Wstęp
Charakterystyka i cechy stylu rokoko
Sufit, podłoga i ściany
Elementy mebli i ich cechy
Rokoko i nowoczesność
Akcesoria
Architektoniczne „obrazy” rokoka
Pałac Wersalski
Wniosek
Bibliografia
Wstęp
Styl rokoko był genialnym uzupełnieniem stylu barokowego. Jako dziedzictwo poprzedniego stulecia, wiek XVIII otrzymał szczególną świadomość estetyczną, w której wysoko rozwinięty gust artystyczny stał się ważniejszy niż wiele innych cech ludzkich. Smak zakładał nie tylko umiejętność rozróżniania piękna i umiejętność jego odtworzenia, ale także umiejętność głębokiego cieszenia się dziełem. Jeśli barok wymaga całej gamy emocji – od radości po tragedię, to dla miłośników rokoka – tylko tych niezwykle subtelnych i pełnych wdzięku.
„Wdzięk” to słowo-klucz tej epoki. Wtedy następuje odejście od życia w świat fantazji, zabaw teatralnych, wątków mitycznych i pastoralnych z obowiązkowym akcentem erotyki. Dlatego nawet wytwory wybitnych mistrzów, choć dekoracyjne i pełne wdzięku, są nieco powierzchowne.
To nie przypadek, że to właśnie w tej epoce narodziła się moda na „chińczyka”, czyli chinoiserie. We wnętrzach pojawiają się ruchome ekrany, wizualnie zmieniające przestrzeń; gobeliny z wizerunkami kwiatów, pagód, ludzi w chińskich strojach; słynna chińska porcelana, wykwintne orchidee, drzewa o cienkich pniach, ryby akwariowe, a także eleganckie lakierowane meble chińskich rzemieślników, jakby stworzone na rokoko.
Inspiracją dla stylu rokoko był Włoch J. O. Meissonnier, u którego po raz pierwszy pojawiły się dziwaczne asymetryczne formy, w szczególności motyw kapryśnie zakrzywionej muszli (rocaile – stąd francuskie rokoko). Choć styl ten nazywany jest „stylem Ludwika XV”, w przeciwieństwie do baroku, nie był to sztuka czysto dworska. Większość budynków rokokowych to prywatne domy francuskiej szlachty i pałace wiejskie. Pomieszczenia w nich nie układały się w komplet (jak w XVII w.), lecz tworzyły asymetryczne kompozycje. Hol główny (salon) zwykle znajdował się w centrum. Narożniki pomieszczeń są zaokrąglone, wszystkie ściany zdobią rzeźbione panele, złocone ozdoby i lustra, które zdają się powiększać przestrzeń, dodając jej niepewności. Pomieszczenia stają się mniejsze i niższe, tworząc atmosferę intymności charakterystyczną dla buduarów. W kolorystyce dominują delikatne, pastelowe barwy. Najbardziej popularny kombinacje kolorów- biały z niebieskim, zielonym lub różowym i oczywiście złotym.
To w epoce rokoko po raz pierwszy pojawiła się idea wnętrza jako integralnego zespołu: stylistyczna jedność budynku, wystrój ścian i sufitów, meble itp. I nigdy wcześniej wnętrze tak dokładnie nie pasowało do charakteru stylu życia. Wszystkie elementy wyposażenia wnętrz wykonane są z wielką dbałością o wygodę i najmniejsze rzeczy w życiu.
Przyjrzyjmy się bliżej funkcjom tego styl architektoniczny, co jest celem naszej pracy.
Cele: 1. studiowanie i analiza literatury na ten temat;
Zidentyfikuj charakterystyczne cechy stylu rokoko;
Scharakteryzuj wpływ tego stylu na rozwój architektury.
Charakterystyka i cechy stylu rokoko
Rokoko (francuskie rokoko, od francuskiego rocaille - ozdobna muszla, żółw, rocaille) to styl w sztuce, który powstał we Francji w pierwszej połowie XVIII wieku za panowania regenta Filipa Orleańskiego, wuja Ludwika XV. Ten system stylów częściowo kontynuuje cechy odziedziczone po baroku, ale w znacznym stopniu je modyfikuje. Styl rokoko narodził się we Francji w czasie kryzysu absolutyzmu, zwalczając charakterystyczne dla arystokracji nastroje hedonistyczne, pociąg do ucieczki od rzeczywistości w iluzoryczny i idylliczny świat gra teatralna.
Rokoko jest dziełem wyłącznie kultura świecka, sąd, francuska arystokracja. Udało mu się jednak nie tylko odcisnąć piętno na sztuce, ale także wpłynąć na jej dalszy rozwój.
Świat miniaturowych form znalazł swój główny wyraz w sztuce użytkowej – w meblach, naczyniach, brązie, porcelanie, a także w architekturze, głównie w charakterze dekoracji, która nabrała manierycznego, wyrafinowanego i wyrafinowanego wyglądu. To, co było teraz ważne we wnętrzu, nie było bujne i majestatyczne, ale przyjemne i wygodne. Domy zbudowane w tym okresie z reguły mają wygląd ściśle klasyczny. Wewnątrz ściany podzielone płycinami, wnękami, gęsto zdobione malowidłami, sztukaterią, złoceniami, drobnymi tworzywami sztucznymi, tkaninami dekoracyjnymi, brązem, porcelaną, lustrami.
Filozofię stylu rokoko wyznaczyły kobiety - ulubienice króla: markiza de Pompadour, Madame Dubary, Maria Leshchinskaya. Rokoko uważa, że główne święto w życiu to wyrafinowana przyjemność i miłość. Ukryte pawilony, chińskie domy, przytulne groty. Kameralność i przytulność rokokowych pomieszczeń została stworzona dzięki znacznie mniejszym rozmiarom i wyjątkowej dekoracji. Cechami charakterystycznymi rokoka są wyrafinowanie, wielkie dekoracyjne obciążenie wnętrz i kompozycji, pełen wdzięku rytm zdobniczy, duża dbałość o mitologię, sytuacje erotyczne i komfort osobisty. Styl ten osiągnął najwyższy rozwój w architekturze w Bawarii. Następnie styl rokoko ustąpił miejsca neoklasycyzmowi.
Centrum formowania nowego Kultura XVIII wieku nie stało się ono pałacowym wnętrzem ceremonialnym, lecz salonem. Zamiast ogromnych barokowych sal ceremonialnych pojawiają się małe, eleganckie rokokowe salony. Styl rokoko nie wprowadzał do architektury żadnych nowych elementów konstrukcyjnych, lecz wykorzystywał stare, nie ograniczając się do żadnych tradycji przy ich stosowaniu i mając za główny cel osiągnięcie dekoracyjnej efektowności. Architektura rokokowa stara się być lekka, przyjazna i zabawna; nie dba o stosowność form części konstrukcji, lecz rozporządza nimi według własnego uznania, na zawołanie, unikając ścisłej symetrii.
W przypadku rokoka typowe są małe pokoje z zaokrąglonymi narożnikami lub owalnym planem. W dziełach tej architektury proste linie i płaskie powierzchnie niemal zanikają lub przynajmniej są maskowane obróbką figuralną. Ściany podzielone są cienkimi prętami na osobne panele ułożone w dwóch rzędach. Dolny rząd pełnił rolę panelu. Kolumny są czasem wydłużane, czasem skracane i skręcane spiralnie, ich kapitele są zniekształcane przez zalotne zmiany i powiększenia. Zamiast kolumn i kapiteli pojawiają się cienkie, reliefowe ramy - płyciny, sploty wstęgowe, dekoracje zdobnicze, groteski. Wysokie pilastry i ogromne kariatydy podtrzymują drobne ryzality z mocno wystającym gzymsem.
Rokokowi architekci starali się wygładzić kąt między ścianą a sufitem za pomocą wgłębienia - gładkiego półkolistego przejścia, które ozdobiono cienką ozdobną płaskorzeźbą. Podobnie jak w czasach baroku, wiele uwagi poświęcono lampom sufitowym, ale w tym okresie sufity ponownie stały się płaskie. Cechą charakterystyczną rokoka jest niewielki, stylizowany, cienki reliefowy ornament w postaci przeplotów, grotesek, loków, wypukłych tarcz nieregularnie otoczonych tymi samymi lokami, masek, girland i festonów z kwiatów oraz rocaille - ozdoba w postaci żółwi. Głównym motywem dekoracyjnym staje się Rocaille. Ozdobę wykorzystuje się wszędzie – w obramowaniu okien, drzwi, przestrzeni ściennych wewnątrz domu, w abażurach.
Styl rokoko miał na celu wizualne zniszczenie konstrukcji domu. Wykorzystywano do tych celów wielkoformatowe obrazy i ogromne lustra. Aby optycznie powiększyć przestrzeń małych pomieszczeń, lustrzane powierzchnie umieszczono naprzeciw siebie, a dla zwiększenia ilości światła dziennego – naprzeciw okna. Aby usunąć wrażenie masywnych ścian i stropów oraz dodać wnętrzom lekkości, okna umieszczono niemal w tej samej płaszczyźnie co ściana.
Pomimo tego braku racjonalności w wykorzystaniu elementów architektonicznych i kapryśności, styl rokoko pozostawił po sobie wiele zabytków, które do dziś przyciągają swoją oryginalnością, luksusem i pogodnym pięknem. To Pałac Wersalski we Francji, Drezdeński Zwinger w Niemczech, Zimowy pałac i inne domy Rastrelli w Rosji. Rokoko przenosi nas w epokę różu, wybielania, much i pudrowanych peruk.
Paryż był już wówczas przeludniony i bardzo gęsto zabudowany, dlatego architekci nie mieli zbyt wielu możliwości tworzenia arcydzieł architektury. Główną troską i uwagą było otoczenie wnętrza lokalu, a także elementów i akcesoriów wyposażenia wnętrz. To w epoce rokoka po raz pierwszy pojawiła się idea wnętrza jako integralnego zespołu: stylistyczna jedność domu, wystrój ścian, sufitów i mebli.
