบดี Lula da Silva ของบราซิล และสมเด็จพระสันตะปาปาเบเนดิกต์ที่ 16 คนปัจจุบัน ทุกสิ่งได้รับอนุญาตสำหรับศิลปินหรือไม่? การเซ็นเซอร์บางประเภทเป็นที่ยอมรับในงานศิลปะหรือไม่?

Bulatov: แน่นอนว่าการเซ็นเซอร์จากภายนอกเป็นอันตรายต่องานศิลปะ จะต้องมีการเซ็นเซอร์ภายใน มันคืออะไร? คานท์พูดดีที่สุดว่า “ท้องฟ้าเต็มไปด้วยดวงดาวอยู่เหนือเราและ กฎหมายศีลธรรมอยู่ในตัวเรา" และเราทุกคนก็จำต้องรักษากฎข้อนี้

เอริก บูลาตอฟ. อิสรภาพก็คืออิสรภาพ พ.ศ. 2540-2541

นิทรรศการร่วมของคุณกับ Vladimir Logutov กำลังเปิดแล้วที่ NCCA Logutov เป็นศิลปินที่อายุน้อยมากตั้งแต่รุ่นอายุ 30 ปี คุณรู้สึกถึงความต่อเนื่องในงานศิลปะยุคนี้หรือไม่?

ฉันรู้สึกว่าคนรุ่นนี้รุ่นอายุ 30 ปีกำลังสนใจฉัน Anatoly Osmolovsky รุ่นแห่งยุค 90 "Medgermenevty" เป็นแนวทางของ Kabakov ทั้งหมด - พวกเขาไม่ต้องการฉันและด้วยเหตุนี้ฉันก็ไม่ต้องการพวกเขาเช่นกัน ความสนใจ คนรุ่นใหม่ฉันรู้สึกได้เมื่อฉันบรรยายสาธารณะ

เคยเกิดขึ้นกับคุณบ้างไหมที่คุณเห็นผลงานของศิลปินหนุ่ม - รัสเซียหรือต่างประเทศ - และรู้สึกถึงประเพณีของคุณเอง?

คุณรู้ไหมว่ามีสิ่งที่คล้ายกันเกิดขึ้น แม้จะหายากมากก็ตาม แต่ฉันไม่สามารถพูดอะไรได้แน่ชัด: ฉันจำนามสกุลไม่ค่อยได้ แต่ฉันยินดีเสมอเมื่อเห็นความใกล้ชิดกับศิลปิน และไม่ว่าเขาจะอายุน้อยหรือไม่ก็ไม่สำคัญ

เอริก บูลาตอฟ. อิสรภาพคืออิสรภาพ II. 2000-200

แต่คนรุ่นใหม่กำลังเปลี่ยนจากการวาดภาพไปสู่รูปแบบใหม่ - การจัดวาง วิดีโออาร์ต และการแสดง Vladimir Logutov คนเดียวกันสร้างวิดีโออาร์ต และคุณยังคงวาดภาพต่อไปอย่างดื้อรั้น

นี้ ปัญหาที่ซับซ้อน. จิตรกรรมคืออะไร? คำถามนี้ไม่มีคำตอบที่ชัดเจน ฉันคิดมาก ศิลปินร่วมสมัยทำงานกับภาพวาดโดยไม่รู้ตัว โดยเชื่อว่าตนได้ละทิ้งภาพวาดนั้นไปแล้ว มีตัวอย่างมากมาย - Cy Twombly นักคอนสตรัคติวิสต์ของเราในยุค 20 ศิลปะป๊อปอาร์ตของอเมริกาทั้งหมด ศิลปินชาวเยอรมัน- ริกเตอร์, บาเลทซ์, คีเฟอร์ ภาพวาดคือพื้นที่บนเครื่องบิน แต่เครื่องบินเป็นเพียงพื้นฐานสำหรับการสร้างพื้นที่ ไม่ว่าจะด้านใดด้านหนึ่งของระนาบนี้หรืออีกด้านหนึ่ง นั่นคือทั้งหมดที่ พื้นที่นี้สามารถสร้างขึ้นจากวัตถุสามมิติได้

- ดังนั้นการวาดภาพเป็นวิธีศิลปะยังสามารถพัฒนาได้เหรอ?

แน่นอนว่ามันพัฒนาและแสดงความสามารถใหม่ๆ มีศักยภาพมากมายซ่อนอยู่ในหนังเรื่องนี้ และนี่คือจุดแข็งของมัน ฉันพอใจกับภาพนี้มาก ดูสิการติดตั้งคืออะไร? หากการติดตั้งเป็นพื้นที่ที่ผู้ชมต้องเดินผ่าน แน่นอนว่าพื้นที่นั้นไม่มีความเกี่ยวข้องกับภาพวาด เพราะภาพวาดนั้นต้องการให้บุคคลอยู่ในตำแหน่งคงที่ในความสัมพันธ์กับภาพวาดนั้นเป็นหลัก แต่หากการติดตั้งมีขอบเขต ผู้ดูจะยืนอยู่ด้านหนึ่งและกระบวนการบางอย่างจะแผ่ออกไปอีกด้านหนึ่ง แล้วทำไมนี่ไม่ใช่ภาพล่ะ? เช่นเดียวกับผลงานศิลปะจัดวางของ Kabakov “ชายผู้บินไปในอวกาศจากห้องของเขา” วิดีโออาร์ตก็เป็นภาพวาดเช่นกัน แต่ฉันมีปัญหาของตัวเองอยู่เหนือหัว มันจะอยู่กับฉันไปจนวันสุดท้าย ดังนั้นฉันจะไม่เสี่ยงเข้าไปในดินแดนนี้ สร้างงานศิลปะจัดวางหรือสร้างวิดีโออาร์ต ปัญหาทั้งหมดของฉันได้รับการแก้ไขค่อนข้างดีด้วยการวาดภาพ

