ทำงานบนตาชั่ง ตาชั่งบนเปียโน โปรแกรมการศึกษาเครื่องดนตรี “บล็อคฟลุต” ภาควิชาศิลปะดนตรี (รอบเตรียมการ) ข้อผิดพลาดในการใช้นิ้วโดยทั่วไปของนักฟลุตมือใหม่

ในบทแรกของบทช่วยสอน “เครื่องบันทึกสำหรับผู้เริ่มต้น” เราได้ดูรายละเอียดพื้นฐานของการเล่นเครื่องบันทึกแล้ว และคุณพร้อมที่จะหยิบเครื่องบันทึกของคุณและสนุกไปกับมันแล้ว น่ายกย่อง! และก่อนที่จะหยิบเครื่องบันทึกมาลองนับนิ้วบนมือของเรากันก่อน

เราจะไม่ทำอะไรเหนือธรรมชาติ มือของคุณยังคงมีสิบนิ้ว
แต่เราจะให้ตัวเลขตามภาพ:

การนับนิ้วเพื่อวางบนท่อ

ในเว็บไซต์ “Svirelka” เราจะยึดหลักการกำหนดหมายเลขนิ้วนี้ เนื่องจาก “Svirelka” เหมาะสำหรับการเรียนรู้การเล่นฟลุตตามยาวแบบต่างๆ และจำนวนนิ้วที่แตกต่างกันมีส่วนร่วมในการเล่นฟลุตเหล่านี้ ตัวอย่างเช่น เครื่องบันทึกเล่นโดยใช้นิ้วเก้านิ้ว - นิ้วก้อยของมือซ้าย (นิ้วที่ห้า) ไม่เกี่ยวข้องกับเกม บนส่วนที่เป็นสี จะใช้นิ้วทั้งสิบนิ้ว โดยทั่วไปแล้ว เรานับนิ้วของเรา และตอนนี้เราถือเครื่องบันทึกไว้ในมือของเรา

เครื่องบันทึกสำหรับผู้เริ่มต้น การวางมือ

มือซ้ายอยู่ด้านบน มือขวาอยู่ล่าง (เว้นแต่จะระบุไว้เป็นอย่างอื่น เราจะใช้ฟลุตตามยาวทั้งหมดดังนี้):

มือบนเครื่องบันทึก

วางนิ้วของคุณบนเครื่องบันทึก:

• ใช้นิ้วแรกของคุณ ปิดรูเดียวที่ด้านล่างของเครื่องบันทึก
• นิ้วที่สอง สาม และสี่ อยู่ที่รูบนทั้งสามรู
• นิ้วที่ห้าพักทุกครั้งที่คุณเล่นเครื่องบันทึก
• นิ้วที่หกรองรับเครื่องบันทึกจากด้านล่าง แม้ว่าเขาจะไม่ได้หลุม แต่ถ้าไม่มีเขา เครื่องบันทึกคงจะอยู่ในตำแหน่งที่ไม่มั่นคงหรือโดยทั่วไปจะหลุดออกจากมือของเขา...
• นิ้วที่เจ็ด, แปด, เก้าและสิบครอบคลุมสี่รูที่เหลือของเครื่องบันทึก

ในเครื่องบันทึกบางรุ่น รูด้านล่างทั้งสองรูจะทำเป็นสองเท่า นั่นคือแทนที่จะสร้างหนึ่งรูสำหรับนิ้วที่เก้าและสิบกลับมีการสร้างรูสองรูที่มีเส้นผ่านศูนย์กลางต่างกัน ดีแล้ว! ปิดให้แน่นทั้งหมดดังแสดงในรูป:

การวางนิ้วบนเครื่องบันทึก

ให้ความสนใจกับตำแหน่งของข้อศอกของคุณ เรากางข้อศอกไปด้านข้าง อย่ากดข้อศอก เราจะขยับข้อศอกออกจากร่างกาย เพื่อให้คุณสามารถขยับมือได้อย่างอิสระเมื่อเล่นเครื่องบันทึก

ตอนนี้ข้อมูลสำคัญสำหรับส่วน "เครื่องบันทึกสำหรับผู้เริ่มต้น"!

ควรปิดรูบนเครื่องบันทึกด้วยแผ่นอิเล็กโทรด เล็กน้อยนิ้วงอ ไม่จำเป็นต้องวางนิ้วของคุณด้วย "ค้อน" เหมือนบนคีย์เปียโน นิ้วจะเหยียดตรงบนเครื่องบันทึก ดังนั้นยืดนิ้วของคุณให้ตรง! และไม่มีความตึงเครียด ปล่อยให้นิ้วของคุณหลวม สิ่งสำคัญคือการปิดรูให้สนิท หากปิดรูไม่แน่นด้วยนิ้วของคุณ อากาศจะไหลเข้าไปและเสียงของเครื่องบันทึกจะเปลี่ยน คุณจะได้ยินสิ่งนี้ทันที อย่างไรก็ตามแม้ว่าคุณจะกดรูของเครื่องบันทึกแรงที่สุดเท่าที่จะทำได้ แต่อย่าปิดรูจนสุดเกมก็จะไม่ทำงาน ดังนั้นอ่านย่อหน้านี้อีกครั้งและทำความเข้าใจ - เราจับนิ้วของเราอย่างอิสระงอเล็กน้อยแล้วปิดรูบันทึกของเครื่องบันทึกให้แน่นด้วย "แผ่นอิเล็กโทรด" ของเรา

การปิดรูบนท่อก็ไม่ใช่เรื่องยาก

มันแค่ต้องใช้เวลาฝึกฝน การฝึกการหายใจและการเชื่อมโยงนิ้ว การหายใจราบรื่น นิ้วงอเล็กน้อย (ยืดออก) และปิดรูให้แน่นโดยไม่มีแรงตึง ในขณะที่นิ้วปิดหรือเปิดรู ลมหายใจจะหยุดนิ่ง มิฉะนั้นบันทึกย่อจะเบลอ เสียงฟู่/นกหวีดอันน่ารังเกียจจะปรากฏขึ้น

อันที่จริงมันใช้เวลานานกว่าจะอธิบาย ในบทเรียนแรกของบทช่วยสอนของเรา มีการแสดงวิดีโอซึ่งคุณสามารถดูตำแหน่งที่ถูกต้องของนิ้วของเครื่องบันทึกรุ่นเยาว์ได้ มาดูกันว่าเครื่องบันทึกมืออาชีพทำอย่างไร ดูการบันทึกให้จบ มันสั้น. ความสนใจทั้งหมดอยู่ที่นิ้วและปากของผู้บันทึก ดูวิธีที่เขาวางนิ้วของเขาและวิธีที่เขาสูดอากาศระหว่างหยุดชั่วคราว:

หากคุณเข้าใจวิธีการวางนิ้วบนเครื่องบันทึกอย่างถูกต้อง โปรดชอบ:

หยิบท่อและเริ่มฝึกซ้อม จากท่วงทำนองที่ง่ายที่สุด “Svirelka” ไม่สามารถถูกแทนที่ได้ที่นี่

และจำไว้ว่านิ้วบนเครื่องบันทึกวางอยู่ดังนี้:

นิ้วบนรูของเครื่องบันทึก

บนเครื่องบันทึก, บนโซปิลกา, บนฟลุตและบนฟลุตตามยาวอื่น ๆ เราวางนิ้วแบบนี้!
ให้ความสนใจกับนิ้วหัวแม่มือของคุณ หากพวกเขาตั้งอยู่บน หลุมดนตรีเครื่องบันทึกก็จะวางตรง (ที่มุม 45 องศา) และไม่ใช่ด้วย "ค้อน" ค้อนบนเครื่องบันทึกถือเป็นข้อบกพร่องในเกมเสมอ!

นักดนตรีมืออาชีพทุกคนเล่นสเกลโดยไม่มีข้อยกเว้น เสมอ. และคุณก็เช่นกัน แม้ว่าคุณจะคิดว่าคุณเล่นเครื่องบันทึกได้สมบูรณ์แบบแล้วก็ตาม ให้เล่นสเกลต่อไป ทั้งไดอะโทนิกและโครมาติก อย่างจำเป็น!

สรุปบทเรียน " เครื่องบันทึกสำหรับผู้เริ่มต้น»:
1. วางนิ้วอย่างอิสระโดยใช้แผ่นอิเล็กโทรดบนรูของเครื่องบันทึก โดยปิดให้มิดชิด
2. เราเล่นสเกลเป็นประจำ (โดยเฉพาะทุกวัน) แม้ว่าคุณจะดูเหมือนเป็นเช่นนั้นก็ตาม เครื่องบันทึกสำหรับผู้เริ่มต้นนี้เป็นขั้นตอนที่เสร็จสมบูรณ์ คุณสามารถดูบันทึกย่อขนาดได้จากเว็บไซต์ Svirelki

สำหรับผู้ที่ใจร้อนที่สุดที่ต้องการเล่นเครื่องบันทึก ให้ชมบทเรียนจากโครงการ “Music for Everyone” จาก Yakutia ทันที บทเรียนนี้จะแสดงให้คุณเห็นถึงวิธีการถือเครื่องบันทึกและสร้างเสียงดนตรีจากเครื่องบันทึก บทเรียนนี้สอนโดยลีนา: ขอบคุณเลนา! เรากำลังรอคอยบทเรียนใหม่ โปรดทราบว่าในวิดีโอ นิ้วที่ไม่ปิดรูบนเครื่องบันทึกจะถูกยกขึ้นเหนือเครื่องดนตรีอย่างแรง นี่เป็นสิ่งที่ยอมรับได้เพื่อให้มองเห็นตำแหน่งของนิ้วที่เข้าร่วมในเกมได้ดีขึ้น เมื่อเรียนรู้และในอนาคตเมื่อเล่นคุณต้องปฏิบัติตามวิธีการ - นิ้วอยู่เหนือรูและยกขึ้นเหนือเพียงเล็กน้อยเท่านั้น และวิดีโอยังแสดงโน้ตตัวแรกบนเครื่องบันทึกด้วย แม้จะเร็วกว่าบทช่วยสอนของเราเล็กน้อย แต่ก็ค่อนข้างเป็นที่ยอมรับสำหรับคุณที่จะลองเล่นมัน พวกมันเรียบง่าย คุณสามารถทำมันได้!

ตอนนี้เราเริ่มแยกเสียงแรกออกจากเครื่องบันทึก

ไปที่หน้า:

บทที่ 3

ดนตรีหยุดชั่วคราว

Petya อายุ 4 ขวบ ลองหาแรงบันดาลใจดูครับ เครื่องบันทึกสำหรับผู้เริ่มต้น:

ไปที่หน้า:

บทที่ 3

เครื่องบันทึกสำหรับผู้เริ่มต้น

แสดงความคิดเห็นของคุณ:

บทที่ 2: 19 ความคิดเห็น

1. นาตาเลีย

   สวัสดีครับช่วยแนะนำรุ่นเครื่องดนตรีสำหรับสาวถนัดซ้าย อายุ 7 ขวบ เพิ่งเริ่มต้นครับ

2. มิทรี

   ฉันต้องการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีประเภทลม อย่างน้อยก็ในระดับเริ่มต้น
   ฉันไม่รู้ว่าจะเข้าใกล้อย่างไร บทช่วยสอนสำหรับผู้เริ่มต้นนั้นถูกต้องแล้ว!

3. โหระพา

   คุณมีโปรแกรมที่คล้ายกันสำหรับการเรียนรู้ขลุ่ยกระทะหรือไม่?

4. ออลก้า

   เราเริ่มใช้งานโปรแกรม
   โดยทั่วไปแล้ว เด็ก (อายุ 6 ขวบ) กำลังเรียนรู้ที่จะเล่น และในขณะเดียวกันฉันก็ (แม่) เราเล่นเครื่องบันทึกโซปราโน (ไม่ใช่บาโรก) ถ้าฉันไม่สับสนอะไร
   ฉันชอบโปรแกรมนี้มาก ในตอนแรกเด็กก็แค่เล่นโน้ต จากนั้นในจังหวะต่ำพวกเขาก็รวมการแสดงไว้ในโปรแกรมด้วย ตอนนี้เรากำลังฝึกฝนทักษะของเราและค่อยๆ เพิ่มจังหวะ เจ๋งมาก

ประวัติความเป็นมาของการสร้างเครื่องดนตรี

ขลุ่ยเป็นหนึ่งในเครื่องมือลมที่เก่าแก่ที่สุด ในสมัยโบราณ คำว่า "ฟลุต" หมายถึงเครื่องดนตรีประเภทลมส่วนใหญ่ แต่เครื่องดนตรีเหล่านี้เกือบทั้งหมดไม่เกี่ยวข้องกับขลุ่ยที่เราเห็นในปัจจุบัน รุ่นก่อนหน้าของ "ขลุ่ยปลาย" (ขลุ่ยยาว) คือฮาร์มอนิกซึ่งเป็นท่อธรรมดาที่มีวาล์วจำนวนน้อย

มีข้อสันนิษฐานว่าแหล่งกำเนิดของขลุ่ยขวางคือเอเชีย ในยุคกลาง ขลุ่ยเจาะไปทางทิศตะวันตก และกระจายไปทุกที่ ในตอนแรกมันอยู่ในรูปของไม้อ้อซึ่งมีรูเสียง 6 รูและอีกอันสำหรับเป่า

ในรูปแบบนี้ได้รับความนิยมอย่างมากในเยอรมนีซึ่งจะมีการค่อยๆ เปลี่ยนแปลงและในภาษายุโรปทั้งหมดจะได้รับชื่อว่า "ขลุ่ยเยอรมัน" ฟลุตมีชื่อเสียงในฐานะเครื่องดนตรีอิสระในฝรั่งเศส ซึ่งนักดนตรีท้องถิ่นเปลี่ยนให้เป็นเครื่องดนตรีออเคสตราอย่างแท้จริงควบคู่ไปกับขลุ่ยตรง

ฟลุตเยอรมันเก่ามีระดับเสียงที่ค่อนข้างน่าประทับใจ โดยครอบคลุมสองอ็อกเทฟครึ่งและช่วงสีทั้งหมด ตั้งแต่ D ตัวแรกไปจนถึงตัวที่สาม เสียงต่ำสุดของฟลุตนี้ได้มาจากการสั่นของคอลัมน์อากาศทั้งหมดที่อยู่ในท่อของเครื่องดนตรี ในขณะที่เสียงที่ตามมาทั้งหมดภายในอ็อกเทฟโครมาติกด้านล่างนั้นเกิดจากการค่อยๆ ย่อให้สั้นลง ดังนั้น เสียงทั้งหมดที่เป็นส่วนหนึ่งของสเกลไดโทนิกใน D major จึงสอดคล้องกับรูหลักหรือรูของฟลุตเยอรมันเก่า และขั้นขั้นกลาง (โครมาติก) ทั้งหมดได้มาโดยใช้ทางแยกหรือ "ด้ามจับส้อม" ด้วยวิธีการแยกเสียงนี้ ขั้นตอนกลางเหล่านี้ไม่ได้ออกมาสะอาดมากนัก และในไม่ช้าก็มีการแยกรูสำหรับพวกมันโดยปิดด้วยวาล์ว

พื้นฐานใหม่สำหรับขลุ่ยได้รับการพัฒนาครั้งแรกโดยวิลเลียม กอร์ดอน (พ.ศ. 2334-2382) ชาวสกอต เจ้าหน้าที่ในหน่วยพิทักษ์สวิสของกษัตริย์ชาร์ลส์ที่ 10 แห่งฝรั่งเศส หลังจากการล้มล้างกษัตริย์และการยุบราชองครักษ์ กอร์ดอนก็อุทิศตนเอง ตั้งใจทำงานเพื่อปรับปรุงฟลุตทั้งหมด แต่ไม่มีเวลาที่จะทำให้ความคิดของเขาสำเร็จ

Theobald Boehm (1794-1881) ใช้ประโยชน์จากงานของเขา ในปี 1832 เขาได้ออกแบบขลุ่ยทรงกรวยที่มีวาล์วเปิด เครื่องดนตรีรุ่นนี้ประสบความสำเร็จในฝรั่งเศสและอังกฤษ แต่ก็ยังไม่สมบูรณ์แบบ การทดลองอย่างต่อเนื่องนำไปสู่การสร้างโครงสร้างขลุ่ยทรงกระบอกในปี 1847 ซึ่งยังคงใช้อยู่จนถึงปัจจุบัน Boehm ยังได้พัฒนาระบบวาล์ว ปรับปรุงคุณภาพเสียงของเครื่องดนตรี และขยายช่วงเสียงอีกด้วย ตอนนี้ขลุ่ยเริ่มส่งเสียงภายใน 3 อ็อกเทฟ

ขลุ่ยยังคงมีอยู่ในรูปแบบเดียวกันจนถึงทุกวันนี้

บทเรียนขลุ่ยครั้งแรก การตั้งค่าอุปกรณ์การแสดง

ขลุ่ยสมัยใหม่ประกอบด้วยสามส่วน:

• ส่วนบนเรียกว่า "หัว";
• กลาง - "ร่างกาย";
• ส่วนล่างคือ "เข่า"

ฟลุตมีตั้งแต่ C (c) หรือ B (h) ของอ็อกเทฟแรกไปจนถึง C (c) ของอ็อกเทฟที่สี่ นักฟลุตที่มีประสบการณ์สามารถเล่นโน้ตได้ถึง E (e) ของอ็อกเทฟที่สี่ แต่เล่นได้ยากและ มีเสียงแหลมแหลม

ปัจจุบัน ขลุ่ยเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีประเภทลมที่พบมากที่สุด และได้รับความนิยมโดยเฉพาะในหมู่เด็กและผู้ปกครอง ปัจจุบันเด็กๆ เริ่มฝึกเป่าขลุ่ยค่อนข้างเร็วเมื่ออายุ 7-10 ปี ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ร่างกายของเด็กยังคงอ่อนแอและไม่มีรูปร่างสมส่วน และมีระบบกล้ามเนื้อที่ยังไม่สมบูรณ์ ดังนั้นจึงเป็นเรื่องสำคัญมากที่จะต้องปฏิบัติต่อก้าวแรกของลูกในการเล่นฟลุตด้วยความเอาใจใส่และเอาใจใส่เป็นพิเศษ

กล้ามเนื้อทางเดินหายใจ ริมฝีปาก ลิ้น นิ้ว ที่ถ่ายเองยังไม่ใช่เครื่องมือในการทำงาน สิ่งเหล่านี้เกิดขึ้นได้ก็เนื่องมาจากการฝึกฝนทักษะการแสดงอย่างเชี่ยวชาญเท่านั้น เมื่อต้องการทำเช่นนี้ พวกเขาจะต้องรวมกันเป็นคอมเพล็กซ์เดียวที่เรียกว่าอุปกรณ์มอเตอร์ ระบบหัวรถจักรเป็นเครื่องมือ จิตสำนึกของมนุษย์ความต่อเนื่องของมัน เป็นไปไม่ได้ที่จะพัฒนาคุณภาพการแสดงของอุปกรณ์มอเตอร์อย่างเต็มที่โดยไม่ต้องพัฒนาความคิดทางดนตรีของนักแสดงเองก่อนอื่น

เครื่องมือการแสดงเป็นระบบของอวัยวะยนต์ของมนุษย์ที่สอดคล้องกัน พร้อมด้วยทักษะการแสดงและเป็นอวัยวะที่ทำหน้าที่ของจิตสำนึกทางดนตรี อุปกรณ์การแสดงประกอบด้วยส่วนประกอบต่อไปนี้:

1. การคิดทางดนตรี
2. ความรู้สึกทางการได้ยินและการเคลื่อนไหว
3. อุปกรณ์มอเตอร์
4. ลมหายใจของนักแสดง
5. งานปาก.
6. การประกบของลิ้น
7. การประสานนิ้ว

ภารกิจหลักของครูคือการแนะนำนักเรียนตัวน้อยเข้าสู่โลกแห่งดนตรีและแนะนำให้เขารู้จักกับเครื่องดนตรีเพื่อไม่ให้เด็กรู้สึกไม่สบายตัวรัดกุมและไม่สะดวก เป็นสิ่งสำคัญมากที่จะไม่ลืมกฎหลักที่ Peter-Lucas Graf เขียนไว้: “ฟลุตเป็นเพียงส่วนหนึ่งของเครื่องดนตรีของคุณ เมื่อคุณเล่นฟลุต ร่างกายของคุณก็จะมีส่วนร่วมด้วย (อวัยวะทางเดินหายใจ ริมฝีปาก ลิ้น คอ มือ)”

แล้วคุณจะทำอย่างไรกับการสร้างเสียงครั้งแรก?

ร่างกายของนักแสดงมีความสำคัญต่อเครื่องดนตรีพอๆ กับฟลุต นี่คือสิ่งที่กำหนดเสียงที่ถูกต้องและสวยงาม ตำแหน่งของร่างกาย การหายใจ และลิ้น ล้วนมีส่วนทำให้เกิดเสียงที่ดี

ก่อนจะส่งเสียงจำเป็นต้องเตรียมร่างกายสำหรับบทเรียนก่อน เพื่อให้อุปกรณ์ทำงานได้อย่างถูกต้อง คุณต้องแน่ใจว่ามีการกระจายน้ำหนักเท่า ๆ กันที่ขาทั้งสองข้างและหลังตรง แม้แต่ท่าทางก็ควรได้รับการควบคุมเป็นพิเศษ การก้มตัวรบกวนการหายใจที่เหมาะสมและนำไปสู่การรัด เด็กเล็กจะควบคุมร่างกายได้ยากเมื่อเล่นเครื่องดนตรี คุณสามารถยืดกระดูกสันหลังให้ตรง โดยพิงหลังชิดผนัง

ตำแหน่งของร่างกายที่ถูกต้องเป็นเงื่อนไขที่สำคัญที่สุดสำหรับการควบคุมการหายใจที่ดีซึ่งเป็นพื้นฐานของการแสดงละครที่ถูกต้องและมีอิทธิพลอย่างมากต่อการผลิตเสียงทุกด้าน

เพื่อรักษาไหล่ แขน และการหายใจให้เป็นอิสระ คุณต้องปฏิบัติตามกฎหลายข้อ:

1. เท้าของคุณควรแยกจากกันเท่าช่วงไหล่ แต่ให้เท้าซ้ายอยู่ข้างหน้าเล็กน้อย
2. การจ้องมองควรมุ่งตรงไปตรงหน้าคุณ
3. ศีรษะสมดุลได้อย่างอิสระบนกระดูกสันหลัง
4. คอก็ว่าง
5. เข่าจะสปริงตัวเล็กน้อย

สิ่งสำคัญคือร่างกายของเด็กอยู่ในตำแหน่งที่เป็นธรรมชาติ

ก่อนที่จะให้เครื่องดนตรีแก่เด็ก คุณต้องอธิบายหลักการหายใจและออกกำลังกายหลายอย่างให้เขาฟัง เนื่องจากการควบคุมการไหลของอากาศที่สม่ำเสมอเป็นสิ่งสำคัญมากในการสร้างเสียงที่เหมาะสม

เมื่อเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมทุกชนิด นักแสดงต้องใช้ลมหายใจผสมช่องท้อง เมื่อใช้การหายใจแบบผสมเท่านั้นจึงเป็นไปได้ที่จะใช้กล้ามเนื้อหายใจทั้งหมดให้เกิดประโยชน์สูงสุด ช่วยให้เกิดการหายใจเข้าลึกเต็มที่ และการหายใจออกที่ควบคุมได้นานและควบคุมได้ ซึ่งเป็นหนึ่งในเงื่อนไขหลักในการสร้างและการผลิตเสียง การทำงานของกล้ามเนื้อที่ไม่เหมาะสมส่งผลต่อเสียงและการผลิต กล้ามเนื้อระหว่างซี่โครงภายนอกและกะบังลมมีส่วนร่วมในการหายใจเข้าของผู้บริหาร ก่อนอื่นคุณควรเรียนรู้ที่จะควบคุมการหายใจโดยไม่ต้องใช้เครื่องมือ

ยู. โดลชิคอฟ ระเบียบวิธี 1. เทคนิคการหายใจ สำนักพิมพ์ "DEKA-VS" มอสโก 2547

สิ่งแรกที่คุณต้องเรียนรู้คือการหายใจเข้าในสามขั้นตอน: วางมือบนท้อง กรอกส่วนล่างของปอด สัมผัสได้ว่ากล้ามเนื้อหน้าท้องของคุณดันมันออกไปอย่างไร จากนั้นเติมอากาศตรงกลางเพื่อขยายซี่โครง สุดท้ายเติมปอดส่วนบนโดยดันหน้าอกส่วนบนไปข้างหน้า ในเวลาเดียวกันคุณต้องแน่ใจว่าไหล่ของคุณไม่ยกขึ้น เด็กจะต้องเรียนรู้ที่จะหายใจเข้าอย่างช้าๆ และต่อเนื่อง โดยรู้สึกว่าอากาศกระจายอย่างทั่วถึงในทุกส่วนของปอด

เพื่อให้หลักการหายใจเข้าใจง่ายสำหรับนักเรียนตัวเล็ก ๆ คุณต้องให้ความสนใจเป็นอย่างมากไม่เพียง แต่แก้ไขการหายใจเข้าเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการหายใจออกด้วย การหายใจออกที่ยาวและยาวนานควรทำได้ผ่านการฝึกมองเห็นซึ่งช่วยให้คุณควบคุมการไหลของอากาศได้ นี่คือบางส่วนของพวกเขา:

1. วางสำลีไว้บนโต๊ะแล้วเป่าให้ขนเคลื่อนไปตามโต๊ะในทิศทางต่างๆ ซึ่งจะต้องใช้พลังงานลมที่แตกต่างกันในแต่ละครั้ง
2. หายใจออกให้หมด รอสักครู่จนกว่าร่างกายจะบอกคุณว่าคุณต้องหายใจเข้า การหายใจเข้าควรช้าตามที่อธิบายไว้ข้างต้น จากนั้นหายใจออกช้าๆ ฟังเสียงของอากาศอย่างสม่ำเสมอ
3. หายใจเข้าลึกๆ กลั้นอากาศในปอดไว้สักครู่ จากนั้นเม้มริมฝีปากของคุณราวกับผิวปาก (ออกเสียงตัวอักษร "ยู") ปล่อยกระแสลมลงบนฝ่ามืออย่างแรงโดยไม่ทำให้แก้มของคุณพองออก จำเป็นต้องใช้ฝ่ามือเพื่อสัมผัสถึงกระแสลมที่เป่าและควบคุมความสม่ำเสมอ
4. นำผ้าเช็ดหน้ากระดาษบางๆ มาทาที่ผนัง หายใจเข้าลึกๆ แล้วเม้มปากเพื่อเป่านกหวีด เป่าผ้าเช็ดหน้าเพื่อให้กระแสลมจับผ้าเช็ดหน้าชิดผนังให้นานที่สุด

ความรู้สึกที่คล้ายกันกำลังรอเด็กขณะเล่นฟลุต

หลังจากเชี่ยวชาญการวางตำแหน่งของร่างกายและพื้นฐานของการหายใจในช่องท้องแล้ว คุณควรเริ่มตั้งท่า

โดยการเป่าผ้าเช็ดหน้าเราก็ได้เริ่มเตรียมท่าจอดเรือแล้ว

ริมฝีปากเป็นอวัยวะที่สำคัญที่สุดในการเล่นฟลุต เสียงต่ำของเครื่องดนตรี ความสมบูรณ์ และความลึกของเสียงขึ้นอยู่กับตำแหน่งที่ถูกต้องของตัวไวโอลิน

ทันทีก่อนที่จะแยกเสียงแรกออกมาจำเป็นต้องอธิบายให้นักเรียนฟังถึงวิธีการสร้างกระแสลมอย่างถูกต้อง

ภารกิจหลักอย่างหนึ่งของแม่น้ำคือการสร้างช่องว่างในริมฝีปากซึ่งอากาศสามารถเข้าไปในขลุ่ยได้อย่างมีประสิทธิภาพ นี่คือบางส่วน กฎง่ายๆซึ่งจะต้องสังเกตเพื่อแยกเสียงได้อย่างถูกต้อง:

1. กรามควรลดลงเล็กน้อยตามระยะห่างของนิ้วก้อยที่ถูกกัด
2. ริมฝีปากออกเสียงตัวอักษร "ยู" ในขณะที่ริมฝีปากดูเหมือนเป็นลำต้นเล็กๆ
3. ริมฝีปากบนจะนำกระแสลมไปที่ขอบด้านนอกของช่องทางเข้า
4. ริมฝีปากเป็นอิสระและสัมผัสเครื่องดนตรีได้อย่างง่ายดาย

กระแสลมควรมีลักษณะคล้ายกระแสที่พัดมาจากฟาง เพื่อเป็นตัวอย่างภาพ คุณสามารถขอให้นักเรียนเป่าฟางใส่มือของเขา จากนั้นเป่าโดยไม่ใช้มันด้วยความรู้สึกแบบเดียวกัน

คุณสามารถเปลี่ยนทิศทางของกระแสลมได้โดยการเลื่อนขากรรไกรล่าง แต่ในขณะเดียวกัน ช่องว่างในริมฝีปากก็ต้องคงรูปร่างไว้

คุณสามารถชวนลูกของคุณให้เป่ามือโดยเปลี่ยนทิศทางของกระแสน้ำ (ขึ้น, ลง) ในกรณีนี้คุณต้องควบคุมการไหลของอากาศที่สม่ำเสมอ

ในที่สุดเราก็มาถึงการแยกเสียงจริง

ไม่ควรให้นักเรียนได้รับเครื่องดนตรีทั้งชุดในคราวเดียวไม่ว่าในกรณีใด เด็กอาจสับสนซึ่งจะเป็นเรื่องยากมากสำหรับเขาที่จะควบคุมความรู้สึกทั้งหมดและติดตามตำแหน่งที่ถูกต้องของร่างกาย แขน ริมฝีปาก และการหายใจ

ศีรษะหรือขอบด้านในของช่องเปิดของ "ฟองน้ำ" วางอยู่บนเส้นที่เรียกว่าระหว่างคางและริมฝีปาก รูควรอยู่ตรงกลางริมฝีปากซึ่งก็คือใต้ปลายจมูก ควรปิดรูไว้ประมาณ 1/3 โดยเหลือ 2/3 ไว้เพื่อให้มีอากาศไหลออกมาจากรูเป่าลม

หลังจากเตรียมการตามที่อธิบายไว้ข้างต้นแล้ว คุณควรลองทำเสียงบนศีรษะ การใช้การหายใจเข้าและหายใจออกที่ถูกต้อง คุณควรพยายามทำให้เสียงยาวและสม่ำเสมอ ตามกฎแล้ว ไม่ใช่ทุกคนที่ประสบความสำเร็จในการสร้างเสียงครั้งแรกในครั้งแรก บางครั้งอาจต้องใช้เวลาหลายบทเรียน

เพื่อให้ลูกของคุณเล่นบนหัวได้สนุกยิ่งขึ้นและเรียนรู้การทำเสียงที่ชัดเจน คุณสามารถเพิ่มองค์ประกอบของเกมลงในบทเรียนได้ ตัวอย่างเช่น หากคุณแตะรูในท่อด้วยนิ้วชี้ คุณสามารถเลียนแบบ "เสียงกรีดร้องของอินเดีย" ได้ และถ้าคุณขยับนิ้วเข้าไปในท่อ คุณสามารถเปลี่ยนระดับเสียงได้ โดยจะมีเสียงไซเรนเลียนแบบปรากฏขึ้น หรือหากคุณปิดรูของท่อจนสุดด้วยฝ่ามือขวา คุณก็จะได้เสียงต่ำ ,เสียงทื่อ.