Ze względu na pewne cechy historyczne i ówczesny światopogląd styl rokoko pozostawił najbardziej zauważalny ślad nie w dużych monumentalnych formach, ale w elementach wyposażenia wnętrz i akcesoriach. Rokoko to styl oparty na detalu. Bagatelle (francuski drobiazg, bibelot) staje się modnym słowem. To w epoce rokoka po raz pierwszy pojawiła się idea wnętrza jako integralnego zespołu: stylistyczna jedność domu, wystrój ścian, sufitów i mebli. Połączenie ażurowych form, skomplikowanych zdobień i przezroczystych, jasnych kolorów stworzyło odświętny, prawdziwie urzekający spektakl. Cała sztuka rokokowa zbudowana jest na asymetrii, która stwarza poczucie niepokoju, żartobliwej kpiny i pomysłowości.
Sufit, podłoga i ściany
Na początku XVIII wieku motywy barokowe ustąpiły miejsca stylowi regencji – w dekoracji pomieszczeń pojawiła się ułamkowa ornamentyka i skomplikowane zaokrąglone kształty. Mniej więcej w połowie stulecia regencja zetknęła się z rokokiem w całej jego wspaniałej okazałości.
W architekturze wnętrz pojawiają się cienkie płaskorzeźbione i sztukatorskie ramy, przeploty, wzory, loki, podarte kartusze, maski z głową kupidyna i groteski połączone z rocaillesami. Rocaille - muszla- to główny motyw, który nadał nazwę stylowi, używany jest dosłownie wszędzie: na półkach, ścianach, meblach, drobnych akcesoriach.
Cała architektura i dekoracje rokokowe mają na celu ukrycie cech konstrukcyjnych i zniszczenie samolotów. Na przykład płaszczyznę ściany od sufitu w stylu rokoko oddziela paduga – gładkie, półkoliste przejście, które plastycznie łączy oba elementy. To niepozorne przejście ozdobione jest cienką dekoracyjną płaskorzeźbą. W nowoczesnych warunkach jest to bardzo łatwe do wykonania przy użyciu płyt kartonowo-gipsowych, które można łatwo wyginać w dowolnym kierunku. Część ściany, która pozostała, została zamaskowana malowidłami, które niszczą samolot, a lustrami całkowicie go zniszczyły. Ponadto lustra muszą być ustawione tak, aby jedno odbijało się od drugiego.
W oryginale ściany pokrywały tkaniny jedwabne w połączeniu z zasłonami w oknach i zasłonami na drzwiach. Następnie przyszła kolej na tkaniny bawełniane i kraty papierowe. Gobeliny pierwotnie importowano z Chin lub Indii, później jednak zastąpiono je angielskimi i francuskimi, choć zachowały się orientalny smak. Mury czasami dzielono wysokościowo na dwie części. Podział ten odbywał się za pomocą paneli w formie „luster” lub według koloru. Na przykład góra jest monochromatyczna (jasnoniebieski, liliowy, różowy, szary ze złotem i srebrem), a dół pokryty jest kratą z ornamentem.
Same pomieszczenia mają przeważnie owalny lub okrągły plan. Większość otworów okiennych i drzwiowych, luster i paneli dekoracyjnych nad drzwiami również była okrągła lub owalna. Do dodatkowej dekoracji ścian, otworów drzwiowych i okiennych używano owalnych medalionów z girlandami i kokardkami, ozdób z girland, liter, owoców, wolut i zwojów, winiet itp., pokrywanych złoceniem lub malowanych w kolorze biały kolor.
Sufit jest monochromatyczny, ale z obowiązkowym dekorem zdobniczym: sztukaterią gipsową, elementami dekoracyjnymi malowanymi na biało lub pokrywanymi złotem. Zdobiono gzymsy, listwy, narożniki i abażury. Pośrodku sufitu znajduje się kopuła ozdobiona ozdobnymi gzymsami lub pomalowana na niebiesko.
Trochę o kolorze. Jeśli wnętrza barokowe gloryfikowano różnorodnością jasnych kolorów, to w rokoko priorytetem stały się stonowane, pastelowe kolory: perłowy, srebrny, blada ochra, masa perłowa i tym podobne. Modne były połączenia bieli i błękitu, bieli i jasnej zieleni czy różu.
Elementy mebli i ich cechy
Głównym elementem wnętrz był kominek, który był bardzo pięknie ozdobiony i zabudowany, z reguły niski. Na marmurowych płytach kominków umieszczono kandelabry, zegary i inne dekoracje. Lustra umieszczono w pięknych ramach na górnych partiach ścian. Warto jednak zauważyć, że lustra zawieszano także na innych częściach ścian. Dość często lustro umieszczano naprzeciwko okna, po obu stronach kominka, który ustawiano na tle pustych ścian. Rozwiązanie to pozwoliło jednocześnie cieszyć się widokiem płonącego kominka i zimowym widokiem z okna. Dekoracja sufitów i ścian nawiązywała do kształtu i wystroju mebli, łącznie z kolorystyką draperii i tkanin obiciowych. Idea wnętrza narodziła się w okresie rokoko, od tego czasu wnętrze uznawano za przestrzeń integralną, projektowaną w jednym stylu.
Jednym z inspiratorów stylu rokoko, który zyskał uznanie, był Włoch Just-Aurelius Meyssonnier. Osiadł w 1723 roku w Paryżu. W swoich specjalnościach był rzeźbiarzem, architektem i jubilerem, był także autorem wielu projektów wyrobów związanych ze sztuką zdobniczą i użytkową. To właśnie w tych wyrobach po raz pierwszy pojawiły się wspaniałe formy, tak charakterystyczne dla rokoka, jak na przykład asymetryczna muszla. Motywy takich muszli zaczęto stosować już w XVI wieku, a pod koniec XVII wieku kształt muszli stał się jeszcze bardziej dekoracyjny. Okres rokoko wyszczególnił go i przekształcił w wzór pnący, który składał się z różnych pędów, roślin i kwiatów, które rozprzestrzeniały się asymetrycznie.
Wyrafinowanie manier, a także kult kobiecy przede wszystkim odzwierciedlone w kształtach mebli. Pojawiły się nowości przeznaczone głównie dla kobiet: szafki narożne, biurka, sekretarzyki z pochylonymi tablicami składanymi, pudła kartonowe, toaletki ze składanymi lustrami, stoliki nocne okrągłe i prostokątne, a także różnego rodzaju stoły do pracy. Najbardziej ulubionymi meblami gabinetowymi były sekretarzyki i komody. Sekretarki miały wiele ukrytych schowków. W epoce rokoka, czyli epoce romansów, panował zwyczaj pisania sentymentalnych listów i wspomnień. Dlatego do przechowywania takich listów zaprojektowano ukryte schowki sekretarek.
Komoda (w tłumaczeniu z francuskiego oznacza wygodna) była wówczas uosobieniem wygody. Płaska pozostała tylko górna pokrywa, która z reguły była wykonana z marmuru, ale krawędzie pokrywy zostały obrobione falowo. Ściany były zakrzywione we wszystkich kierunkach i dzięki temu przybrały kształt pęczniejących ścian (Rosjanie nazywali takie formy komód „wybrzuszonymi”). Okładziny panelowe wykonano przy użyciu jasnych egzotycznych skał, które sprowadzono do Europy w XVII wieku. Najbardziej popularne były drzewa czerwone i różowe, amarantusy, palisander, palmy i inne. Jeśli chodzi o gatunki drzew europejskich, najczęściej wykorzystywano grusze, jabłonie, orzechy, cytryny i klony. Rzemieślnicy z Francji rzadko stosowali wypalanie i barwienie, preferując głównie naturalne kolory drewno
W tym czasie ukazały się albumy rycin z próbkami mebli nowego stylu, których autorami byli Jules Oppenor, Claude Gillot i Just Aurelius Meyssonnier. Jednak styl regencji był najwyraźniej widoczny w twórczości Charlesa Cressanta. Jego meble są wyrafinowane i wyrafinowane. Cressan udoskonala technikę intarsji – intarsji. Drewno zostało wstępnie wysuszone i przechowywane przez długi czas. Po sklejeniu zestawów zewnętrzne powierzchnie zwilżono gąbką i wodą, a następnie powierzchnie wewnętrzne szybko pokryty gorącym klejem. Następnie zestaw bardzo szybko wkładano na miejsce, a następnie dobijano młotkiem lub dociskano specjalną prasą. Czasami przy przyklejaniu zestawów do zakrzywionych powierzchni używano worków z gorącym piaskiem.
Motywami intarsji były kosze ze wstążkami i kwiatami, gałązki roślin, bukiety i inne. Dekorację wykonano na całej powierzchni, bez uwzględnienia projektu produktu. Komody posiadały zwykle dwie lub trzy szuflady, które za pomocą ozdób czyniono niewidocznymi.
W produkcja mebli Rzeźba w stylu rokoko nie była często używana, a jednocześnie znacznie wzrosła rola brązu. Z brązu pnącze i kwiaty pnące tworzyły nie tylko nakładki, ale także uchwyty. Niepozorne krawędzie obiektów stworzyły bardzo trwałą metalową ramę. Czasami zamiast licowania powierzchnię komód wykańczano kolorowymi lakierami, łącznie z dekoracją nakładkami z brązu lub złoconymi rzeźbami.
Zmiany dotknęły także kształty mebli wypoczynkowych. Nastąpiły zmiany w stronę elegancji i wygody. Pojawiły się funkcjonalne i wygodne meble, które odpowiadały prawdziwemu celowi, a nie tylko celom reprezentacyjnym. Wprowadzono nowe odmiany produktów: kanapki (były to sofy przypominające trzy połączone ze sobą fotele), bergeres (głębokie fotele) oraz szezlongi. Kontury produktów stały się faliste, nogi i ramiona nabrały gładkiej płynności i jeszcze bardziej zakrzywione. Kształty krzeseł nawiązywały do charakteru damskich garniturów (czyli szerokich legginsów), a mianowicie: podłokietniki w krzesłach wolnostojących zaczęły się szeroko rozkładać. Kanapy, szezlongi i fotele przybierały zupełnie nowy typ form i często nosiły fantazyjne nazwy: księżna, pasterka, markiza i inne.