ใน เมื่อเร็วๆ นี้สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าองค์ประกอบทางสังคมจะหายไปจากภาพวาดของคุณ แม้ว่าก่อนหน้านี้จะมีบทบาทสำคัญก็ตาม หลายคนถึงกับเรียกคุณว่าเป็นผู้ก่อตั้ง Sots Art

ฉันไม่เคยเป็นศิลปิน Sots Art แน่นอนว่าภาพวาดของฉัน เช่น "Horizon" มีบทบาทสำคัญในการกำหนดทิศทางนี้ นั่นเป็นเรื่องจริง แต่ศิลปิน Sots Art มีความแตกต่างพื้นฐานจากฉัน ความหมายแตกต่างอย่างสิ้นเชิง ภาพวาดของฉันเป็นการเผชิญหน้าระหว่างความเป็นจริงเชิงอุดมการณ์และความเป็นจริงทางธรรมชาติ ความเป็นจริงสองประการเผชิญหน้ากัน และจิตสำนึกของเราถูกปิดกั้นโดยพื้นที่ทางอุดมการณ์นี้โดยสิ้นเชิง นั่นคือสิ่งเดียวกัน และไม่มีใครนอกจากฉันที่จัดการกับความขัดแย้งนี้ แล้วพวกเขาก็เริ่มเรียนเมื่อ สหภาพโซเวียตพังทลายลงแล้ว

สำหรับฉันดูเหมือนว่าในภาษารัสเซียสมัยใหม่ แม้แต่ศิลปะของมอสโก สังคมและทางการก็มักจะแยกจากกัน ศิลปินบางคนพูดถึงแต่เรื่องสังคมเท่านั้น ส่วนคนอื่นๆ ลืมเรื่องนี้ไปเลย โดยเลือก "ความสันโดษในการต้อนรับ" เช่น Logutov

ไม่ควรจะมีช่องว่างเช่นนี้ ท้ายที่สุดแล้ว พื้นที่แห่งศิลปะจะต้องเชื่อมโยงกับพื้นที่ที่เราดำรงอยู่ ซึ่งแน่นอนว่ารวมถึงพื้นที่ทางสังคมด้วย ท้ายที่สุดแล้วศิลปะควรทำอย่างไร? การศึกษาธรรมชาติของพื้นที่ที่เราพบตัวเอง การศึกษาการรับรู้ของเราในพื้นที่นี้ ศิลปะพยายามที่จะแสดงออกถึงโลกที่เราดำรงอยู่ ซึ่งจริงๆ แล้วไม่อาจอธิบายหรือรับรู้ได้ ท้ายที่สุดแล้ว โลกก็ใหม่อยู่เสมอ และเราจะต้องค้นหาชื่อและภาพลักษณ์ของมัน นี่เป็นเรื่องของศิลปะ สิ่งนี้เชื่อมโยงศิลปะกับชีวิต และสำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่านี่คือความหมายทั้งหมดของศิลปะอย่างแม่นยำ นี่คือความเชื่อของฉัน พื้นที่ทางสังคมมีบทบาทในโลกนี้ แต่มันเป็นเพียงส่วนหนึ่งเท่านั้น และอย่างที่ฉันมั่นใจว่าไม่ใช่สิ่งที่สำคัญที่สุด

- ผู้คนทางตะวันตกในปารีสสนใจงานศิลปะรัสเซียร่วมสมัยหรือไม่?

ไม่เชิง. เพียงแต่ว่าในโลกตะวันตกพวกเขารู้ดีว่าเขาไม่มีอยู่จริง ดังนั้นจึงไม่มีอะไรน่าสนใจที่นี่ มีดนตรีรัสเซีย มีวรรณกรรมรัสเซีย อาจจะเป็นโรงละครรัสเซีย แต่มีและไม่ใช่ศิลปะรัสเซีย

- ทำไมสิ่งนี้ถึงเกิดขึ้น?

คงจะน่าสนใจที่จะรู้คำตอบสำหรับคำถามนี้ แต่ไม่ใช่สำหรับฉันที่จะตอบ สิ่งนี้เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 20 และ 30 และดำเนินต่อไปจนถึงทุกวันนี้ เมื่อชื่อของ Chagall ดังสนั่นในปารีส ก็ถูกมองว่าเป็นความสำเร็จส่วนตัวของเขา และก็เป็นเช่นนั้นกับทุกคน: ศิลปินชาวรัสเซียสามารถประสบความสำเร็จในโลกตะวันตกได้ แต่ความสำเร็จนี้จะไม่มีวันถูกถ่ายโอนไปยังงานศิลปะรัสเซียทั้งหมด Chagall ประสบความสำเร็จอย่างมากและ Larionov และ Goncharova ที่อยู่ใกล้เคียงก็หิวโหยเพราะไม่มีใครสนใจพวกเขา อย่างไรก็ตาม ศิลปินรัสเซียร่วมสมัยหลายคนที่นี่ก็รู้วิธีประสบความสำเร็จเช่นกัน และฉันก็บ่นไม่ได้

มีความเย่อหยิ่งในการขาดความสนใจในศิลปะรัสเซีย แต่ในหลาย ๆ ด้านพวกเราเองก็ถูกตำหนิเพราะนิทรรศการของรัสเซียที่เกิดขึ้นที่นี่เป็นสิ่งที่แย่มาก พวกเขาไม่สามารถพิสูจน์อะไรได้เลยนอกจากว่าไม่มีศิลปะรัสเซียจริงๆ มันเป็นเรื่องน่าเศร้า สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าเป็นงานในรุ่นของฉันที่จะแนะนำศิลปะรัสเซียให้กลายเป็นพื้นที่แห่งศิลปะระดับโลกแห่งเดียว น่าเสียดายที่เราไม่ประสบความสำเร็จ ขอย้ำอีกครั้งว่ามีเพียงชื่อบุคคลเท่านั้น ฉันหวังว่าคนรุ่นต่อไปจะสามารถทำเช่นนี้ได้ ถึงกระนั้นกระบวนการก็ไม่หยุดนิ่ง

- แล้วเปรี้ยวจี๊ดของรัสเซียล่ะ?