หลังจากที่เด็กเชี่ยวชาญเทคนิคทั้งหมดที่กล่าวมาข้างต้นแล้ว และเขาสามารถเล่นหัวฟลุตได้อย่างง่ายดาย และเสียงที่คมชัด ไร้หนาม เขาจึงจะสามารถขยับไปสู่การเปล่งเสียงได้

พยางค์ที่มีชื่อเสียงและแพร่หลายที่สุดในการฝึกปฏิบัติคือ: tu, ta, te, ti, du, yes, du, de บน ชั้นต้นควรใช้ทั้งสองอย่างเลยดีกว่า คุณสามารถเรียนรู้การเล่นเพลงง่ายๆ ด้วยเสียงเดียว (เช่น “Andrey is a sparrow”) หรือโดยการเปลี่ยนระดับเสียงฝ่ามือของคุณ เล่นเพลงที่มีสองเสียง (เช่น “Cuckoo”)

หลังจากที่เด็กเชี่ยวชาญสิ่งที่กล่าวมาทั้งหมดแล้ว คุณก็สามารถเริ่มฝึกเป่าขลุ่ยโดยรวมได้

เพื่อให้ผู้เรียนสามารถควบคุมพื้นฐานการวางตำแหน่งที่ถูกต้องได้ ควรฝึกหน้ากระจกจะดีกว่า

หลักการสำคัญของตำแหน่งมือที่ถูกต้องขณะเล่นนั้นขึ้นอยู่กับความสมดุล เพื่อให้แน่ใจว่าร่างกายของนักเรียนจะไม่ถูกหนีบ และแขน ข้อศอก ไหล่ และริมฝีปากยังคงเป็นอิสระ เราต้องจดจำจุดรองรับของขลุ่ย (บริเวณที่ถือขลุ่ย)

จุดรองรับหลักคือนิ้วชี้ของมือซ้าย ตำแหน่งนิ้วและการวางมือที่ถูกต้องจะช่วยให้คุณสามารถกระจายความแข็งแรงของมือซ้ายเพื่อรองรับฟลุตได้อย่างมีเหตุผล

นิ้วชี้ควรมีลักษณะเหมือนตัวอักษรภาษาอังกฤษ "S" และวางไว้ใต้ขลุ่ยเล็กน้อย โดยให้พิงลำตัวขลุ่ยโดยให้ด้านข้าง ไม่ใช่ด้านใน

นิ้วหัวแม่มือของมือซ้ายเหยียดตรงอย่างอิสระ นิ้วที่เหลือของมือซ้ายโค้งมน และอยู่ใกล้กับวาล์ว

จุดอ้างอิงต่อไปคือ นิ้วหัวแม่มือมือขวา. ควรอยู่ในตำแหน่งตรงประมาณใต้นิ้วชี้ และควรวางไว้ด้านหลังท่อฟลุตเล็กน้อย หน้าที่ของนิ้วหัวแม่มือคือพยุงขลุ่ยจากด้านล่าง นิ้วที่เหลือของมือขวาควรโค้งมนเล็กน้อยและใกล้กับวาล์ว เมื่อวางมืองานหลักของครูคือต้องแน่ใจว่านักเรียนไม่ได้กดนิ้วบนวาล์วและไม่บีบมือ การค้นหาตำแหน่งมือที่ดีและสะดวกสบายในช่วงแรกของการฝึกฟลุตไม่ใช่เรื่องง่าย เมื่อตำแหน่งของร่างกาย ศีรษะ คอ และแขนอยู่ในสมดุลเท่านั้น ขลุ่ยจะไม่หลุดออกจากคางและนิ้วจะยังเป็นอิสระ

ตอนนี้คุณสามารถเรียนรู้โน้ตและเพลงได้ทีละน้อย สิ่งสำคัญคือการทำงานต่อไปเพื่อเสริมสร้างการหายใจ การหุบปาก และพัฒนาความคล่องแคล่วของนิ้ว ในระยะเริ่มแรกของการเรียนรู้คุณไม่ควรเร่งรีบเพื่อทำให้เนื้อหาที่กำลังศึกษาซับซ้อนโหลดควรอยู่ในความสามารถของนักเรียนตัวเล็ก

การเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมต้องอาศัยการประสานงานที่ดี การหายใจ ลิ้น นิ้ว และลิ้นไปพร้อมๆ กัน

นอกจากนี้ในการใช้เครื่องมือคุณต้องมีการฝึกร่างกายที่ดี เพื่อให้ชั้นเรียนมีประสิทธิผลมากขึ้น เด็กจำเป็นต้องมีส่วนร่วมในการพลศึกษา สระว่ายน้ำเหมาะมากสำหรับการพัฒนาระบบทางเดินหายใจ กล้ามเนื้อ และท่าทาง

จากมุมมองของการฝึก การทำงานของเครื่องมือการแสดงมีดังนี้:

1. ในระหว่างบทเรียน ครูแสวงหาการเคลื่อนไหวอย่างเด็ดเดี่ยวจากนักเรียน โดยอิงตามความคิดของเขาเองเกี่ยวกับธรรมชาติของเสียงของเครื่องดนตรีและความพยายามของกล้ามเนื้อที่เกี่ยวข้อง ทักษะที่ซับซ้อนเกิดขึ้นจากประสาทสัมผัสทางการได้ยินและกล้ามเนื้อ เก็บไว้ในความทรงจำ ทักษะนั้นจะถูกเปลี่ยนให้เป็นตัวแทน
2. การรับรู้เชิงเปรียบเทียบ (ภาพหรือการได้ยิน) กระตุ้นความคิดที่สอดคล้องกันจากความทรงจำซึ่งเรียกทักษะที่เกิดขึ้นไปสู่การปฏิบัติ - เสียงจะถูกดึงออกมา
3. การวิเคราะห์การได้ยินและการเคลื่อนไหวของเสียงที่แยกออกมาเกิดขึ้นและบนพื้นฐานของมัน การปรับทักษะที่จำเป็นก็เกิดขึ้น

กล่าวอีกนัยหนึ่ง คุณต้องจินตนาการถึงโน้ตหรือลำดับที่จะเล่น จากนั้นจึงเตรียมอุปกรณ์การแสดงอย่างระมัดระวัง และค้นหาความรู้สึกในการเล่นที่เหมาะสม หลังจากนี้เท่านั้นจึงจะเป็นไปได้ที่จะดึงเสียงหรือซีเควนซ์ที่ถูกควบคุมออกมา

งานและการพัฒนาอุปกรณ์การแสดงนั้นเป็นไปได้โดยรวมเท่านั้น น้ำเสียงที่แม่นยำ ความอิสระ และความไพเราะของเสียงเป็นเกณฑ์ธรรมชาติสำหรับการทำงานที่ถูกต้อง

บทเรียนกับนักเรียนรุ่นเยาว์ การรู้จักเครื่องดนตรีครั้งแรก ขั้นตอนแรกควรน่าสนใจและน่าตื่นเต้น เพื่อให้การทำงานในการผลิตเบื้องต้นดำเนินไปอย่างประสบความสำเร็จ ครูจะต้องสนใจนักเรียน ทำให้เขาหลงใหล ไม่สูญเสียสิ่งสำคัญไปในรายละเอียด และรู้เส้นทางที่เขาจะต้องนำนักเรียนไป ดังนั้น คุณไม่เพียงแต่ต้องจินตนาการถึงผลลัพธ์สุดท้ายเท่านั้น แต่ยังต้องรู้ว่าจะบรรลุผลนั้นได้อย่างไรอีกด้วย

หนังสือมือสอง:

1. Rogal-Livitsky "วงออเคสตราสมัยใหม่"
2. Peter-Lucas Graf "แบบฝึกหัดพื้นฐาน 20 ข้อ"
3. Yuri Dolzhikov “โฟลเดอร์โน้ตเพลงของ Flutist สมุดบันทึก 1. ระเบียบวิธี แบบฝึกหัด สเก็ตช์ภาพ”
4. Barbara Giesler-Haase "The Magic Flute" - เทคนิคสำหรับผู้เริ่มต้น

คาเมเนวา ทัตยานา บอริซอฟนา
ชื่องาน:ครู
สถาบันการศึกษา: MBUDO "โรงเรียนดนตรีเด็กหมายเลข 1 ตั้งชื่อตาม M. I. Glinka"
ถิ่น: สโมเลนสค์
ชื่อของวัสดุ:คู่มือการศึกษาและระเบียบวิธี
เรื่อง:เครื่องบันทึกการสอนในโรงเรียนดนตรี: ปัญหาและแนวโน้มในปัจจุบัน
วันที่ตีพิมพ์: 21.09.2016
บท:การศึกษาเพิ่มเติม

สถาบันการศึกษางบประมาณเทศบาลเพิ่มเติม "โรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กหมายเลข 1 ตั้งชื่อตาม M. I. Glinka, Smolensk" บันทึกการสอนในโรงเรียนดนตรี: ปัญหาและโอกาสในปัจจุบัน คู่มือการศึกษาและระเบียบวิธี Kameneva T.B. อาจารย์ประจำภูมิภาคมอสโกเรื่องลมและเครื่องเพอร์คัชชัน Smolensk
เนื้อหา
การแนะนำ

บทที่ 1

เชิงทฤษฎี

ด้าน

การสอน

เครื่องบันทึก

โรงเรียนดนตรี
1.1 จัดตั้งโรงเรียนสอนเล่นเครื่องบันทึก 1.2 รูปแบบและวิธีการพัฒนา ความสามารถทางดนตรีเมื่อเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องบันทึก
บทที่สอง

ใช้ได้จริง

ด้าน

การฝึกอบรม

เกม

เครื่องบันทึก

โรงเรียนดนตรี
. 2.1 กฎพื้นฐานและหลักการทำงานของเครื่องบันทึก 2.2. อนาคตในการสอนเครื่องบันทึกในโรงเรียนดนตรีในฐานะเครื่องดนตรีอิสระ
บทสรุป.

บรรณานุกรม.

การแนะนำ

ความเกี่ยวข้อง

วิจัย
งานนี้ถูกกำหนดโดยเงื่อนไขวัตถุประสงค์สมัยใหม่ หนึ่งใน ส่วนที่สำคัญที่สุดการศึกษาด้านสุนทรียภาพคือการศึกษาด้านดนตรีซึ่งได้รับความสนใจอย่างมากในประเทศของเรา สถานที่สำคัญในหมู่สถาบันการศึกษาถูกครอบครองโดยโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กซึ่งมีบทบาทรับผิดชอบในการเตรียมนักเรียนให้ศึกษาต่อด้านดนตรีระดับมืออาชีพในโรงเรียนเฉพาะทางระดับมัธยมศึกษา สถาบันการศึกษาและมีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อการศึกษาด้านสุนทรียศาสตร์ทั่วไป ภารกิจหลักของการศึกษาระดับประถมศึกษาในโรงเรียนอนุบาล โรงเรียนดนตรีคือการกระตุ้นความสนใจของเด็กในดนตรีและฝึกฝนและสอนภาษาให้พวกเขา ศิลปะดนตรีพัฒนารสนิยมทางศิลปะและจินตนาการที่สร้างสรรค์ เป็นสิ่งสำคัญมากที่จะต้องรักษาความอยากรู้อยากเห็นและความสนใจของเด็กในบทเรียนดนตรีซึ่งเขาแสดงให้เห็นเมื่อเข้าโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็ก ครูที่ทำงานกับเด็ก ๆ จะต้องรู้สึกถึงความรับผิดชอบที่ยิ่งใหญ่ต่อนักเรียนของตนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการแนะนำให้เด็กรู้จักกับประสบการณ์ทางดนตรีใหม่และใหม่ รักษาความเป็นธรรมชาติของทัศนคติของเขาต่อโลกดนตรีที่ขยายตัวอยู่ตลอดเวลาสำหรับเขา และรักษาความสนใจในดนตรีอย่างแข็งขัน ลักษณะเฉพาะของเครื่องดนตรีประเภทลมไม่เพียงแต่กำหนดช่วงเวลาในการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีเหล่านี้เท่านั้น แต่ยังรวมถึงอายุหรือสุขภาพกายที่เกี่ยวข้องกับอายุของนักเรียนด้วย เนื่องจากผู้ที่ต้องการเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมบางครั้งมีอายุเพียง 5-7 ปี การฝึกเล่นเครื่องบันทึกเบื้องต้นจึงกลายเป็นเรื่องปกติในโรงเรียนดนตรี การเรียนรู้เครื่องเป่าลม "ขนาดใหญ่" (โอโบฟลุต บาสซูน แซกโซโฟน ทรัมเป็ต ทรอมโบน ทูบา ฯลฯ) ในวัยนี้แทบจะเป็นไปไม่ได้เลยเนื่องจากพัฒนาการทางสรีรวิทยาของเด็กยังไม่เพียงพอ ดังนั้นเครื่องบันทึกจึงเป็นทางเลือกที่ยอดเยี่ยมสำหรับพี่ใหญ่ ในโรงเรียนดนตรีสมัยใหม่ เด็กจะได้รับความรู้ทางทฤษฎี พัฒนาด้านสุนทรียศาสตร์ และเชี่ยวชาญทักษะการเล่นเครื่องดนตรีที่เขาเลือก บทเรียนจากเครื่องบันทึกเสียงช่วยขยายขอบเขตความรู้ทางดนตรีของนักเรียน มีส่วนช่วยในการพัฒนาความสนใจ การทำงานหนัก และความเข้าใจในดนตรีอย่างลึกซึ้งยิ่งขึ้น จากประสบการณ์ 20 ปี (ผู้เขียนงานวิจัยนี้) กับนักเรียนในโรงเรียนดนตรีเด็ก จึงสามารถโต้แย้งได้ว่านักเรียนที่มีทักษะทางดนตรีระดับประถมศึกษา
พวกเขาเรียนรู้ได้ค่อนข้างเร็วในระยะแรกและเปลี่ยนไปใช้เครื่องมือลมชนิดอื่นอย่างไม่ลำบาก โดยที่พวกเขายังคงฝึกฝนต่อไปได้สำเร็จและด้วยความสนใจอย่างมาก และบรรลุผลลัพธ์ที่ดี
ระดับการพัฒนาทางวิทยาศาสตร์
ในความทันสมัย ระบบการสอนมีการแก้ไขปัญหาต่างๆ มากมายที่เกี่ยวข้องกับการปรับปรุงเครื่องมือวัดและลักษณะทางเสียงของเครื่องมือ มีการตั้งคำถามเกี่ยวกับการตีความงานดนตรี การปรับปรุงกระบวนการศึกษาเพิ่มเติม นำเสนอผลลัพธ์ของการหายใจและปัจจัยบางประการของกระบวนการแสดงของนักดนตรีประเภทลม ทันสมัย การวิจัยทางวิทยาศาสตร์บ่งชี้ว่าต้องปลูกฝังการพัฒนาความสามารถทางดนตรี การสร้างรากฐานของวัฒนธรรมดนตรี เริ่มตั้งแต่วันแรกที่เด็กอยู่ในโรงเรียนดนตรี และการพัฒนาความสามารถทางดนตรีมีผลกระทบต่อพัฒนาการโดยรวมของเด็ก : ขอบเขตอารมณ์ จินตนาการ ความตั้งใจ และจินตนาการพัฒนาขึ้น เมื่อสังเกตกิจกรรมของนักเรียนในบทเรียน สรุปได้ว่าการตอบรับที่ดีจากเด็กๆ และผลที่ตามมาก็คือ กิจกรรมที่มากขึ้นซึ่งนำไปสู่การซึมซับเนื้อหาบทเรียนได้ดีขึ้น มาจากกิจกรรมประเภทเหล่านั้นที่นักเรียนเป็นผู้แสดงโดยตรง มันเป็นหลักการของการทำดนตรีของตัวเองที่มีพื้นฐานมาจากเทคนิคตะวันตกมากมาย ตัวอย่างเช่นระบบ Carl Orff ซึ่งเพิ่งแพร่หลายในประเทศของเรา ปัญหาของน้ำเสียงบนเครื่องเป่าลมครอบคลุมอยู่ในงานของ N.I. Karaulovsky, ปริญญาตรี เชสโตปาลาและยูไอ กริตเซนโก. บทความของ I.F. มุ่งเน้นไปที่การพัฒนาทักษะการแสดงและอุปกรณ์การเล่นของผู้เล่นทองเหลือง Pushechnikova, I.P. มอสโกเวนโก. ทฤษฎีและวิธีการแสดงทักษะได้รับการเปิดเผยในงานทางวิทยาศาสตร์ของ V.M. Buyanovsky, A.P. Barantsev และ R.A. Maslova (หลักการสร้างสรรค์ วิธีการ และการสอนของนักดนตรีที่โดดเด่น) ส่วนหลักของแนวคิดการสอนจะพิจารณาวิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีลมในระยะเริ่มแรก สามารถแยกแยะได้หลายทิศทางที่นี่ นี่คือการค้นหาวิธีการสอนใหม่ที่เกี่ยวข้องกับการปรับปรุงกระบวนการศึกษาทั้งหมด - A. Naydi และ M. Shaposhnikova ศึกษาปัจจัยด้านกระบวนการปฏิบัติงานโดยใช้วิธีการวิจัยที่เข้มงวด
เครื่องมือวัด - A. Selyanin, B. Pronin และ V. Bubnovich ลักษณะอะคูสติกของเครื่องดนตรีลม - V. Apatsky ในงานของรองศาสตราจารย์ชั้นขลุ่ยของ GMPI ที่ตั้งชื่อตาม Gnesinykh A. Naydi “ปัญหาการสอนการเล่นเครื่องเป่าลมไม้ที่เกี่ยวข้อง” เกี่ยวข้องโดยตรงกับปัญหาในการฝึกวิชาชีพของนักแสดงเกี่ยวกับเครื่องเป่าลมที่เกี่ยวข้อง และโดยเฉพาะอย่างยิ่งเครื่องบันทึก ครูชั้นนำ I. Pushechnikov, I.P. Mozgovenko และคนอื่น ๆ พวกเขาเน้นว่ากระบวนการปฏิบัติประกอบด้วยองค์ประกอบหลายอย่าง และประการแรกถูกกำหนดโดยวิธีการสอนที่มีอยู่ ประการที่สอง สภาพและความสมบูรณ์แบบของเครื่องดนตรี ประการที่สาม วัฒนธรรมดนตรีทั่วไปของนักแสดง ซึ่งขึ้นอยู่กับความรู้ของเขาในด้านประวัติศาสตร์และทฤษฎีดนตรี สุนทรียภาพ รูปแบบของการรับรู้ทางดนตรี และความสามารถในการนำความรู้ที่ได้มาไปใช้ในงานของเขา การหายใจ การศึกษา ระยะและการพัฒนา ถือเป็นจุดเด่นในการวิจัยของ N.N. Solodueva และ B.O. Dikova N.I. Platonov และ Yu.G. ยากูดินา. แนวคิดการสอนของ I. Pushechnikov และ B. Pronin ในช่วงเริ่มต้นของการฝึกอบรมแบ่งออกเป็นสองส่วน: เชิงทฤษฎีและระเบียบวิธี ส่วนแรกของแนวคิดนี้ยืนยันถึงความจำเป็นในการแนะนำเครื่องบันทึกในกระบวนการศึกษาของโรงเรียนดนตรีในฐานะเครื่องดนตรีที่สามารถใช้เพื่อแก้ปัญหาการเรียนรู้ของเด็ก ๆ ในการเล่นเครื่องเป่าลมไม้และเครื่องเป่าทองเหลือง ในแง่นี้เครื่องบันทึกมีวัตถุประสงค์เพื่อทำหน้าที่ของเครื่องดนตรีระดับกลาง: เครื่องบันทึก, โอโบหรือเครื่องบันทึก, อ็อกเทฟทรอมโบน, ทรอมโบน ผลงานประเภทนี้จะช่วยเสริมหลักสูตรวิธีการส่วนตัวที่มีอยู่ และมีส่วนช่วยในการสร้างหลักสูตรวิธีการทั่วไปสำหรับการสอนการเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมที่ครบถ้วนและครอบคลุม ขณะเดียวกันการวิเคราะห์ก็ทำให้เราบอกแบบนั้นได้ แนวทางที่เป็นระบบไม่มีความพยายามที่จะสอนวิธีการสอนเครื่องบันทึกที่โรงเรียนดนตรี
ใช้ได้จริง

ความสำคัญ

งาน
คือมีพื้นฐานมาจากการศึกษาการพัฒนาทางทฤษฎี ระเบียบวิธี ประสบการณ์ทางประวัติศาสตร์และระดับชาติ และเป็นที่สนใจของครูในโรงเรียนดนตรีเด็กและโรงเรียนศิลปะสำหรับเด็ก
เป้า
แสดงให้เห็นถึงความจำเป็นในการสอนเครื่องอัดเสียงในโรงเรียนดนตรี
งาน

เพื่อศึกษาความเป็นมาของการก่อตัวของโรงเรียนการเล่นเครื่องบันทึก เพื่อวิเคราะห์รูปแบบและวิธีการพัฒนาความสามารถทางดนตรีเมื่อเรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึก คุณคือกฎและหลักการพื้นฐานในการแสดงเครื่องบันทึก กำหนดขั้นตอนการเรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึก พิจารณาโอกาสในการบันทึกการสอน
บทที่ 1 ลักษณะทางทฤษฎีของเครื่องบันทึกการสอนใน