Meble tapicerowane, które zostały ozdobione wykwintnymi tkaninami, pięknymi nie tylko kolorem, ale także designem, idealnie wpasowują się w całościowe wnętrze. Zgodnie z normami życia produkty zostały ułożone w małych grupach różne miejsca lokali, podczas gdy „środki ciężkości” zdawały się kształtować dla osób gromadzących się w takich pomieszczeniach. W oddzielnych grupach były stoły, sofy, krzesła i fotele.
Meble w stylu szarmanckiego stulecia są w modzie i na topie obecnie. Wielu producentów mebli dosłownie kopiuje dzieła starożytnych mistrzów. Cała seria zestawów do salonu, jadalni i sypialni trafia do sprzedaży pod nazwą Ludwika XV.
Tak więc w XVIII wieku przepych, wielkość i przestrzenność baroku ustąpiły miejsca elegancji i „kobiecości” rokoka. Za Ludwika XV wnętrza były znacznie wygodniejsze, wyróżniały się ogromną liczbą umiejętnie dobranych przedmiotów, ozdobionych podobnie jak ściany pomieszczeń dekoracjami z elementami rocaille. W kolorystyce dominują pastelowe kolory.
Stopniowo bujne i pompatyczne meble barokowe zastępują bardziej pomysłowe i wyrafinowane. Klasyczne motywy zdobnicze zastąpiono jasnymi arabeskami kwiatowymi. Kompozycja dekoru jest symetryczna i opiera się na swobodniejszym rozwiązaniu linii prostych i krzywoliniowych. Najważniejsze jest chęć rozpuszczenia szczegółów w ogólnej objętości obiektów.
Rokoko i nowoczesność
Ten styl jest nadal poszukiwany. W nowoczesnym wnętrzu w stylu rokoko warto zastosować reflektory punktowe, które stworzą dodatkową iluzję otwartej przestrzeni. Aby stworzyć nierealną i romantyczną atmosferę, dobrym pomysłem byłoby ukrycie oświetlenia na całym obwodzie pomieszczenia. Można zastosować lampy argonowe, montowane na specjalnej taśmie prowadzącej i ukryte w szerokich gzymsach sufitowych. Wystrój sufitów w korytarzach, salonach i jadalniach powinien być gęsty i złożony, natomiast w sypialniach i pokojach dziecięcych wręcz przeciwnie – skromny. Żyrandole umieść na środku klosza lub kopuły, dobrze, jeśli są z brązu, z wisiorkami kryształowymi lub żarówkami w kształcie świec. Podłoga w pokojach może być wyłożona płytkami lub parkietem. Listwy przypodłogowe są proste lub zakrzywione w zależności od profilu. Wysokość listew przypodłogowych jest dowolna.
Styl rokoko, w przeciwieństwie do wielu innych stylów historycznych, w pełni nadaje się do prawie wszystkich pomieszczeń. Naturalnie będzie bardziej organicznie pasować do salonu, sypialni i łazienki. Ale rokoko zmieści się w gabinecie, bibliotece, a nawet kuchni. To malowniczy, romantyczny i przytulny styl. Pomieszczenia muszą mieć ściśle symetryczny plan. To dziedzictwo klasycznych stylów należy również wziąć pod uwagę przy ustawianiu mebli. Centrum wnętrza stanowi niski kominek, pokryty płytą z białego i kolorowego marmuru, ozdobiony luksusowymi nakładkami z brązu. Nad kominkiem musi znajdować się duże lustro w złoconej ramie, a na kominku luksusowe przedmioty: zegary z pozłacanego brązu, kandelabry, wazony porcelanowe i nie tylko. W rokoku meble do siedzenia podzielono na „meble”, które umieszczano wzdłuż ścian, oraz „ruchome”, które umieszczano tam, gdzie zwykle gromadziło się społeczeństwo.
Zestaw elementów niezbędnych do wyposażenia składał się głównie z kompletu mebli tapicerowanych: krzeseł, foteli, kanap kanapkowych, parawanu kominkowego i parawanu. Najbardziej odpowiednim meblem do konserwacji jest lakierowana komoda z falowanym frontem. Zwykłe prostokątne szafki, a tym bardziej komody, nie nadają się do wnętrza w stylu rokoko. Buduar wymaga zalotnej toaletki. Do sypialni - romantyczne łóżko, najlepiej z baldachimem.
Dużo uwagi należy poświęcić oświetleniu. Jest dla nich tak wygodne, aby stworzyć intymną, romantyczną lub przytulną atmosferę. Głównymi rodzajami lamp są żyrandole, lampy podłogowe i kinkiety. Dobrze byłoby, gdyby kinkiety ścienne miały formę gipsowych muszli, kwiatów i misek.
Akcesoria
Pokój w stylu rokoko powinien przypominać pudełko z kosztownościami. Dlatego ignorowanie dodatków i próba stylizowania wnętrza na rokoko to rzeczy wzajemnie się wykluczające. Porcelanowe figurki, pudełka, wazony można postawić dosłownie wszędzie: na kominki, stoły, przybory specjalne-konsole, w szafach-góry. Dania powinny być lekkie i wyrafinowane. Materiały - szkło, porcelana, majolika, obróbka - złoto, srebro, lakier, malowanie. Nie rezygnuj z produktów wykonanych z pozłacanego brązu: kandelabrów, kinkietów, żyrandoli, zegarów ściennych i stołowych. Brąz złocony stosowano także w postaci nakładek na meble, porcelanę, wyroby ceramiczne, kamień i kości.
Wewnętrzną oprawę rokokowych wnętrz uzupełniały kraty, tkaniny i hafty. W gobelinach modne stały się tkaniny wzorzyste, aksamit, koronka oraz tkaniny przeplatane srebrnymi i złotymi nićmi. Bardzo ważnym szczegółem we wnętrzu są zasłony. Powinny to być zasłony dwu- lub trzywarstwowe. Jako materiały można zastosować płótna wykonane z tkanin żakardowych, brokatowych lub jedwabnych. W przypadku lekkich „francuskich” zasłon najlepszym kolorem jest biały, tkaniną jest cienki jedwab. Szeroko korzystaj z lambrekinów i krawatów, które powinny być spójne stylistycznie z głównymi rodzajami zasłon.
Pojawienie się chińskich przedmiotów w Europie spowodowane było zamiłowaniem do sztuki orientalnej. Czasami całe wnętrza dekorowano w stylu chińskim. Sztuka chińska stała się przedmiotem namiętnego kolekcjonowania. W pobliżu Chińska porcelana, panele lakierowe cieszą się coraz większą popularnością, ozdabiając ściany lub sprytnie montowane w europejskich meblach, obrazach, tkaninach jedwabnych przedstawiających sceny z Chińskie życie, pagody, palmy, parasole, papugi. Tę pseudochińską sztukę nazywano „chinoiserie” (francuski – chinoiserie – chiński).
Opisując rokoko, nie można pominąć porcelany miśnieńskiej. Odkrycie twardej porcelany w Europie należy do Johanna Friedricha Boettgera. Na jego zlecenie w Miśni uruchomiono pierwszą europejską manufakturę, która przyniosła Saksonii bezprecedensową światową sławę. Niemcy wymyślili nawet specjalne meble - witrynę do przechowywania i eksponowania naczyń. Oprócz pięknie ukształtowanych wazonów i naczyń, wizytówka Porcelana miśnieńska staje się mały plastik- dopracowano figurki przedstawiające sceny waleczne. Subtelnie i po mistrzowsku wymodelowane, pełne dynamiki, a jednocześnie niezwykle elastyczne, trafnie oddają wyobrażenie o epoce, która je zrodziła, urok pełnego wdzięku i frywolnego stylu rokoko.
Jest to zatem styl „dla tych, którzy rozumieją”, dla miłośników tego, co eleganckie, lekkie, czasem frywolne, a po części teatralne. Dlatego zastosowanie elementów sztuki rokokowej pozwala nadać wnętrzu nowoczesnego mieszkania niepowtarzalnego uroku. Buduar, sypialnia, salon, łazienka - każde pomieszczenie można stylizować w duchu rokoko, co nie wymaga ogromnych powierzchni, a wręcz przeciwnie, dodaje intymnego uroku luksusowi i wypełnia dom świąteczną lekkością.
Architektoniczne „obrazy” rokoka
Architektura traciła tendencję do reprezentacyjnych zespołów naśladujących Wersal. W miejscu XVII-wiecznego zamku dworskiego znajduje się kamienica, hotel, niewielka rezydencja francuskiej arystokracji, elity mieszczaństwa i zanurzonych w zielonych ogrodach zamożnych lichwiarzy. W rezydencjach i hotelach największych francuskich architektów rokokowych: Roberta Decotte, Gabriela, Boffranda, Oppenorda, Delmera, Meissonniera nie ma charakterystycznej dla klasycyzmu jedności rozwiązań bryły zewnętrznej i przestrzeni wewnętrznej; architekci często odchodzili od logicznej przejrzystości i racjonalnego podporządkowania części do całości. Zachowano jednak reprezentatywność i surowość XVII-wiecznego pałacu w fasadach hotelu. Dopiero szereg drobnych zmian złagodziło surowość obrazu architektonicznego. Detal rzeźbiarski zastosowany do dekoracji elewacji staje się bardziej wypukły i nabiera samodzielnego znaczenia, niepodporządkowanego już głównym liniom architektonicznym. Płaskie pilastry dużego rzędu zastąpiono wypukłymi półkolumnami, nadając ścianie bardziej malowniczy wygląd.