คุณรู้ไหมว่าในปารีส เปรี้ยวจี๊ดของรัสเซียถูกมองว่าเป็นการไหลบ่าของศิลปะฝรั่งเศสเข้าสู่ศิลปะรัสเซีย ศตวรรษที่ 19 ของเราถือเป็นสาขาประจำจังหวัด ศิลปะเยอรมันแล้วการลงจอดของฝรั่งเศสซึ่งให้ผลลัพธ์ที่ไม่คาดคิด จากนั้นพลร่มก็ถูกยิง และมันก็จบลง แม้ว่านี่จะไม่ยุติธรรมอย่างยิ่งก็ตาม ฉันเชื่อว่าศตวรรษที่ 19 ก็ควรค่าแก่ความสนใจเป็นพิเศษเช่นกัน - นี่ไม่ใช่สาขาของจังหวัดอย่างแน่นอนแม้ว่าจะได้รับอิทธิพลจากเยอรมันก็ตาม

คุณเห็นไหมว่า สิ่งสำคัญคือในที่สุดนักทฤษฎีและนักประวัติศาสตร์ศิลป์ชาวรัสเซียของเราจะต้องเริ่มแก้ไขปัญหาเหล่านี้อย่างจริงจัง ในการวิจารณ์ศิลปะของเรา ศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 19 อยู่ระหว่างสองขั้ว ไม่ว่าปีศาจจะรู้อะไร (ดังที่บุคคลสำคัญบางคนของเรา เช่น คัทยา เดโกต์ เชื่อในโลกตะวันตก) หรือเป็นสิ่งที่พิเศษ สวยงามที่สุดและยิ่งใหญ่ที่สุดที่เคยสร้างมา - หรือดีกว่าใครในโลก ที่จริงแล้วตำแหน่งทั้งสองนี้เป็นอันตราย ไม่ใช่แค่ผิด แต่เป็นอันตราย คุณต้องดูอย่างรอบคอบว่ามันแตกต่างจากศิลปะของประเทศและโรงเรียนอื่น ๆ อย่างไร แก่นแท้ของมันคืออะไร ข้อบกพร่องและข้อดีของมันคืออะไร เพียงแค่การสร้างแบรนด์หรือการยกย่องชมเชยคือหนทางสู่ความไม่มีที่ไหนเลย

ขอย้ำอีกครั้งว่าหากเราพูดถึงศิลปะรัสเซียเช่นนี้ เราต้องเข้าใจว่าความเชื่อมโยงคืออะไร ยุคที่แตกต่างกันและแนวเพลง จริงหรือ รัสเซีย XIXศตวรรษและเปรี้ยวจี๊ดของรัสเซีย - พวกเขาสองสิ่งที่ตรงกันข้ามกันที่แยกออกจากกันหรือไม่? ถ้าทั้งสองอย่างเป็นศิลปะรัสเซียก็แสดงว่ามีบางอย่าง พื้นฐานทั่วไปบางสิ่งบางอย่างที่รวมกันเป็นหนึ่ง แต่ไม่มีใครวิเคราะห์ปรากฏการณ์เหล่านี้ แล้วทำไมเราถึงอยากให้คนอื่นคิดว่าเรามีศิลปะล่ะ? ท้ายที่สุดแล้วพวกเราเองก็ไม่สามารถพูดอะไรเกี่ยวกับเขาได้จริงๆ

คุณบอกว่าบางทีศิลปินรุ่นต่อไปจะสามารถแยกแยะศิลปะรัสเซียในเวทีโลกได้ แต่ตอนนี้เกิดกระบวนการโลกาภิวัฒน์ขึ้นเมื่อความแตกต่างระหว่างศิลปะของประเทศต่างๆถูกลบล้างมากขึ้น บางทีตอนนี้งานศิลปะรัสเซียที่เลือกสรรนี้ไม่สมเหตุสมผลใช่ไหม

ฉันจะบอกคุณว่าโลกาภิวัตน์เป็นเพียงตำนาน จริงๆ แล้วมันไม่ได้มีอยู่จริง แน่นอนว่าทั้ง Kiefer และ Baselitz ต่างก็เป็นศิลปินชาวเยอรมันโดยสมบูรณ์ เป็นไปไม่ได้เลยที่จะจินตนาการถึงชาวฝรั่งเศสเช่นเดียวกับ Baselitz หรือแอนดี้ วอร์ฮอล เขาอาจจะเป็นชาวยุโรปหรือเปล่า? ไม่แน่นอน อีกประการหนึ่งคือมีคนสดใสและมีคนหมองคล้ำ และคนฉลาดก็แสดงออกถึงพื้นฐานระดับชาติได้เป็นอย่างดี เพราะ พื้นฐานระดับชาติ- นี่เป็นจิตสำนึกประเภทหนึ่ง นี่ไม่ใช่เทคนิคหรือธรรมชาติของภาพ พวกเขาสามารถเป็นอะไรก็ได้ตั้งแต่เป็นรูปเป็นร่างไปจนถึงนามธรรม ประเภทของจิตสำนึกไม่สามารถยกเลิกได้ เขาถูกสร้างขึ้นโดยทุกสิ่ง วัฒนธรรมประจำชาติ- ดนตรี วรรณกรรม และปรัชญา

ศิลปะรัสเซียในแง่นี้ไม่แตกต่างจากศิลปะอื่น ๆ ประเภทของจิตสำนึกยังคงอยู่และมีความยืดหยุ่นน้อยที่สุด มันกำหนดลักษณะเฉพาะของตัวเองสำหรับการรับรู้ศิลปะของชาติ และในแง่นี้ศิลปะรัสเซียก็แตกต่างจากภาษาฝรั่งเศสเป็นพิเศษ สิ่งที่ผู้ชมของเราต้องการจากงานศิลปะไม่ใช่สิ่งที่ชาวฝรั่งเศสต้องการ

- และผู้ชมของเราต้องการอะไร?