โรงเรียนดนตรี

ก่อตั้งโรงเรียนสอนเล่นเครื่องบันทึก
. เครื่องบันทึกเป็นประเภทของขลุ่ยตามยาวและเป็นของประเภทเครื่องเป่าลมไม้และเป็นของตระกูลนกหวีด นี่เป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เรียนรู้การเล่นได้ง่ายแม้อายุ 4-5 ขวบและเล่นท่วงทำนองที่ง่ายที่สุด เครื่องบันทึกมี 8 หลุม โดย 7 หลุมอยู่ที่ด้านหน้าของเครื่องดนตรี และอีก 1 หลุมอยู่ที่ด้านหน้าของเครื่องดนตรี ด้านหลังทำหน้าที่เป็นวาล์วอ็อกเทฟ กล่าวคือ ช่วยให้เสียงเพิ่มขึ้นหนึ่งอ็อกเทฟ การก่อตัวของเสียงเกิดขึ้นในกระบอกเป่าซึ่งไม่สามารถถอดออกได้และอยู่ที่ปลายขลุ่ย เครื่องบันทึกเป็นเครื่องดนตรีของสเกลไดโทนิก แต่ด้วยการใช้นิ้วและการเป่าแบบ "ส้อม" ทำให้สเกลสามารถขยายเป็นสีได้ การใช้นิ้วแบบ "ส้อม" ช่วยให้คุณได้ฮาล์ฟโทนที่ต้องการโดยใช้รูปิดครึ่งหนึ่ง โครมาติกสเกลคือ "ชุดของเสียงที่จัดเรียงตามลำดับในเซมิโทน (จากน้อยไปหามากหรือจากมากไปน้อย) ภายในช่วงที่มีอยู่ของเครื่องดนตรี เมื่อเล่นเครื่องบันทึกที่มีสเกลสี นักดนตรีจะมีโอกาสสร้างสรรค์มากขึ้นเนื่องจากชุดเสียงที่กว้างขึ้น แน่นอนว่าเครื่องบันทึกไม่ได้ทำจากพลาสติกแต่เดิม หากเพียงเพราะในขณะที่มีการประดิษฐ์ วัสดุดังกล่าวไม่เป็นที่รู้จัก เครื่องบันทึกที่แท้จริงคือเครื่องดนตรีที่ทำจากไม้ เครื่องบันทึกสมัยใหม่มักทำจากไม้หรือพลาสติก นอกจากนี้ยังมีตัวเลือกแบบรวม: ส่วนหลักของเครื่องดนตรีทำจากไม้และปากเป่าทำจากพลาสติก ขลุ่ยทำมือจากมะฮอกกานี ชิงชัน หรือบ็อกซ์วูด ถือเป็นขลุ่ยที่ดีที่สุดตั้งแต่สมัยบาโรก ตัวเลือกที่เรียบง่ายกว่าคือเครื่องบันทึกที่ทำจากต้นเมเปิล ลูกแพร์ หรือไม้ผลอื่นๆ ไม่มีอะไรผิดปกติกับความจริงที่ว่าเครื่องบันทึกทำมาจากไม้เหล่านี้
มหัศจรรย์ การทำความคุ้นเคยกับคุณสมบัติของไม้ก็เพียงพอแล้ว ตัวอย่างเช่นไม้ชิงชันซึ่งเป็นไม้ที่ยังคงมีราคาแพงที่สุดชนิดหนึ่งมีความทนทานต่อความชื้นได้ดีเยี่ยมและไม่ไวต่อการเน่าเปื่อย นอกจากนี้ ไม้ชิงชันยังมีความหนาแน่นและทนทานมาก ซึ่งทำให้เครื่องดนตรีที่ทำเสร็จแล้วมีความทนทานเช่นกัน ความเครียดทางกล. ไม้เมเปิ้ล ลูกแพร์ และไม้แอปเปิลก็ค่อนข้างแข็งและทนทาน แต่ก็ยังมีคุณสมบัติด้อยกว่าไม้ Boxwood และ Rosewood ลักษณะเสียงต่ำและลักษณะเสียงอื่นๆ ของเครื่องบันทึกจะขึ้นอยู่กับวัสดุที่ใช้ทำเครื่องดนตรีเป็นอย่างมาก เนื่องจากอายุการใช้งานของเครื่องดนตรีประเภทลม โดยเฉพาะเครื่องดนตรีประเภทไม้นั้นน้อยกว่าอายุการใช้งานของเครื่องดนตรีประเภทสายอย่างไม่สมสัดส่วน ดังนั้น อายุการใช้งานเฉลี่ยของเครื่องบันทึกที่มีการใช้งานอย่างต่อเนื่องจึงอยู่ที่ประมาณ 20 ปี เครื่องบันทึกมีอยู่ในประเพณีของประเทศต่างๆ ในยุโรป และในทุกภาษาคุณจะพบกับชื่อที่แตกต่างกันออกไป ดังนั้น ในภาษาอังกฤษ เครื่องบันทึกจะฟังดูเหมือนเครื่องบันทึก ชื่อนี้มาจากคำว่า บันทึก ซึ่งมี 2 ความหมาย คือ บันทึก และ เรียนรู้ ชื่อ "เครื่องบันทึก" ซึ่งคุ้นเคยกับหูชาวรัสเซียเป็นการทับศัพท์ของคำภาษาเยอรมัน blockflote (blockflute) ซึ่งสามารถแปลได้ว่า "ขลุ่ยกับบล็อก" แท้จริงแล้วเครื่องดนตรีนี้เข้ามาในประเทศของเราจากประเทศเยอรมนีพร้อมกับแฟชั่นสำหรับครูสอนภาษาเยอรมัน สิ่งนี้อธิบายถึงความนิยมของระบบการใช้นิ้วของเยอรมันในรัสเซีย เป็นไปได้ว่าขลุ่ยฝรั่งเศส a bec - "ขลุ่ยกับกระบอกเสียง" - มาจากชื่อภาษาเยอรมัน ในภาษาอิตาลี เครื่องบันทึกเสียงจะมีเสียงเหมือน flauto dolce ซึ่งก็คือ "gentle flute" หรือ "sweet flute" ชื่อนี้อาจเกิดจากการที่เสียงของเครื่องบันทึกของแท้นั้นนุ่มนวลและนุ่มนวลมาก เครื่องบันทึกเสียงมักจะมีความโดดเด่นตามเกณฑ์ต่างๆ เช่น การบันทึกเสียง ขนาด และการใช้นิ้ว ประเภทเครื่องบันทึกเสียงที่พบมากที่สุดตามเครื่องบันทึกเสียงสามารถเรียกได้ห้าประเภท: โซปรานิโน, โซปราโน, อัลโต, เทเนอร์ และเบส เครื่องบันทึกโซปราโน (อังกฤษ: “Descant”) เป็นสิ่งที่พบได้บ่อยที่สุดในบรรดาเครื่องดนตรีเหล่านี้ทุกประเภท เป็นเครื่องบันทึกโซปราโนที่ใช้ในการสอนในโรงเรียนดนตรี ทั้งหมด สื่อการศึกษารวมถึงบันทึกส่วนใหญ่ ได้รับการบันทึกสำหรับเครื่องดนตรีนี้โดยเฉพาะ จริงๆ แล้วช่วงความถี่ของเครื่องบันทึกโซปราโนนั้นสูงกว่าระดับแปดเสียง แต่เนื่องจากการสัญกรณ์ที่โน้ตตรงกับความถี่พอดีจะไม่สะดวกนักสำหรับการฝึกนักดนตรี จึงเป็นเรื่องปกติที่จะเขียนโน้ตให้ต่ำกว่าระดับแปดเสียง
ตาม สารานุกรมดนตรี, “นิ้ว (จาก Lat. Applico - ฉันกด, ใช้) - วิธีการจัดเรียงและลำดับของการสลับนิ้วเมื่อเล่นเครื่องดนตรี; การกำหนดวิธีการนี้ไว้ในบันทึกย่อ” ดังนั้น การใช้นิ้วของเครื่องบันทึกจะให้คำอธิบายว่านิ้วของคุณควรใช้นิ้วปิดรูใดบนอุปกรณ์เพื่อให้ได้โน้ตเฉพาะ เครื่องบันทึกของระบบอังกฤษหรือ "บาโรก" แพร่หลายไปทั่วโลก นี่คือการใช้นิ้วของนักดนตรีมืออาชีพ ตามชื่อเลย การใช้นิ้วนี้มีต้นกำเนิดในอังกฤษ คุณสมบัติพิเศษของเครื่องบันทึกสไตล์บาโรกคือรูที่สี่จากด้านล่างมีเส้นผ่านศูนย์กลางเล็กกว่ารูที่สาม เครื่องบันทึกที่มีนิ้วแบบดั้งเดิมปรากฏช้ากว่าเครื่องดนตรีที่มีระบบบาโรกมาก ปัจจุบันรุ่นนี้ค่อนข้างหายาก เครื่องบันทึกของเยอรมันมีความทันสมัยกว่าซึ่งถูกประดิษฐ์ขึ้นแล้วในศตวรรษที่ 20 เครื่องบันทึกของเยอรมันได้รับความนิยมส่วนใหญ่ในเยอรมนี ฮอลแลนด์ และที่น่าแปลกใจคือในรัสเซีย เชื่อกันว่าเครื่องบันทึกที่มีการใช้นิ้วแบบดั้งเดิมจะเรียนรู้ได้ง่ายกว่า ดังนั้นในโรงเรียนดนตรีจึงมีการนำเสนอโมเดลนี้ให้กับนักเรียน เนื่องจากเครื่องบันทึกภาษาเยอรมันถูกสร้างขึ้นเพื่อสอนเด็กนักเรียน ความแตกต่างประการหนึ่งระหว่างขลุ่ยเยอรมันกับขลุ่ยอังกฤษก็คือ ในทางกลับกัน รูที่สี่มีเส้นผ่านศูนย์กลางใหญ่กว่ารูที่สาม ดังนั้นจึงมีความแตกต่างในการใช้นิ้วเมื่อเล่นโน้ตบางตัวและสิ่งนี้จะสร้างปัญหาในการแสดงสำหรับเด็ก ๆ นอกจากนี้เครื่องบันทึกสไตล์บาโรกยังมีช่องสัญญาณที่แคบกว่าซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมเสียงของพวกเขาจึงเงียบกว่าเครื่องบันทึกของเยอรมัน เครื่องบันทึกซึ่งประดิษฐ์ขึ้นในยุคกลางเป็นเวลาหลายศตวรรษได้รับความนิยมอย่างล้นหลามในหมู่ประชากรกลุ่มต่างๆ ในอังกฤษ เยอรมนี อิตาลี และฝรั่งเศส เครื่องบันทึกพบได้ในภาพวาดของศิลปินและในงานวรรณกรรมในยุคนั้น ตามรายงานบางฉบับ เครื่องบันทึกยังเป็นหนึ่งในเครื่องมือทางโลกของขุนนางรัสเซียด้วยซ้ำ เริ่มตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เครื่องดนตรีนี้ไม่เพียงแต่ถูกโยนออกจากวงซิมโฟนีออเคสตร้าเป็นเวลาหลายปีและเกือบจะถูกลืมไปจนหมดจนถึงต้นศตวรรษที่ 20 ดังนั้น หากไม่ใช่เพราะผู้ที่ชื่นชอบในศตวรรษที่ผ่านมาหลายคน ผู้บันทึกก็จะยังคงเป็นโบราณวัตถุที่ไม่น่าสนใจสำหรับใครเลยตลอดไป ในทางตรงกันข้าม เครื่องบันทึก "สมัยใหม่" ที่จริงแล้วเป็นผู้สืบทอดสายตรงของรุ่นเครื่องดนตรีในยุคบาโรกสูง เครื่องมือพลาสติกธรรมดาๆ พวกนั้น ธรรมดามาก และ
ความนิยมในหมู่คนหนุ่มสาวในสมัยของเราเป็นเพียงสำเนาที่เรียบง่ายของขลุ่ยเหล่านั้นที่ทำให้หูของ "ราชาแห่งดวงอาทิตย์" พอใจ ( พระเจ้าหลุยส์ที่ 14) และฟังง่ายๆ ในร้านดนตรีในยุคนั้น ความจริงก็คือ "การปฏิวัติ" ในการออกแบบเครื่องบันทึกเกิดขึ้นก่อนหน้านี้เล็กน้อย - ที่หน้าตัดของยุคเรอเนซองส์และบาโรก แต่สิ่งที่อาจดูน่าประหลาดใจยิ่งกว่าสำหรับหลาย ๆ คนก็คือความจริงที่ว่าเครื่องบันทึกรุ่นเรอเนซองส์ในยุโรปเป็นรุ่นที่มักใช้ในการแสดงดนตรีสมัยใหม่ แม้แต่ดนตรีแจ๊ส แต่ตามความเป็นจริงแล้วมันก็คุ้มค่าที่จะสังเกตผลงานของปรมาจารย์ที่โดดเด่นแห่งศตวรรษที่ 20 เช่น Ralph Ehlert ประเทศเยอรมนี เขาไม่เพียงแต่พัฒนาความสามารถด้านเสียงและพลังเสียงของเครื่องดนตรีเท่านั้น แต่ยังคิดค้นเครื่องบันทึกรุ่นของเขาเองซึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในยุโรป เครื่องบันทึกแบบยุโรปคลาสสิกเป็นที่รู้จักมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 11 แต่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในช่วงยุคเรอเนซองส์ ไอเดียเกี่ยวกับดนตรี ยุคกลางตอนต้นมีเงื่อนไขมาก มีเพียงผู้สันนิษฐานได้ว่าการล่มสลายของจักรวรรดิโรมัน (ซึ่งปัจจุบันเป็นธรรมเนียมที่จะเริ่มนับยุคกลาง) และการอพยพครั้งใหญ่ของประชาชน (ศตวรรษที่ IV-VII) ส่งผลกระทบต่อการแพร่กระจายของเครื่องดนตรีในยุโรป เครื่องดนตรีประเภทลมส่วนใหญ่ในยุโรปสามารถเรียกได้ว่าเป็นมรดกของจักรวรรดิโรมันได้อย่างง่ายดาย โดยพื้นฐานแล้ว เรากำลังพูดถึงเครื่องมือที่กองทัพใช้ ประวัติความเป็นมาของเครื่องบันทึกเริ่มต้นขึ้นในภายหลัง แต่เราสามารถพิจารณาข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการเผยแพร่เครื่องมือนี้ เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับดนตรียุโรปได้ตั้งแต่ประมาณศตวรรษที่ 6 แต่น่าเสียดายที่เราสามารถคาดเดาได้เฉพาะสิ่งที่เกิดขึ้นในดนตรีก่อนช่วงเวลานี้เท่านั้น ในเวลานี้ ประเพณีการร้องเพลงในโบสถ์แบบเสียงเดียวเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งต่อมาได้เปลี่ยนเป็นการร้องประสานเสียง ผลงานดนตรีเหล่านี้มีพื้นฐานมาจากเพลงสวดของโบสถ์ เกือบจะก่อนที่จะมีการร้องเพลงประสานเสียงในโบสถ์นักบวชทุกคนก็ร้องเพลง การร้องประสานเสียงประกอบด้วยนักดนตรีมืออาชีพเท่านั้น เป็นเวลานานมากแล้วที่มีเพียงดนตรีประเภทนี้เท่านั้นที่ถูกเก็บรักษาไว้ในโบสถ์ ในปี 660 เครื่องดนตรีของคริสตจักรชิ้นแรกปรากฏขึ้น - "เครื่องดนตรีศักดิ์สิทธิ์" - ออร์แกนซึ่งจนถึงทุกวันนี้เป็นลักษณะสำคัญของคริสตจักรคาทอลิก อย่างไรก็ตาม ท่อหลายแบบในการออกแบบออร์แกนมีรูปร่างเหมือนเครื่องบันทึก ประมาณศตวรรษที่ 11-12 การร้องเพลงแบบโพลีโฟนิกเกิดขึ้น ซึ่งหลายศตวรรษต่อมาก็เริ่มมีเครื่องดนตรีร่วมด้วย แต่ปรากฏการณ์นี้ไม่ใช่สาเหตุหลักสำหรับการปรากฏตัวของเครื่องบันทึกบนเวทียุคกลาง บทบาทที่สำคัญกว่ามากในการทำให้เป็นที่นิยมคือนักดนตรีที่เดินทางซึ่งเริ่มปรากฏตัวในเวลาเดียวกัน ภายใต้นักดนตรีที่เดินทางคุณสามารถทำได้
ประการแรกคือ คณะนักร้องประสานเสียงชาวฝรั่งเศสและคณะนักร้องประสานเสียงชาวฝรั่งเศส ตลอดจนคนงานเหมืองชาวเยอรมัน ซึ่งเป็นศิลปินที่กล่าวถึงชีวิตอัศวินในด้านต่างๆ ในบทกวี รวมถึงความรักต่อหญิงสาวสวยที่ไม่อาจบรรลุได้ บทกวีทั้งหมดที่แต่งโดยนักดนตรีเร่ร่อนจำเป็นต้องมีการบรรเลง และผู้บันทึกก็กลายมาเป็นเครื่องมือประกอบนี้อย่างแน่นอน มีเครื่องดนตรียุคกลางเพียงไม่กี่ชิ้นเท่านั้นที่รอดมาจนถึงทุกวันนี้ สามในนั้นถูกพบระหว่างการขุดค้นในเมืองดอร์เดรชต์ของเนเธอร์แลนด์ ในเกิททิงเงนของเยอรมนี และในเอลบลากของโปแลนด์ ขลุ่ยเหล่านี้มีอายุย้อนไปถึงศตวรรษที่ 13-14 พวกเขาทั้งหมดมีทะเบียนนักร้องโซปราโน ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ดนตรีฆราวาสที่ห้ามอย่างเคร่งครัดก่อนหน้านี้ในที่สุดก็เริ่มได้รับอิสรภาพในที่สุดแม้ว่าในเวลานี้จะมีแนวเพลงที่โดดเด่นชัดเจนก็ตาม ดนตรีบรรเลงแม้จะค่อยๆ เริ่มได้รับอิสรภาพ แต่ก็ยังเป็นเพลงประกอบรองของเพลงและการเต้นรำมาเป็นเวลานาน ในเวลานี้ การเรียบเรียงเพลงที่เปลี่ยนจากการประพันธ์เพลงทางจิตวิญญาณหรือทางโลกเป็นการประพันธ์เพลงพื้นบ้าน บางครั้งมีการใช้เครื่องเพอร์คัชชันและเครื่องลมโดยเฉพาะเครื่องบันทึก เริ่มได้รับความนิยม การแพร่กระจายของเครื่องบันทึกเกิดจากความเรียบง่ายของเกม วงดนตรีที่ได้รับความนิยมเป็นพิเศษคือวงดนตรีที่ประกอบด้วยเครื่องดนตรีประเภทเดียวกัน - มเหสี โดยวิธีการที่ค่อนข้างมาก ผลงานดนตรีในช่วงเวลานั้นถูกสร้างขึ้นโดยไม่มีการอ้างอิงถึงเครื่องดนตรีใดโดยเฉพาะ กล่าวคือ งานชิ้นหนึ่งสามารถทำได้โดยใช้เครื่องบันทึกหรือวงดนตรีเครื่องสาย การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญที่สุดในดนตรียุคเรอเนซองส์เกิดขึ้นในฝรั่งเศส ก่อนอื่นเลย สิ่งนี้เชื่อมโยงกับชื่อของปิแอร์ แอทเทนแนน ชายคนนี้ซึ่งเริ่มเผยแพร่เมื่อประมาณปี 1525 ได้ประดิษฐ์จดหมายที่วาดภาพเป็นครั้งแรก ไม้เท้าและบันทึกย่อ ตั้งแต่นั้นมา คะแนนก็มีให้สำหรับคนจำนวนมาก อย่างรวดเร็ว เทคโนโลยีการพิมพ์อันเป็นเอกลักษณ์ของ Attenyan แพร่กระจายไปทั่วยุโรป เราสามารถพูดได้ว่าเป็นชายคนนี้ที่เราเป็นหนี้การปรากฏตัวของโน้ตตัวแรกสำหรับผู้บันทึก และสิบปีต่อมาในปี 1535 หนังสือเรียนเล่มแรกเกี่ยวกับการเล่นเครื่องบันทึกได้รับการตีพิมพ์ในเมืองเวนิส - "La Fontegara, la quale insegna di suonare il flauto ฯลฯ" ผู้เขียนคือ นักแต่งเพลงชาวอิตาลีซิลเวสโตร กานาสซี่. สิ่งสำคัญคือบทความนี้ไม่เพียงเผยแพร่ข้อมูลเกี่ยวกับเทคนิคต่าง ๆ ในการเล่นเครื่องบันทึกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการใช้นิ้วด้วย เราเป็นหนี้การปรากฏตัวของอารมณ์ที่เท่าเทียมกันซึ่งเป็นพื้นฐานของดนตรียุโรปทั้งหมดในยุคบาโรก
เครื่องบันทึกในสมัยบาโรกได้กลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีชั้นนำ ผลงานดนตรีจำนวนมากที่เขียนขึ้นสำหรับเครื่องดนตรีนี้ยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ในทางใดทางหนึ่ง บาโรกเป็นช่วงเวลาแห่งเครื่องบันทึก ตัวอย่างเช่น ในช่วงเวลานี้เองที่คอลเลกชัน "Der Fluyten Lust-Hof" ของ Jacob van Eyck (1646-1649) ได้รับการตีพิมพ์ ซึ่งยังถือว่าเป็นคอลเลกชันผลงานที่ใหญ่ที่สุดสำหรับเครื่องดนตรีประเภทลมเดี่ยวที่เขียนโดยนักแต่งเพลงเพียงคนเดียว ในศตวรรษที่ 17 มีการเปลี่ยนแปลงในการออกแบบเครื่องบันทึก ในเวลานี้เองที่เครื่องบันทึกที่เรียกว่า "บาโรก" ปรากฏขึ้นซึ่งใกล้เคียงกับเครื่องดนตรีรุ่นทันสมัยนี้มาก การเปลี่ยนแปลงส่วนใหญ่ประกอบด้วยการลดเส้นผ่านศูนย์กลางของขลุ่ย สิ่งนี้ทำให้โทนเสียงของฟลุตเปลี่ยนไป ตั้งแต่นั้นมา เสียงก็หยุดที่จะนุ่มนวล ไม่เหมือนเครื่องดนตรีรุ่นก่อนๆ และเข้าใกล้สิ่งที่เราได้ยินมากขึ้นในปัจจุบัน ในศตวรรษที่ 18 ชื่อ “เครื่องบันทึก” จางหายไปเบื้องหลังและถูกแทนที่ด้วยคำว่า “ขลุ่ย” ขลุ่ยขวางในสมัยนั้นเรียกง่ายๆ ว่า ขลุ่ยเยอรมัน ผู้เชี่ยวชาญระบุเหตุผลที่แตกต่างกันในการเปลี่ยนเครื่องบันทึกด้วยฟลุตขวางในวงซิมโฟนีออร์เคสตร้าและวงดนตรีบรรเลง เป็นไปได้ว่าสิ่งเหล่านี้ทั้งหมดส่งผลต่อการลืมเลือนของเครื่องดนตรี สาเหตุหนึ่งที่ตามธรรมเนียมถือว่าเป็นเสียงเครื่องบันทึกที่ค่อนข้างเงียบ แต่ตำแหน่งนี้เป็นที่ถกเถียงกัน เนื่องจากในตอนแรกขลุ่ยตามขวางไม่ได้ดังกว่าเครื่องบันทึก หลังจากนั้นเมื่อมีการเปลี่ยนแปลงการออกแบบบางอย่าง ฟลุตตามขวางก็เริ่มมีเสียงดังขึ้นและมีความสามารถทางเทคนิคที่สูงขึ้น ในปัจจุบัน เป็นเรื่องยากมากที่จะค้นหาความคล้ายคลึงระหว่างเครื่องบันทึกกับขลุ่ยขวาง อย่างไรก็ตาม ไม่สามารถปฏิเสธได้ว่าในขณะนั้น ฟลุตตามขวางมีช่วงเสียงที่กว้างกว่าและมีโทนเสียงที่บริสุทธิ์กว่า อีกเหตุผลหนึ่งก็คือเครื่องบันทึกเล่นได้ยากมากเนื่องจากคุณลักษณะของมัน ความจริงก็คือเครื่องบันทึกที่ทำด้วยไม้มีแนวโน้มที่จะเปลี่ยนการปรับจูนเนื่องจากการเปลี่ยนแปลงของอุณหภูมิอากาศ การปรับจูนจะเปลี่ยนทั้งจากการเล่นในที่เย็นและจากการทำความร้อนขลุ่ยขณะเล่น ด้วยขลุ่ยขวาง ปัญหานี้เด่นชัดน้อยกว่ามาก ที่น่าสนใจคือผลงานดนตรีหลายชิ้น เช่น ผลงานชิ้นที่ 10 ของวิวาลดี เดิมเขียนสำหรับผู้บันทึก และต่อมาถูกดัดแปลงเป็นขลุ่ยขวาง แหล่งข้อมูลบางแห่งอ้างว่าอีกสาเหตุหนึ่งที่ทำให้เครื่องบันทึกถูกแทนที่ก็คือความจริงที่ว่าดนตรีหยุดเป็นเพียงงานอดิเรกที่น่ารื่นรมย์และถูกเปลี่ยนให้กลายเป็นดนตรีอย่างแท้จริง
ทรงกลมมืออาชีพ ค่อนข้างยากที่จะเห็นด้วยกับสิ่งนี้เนื่องจากเครื่องบันทึกแทบจะไม่ถูกมองว่าเป็นเครื่องดนตรีที่ไม่เป็นมืออาชีพ นอกจากนี้ ในงานหลายชิ้นของ Bach ผู้บันทึกจะเล่นเดี่ยวร่วมกับทรัมเป็ตและโอโบ เปลี่ยน รสนิยมทางดนตรีทั้งตัวนักดนตรีเองและผู้ฟังรวมถึงการประเมินความสามารถของเครื่องบันทึกไม่เพียงพอซึ่งเกิดจากการขาดนักแสดงมืออาชีพซึ่งตามมาด้วยการเปลี่ยนแปลงลำดับความสำคัญ ในเวลาเดียวกัน แฟชั่นสำหรับผู้บันทึกก็เริ่มกลายเป็นอดีตไปแล้ว และวงดนตรีที่ประกอบด้วยเครื่องดนตรีที่แตกต่างกันก็เริ่มปรากฏให้เห็นบ่อยขึ้นเรื่อยๆ ในแง่นี้ เครื่องบันทึกไม่สามารถแข่งขันกับเครื่องเป่าลมอื่นๆ ได้ ในความเป็นจริง ในบรรดาวงดนตรีทั้งหมด เมื่อต้นศตวรรษที่ 18 เหลือเพียงวงเครื่องสายเท่านั้น ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นพื้นฐานของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา เครื่องดนตรีอื่นๆ ทั้งหมด - กลอง ลม ฯลฯ – ถูกเลือกสำหรับออเคสตราโดยพิจารณาจากความเข้ากันได้กับเครื่องสาย เกณฑ์หลักคือไดนามิกและความเสถียรของน้ำเสียง เครื่องบันทึกเป็นเครื่องดนตรีที่แทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะเล่นด้วยความหลากหลายแบบไดนามิก นอกจากนี้ยังมีความบริสุทธิ์ของโทนเสียงไม่เพียงพอเมื่อเทียบกับเครื่องดนตรีอื่นๆ นอกจากนี้ยังสามารถสันนิษฐานได้ว่าขนาดไดโทนิกของเครื่องบันทึกและความยากลำบากในการขยายเป็นสีมีบทบาทสำคัญ แต่ควรสังเกตว่าผู้บันทึกไม่ได้สละตำแหน่งในทันที เครื่องบันทึกประเภทหนึ่ง - ฮาร์มอนิก - เริ่มแพร่หลายในศตวรรษที่ 17 และเนื่องจากเสียงที่ค่อนข้างดังและชัดเจนจึงเข้ากันได้ดีกับวงออเคสตรา สเกลฮาร์มอนิกเริ่มต้นด้วยโน้ต "D" ของอ็อกเทฟที่สอง ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดประการหนึ่งของการใช้ฮาร์โมนิกในวงออเคสตราคือโอเปร่าของ V.-A "ขลุ่ยวิเศษ" ของโมสาร์ท มันเป็นฮาร์มอนิกที่กลายเป็น "ขลุ่ยวิเศษ" ในงานของอัจฉริยะ อาจเป็นไปได้ว่าในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เครื่องบันทึกก็ถูกแทนที่ด้วยฟลุตตามขวางโดยสิ้นเชิงและพร้อมกับการหายตัวไปของเครื่องดนตรีนี้จากประวัติศาสตร์ดนตรีเพิ่มเติมจนถึงศตวรรษที่ 20 ปรมาจารย์ที่มีส่วนร่วมใน การผลิตเครื่องบันทึกก็หายไปเช่นกัน ในอาณาเขต ของยุโรปตะวันออกเครื่องบันทึกก็ยังคงมีอยู่ทั่วไปเช่น เครื่องดนตรีพื้นบ้าน. เหล่านี้คือโซปิลกายูเครน (dentsivka), ไปป์เบลารุส, สโลวัก fuyara, fluera ของมอลโดวาและโรมาเนีย (fluyara, fluyra) ในช่วงปลายศตวรรษที่สิบเก้า - ต้นศตวรรษที่ผ่านมา เครื่องบันทึกถูกจดจำอีกครั้งว่าเป็นเครื่องดนตรีโบราณที่น่าสนใจ นี่เป็นเพราะแนวโน้มทั่วยุโรปที่มีต่อการฟื้นฟูความสนใจในประวัติศาสตร์ของตนเองและวัฒนธรรมของชนชาติอื่น วงดนตรีชุดแรก
เพลงยุคแรกปรากฏขึ้นทุกประการ รอบ XIX-XXศตวรรษ เวลานี้เกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นของปรากฏการณ์เช่น "ความแท้จริง" ความสมจริงหรือการแสดงที่แท้จริงคือ “การเคลื่อนไหวในการแสดงดนตรีที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อสร้างเสียงดนตรีในอดีตขึ้นมาใหม่อย่างแม่นยำที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ และเพื่อให้ตรงกับการแสดงสมัยใหม่กับแนวคิด “ทางประวัติศาสตร์” ดั้งเดิม โดยพื้นฐานแล้ว ลัทธิแท้ในยุคแรกมีความเกี่ยวข้องกับการสร้างสรรค์ดนตรีบาโรกอย่างละเอียด ต่อมาแนวคิดนี้ก็ได้แพร่กระจายไปสู่แนวดนตรีอื่นๆ ในปี 1919 นักดนตรีชาวอังกฤษ Arnold Dolmech ก้าวแรกสู่การฟื้นฟูเครื่องบันทึกเสียงสมัยศตวรรษที่ 18 เวอร์ชันภาษาอังกฤษโดยเริ่มผลิตเครื่องดนตรีนี้ ต่อมาเขามีบทบาทสำคัญในการเผยแพร่ความสนใจในการแสดงที่แท้จริงและสร้างอะนาล็อกของเครื่องดนตรีโบราณ อย่างไรก็ตาม ในเยลลี่จริงๆ โดลเมคไม่ใช่คนแรกเลย แม้ว่าเขาจะถือว่าเป็นเช่นนั้นก็ตาม นำหน้าด้วยนักดนตรีจากบรัสเซลส์ Conservatory (ที่ Dolmetsch ศึกษา) และองค์กร Bogenhauser Künstlerkapelle และนักดนตรี Willibald Gurlit, Werner Dankertz, Gustav Scheck ทั้งหมดนี้ชี้ให้เห็นว่าการฟื้นฟูเครื่องบันทึกไม่ได้เป็นผลมาจากคน ๆ เดียว แต่เกิดจากนักดนตรีทั้งกลุ่มที่ยิ่งกว่านั้นได้ทำงานแยกจากกันในประเทศต่างๆ ที่น่าสนใจคือในเวลากว่าร้อยปีเล็กน้อยข้อมูลเกี่ยวกับเครื่องบันทึกก็สูญหายไปในทางปฏิบัติ เมื่อ Igor Fedorovich Stravinsky คุ้นเคยกับเครื่องดนตรีนี้ เขาแน่ใจว่ามันเป็นคลาริเน็ตแบบเก่ามาก อันที่จริงผู้แต่งไม่ได้เข้าใจผิดมากนัก เนื่องจากคลาริเน็ตรุ่นแรกมีลักษณะคล้ายกับเครื่องบันทึกมาก ชื่อเช่น Paul Hindemith, Mark Weinroth, Ferdinand Conrad, David Monroe มีความเกี่ยวข้องกับการแสดงที่แท้จริงและความนิยมของเครื่องบันทึก
1.2. รูปแบบและวิธีการพัฒนาความสามารถทางดนตรีด้วย