Hotel Soubise w Paryżu, zbudowany dla księcia de Soubise w latach 1705 - 1709, uważany jest za uderzający przykład rokoka. zaprojektowany przez Pierre'a Alexisa Delmera (1675-1745). Podobnie jak inne rezydencje, odgrodzony jest od sąsiednich ulic wysokim murem z luksusową bramą wjazdową. Z zewnątrz hotel jest surowy i klasyczny, jedynie kilka elementów konstrukcyjnych: wypukłe detale rzeźbiarskie i półkolumny zdobiące fasadę budynku odróżniają go od zabytków architektury poprzedniej epoki. Należy jednak zauważyć, że architektura rokokowa we Francji charakteryzuje się tym, że główna uwaga architekta skupiła się nie na zewnętrzu, ale na wnętrzu, więc główne zmiany wpłynęły przede wszystkim na wewnętrzny układ budynków.
Dużo jaskrawy, pełnowymiarowy przykład rozkwitu sztuki rocaille w architekturze dają nam Niemcy (największymi przedstawicielami rokoka są tu architekci Balthasar Neumann i Knobelsdorff), a przede wszystkim na terenach niezapotrzebowanych przez francuską tradycję. To w Niemczech powstały tak wyjątkowe zjawiska, jak letnia rezydencja rekreacyjna i rokokowa architektura sakralna - obszary, które nie otrzymały żadnej dystrybucji we Francji, choć to właśnie w nich wszystkie cechy formalne i możliwości estetyczne stylu pokazały się szczególnie przekonująco i wyczerpująco. Wreszcie, dzisiejszy region niemiecki zachował się największa liczba Zabytki rokokowe, dające najbardziej spójny i pełny obraz tej sztuki.
Najbardziej udanym przykładem niemieckiego rokoka jest rezydencja królewska Sans Souci, zbudowana przez architekta Wenzelausa Knobelsdorffa (1699-1753) na berlińskich przedmieściach Poczdamu dla króla Prus Fryderyka II. Nazwa Sans Souci została przetłumaczona z francuskiego jako „bez zmartwień”.
W odróżnieniu od wspaniałych rezydencji barokowych jest to kameralna, kameralna, niemal pawilonowa budowla, będąca niewielkim parterowym budynkiem składającym się z owalnej sali nakrytej niską kopułą i dwóch bocznych skrzydeł. Parkową fasadę pałacu z wystającą półrotundą pośrodku zdobią figury kariatyd i atlasy podtrzymujące gzyms. Umieszczone wzdłuż całej fasady parami pomiędzy wysokimi oknami atlasy Sans Souci ożywiają jedynie powierzchnię ściany. Tutaj rzeźba staje się „dekoracją” samą w sobie bezpośrednie znaczenie termin. Ogromne okna i drzwi elewacji parkowej, sprawiające, że ściana jest niemal przezroczysta, a klatki schodowe i tarasy płynnie schodzące do parku, tworzą wrażenie jedności. Dach pałacu otoczony jest elegancką balustradą, na której w pewnej odległości od siebie znajdują się cokoły, na których ustawione są wazony i posągi; Wszędzie ozdoba składająca się z loków przypominających liście roślin, girlandy kwiatowe i muszelki. Ten zabytek architektury wyróżnia się lekkością, żartobliwością, brakiem ścisłej symetrii, prostymi liniami, płaskimi powierzchniami i rygorystycznymi porządkami. Pałac spektakularnie wznosi się na wielostopniowym tarasie schodzącym do umiejętnie zaplanowanego przez Knobelsdorffa parku. Osiowa, regularna kompozycja parku, sięgająca epoki baroku, łączy się tu z bardziej kameralnymi, krajobrazowymi obszarami.
Kolejnym znaczącym zabytkiem epoki jest Pałac Amalienburg pod Monachium (Bawaria), zbudowany przez pochodzącego z Francji architekta Francois Cuvilliera (1695-1768) i jest jeszcze skromniejszy pod względem wielkości niż rezydencja króla pruskiego. Ten niewielki budynek jest przykładem surowego i powściągliwego francuskiego gustu.
Pałac Wersalski
architektura wnętrz w stylu rokoko
Rokokowy pałac w Wersalu został zbudowany przez Ludwika XIII jako pałac myśliwski. Od 1661 roku „Król Słońce” Ludwik XIV zaczął rozbudowywać pałac, aby wykorzystać go na swoją stałą rezydencję, gdyż po powstaniu Frondy mieszkanie w Luwrze zaczęło mu się wydawać niebezpieczne.
Architekci André le Notre i Charles Lebrun odnowili i rozbudowali pałac w stylu barokowym i klasycystycznym. Całą fasadę pałacu od strony ogrodu zajmuje wielka galeria (Galeria Luster, Galeria Ludwika XIV), która zachwyca swoimi obrazami, lustrami i kolumnami. Oprócz niej na uwagę zasługują także Galeria Bitewna, kaplica pałacowa i teatr pałacowy.
Do dziś zachowały się wszystkie relacje związane z budową pałacu. Kwota uwzględniająca wszystkie wydatki wynosi 25 725 836 liwrów (1 liw odpowiadał 409 g srebra), co w sumie stanowiło 10 500 ton srebra, czyli 456 milionów guldenów za 243 g srebra.
Konwersja na nowoczesną wartość jest prawie niemożliwa. Biorąc pod uwagę cenę srebra wynoszącą 250 euro za kg, budowa pałacu pochłonęła 2,6 miliarda euro. Bazując na sile nabywczej ówczesnego guldena wynoszącej 80 euro, budowa kosztowała 37 miliardów euro.
Porównując koszt budowy pałacu do budżetu państwa Francji w XVII wieku, współczesna suma wynosi 259,56 miliarda euro. Wydatki te rozłożono na 50 lat, podczas których miała miejsce budowa Pałacu Wersalskiego, ukończona w 1710 roku.
Miejsce przyszłej budowy wymagało ogromnych prac wykopaliskowych. Rekrutacja robotników z okolicznych wsi była trudna. Chłopi zostali zmuszeni do zostania „budowniczymi”. Aby zwiększyć liczbę robotników przy budowie pałacu, król zakazał wszelkich prywatnych budów w okolicy. Pracownicy byli często importowani z Normandii i Flandrii. Prawie wszystkie zamówienia były realizowane w drodze przetargów, a wydatki wykonawców przekraczające pierwotnie wskazane nie zostały poniesione. W czasach pokoju w budowę pałacu zaangażowane było także wojsko. Minister finansów Jean-Baptiste Colbert zwracał uwagę na oszczędność. Przymusowa obecność arystokracji na dworze była dodatkowym środkiem ostrożności ze strony Ludwika XIV, który w ten sposób zapewnił pełną kontrolę nad działalnością arystokracji. Dopiero na dworze można było zdobyć stopnie lub stanowiska, a ci, którzy odeszli, tracili przywileje.
To, co dziś wielu wydaje się niewiarygodnym luksusem i marnotrawstwem, zostało zbudowane tak tanio, jak to możliwe, dlatego wiele kominków później nie działało, okna się nie domykały, a życie w pałacu zimą było wyjątkowo niewygodne. Arystokracja, z wyjątkiem bliskich krewnych rodziny królewskiej, musiała mieszkać w wąskich szafach pod dachem.
Park krajobrazowy Pałacu Wersalskiego jest jednym z największych i najważniejszych w Europie. Składa się z wielu tarasów, które zmniejszają się w miarę oddalania się od pałacu. Kwietniki, trawniki, szklarnia, baseny, fontanny, a także liczne rzeźby stanowią kontynuację architektury pałacowej.
Z tego wszystkiego możemy wywnioskować: styl rokoko, który znacznie wyraźniej objawił się w architekturze Niemiec, charakteryzujący się lekkością, zabawą, pragnieniem małych form, brakiem ścisłej symetrii, prostych linii, ścisłych porządków, przeciwstawia się barokowi z jego ciężką pompatycznością i zimną pompą.
Wniosek
Sztuka rokokowa, korzystając z dorobku poprzednich epok (zwłaszcza baroku), nie wprowadza do architektury zasadniczo nowych elementów konstrukcyjnych, a jedynie ulepsza te już istniejące. Styl charakteryzuje się lekkością, wdziękiem i zalotnymi nutami. Rokoko ukazuje hedonistyczny nastrój ówczesnej arystokracji, chęć ucieczki od rzeczywistości w iluzoryczny świat teatralnej zabawy.
Wystrój i ozdoby skrywają design mebli i ogólnie architekturę. Budynki w stylu rokoko są jeszcze bardziej dekoracyjne i luksusowe niż w epoce baroku.
Filozofię rokoko wyznaczyli ulubieńcy króla: markiza de Pompadour, Maria Leshchinskaya, Madame DuBarry. Głównymi wartościami czasu są świętowanie, wyrafinowana przyjemność i miłość.
Większość budynków rokokowych to prywatne domy arystokratycznej elity Francji i wiejskie pałace. Dwór oddzielał od miasta wysoki płot. Pokoje rozmieszczone były asymetrycznie i były małe, z niskimi sufitami. Wnętrza były bogato zdobione rzeźbami, rzeźbami, obrazami i ogromną liczbą luster. Pomieszczenia są przytulne. Intymność tworzą niewielkie rozmiary pomieszczeń i wyjątkowy wystrój. Motywy egzotyczne (najczęściej orientalne) zyskują na znaczeniu w rokoku.
Logicznie kontynuując barok, rokoko odrzuca ciężkie formy na rzecz lekkości i wdzięku.
W porównaniu z poprzednimi epokami zmieniają się także schematy kolorów. Ciemne kolory ze złotymi wykończeniami ustępują miejsca jasnym: architektura rokokowa zaskakuje różowymi, zielonymi i niebieskimi detalami w połączeniu z bielą. Istotne są również spokojne pastelowe kolory.