ดู, ศิลปะฝรั่งเศสปิดผนึกอย่างแน่นหนาโดยพื้นฐาน ไม่ต้องการผู้ดู เพราะมันยืนยันถึงความสำคัญของตัวมันเอง และไม่ได้ขึ้นอยู่กับว่าผู้ดูปฏิบัติต่อมันอย่างไร นี้เป็นอย่างมาก จุดสำคัญ. สิ่งนี้ไม่ได้แย่หรือดี มันเป็นเพียงลักษณะเฉพาะของจิตสำนึกของชาวฝรั่งเศส "คุณไม่ชอบ? โอเค ออกไป! ศิลปะจะไม่สูญเสียสิ่งใดจากสิ่งนี้ แต่คุณจะสูญเสีย” และงานศิลปะของเราต้องการผู้ชมซึ่งไม่สามารถดำรงอยู่ได้หากไม่มีผู้ชม ไม่มีงานศิลปะใดที่ต้องการผู้ชมมากเท่ากับศิลปะรัสเซีย สิ่งนี้ใช้ได้กับทุกยุคทุกสมัย - ศตวรรษที่ 19, Malevich, Tatlin นักมโนทัศน์ของเราใครก็ตามที่คุณต้องการ สิ่งนี้อยู่ที่แกนกลางของจิตสำนึกของเรา

เส้นทแยงมุม กรีด

บางทีนี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมศิลปะของเราจึงไม่ได้รับการยอมรับในโลกตะวันตก? ท้ายที่สุดแล้ว หากศิลปะต้องการผู้ชม มันก็ถือว่าด้อยกว่า

นั่นคือวิธีที่พวกเขาพยายามตีความ เช่นเดียวกับที่คุณทำอยู่ตอนนี้ แต่สิ่งนี้ไม่เกี่ยวอะไรกับประโยชน์ของงานศิลปะเลย เป็นเพียงจิตสำนึกประเภทหนึ่ง

วัสดุนี้จัดทำโดย Elena Ishchenko

ศิลปิน Erik Bulatov ถือเป็นผู้ก่อตั้งรูปแบบใหม่หลายรูปแบบในงานศิลปะโลก จากพู่กันของเขาได้สร้างสรรค์ผลงานที่ก่อให้เกิดแนวเพลงป๊อปอาร์ตของรัสเซีย, โฟโตเรียลลิสม์, ศิลปะสังคมนิยม และแนวมโนทัศน์ของมอสโก ผลงานของอาจารย์อยู่ในกลุ่มมากที่สุด ภาพวาดราคาแพงในโลก. Bulatov แม้ว่าเขาจะอาศัยอยู่ในบ้านสองหลัง - รัสเซียและฝรั่งเศส แต่ก็มักจะยอมรับว่าเขามีความสุขที่ได้กลับบ้านเกิดเพื่อรับแรงบันดาลใจและแนวคิดใหม่ ๆ

วัยเด็กและเยาวชน

ศิลปินในอนาคตเกิดเมื่อวันที่ 5 กันยายน พ.ศ. 2476 ในเมือง Sverdlovsk (ปัจจุบันคือเมือง Yekaterinburg) เอริคตัวน้อยถูกทิ้งไว้โดยไม่มีพ่อตั้งแต่เนิ่นๆ - เขาเสียชีวิตที่แนวหน้าในปี 2487 แม่ของเด็กชายเป็นผู้อพยพจากโปแลนด์และทำงานเป็นนักชวเลข ในการให้สัมภาษณ์ Bulatov ยอมรับในภายหลัง: พ่อของเขาไม่สงสัยเลยว่าลูกชายของเขาจะกลายเป็นศิลปิน และเมื่อปรากฏออกมาในภายหลัง เขาก็พูดถูก

Erik Bulatov ไม่สงสัยเลยเกี่ยวกับการเลือกอาชีพของเขา และหลังจากสำเร็จการศึกษา ก็เข้าเรียนที่สถาบันศิลปะซึ่งตั้งชื่อตาม สำเร็จการศึกษาเมื่อปี พ.ศ. 2501 สถาบันการศึกษา. ศิลปินคนโปรดของเขาในขณะนั้นคือและ - มันเป็นงานของพวกเขาที่มีอิทธิพลอย่างมากต่อสไตล์ผลงานยุคแรก ๆ ของ Bulatov

ในปีพ. ศ. 2502 ปรมาจารย์พู่กันผู้มุ่งมั่นได้งานในสำนักพิมพ์วรรณกรรมเด็ก "Detgiz" ซึ่ง Oleg Vasiliev กลายเป็นเพื่อนนักวาดภาพประกอบของเขาซึ่งต่อมาก็เหมือนกับ Bulatov เองที่ออกจากประเทศ

การออกแบบสำหรับนางเงือกน้อย เจ้าหญิงนิทรา และซินเดอเรลล่า ยังคงสร้างความพึงพอใจให้กับทั้งเด็กและผู้ใหญ่ ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2500 Eric Vladimirovich เริ่มจัดนิทรรศการส่วนตัวครั้งแรกของเขา เป็นเรื่องปกติที่จะนับผลงานระดับมืออาชีพของเขาในช่วงเวลาเดียวกันนี้