การเรียนรู้เครื่องบันทึก
การสอนดนตรีซึ่งปรับปรุงวิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีลมอย่างต่อเนื่องควรเป็นแรงผลักดันใหม่อย่างไม่ต้องสงสัยในการนำเครื่องบันทึกไปใช้ในการฝึกสอนดนตรีและการแสดงในวงกว้าง แต่ก่อนที่เราจะพูดถึงประเด็นการสอนเด็ก ๆ ให้เล่นเครื่องบันทึกโดยตรง เราควรคำนึงถึงข้อกำหนดเบื้องต้นที่จำเป็นสำหรับการเรียนรู้รายละเอียดปลีกย่อยด้านการแสดงและจิตวิทยาทั้งหมดที่ควรจะเป็น
อยู่ในมุมมองและความสนใจของครูผู้สอนเครื่องดนตรีพิเศษอย่างต่อเนื่อง - ผู้บันทึก ความสามารถทางดนตรีที่ช่วยให้คุณเชี่ยวชาญเครื่องดนตรีใดๆ รวมถึงเครื่องบันทึก ได้แก่ การได้ยิน ความทรงจำ และจังหวะ แน่นอนว่ามันเป็นโดยนัย หูสำหรับฟังเพลงความจำทางดนตรีและความรู้สึกของจังหวะดนตรี นักเรียนที่มีความสามารถไม่เพียงแต่จะต้องสามารถกำหนดเสียงและระดับเสียงเท่านั้น แต่ยังตอบสนองต่อ "น้ำเสียง" "ไดนามิก" ประสบการณ์ทางอารมณ์ของดนตรี และรู้สึกถึงตัวละครของมันด้วย ด้วยการฝึกฝนอย่างมีเป้าหมายและมีเป้าหมาย การพัฒนาความสามารถทางดนตรีจึงสามารถบรรลุผลลัพธ์ที่ยอดเยี่ยมได้ คุณสามารถปลูกฝังความสามารถทางดนตรีได้หากคุณรักดนตรีและมีความปรารถนาอย่างยิ่งที่จะทำมัน ความสามารถตามธรรมชาติควรได้รับการพัฒนาตั้งแต่วัยเด็ก บางครั้งเด็กไม่แสดงความสามารถทางดนตรีทันที แต่เราสามารถกำหนดความสนใจในดนตรีของเขาได้ตั้งแต่อายุยังน้อย การพัฒนาการได้ยินจะต้องกระทำอย่างชำนาญและเป็นมืออาชีพ ดังนั้นในโรงเรียนดนตรีเด็ก ตั้งแต่ชั้นปีแรกของการศึกษา หลักสูตรจึงประกอบด้วยวิชาสำหรับพัฒนาหู ความจำ และจังหวะทางดนตรี แต่กิจกรรมเหล่านี้เพียงอย่างเดียวไม่เพียงพอที่จะพัฒนารายละเอียดปลีกย่อยในการรับรู้ทางดนตรีของเด็ก ครูมืออาชีพจะต้องพัฒนาความสามารถของนักเรียนในชั้นเรียนอย่างสม่ำเสมอ การได้ยินของนักเรียนอาจพัฒนาได้ดีกว่าความจำหรือจังหวะ นอกจากนี้ยังอาจเป็นอีกทางหนึ่ง: ความจำและจังหวะได้รับการพัฒนาอย่างประณีตมากกว่าการได้ยิน ดังนั้นจึงจำเป็นต้องพัฒนาความสามารถของนักเรียนโดยอาศัยความสามารถและข้อมูลธรรมชาติของเขา เพื่อกำหนดความสามารถทางดนตรี ครูต้องตรวจสอบนักเรียนของเขาอย่างรอบคอบ ควรให้ความสนใจอย่างต่อเนื่องกับน้ำเสียงที่ถูกต้องซึ่งเป็นวิธีที่สำคัญที่สุดในการแสดงออกทางดนตรี เพื่อพัฒนาน้ำเสียงที่แม่นยำ จำเป็นต้องพัฒนาหูด้านดนตรีของนักเรียนอย่างต่อเนื่อง รวมถึงความรู้สึกในการควบคุมตนเอง การบรรลุโทนเสียงที่สะอาดด้วยเครื่องบันทึกไม่ใช่เรื่องง่าย เนื่องจากเสียงส่วนใหญ่เกิดขึ้นโดยใช้การใช้นิ้วผสมกัน เป็นที่ทราบกันดีว่าไม่มีเครื่องดนตรีที่ได้รับการปรับจูนอย่างสมบูรณ์แบบ เครื่องมือลมเป็นเครื่องมือปรับแต่งแบบกึ่งคงที่ ระดับเสียงของเครื่องบันทึกสามารถปรับได้ตามไดนามิก การเปลี่ยนการใช้นิ้วและการยืดปากเป่า นี่เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งที่ต้องจำไว้เมื่อเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องบันทึก เนื่องจากทัศนคติที่ไม่แยแสของนักเรียนต่อการผลิตเสียงมักจะทำให้การปรับและการบิดเบือนของน้ำเสียงลดลงหรือเพิ่มขึ้น
เครื่องมือลมมีคุณสมบัติหลายประการ หนึ่งในนั้นคือความไม่ถูกต้องในการปรับจูน ซึ่งจำเป็นต้องมี "การแก้ไข" ความสูงของเสียงแต่ละเสียงอย่างต่อเนื่องโดยใช้ความตึงเครียดของริมฝีปากที่เหมาะสม ซึ่งต้องเพิ่มความไวในการได้ยินต่อน้ำเสียง คุณสมบัติอีกประการหนึ่งคือความหลากหลายของเสียงร้อง ดังนั้น ผู้เรียนเกี่ยวกับเครื่องดนตรีประเภทลมจึงสามารถได้รับความสามารถในการกำหนดและจินตนาการถึงระดับเสียงที่แท้จริงของเครื่องดนตรีที่พวกเขากำลังเล่นได้อย่างง่ายดาย สำหรับหลายๆ คน สิ่งนี้จะแสดงออกมาทันทีที่พวกเขาหยิบเครื่องดนตรีขึ้นมา โดยขึ้นอยู่กับความเชื่อมโยงระหว่างการแสดงเสียงและความรู้สึกของมอเตอร์ ผลที่ตามมาคือการพัฒนาการได้ยินทางดนตรีอย่างรวดเร็ว มีความจำเป็นต้องปลูกฝังความสามารถในการคาดการณ์เสียงให้กับเด็ก ด้วยเหตุนี้ในช่วงแรกจึงมีประโยชน์ในการร้องเพลงแล้วเล่นเพลง โปรดทราบว่าเสียงบางอย่างในเครื่องบันทึกอาจถูกประเมินสูงเกินไป ตัวอย่างเช่น F Sharp ของอ็อกเทฟที่สอง D Sharp ของอ็อกเทฟที่สอง ฯลฯ ในกรณีเช่นนี้ จำเป็นต้องใช้นิ้วที่แตกต่างกันซึ่งจะช่วยให้น้ำเสียงมีเสถียรภาพมากขึ้น นักเรียนจะต้องตระหนักถึงสิ่งนี้และมุ่งมั่นที่จะเลือกนิ้วเชิงรุก สิ่งสำคัญในการพัฒนาการได้ยินของนักเรียนก็คือพื้นฐานฮาร์โมนิกของทำนองเพลงที่กำลังเล่นอยู่ ดังนั้นเมื่อแสดงท่อนที่ง่ายและง่ายที่สุดก็ควรมีเปียโนประกอบด้วย เมื่อพิจารณาว่าในเครื่องบันทึก คุณสามารถปรับการปรับแต่งโดยรวมของเครื่องดนตรีได้โดยการขยายปากเป่า ตั้งแต่บทเรียนแรกๆ นักเรียนควรได้รับการสอนทักษะในการปรับเครื่องดนตรีให้เหมาะกับเปียโนหรือกีตาร์อย่างอิสระ ดนตรีไหลไปตามกาลเวลา ดังนั้นการรับรู้ทำนองและลำดับฮาร์โมนิกจึงเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อเนื้อหาที่ฟังถูกเก็บไว้ในความทรงจำและเปรียบเทียบกับสิ่งที่ได้ยินในแต่ละช่วงเวลาถัดไป การมีอยู่ของความดีเท่านั้น ความทรงจำทางดนตรีจะช่วยให้คุณได้รับความรู้สึกที่ค่อนข้างสมบูรณ์จากเพลงที่คุณกำลังฟังอยู่ ความทรงจำในด้านจิตวิทยาเป็นภาพสะท้อนของประสบการณ์ในอดีต ซึ่งแสดงออกผ่านรอยประทับและการทำซ้ำ หน่วยความจำช่วยให้คุณสะสมประสบการณ์และใช้งานได้ บุคคลที่ขาดความจำจะอยู่ในระดับทารกแรกเกิดเสมอในแง่ของพัฒนาการ หน่วยความจำ บุคคลทัศนคติที่แตกต่างกันต่อกิจกรรมของอวัยวะรับสัมผัส: เมื่อจดจำบางส่วนต้องอาศัยกิจกรรมของอุปกรณ์การมองเห็นเป็นหลัก อื่น ๆ - อุปกรณ์การได้ยิน อื่น ๆ -
มอเตอร์ (มอเตอร์) ที่สี่ - เปิด การคิดอย่างมีตรรกะ. มีผู้ที่ใช้หน่วยความจำประเภทนี้เท่ากัน ความจำถือเป็นความสามารถพิเศษโดยทั่วไป จำเป็นสำหรับชีวิตและกิจกรรมของมนุษย์ และสำหรับนักดนตรีและนักแสดงโดยเฉพาะ ดังนั้นเมื่อเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องบันทึกจะต้องแก้ไขงานในการพัฒนาความจำทางดนตรีซึ่งจะนำไปสู่การก้าวกระโดดเชิงคุณภาพ ในระยะเริ่มแรกของการเรียนรู้ นักเรียนจะประสบปัญหาในการจดจำผลงาน แต่ด้วยการเรียนรู้เนื้อหาทางดนตรีอย่างเป็นระบบด้วยใจ ความสามารถนี้เพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด การท่องจำอาจไม่สมัครใจหรือสมัครใจก็ได้ ในกรณีแรกนี่คือการท่องจำและการทำสำเนาเนื้อหาที่เกิดขึ้นโดยอัตโนมัติและโดยไม่ต้องใช้ความพยายามมากนักโดยไม่ต้องตั้งค่างานพิเศษ ในกรณีที่สอง จำเป็นต้องมีงานดังกล่าว และกระบวนการท่องจำหรือเล่นต้องเน้นไปที่รายละเอียดทั้งหมดของงานที่กำลังศึกษา ในการสอนดนตรี มีหน่วยความจำอยู่ห้าประเภทหลัก: การได้ยิน; ภาพ; มอเตอร์ขับเคลื่อน; ตรรกะ; ผสม; หน่วยความจำการได้ยินเป็นหน่วยความจำดนตรีประเภทหลัก จากการได้ยิน เราควรแยกแยะความสามารถในการจดจำด้วยเครื่องช่วยฟังผ่านการรับรู้ทั้งความรู้สึกในรูปแบบกิริยาและการเป็นตัวแทนทางการได้ยิน นี่เป็นการท่องจำที่ดีและสร้างเสียงต่างๆ จังหวะทำนอง แรงจูงใจและน้ำเสียงของแต่ละบุคคล งานดนตรีทั้งหมด และอื่นๆ ได้อย่างแม่นยำ ความจำภาพยังเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับนักเรียนในตัวเขา งานภาคปฏิบัติ. จะต้องได้รับการพัฒนาโดยคำนึงถึงความสามารถและพัฒนาการของเด็ก นักเรียนต้องเรียนรู้ที่ไม่เพียงแต่จะเห็นข้อความเท่านั้น แต่ยังต้องสามารถทำซ้ำได้โดยครอบคลุมบันทึกย่ออีกด้วย หน่วยความจำภาพสัมพันธ์กับการจัดเก็บและการสร้างภาพที่มองเห็น ความทรงจำประเภทนี้เกี่ยวข้องกับการพัฒนาความสามารถในการจินตนาการของบุคคล โดยเฉพาะอย่างยิ่งกระบวนการจดจำและทำซ้ำเนื้อหานั้นขึ้นอยู่กับมัน: สิ่งที่บุคคลสามารถจินตนาการได้ด้วยสายตา ตามกฎแล้วเขาจะจดจำและทำซ้ำได้ง่ายขึ้น หน่วยความจำของมอเตอร์และมอเตอร์คือการท่องจำและการจัดเก็บและหากจำเป็นให้ทำซ้ำด้วย
ความแม่นยำเพียงพอของการเคลื่อนไหวที่หลากหลายและซับซ้อน เธอมีส่วนร่วมในการพัฒนาทักษะยนต์ การปรับปรุงการเคลื่อนไหวด้วยตนเองของมนุษย์เกี่ยวข้องโดยตรงกับความทรงจำประเภทนี้ มันพัฒนาผ่านการปฏิบัติอย่างเป็นระบบ การทำซ้ำในสถานที่ที่ยากและไม่สะดวกที่สุดในการแสดงซ้ำๆ โดยส่วนใหญ่เป็นท่าที่ใช้นิ้ว ความจำเชิงตรรกะเกี่ยวข้องกับการท่องจำเนื้อหาทางดนตรีผ่านการคิดและการให้เหตุผล ลักษณะและรูปแบบของงาน โดยวิธีการแสดงเนื้อหา; อะไรคือสิ่งที่สำคัญในข้อความ อะไรคือสิ่งที่รอง ตอนไหนจำยากกว่าและเพราะเหตุใด ประเภทผสมควรถือเป็นความสำเร็จสูงสุดในการปรับปรุงความจำทางดนตรี สามารถทำได้ด้วยความสามารถเฉพาะตัวและต้องทำงานหนักเพื่อตัวคุณเอง การสะสมดนตรีและเพลงช่วยเสริมรสนิยมของนักเรียนที่เริ่มต้นและเสริมสร้างความจำของเขา ดังนั้นจึงมีประโยชน์เมื่อศึกษาเนื้อหาใหม่เพื่อพัฒนาและเสริมสร้างความจำจึงมีประโยชน์ที่จะไม่ลืมและทำซ้ำชิ้นส่วนที่จดจำไว้แล้วอย่างเป็นระบบ คุณภาพของการเรียนรู้ด้วยใจได้รับอิทธิพลอย่างมากจากลักษณะของผลงานที่กำลังแสดง หากเนื้อหาทางดนตรีนี้น่าสนใจและเข้าถึงได้สำหรับนักเรียน เขาจะเชี่ยวชาญได้เร็วขึ้นและเรียนรู้จากใจ ความทรงจำทางดนตรีเป็นแนวคิดที่ซับซ้อน ดังนั้นนักเรียนควรได้รับการสอนตั้งแต่เริ่มต้นไปจนถึงงานที่เป็นอิสระและรอบคอบ เพื่อป้องกันไม่ให้กลายเป็นมิติเดียว เมื่อเราพูดถึงจังหวะ เราจะรับรู้ จินตนาการ และรู้สึกถึงมันในรูปแบบที่ต่างกัน สิ่งนี้เกิดขึ้นเนื่องจากความรู้สึกของแต่ละบุคคลเกี่ยวกับจังหวะ - เมโทร - จังหวะ เด็กๆ มักจะแสดงเพลงเดียวกันในรูปแบบที่แตกต่างกัน แต่นี่ไม่ได้หมายความว่าพวกเขาจะแทนที่ข้อความดนตรี การแสดงขึ้นอยู่กับความรู้สึกของจังหวะ-เมโทร-จังหวะของนักแสดงเป็นหลัก นั่นคือเหตุผลว่าทำไมจังหวะจึงเป็นพื้นฐานของดนตรี ซึ่งเป็นเรื่องยากมากที่จะอธิบายและให้ความรู้ จังหวะควรมีความชัดเจน สม่ำเสมอ และแน่นอน แต่ละเพลงมีจังหวะและจังหวะเฉพาะ และต้องแสดงตามจังหวะที่ผู้เขียนกำหนด แต่อาจมีการเบี่ยงเบนไปจากจังหวะและจากการแสดงจังหวะทางคณิตศาสตร์ล้วนๆ ที่ไหนสักแห่งที่อยู่ตรงกลางของท่อน การวัด หรือวลี นี่คือความมีชีวิตชีวาของดนตรี การแสดงที่เป็นธรรมชาติ ไม่เป็นทางการ เฉยเมย จังหวะไม่อาจมองว่าเป็นสิ่งที่คลุมเครือ อธิบายไม่ได้ และ
โดยพลการ โดยธรรมชาติแล้ว จังหวะมีรูปแบบที่แน่นอน โดยที่ทั้งการรับรู้และการสร้างดนตรีโดยรวมคงเป็นสิ่งที่คิดไม่ถึง ทักษะของนักแสดงและการระบุรสนิยมและความสามารถของเขาขึ้นอยู่กับระดับการพัฒนาความรู้สึกของจังหวะ ความรู้สึกด้านจังหวะต้องได้รับการปลูกฝังตั้งแต่ก้าวแรกของการเรียนรู้ที่โรงเรียนดนตรี จากจุดเริ่มต้น ครูที่สอนนักเรียนให้เล่นเครื่องบันทึก จะต้องบรรลุการแสดงที่ชัดเจน ทั้งในแบบฝึกหัดง่ายๆ เครื่องชั่ง อาร์เพจจิโอ และเอทูดี้หรือท่อน ครูควรสังเกตและแก้ไขความไม่ถูกต้องน้อยที่สุดในการแสดงจังหวะ ดังนั้นคุณต้องติดตามจังหวะและจังหวะอย่างต่อเนื่อง เพื่อปรับปรุงการทำงานเกี่ยวกับจังหวะเมโทร ในชั้นเรียนคุณสามารถใช้เป็นแบบฝึกหัด เน้นจังหวะที่หนักแน่นในบาร์ แบ่งกลุ่มจังหวะที่ซับซ้อนให้กลายเป็นกลุ่มที่ง่ายกว่า ฯลฯ จะมีประโยชน์มากสำหรับนักเรียนในการฟังทำนองเพลงก่อนแล้วจึงแตะด้วยมือ ครูควรเข้าใกล้การศึกษาละครเพลงโดยมีความรับผิดชอบพิเศษ สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษคือจังหวะจังหวะ-เมโทรที่มีอยู่ในท่อนโซโลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเปียโนหรือเครื่องดนตรีอื่น ๆ ประกอบด้วย การพัฒนาจังหวะ - เมโทร - จังหวะอย่างต่อเนื่องจะช่วยให้นักเรียนค่อยๆ สูงขึ้นเรื่อยๆ ในขั้นตอนของทักษะการแสดง
บทที่สอง ลักษณะการปฏิบัติของการเรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึก

โรงเรียนดนตรี

2.1. กฎพื้นฐานและหลักการปฏิบัติงาน

บนเครื่องบันทึก
ในด้านหนึ่งควรพิจารณาวิธีการสอนการเล่นเครื่องบันทึกโซปราโนโดยเป็นส่วนหนึ่งของวิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีลมโดยทั่วไป และในอีกด้านหนึ่ง ในลักษณะเฉพาะ โดยมีคุณสมบัติเฉพาะทั้งหมดของ เครื่องดนตรีนี้มีไว้สำหรับการเล่นดนตรีสำหรับเด็ก หมายถึงการสอนเด็กอายุตั้งแต่ 4 ถึง 9 ขวบ ซึ่งสร้างปัญหาบางประการในการพัฒนาการตั้งค่าระเบียบวิธี เช่น การหายใจ อุปกรณ์ในช่องปาก นิ้ว การวางตำแหน่งทั่วไปของแขนและลำตัว การเรียนรู้ที่จะเล่นด้วยหู โดยการจดบันทึก ฯลฯ ก่อนอื่นครูจะต้องดำเนินการจากลักษณะเฉพาะส่วนบุคคล (ดนตรีสรีรวิทยา) และข้อกำหนดเบื้องต้นของเด็กความสนใจในการเรียนรู้ตลอดจนปัจจัยอื่น ๆ อีกมากมายที่ส่งผลโดยตรงต่อการก่อตัวของแนวดนตรีของเขาในอนาคต จำเป็นต้องคำนึงถึงเครื่องบันทึกเป็นเครื่องมือในการเตรียมการต่อไป
ฝึกเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมอื่นๆ ตั้งแต่อายุมากขึ้น เช่น ฟลุต โอโบ คลาริเน็ต ทรัมเป็ต และอื่นๆ ในกรณีนี้ เป็นการเหมาะสมที่จะทำการเปรียบเทียบกับผู้เล่นเครื่องสายซึ่งเมื่อสอนเด็กก่อนวัยเรียนและเด็กในวัยประถมมีเครื่องดนตรีเด็กที่มีมูลค่าการเปลี่ยนผ่านให้เลือกมากมาย: 1/8, 1/4, 1/2 , 3/4. ในทำนองเดียวกัน ในหมู่ผู้เล่นลม เครื่องบันทึกจะทำหน้าที่เป็นเครื่องดนตรีสำหรับเด็กในช่วงเปลี่ยนผ่าน การฝึกอบรมเกี่ยวกับเครื่องเป่าลมจะดำเนินการในสองขั้นตอน ขั้นแรก: การฝึกอบรมเบื้องต้นของนักเรียนเกี่ยวกับเครื่องบันทึก ขั้นตอนที่สอง: เปลี่ยนไปใช้เครื่องมือหลัก (ตามที่นักเรียนเลือก) โดยคำนึงถึงลักษณะของริมฝีปากและอุปกรณ์การแสดง ขั้นแรกมีความสำคัญมากในการเรียนรู้การเล่นเครื่องลมเบื้องต้น เนื่องจากเด็กควรเตรียมตัวให้พร้อม ควรอธิบายธรรมชาติของการหายใจ ควรสอนการหายใจที่ถูกต้อง การวางตำแหน่งเครื่องดนตรีและการวางนิ้วให้ถูกต้อง วิธีสร้างเสียง และการเรียนรู้การใช้นิ้ว . ตามกฎแล้ว เด็กที่มีทักษะการเล่นโซลเฟจจิโอในปีแรกของโรงเรียนจะไม่ประสบปัญหากับความรู้ทางทฤษฎี ดังนั้น การฝึกในระยะแรกจึงเน้นไปที่การเรียนรู้เครื่องดนตรีเป็นหลัก (โดยเฉพาะเครื่องบันทึก) ภารกิจหลักของครูคือการรักษาความสนใจของเด็กในบทเรียนเพื่อให้เขาสามารถได้รับทักษะในการเล่นเครื่องบันทึกได้อย่างง่ายดาย สามารถเรียนรู้บทเพลงด้วยตนเองในระดับดนตรีที่มีความสามารถ อ่านโน้ตจากการมองเห็น และยัง เล่นในวงดนตรีคู่หรือเครื่องบันทึก และแสดงเพลงง่ายๆ กับนักดนตรี จากประสบการณ์การทำงานกับนักเรียนในโรงเรียนศิลปะสำหรับเด็ก เด็กที่มีความสามารถทางดนตรีที่ดีจะเรียนรู้ได้ค่อนข้างเร็วในระยะแรก และไม่จำเป็นต้องแบ่งพวกเขาออกเป็นกลุ่มตามระดับการพัฒนาความสามารถทางดนตรี ปัญหาหลักเกิดขึ้นเมื่อทำการหายใจและวางนิ้ว หากเมื่อตั้งค่าการหายใจ เด็ก ๆ เอาชนะความยากลำบากด้วยการฝึกหายใจและขอบคุณครูที่อธิบายธรรมชาติของการหายใจทางสรีรวิทยา ความแตกต่างระหว่างการหายใจทางสรีรวิทยาและการหายใจ จากนั้นการตั้งนิ้วจะใช้เวลานานขึ้นเล็กน้อย การใช้นิ้วของเครื่องดนตรีส่วนใหญ่จะเหมือนกับของฟลุต โอโบ คลาริเน็ต และแม้กระทั่งบาสซูน การไม่มีวาล์วช่วยขจัดปัญหาในการจัดการ ดังนั้น นักเรียนคนใดที่เป็นเจ้าของอย่างใดอย่างหนึ่งข้างต้น
ของเครื่องดนตรีที่ระบุไว้ ไม่เพียงแต่สามารถเล่นเครื่องบันทึกได้อย่างง่ายดาย เชี่ยวชาญการใช้นิ้ว การวางนิ้ว มือ ลักษณะการสร้างเสียง การหายใจ แต่ยังเรียนรู้การเล่นด้วย สิ่งที่ยากที่สุดในการสอนนักเรียนชั้นประถมศึกษาให้เล่นเครื่องดนตรีใดๆ ก็คือจะหาคำอธิบายพื้นฐานที่ง่ายที่สุดได้อย่างไร ได้แก่ การเรียนรู้และการจดจำเนื้อหาที่ครอบคลุม กำหนดเสียงแรกที่นักเรียนทำ วิธีการสกัดและระยะเวลาของเสียงนี้ หากเราพิจารณาว่าเสียงนี้อยู่ในตำแหน่งที่แน่นอนของไม้เท้าดนตรี - ไม้เท้ามีตำแหน่งบนคีย์บอร์ดของเปียโนหรือที่คอของเครื่องสายกลไกวาล์วของไม้หรือกลไกวาล์วของทองเหลือง และจะต้องดึงออกมาด้วยนิ้วบางๆ หรือใช้ทั้งสองอย่างรวมกัน - ทั้งหมดนี้ดูยากมากจนทำให้เกิดความสับสนและความสับสนในใจของเด็ก และมักจะเป็นอุปสรรคในการเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมชนิดพิเศษ (ฟลุต, โอโบ คลาริเน็ต ทรัมเป็ต ทรอมโบน ฯลฯ) ในการสอนนักเรียนที่จะเล่นเครื่องดนตรีในช่องปาก การแสดงควรใกล้เคียงกับฟลุต มันขึ้นอยู่กับคุณสมบัติเฉพาะของการวางฟลุตตามขวางโดยมีการรองรับที่ริมฝีปากล่างส่วนด้านบนจะควบคุมความกดอากาศ หากในอนาคตนักเรียนจะเล่นเครื่องดนตรีทางภาษาอย่างใดอย่างหนึ่ง (โอโบ, คลาริเน็ต, บาสซูน) ควรแนะนำให้เขาวางตำแหน่งกระบอกเสียงของเครื่องบันทึกซึ่งเป็นลักษณะของเครื่องดนตรีเหล่านี้: ควรกำหนดตำแหน่งของกระบอกเสียงระหว่างริมฝีปาก เท่าๆ กัน สำหรับนักเรียนที่จะเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีของสถานทูตในอนาคต ตำแหน่งของกระบอกเสียงอาจแตกต่างกันเล็กน้อย: หลอดเป่าของเครื่องบันทึกควรมีการออกแบบขนาดใหญ่และอยู่ระหว่างริมฝีปากโดยเน้นที่ส่วนบน ไม่ควรบังคับให้วางปากเป่าทั้งสามประเภทนี้ พวกเขาสามารถเป็นแนวทางสำหรับครูเท่านั้นโดยช่วยเหลือเขาโดยเฉพาะในทางปฏิบัติโดยคำนึงถึงโอกาสในการศึกษาต่อ ด้วยความง่ายทั้งตัวเครื่องดนตรีและการผลิตเสียงของเครื่อง เครื่องบันทึกทำให้นักเรียนคุ้นเคยกับกฎพื้นฐานทั่วไปและหลักการทำงานของลมทั้งหมด ซึ่งรวมถึงการหายใจ แนวคิดเรื่องการโจมตีของเสียง และหลักการทำงานของท้องถนน (จาก French bouche - ปาก) และนี่ก็ไม่ต้องพูดถึงความจริงที่ว่าการใช้นิ้ว
เครื่องบันทึกมีความคล้ายคลึงกับการใช้นิ้วของเครื่องเป่าลมไม้หลายชนิด เครื่องบันทึกช่วยให้คุณสำรวจ "จังหวะ" ที่หลากหลายได้อย่างเต็มที่รวมถึงความเป็นไปได้ของความแตกต่างเล็กน้อย การเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องบันทึกนั้น นอกจากความสามารถทางดนตรีแล้ว นักเรียนยังมีสุขภาพที่ดีและสมรรถภาพทางกายด้วย เมื่อเล่นเครื่องบันทึก ปอดและอุปกรณ์ริมฝีปากจะทำงานอย่างแข็งขัน และกล้ามเนื้อบางส่วนของร่างกายจะเกร็ง การวางตำแหน่งอุปกรณ์ริมฝีปากและการหายใจที่ถูกต้องเป็นหนึ่งในนั้น เงื่อนไขที่จำเป็นการเรียนรู้ที่ประสบความสำเร็จ เทคนิคการเล่นเครื่องอัดเสียงแบบดั้งเดิมเกี่ยวข้องกับการควบคุมพารามิเตอร์หลัก 3 ประการ ได้แก่ เสียง น้ำเสียง (ระดับเสียงที่ถูกต้อง) และเสียงที่เปล่งออก (วิธีเชื่อมต่อหรือแยกโน้ต) แน่นอนว่าเสียงของเครื่องดนตรีนั้นแต่เดิมตั้งใจโดยผู้ผลิต การออกแบบและวัสดุที่ใช้ทำมีความสำคัญ ปัจจุบันเครื่องมือระดับมืออาชีพทำจากไม้ ในขณะที่เครื่องมือที่ผลิตจำนวนมากทำจากพลาสติก สำหรับเครื่องบันทึกไม้เราสามารถแนะนำผลิตภัณฑ์ของบริษัทเยอรมัน "Upitcr" และ "Venus" ได้ ส่วนพลาสติกที่ดีผลิตโดย "Yamaha" และบริษัทเกาหลี "Angel" โดยธรรมชาติแล้ว การควบคุมการหายใจทำให้นักแสดงสามารถเปลี่ยนคุณภาพเสียงได้ คุณสมบัติที่โดดเด่นของเครื่องบันทึกคือความต้านทานเล็กน้อยที่เครื่องมือจ่ายให้กับกระแสลม ซึ่งทำให้แตกต่างอย่างมากจากเครื่องมือลมอื่นๆ ความสามารถในการควบคุมกระแสลมโดยไม่ต้องพบกับแรงต้านที่เห็นได้ชัดเจนระหว่างทางเป็นทักษะสำคัญที่จะเป็นประโยชน์ในอนาคตเมื่อเปลี่ยนมาใช้เครื่องดนตรีหลัก นอกจากนี้ การหายใจยังเกี่ยวข้องกับการทำให้เกิดความผันผวนของปริมาตร (ลูกคอ) และความถี่ (เสียงสั่น) กล่าวโดยสรุป ผลกระทบแรกเกิดขึ้นได้โดยการเกร็งกล้ามเนื้อของกล่องเสียง และประการที่สอง - โดยไดอะแฟรม เมื่อเล่นเครื่องบันทึก จะใช้ตัวเลือกการใช้นิ้วทางเลือกจำนวนมาก สามารถเล่นทั้งหมดยกเว้นโน้ตที่ต่ำที่สุดได้โดยใช้การผสมหลุมที่แตกต่างกันซึ่งมีเสียงและระดับเสียงแตกต่างกันเล็กน้อย ดังนั้นนักดนตรีที่สลับนิ้วที่แตกต่างกันจึงมีเฉดสีเสียงที่หลากหลาย อีกเหตุผลหนึ่งว่าทำไมจึงใช้การวางนิ้วแบบอื่นคือต้องการหลีกเลี่ยงการเคลื่อนไหวของนิ้วที่ซับซ้อนเมื่อเล่นด้วยความเร็ว เช่นเดียวกับเมื่อเล่นเลกาโตและทริลล์ โดยทั่วไปแล้วเราสามารถพูดได้ว่าการใช้นิ้ว
เลือกในลักษณะที่จะลดการเคลื่อนนิ้วให้เหลือน้อยที่สุด ตรงกันข้ามกับความเชื่อที่นิยม การเล่นเครื่องบันทึกต้องมีการควบคุมเป็นพิเศษเหนือริมฝีปาก (จาก French bouche - ปาก) นั่นคือการรวมกันของกล้ามเนื้อปากและตำแหน่งของริมฝีปาก การจัดการรูปร่างและขนาดของปากและกล่องเสียง ตลอดจนการควบคุมกล้ามเนื้อที่เกี่ยวข้อง ช่วยเพิ่มคุณค่าของเสียง ทำให้ง่ายต่อการสร้างโน้ตในรีจิสเตอร์ส่วนบน และช่วยให้สามารถควบคุมน้ำเสียงได้ ความกดอากาศและช่องลมร่วมกันส่งผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อน้ำเสียง การเปลี่ยนแปลงของแรงกดในขณะที่รักษารูปร่างของช่องปากทำให้ระดับเสียงของโน้ตเสียงผิดเพี้ยนไปอย่างเห็นได้ชัด ความเชื่อมโยงที่แยกไม่ออกระหว่างการผลิตเสียงและระดับเสียงทำให้เครื่องบันทึกแตกต่างจากเครื่องดนตรีสมัยใหม่อื่นๆ ก่อนที่คุณจะเล่นโน้ตตัวแรก คุณต้องรู้วิธีถือเครื่องบันทึกอย่างถูกต้อง โดยปกติมือซ้ายจะอยู่เหนือมือขวา แม้ว่านักดนตรีที่คิดว่าตัวเองถนัดซ้ายก็สามารถทำสิ่งที่ตรงกันข้ามได้ อย่างไรก็ตาม โปรดทราบว่าเครื่องบันทึกสมัยใหม่ได้รับการออกแบบโดยคาดหวังว่ามือซ้ายของนักแสดงจะสูงกว่ามือขวา ศีรษะ คอ และหลังของนักแสดงควรอยู่ในแนวเดียวกัน และควรถือเครื่องดนตรีไว้ที่มุม 45 องศากับแนวนอน แขนควรอยู่ห่างจากลำตัวเล็กน้อย และปลายนิ้วควรอยู่บนแกนกลางของเครื่องดนตรีตรงรู มีเพียงปลายกระบอกเป่าเท่านั้นที่อยู่ระหว่างริมฝีปาก และนิ้วโป้งรองรับอยู่ใต้นิ้วชี้ของมือขวาโดยตรง ไม่ควรบีบหน้าอก ลำคอควรผ่อนคลาย ครูสอนขับร้องสอนว่าท่าทางที่ถูกต้องเป็นเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการผลิตเสียงที่ดี เมื่อเล่นเครื่องดนตรีประเภทลม โน้ตแต่ละตัวเป็นผลมาจากการไหลของอากาศที่มาจากปอด และถูกขยายโดยการเคลื่อนที่ขึ้นของไดอะแฟรม ผ่านลำคอและปากของคุณ และสุดท้ายจบลงที่เครื่องดนตรีโดยตรง ในเทคนิคการแสดงดนตรีด้วยเครื่องบันทึกและเครื่องลมสามารถแยกแยะขั้นตอนต่อไปนี้ได้: 1) การหายใจหรือการหายใจออกค่อนข้างสม่ำเสมอ บางครั้งค่อยๆ รุนแรงขึ้น บางครั้งค่อยๆ อ่อนลงตามข้อกำหนดในการปฏิบัติงาน 2). ความตึงเครียดของกล้ามเนื้อใบหน้าซึ่งสอดคล้องกับความสูงของเสียงที่เกิดขึ้นและสอดคล้องกับการหายใจ
3). การเคลื่อนไหวของนิ้ว 4) การเคลื่อนไหวของลิ้นที่กำหนดลักษณะของจังหวะ จำเป็นต้องพัฒนาทักษะในการเรียนรู้แต่ละองค์ประกอบเหล่านี้และการผสมผสานเพื่อให้เทคนิคการแสดงทั้งหมดเป็นไปตามธรรมชาติและฟรี การก่อตัวของเสียง ในเครื่องดนตรีประเภทฟลุต เสียงถูกสร้างขึ้นจากกระแสอากาศที่ตัดโดยขอบคมของการตัดผนังลำกล้อง ซึ่งทำให้เกิดการสั่นสะเทือนของเสาอากาศที่อยู่ภายในท่อ หากคุณเอาท่อธรรมดา ๆ เช่นท่อนไม้ไผ่หรือก้านกกแล้วเป่าเข้าไปโดยไม่มีกลอุบายใด ๆ จะไม่มีเสียง โดยไม่ให้ลมไหลเข้าท่อโดยตรง แต่เฉียงให้ตัดที่ขอบรู ลำต้นของต้นไผ่หรือกกก็จะส่งเสียงที่สม่ำเสมอและดังทันทีเพราะลมไหลตัดที่ตัวท่อ ขอบท่อทำให้เกิดแรงสั่นสะเทือน หากหยุดเป่าเสียงจะหยุดทันที วิธีการสกัดโดยการแบ่งเสาอากาศนี้เป็นวิธีการที่เก่าแก่ที่สุดวิธีหนึ่ง (เป็นวิธีที่ใช้ในขลุ่ยแพน) อย่างไรก็ตามมันไม่สะดวก: เป็นการยากที่จะรักษาทิศทางของเจ็ทที่ต้องการและปริมาณการใช้อากาศสูง วิธีการสร้างเสียงเหล่านี้เรียกว่าวิธีเป่านกหวีด ที่นี่การสั่นสะเทือนจะตื่นเต้นด้วยกระแสอากาศที่พุ่งชนสิ่งกีดขวาง การสั่นสะเทือนเหล่านี้ถูกมองว่าเป็นเสียง ระดับเสียงขึ้นอยู่กับขนาดของเสา หลังจากปัญหาแรก - วิธีกระตุ้นเสียงก็มีอีกปัญหาหนึ่งเกิดขึ้น: วิธีทำให้หลอดสามารถสร้างเสียงได้ไม่เพียงแค่เสียงเดียว แต่มีหลายเสียง วิธีแก้ไขประการหนึ่งคือ: แยกหลอดสำหรับแต่ละเสียง ท่อยิ่งยาวเสียงยิ่งต่ำ เมื่อนำท่อหลายท่อที่มีความยาวต่างกันมารวมกัน เราจะได้เครื่องดนตรีที่ปัจจุบันเรียกกันทั่วไปว่า ฟลุตแพน เสียงในนั้นตื่นเต้นแบบเดียวกับในการทดลองกับขวดทุกประการ เห็นได้ชัดว่านี่ถือเป็นเครื่องดนตรีประเภทลมชิ้นแรก และยังมีชื่อเสียงจากการที่มันเป็นเครื่องดนตรีรุ่นก่อนของออร์แกนนี้อีกด้วย อันที่จริงในอวัยวะแม้จะมีขนาดท่อที่แตกต่างกัน แต่ก็มีการใช้หลักการเดียวกัน - แต่ละเสียงจะใช้ท่อแยกกัน ต่อมา ขลุ่ยสีดำก็ปรากฏขึ้น ซึ่งรวมเอาหลักการอันชาญฉลาดในการเพิ่มความยาวและลดคอลัมน์อากาศไว้ในท่อเดียว รูในกระบอกเครื่องดนตรีใช้เพื่อเปลี่ยนระดับเสียง หากคุณปิดรูทั้งหมด จะมีเสียงคอลัมน์อากาศดังตลอดความยาวของท่อ หากมีอย่างใดอย่างหนึ่ง
รู เริ่มส่งเสียงเพียงส่วนหนึ่งของคอลัมน์ - จากริมฝีปากของนักดนตรีไปจนถึงรูเปิด โดยธรรมชาติแล้วระดับเสียงก็จะเปลี่ยนไปเช่นกัน ด้วยการแบ่งคอลัมน์อากาศหลายส่วน นั่นคือ การรวมกันของนิ้ว จึงสามารถแยกโครมาติซึมออกมาได้ อีกวิธีในการเปลี่ยนระดับเสียงของกลุ่มเครื่องดนตรีฟลุตคือการเป่ามากเกินไป นั่นคือการจ่ายกระแสอากาศเข้าไปในเครื่องดนตรีที่เข้มข้นยิ่งขึ้น นักแสดงที่มีประสบการณ์มากที่สุดสามารถสร้างสเกลที่เป็นธรรมชาติโดยใช้การเป่าโดยใช้เสียงเดียวเท่านั้น นั่นคือ ตอนที่ 8 ตอนที่ 5 ตอนที่ 4 และอื่นๆ การก่อตัวของเสียงเมื่อเล่นเครื่องบันทึกเกิดจากการหายใจด้วยการร้องเพลงเบาๆ ใกล้กับพยางค์ "tu" การสิ้นสุดเสียงสามารถทำได้สองวิธี: 1) โดยการออกเสียงพยัญชนะ “t” จึงเป็นการหยุดการเข้าถึงอากาศเข้าสู่ปากเป่า วิธีนี้ง่ายกว่า เราใช้มันโดยเฉพาะเมื่อทำจังหวะสแตคคาโต มันจะทำให้เสียงหยุดทันที 2). หยุดหายใจออก วิธีนี้ต้องใช้ทักษะบางอย่าง จำเป็นในกรณีที่จำเป็นต้องลดเสียงให้เหลืออะไรเลยในตอนท้ายของท่อน เมื่อจำเป็นต้องปล่อยแบบนุ่มนวล ลมหายใจของนักแสดง ก่อนที่จะเริ่มหายใจ คุณต้องเข้าใจโครงสร้างของอุปกรณ์เสียงก่อน เนื่องจากประกอบด้วยอวัยวะระบบทางเดินหายใจ กลไกการหายใจคือปอดที่มีทางเดินหายใจและกล้ามเนื้อที่ทำหน้าที่ในกระบวนการหายใจ ปอดเป็นเนื้อเยื่อที่ละเอียดอ่อนและมีรูพรุน โดยที่กลุ่มของถุงน้ำ - อัลวิโอล - เชื่อมต่อกันด้วยช่องทางที่ก่อให้เกิดระบบหลอดลม หลอดลมของปอดซ้ายและขวาเชื่อมต่อกันและก่อตัวเป็นหลอดลมซึ่งไปสิ้นสุดที่กล่องเสียง ทั้งหมดนี้รวมกันเรียกว่าต้นไม้หลอดลม ปอดมีอากาศที่หมุนเวียนอยู่ตลอดเวลา มีอากาศสำรองที่จำเป็นต่อการดำรงชีวิตของร่างกาย ไม่สามารถใช้ในขณะร้องเพลงได้ เมื่อคุณหายใจเข้า กล้ามเนื้อหน้าอกและกะบังลม (เยื่อหนาที่แยกหน้าอกและหน้าท้อง) จะขยายช่องอกในแนวตั้ง ด้านข้าง ด้านหน้า และด้านหลัง และภายใต้อิทธิพลของความดันบรรยากาศ อากาศจะเข้าสู่ปอด ไดอะแฟรมลงมากดที่ช่องท้องและภายนอกทั้งหมดนี้ปรากฏชัดเจน
การหายใจมีหลายประเภท: กระดูกไหปลาร้า ทรวงอก และช่องท้อง การหายใจแบบกระดูกไหปลาร้าคือการหายใจบริเวณกระดูกซี่โครงส่วนบน โดยอากาศจะเต็มเฉพาะส่วนบนสุดเท่านั้น ดังนั้น การหายใจประเภทนี้จึงสั้น การหายใจของทรวงอกก็เป็นเพียงผิวเผิน (กระดูกซี่โครงกลาง) ปอดเต็มไปครึ่งทาง การหายใจในช่องท้องหรือการหายใจบริเวณช่องท้องเป็นลักษณะเฉพาะของไดอะแฟรมที่เคลื่อนลงด้านล่าง โดยให้อากาศเข้าไปเติมเต็มส่วนล่างของปอด และเคลื่อนช่องท้อง นี่เป็นการหายใจที่ถูกต้องที่สุดขณะร้องเพลง เนื่องจากปอดเต็มไปด้วยอากาศ และทำให้สามารถร้องเพลงดนตรียาวๆ ได้โดยไม่ต้องหายใจต่อ เนื่องจากเป็นเครื่องดนตรีประเภทลม เครื่องบันทึกจึงสามารถแก้ปัญหาการฝึกหายใจไปพร้อมๆ กัน จึงกลายเป็นช่วงเวลาแห่งการบำบัด เนื่องจากการหายใจประเภทที่ถูกต้องเมื่อเล่นเครื่องลมคือกะบังลม มันทำงานเหมือนลูกสูบและนวดอวัยวะภายในของช่องท้องอย่างเข้มข้น - กระเพาะอาหาร, ตับ, ไต, ลำไส้ซึ่งเป็นวิธีทำความสะอาดร่างกายที่มีประสิทธิภาพ เมื่อเล่นเครื่องบันทึกจะใช้การหายใจแบบร้องเพลง องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดในเทคนิคการใช้เสียงคือการกระจายการหายใจและการควบคุมเส้นเอ็น ค่าใช้จ่ายในการหายใจเข้าและออกขึ้นอยู่กับ วิธีการแสดงออกทั้งจังหวะ ไดนามิก สัมผัสทางดนตรี และอื่นๆ การหายใจแตกต่างจากการหายใจทางสรีรวิทยาในระยะที่ไม่สม่ำเสมอ (การหายใจออกมากกว่าการหายใจเข้า) การหายใจทางสรีรวิทยาเป็นไปตามธรรมชาติ กล่าวคือ แสดงถึงสภาวะธรรมชาติของร่างกายมนุษย์ สิ่งสำคัญคือต้องเรียนรู้วิธีการหายใจเข้าอย่างถูกต้อง และที่สำคัญที่สุดคือวิธีหายใจออกอากาศเข้าไปในอุปกรณ์อย่างถูกต้อง ด้วยการหายใจออกที่ค่อยเป็นค่อยไปและสม่ำเสมอ เสียงจะมีกำลังเท่ากัน ความรุนแรงของมันสัมพันธ์กับการเร่งความเร็วของการหายใจออก การอ่อนตัวลงนั้นเกี่ยวข้องกับการชะลอตัวลงอย่างค่อยเป็นค่อยไป การจ่ายอากาศที่ใหญ่ที่สุดสามารถทำได้โดยการลดไดอะแฟรมสูงสุดเท่านั้น ดังนั้น การหายใจที่ถูกต้องที่สุดคือ ทรวงอก-ท้อง หรือกระบังลม ด้านล่างนี้เป็นชุดแบบฝึกหัดการหายใจที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อทำความเข้าใจความแตกต่างระหว่างการหายใจตามธรรมชาติและการหายใจตามปกติ การฝึกหายใจทำได้ช้ามาก ยืนอย่างมีความสุข หายใจเข้าและหายใจออกทางจมูก เพื่อความลึกยิ่งขึ้น
สมาธิคุณสามารถหลับตาได้ AI. Usov ผู้อธิบายแบบฝึกหัดเหล่านี้แนะนำให้แบ่งการหายใจออกเป็นส่วนล่าง กลาง บน และผสม ขั้นแรกคุณควรควบคุมการหายใจตามธรรมชาติ (หรือทางสรีรวิทยา) การหายใจลดลง เพื่อการควบคุมฝ่ามือขวาวางอยู่บนท้องด้านซ้าย - ด้านซ้ายแตะส่วนล่างของซี่โครง – หายใจเข้า: ท้องและด้านข้างขยายไปข้างหน้าและด้านข้าง หายใจออก: ท้องและด้านข้างกลับสู่ตำแหน่งเดิม หายใจปานกลาง. ปอดเต็มไปด้วยอากาศและขยายตัวบริเวณหน้าอกเป็นหลัก ในกรณีนี้ท้องไม่เคลื่อนไหวไหล่ไม่ยกขึ้น ฝ่ามือขวาวางบนหน้าอก มือซ้ายอยู่ด้านข้างแตะตรงกลางซี่โครง การหายใจเข้า: ผนังหน้าอกขยายไปข้างหน้าและด้านข้าง หายใจออก: ผนังหน้าอกกลับสู่ตำแหน่งเดิม การหายใจส่วนบน อากาศส่วนใหญ่รวมตัวกันที่บริเวณส่วนบนของปอด ฝ่ามือวางอยู่บนหน้าอกส่วนบน หายใจเข้า: หน้าอกและไหล่สูงขึ้น หายใจออก: หน้าอกและไหล่กลับสู่ตำแหน่งเดิม การหายใจแบบผสม ใช้ปอดเต็มปริมาตร - การหายใจทุกประเภทก่อนหน้านี้ ฝ่ามือขวาวางบนท้อง มือซ้ายอยู่ทางด้านซ้ายแตะสะโพก การสูดดม: อากาศจะถูกดึงเข้าไปในส่วนล่างของปอดก่อน กระเพาะอาหารและด้านข้างจะขยายออก จากนั้นส่วนตรงกลางของปอดจะเต็มไปด้วยอากาศ หน้าอกจะขยายออก และซี่โครงจะแยกออกจากกัน ในที่สุดอากาศจะเข้าสู่ส่วนบนของปอด และหน้าอกและไหล่จะลอยขึ้น หายใจออก: ในลำดับเดียวกัน อากาศจะถูกปล่อยออกมาจากด้านล่าง ตรงกลาง และจากด้านบน การหายใจดังที่กล่าวข้างต้นแตกต่างจากธรรมชาติ (ทางสรีรวิทยา) การแสดงควรจะเข้มข้นเมื่อสูดดมและมีสิ่งรองรับที่เรียกว่า การสูดดมนั้นสั้น หายใจออกเป็นเวลานาน หายใจเข้าทางปากโดยใช้ปริมาตรปอดทั้งหมด ดังนั้นเทคนิคการหายใจเข้าและออกของการฝึกหายใจแบบมีสมรรถนะจึงเปลี่ยนไปอย่างรุนแรง ประเภทหลัก