Styl rokoko jest bogaty w fantazyjne ozdoby. Nie myśli o stosowności form, ich organicznym połączeniu czy symetrii. Kształty dobierane są losowo. Jednak pomimo nielogiczności i nieporządku, styl ten pozostawił znaczący ślad w historii architektury i na nią wpłynął. dalszy rozwój.
Budowa takich pałaców wymagała znacznych nakładów finansowych, ale rokoko nie skąpiło na bogatej dekoracji i dekoracji, w wyniku czego ucierpiała jakość: niedziałające kominki i wadliwe okna nie były wówczas rzadkością.
W rokoku znikają proste linie i płaskie powierzchnie. Zmieniają kształty i rozmiary, zdobione są malowidłami, złoceniami, tkaninami dekoracyjnymi, lustrami, kamieniami, asymetrycznym modelowaniem i figurami rzeźbiarskimi. Wystrój staje się manieryczny, wyrafinowany i podkreślony złożony wygląd. Pokoje przypominają pudełka na biżuterię. We wnętrzu nie liczy się przepych i majestat, ale wygoda.
Najbardziej wybitny zabytki architektury Rokoko to Pałac Charlottenburg w Berlinie, Petit Trianon w Wersalu i zespół trzech placów w mieście Nancy.
Bibliografia
1.Bazin J. Barok i rokoko. - M.: VESTA, 2008.
.Własow V.G. Style w sztuce. - Petersburg: Terra, 2005.
.Ogólna historia sztuki w sześciu tomach. T.4. Sztuka XVII – XVIII wieku / wyd. Yu.D. Kolpinsky i E.I. Rotenberga. - M.: Sztuka, 2005.
.Gnedich P.P. Historia Świata sztuka - M.: Szkoła Wyższa, 2006.
.Danilova G.I. Światowa kultura artystyczna: od XVII wieku do współczesności. 11 Klasa - M.: Drop, 2008.
.Daniel S.M. Rokoko: od Watteau do Fragonarda. - St. Petersburg: Klasyka ABC, 2007.
.Dmitrieva N.A. Krótka historia sztuki. - M.: Drop, 2009.
.Emokhonowa L.G. Światowa kultura artystyczna: podręcznik dla klasy 11. - M.: Akademia, 2008.
.Kultura artystyczna Europy Zachodniej./ Wyd. W. N. Prokofiew. - M.: Nauka, 2008.
.Historia świata kultura artystyczna: Podręcznik dla dzieci w wieku szkolnym. - M.: Drop, 2006.
.Livanova T.N. Historia kultury zachodnioeuropejskiej. - M., 2009.
.Livshits I. Sztuka XVIII wieku. - M.: Wydawnictwo AST, 2006.
.Lyubimov L.D. Sztuka Europy Zachodniej. - M.: Szkoła Wyższa, 2007.
.Nowy słownik encyklopedyczny. Sztuka. W 10 tomach. - St. Petersburg: Klasyka ABC, 2008.
.Chołodowa L.P. Koncepcje współczesna teoria architektura. - Jekaterynburg: Architecton, 2008.
.Shelegovich I.M. Fenomen artystyczny rokoka w kontekście ewolucji stylistycznej architektury europejskiej XVIII wieku. - Petersburg, 2003.
.studio.lifehouse.ru. Style architektury.
.pl.wikipedia. Styl architektoniczny.
Korepetycje
Potrzebujesz pomocy w studiowaniu jakiegoś tematu?
Nasi specjaliści doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Prześlij swoją aplikację wskazując temat już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.
Wyświetlenia: 5194
Styl rokoko urodzony we Francji w latach 20 lata XVIII wieki. Jego rozwój rozpoczął się w epoce regencji, ale rozkwitł za panowania Ludwika XV. Po pierwsze, objawia się to w architekturze, zwłaszcza w nowych trendach w wystroju wnętrz pałaców i modnych domów szlacheckich, które zastępują uroczystą, reprezentacyjną dekorację sal Pałacu Wersalskiego za czasów Ludwika XIV. Uroczysty wystrój wnętrz, w którym główną rolę odgrywają surowe linie porządku, stopniowo ustępuje miejsca wyrafinowanym, fantazyjnym, falistym konturom. Motyw zajmuje w nich ważne miejsce rocaille, czyli stylizowana muszla otoczona splotem misternie zakrzywionych loków.
Francuskie słowo rocaille(dosł. kruszony kamień) oznaczało sztuczne skały pokryte muszlami, które od renesansu wykorzystywano do tworzenia fontann i grot w parkach.
Od tego słowa wywodzi się sama nazwa stylu, natomiast termin rokoko pojawia się dopiero w XIX wieku. Początkowo we Francji nazywano go „stylem Pompadour” na cześć słynnej faworytki Ludwika XV, Madame de Pompadour, co wiązano z jej znaczącą rolą w rozwoju nowego smaku i nowego kierunku w sztuce.
Charakterystyczną cechą rokoka jest odrzucenie uroczystych amfilad z epoki Ludwika XIV i utworzenie mniejszych, wygodniejszych i komfortowych pomieszczeń, spełniających naturalne potrzeby osoba. Rokoko, pozostając przede wszystkim stylem wyposażenia wnętrz bogatego domu, rzadko objawia się w pełni w samej architekturze. Najlepszym przykładem wnętrza skalnego są sale i pomieszczenia hotelu Soubise w Paryżu, stworzone przez Germaina Beaufrana (1738-1739).
Jasne panele ścienne ze złoconymi obramowaniami, lustrami, złoconymi stiukowymi lampami sufitowymi, girlandami złotych kwiatów uginającymi się na białej powierzchni ścian tworzą wrażenie świątecznego, luksusu i zwiewnej lekkości.
Przestrzeń jest bogato zdobiona malowidłami umieszczonymi na niewielkich powierzchniach na ścianach, sufitach i nad drzwiami o skomplikowanych, misternych kształtach. W tworzeniu malowniczego wystroju Hotelu Soubise wzięli udział najlepsi artyści rokoko - Francois Boucher, Charles-Joseph Natoire,Carla Van Loo. Do fabuły wybrano sceny miłosne z Owidiusza, Apulejusza, La Fontaine i galanteryjne uroczystości.
Potrzeba dekorowania wnętrz bogatych” hotele” – prywatne domy szlacheckie – aktywnie budowane w Paryżu i innych miastach kraju, stymulują szybkie rozprzestrzenianie się stylu rokoko w sztuce dekoracyjnej i użytkowej. W meblach i porcelanie epoki Ludwika XV szczególnie widoczne jest bogactwo, elegancja i fantazja jej form. Słynna fabryka porcelany Sèvres pod Paryżem, której rzeźbiarz był przez pewien czas dyrektorem Falcone, autora Jeźdźca miedzianego w Petersburgu, jest jednym z najbardziej znanych ośrodków produkcji porcelany rokokowej.
W malarstwie, obok motywu miłości, który często nabiera konotacji erotycznej, aktywnie wykorzystywane są motywy Chinoiserie i Turquerie, przedstawiające wyimaginowany, bajeczny wschód.
Zainteresowanie egzotyką, niezwykłością, w czym coraz częściej zaczyna się przejawiać kultura europejska, staje się ważnym elementem sztuki rokokowej. Malarstwo Rocaille wyróżnia się barwnością i jasnymi efektami kolorystycznymi. W ten sposób zostaje rozwiązana walka między „poussinistami”, wielbicielami Poussina, upierającymi się przy prymacie rysunku nad kolorem, a „Rubensistami”, zwolennikami Rubensa, która ogarnęła Akademię Francuską na przełomie XVII i XVIII wieku rokoko na rzecz koloru i bogactwa koloru, ale sama konfrontacja „poussinistów” z „rubensystami” w XVIII wieku przekształciła się w spór między „starożytnymi” a „nowoczesnymi”. Pod tym względem kultura rokokowa, próbując stworzyć bardziej naturalne, wygodne i organiczne środowisko dla ludzi, jest zgodna z ideami „nowoczesnych”.
Z Francji rokoko rozprzestrzeniło się na inne kraje europejskie. Najbardziej znaczącymi ośrodkami są katolickie regiony południowych Niemiec i Austrii. Wnętrza kościoła autorstwa bawarskiego architekta Dominika Zimmermana w Wies koło Monachium i Baltazara Neumanna w Würzburgu pozostają wybitne przykłady rokoka poza Francją. Godnym uwagi przykładem architektury rokokowej, ogrodnictwa krajobrazowego i sztuki zdobniczej jest zespół pałacowy San Souci w Poczdamie (Niemcy), zbudowany przez króla Prus Fryderyka Wielkiego.
Od lat sześćdziesiątych XVIII wieku styl rokokowy został zastąpiony rodzącym się neoklasycyzm.
Nowe sprzeczności społeczne, nowe problemy nieodłącznie związane z epoką kapitalizmu doprowadziły do rewolucji w europejskiej kulturze i myśli społecznej, która zaznaczyła się w pierwszych dekadach nowego XIX wieku.
Wiek XVIII, poszerzając i pogłębiając dorobek poprzedniej epoki, wniósł wiele nowego do rozwoju sztuki w krajach europejskich. Zmiany wywarły na niego znaczący wpływ życie publiczne, wzmocnienie stosunków kapitalistycznych i ostateczny rozpad systemu feudalnego. Filozofia Oświecenia, która szybko rozprzestrzeniła się w całej Europie, aktywnie wpływała na życie duchowe ludzi nawet w najbardziej odległych krajach. W świetle nowych poglądów na świat, społeczeństwo, człowieka, zrewidowano stare wartości duchowe, upadły tradycyjne wierzenia i idee. Zasada świecka zatriumfowała we wszystkich sferach kultury i sztuki. W architekturze dominowała inżynieria lądowa, a tendencje realistyczne zyskały nowe siły w malarstwie. Rozwijały się gatunki świeckie – portret, pejzaż, martwa natura, przedstawienia życia codziennego. Malarstwo religijne nabrało charakteru świeckiego, zatracając zazwyczaj swą dawną powagę i głębię uczuciową.