จิตรกรรม

คุณลักษณะที่โดดเด่นของสไตล์ดั้งเดิมของศิลปินคือการผสมผสานที่ลงตัวระหว่างประเภทโปสเตอร์ซึ่งเป็นที่นิยมในสมัยโซเวียตและองค์ประกอบการวาดภาพ คำขวัญในภาพวาดของ Eric Vladimirovich อยู่ร่วมกับทิวทัศน์และภาพบุคคล ตามคำวิจารณ์ของนักวิจารณ์ Bulatov เน้นย้ำถึงความไร้สาระของความเป็นจริงโดยรอบด้วยเทคนิคนี้ความอิ่มตัวมากเกินไปด้วยสุนทรพจน์และการโฆษณาชวนเชื่อที่เสแสร้ง

ศิลปะทางสังคมที่คล้ายกันในผลงานของ Erik Bulatov อยู่ติดกับภาพวาดซึ่งสามารถมองเห็นอิทธิพลของสไตล์ของ Robert Falk ได้อย่างชัดเจน น่าเสียดายที่ช่วงเวลานี้ในอาชีพศิลปินของ Bulatov ไม่ได้รับความนิยมมากนักในหมู่นักวิจารณ์และนักวิจารณ์ศิลปะ ศิลปินเองก็ยอมรับว่า Falk มีอิทธิพลต่อการพัฒนาอาชีพของเขาในหลาย ๆ ด้านจริงๆ

ในช่วงกลางทศวรรษ 1960 Bulatov ทดลองสไตล์ต่างๆ โดยผสมผสานเทคนิคการวาดภาพประกอบไว้ในผืนผ้าใบผืนเดียว จิตรกรรมสีน้ำเช่นเดียวกับกราฟิก ศิลปินให้ความสนใจเป็นพิเศษกับวิธีการถ่ายทอดแสงและพื้นที่

น่าเสียดายที่ผลงานของ Erik Vladimirovich ในสหภาพโซเวียตถูกเซ็นเซอร์และเขาทำได้เพียงฝันถึงนิทรรศการที่เต็มเปี่ยมเท่านั้น เฉพาะในปี 1965 และ 1968 เท่านั้นที่ Eric Bulatov สามารถจัดนิทรรศการภาพวาดของเขาในระยะสั้นที่สถาบัน Igor Kurchatov และในร้านกาแฟในมอสโกชื่อ "Blue Bird"

ตั้งแต่ปี 1970 ผืนผ้าใบขนาดใหญ่เริ่มมีอิทธิพลเหนืองานของ Bulatov ซึ่งผู้เขียนได้กล่าวถึงธีมทางสังคมและรูปภาพที่เติมเต็มสื่อมวลชนในยุคนั้น ในปี 1972 ศิลปินวาดภาพ "Horizon" ซึ่งเป็นหนึ่งในที่สุด ภาพวาดที่มีชื่อเสียง. ในขณะนั้นงานนี้ถูกมองว่าเป็นการล้อเลียน

ช่วงเวลาเดียวกันในอาชีพการงานของ Erik Vladimirovich มีการจัดนิทรรศการต่างประเทศมากมายซึ่งนำอาจารย์มา การยอมรับในระดับสากล: ภาพวาดของบูลาตอฟได้ไปเยือนเมืองซูริก ปารีส เวนิส และเมืองอื่นๆ ในยุโรป ทุกที่ที่ผู้รักงานศิลปะชื่นชอบ

Erik Vladimirovich ค่อยๆ ได้รับชื่อเสียงในฐานะ "ศิลปินแห่งเปเรสทรอยกา" และในปี 1988 เขาได้รับการยอมรับให้เป็นปรมาจารย์แห่งปีจาก Venice Biennale หนึ่งปีหลังจากนั้น Bulatov และครอบครัวของเขาย้ายไปนิวยอร์ก จากนั้นในปี 1992 เขาก็ไปปารีส ซึ่งกลายเป็นบ้านหลังที่สองของเขา

ในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ศิลปินค่อยๆ ย้ายออกจากประเด็นทางการเมือง: งานของ Bulatova เปิดกว้าง หน้าใหม่ภาพนามธรรมและภาพกราฟิก และหลังจากนั้นไม่นานอาจารย์ก็เริ่มสนใจเรื่องเซรามิกส์โดยมอบภาพวาดที่มีพรสวรรค์มากมายให้กับโลก

ในปี 2003 Erik Vladimirovich ได้จัดนิทรรศการในมอสโก - เป็นครั้งแรกหลังจากย้าย นิทรรศการซึ่งนำเสนอในหอศิลป์ Tretyakov ในเมืองหลวงได้รับการตอบรับอย่างกระตือรือร้นในบ้านเกิดของปรมาจารย์

นิทรรศการขนาดใหญ่อีกงานหนึ่งเกิดขึ้นสิบปีต่อมา เมื่อผลงานของศิลปินทำให้เขาได้รับตำแหน่งผู้ได้รับรางวัลจากการแข่งขันนวัตกรรม และในปี 2558 Bulatov ได้รับเชิญให้ไปเปิดพิพิธภัณฑ์การาจและพิพิธภัณฑ์ที่ตั้งชื่อตาม โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับงานนี้ Eric Vladimirovich ได้สร้างผืนผ้าใบ "Freedom"

