Większość wyobraża sobie świat artystów jako głęboki, pełen ekscytujących wydarzeń i emocji, i mimo wszelkich wewnętrznych sporów artysty z samym sobą, stosunkowo spokojny i prosty. Ale niewiele osób rozumie, że za urzekającymi obrazami i ogólną iluzją łatwego życia kryją się godziny ciężkiej i żmudnej pracy. Nawet najwięksi mistrzowie Sztuka nie mógł pochwalić się umiejętnością szybkiego i łatwego stworzenia arcydzieła. I żaden z nich nie zaczął tworzyć wspaniałych obrazów, biorąc do ręki pędzel lub ołówek.
Powszechnie uważa się, że każdy może nauczyć się rysować. I to prawda. Ale tylko osoba, która umie rysować, ale nie ma talentu, raczej nie zostanie wybitnym artystą. Dlatego możemy powiedzieć, że pierwszą i główną cechą, którą musisz posiadać, jest: talent.
A jeśli uważasz, że jesteś właścicielem takiego prezentu i że masz potencjał twórczy to przejdźmy do rzeczy.
1. Znajdź kursy
Wiele osób teraz, po przeczytaniu tego akapitu, będzie arogancko sapać, myśląc, jak mówią, dzisiaj jest już wiele materiałów, z których sam mogę się uczyć. Ale radzimy ci trochę zmniejszyć swoją arogancję i posłuchać tej rady.
Nikt nie twierdzi, że dziś Internet daje nam możliwość nauczenia się dosłownie wszystkiego. Ale dla początkującego artysty bardzo ważne jest profesjonalne spojrzenie na swoją pracę. Ponieważ odkrywając koło na nowo i uświadamiając sobie w trakcie pracy, jakie błędy popełniłeś, spędzisz dużo czasu na doskonaleniu swoich umiejętności. I być może w ogóle nie znajdziesz tych błędów i pomyślisz, dlaczego twoja praca się nie powiodła. Profesjonalista natychmiast wykryje doskonały błąd i wskaże Ci go. I powie Ci też jak to naprawić i dużo dać przydatne porady.
A to jest minimum, jakie zapewnią Ci zajęcia z profesjonalistą. Dlatego nie zaniedbuj możliwości jak najszybszego opanowania sztuki.
2. Studium literatury
Tak, artyści też muszą uczyć się teorii. Będziesz musiał przeczytać pewną liczbę książek, aby zrozumieć kolor, kształt, harmonię i wiele więcej. Oto kilka książek, które warto sprawdzić:
1. Zarys i rysunek studyjny
Ta książka, która ujawnia podstawy szkolenia w klasycznych akademiach sztuki, będzie bardzo przydatna dla początkujących artystów. Szkice są ważniejsze dla rozwijania umiejętności i doskonalenia techniki niż pełnoprawne obrazy. Autor nakreślił w swojej książce swoje doświadczenie w szkicowaniu, a doświadczenie to niewątpliwie przyda się tym, którzy poważnie chcą opanować sztukę plastyczną.
2. Nauka o kolorze i malarstwie
Ta książka dotyczy koloru punkt naukowy wizja. Z jego pomocą nauczysz się i zrozumiesz, co to jest, półtony, kontrast i wiele więcej; jaka jest siła i specyfika koloru i co to jest kolor w ogóle.
3. złoty podział w malarstwie
Harmonia i proporcja są bardzo ważne w malarstwie. Dlatego ta książka po prostu trzeba przeczytać. Zastosowanie złotego podziału jest jednym z powodów, dla których obraz może stać się arcydziełem.
4. Ołówek. Sztuka technologii
W tej książce Paul Calle opowiada o swoim ulubionym narzędziu – ołówku. Jeśli wiele osób używa ołówka do tworzenia szkiców, to amerykański grafik wybrał go jako poważny i podstawowy medium artystyczne. Posiadanie ołówka jest głównym wskaźnikiem, za pomocą którego określa się, czy od artysty „będzie jakikolwiek sens”.