Wiek XVIII przeszedł do historii jako Wiek Rozumu i rzeczywiście chęć poddania wszystkiego kontroli i osądowi rozumu stała się dominującym trendem w światopoglądzie tamtej epoki. Nie oznaczało to jednak tłumienia żywych uczuć w sztuce tamtych czasów. Krytyczne rozumienie świata często łączyło się u niego z wyrafinowaną poezją, ironią z marzycielstwem i dziwaczną grą wyobraźni.
W XVIII wieku ukształtowało się nowe podejście do człowieka, znaczenie jednostki częściej niż dawniej okazywało się niezależne od prerogatyw klasowych. Poszukiwanie nowych wartości duchowych często odbywa się w sferze Prywatność. Idea „człowieka naturalnego” okazuje się nierozerwalnie związana z ideą równie naturalnych uczuć. Artyści, podobnie jak pisarze, coraz bardziej interesują się intymnym życiem duchowym konkretnej osoby. Zagłębiają się w świat subtelnych i złożonych emocji, dostrzegają nieskończoną różnorodność indywidualnych przejawów osobowości. Sztuka, zwłaszcza malarstwo, z jednej strony staje się coraz bardziej wyrafinowana i wyrafinowana, a z drugiej strony nabiera bardziej intymnego, kameralnego charakteru. Wiek XVIII to czas szczególnego rozkwitu sztuki sztalugowej. I choć malarstwo i rzeźba monumentalna wciąż się rozwijają, to tylko w nielicznych przypadkach osiągają dawną skalę i znaczenie. Otwierając nowe możliwości rozwoju sztuki, artyści XVIII wieku stopniowo tracili uniwersalny zakres zasięgu zjawisk światowych, charakterystyczny dla wielkich mistrzów renesansu i XVII wieku.
Sztuka rokokowa rozwinęła oryginalne techniki przedstawiania porównywalne z drobnymi formami mowy naturalnej. W języku malarstwa widać sentymentalizm i chęć dotykania drobiazgów. Nawet ulubiony format rokokowy – owal – świadczy o tej skłonności. Przy stosunkowo niewielkich rozmiarach płócien efekt intymności przedstawionych staje się pełny. Obraz olejny Często porównywany jest do pasteli i nieprzypadkowo ta delikatna technika rozkwitła właśnie w epoce rokoka.
Nieodłączną cechą malarstwa rokokowego jest pewna intrygująca dwoistość, o czym tak wyraziście świadczy „gatunek waleczny”, czyli portret. Malarz prowadzi z widzem grę, w której wzajemne zrozumienie wspierane jest językiem podpowiedzi. Półobrót, lekki gest, ledwo zauważalny ruch twarzy, półuśmiech, rozmazane spojrzenie czy wilgotny błysk w oczach - z takich gradacji tkane są obrazy przedstawicieli „dzielnego” stulecia. Od wyrafinowanego Watteau po Bouchera język ten jest przekazywany Fragonardowi. W ulubionych motywach Fragonarda zawsze pojawia się pewien efekt przemijania: artysta zdaje się chwytać moment, w którym zalotne „ach!” czy coś takiego. Malarstwo Fragonarda to język wykrzykników.
Setki tysięcy obrazów, których nominalnymi bohaterami są te same postacie mitologiczne: Wenus, Kupidyn, Mars, Adonis, Bachus, Diana, Actaeon, Jowisz, Europa, Apollo, Daphne, Ariadna, Psyche, nimfy, satyry, bachantki - wszystkie ten zestaw obrazów reprezentuje jeden obiekt i dąży do jednego celu. Tym tematem i celem jest miłość jako przyjemność zmysłowa. Przemienić nagość, a przede wszystkim nagie kobiece ciało, w wyrafinowaną ucztę dla oka i kierowanych przez nią intymnych uczuć – oto malarstwo francuskie Wiek XVIII odniósł sukces jak żaden inny. Warto porównać którąkolwiek ze scen mitologicznych Poussina z podobnymi scenami z Bouchera, Vanloo czy Natoire’a, aby przekonać się o metamorfozie gatunku, który kształtował się pod znakiem Miłości. Obraz Karla Vanloo „Jowisz i Antiope” (ok. 1753; St. Petersburg, Ermitaż) został namalowany do kolekcji o tematyce erotycznej (Cabinet de nudites) zamówionej przez markiza de Marigny, brata markizy Pompadour. Kompozycja jest skonstruowana w taki sposób, aby oko widza miało możliwość zaspokojenia erotycznej ciekawości, a nie pożądliwego satyra-Jowisza. Jeszcze bardziej wymowny w tym sensie jest obraz Herkulesa w interpretacji Francois Bouchera („Herkules i Omphale”, lata 30. XVIII w.; Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina). Największy grecki bohater ukazany jest jako kochanek odurzony namiętnością. Splecione ciała, splecione dłonie, zachłannie pijące sobie usta – rozpalony erotyzm sceny wyznacza pewną granicę tego, co możliwe, osiągane przez sztukę rokoko.
Sztuka XVIII wieku jest niezwykle różnorodna i sprzeczna. Różnice pomiędzy poszczególnymi szkołami były bardzo znaczne, w obrębie każdej szkoły toczyła się walka nurtów i nurtów, a czasem w twórczości jednego artysty ujawniały się sprzeczności. Dlatego nie było jednego stylu, który połączyłby wszystkie sprzeczne poszukiwania epoki. Dopiero przy dużej dozie konwencji można wyróżnić na początku i w połowie stulecia późny barok jako decydujący nurt stylistyczny, który niemal wszędzie wyrodził się w rokoko. W drugiej połowie stulecia dominującym trendem stał się klasycyzm.
Sztuka XVIII wieku była jednocześnie ważnym etapem rozwoju realizmu. W niektórych krajach, szczególnie w Anglii, pojawiały się elementy realizmu krytycznego, będące odzwierciedleniem postępowych poglądów przedstawicieli stanu trzeciego.
W porównaniu z okresem poprzednim, w XVIII w. proporcje te uległy zmianie różne sztuki w ogólnej strukturze życia kulturalnego i artystycznego. Malarstwo w wielu krajach ustąpiło miejsca muzyce i literaturze, wzrosła rola teatru, mającego znaczący wpływ na sztuki piękne.
Rozwój wielu szkół narodowych trwał nadal, ale sztuka różne kraje rozwijały się nierównomiernie. Niektóre z wiodących szkół, które niedawno osiągnęły świetny szczyt, zniknęły ze sceny. Tym samym Flandria i Holandia nie proponują już zjawisk artystycznych, które mogłyby rościć sobie pretensje do znaczenia europejskiego. Dotyczy to w dużej mierze także Hiszpanii, gdzie odrodzenie kultury narodowej nastąpiło dopiero w ostatniej ćwierci XVIII wieku. We Włoszech oryginał i duże dzieła tworzony głównie wyłącznie przez szkołę wenecką.
Inne kraje przeżyły jasny rozkwit kultury i sztuki, a przede wszystkim Francja, która już pod koniec XVII w. wartość wiodąca w życiu artystycznym Europy. angielska szkoła po raz pierwszy od średniowiecza zaczęła odgrywać znaczącą rolę w rozwoju sztuki światowej. Po długim upadku architektura, rzeźba i malarstwo w Niemczech, Austrii, Polsce i Czechach zaczęły się odradzać. Koniec XVIII wieku przyniósł szereg znaczących osiągnięć w sztukach wizualnych Stanów Zjednoczonych Ameryki.
Rozwój krajów europejskich pociągnął za sobą zacieśnienie więzi między nimi. Nasiliła się intensywna wymiana gospodarcza stosunki kulturalne. Nowe idee artystyczne szybko stały się własnością malarzy, rzeźbiarzy i architektów we wszystkich zakątkach Europy. Rzym, który w pewnym stopniu zrezygnował ze swojej roli stolicy europejskiej świat sztuki Paryż jednak zachowuje znaczenie majora Centrum Kultury, gdzie gromadzili się ludzie sztuki z całego świata, gdzie wymieniano poglądy i rodziły się nowe idee artystyczne. Znaczenie Rzymu stało się szczególnie widoczne od połowy XVIII wieku, kiedy wzrosło zainteresowanie dziedzictwem starożytnym i rozpoczęto jego systematyczne badania. Największym stał się Rzym Centrum edukacyjne dla młodych ludzi swoje filie miało tam wiele akademii czołowych krajów.
W kontakcie z
Styl Rocaille we Francji. Salony arystokratyczne, koneserzy wyrafinowania i precyzji w sztuce. Sceny pasterskie i rozwój motywów arkadyjskich w malarstwie Watteau i Bouchera. Portret ceremonialny. Wyrafinowany erotyzm, dbałość o pikantne szczegóły, zabawne dwuznaczności. Pastelowe kolory, półprzezroczyste kolory, gra odcieni. W. Hogarth i realizm edukacyjny. Satyryczny i moralizujący cykl rycin Hogartha. Malarstwo J.-B. Chardin. Kompozycja obrazów rodzajowych i martwych natur Chardina.
Sztuka Europy Zachodniej w XVIII wieku
W połowie XVII wieku zmarli wszyscy „wielcy starcy”: w 1660 r. - Velazquez, w 1665 r. - Poussin, w 1669 r. - Rembrandt, a przede wszystkim - w 1640 r. - Rubens. „Wielki wiek”, który zastąpił „wielkich starców”, „wielki styl Ludwika XIV”, to wspaniała, majestatyczna, wymowna sztuka, która nie ma nic wspólnego z wysoką duchowością. Zastępuje ją kameralna sztuka salonów arystokratycznych – rokoko, sztuka absolutnie świecka (choć często zwraca się ku wizerunkom Pisma Świętego) – jeden z przejawów procesu sekularyzacji całej kultury XVIII wieku.