ภาพวาดของ Bulatov ค่อยๆทำให้อาจารย์ได้รับชื่อเสียงจากหนึ่งในศิลปินที่มีราคาแพงและเป็นที่ต้องการมากที่สุดในยุคของเรา ผ้าใบ "เบรจเนฟ โซเวียต Space” ถูกขายทอดตลาดในราคา 1.6 ล้านเหรียญสหรัฐ และภาพวาดแนวโซเวียตจำนวนหนึ่งมีราคาสำหรับเจ้าของใหม่ 1 ล้านเหรียญต่อชิ้น บน ช่วงเวลานี้ที่สุด ผลงานที่มีชื่อเสียงปรมาจารย์นอกเหนือจากที่ระบุไว้สามารถเรียกได้ว่าเป็นผืนผ้าใบ "อย่าเอนเอียง", "ถวายพระเกียรติแด่ CPSU", "ท้องฟ้า - เซียล"

ชีวิตส่วนตัว

Erik Bulatov ไม่ชอบเปิดเผยรายละเอียดเกี่ยวกับชีวิตส่วนตัวของเขา เป็นที่รู้กันว่าศิลปินมีภรรยาแล้ว ภรรยาของนายชื่อนาตาลียา

ตามที่ Eric Vladimirovich เธอสนับสนุนเขาและช่วยเขาสร้างสรรค์ ผู้เป็นที่รักของ Bulatova ล้อมรอบสามีของเธอด้วยความเอาใจใส่และทำให้เขาโล่งใจไปมากจากความคิดเกี่ยวกับงานบ้านประจำวันที่อาจต้องใช้เวลาจากความคิดสร้างสรรค์

เอริค บูลาตอฟตอนนี้

ตอนนี้ Erik Bulatov อาศัยอยู่ในบ้านสองหลัง - ศิลปินรู้สึกดีทั้งในรัสเซียและฝรั่งเศสโดยการยอมรับของเขาเอง ในปี 2018 Anatoly Malkin ได้เตรียมภาพยนตร์สารคดีเรื่อง "I Live and See" ซึ่งในรูปแบบของการสัมภาษณ์เขาได้เปิดเผยรายละเอียดที่น่าสนใจเกี่ยวกับชีวประวัติของ Eric Vladimirovich ในภาพยนตร์เรื่องนี้ Bulatov ยอมรับว่าเนื่องจากอายุของเขาเขาจึงไม่สามารถอุทิศเวลาให้กับความคิดสร้างสรรค์ได้มากเหมือนเมื่อก่อนอีกต่อไป แต่ยังคงอุทิศให้กับงานที่เขาชื่นชอบ

สารคดี“ ฉันมีชีวิตอยู่และมองเห็น” เกี่ยวกับ Erik Bulatov

นอกจากนี้ หนังสือของนักประวัติศาสตร์ศิลป์ชาวรัสเซียและต่างประเทศยังอุทิศให้กับผลงานและชีวประวัติของศิลปินอีกด้วย ผลงานของ Bulatov มีให้เห็นในพิพิธภัณฑ์ Georges Pompidou ในปารีส เช่นเดียวกับในแกลเลอรีในรัฐนิวเจอร์ซีย์ โคโลญ และบาเซิล ในรัสเซีย ภาพวาดของ Eric Vladimirovich จัดแสดงใน Tretyakov Gallery และพิพิธภัณฑ์รัสเซีย

ได้ผล

• พ.ศ. 2515 - "ขอบฟ้า"
• พ.ศ. 2518 - “ ความรุ่งโรจน์ของ CPSU”
• 2520 - "เบรจเนฟ พื้นที่โซเวียต"
• 2530 - "อย่าเอน"
• 2532 - "เปเรสทรอยก้า"
• 2553 - "สกาย - เซียล"
• 2554 - "ขึ้น - ลง"
• 2558 - "อิสรภาพ"

มอสโก 14 มิถุนายน – RIA Novosti, Victoria Salnikova Eric Bulatov เป็นหนึ่งในศิลปินร่วมสมัยชาวรัสเซียที่โด่งดังที่สุด ซึ่งทุกคนน่าจะเห็นภาพวาดของเขามากที่สุด Bulatov มักถูกเรียกว่าผู้ก่อตั้ง Sots Art ผืนผ้าใบของเขาจดจำได้ง่าย: เป็นโปสเตอร์ที่จารึกไว้อย่างสดใสโดยมีฉากหลังเป็นทิวทัศน์

ผลงานที่โดดเด่นและโดดเด่นชิ้นหนึ่งของศิลปินได้รับการบริจาคให้กับคอลเลกชันเมื่อวันที่ 13 มิถุนายน หอศิลป์ Tretyakov. จิตรกรรมผ้าใบบริจาค "ภาพวาดและผู้ชม" ให้กับพิพิธภัณฑ์ มูลนิธิการกุศลวลาดิมีร์ โพทานิน.

เราจำภาพวาดหลักของ Bulatov ได้ - จาก ยุคโซเวียตจนถึงปัจจุบัน

"การเดินทางอันมหัศจรรย์ของ Nils กับห่านป่า", 1979

หนังสือที่ออกแบบโดย Erik Bulatov อาจอยู่ในมือของเด็กทุกคน ภาพประกอบสำหรับเทพนิยาย " การเดินทางที่ยอดเยี่ยม Nils with Wild Geese" โดย Selma Lagerlöf กลายเป็นที่ยอมรับ เช่นเดียวกับศิลปินโซเวียตหลายคนควบคู่ไปกับงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่ Bulatov มีส่วนร่วมในงานศิลปะ "เล็ก" - การออกแบบหนังสือสำหรับเด็ก

"ความรุ่งโรจน์ของ CPSU", พ.ศ. 2518-2548

© ภาพ: จัดทำโดย มูลนิธิการกุศล วี.โปทานินEric Bulatov, "Glory to the CPSU", 2546-2548 สีน้ำมันบนผ้าใบ, 200 x 200 ซม. ของขวัญจาก Vladimir และ Ekaterina Seminikhin