ทำการหายใจ: ต่ำ, กลาง, ผสม ไม่ใช้การหายใจส่วนบน การไม่มีอยู่อธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่านักแสดงมุ่งความสนใจไปที่การค้นหาการสนับสนุนซึ่งขึ้นอยู่กับการทำงานของกะบังลมและกล้ามเนื้อหน้าท้อง คุณต้องหายใจเข้าอย่างเงียบ ๆ ก่อนอื่นคุณต้องเชี่ยวชาญการหายใจส่วนล่างและกลาง การหายใจลดลง วางฝ่ามือขวาไว้ที่ท้อง และวางมือซ้ายไว้ที่ด้านซ้ายโดยแตะด้านล่างของซี่โครง เมื่อหายใจเข้า ตรวจสอบให้แน่ใจว่าอากาศเติมเต็มส่วนล่างของปอดอย่างสม่ำเสมอ เพื่อไม่เพียงขยายกระเพาะอาหารเท่านั้น แต่ยังขยายกล้ามเนื้อด้านข้างและหลังด้วย หายใจออกอย่างอิสระไม่เกร็ง การกดช่องท้องควรยับยั้งการหายใจออกเช่นเดิมนั่นคือดำเนินการจนกว่าความต้องการทางสรีรวิทยาสำหรับการหายใจเข้าใหม่เกิดขึ้น หายใจปานกลาง. ผสมผสานส่วนล่างและกลางเข้าด้วยกัน นี่เป็นหลักพื้นฐานในการปฏิบัติ ฝ่ามือขวาวางอยู่บนท้อง ด้านซ้าย - ที่ซี่โครงด้านซ้าย เมื่อคุณหายใจเข้า อากาศจะเต็มส่วนล่างของปอดก่อน โดยจะขยายบริเวณหน้าท้อง ด้านข้าง และหลังส่วนล่าง ทันทีโดยไม่ชักช้าอากาศจะเข้าสู่ส่วนกลางและส่วนบนของปอดซึ่งทำให้หน้าอกเพิ่มขึ้นการยืดของซี่โครงและกล้ามเนื้อระหว่างซี่โครง ไหล่ไม่ขึ้น. การหายใจออกโดยพื้นฐานแล้วจะแตกต่างจากการหายใจออกตามธรรมชาติ การเกิดขึ้นของการสนับสนุนผู้บริหารที่เรียกว่าในระหว่างการหายใจออกนำไปสู่ความจริงที่ว่าในตอนแรกอากาศถูกปล่อยออกมาจากส่วนบนและส่วนกลางของปอด ในกรณีนี้ กล้ามเนื้อหน้าท้อง ด้านข้าง และหลังยังคงอยู่ในตำแหน่งหายใจเข้าให้นานที่สุด พวกเขากลับคืนสู่ตำแหน่งเดิมทันที ช่วงเวลาสุดท้าย. การยกไหล่เมื่อหายใจเข้าบ่งบอกถึงการหายใจที่ไม่ถูกต้องซึ่งกะบังลมแทบจะไม่ทำงานการหายใจเข้าตื้นและการหายใจออกมีอายุสั้นและอ่อนแอ หลังจากหายใจเข้าแล้ว นักเรียนควรพยายามจับหน้าอกในท่าหายใจเข้า (ค้างไว้) แล้วค่อยๆ เคลื่อนไปยังท่าหายใจออก เพื่อตรวจสอบการมีอยู่ของการช่วยหายใจ Rudolf Quincke นักเป่าแตรชาวเยอรมันในคู่มือของเขา "การหายใจ การรองรับ วิธีการทำท่า" แนะนำให้ทำการทดลองต่อไปนี้ วางแท่งไม้ยาวครึ่งเมตรโดยให้ปลายด้านหนึ่งติดกับผนัง และปลายอีกข้างหนึ่งแนบกับท้องของคุณหลังจากหายใจเข้าลึกๆ แล้ว หายใจออกช้าๆ ตรวจสอบให้แน่ใจว่าไม้ไม่ตก แต่ต้องยึดไว้กับที่ด้วยแรงกดที่หน้าท้อง เดียวกัน
การทดลองสามารถทำได้โดยการเล่นเสียงยาวหรือท่อนเพลงยาว ด้วยการใช้เทคนิคการหายใจออกที่แตกต่างกัน จึงสามารถบรรลุความแตกต่างที่หลากหลายได้ ในช่วงเริ่มต้นของการฝึก เราควรจะได้เสียงที่สม่ำเสมอแบบไดนามิก ต้องจำไว้ว่าการหายใจควรพัฒนาในระหว่างกระบวนการแสดงเท่านั้น สำหรับนักแสดงบางคน เมื่อหายใจออก ส่วนหนึ่งของอากาศจะหลุดออกไปทางจมูก ส่งผลให้เสียงสูญเสียคุณสมบัติของเสียงต่ำ บ่อยครั้งที่เด็ก ๆ หายใจตามเสียงแต่ละเสียงด้วย ข้อบกพร่องนี้จำเป็นต้องได้รับการแก้ไข ด้วยความช่วยเหลือของการหายใจ วลีดนตรีหนึ่งจะถูกแยกออกจากอีกวลีหนึ่ง ช่วงเวลาการหายใจเข้าไม่สามารถระบุตำแหน่งแบบสุ่มได้ ไม่จำเป็นต้องพยายามเล่นทั้งวลีในคราวเดียว การกระจายจุดสูดดมนั้นคล้ายคลึงกับการอ่านโดยสิ้นเชิงซึ่งไม่มีความหมายและไม่รู้หนังสือ หากจุดหยุด (caesuras) ที่สอดคล้องกับการหายใจเข้าอยู่ในสถานที่สุ่ม ดังนั้นการกระจายการหายใจที่ถูกต้องมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการแสดงการแสดงออก เกมส์หายใจ. เมื่อทำงานกับนักเรียน โดยเฉพาะในวัยประถมศึกษา ขอแนะนำให้ใช้เกมการหายใจ: 1) ในการพัฒนาการหายใจให้สม่ำเสมอ คุณสามารถเป่ากระดาษแผ่นหนึ่งโดยเอนตัวออกจากตัวคุณ และคงระดับไว้ราวกับถูกแช่แข็งในอากาศ และไม่สะดุ้งจากการหายใจไม่สม่ำเสมอหรือไม่สม่ำเสมอ 2). การออกกำลังกายแบบเกมที่คล้ายกันสามารถทำได้โดยการเป่าเปลวเทียนในลักษณะที่เปลวไฟเบี่ยงเบนไปแต่ไม่ดับ ซึ่งจะช่วยให้นักเรียนค้นพบพลังแห่งการหายใจออก เพราะเด็ก ๆ มักจะต้องถูกควบคุมด้วยแรงลมพัดโดยเฉพาะในช่วงเริ่มต้นของการเรียนรู้ 3). แต่ก็มีเด็กที่เป็นโรคโลหิตจางที่ต้องหายใจออกมากขึ้น แบบฝึกหัดนี้เป็นสิ่งที่ดี: นักเรียนจะถูกขอให้ปรบมือ (หรือสัญญาณอื่นจากครู) ราวกับว่าจะขยายบอลลูน จากนั้นบอลลูนจะค่อยๆ เริ่มยุบตัวอย่างช้าๆ ราวกับว่าผ่านรูเล็ก ๆ คุณสามารถเชิญเด็ก ๆ ให้ยกมือขึ้นขณะหายใจเข้าและจินตนาการถึงลูกบอล จากนั้นเมื่อหายใจออกเริ่ม มือจะลดลง และเมื่อไม่มีอากาศเหลืออยู่ในลูกบอล (นั่นคือ การหายใจออกสิ้นสุดลง) เด็กควรปรบมือ เทคนิคนี้
จะช่วยครูควบคุมระยะเวลาการหายใจออกของนักเรียนแต่ละคน 4) แบบฝึกหัดอื่นที่มีเป้าหมายเพื่อเพิ่มปริมาตรปอดดังนั้นเพื่อฝึกการหายใจออกที่ยาวนานขึ้นจึงนำมาจากโปรแกรมแรกของ "วิธีการพัฒนาเสียงทางเสียง" โดย V. Emelyanov - การเลียนแบบเสียง "r" โดยใช้การสั่นสะเทือนของริมฝีปาก จำเป็นต้องให้ความสนใจกับความจริงที่ว่าควรเลียนแบบการรวมกันของพยัญชนะ "DBR" นั่นคือเปล่งเสียงและไม่ใช่ "TPR" ที่ไม่มีเสียง เด็ก ๆ จะได้รับเกมขับรถโดยเปลี่ยนทิศทางการเคลื่อนที่ ขึ้นเนิน ลง เดินไปรอบ ๆ สิ่งกีดขวาง และอื่น ๆ ที่คล้ายกัน ซึ่งจะต้องการให้เด็ก ๆ เปลี่ยนระดับเสียงและความแรงของน้ำเสียงจากการสั่นของริมฝีปาก . ขอแนะนำให้ได้เสียงที่ดังและกระฉับกระเฉงทำให้นักเรียนรู้สึกถึงการหายใจที่กระฉับกระเฉงและการสะท้อนของงานนี้บนกล้ามเนื้อของผนังหน้าท้องด้านข้างและด้านหลัง 5). ในการฝึกหายใจ คุณยังสามารถใช้เรื่องตลกสำหรับเด็ก: "เหมือนบนเนินเขา บนเนินเขามี Egorkas สามสิบสาม ... " ตามด้วยการแจงนับ: Egorka หนึ่งตัว Egorkas สองอัน Egorkas สามตัว... และ เป็นต้นซึ่งจะต้องออกเสียงอย่างรวดเร็วและในลมหายใจเดียว แบบฝึกหัดนี้สามารถเสนอให้เด็ก ๆ แข่งขันได้ การฝึกฝนทุกวันโดยจดบันทึกยาวๆ จะช่วยเพิ่มความจุปอดและเรียนรู้ที่จะควบคุมการไหลของอากาศ เมื่อเวลาผ่านไป เมื่อได้รับประสบการณ์มาบ้างแล้ว คุณสามารถเรียนรู้ที่จะกำหนดแรงหายใจที่ต้องการในบางกรณีได้ หากนักเรียนหายใจเข้ามากกว่าหายใจออก อาจทำให้เกิดอาการวิงเวียนศีรษะได้ ในกรณีนี้คุณต้องนั่งผ่อนคลายและพยายามหายใจให้น้อยลงเล็กน้อย ในไม่ช้าอาการป่วยไข้จะหายไปและในระหว่างเรียนจำเป็นต้องลดปริมาณอากาศที่สูดเข้าไป อุปกรณ์ที่ข้อต่อเมื่อเล่นเครื่องบันทึกมีความสำคัญอย่างยิ่งและด้วยเหตุนี้กิจกรรมเฉพาะของปอด, กล่องเสียง, ช่องปาก, ลิ้น, ริมฝีปากและกล้ามเนื้อใบหน้าที่เกี่ยวข้องกัน การเรียนรู้ทักษะการหายใจที่มั่นคงช่วยให้มีข้อต่อที่เหมาะสมเมื่อเล่นเครื่องดนตรีประเภทลม เมื่อแยกเสียง นักเรียนจะต้องหมายถึงพยางค์หนึ่งหรืออีกเสียงหนึ่ง ซึ่งเป็นหน่วยเสียงคำพูด (จินตนาการทางจิตใจ ไม่ใช่ออกเสียง) ความสามารถนี้นำไปสู่การกระทำที่แข็งขันของอุปกรณ์ข้อต่อทั้งหมดซึ่งก่อให้เกิดอิสรภาพและความสะดวกในการผลิตเสียง หากเราพิจารณาความสัมพันธ์ระหว่างข้อต่อและจังหวะ ข้อต่อคือหลัก และจังหวะคืออนุพันธ์รอง
เป็นที่ทราบกันว่าการโจมตีสามประเภทมีความคล้ายคลึงกันในด้านเสียงและวิธีการสร้างเสียงจากหน่วยเสียงคำพูดต่อไปนี้: เมื่อสร้างเสียงที่มีเสียงพยัญชนะ "t" อย่างแรง ปลายลิ้นจะสัมผัสถึงฟันบน ด้วยการโจมตีเบา ๆ ด้วยพยัญชนะ "d" ปลายลิ้นจะสูงกว่าการโจมตีครั้งก่อนเล็กน้อย การโจมตีเสริมไม่จำเป็นต้องมีส่วนร่วมจากปลายลิ้น แต่เป็นส่วนหลัง (ด้านหลัง) นั่นคือพยัญชนะ "k" ตัวอักษรสระที่ตามหลังพยัญชนะจะใช้ได้ทั่วไปสำหรับการโจมตีทุกประเภท: a, y หรือ i ทางเลือกของมันขึ้นอยู่กับการลงทะเบียนของเพลงที่กำลังเล่น เงื่อนไขชี้ขาดคือระดับเสียงของสระ: "a" เป็นตัวพิมพ์เล็ก, "u" เป็นตัวพิมพ์กลาง, "และ" เป็นตัวพิมพ์ใหญ่ จากมุมมองของข้อต่อ เครื่องบันทึกช่วยให้คุณได้เฉดสีที่กว้างที่สุดตั้งแต่ staccatissimo ที่ฉับพลันที่สุดไปจนถึงเลกาโตที่ยาวที่สุด การโจมตีและปล่อยที่จำเป็นที่จุดเริ่มต้นและจุดสิ้นสุดของโน้ตแต่ละตัวจะถูกควบคุมโดยลิ้นและนิ้ว เช่นเดียวกับเครื่องดนตรีอื่นๆ เครื่องบันทึกช่วยให้คุณสามารถรวมโหมดต่างๆ ของเสียงที่เปล่งออกมาเพื่อสร้างโครงสร้างจังหวะที่ตัดกันซึ่งจำเป็นสำหรับการใช้ถ้อยคำที่มีประสิทธิภาพ ถอดออก ตัวโน้ตเกิดจากการตีปลายหรือหลังลิ้นเข้ากับทางเข้าของเครื่องดนตรีบนพยางค์ "tu" หรือ "ta" ดึงความสนใจของนักเรียนไปที่การแยกเสียงด้วยลิ้น ไม่ใช่โดยการขัดจังหวะการหายใจออก เพราะ เมื่อแยกโน้ตด้วยการหายใจ เสียงจะคลุมเครือว่า "เปื้อน" จำเป็นต้องตรวจสอบให้แน่ใจว่าเมื่อแสดงรูปแบบอันไพเราะนิ้วจะตรงกับจังหวะของลิ้นทุกประการ สแตคคาโต กล่าวอีกนัยหนึ่ง สาระสำคัญของสแตคคาโตคือการแบ่งระยะเวลาของโน้ตที่เขียนบนกระดาษออกเป็นระยะของเสียงและการหยุดชั่วคราวด้วยความยาวเท่ากัน Staccato ทำให้ท่อนดนตรีเบาลงและนุ่มนวลขึ้น ด้วยวิธีนี้ คุณสามารถสร้างความรู้สึกในการเล่นที่เงียบขึ้นโดยไม่ต้องเปลี่ยนแรงของเสียง ซึ่งเป็นสิ่งสำคัญมากสำหรับเครื่องดนตรีประเภทลม ซึ่งการเปลี่ยนแรงหายใจสามารถนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงระดับเสียงของโน้ตที่มีเสียงได้ เลกาโต คุณสามารถย้ายจากโน้ตหนึ่งไปยังอีกโน้ตหนึ่งได้โดยไม่ต้องใช้ลิ้นเพื่อตีโน้ตตัวที่สอง สมมติว่าเมื่อเล่นโน้ต "A" เพียงยกนิ้วที่สองขึ้นเพื่อให้เสียงโน้ต "B" ก็เพียงพอแล้ว หากการเคลื่อนไหวของนิ้วช้าเกินไป ก็จะได้ยินเสียงที่ไม่เกี่ยวข้องระหว่างโน้ตทั้งสองและ ด้วยการเคลื่อนไหวที่เร็วขึ้นจะได้รับเพียงสองบันทึกที่จำเป็นเท่านั้น วิธีการผลิตเสียงนี้อาจดูง่ายกว่า เนื่องจากเมื่อแยกโน้ตตัวที่สอง ไม่จำเป็นต้องมีส่วนร่วมของลิ้น และดังนั้นจึงไม่จำเป็นต้องคิดถึงการประสานงาน
การเคลื่อนไหวของเขาด้วยการเคลื่อนไหวของนิ้วมือ อย่างไรก็ตาม ในทางกลับกัน มันซับซ้อนกว่า เนื่องจากต้องใช้นิ้วที่แม่นยำ ซึ่งข้อผิดพลาดที่ไม่สามารถปกปิดได้อีกต่อไปโดยการหยุดเสียงระหว่างโน้ต เช่นเดียวกับการผลิตเสียงสแตคคาโต เมื่อใช้เลกาโตอันยาวนานปัญหาอื่นก็เกิดขึ้น - จะหายใจได้อย่างไร? ถ้าไม่มีการหยุดชั่วคราวระหว่างโน้ตที่ทำให้เกิดเสียง แล้วคุณควรหายใจเมื่อใด? สิ่งที่เหลืออยู่คืออาศัยปริมาตรของปอดและทำงานกับเสียงคุณภาพสูงพร้อมการหายใจออกในระดับปานกลาง เครื่องบันทึกไม่ต้องการอากาศปริมาณมากจากนักดนตรี การเคลื่อนไหวของนิ้ว ทันทีที่นักเรียนเริ่มยกหรือลดนิ้วมากกว่าหนึ่งนิ้วในแต่ละครั้ง ปัญหาในการประสานการเคลื่อนไหวจะถูกค้นพบทันที ขั้นแรกอย่ายกนิ้วของคุณสูงเกินไปเหนือรู ระยะห่างที่ดีที่สุดคือระยะที่จะช่วยให้คุณคืนนิ้วกลับเข้าที่ในเวลาอันสั้นที่สุด (เช่น 5-10 มม.) เมื่อยกนิ้วขึ้น ควรวางนิ้วให้อยู่เหนือรูพอดี หากนิ้วของคุณเบี่ยงเบนไปจากตำแหน่งนี้ คุณจะต้องไล่ตามรูที่เกี่ยวข้องทุกครั้งเพื่อพยายามบล็อกมัน เมื่อนิ้วสูงเกินไปหรือสูงไม่เท่ากัน จะทำให้เคลื่อนไหวได้อย่างถูกต้องและชัดเจนได้ยาก ในกรณีที่ยกนิ้วตั้งแต่ 2 นิ้วขึ้นไปติดกัน ควรเคลื่อนเป็นหน่วยเดียว ไม่ใช่แยกกัน นิ้วควรปิดรูของเครื่องบันทึกด้วยแผ่นอิเล็กโทรด ไม่ใช่ส่วนปลาย ปลายนิ้วมีขนาดใหญ่กว่ารู ดังนั้นคุณควรจะสามารถปิดได้โดยไม่มีปัญหาใดๆ ผู้เริ่มต้นหลายคนกดนิ้วของตนแรงๆ กับรูของเครื่องบันทึกโดยไม่ได้ตั้งใจ ดังนั้นจึงพยายามปิดให้แน่นยิ่งขึ้น ในความเป็นจริงมันก็เพียงพอแล้วที่ปลายนิ้วจะวางบนรูที่เกี่ยวข้อง เมื่อคุณกดนิ้วกับเครื่องดนตรี จะเกิดความตึงเครียดเพิ่มเติม ซึ่งจะขัดขวางการเคลื่อนไหวอย่างอิสระของเครื่องมือ โน้ตต่ำซึ่งหมายถึง "D" และ "C" ของอ็อกเทฟแรกนั้นไม่ใช่เรื่องง่ายที่จะตี เริ่มต้นด้วยการปิดผนึกรูที่ปิดด้วยนิ้วมือขวาด้วยเทป ในกรณีนี้ นิ้วมือซ้ายยังคงอยู่ในรู และความสนใจของนักเรียนสามารถมุ่งความสนใจไปที่การค้นหาแรงหายใจที่ถูกต้อง ด้วยเหตุนี้เราจึงเห็นว่าความรู้เกี่ยวกับการหายใจ เสียง และอุปกรณ์ข้อต่อที่ถูกต้องนั้นเป็นพื้นฐานของการแสดงดนตรี พวกเขาต้องการความเอาใจใส่เป็นอันดับแรกในการฝึกอบรม
บนเครื่องเป่าลม หลังจากเชี่ยวชาญพื้นฐานเหล่านี้แล้วเท่านั้น คุณจึงจะก้าวไปสู่จุดสูงสุดของความเชี่ยวชาญได้ มาก สำคัญเมื่อเล่นเครื่องบันทึกจะพัฒนาทักษะในการเล่นเครื่องดนตรีด้วย ในช่วงแรก ครูดึงความสนใจของผู้เรียนไปที่การวางมือ ตำแหน่งเริ่มต้น: แยกเท้าให้กว้างประมาณไหล่; รองรับขาซึ่งเด็กสบายกว่า มือทั้งสองถือเครื่องบันทึกโดยไม่ต้องกดเข้ากับลำตัวหรือยกขึ้นสูง ภาพเงาของนักเรียนทำให้เกิดตัวอักษร "F" เก๋ๆ ตำแหน่งมือบนเครื่องบันทึก: มือซ้ายขึ้น, มือขวาลง คุณต้องมีเครื่องบันทึก มือขวาด้านล่างราวกับถือดินสอ ต้องพับนิ้วหัวแม่มือและนิ้วชี้ของมือซ้ายเข้าด้วยกัน (เหมือนจะงอยปากเป็ด) ตอนนี้คุณสามารถสนทนาหรือร้องเพลงที่คุ้นเคยโดยเชื่อมโยงกับ "จงอยปาก" นี้ นอกจากการเปล่งเสียงแล้ว นักเรียนยังออกเสียงคำในเพลงใดก็ได้ ตัวอย่างเช่น: “สวัสดีลูกเป็ด คุณเป็นลูกใคร? คุณกำลังโทรหาใคร? คุณกำลังจะไปไหน?" - “ สวัสดีเด็ก ๆ คัทย่าและเพ็ตย่า! คุณรู้ไหมว่าคุณเองฉันกำลังว่ายน้ำไปหาแม่” คุณควรใส่ใจกับความจริงที่ว่าภาพที่สดใสแสดงออกและน่าจดจำของเป็ดหรือลูกเป็ดจะช่วยในอนาคตในการค้นหาตำแหน่งของหลุมเล่นแรกบนกระบอกเครื่องดนตรีอย่างแม่นยำ ในอนาคตเมื่อหันไปทางขวามือโดยใช้งานคล้าย ๆ กัน นักเรียนก็จะไปถึงหลุมเล่นที่สี่อย่างแน่นอน ขั้นตอนต่อไปในกระบวนการทำงานคือการวางตำแหน่งของเข็มนาฬิกา จำเป็นต้องใส่ใจกับการวางข้อศอกซึ่งไม่ควรกดทับลำตัว จำเป็นต้องปิดรูด้วยปลายนิ้วกลาง ในขณะที่ไม่ควรบีบมือ และหากเป็นไปได้ ควรวางนิ้วเป็นมุมฉากกับเครื่องบันทึก สิ่งนี้จะช่วยให้แน่ใจว่ารูเครื่องบันทึกปิดสนิทและนำไปสู่ระดับเสียงสูงต่ำของตัวโน้ตที่แม่นยำ นักเรียนควรจะสามารถถือเครื่องบันทึกได้อย่างสบาย ข้อสำคัญ: นิ้วก้อยของมือทั้งสองข้างอยู่ในตำแหน่งโค้งมนเล็กน้อย อยู่เหนือด้านหน้าของเครื่องบันทึก การปล่อยนิ้วก้อยของคุณลงโดยการงอไว้ใต้กระบอกเครื่องดนตรีหรือยกขึ้นนั้นไม่ถูกต้อง ระดับของการปัดเศษขึ้นอยู่กับความสัมพันธ์ระหว่างกันซึ่งก็คือโครงสร้างของมือเด็กแต่ละคน ช่วงเวลาที่จัดฉากนี้มีความสำคัญมากสำหรับการฝึกอบรมครั้งต่อไปทั้งหมด และจำเป็นอย่างยิ่งที่จะต้องแน่ใจว่าทุกคนสามารถรับมือกับงานได้ และไม่ใช่นักเรียนคนเดียวที่สงสัยเกี่ยวกับความสามารถของตนเองเกี่ยวกับเครื่องดนตรี หลังจากเชี่ยวชาญการวางมือแล้ว คุณสามารถเข้าสู่เกมได้โดยตรง
วางเครื่องบันทึกไว้ที่มุม 45% กับปาก นั่นคือขอบด้านล่างของเครื่องไม่ควรชี้ลงตรงหรือขนานกับพื้น ควรปิดรูให้สนิท: สามอันบน - ด้วยนิ้วชี้, นิ้วกลางและนิ้วนางของมือซ้ายและสี่รูล่าง - ด้วยนิ้วชี้, กลาง, นิ้วนางและนิ้วก้อยของมือขวา ตำแหน่งของมือนี้จะทำให้เด็ก ๆ คุ้นเคยกับการวางตำแหน่งที่ถูกต้อง และไม่จำเป็นต้องฝึกใหม่เมื่อเปลี่ยนไปใช้ขลุ่ยขวาง คลาริเน็ต แซ็กโซโฟน ฯลฯ สันนิษฐานเพิ่มเติม งานของแต่ละบุคคลกับนักเรียนทุกคน คุณต้องแน่ใจว่าหลุมเล่นปิดสนิท ซึ่งสามารถทำได้โดยการบีบเครื่องบันทึกแรงๆ ซึ่งควรจะทิ้งรอยไว้บนปลายนิ้ว: หากวงกลมถูกประทับไว้อย่างสมบูรณ์ แสดงว่าหลุมนั้นปิดอย่างถูกต้อง หากไม่เป็นเช่นนั้น คุณควรตรวจสอบเด็กในขณะที่เขาปิดหลุมเล่น เมื่อปิดโน้ตบนเครื่องดนตรี คุณไม่ควรยกนิ้วขึ้นสูง - ในอนาคต สิ่งนี้อาจส่งผลเสียต่อเทคนิคการแสดง เช่น บทเพลงมีระยะเวลาสั้นที่ต้องเล่นในจังหวะเร็ว เด็กที่ยกนิ้วขึ้นสูงจากหลุมเล่นจะไม่สามารถเล่นชิ้นนั้นตามจังหวะที่เขียนไว้ได้ หากครูแนะนำรูปลูกเป็ด คุณสามารถแสดงช่วงเวลานี้ได้ดังนี้ ลูกเป็ดภูมิใจมากที่เขามีเครื่องบันทึก และปีกของเขาก็กางออกอย่างภาคภูมิใจ หากครูทำงานร่วมกับนักเรียนที่มีอายุมากกว่า คุณสามารถขอให้เด็กๆ วางข้อศอกเหมือนวางบนแผ่นรอง เช่นเดียวกับที่มือของคุณวางบนที่วางแขนในขณะที่คุณนั่งอยู่บนเก้าอี้ หลังจากออกกำลังกายและประมวลผลการเคลื่อนไหวทั้งหมดแล้ว คุณก็สามารถเริ่มเล่นได้ ครูก็เหมือนกับนักเรียน ที่จะหยิบเครื่องบันทึกในมือและแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่าพวกเขาต้องทำอะไรและอย่างไร เมื่อปิดหลุมเล่นหนึ่งหลุมด้านบนด้วยมือซ้ายด้วยนิ้วชี้คุณต้องพูดอย่างแน่นอนว่าโน้ตนี้เรียกว่าอะไรเนื่องจากตั้งแต่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 จำเป็นต้องสอนเด็ก ๆ ถึงวิธีอ่านดนตรีและตั้งชื่อโน้ตอย่างถูกต้อง การเล่นหลุมแรกบนเครื่องบันทึกเรียกว่าโน้ต "B" คุณควรแสดงให้เห็นว่าโน้ตมีลักษณะอย่างไรในการบันทึก นิ้วชี้ของมือซ้ายซึ่งคลุมโน้ตตัว "B" จะถูกกำหนดหมายเลขไว้ก่อน (1) เนื่องจากแต่ละนิ้วจะมีหมายเลขของตัวเอง ในระหว่างเกมนักเรียนจะต้อง "โจมตี" แต่ละโน้ตด้วยลิ้นของพวกเขาและออกเสียงพยางค์ tou, tou, tou ราวกับกระซิบ
บทบาทนำในด้านการศึกษาและการฝึกอบรมของนักเรียนเป็นของครู ดังนั้นงานด้านการศึกษาและการศึกษารูปแบบหลักจึงเป็นบทเรียน ในระหว่างบทเรียน ครูผสมผสานคำอธิบายด้วยวาจาและการปฏิบัติงานทั้งหมดหรือบางส่วน ซึ่งจะเพิ่มความสนใจ ความสนใจ และกิจกรรมของนักเรียน การทำดนตรีร่วมกันระหว่างนักเรียนและครู (นักเรียนและนักเรียน) ส่งเสริมพัฒนาการ ความคิดสร้างสรรค์ นักดนตรีหนุ่มเร่งกระบวนการเรียนรู้ พัฒนาการได้ยิน ความรู้สึกของจังหวะ ความสามารถในการอ่านด้วยสายตา และปลูกฝังทักษะในการเล่นวงดนตรี “ การพัฒนาทางดนตรีของนักเรียน - การพัฒนาความคิดทางดนตรีและรสนิยมทางศิลปะของเขา, การขยายขอบเขตทางดนตรีของเขา, การพัฒนาทักษะการแสดง - เป็นงานซึ่งการแก้ปัญหาคือเป้าหมายหลักของการศึกษาทุกขั้นตอนรวมถึง อันแรก” อันที่จริงเป็นการยากที่จะกำหนดเวลาที่ใช้ในการพัฒนาทักษะบางอย่าง ระบบบทเรียนแบบตัวต่อตัวช่วยให้ครูในแต่ละกรณีสามารถสร้างงานของเขาตามลักษณะเฉพาะของนักเรียนได้ สิ่งสำคัญคือทิศทาง เนื้อหา และวิธีการสอนและพัฒนาผู้เรียน ในการรวบรวมทักษะที่ได้มาคุณควรผ่านงานจำนวนมากที่มีความยากเท่ากันโดยประมาณ ความซับซ้อนของบทละครที่ครอบคลุมควรค่อยๆ ดำเนินการ และท้ายที่สุดก็ไม่จำเป็นต้องกีดกันเด็กที่สนใจเรียนที่โรงเรียนดนตรีทั้งนี้ขึ้นอยู่กับความพยายามของครูทักษะการสอนของเขาหากนักเรียนเข้าเรียนด้วยความยินดีเขาไม่ควรพลาดหากไม่มี เหตุผลที่ดีหากเขาเรียนด้วยความสนใจและมีส่วนร่วมในการแสดงคอนเสิร์ตนี่เป็นข้อดีอย่างมากสำหรับทั้งเด็กและครู ดังที่ B.Ya. เขียนในงานของเขา Grach: “งานจะก้าวหน้าไปเมื่อนักเรียนสนใจ และมันก็น่าสนใจเมื่องานหนึ่งถูกแทนที่ด้วยอีกงานหนึ่ง เมื่องานหนึ่งถูกแทนที่ด้วยอีกงานหนึ่ง เมื่อเอาชนะความยากลำบากได้โดยปราศจากความเครียดมากเกินไป เฉพาะในกรณีนี้ผลลัพธ์ที่ดีจะนำความสุขมาสู่ผู้เรียนเท่านั้น ทุกสิ่งที่ไม่ได้ผลจะทำให้นักเรียนอารมณ์เสีย และความล้มเหลวมักจะนำไปสู่การบาดเจ็บ เมื่อเชี่ยวชาญทักษะการเล่นเครื่องบันทึกและเรียนรู้การหายใจและการผลิตเสียงที่เหมาะสมจากเครื่องบันทึกแล้ว นักเรียนจะเตรียมพร้อมสำหรับการเรียนรู้การเล่นเครื่องลมขั้นที่สอง อันที่จริง เป็นการยากที่จะกำหนดเวลาที่จะต้องใช้ในการเล่น พัฒนาทักษะบางอย่าง ระบบบทเรียนแบบตัวต่อตัวให้
โอกาสของครูในแต่ละกรณี ครูสร้างผลงานตาม ลักษณะเฉพาะส่วนบุคคลนักเรียน. สิ่งสำคัญคือทิศทาง เนื้อหา และวิธีการสอนและพัฒนาผู้เรียน ดังนั้นการฝึกอบรมเบื้องต้นที่เหมาะสมในการเล่นเครื่องบันทึกจะสร้างโอกาสอันดีสำหรับการพัฒนาความเข้าใจทางดนตรีและการได้ยิน การพัฒนาที่หลากหลายและประสบความสำเร็จของนักเรียนในฐานะนักดนตรีที่แสดง
2.2.อนาคต