Wiek XVIII nazywany jest zwykle wiekiem Oświecenia, chociaż w rzeczywistości jego ideały ukształtowały kulturę i sztukę dopiero od drugiej połowy stulecia. Proces ten zbiegł się z poznaniem pierwszych wykopalisk archeologicznych w starożytnych miastach Herkulanum, Stabiae i Pompeje, których kulminacją było słynne dzieło Winckelmanna i późniejsza nowa fala klasycyzmu (neoklasycyzm).
Sztuki piękne XVIII wieku w najlepszych dziełach charakteryzują się analizą najsubtelniejszych ludzkich doświadczeń, reprodukcją niuansów uczuć i nastrojów. Intymność, liryzm obrazów, ale także analityczna obserwacja (czasami bezlitosna) to cechy charakterystyczne sztuki XVIII wieku. zarówno w gatunku portretu, jak i w malarstwie codziennym.
Rozwój sztuki europejskiej XVIII wieku. złożone i nierówne. We Włoszech pozbawionych jedności narodowej kojarzone są najwyższe osiągnięcia szkoła wenecka. We Francji, która już zdecydowanie stała się prawodawcą nowych trendów artystycznych, można prześledzić ewolucję od rokoka do sztuki o orientacji programowej i obywatelskiej. W sztuce, a zwłaszcza w literaturze Anglii, zarysowały się już charakterystyczne cechy realizmu w rozwiniętym społeczeństwie burżuazyjnym. Młody Goya w Hiszpanii całą swoją kreatywnością zasadniczo przygotował romantyzm nowego stulecia.
Sztuka francuska XVIII wieku
Wraz z początkiem nowego, XVIII wieku, proces rozkładu francuskiej monarchii absolutnej stał się dość oczywisty. Król przestaje być jedynym odbiorcą dzieł sztuki, a dwór – jedynym kolekcjonerem. Pojawiły się prywatne kolekcje i salony. Na wiele dziesięcioleci Francja stała się centrum życia artystycznego Europy Zachodniej. W pierwszej połowie XVIII wieku, kiedy proces wypierania kultury religijnej z kultury świeckiej był tak aktywny, rokoko stało się wiodącym ruchem we Francji. Rokoko jest wytworem kultury wyłącznie świeckiej, a tym bardziej dworskiej, francuskiej arystokracji, sztuka jest bardziej kameralna, intymna, ściślej związana z życiem codziennym, bardziej szczera.
To nie przypadek, że świat miniaturowych form znalazł swój główny wyraz w sztuce użytkowej – w meblach, naczyniach, brązie, porcelanie oraz w architekturze, głównie we wnętrzach (z wyjątkiem Niemiec i Austrii. Przykładem jest Sans Souci Pałac w Poczdamie, architekt G. W. Knobelsdorff, 1745-1747), gdzie teraz liczyło się nie to, co wspaniałe i okazałe, ale przyjemne i wygodne. Pałace miejskie szlachty, bogatej mieszczaństwa - „hotele” budowane w tym okresie z reguły mają ściśle klasyczny wygląd. Wewnątrz ściany podzielone są na płyciny, wnęki i są bogato zdobione malowidłami, sztukaterią, złoceniami, drobnymi tworzywami sztucznymi, tkaninami dekoracyjnymi, brązem, porcelaną i lustrami. W modzie stają się stylizacje inspirowane Wschodem: Chinami („chinoiserie”), Japonią („japonese”), Turcją („turquerie”). Kształty są ułamkowe, ażurowe, ornament jest skomplikowany, zbudowany na zakrzywionych liniach, kolory paneli malarskich czy obrazów sztalugowych są przejrzyste i lekkie. Za frywolnością, dowcipem i drwiącą ironią rokoka kryły się także myśli o losie człowieka, o sensie istnienia.
Zwiastunem tego kierunku w sztuce, ale także (jak to bywa u każdego wielkiego mistrza) zjawiska o wiele głębszego, nie mieszczącego się w ramach żadnego jednego kierunku, był artysta Jean Antoine Watteau (1684-1721), który stworzył własne unikalny obraz w sztuce. Watteau znalazł siebie, swój temat, kiedy przybył do Paryża: są to tak zwane galanteryjne uroczystości - arystokratyczne towarzystwo w parku, grające muzykę, tańczące, bezczynne; malarstwo, w którym pozornie nie ma akcji i fabuły – sceny z beztroskiego życia, przekazane z wyrafinowanym wdziękiem. Wszystko to widziane jakby z zewnątrz przez subtelnego, nieco ironicznego obserwatora („Kapryśność”)
z nutą melancholii i smutku („Święto miłości”, „Towarzystwo w parku”, „Trudna propozycja”). Kolorystyka Watteau – jedna z najmocniejszych cech jego talentu – zbudowana jest na subtelnych niuansach odcieni szarości, brązu, bladoliliowego, żółto-różowego (zawsze mieszanego). W 1717 roku artysta stworzył jedno ze swoich największych dzieł „Pielgrzymka na wyspę Cythera” (Kythera). Panowie i Panie udają się na wyspę miłości.
François Boucher (1703-1770) stał się prawdziwym przedstawicielem francuskiego rokoka, gdyż w jego sztuce hedonizm rokoka, dochodzący do frywolności, surowości, pogardy dla konstruktywnej, racjonalnej, rozsądnej, a także całej wyrafinowanej kultury epoki „język rocaille” zostały w pełni wyrażone.
Galanteryjne uroczystości, sielankowe sielanki, motywy mitologiczne, gatunkowe, religijne, pejzaż – rozgrywane na wzór współczesnego pastorału, wszystko wyraża szczerze zmysłową radość życia. Sztukę Watteau i Bouchera w drugiej połowie stulecia, kiedy ideały rokoka, a także sam odbiorca tej sztuki, doczekały się już bezlitosnego wyroku, kontynuował genialny mistrz, malarz-improwizator, artysta rzadkiego talentu, wrażliwości, wyobraźni, temperamentu Jean Honore Fragonard (1732-1806 ). Głównymi atutami jego malarstwa były światło i powietrze. Będąc na emeryturze w Rzymie, malował tam wille i parki, po powrocie do Paryża malował huczne uroczystości, obrazy codziennego życia, idylliczne sceny rodzinne, wątki historyczne i literackie, martwe natury i płótna dekoracyjne. („Szczęśliwe możliwości huśtawki”, 1768,
„Ukradkowy pocałunek”, lata 80.).
Upodobania te miały jednak wkrótce ulec zmianie pod wpływem nowych poglądów estetycznych, które zwiastowały nadejście nowej ery.
Oświecenie jako ruch ideologiczny zapoczątkowany w Anglii, kształtuje się we Francji od lat 40. XVIII wieku. Wzorem do naśladowania nie jest już Rzym, który był ideałem dla artystów renesansu i klasycystów XVII wieku, ale Hellas, ponieważ w sztuce greckiej jest więcej ciepła, szczerości i poezji. Angielski park krajobrazowy, pozornie nietknięty ludzką ręką, staje się modny, zupełne przeciwieństwo francuskiego regularnego.
Petit Trianon w Parku Wersalskim (Jacques Ange Gabriel, 1763-1764), ze swoją klasyczną prostotą podziałów - szerokość fasady jest dwukrotnie większa od wysokości, pierwsze piętro jest dwukrotnie wyższe od drugiego itd. - w jego figuratywny projekt jest także strukturą bardzo liryczną, intymną, zgodnie z jej przeznaczeniem. Ale już w kościele św., rozpoczętą rok później (1764) przez architekta J. J. Soufflota w Paryżu. Genevieve (od 1791 - Panteon, miejsce pochówku znanych osobistości Francji)
zasada bohaterstwa nasila się. A w przyszłości, w twórczości Claude'a Nicolasa Ledoux, rozwinie się ta bohaterska linia nowego kierunku klasycystycznego (Paryska placówka de la Villette).
Zatwierdzenie idei edukacyjnych przyszło ze strony trzeciego stanu, który wkroczył na arenę historii i zadeklarował się w sztuce. Zainteresowanie realizmem holenderskim, które pojawiło się w latach 60. i 70., spowodowane było niewątpliwym wpływem burżuazji. Zgodnie z tymi nowymi ideami estetycznymi rozwinęła się sztuka Jeana Baptiste'a Simeona Chardina (1699-1779), artysty, który stworzył w istocie nowy system obrazowy. Chardin zaczął od martwej natury, gatunku wcześniej słabo rozwiniętego we Francji. Następnie artysta odnajduje swój temat – są to przedmioty kuchenne pełne spokojnego uroku, żyjące własnym „cichym życiem”: bojlery, garnki, zbiorniki („Miedziany Kocioł”, ok. 1734 r.).
Chardin, wyrażając gusta mieszczańskie, zaczyna przedstawiać prawidłowość, porządek i wygodę życia mieszczańskiego („Modlitwa przed obiadem”, ok. 1740 r.;
„Praczka”, ok. 1735 r.; „Kobieta myjąca garnki”, 1736).
Chardin gloryfikuje uczciwość i ciężką pracę bez dydaktyki i moralizowania, bez patosu i efektów.
Gatunek codzienności, gloryfikujący skromne życie trzeciego stanu, które otworzyło dzieło Chardina, miał przejść drogę skomplikowanych przemian. Jej dalszy rozwój wiąże się z nazwiskiem Jeana Baptiste'a Greuze (1725-1805). Na całą twórczość Greuze’a duży wpływ miały idee Rousseau, głoszenie patriarchalnej idylli i cnót rodzinnych. Tylko Greuze głosi to bez miary i smaku Chardina i daleko od tego samego poziomu umiejętności. „Ojciec rodziny wyjaśniający Biblię swoim dzieciom” (1755),
„Wiejska panna młoda” (1761),
„Paralityk” (1763),
„Rozpieszczone dziecko” (1765)
Wszystko to jest „malowaniem moralnym”, lekcją moralną.