© ภาพ: จัดทำโดย มูลนิธิการกุศล วี.โปทานิน

ภาพวาด "Glory to the CPSU" รวมอยู่ในสารานุกรมศิลปะทั้งหมด ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 Erik Bulatov เริ่มมีพัฒนาการ สไตล์ใหม่: เขาซ้อนทับภูมิประเทศที่สมจริงด้วยจารึกที่สดใสซึ่งยืมมาจากโปสเตอร์อุดมการณ์ ในเวลาเดียวกัน เขาเริ่มสนใจการทดลองเกี่ยวกับอวกาศ

ผืนผ้าใบ "Brezhnev.โซเวียตอวกาศ" อาจถูกเข้าใจผิดว่าเป็นโปสเตอร์อุดมการณ์ที่แท้จริง อย่างไรก็ตาม ห้ามทำงาน “ ไม่มีการวิจารณ์ทางการเมืองในภาพเขียน - มีเพียงความต้องการที่จะแสดงความผิดปกติของชีวิตที่จิตสำนึกของเรารับรู้เป็นเรื่องปกติ” -

การแสดงย้อนหลัง "I LIVE - I SEE" ของ Erik Bulatov เปิดขึ้นที่ Manege Central Exhibition Hall ขนาดของนิทรรศการน่าประทับใจ มีการรวบรวมผลงานมากกว่า 100 ชิ้น เราตัดสินใจที่จะเล่าเกี่ยวกับนิทรรศการด้วยความช่วยเหลือของภาพวาดห้าภาพ ศิลปินชื่อดัง

ภาพเหมือน. 1968

การถ่ายภาพบุคคลเป็นวิธีที่สมบูรณ์แบบในการทำความรู้จักกับศิลปิน ขนาดของ Frida Kahlo ในแง่ของประเภทนี้ไม่สามารถเอาชนะใครได้ แต่ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งภาพเหมือนตนเองครอบครองสถานที่สำคัญในผลงานของจิตรกรทุกยุคทุกสมัยและทุกชนชาติตั้งแต่ทิเชียนไปจนถึงซัลวาดอร์ดาลี เอริค บูลาตอฟ ปีที่ยาวนานผลงานที่สร้างขึ้น ภาพตัวเองหลายภาพ ผลงานชิ้นปี 1973 แสดงให้เห็น ศิลปินหนุ่มกับพื้นหลังของ "เส้นคืบคลาน" - "ห้ามเข้า" ภาพเหมือนตนเองในปี 2011 มีลักษณะคล้ายกับภาพทางศาสนา ร่างของจิตรกรดูเหมือนจะเปล่งประกายจากภายใน ภาพเหมือนตนเองจากปี 1968 เป็นหนึ่งในผลงานในยุคแรกๆ ของบูลาตอฟ มีเพียงคนขี้เกียจเท่านั้นที่ไม่รู้จัก "สวัสดี" จาก Rene Magritte บนผืนผ้าใบ - ใบหน้าซ้ำๆ ของศิลปินถูกจารึกไว้ในภาพเงาดำของชายสวมหมวกกะลา สถิตยศาสตร์ไม่ได้หยั่งรากลึกในงานของบูลาตอฟ แต่แนวคิดเรื่อง "ภาพภายในภาพ" ทำให้เกิด

"รัสเซียศตวรรษที่ XX ฉัน"

เอริค บูลาตอฟนำสิ่งที่ตรงกันข้ามสุดขั้วมารวมกันไว้ในภาพเดียว: ความสงบและความวิตกกังวล อิสรภาพที่สมบูรณ์ และลูกกรง ภาพวาดที่เหมือนจริงและโปสเตอร์โซเวียต ภาพวาดจากซีรีส์ "Russian 20th Century" พรรณนาถึงภูมิทัศน์อันงดงามของรัสเซีย ซึ่งมีเลขโรมัน XX ปรากฏขึ้นอย่างน่ากลัว ภูมิทัศน์เป็นศูนย์รวมของความเงียบสงบของชีวิตชาวรัสเซียที่ถูกขีดฆ่าในศตวรรษที่ 20: โบสถ์โบราณที่ตั้งตระหง่าน บ้านเรือนเตี้ยๆ และกระท่อมรอบๆ และมีแม่น้ำคดเคี้ยวเป็นฉากหลัง ศตวรรษที่ 20 รุกรานอย่างไม่เป็นทางการและเป็นสัญลักษณ์ ในภาพวาดหมายเลข 1 ตัวเลขเหล่านี้มีลักษณะคล้ายกับลำแสงสปอตไลต์จากบริษัท 20th Century FOX โดยมีฉากหลังเป็นท้องฟ้าสีแดงอันน่าสยดสยอง น้ำในแม่น้ำก็มีสีเลือดเช่นกัน สำนวนที่สอดคล้องกับภาพนั้นไม่จำเป็นต้องอธิบาย ในงานหมายเลข II Bulatov ทำหน้าที่อย่างกระชับและเป็นแผนผังมากขึ้น: ตัวเลขสีแดงขนาดใหญ่ตัดขวางแนวปิตาธิปไตย

“ถวายเกียรติแด่ กปปส.”