การสอน

เครื่องบันทึก

ดนตรี

โรงเรียนเป็นเครื่องมืออิสระ
เราคุ้นเคยกับการพูดถึงเครื่องบันทึกในฐานะเครื่องดนตรีเสริมที่เตรียมนักแสดงรุ่นเยาว์ให้พร้อมสำหรับการเปลี่ยนไปใช้เครื่องดนตรีที่ "ใหญ่" เท่านั้น ทำได้เพียงเตรียมเด็กให้เล่นคลาริเน็ตหรือโอโบเท่านั้น เครื่องบันทึกไม่ใช่เครื่องดนตรี น่าเสียดายที่นี่คือสิ่งที่เพื่อนร่วมชาติธรรมดาๆ ที่ไม่ใช่นักดนตรีคิด พวกเขาไม่รู้ว่ามีดนตรีที่ยอดเยี่ยมมากแค่ไหนสำหรับ "ท่อ" นี้และการแสดงในอดีตและสมัยใหม่สามารถเล่นได้อย่างสวยงามและเชี่ยวชาญได้อย่างไร ในขณะเดียวกัน เครื่องบันทึกก็เป็นอุปกรณ์อิสระและพึ่งพาตนเองได้อย่างสมบูรณ์ เราต้องจำไว้ว่านักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเขียนผลงานให้กับเธอ: A. Vivaldi, G.F. เทเลแมน, G.F. ฮันเดล, I.S. บาค. เครื่องบันทึกในประเทศแถบยุโรปมักจะฟังดูดีที่สุด สถานที่จัดคอนเสิร์ต! นักแต่งเพลงในยุคเดียวกันของเราหลายคน รวมถึง Britten, Hindemith และคนอื่นๆ ใช้เครื่องบันทึกในวงดนตรีแชมเบอร์และงานไพเราะ มีวงดนตรีในยุคแรกๆ ที่เครื่องบันทึกเป็นเครื่องดนตรีที่เท่าเทียมกัน นี่เป็นหนึ่งในเครื่องมือที่สะดวกที่สุดสำหรับการศึกษาด้านดนตรี ก่อนอื่นเพราะการเก็บเครื่องบันทึกขนาดเล็กไว้ที่บ้านนั้นสะดวกกว่าเปียโนมาก เสียงที่เงียบของเครื่องดนตรีนี้ช่วยให้คุณเล่นเพลงได้โดยไม่รบกวนครอบครัวและเพื่อนบ้าน การเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องบันทึกไม่จำเป็นต้องฝึกฝนเป็นเวลาหลายปี การยืดนิ้วเป็นพิเศษ และความแข็งแรงของกล้ามเนื้อปอดที่ยอดเยี่ยม ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลในโรงเรียนดนตรี การเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีลมเริ่มต้นด้วยเครื่องบันทึก นอกจากนี้ เครื่องบันทึกยังมีราคาไม่แพงกว่าอุปกรณ์อื่นๆ มาก โมเดลพลาสติกที่ง่ายที่สุดในปัจจุบันสามารถซื้อได้ในราคาเพียง 400-500 รูเบิล ด้วยเหตุผลทั้งหมดข้างต้น เครื่องบันทึกจึงได้รับความนิยมอย่างมากทั้งในหมู่นักดนตรีและผู้ที่ต้องการเข้าร่วมวัฒนธรรมดนตรี เพราะใช้สิ่งนี้.
เครื่องดนตรีนี้สามารถใช้ได้ในเกือบทุกทิศทางดนตรีมีคนชอบเล่นเครื่องบันทึกมากขึ้นเรื่อย ๆ นักเรียนระดับมัธยมศึกษา วัยรุ่น และผู้ใหญ่ในภาคปฏิบัติการสอนของโรงเรียนดนตรีสามารถเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีนี้ได้ บางทีในวงดนตรีโบราณเครื่องบันทึกสามารถเติมเต็มฟังก์ชั่นที่สร้างขึ้นได้อย่างเต็มที่ที่สุด ดนตรีในยุคแรกๆ มักเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็น “ดนตรีตามประเพณีของยุโรปตะวันตก สร้างขึ้นในยุคกลางตั้งแต่ยุคกลางจนถึงต้นศตวรรษที่ 19” ความหมายหลักและงานที่ครูเผชิญคือการส่งคืนเสียงดนตรีชิ้นใดชิ้นหนึ่งสูงสุด (เท่าที่จะทำได้) โดยการเล่นในชุดเครื่องบันทึก ความสนใจในเครื่องบันทึกในหมู่นักดนตรีเชิงวิชาการค่อนข้างอ่อนแอ อย่างไรก็ตามมีนักดนตรีเชิงวิชาการในเครื่องบันทึกอยู่และยิ่งไปกว่านั้นแม้แต่ในรัสเซียก็มีด้วย ชื่อใหญ่.. ในขณะที่เครื่องบันทึกทางวิชาการในรัสเซียยังคงเป็นสิ่งที่หายากและเป็นข้อยกเว้นของกฎ นักแสดงดนตรีเชิงวิชาการจากต่างประเทศยอมรับว่าเครื่องบันทึกเป็นเครื่องดนตรีที่จริงจังบ่อยกว่ามาก ตัวอย่างเช่น นักเป่าขลุ่ยชาวเยอรมัน Maurice Steger ได้รับการยกย่องว่าเป็นหนึ่งใน "นักบันทึกเสียงที่เก่งที่สุดในโลก" มอริซเล่นเพลงหลากหลายในเครื่องบันทึก ตั้งแต่เพลงโบราณไปจนถึงการร่วมงานกับวงออร์เคสตราสมัยใหม่ เขาได้แสดงผลงานที่โด่งดังที่สุดสำหรับเครื่องบันทึกโดย Telemann, Sammartini, Vivaldi และคนอื่น ๆ อีกมากมายซึ่งนักดนตรีได้รับรางวัลจากชุมชนผู้เชี่ยวชาญซ้ำแล้วซ้ำเล่า ตัวแทนอีกคนหนึ่งหรือตัวแทนของทิศทางการศึกษาคือผู้บันทึก Michala Petri จากเดนมาร์ก มิชาลาแสดงบนเวทียุโรปทั้งในฐานะนักแสดงเดี่ยวและเป็นส่วนหนึ่งของวงออเคสตราที่มีชื่อเสียงที่สุด เครื่องบันทึกหลายสิบชิ้นเขียนขึ้นเพื่อมิชาลาโดยเฉพาะ ผู้หญิงที่น่าทึ่งคนนี้หยิบเครื่องบันทึกขึ้นมาครั้งแรกเมื่ออายุได้สามขวบ และเมื่ออายุได้ห้าขวบ เธอก็แสดงในรายการวิทยุของเดนมาร์กแล้ว ต่อจากนั้น Petri ได้รับเสียงปรบมือในคอนเสิร์ตฮอลล์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก เป็นที่น่าสนใจว่าผู้เล่นเครื่องอัดเสียงชาวต่างชาติส่วนใหญ่ไม่เชี่ยวชาญด้านดนตรีโดยเฉพาะ แต่พยายามปกปิดให้มากที่สุด นักดนตรีหลายคนเล่นในวงดนตรียุคแรกๆ และวงออเคสตราคลาสสิกไปพร้อมๆ กัน และมีส่วนร่วมในโปรเจ็กต์แนวหน้าต่างๆ
ด้วยการพัฒนาเทคโนโลยีสารสนเทศ เครื่องมือเช่นเครื่องบันทึก (ใคร ๆ ก็คิด) จะจางหายไปในพื้นหลังอย่างรวดเร็ว แต่เครื่องมือนี้มีอนาคต เครื่องดนตรีสดจะถูกนำเสนอและใช้อย่างต่อเนื่อง ไม่มีนาโนเทคโนโลยีใดสามารถทดแทนสิ่งที่เป็นธรรมชาติได้ แต่เพื่อเสริม เพื่อสร้างพื้นที่การสั่นสะเทือนแบบขนาน - ใช่ ฉันคิดว่าในอนาคตอันใกล้นี้ ความเป็นไปได้ในการเล่นเครื่องบันทึกจะขยายออกไปเนื่องจากการขจัดข้อจำกัดต่างๆ สิ่งสำคัญคือการกำจัดความคาดหวังและรับการค้นพบความสามารถของเครื่องมือที่ไม่อาจจินตนาการได้อย่างสมบูรณ์ เครื่องบันทึกก็เหมือนกับเครื่องดนตรีอื่นๆ ที่อาศัยอยู่ในกฎอันยิ่งใหญ่ของจักรวาล และเป็นส่วนพิเศษของวงออเคสตราทั้งหมด ซึ่งเรียกว่าชีวิต เครื่องบันทึกถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในเกือบทุกด้านของดนตรีสมัยใหม่ ดนตรีวิชาการไม่ใช่การเคลื่อนไหวหรือทิศทาง แต่เป็นต้นไม้ที่เติบโตในสวนแห่งอารยธรรม ดนตรีวิชาการ- ดนตรีแห่งความต่อเนื่องเช่น อันที่มี ความทรงจำทางวัฒนธรรมและดีเอ็นเอบางส่วนที่ทำให้สามารถตรวจจับสัญญาณของศิลปะชั้นสูงในนั้นได้ การแตกกิ่งก้านของต้นไม้นี้จะมีคุณสมบัติไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ไม่สำคัญหรอกว่า: บาโรก คลาสสิค โรแมนติก อิมเพรสชั่นนิสม์ เปรี้ยวจี๊ด...แม้แต่กลุ่มฝ่ายซ้ายส่วนใหญ่ก็ยังสอดคล้องกับสุนทรียศาสตร์นี้เสมอ ในการถ่ายทอดความรู้ จำเป็นต้องมีระบบ: ครู-นักเรียน และผลที่ตามมาก็คือระบบในรูปแบบต่างๆ เครื่องบันทึกมีความเกี่ยวข้องในปัจจุบันอย่างไร? ขณะนี้มีเครื่องมือที่มีความสามารถด้านเทคนิคที่กว้างขึ้นมาก แท้จริงแล้วมีเครื่องมือหลายอย่างที่ได้รับสถานะของต้นแบบผู้ส่งสารจากยุคสมัยหนึ่งในระหว่างการพัฒนาประวัติศาสตร์วัฒนธรรม ตัวอย่างเช่น ไม่ต้องสงสัยเลยว่าฮาร์ปซิคอร์ดถือเป็นสัญลักษณ์บางอย่างของบาร็อค ยุคของ Rameau และ Couperin, Poglietti และ Scarlatti ซึ่งเป็นราชวงศ์บาค สถานการณ์คล้ายกับเครื่องบันทึก เครื่องดนตรีนี้เป็นของยุคบาโรกและดนตรีชาติพันธุ์เป็นส่วนใหญ่ ละครของเธอคืออะไร? การดัดแปลงมากมายจากต้นฉบับ การดัดแปลง การด้นสดทางชาติพันธุ์ เครื่องบันทึกไม่เคยผ่านการขยายทางเทคนิคของเทคนิคการผลิตเสียงดังกล่าว และที่สำคัญที่สุดคือ การใช้การขยายเหล่านี้ในงานศิลปะ เช่น ขลุ่ยขนาดใหญ่ แต่ตรงกันข้าม เธอใช้ชีวิตอย่างอิสระและเป็นอิสระโดยสมบูรณ์ น่าแปลกใจที่ด้วยความสามารถทางเทคนิคที่ค่อนข้างกว้างของศตวรรษที่ผ่านมาและความสามารถที่แทบจะไร้ขอบเขตของศตวรรษปัจจุบัน
เครื่องบันทึกมีการใช้งานอย่างแข็งขันค่ะ เพลงยอดนิยม. นี่เป็นการหักล้างทฤษฎีที่ว่าเครื่องบันทึกถูกลืมอีกครั้งเนื่องจากเสียงที่เงียบและความสามารถทางดนตรีที่อ่อนแอ ในละครของโรงเรียนดนตรี ครูได้รวมท่วงทำนองของกลุ่มยอดนิยมและเป็นตำนานมายาวนานเช่น "The Beatles", "The Rolling Stones", "Led Zeppelin", Curtis E. "Come back to Sorrento!", Oliveira L. เพลงจากภาพยนตร์เรื่อง "Generals of the Sandy quarries", James Last Lonely Shepherd, 134 Kb, zip นอกจากนี้ ปัจจุบันยังมีผู้แต่งเพลงจำนวนมากที่แต่งเพลงสำหรับเครื่องบันทึกโดยเฉพาะ ในบรรดาชื่อต่างประเทศสามารถตั้งชื่อ Giorgio Tedda, Alberto Iacopucci, Marcus Janhausen, Makotto Shinoara, Moritz Eggert, Decebal Grigoruta ในประเทศของเรา การแต่งเพลงให้กับเครื่องบันทึกไม่ใช่เรื่องธรรมดานัก อย่างไรก็ตาม ตัวอย่างเช่น Sergei Slonimsky นักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่โด่งดังและโดดเด่นที่สุดคนหนึ่งเป็นผู้เขียนผลงานหลายชิ้นสำหรับวงดนตรีเครื่องบันทึก ที่น่าสังเกตก็คือนักแต่งเพลง Vladimir Dashkevich ซึ่งเป็นผู้แต่งเพลงให้กับภาพยนตร์หลายเรื่อง การเรียบเรียงของเขามักมีส่วนสำหรับเครื่องบันทึก (เช่นในบทประพันธ์ของภาพยนตร์เรื่อง "Sherlock Holmes and Doctor Watson") นอกจากนี้ การแสดงละครของนักเรียนยังได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยการสร้างสรรค์การเรียบเรียงเสียงลมและ เครื่องเพอร์คัชชัน. ตลอดหลายปีที่ผ่านมาของแผนกนี้ ครูได้ให้ความสนใจกับงานนี้ เราสามารถยกตัวอย่างการเรียบเรียงโซนาตาไวโอลินและพาร์ติทัสของ J.S. Bach ของ I.P. Mozgovenko; การจัดเตรียมเครื่องบันทึก เครื่องบันทึก หรือ gobo ของ J. Dunkle โดย S.P. Velikanov การจัดเตรียมเครื่องลมและเครื่องเพอร์คัชชันที่ทำโดย M.S. Khokhlov ทำให้สามารถแสดงผลงานที่คุ้นเคยด้วยเสียงที่สดใสแบบใหม่ได้ ฯลฯ
บทสรุป
เครื่องบันทึกการสอนในโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กในระยะเริ่มแรกของการศึกษาไม่เพียงพัฒนาความสามารถทางดนตรีทั่วไปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสามารถทางวิชาชีพด้วย ยิ่งเด็กๆ มีส่วนร่วมในศิลปะดนตรีมากเท่าไร การเลี้ยงดูคนรุ่นใหม่ก็จะยิ่งมีความสามัคคีมากขึ้นเท่านั้น เด็ก ๆ ที่กำลังศึกษาเครื่องบันทึกในโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กที่ยังไม่ได้รับความสมบูรณ์แบบและความเป็นมืออาชีพด้วยเหตุผลบางประการ จะได้รับความรู้อันมีค่าเกี่ยวกับเครื่องดนตรีนี้เพื่อการพัฒนาทางดนตรีโดยทั่วไปและความคุ้นเคยกับดนตรี และจะได้เรียนรู้ที่จะสัมผัสและรับรู้ดนตรีอย่างมีอารมณ์
เด็กเหล่านั้นที่ความสามารถทางดนตรีที่ซับซ้อนทั้งหมดจะช่วยให้พวกเขานำการเรียนรู้ผ่านเครื่องบันทึกไปสู่ระดับมืออาชีพจะได้รับประโยชน์อันล้ำค่าในการปรับปรุงความสามารถในการแสดงของพวกเขาต่อไป การตั้งเป้าหมายที่สูงส่งสำหรับตัวเอง ครูพิเศษต้องทำงานร่วมกับนักเรียนในด้านดนตรีโดยทั่วไป และโดยเฉพาะกับเครื่องดนตรีนี้ ดังนั้นมีเพียงครูคนนั้นเท่านั้นที่จะบรรลุผลตามที่ต้องการซึ่งจะพัฒนาความสามารถทางดนตรีของเขาพร้อมกับการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรี การปลูกฝังความรักในเครื่องลม การวางตำแหน่งอุปกรณ์ริมฝีปาก นิ้ว และร่างกายของเด็กให้ถูกต้องถือเป็นจุดสำคัญในการทำงานของครูร่วมกับนักเรียน นักเรียนที่เรียนเล่นเครื่องบันทึกในช่วงปีแรกของบทเรียนควรได้ยินจากครูเสมอว่าเครื่องดนตรีประเภทลมทุกชนิดมีความสวยงามและแสดงออกได้ และมีเพียงผู้ที่มีความสามารถทางดนตรีทางกายภาพเท่านั้นจึงจะสามารถเรียนรู้ที่จะเล่นได้ การกำหนดคำถามที่ถูกต้องตามระเบียบวิธีดังกล่าวไม่รวมถึงความเป็นไปได้ในทางปฏิบัติ การบาดเจ็บทางจิตใจเด็กเมื่อเปลี่ยนจากเครื่องบันทึกไปเป็นโอโบ คลาริเน็ต ทรัมเป็ต หรือเครื่องเป่าลมอื่นๆ การเรียนรู้เบื้องต้นในการเล่นเครื่องบันทึกจะสร้างโอกาสอันดีสำหรับการพัฒนาความเข้าใจด้านดนตรีและการได้ยิน การพัฒนาที่หลากหลายและประสบความสำเร็จของนักเรียนในฐานะนักดนตรีที่แสดง การเรียนรู้พื้นฐานของการเล่นเครื่องบันทึกควรทำให้เด็กๆ สามารถสื่อสารกับดนตรีได้อย่างต่อเนื่อง เป็นนักดนตรีสมัครเล่น กลายเป็นผู้ชื่นชอบดนตรีที่เข้าใจลักษณะ รูปแบบ สไตล์ของงานดนตรี ตลอดจนมีส่วนร่วมในการแสดงสมัครเล่นหรือเพียงแค่เล่นดนตรี เมื่อหยิบเครื่องบันทึกขึ้นมา เด็กทุกคนตั้งแต่บทเรียนแรกจะได้เรียนรู้ดนตรีผ่านการทำดนตรีของตนเอง ตอนนี้เขากลายเป็น "ผู้ควบคุม" โดยตรงของความคิดของผู้แต่งทั้งหมดเนื่องจากเพื่อที่จะเล่นผลงานจำเป็นต้องวิเคราะห์อย่างรอบคอบและ "ผ่านตัวคุณเอง" อย่างแท้จริงแม้ว่าความคิดและความรู้สึกทั้งหมดที่ถ่ายทอดด้วยเสียงโดยไม่รู้ตัวก็ตาม และเครื่องดนตรีที่เกี่ยวข้องกับการหายใจนั้นใกล้เคียงกับเสียงของมนุษย์มากที่สุด - “เครื่องดนตรี” ที่ดีที่สุด จริงๆ แล้ว นักดนตรีที่เก่งที่สุดในงานของพวกเขาต่างก็พยายามเล่นตามแบบที่คนๆ หนึ่งร้องหรือพูด ขลุ่ยซึ่งมีเสียงที่เล่นง่าย มีโอกาสที่ดีในการแสดงความคิดและ
การระเบิดของจิตวิญญาณตอบสนองต่อการเปลี่ยนแปลงเพียงเล็กน้อยในการหายใจหรือการเคลื่อนไหวของเราและเครื่องบันทึกในมือที่ดีสามารถบอกเล่าสิ่งที่น่าสนใจมากมายได้... ฉันคิดว่าเครื่องดนตรีนี้ถูกเลือกโดยคนที่รู้วิธีค้นหาและชื่นชมความงาม ในสิ่งที่เรียบง่ายขั้นพื้นฐาน และไม่ค่อยมีในยุคที่เงินทองในทางปฏิบัติของเรา และแท้จริงแล้ว - เครื่องดนตรีที่ไม่มีชื่อเสียง - ไปป์ธรรมดา ๆ เพียง 8 หลุม แต่มีอารมณ์มากแค่ไหนมันให้การพัฒนาจิตใจและหัวใจของเราอย่างไร ความสนใจในเครื่องบันทึกและเครื่องดนตรีโบราณอื่นๆ ส่วนใหญ่เนื่องมาจากความสนใจโดยทั่วไปในทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับสมัยโบราณ เทรนด์นี้ไม่ใช่เรื่องใหม่แต่อย่างใด สามารถสืบย้อนได้จากประวัติศาสตร์ที่ผู้คนแสดงความสนใจในอดีตของตนมาโดยตลอด ความเป็นเอกลักษณ์ของเครื่องดนตรี การเข้าถึงการมาสเตอร์ได้ ความสามารถทางดนตรีที่หลากหลาย และต้นทุนต่ำ ยังช่วยให้เครื่องบันทึกมีความสนใจเพิ่มมากขึ้นอีกด้วย
บรรณานุกรม
1. Abdulin E. B. Nikolaeva E. V. ทฤษฎีการศึกษาด้านดนตรี - M. , 2004 2. Apraksina O. วิธีการศึกษาด้านดนตรีที่โรงเรียน - บทช่วยสอน – อ.: การศึกษา 2526. 3. Barenboim L. ระบบการศึกษาดนตรี โดย K. Orff. – ล.: ดนตรี, 1970. 4. บาเรนโบอิม แอล. ประถมศึกษา การศึกษาด้านดนตรีตามระบบเค.ออร์ฟฟ์ – L.: ดนตรี, 1970. 5. Berezin V. นักฟลุตชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ในกระจกเงาแห่งกาลเวลา. “ดนตรีโบราณ”: Ezhekv ดนตรี นิตยสาร / ผู้ก่อตั้ง : หน่วยงานวรรณกรรม "PREST" ม.: บ. และ. พ.ศ. 2548 - ฉบับที่ 1-2 (27-28) 6. Berezin V. เครื่องดนตรีลมในวัฒนธรรมดนตรีคลาสสิก M.: สำนักพิมพ์ของสถาบันการศึกษาระดับมัธยมศึกษาทั่วไปของ Russian Academy of Education, 2000. 388 f., ill., หมายเหตุ 7. โบชารอฟ. Y. ผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรีโบราณ ม. - เฮลิออส, 2548, หน้า. 6 8. Braudo I. Articulation (เกี่ยวกับการออกเสียงทำนอง) ฉบับที่ 2. ดนตรีสาขาเลนินกราด ล.: 2516. 200 น. 9. วิโนกราดอฟ แอล.วี., เทโวเซียน อี.เอส. บล็อกฟลุต การทำเพลงร่วมกัน ส่วนที่ 1 รัฐ ภาพ. โรงเรียนหมายเลข 1321 “อาร์ค” องค์กรสาธารณะระดับภูมิภาคเพื่อคนพิการและผู้ปกครองของเด็กพิการ (ROOI), 2547
10. กรูเบอร์ อาร์. ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรี T.I (ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปลายศตวรรษที่ 16) ตอนที่สอง ม., เจแอล: รัฐ. ดนตรี สำนักพิมพ์ พ.ศ. 2537 514 หน้า 11. Dikov B. เกี่ยวกับการหายใจเมื่อเล่นเครื่องดนตรีประเภทลม – M.: Muzgiz, 1956. 12. Dikov B. วิธีสอนการเล่นเครื่องดนตรีประเภทลม. เอ็ด 2. - M.: Muzyka, 1987. 13. Dolzhikov Yu. การประกบและจังหวะเมื่อเล่นฟลุตในหนังสือประเด็นการสอนดนตรี: การรวบรวมบทความ ฉบับที่ 10. (เรียบเรียงโดย Yu. Usov) อ.: ดนตรี, 1991.-176 น. 14. Dolzhikov Yu เทคนิคการหายใจของนักฟลุต: ปัญหาการสอนดนตรี: การรวบรวมบทความ ฉบับที่ 4/อ.-สถ. ยู. อุซอฟ. -M.: Muzyka, 1983. 128 e., หมายเหตุ. 15. Druskin M. ประวัติศาสตร์ดนตรีต่างประเทศ (ฉบับที่ IV) ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 M.: Muzyka, 1980. 528 สำเนา, หมายเหตุ 16. Emelyanov V. “ การพัฒนาเสียงการประสานงานและการฝึกอบรม” – เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 2000. 17. Ivanov V. พจนานุกรมนักดนตรีแห่งสายลม. อ.: มูซิก้า 2550 - 128 น. 18. Kaczmarczyk V. เทคนิคการเจาะปากแบบบาร็อคสำหรับนักฟลุต นิตยสาร "ดนตรีและเวลา" M. , 2006. - 11.ts 19. Kaczmarczyk V. การเปล่งเสียงฟลุตแห่งยุคบาโรก “ดนตรีโบราณ”: Ezhekv ดนตรี นิตยสาร / ผู้ก่อตั้ง: ไลท์. เอเจนซี่ "GEREST" ม.: บ. และ. -2005.-หมายเลข 3-4. 20. Levin S. เครื่องดนตรีลมในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรี - L.: ดนตรี, 1993. 21. พจนานุกรมดนตรีของโกรฟ. ฉบับภาษารัสเซียครั้งที่สอง แก้ไขและขยายความ ต่อ. จากอังกฤษ อ.: แพรกติก 2550 - 1103 น. 22. สารานุกรมดนตรี เล่ม 1: M. สารานุกรมโซเวียต พ.ศ. 2519 - หน้า 178 23. ใหม่ หนังสืออ้างอิงสากลประเทศและผู้คนทั่วโลก / เรียบเรียงโดย A.G. Stadnik เอ็ด 2. - Rostov ไม่มี: Phoenix, 2007. - 380, 1. น. - (สารบบ). 24. Polezhaev D. จุดประสงค์ทางประวัติศาสตร์ของผู้คนและการสะท้อนในความคิดของชาติ (เอกสารการประชุมทางวิทยาศาสตร์ระหว่างประเทศ: “วิทยาศาสตร์ ศิลปะ การศึกษาในวัฒนธรรมแห่งสหัสวรรษที่ 1” 10-11 เมษายน 2546) โวลโกกราด: สำนักพิมพ์ VolGU, 2546. 25. Platonov N. คำถามเกี่ยวกับวิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีลม
26. Platonov N. วิธีการสอนการเล่นฟลุต (ดู: วิธีการสอนการเล่นเครื่องลม บทความ ฉบับที่ II /ภายใต้บรรณาธิการทั่วไปของ Yu.A. Usov/) ดนตรี. ม., 2509. 270 น. 27. Pushechnikov I. ABC ของเครื่องบันทึกเริ่มต้น - อ.: ดนตรี, พ.ศ. 2534. 19. Rachina B. การเดินทางสู่ดินแดนแห่งดนตรี. – เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 1997. 28. Pushechnikov I / ประเด็นวิธีการสอนเครื่องบันทึก – เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 1984. 29. ดนตรีบรรเลง Raaben L. Chamber ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 : ประเทศในยุโรปและอเมริกา: วิจัย / Lenigr. สถานะ สถาบันการละคร ดนตรี และภาพยนตร์ ตั้งชื่อตาม เอ็นเอ เชอร์กาโซวา L.: Sov.ผู้แต่ง. แผนกเลนินกราด พ.ศ. 2529 - 250, 1. e., ill., บันทึก 30. Rokityanskaya T. เรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึกเป็นกลุ่ม // ศิลปะที่โรงเรียน – 2541. - ลำดับที่ 1 31. Rolland R. มรดกทางดนตรีและประวัติศาสตร์: ใน 8 ฉบับ. ฉบับที่ 3. นักดนตรีในอดีต การเดินทางทางดนตรีสู่ดินแดนแห่งอดีต / เอ็ด.คอม และแสดงความคิดเห็น วี. ไบรอันต์เซวา. อ.: Muzyka, 1988. - 448 e., โน้ตเพลง, แนวตั้ง. 32. Trizno B. Flute / Series “เครื่องดนตรี”. LGITMiK. อ.: มูซิกา 2507. 52 น. 33. Usov A. คำถามเกี่ยวกับทฤษฎีและการฝึกเล่นแตร // วิธีสอนการเล่นเครื่องดนตรีที่ไม่ใช่ลม: เล่ม 1 1. – M. , 1964. 34. Usov Yu. ประวัติความเป็นมาของการแสดงจากต่างประเทศเกี่ยวกับเครื่องลม: หนังสือเรียน. - ฉบับที่ 2, เสริม. -ม.: ดนตรี, 2532. 205 2. จ., โน้ต. 35. อูซอฟ ยู. โรงเรียนโซเวียตการเล่นเครื่องเป่าลม พ.ศ. 2503-2523: การแสดงดนตรีและความทันสมัย: รวบรวมบทความ / คอมพ์ ม.สมีร์นอฟ -M.: Muzyka, 1988. 319 น. 36. Fedotov A. วิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีลม อ.: Muzyka, 1975.- 159 น. 37. Shkolyar L.V. , Krasilnikova M.S. , Kritskaya E.D. , Usacheva V.O. , Medushevsky V.V. , Shkolyar V.A. ทฤษฎีและวิธีการศึกษาดนตรีของเด็ก – M. , 1999. 38. Tsybin V. ความรู้เบื้องต้นเกี่ยวกับเทคนิคการเล่นฟลุต. ส่วนที่ 1 รัฐ ดนตรี สำนักพิมพ์ ม.-ล.: 2483, 248 หน้า 39. Yagudin Yu. เกี่ยวกับการพัฒนาการแสดงออกของเสียง (วิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีลม, ฉบับที่ 3), M.: 1971. 271 p.

6440 0 5.0

โปรแกรมสำหรับสอนเด็กก่อนวัยเรียนให้เล่นเครื่องบันทึก

ผู้อำนวยการดนตรีของ MBDOU หมายเลข 124 แห่งเมือง Penza

หมายเหตุอธิบาย

การเรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึกไม่เพียงแต่ครอบคลุมถึงความเชี่ยวชาญเฉพาะด้านของเครื่องดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการเรียนรู้ความรู้ทางดนตรี การพัฒนาการได้ยิน ความรู้สึกของจังหวะ ตลอดจนการทำความรู้จักกับประวัติศาสตร์ของดนตรี เด็กจะได้รับการพัฒนาด้านดนตรีอย่างเต็มที่และได้รับทักษะในการเล่นเครื่องบันทึก
ความสำคัญในทางปฏิบัติบทเรียนบันทึกเกี่ยวข้องกับการพัฒนาทั้งทางร่างกายและสติปัญญาของเด็ก การใช้เทคนิคการหายใจแบบพิเศษช่วยพัฒนาระบบทางเดินหายใจการทำงานอย่างต่อเนื่องในเทคนิคการแสดงช่วยกระตุ้นการพัฒนาความคล่องแคล่วของนิ้วและการประสานการเคลื่อนไหวที่ชัดเจน การทำงานช่วยฝึกความจำของเด็ก การทำความรู้จักกับแนวเพลง ผู้แต่ง รูปแบบประวัติศาสตร์ ยุคสมัย และประเทศต่างๆ ในขณะที่ศึกษางานเฉพาะเจาะจงจะขยายขอบเขตทางศิลปะของเด็ก ปลูกฝังความสนใจและความรักในดนตรีให้กับเด็ก และพัฒนาความสามารถในการสร้างสรรค์ของเขา
เมื่อเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องบันทึก การแสดงทั้งมวลมีบทบาทสำคัญ ส่งเสริมพัฒนาการการได้ยิน เทคนิคการแสดงของเด็ก และช่วยให้ขยายขอบเขตของผลงานที่ศึกษาได้
โปรแกรมสำหรับการเรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึกจะแนะนำให้เด็ก ๆ รู้จักกับศิลปะการทำดนตรี พัฒนาอารมณ์ความรู้สึก ศิลปะ และรสนิยมทางดนตรีและศิลปะของเด็ก พัฒนาการทำงานหนัก แม่นยำ มุ่งมั่น ช่วยปรับตัวเข้าสังคม และสร้างวัฒนธรรมการแสดง
โปรแกรมนี้อยู่ในแนวศิลปะและสุนทรียศาสตร์ โปรแกรมนี้รวบรวมโดยคำนึงถึงอายุและลักษณะทางจิตวิทยาของเด็กและได้รับการแก้ไขตามที่เขียนขึ้นตามวิธีการและประเพณีในการแสดงเครื่องเป่าลมไม้ที่มีอยู่ (โดยเฉพาะเครื่องบันทึก) ก่อนอื่นนี่คือวิธีการสอนการเล่นฟลุตที่ใช้ในโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กตลอดจนประเพณีการสอนของอาจารย์และครูเช่น Y. Dolzhikov, V. Kudrya, N. Volkov, N. Platonov เป็นต้น
คุณสมบัติที่โดดเด่นของโปรแกรมคือเด็กทุกคนสามารถเชี่ยวชาญทักษะการเล่นเครื่องบันทึกได้โดยไม่คำนึงถึงความสามารถตามธรรมชาติและระดับของการฝึกดนตรี
โปรแกรมนี้ออกแบบมาเพื่อพัฒนาการของเด็กอย่างเต็มที่เมื่อเล่นเครื่องดนตรี เปิดรับเด็กทุกระดับความสามารถเข้ารับการฝึกอบรม ในบทเรียนแรก จะมีการทดสอบการได้ยิน ความทรงจำทางดนตรี และความรู้สึกด้านจังหวะของเด็ก ดังนั้นครูจึงจัดทำแผนส่วนบุคคลสำหรับเด็กแต่ละคนโดยกำหนดการพัฒนาความสามารถที่ควรให้ความสำคัญเป็นอันดับแรก
แนวคิดหลักที่ใช้ในโปรแกรมส่วนใหญ่มาจากวิธีการของครูหลายๆ คน แต่มีแนวคิดหลายประการที่เหมาะกับโปรแกรมนี้เท่านั้น:
1. เด็กทุกคนที่มีความประสงค์สามารถเรียนได้โดยไม่คำนึงถึงความสามารถทางดนตรี
2. เด็กสามารถเริ่มเรียนรู้ได้ทุกวัย
3. ลักษณะเฉพาะของกระบวนการศึกษา เด็กที่มีความสามารถโดยเฉลี่ยก็สามารถบรรลุผลการเรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึกได้
แนวทางส่วนตัวของครูในการเลือกผลงานที่จะศึกษาช่วยให้เด็กพัฒนาระดับการแสดงของเขาในระยะเวลาขั้นต่ำ

เป้าหมายและวัตถุประสงค์ของโครงการสอนเด็กก่อนวัยเรียนให้เล่นเครื่องบันทึก

วัตถุประสงค์ของโครงการ- ฝึกฝนทักษะพื้นฐานของการเล่นเครื่องบันทึก การพัฒนาความคิดสร้างสรรค์บุคลิกภาพของเด็ก
งาน:
. เกี่ยวกับการศึกษา:
สอนทักษะเบื้องต้นให้เด็กๆเล่นเครื่องบันทึก การเรียนรู้ความรู้ทางทฤษฎีดนตรี การพัฒนาทักษะการเล่นวงดนตรี
. เกี่ยวกับการศึกษา:
เมื่อเล่นเป็นวงดนตรี ให้ปลูกฝังวัฒนธรรมในการสื่อสารและการเคารพซึ่งกันและกันให้กับเด็กๆ สร้างกฎเกณฑ์พฤติกรรมในสังคม พัฒนาประเพณีการเล่นดนตรีประจำบ้าน
. เกี่ยวกับการศึกษา:
การพัฒนาคุณสมบัติส่วนบุคคล เช่น ความเป็นอิสระ กิจกรรม ความรับผิดชอบ ความถูกต้อง ทักษะในการสื่อสาร ตลอดจนความสามารถทางดนตรี ความจำทางดนตรี การคิด การก่อตัวของความจำเป็นในการพัฒนาตนเองและการปรับปรุงตนเอง การพัฒนาความสนใจทางดนตรี รสนิยม ความต้องการของเด็ก