Maurice Quentin de Latour (1704-1788, od 1750 r. – („malarz króla”) – jeden z niedoścignionych mistrzów kameralnego, przeważnie pastelowego portretu, przedstawiającego zazwyczaj filozofów, osoby publiczne, artystów, w którym mistrz zawsze potrafił podkreślają wyrazistą indywidualność modela (portret J. L. d'Alembert, 1753, liczne autoportrety o zróżnicowanej charakterystyce).
Świat wyrafinowania, intymnych przeżyć i fikcji, wyrafinowanego wyrafinowania, dekoracyjnej teatralności - to wszystko jest sztuką rokoka.
Nie ma tu miejsca na patos i bohaterstwo – zastępuje je fantazja, miłosne igraszki i urocze bibeloty.
W rokoku panuje ciężka i żałosna powaga barokowy ustępuje miejsca intymnej, delikatnej dekoracyjności.
Hasło krótkiego i krótkotrwałego „stulecia” rokoko- „sztuka jako przyjemność”. Jego cel: bawić, wzbudzać przyjemne, lekkie emocje, pieścić oczy dziwacznym wzorem linii, eleganckimi połączeniami eleganckich jasnych kolorów, znalazło to szczególny wyraz w architektonicznej dekoracji wnętrz.
Zatem dostosował się do nowych wymagań malarstwo rokokowe.
Dla rokoko charakteryzuje się wyjściem w świat idyllicznej i iluzorycznej zabawy teatralnej, hedonistycznymi nastrojami oraz upodobaniem do wątków zmysłowo-erotycznych i idylliczno-pasterskich. Powstało we Francji rokoko w dziedzinie architektury i znalazło odzwierciedlenie głównie w charakterze wystroju, który nabrał wyrafinowanych, wyrafinowanych i dobitnie eleganckich form. Rozpowszechniając się w sztuce innych krajów europejskich (konstrukcja Neumanna I.B., Knobelsdorffa G.W., Pöppelmana M.D.), rokoko często pełniło rolę lokalnej wersji późnego baroku. Malarstwo rokokowe, bogate w subtelne odcienie barwne, a jednocześnie nieco wyblakłe w kolorystyce, miało przede wszystkim charakter dekoracyjny (przykładami są obrazy i murale F. Bouchera, N. Lancreta, J. O. Fragonarda).
Artyści rokokowi
Malarstwo rokokowe, które jest ściśle powiązane z wnętrzem hotelu, opracowane zostało w formach sztalugowych i dekoracyjnych kameralnych. W malarstwie ścian, abażurów, gobelinów i paneli drzwiowych dominowały motywy szarmanckie współczesne i mitologiczne, pejzaże przedstawiające życie intymne arystokracji, portret wyidealizowany przedstawiający modela na obraz mitologicznego bohatera oraz gatunek pasterski . Wizerunek osoby stracił swoje niezależne znaczenie, postacie zamieniły się w detale zdobniczej dekoracji wnętrza.
Subtelna kultura koloru, osiągnięcie ogólnej lekkości, którą podkreśla jasna paleta, umiejętność budowania kompozycji z ciągłych plam dekoracyjnych, upodobanie do srebrno-niebieskawych, wyblakłych, różowych i złotych odcieni - wszystko to było charakterystyczne dla Artyści rokokowi.
Wraz z rozwojem malarstwa rokokowego wzrosła jednocześnie rola ruchu realistycznego. Martwa natura, portret, pejzaż i gatunki codzienne osiągnęły swój szczyt.
Panele dekoracyjne, najczęściej owalne, okrągłe lub misternie zakrzywione, stały się najpowszechniejszą formą malarstwa.
U podstaw tego projektu i kompozycji leży delikatnie zakrzywiona linia, nadająca dziełu elegancję i pretensjonalność wymaganą w tym stylu. Mistrzowie Rocaille w swoich poszukiwaniach kolorystycznych podążali za Veronese, Rubensem i Wenecjanami, jednak woleli nie nasycone, bogate kolory, ale blade półtony: niebieski staje się niebieski, czerwony staje się różowy, wyblakły niebieski, różowy, cytrynowożółty, pojawiają się nawet kolory liliowe. fikcyjne – jak „kolor uda przestraszonej nimfy”.
Kupidyn i Psyche, Benjamin West Autoportret, Benjamin West Portret Raphaela Westa i Benjamina Westa, Benjamin West
Jednym z przedstawicieli tego stylu był utalentowany A. Watteau, który dał najdoskonalsze ucieleśnienie zasad tego stylu. Melancholijna senność i emocjonalność nadają bohaterom obrazów Antoine’a Watteau szczególne wyrafinowanie, którego nie osiągają już bezpośredni naśladowcy mistrza. Zmienili jego zachowanie i motywy w powierzchowne i... wykwintna moda(Pater, Lancret, Quiar).
W rokokowych rezydencjach nie było już charakterystycznej dla klasycyzmu jedności rozwiązania bryły zewnętrznej i przestrzeni wewnętrznej, architekci często odchodzili od logicznej przejrzystości i racjonalnego podporządkowania części całości. Choć fasada hotelu zachowała reprezentatywność i surowość XVII-wiecznego pałacu, proporcje uległy złagodzeniu, a układ wnętrz uległ zmianie. Nie zachowano zasady uroczystej amfilady, dążono do różnorodności w aranżacji pomieszczeń, do kompozycji asymetrycznych, rozdartych i pozbawionych jednoczącej osi. Przestrzeń wnętrza otrzymała swobodną i racjonalną aranżację, zgodną z wymogami komfortu. Wydzielono małe, przytulne pokoje przeznaczone do użytku codziennego oraz przedpokoje, które przybierały różne kształty w zależności od przeznaczenia. Pomieszczenia mieszkalne lokalizowano zwykle wzdłuż drugiej elewacji, zwróconej w stronę ogrodu. Zwrócono także uwagę na udogodnienia.
Wnętrza hoteli w stylu rokoko zachwycają nieokiełznanym luksusem i szlachetnym wykończeniem biżuteryjnym. Ulubiony owalny kształt sal o krzywoliniowych zarysach burzy betonową definicję ściany, a system dekoracji pozbawia je materialności. Wszystkie przejścia i krawędzie są zaokrąglone. Jasny kamień, stonowane odcienie, delikatne róże, błękity i białe kraty, eleganckie rzeźbione panele potęgują wrażenie lekkości i pogody. Ze ścian wystaje niska płaskorzeźba w postaci stiukowego motywu roślinnego lub zdaje się rozlewać się po ich powierzchni. Asymetryczne loki rozgałęziają się, czasem rozszerzają, czasem chowają się w wąskie paski. Motywy kwiatów, masek, fragmentów skał i muszli zwierząt wplatają się we wzory i tworzą „uroczą dekorację ścienną”. Typowym przykładem rokoka jest wnętrze hotelu Soubise (lata 30. XVIII w.), zaprojektowane przez architekta Germaina Boffranda (1667–1754). Jej owalny hol charakteryzuje się wdziękiem formy i niewymuszoną elegancją. Owalny kształt planu odgrywa ważną rolę w tworzeniu całościowej przestrzeni. Jego płynna dynamika rozwija się w miękkich, zaokrąglonych przejściach od ściany do abażuru, łuków okiennych, w kształtach luster, drzwi, ozdobnych ram, falistych konturach malowniczych paneli, w wykwintnej grze linii asymetrycznych wzorów, które tworzą delikatny koronkowy wystrój abażuru i ścian.
Ściany wyłożone lekkimi panelami podzielone są niszami na trzy części; dolne prostokątne płyciny tworzą stabilną podstawę, na nich spoczywają półkoliste łuki, zakończone malowniczymi płycinami („Amor i Psyche” i inne kompozycje). Na granicach pomiędzy ścianami, płynnie przechodzącymi w delikatną kopułę, umieszczono panele o misternym splocie kwiatowych wzorów, których promieniste pasy sięgają środka sufitu. Delikatne, pełne wdzięku stiukowe rocailles (płaskie kształty muszli) przeplatają się ze stiukowymi girlandami i łodygami kwiatów, z ramkami przypominającymi wstążki. Dekoracyjną kompozycję przesiąknięty jest lekkim, kapryśnym rytmem. Ozdobą architektoniczną są lustra i obrazy ujęte w fantazyjne ramy, urozmaicające powierzchnię ścian. Ustawione jedno na drugim lustra dają mnogość odbić, zwodniczo powiększając przestrzeń kameralnego salonu – obraz architektoniczny zdaje się przenosić człowieka w świat marzeń i złudzeń. Malowanie na przewiewnym tle pejzażu, zachowując płaskość ściany i łącząc rytm z wystrojem, podkreśla połączenie wnętrza z przytulnymi zakątkami parku prawdziwej natury.
Integralną częścią wnętrza są meble: rzeźbione eleganckie konsole na dwóch nogach, intarsjowane komody i sekretarzyki, wygodne miękkie fotele i sofy z wzorzystą tapicerką, z elastycznymi, fantazyjnymi konturami oparć i nóg. Orientalne bibeloty i kryształowe, błyszczące i opalizujące żyrandole, kinkiety w formie kręconych gałązek, żyrandole stołowe z trzepoczącymi kryształowymi zawieszkami, delikatne porcelanowe figurki, gobeliny, eleganckie drobiazgi - cenne zabawki ze srebra, szylkretu, macicy perłowej, emalii, bursztyn itp. Przeplatając swoje formy, płynny ornament ze swoim złożonym rytmem łączy wszystkie te przedmioty w jedną całość z wnętrzem. Potrzeba luksusu zrodziła we Francji w XVIII wieku wielu rzemieślników obdarzonych wyobraźnią, subtelnym gustem i dowcipem: stolarzy, rzeźbiarzy, odlewników, jubilerów, tkaczy itp., którzy przekazywali tajniki swojego rzemiosła z pokolenia na pokolenie. Projektowanie architektury wnętrz i sztuka stosowana Bardzo zaangażowali się w to J. O. Meissonnier (1693–1750) i J. M. Oppenor (1672–1742).