ยากที่จะวินิจฉัยการเป็นส่วนหนึ่งของการเคลื่อนไหวใด ๆ ของ Bulatov: ในยุค 60 ศิลปินมีส่วนร่วมในสิ่งที่เป็นนามธรรมผลงานที่โดดเด่นของเขาจัดเป็นศิลปะสังคมภาพวาดบางภาพคล้ายกับความสมจริงแบบอเมริกันในจิตวิญญาณของ Edward Hopper นามบัตรศิลปิน - จารึกสั้น ๆ ที่พาดผ่านผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาส่วนใหญ่ หนังสือเรียน "Glory to CPSU" - ตัวอย่างที่ชัดเจน. วลีสีแดงที่เกี่ยวข้องนั้นประทับบนท้องฟ้าสีครามพร้อมกับเมฆปุย ท้องฟ้าเป็นสัญลักษณ์ของอิสรภาพตามธรรมชาติของมนุษย์ เห็นได้ชัดว่าสโลแกนของสหภาพโซเวียตเป็นสัญลักษณ์ของอำนาจเผด็จการอันมั่นคง ท้องฟ้ามีชีวิตและการเปลี่ยนแปลง: เมฆสามารถปรากฏขึ้นและหายไปได้ ในขณะที่ "Glory to the CPSU" นั้นคงอยู่ชั่วนิรันดร์อย่างไร้ความหมาย อย่างน้อยก็จนกว่าสนิมจะกัดกินป้ายโฆษณาชวนเชื่อจำนวนมากทั่วประเทศซึ่งเต็มไปด้วยคำขวัญของสหภาพโซเวียต แผนการอันชาญฉลาดของศิลปินซึ่งรวบรวมไว้ในรูปแบบที่ดูเหมือนรักชาตินั้นชัดเจนมากจนแม้แต่ผู้ที่ไม่มีประสบการณ์ในเสน่ห์ของเปรี้ยวจี๊ด อำนาจของสหภาพโซเวียตคิด" รหัสวัฒนธรรม"และสั่งห้ามภาพวาดของบูลาตอฟ

“พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ โมนา ลิซ่า”

โดยธรรมชาติแล้วปัญหาของภาพวาดของ Bulatov นั้นไม่ได้หมดไปจากการเมืองและการประท้วงซึ่งศิลปินที่ดีในดินแดนโซเวียตไม่สามารถทำได้หากไม่มี "พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ลา จิโอคอนดา" เป็นภาพสะท้อนบทสนทนาระหว่างศิลปะกับผู้ชม สิ่งสำคัญที่ศิลปินสนใจบนผืนผ้าใบของดาวินชีคือการดึงดูดใจผู้ชมของภาพวาด ผู้เยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในงานของ Bulatov สมมุติบุกเข้าไปในห้องโถงของพิพิธภัณฑ์เหมือนมวลสีม่วงและปิดบังทุกสิ่งและทุกคน - มีเพียงรอยยิ้มลึกลับและประชดประชันเล็กน้อยของโมนาลิซ่าเท่านั้นที่ยังคงมองเห็นได้ ฝูงชนดูคล้ายกับภาพถ่ายจากหนังสือพิมพ์โซเวียตเก่าด้วยเหตุผลบางประการที่พิมพ์ด้วยหมึกสีแดง ในขณะที่ห้องโถงของพิพิธภัณฑ์มีความสมจริงไม่สั่นคลอนไปชั่วนิรันดร์ เป็นไปได้หรือไม่ที่จะรับรู้งานศิลปะในสภาวะที่มีเสียงดัง ก้าวร้าว เช่น สีแดง ความวุ่นวายของสื่อ? คำถามคือวาทศิลป์

“จิตรกรรมและผู้ชม” เป็นอีกงานหนึ่งในหัวข้อนี้ ผืนผ้าใบทำซ้ำ "การปรากฏตัวของพระคริสต์ต่อผู้คน" อันโด่งดังโดย Alexander Ivanov ซึ่งผู้เยี่ยมชมจับกลุ่มโดยมีไกด์ (โดยทางภรรยาของ Bulatov) อยู่ที่ศีรษะ คุณสามารถชื่นชมผลงานนี้ได้อย่างแท้จริงโดยมองจากด้านหลังของผู้มาเยี่ยมเยียนคนอื่นๆ จากนั้นกลุ่มเพื่อนฝูงของคุณจะกลายเป็นส่วนหนึ่งของงาน และภาพวาดก็กลายเป็นสถานที่จัดวางอย่างน่าอัศจรรย์

“ฉันจะรู้ได้อย่างไรว่าอยู่ที่ไหน”

“ รถรางของฉันกำลังออกเดินทาง”, “ยามเย็นสีดำ, หิมะสีขาว”, “เมื่อเมฆเคลื่อนตัว”, “แค่นั้นแหละ” - ชุดวลีที่ Bulatov ใช้นั้นมีความหลากหลายและแทบจะนับไม่ได้ มีคำบางคำพาดผ่านภาพ: “อิสรภาพ” บนท้องฟ้าสีคราม “รถไฟ” บนรางรถไฟ “ รถรางของฉันกำลังออกไป” รีบวิ่งตามชายผู้ล่วงลับ - มันน่าทึ่งมากที่การเอียงและการวางตัวอักษรสามารถสื่อถึงการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วได้อย่างไร ซีรีส์ "ที่นี่" อาจจะพูดน้อยที่สุดในงานของ Bulatov ผลงานนี้เป็นเนื้อและเลือดของ "Glory to the CPSU" และ "I Live, I See" ก่อนหน้านี้ "วีรบุรุษ" ของภาพเขียนเป็นเพียงคำพูดเท่านั้น หากปราศจากภาพเขียนนั้นก็จะกลายเป็นนามธรรมขาวดำที่นักพรต เมื่อคุณถามคำถามที่มีอยู่กับตัวเอง การตกแต่งก็ไม่จำเป็น “ฉันจะรู้ได้อย่างไรว่าอยู่ที่ไหน”- สถานการณ์ชีวิตมากมาย คนสมัยใหม่. สิ่งที่เหลืออยู่ก็คือการยอมรับมัน

ที่ไหน:เซ็นทรัลเอ็กซิบิชั่นฮอลล์ “มาเนจ” จัตุรัสมาเนจนายา, 1