เมื่อวางแผนการฝึกอบรมเครื่องบันทึก ประเด็นต่อไปนี้จะถูกนำมาพิจารณา:
- การวางแนววิธีการสอนโดยเด็กปฏิบัติตามคำสั่งของครูอย่างมีสติ เข้าใจ จดจำวิธีการ เทคนิค และลำดับในการทำงาน ขยายขอบเขตของบทเรียนโดยรวมถึงซอลเฟกจิโอ การเคลื่อนไหวเป็นจังหวะ การฟังผลงานดนตรี การสนทนาเกี่ยวกับดนตรี กระตุ้นกิจกรรม ความเป็นอิสระ และความคิดสร้างสรรค์ของเด็กในกิจกรรมทุกประเภทในห้องเรียน
- ความเข้มข้นทางอารมณ์ของบทเรียน
- การใช้เกมและเทคนิคการเล่นเกมในการจัดชั้นเรียน
- โครงสร้างชั้นเรียนที่เน้นปัญหา การกระตุ้นความสนใจ การคิด พัฒนาการทั่วไปและดนตรีของเด็ก
ข้อกำหนดทั้งหมดนี้ยังคงไม่เปลี่ยนแปลงในทุกขั้นตอนของการเรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึก เฉพาะเนื้อหา รูปแบบ และวิธีการทำงานเท่านั้นที่เปลี่ยนแปลง

แผนเฉพาะเรื่องสำหรับปีแรกของการศึกษา

1. บทเรียนเบื้องต้น 2 บทเรียน
2. การหายใจ 6 บทเรียน
3. การเรียนรู้การใช้นิ้ว 6 บทเรียน
4. ฝึกฝนการใช้จังหวะพื้นฐาน 3 บทเรียน


7. ความรู้เบื้องต้นทางดนตรี 4 บทเรียน
8.การแสดงสาธิตคอนเสิร์ต 3 บทเรียน
9. รวมทั้งหมด: 70 บทเรียน

แผนเฉพาะเรื่องสำหรับปีที่สองของการศึกษา

ลำดับ ชื่อส่วน จำนวนบทเรียน
1. บทเรียนเบื้องต้น 1 บทเรียน
2. การพัฒนาทักษะการหายใจ 7 บทเรียน
3.เรียนการใช้นิ้ว 4 บทเรียน
4. การพัฒนาข้อต่อ 4 บทเรียน
5. การทำงาน 23 บทเรียน
6. ทำงานเกี่ยวกับสื่อการศึกษาและการฝึกอบรม (แบบฝึกหัด, ตาชั่ง, etudes) 23 บทเรียน
7. การศึกษาโครงสร้างมาตรจังหวะใหม่ 4 บทเรียน
8.การแสดงสาธิตคอนเสิร์ต 4 บทเรียน
9. รวมทั้งหมด: 70 บทเรียน

โครงสร้างของบทเรียน

บทเรียนประกอบด้วยส่วนต่าง ๆ ดังต่อไปนี้:

1. เครื่องชั่งแบบฝึกหัดเพื่อพัฒนาเทคนิค 5-10 นาที
2. โน้ตดนตรี, เลือก 5 นาที
3. เกมสร้างสรรค์ การขนย้าย 5 นาที
4. วาดภาพร่าง 5 นาที
5. การอ่านสายตา 5 นาที
6. ทำงานเกี่ยวกับละคร การอภิปราย การสนทนาเกี่ยวกับผู้แต่ง ตัวละคร สไตล์ 10 นาที
7. ทำงานในวงดนตรี 5 นาที
8. การบ้านโดยมีวัตถุประสงค์เพื่อรวบรวมความรู้หรือทักษะที่เกี่ยวข้อง 5 นาที

นี้ แผนภาพโดยประมาณชั้นเรียนถือเป็นแบบอย่างที่สามารถเปลี่ยนแปลงได้หลายวิธีโดยอุทิศเวลาให้กับกิจกรรมบางประเภทในชั้นเรียนไม่มากก็น้อยขึ้นอยู่กับระดับการพัฒนาทางดนตรีและปีที่เรียน

รูปแบบการจัดกระบวนการศึกษา

1. กิจกรรมการเรียนรู้: การฝึกอบรม การสนทนาเกี่ยวกับดนตรี ซ้อม; ร่วมชมคอนเสิร์ตและ
การแสดง
2. กิจกรรมสร้างสรรค์: การแสดงคอนเสิร์ต การเข้าร่วมการแข่งขันและเทศกาลต่างๆ
ทำงานร่วมกับผู้ปกครอง: ชั้นเรียนเปิด, วันเปิดทำการ; บทสนทนาส่วนตัวระหว่างครูกับผู้ปกครอง การประชุมผู้ปกครอง
โครงสร้างของบทเรียนจะแตกต่างกันไปเสมอ เด็กมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในกระบวนการศึกษาพัฒนาของเขา
ความคิดสร้างสรรค์พยายามที่จะบรรลุผลที่ดี
เครื่องบันทึกเป็นหนึ่งในประเภทขลุ่ยตามยาวที่พบมากที่สุด ประวัติศาสตร์การพัฒนาที่มีมายาวนานหลายศตวรรษเริ่มต้นขึ้นในช่วงสงครามครูเสด เมื่อเครื่องบันทึกมาจากตะวันออกไปยังยุโรปตะวันตก และเริ่มถูกมองว่าเป็นหนึ่งในเครื่องเป่าลมที่สมบูรณ์แบบที่สุด
ปัจจุบันเครื่องบันทึกส่วนใหญ่จะใช้เฉพาะใน กระบวนการศึกษา. การฝึกฝนทักษะการเล่นเครื่องบันทึกจะช่วยเตรียมเด็กให้พร้อมสำหรับการเล่นเครื่องลมชนิดอื่นๆ
เด็กทุกคนไม่ว่าจะอายุเท่าใดก็ตาม เริ่มต้นการเรียนรู้ผ่านเครื่องบันทึก หลังจากผ่านไปหลายบทเรียน ซึ่งเด็กจะได้รับความรู้และทักษะเบื้องต้น การเล่นทั้งมวลจะถูกเพิ่มเข้าไปในการเล่นเดี่ยว นี่อาจเป็นวงดนตรี: เครื่องบันทึกพร้อมเปียโนหรือวงดนตรีหลายเครื่องดนตรี ทักษะการเล่นทั้งมวลจะได้เรียนรู้ในระหว่าง บทเรียนรายบุคคล. แต่จากปีที่สองของการศึกษาเครื่องบันทึก มีเวลามากขึ้นในการเล่นเป็นวงดนตรี
ทั้งการเรียบเรียงทั้งมวลและผลงานที่ทำกำลังขยายตัวและมีความซับซ้อนมากขึ้น
ในระหว่างการเรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึก เด็กจะได้เรียนรู้การหายใจอย่างถูกต้อง เล่นโน้ตทั้งหมดในช่วง 1 อ็อกเทฟครึ่ง เล่นสเกลด้วยจังหวะต่างๆ (legato, staccato, detail) รู้ทุกอย่าง และเล่นตามจังหวะที่เคลื่อนไหว เรียนรู้การแยกวิเคราะห์โน้ตเพลงอย่างอิสระ เด็กจะสามารถเล่นเป็นวงดนตรีร่วมกับเปียโนหรือเครื่องดนตรีอื่นๆ ได้ รู้โครงสร้างเมทริกพื้นฐาน
สามารถปรับจูนเครื่องดนตรีและติดตามเสียงสูงต่ำขณะเล่นได้
ในกระบวนการศึกษาโปรแกรมการเรียนรู้ขลุ่ย เด็กจะได้เรียนรู้เทคนิคการหายใจ ประเภทและวิธีการโจมตี ความสม่ำเสมอและระยะเวลาของการควบคุมเสียง เทคนิคการเล่นโน้ตในรีจิสเตอร์ต่างๆ การวางตำแหน่งเครื่องดนตรีที่ถูกต้อง และเทคนิคการแสดงนิ้ว เรียนรู้การออกเสียงสูงต่ำ ปรับแต่งเครื่องดนตรี และตรวจสอบสภาพทางเทคนิคของเครื่องดนตรี เด็กต้องใช้ทักษะที่เรียนมาทั้งหมดในการเล่นวงดนตรีร่วมกับเปียโนหรือเครื่องดนตรีอื่นๆ

ปีแรกของการศึกษา:

สเกลไมเนอร์และเมเจอร์ที่มีสัญลักษณ์เดียว สัมผัสเลกาโตและสแตคกาโต การวิเคราะห์ข้อความดนตรีอย่างอิสระ โครงสร้างจังหวะเมโทรพื้นฐาน (ระยะเวลาโน้ต สัญญาณและการกำหนดไดนามิก) ผลงานต่างๆ

ปีการศึกษาที่สอง:

ไมเนอร์และเมเจอร์จะปรับขนาดได้ถึง 3 สัญญาณตามจังหวะที่เคลื่อนที่ด้วยจังหวะต่างๆ จังหวะแบบประ การปรับจูนเครื่องดนตรีอย่างอิสระ ความแม่นยำของน้ำเสียงระหว่างการแสดง

รายการผลงานดนตรีโดยประมาณที่แนะนำสำหรับการแสดงบนเครื่องบันทึกในระหว่างปีการศึกษาสำหรับการทดสอบและการสอบ

ปีแรกของการศึกษา
ครึ่งปีแรก
ภาษารัสเซีย เพลงพื้นบ้าน"ในสวนสีเขียว";
W.A. Mozart “ABC”;
D.B. Kabalevsky "Little Polka"

ครึ่งหลัง
A. Krasev "บนสุด";
เพลงพื้นบ้านสวิส "Cuckoo"
เจ. ไฮเดิน "ซอง"
วงดนตรี: เพลงพื้นบ้านรัสเซีย "องุ่นกำลังเบ่งบานในสวน";
บี.เอ. โมสาร์ท “Allegretto”;
ก. เกรทรี “ข้อพิพาท”

ปีที่สองของการศึกษา
ครึ่งปีแรก
L.V. Beethoven “Ecosaise”;
N. A. Rimsky-Korsakov "เพลงกล่อมเด็กของ Volkhovs";
S. Monyushko “ นิทานฤดูหนาว”

ครึ่งหลัง
L. V. Beethoven "Marmot";
เจ.บี. ราโม "Rigodon";
A. Lyadov "การเต้นรำของยุง"
ทั้งมวล: W. A. ​​​​Mozart “Minuet”;
อาร์. ชูมันน์ “ผีเสื้อกลางคืน”;
F. Mendelssohn “เพลง”

ปีแรกของการศึกษา

1.บทเรียนเบื้องต้น

2. การหายใจ
ทฤษฎี: หลักการพื้นฐานของการหายใจด้วยเครื่องบันทึก
การปฏิบัติ: การออกกำลังกายพิเศษเพื่อพัฒนาการหายใจเข้าอย่างรวดเร็วและหายใจออกเป็นเวลานาน การเล่นเสียงยาว.
3. ศึกษาการใช้นิ้วบนเครื่องบันทึก
การเรียนรู้การวางตำแหน่งมือและศีรษะอย่างมีเหตุผล
4. เชี่ยวชาญการใช้จังหวะพื้นฐานบนเครื่องบันทึก
ทฤษฎี: วิธีการประกบ
การปฏิบัติ: ออกกำลังกาย ประเภทต่างๆการโจมตีเกิดขึ้นในเสียงเดียว การเรียนรู้การเล่นด้วยจังหวะต่างๆ

ทฤษฎี: บทเพลงอย่างง่าย การอ่านด้วยสายตา การวิเคราะห์โน้ตดนตรีและโน้ตดนตรี
แบบฝึกหัด: เล่นเพลงทั้งเดี่ยวและเล่นร่วมกับ

การแสดงตาชั่ง เอทูดี้ และผลงานต่างๆ ทำงานกับเทคนิคการแสดงประเภทต่างๆ
7. ความรู้ทางดนตรีขั้นพื้นฐานมีบทบาทสำคัญในการเรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึก
ทฤษฎี: การเรียนรู้โน้ตดนตรี, ระยะเวลา; การเรียนรู้เมตรจังหวะเมโทรที่ง่ายที่สุดการหยุดชั่วคราวความแตกต่าง
ศึกษาช่วงฟลุต
การปฏิบัติ: ทำความคุ้นเคยกับงานประเภทต่างๆ โครงสร้างของคอร์ดพื้นฐานและช่วง ศึกษาวิชาเอกและวิชารอง
8. Ensemble (สำหรับรายการปีที่ 1)
พัฒนาทักษะการอ่านสายตา การทำน้ำเสียง การเล่นร่วมกับเครื่องดนตรีอื่นๆ
9. การซ้อม การเข้าร่วมคอนเสิร์ตและการแข่งขัน
ทักษะการแสดงบนเวที การเข้าร่วมคอนเสิร์ตที่สถาบันการศึกษาก่อนวัยเรียน

ปีที่สองของการศึกษา

1. บทเรียนเบื้องต้น
คำแนะนำด้านความปลอดภัย การทำความคุ้นเคยกับโปรแกรมการฝึกอบรม เครื่องมือ โครงสร้าง และกฎการดูแลอุปกรณ์
2. การพัฒนาทักษะการหายใจ
ทฤษฎี: หลักการของการขยาย การหายใจออกสม่ำเสมอ และแนวคิดของการสนับสนุน
แบบฝึกหัด: การเล่นเสียงต่อเนื่องที่มีไดนามิกต่างกัน การเล่นแบบฝึกหัด
3. ศึกษาการใช้นิ้ว
ทฤษฎี: การใช้นิ้วภายในสามอ็อกเทฟ
การปฏิบัติ: เกมฝึกพัฒนาการ, การฝึกนิ้ว
4. การพัฒนาข้อต่อ
ทฤษฎี: เชี่ยวชาญวิธีการต่างๆ ที่เปล่งออกมาและประเภทของการโจมตี
แบบฝึกหัด: เล่นแบบฝึกหัดเพื่อการโจมตี เล่นแบบฝึกหัดเพื่อพัฒนาการเคลื่อนไหวของลิ้น
5. การทำงานเกี่ยวกับผลงาน
ทฤษฎี: ชิ้นส่วนที่มีจังหวะต่างกันและมีโครงสร้างจังหวะและจังหวะที่ซับซ้อนมากขึ้น
แนวปฏิบัติ: การวิเคราะห์อย่างอิสระและการเล่นบทละครทั้งเดี่ยวและวงดนตรี
6. ทำงานกับสื่อการศึกษาและการฝึกอบรม
ทฤษฎี: ศึกษาโครงสร้างเมทริทึม
แบบฝึกหัด: การแสดงโน้ต etudes และท่อนต่างๆ สูงสุด 3 เพลง
7. พื้นฐานของความรู้ทางดนตรี
ทฤษฎี: การเรียนรู้โครงสร้างเมทริกที่ซับซ้อนมากขึ้น ขนาดที่แปรผันได้
แบบฝึกหัด: การเล่นแบบฝึกหัดการเล่น
8. การฝึกซ้อม การมีส่วนร่วมในคอนเสิร์ตและการแข่งขัน
การแสดงบนเวที การเข้าร่วมคอนเสิร์ตของสถาบันการศึกษาก่อนวัยเรียน

การสนับสนุนระเบียบวิธีของโปรแกรม

แต่ละบทเรียนมีงานประเภทต่างๆ ในแต่ละบทเรียน อัตราส่วนของแต่ละส่วนไม่ได้รับการควบคุมอย่างแม่นยำ ขึ้นอยู่กับเงื่อนไขจะแตกต่างกันไป แต่ในทุกกรณีจะมีการสังเกตสัดส่วนและลำดับที่แน่นอนของแต่ละส่วนเสมอ
เพื่อให้บรรลุถึงคุณภาพการแสดงที่ดี เด็กแต่ละคนจะถูกเลี้ยงดูให้มีความเรียกร้องในตัวเองอย่างมาก การดูดซึมความรู้ ทักษะ และความสามารถอย่างมีสติถือเป็นกิจกรรมของนักเรียน ตลอดขั้นตอนการฝึกอบรมทั้งหมด งานจะดำเนินการเกี่ยวกับน้ำเสียง วิธีการทำงานของบุคคลและวงดนตรี แบบฝึกหัดต่างๆ จูนเนอร์ ฯลฯ
หนึ่งในเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการพัฒนาเด็กอย่างเต็มที่การเลี้ยงดูบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์ที่พัฒนาแล้วคือการสอนความรู้ทางดนตรีอย่างเป็นระบบ ฯลฯ การเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องบันทึกนั้นพิจารณาจากการสอนและ
แนวทางระเบียบวิธีที่แนะนำครูในการทำงานของเขา
รูปแบบของชั้นเรียนเป็นบทเรียนแบบตัวต่อตัว รูปแบบงานในบทเรียนเป็นแบบปฏิบัติและเป็นเชิงทฤษฎี Ensemble เป็นกิจกรรมกลุ่ม รูปแบบของงานเป็นเชิงปฏิบัติและเป็นเชิงทฤษฎี

การเล่นเครื่องบันทึกเป็นกระบวนการที่จริงจังซึ่งต้องใช้ความสามารถทางจิตและร่างกายของเด็กอย่างเข้มข้น นักเรียนได้รับทักษะและความสามารถใหม่ๆ แต่สิ่งที่สำคัญที่สุดคือความคิดสร้างสรรค์ ดังนั้นในระหว่างบทเรียนจึงมีการใช้เทคนิคเพื่อช่วยให้เด็กเชี่ยวชาญเนื้อหาที่กำลังศึกษาได้อย่างรวดเร็ว ในการทำงานกับจังหวะในขณะที่ควบคุมระยะเวลาต่าง ๆ จะใช้สิ่งต่อไปนี้: การเดินขบวน, การปรบมือ, ซอลเฟกกิ้ง, วงดนตรี (เล่นกับเครื่องดนตรีอื่น ๆ ) เด็ก ๆ มาชั้นเรียนเพื่อเรียนรู้และรับความสุขทางสุนทรีย์จากกระบวนการสร้างสรรค์ทั้งหมด: ทำความรู้จักกับผลงานใหม่ ๆ สื่อสารกับครูกับเพื่อน ๆ จากความรู้สึกของพวกเขา การเติบโตอย่างมืออาชีพในฐานะนักดนตรีที่แสดง

เงื่อนไขสำหรับโปรแกรม

เพื่อให้การใช้งานโปรแกรมประสบความสำเร็จ จำเป็นต้องมีสิ่งต่อไปนี้:
1. การปรากฏตัวของสำนักงานเปียโน
2. มีขาตั้งสำหรับโน้ตและสื่อดนตรี
3. ความพร้อมใช้งานของวิธีการทางเทคนิค (เครื่องเมตรอนอม, จูนเนอร์)
เด็กแต่ละคนมีเครื่องดนตรีและโน้ตเพลงเป็นของตัวเอง

) เราคุยกันเรื่องตาชั่งโดยทั่วไป วันนี้ฉันอยากจะพูดคุยโดยเฉพาะเกี่ยวกับปัญหาการทำงานในระดับนี้ - วิธีทำงานกับมันเพื่อให้บรรลุเป้าหมายของคุณ อย่างที่คุณจำได้ สิ่งสำคัญคือความสม่ำเสมอ ความชัดเจน และความคล่องแคล่ว แต่ก่อนอื่นเรามาดูกันว่าระดับไหนจะเป็น "ผู้บุกเบิก" ในชีวิตทางดนตรีของคุณในฐานะนักเปียโน สิ่งแรกในหลักสูตรของโรงเรียนคือการเรียนระดับ C Major มันเป็นผู้นำเนื่องจากไม่มีสัญญาณ - นั่นคือเล่นบนคีย์สีขาว อย่างไรก็ตาม แม้จะดูเรียบง่าย แต่สเกลก็ไม่สะดวกนักในทางเปียโน มีสิ่งที่เรียกว่า "สูตรโชแปง" ซึ่งให้ตำแหน่งมือที่สะดวกที่สุดโดยสเกล B หลัก หากคุณวางนิ้วโดยเริ่มจากส่วนย่อย - mi-fa#-sol#-la#-si แสดงว่ามือจะได้ตำแหน่งที่เป็นธรรมชาติที่สุด - คันโยก (นิ้วที่ 1 และ 5) จะลดลง - วางอยู่บนคีย์สีขาว และนิ้วกลางสร้างโดมตามธรรมชาติ เพื่อยืนยันวิทยานิพนธ์นี้ ฉันอยากจะอ้างอิงคำพูดของนักเปียโนชาวรัสเซียผู้โด่งดังและอาจารย์เลฟ โอโบริน: “มือจะให้ความรู้สึกเป็นธรรมชาติมากที่สุดเมื่อนิ้วแรกและนิ้วที่ห้าวางบนคีย์สีขาว และนิ้วที่สอง สาม และสี่บนคีย์สีขาว ปุ่มสีดำ ตำแหน่งนี้ซึ่งโชแปงแนะนำในคราวเดียว เป็นท่าที่ใช้งานได้จริงที่สุดในการพัฒนาการวางมืออย่างเป็นธรรมชาติ เมื่อเชี่ยวชาญแล้ว คุณสามารถย้ายไปยังตำแหน่งที่สะดวกน้อยกว่าได้…”

ดังนั้น สำหรับผู้เริ่มต้น คุณสามารถฝึกฝนสูตรของโชแปงนี้ โดยเล่นแบบเบาๆ ไม่ใช่เลกาโตโดยใช้พู่กัน เมื่อเชี่ยวชาญสูตรแล้ว เราจะเริ่มศึกษาสเกล B Major ทั้งหมด จากนั้นจึงไปยังสเกลที่เหลือ

คุณสามารถเลือกลำดับอื่นสำหรับการศึกษาสเกล - ทีละห้า: Do - Sol - Re - A - Mi ฯลฯ สิ่งที่วิธีนี้ให้คือการศึกษาระบบโหมดโทนเสียงของดนตรี เมื่อทำงานผ่านทุกระดับในวงกลมที่ห้า คุณจะเข้าใจโทนเสียงทั้งหมดและรวมทฤษฎีเข้ากับการปฏิบัติ

คุณยังสามารถเล่นสเกลที่ใช้เขียนชิ้นส่วนที่คุณกำลังเรียนรู้ได้ ข้อได้เปรียบที่นี่คือทราบสัญญาณในมาตราส่วนแล้วและนิ้วก็จะตกลงบนปุ่มที่จำเป็น และถ้างานมีเนื้อเรื่องที่เหมือนสเกล สเกลก็จะยิ่งเหมาะสมและมีประโยชน์มากขึ้นในขั้นตอนนี้

ฉันต้องการทราบว่าเมื่อจับคู่กับรายการหลักจะมีการเล่นรายการรองแบบขนานนั่นคือรายการที่อยู่ต่ำกว่าหนึ่งในสามรอง

ตอนนี้ เรามาพูดถึงปัญหาทางเทคนิคในเครื่องชั่งกันดีกว่า

สิ่งแรกที่คุณต้องใส่ใจคือการใช้นิ้ว ลำดับนิ้วที่เรียนรู้อย่างถูกต้องเป็นกุญแจสำคัญในการเล่นที่รวดเร็วและราบรื่น ฉันได้สรุปหลักการการใช้นิ้วทั้งหมดในบทความที่แล้วแล้ว ในบทความเดียวกันคุณจะพบประเภทของเครื่องชั่งที่ต้องเล่น แต่เพื่อที่จะก้าวไปสู่สิ่งเหล่านั้น คุณต้องเรียนรู้ประเภทหลักให้ดีเสียก่อน เพราะนี่คือกรอบการทำงานสำหรับทุกประเภท

จุดที่เป็นปัญหาที่สุดคืออย่างที่คุณทราบอยู่แล้วว่าการวางนิ้วแรก ที่นี่ฉันอยากจะหันไปใช้ทัศนคติทางจิตวิทยาของนักเปียโนชาวรัสเซียและอาจารย์ G. G. Neuhaus: แทนที่ "แนวคิดในการวางนิ้วแรกไว้ใต้มือ" ด้วย "แนวคิดที่เป็นไปได้และเป็นธรรมชาติมากขึ้นในการวางมือไว้เหนือนิ้วแรก" ท้ายที่สุดแล้ว ในทางจิตวิทยาแล้ว การเลื่อนมือไปเหนือนิ้วแรกนั้นง่ายกว่าการวางไว้ใต้ฝ่ามือ...

และนี่คือแบบฝึกหัดที่เขาแนะนำ: เมื่อเล่นสเกล C Major เราจะหยุดที่เสียง E และรักษาคีย์ให้อยู่ในตำแหน่งที่ต่ำลง เสียงถัดไป - ฟ้า - เล่นสลับกับนิ้วที่สี่และนิ้วแรก การหยุดที่คล้ายกันเกิดขึ้นในขั้นตอนที่ 7 (si) หลังจากนั้นจึงเล่น si do ถัดไปด้วยนิ้วที่ห้าหรือนิ้วแรก:

แบบฝึกหัดอื่นที่ G. G. Neuhaus แนะนำคือแยกเฉพาะเสียงที่จำเป็นต้องเพิ่มในสเกล:

ครูและนักเปียโนอีกคน V. Safonov เสนอทางเลือกนี้สำหรับการแก้ปัญหานี้: ออกกำลังกายแบบห้านิ้วแบบดั้งเดิมไม่ใช่เล่นโดยใช้นิ้วทั้งหมดติดต่อกัน แต่โดยเลื่อนนิ้วหัวแม่มือตามลำดับ:

แบบฝึกหัดนี้จะช่วยให้คุณได้รับความเป็นอิสระและการประสานงานของนิ้ว และเรียนรู้วิธีการวางและเคลื่อนย้าย

คุณสามารถลองรูปแบบการใช้นิ้ว - เล่นทั้งสเกล 1-2,1-2; 1-3,1-3 และ 1-4,1-4

สิ่งสำคัญคือต้องระวังมือของคุณขณะวาง บ่อยครั้งที่ข้อศอกและปลายแขนทั้งหมด "เปิดออก" มากเกินไปพร้อมกับนิ้วแรก ควรหลีกเลี่ยงสิ่งนี้และควรดึงแขนและข้อศอกราวกับว่า เส้นตรงโดยไม่มีงอหรือโค้งงอ

เพื่อประสานการทำงานของมือทั้งสองข้าง รวมถึงเพื่อความชัดเจนของจังหวะ ฉันแนะนำให้เน้นเสียงสี่เสียงในระดับสี่อ็อกเทฟในทุกรูปแบบ แต่การเน้นไม่ควรกลายเป็นเสียงเคาะดังที่หยุดนิ่งและยุติการเคลื่อนไหวไปข้างหน้า สำเนียงทั้งในมาตราส่วนและในงานใดๆ เป็นจุดที่คุณต้องเริ่มต้นเพื่อที่จะเคลื่อนไหว ที่นี่สำเนียงจะดำเนินการด้วยการโบกนิ้วในระดับเสียงปานกลาง

การเคลื่อนไหวที่ครอบคลุมก็มีบทบาทสำคัญเช่นกัน ลองนึกภาพว่าปลายแขนของคุณเปรียบเสมือนรถไฟ และนิ้วของคุณคือคนที่พลาดไป ภาพเหล่านี้อธิบายการเคลื่อนไหวที่ควรมีในการเล่นตาชั่งอย่างชัดเจน: มือทั้งข้างลากเส้นแล้วไปอยู่ข้างหน้านิ้วนั่นคือนิ้วเชื่อฟังมือ ไดนามิกสามารถช่วยในการเคลื่อนไหวนี้ได้ ง่ายๆ เลย: ขึ้น - ขึ้นลง, ลง - ลดลง คุณคงจินตนาการถึงรถไฟขบวนเดียวกันที่มาจากแดนไกล ไล่ตามคุณแล้วออกเดินทาง ดังนั้นคุณจะฆ่านกสองตัวด้วยหินนัดเดียว - และการเคลื่อนไหวจะปรากฏขึ้นและระยะจะสว่างและน่าสนใจ

เพื่อทำความเข้าใจความชัดเจนของจังหวะและความสว่างแบบไดนามิก ให้เล่นสเกลด้วยสูตรจังหวะที่แตกต่างกัน - แฝดสาม จังหวะแบบประ การประสานเสียง และการไล่ระดับไดนามิกต่างๆ ตั้งแต่เปียโนไปจนถึงฟอร์ติสซิโม และการเล่นในจังหวะที่แตกต่างกันจะช่วยให้คุณหลีกเลี่ยงการเจ้าชู้ที่น่าเบื่อและในขณะเดียวกันก็กำหนดขีดจำกัดทางเทคนิคของคุณ

Arpeggios ครอบครองเลเยอร์ที่แยกจากกันในเกมเครื่องชั่ง งานที่นี่ก็เหมือนกันแต่ ปัญหาทางเทคนิคอื่น. แต่เราจะพูดถึงเรื่องนี้ในบทความหน้า

เมื่อคัดลอกหรือพิมพ์ซ้ำเนื้อหาหรือบางส่วน จำเป็นต้องมีไฮเปอร์ลิงก์ที่ใช้งานอยู่ที่จุดเริ่มต้นและจุดสิ้นสุดของบทความไปยังเว็บไซต์ http://site