5. Klucze do sztuki rysowania
Ta książka uczy, jak ufać własnym oczom. Rysowanie to patrzenie na świat na własne oczy, a nie próba ślepego stosowania reguł w praktyce. Książka zawiera przykłady i szkice, szkice i złożone rysunki, różne techniki rysowania i praktyczne porady.
3. Naucz się patrzeć na świat oczami artysty
Zwróć uwagę, jak kształty i kolory zmieniają się w zależności od oświetlenia, jak inni wpływają na Ciebie schematy kolorów. Skoncentruj swoją uwagę na tym, jak ciała ludzi oddziałują na naturę, jaką strukturę mają przedmioty. Jak mówią, naucz się zatrzymywać i powąchać róże.
4. Rysuj codziennie
Nie pozwalasz sobie np. nie oddychać cały dzień, bo jesteś zbyt leniwy? Chociaż jest to nierealistyczny przykład, powinieneś traktować rysowanie jako ważny dla siebie proces. Czy znasz na przykład muzyków, którzy potrafią wytrzymać nawet dzień bez muzyki?
Odrzuć swoje lenistwo i rysuj codziennie, doskonaląc swoje umiejętności i przelewając emocje na papier. Podstawą wszystkiego jest praktyka.
5. Zapytaj innych
Mamy tendencję do popadania w skrajności: albo idealizujemy naszą pracę, albo za bardzo nie doceniamy jej jakości. Dlatego niezwykle ważna jest perspektywa z zewnątrz. Zachęcamy do zaprezentowania swojej pracy znajomym i rodzinie oraz wysłuchania ich opinii. Oczywiście powinieneś zrozumieć, że krytyka nie powinna być zbyt blisko twojego serca i musisz umieć odróżnić konstruktywną krytykę od zwykłej zazdrości o dobrą pracę. Weź również pod uwagę, że bliscy Ci ludzie mogą kłamać, aby Cię nie denerwować.
Najlepszym wyjściem z sytuacji jest pokazanie swojej pracy profesjonaliście, aby mógł obiektywnie ocenić twój poziom i wskazać błędy.
6. Nie zniechęcaj się, jeśli nie możesz znaleźć swojego stylu.
Jeśli spojrzysz na prace wielkich artystów, przekonasz się, że styl ich pracy zmieniał się z biegiem czasu. Dlatego oczywiście nie musisz przejmować się rozwijaniem własnego stylu i kopiowaniem, ale nie powinieneś zbytnio martwić się tym, że nagle chcesz rysować w innym stylu. Styl rysowania zmienia się wraz z biegiem życia, zależy to od zmian w twojej postaci i nie tylko.
7. Studiuj pracę mistrzów
Studiowanie obrazów rysowanych przez mistrzów sztuki pomoże ci rozwinąć własne umiejętności i poszerzyć horyzonty. Dobrą praktyką jest również próba skopiowania obrazu mistrza. Dodaj szczegóły, których Twoim zdaniem brakuje. Ogólnie wypróbuj techniki, które zostały użyte wybitni artyści. Możliwe, że w ten sposób odnajdziesz swój styl.
8. Połącz się z artystami
Komunikacja z artystami ponownie pomoże Ci rozwinąć Twoje umiejętności, Twoi znajomi będą mogli docenić Twoją pracę, a w przyszłości te znajomości pomogą Ci promować i sprzedawać Twoją pracę. Dziś, w dobie internetu, nie jest tak trudno znaleźć środowiska artystyczne i dołączyć do ich kręgu.
9. Nadaj znaczenie swoim obrazom
Nie rysuj tylko drzewa lub tylko domu. Takie historie nadają się do szkiców. Twoja praca powinna nieść znaczenie, przesłanie, więc zainwestuj w swoje obrazy coś więcej niż tylko piękny obraz. Jeśli zamierzasz narysować tę lub inną fabułę, zadaj sobie pytanie „Dlaczego?”, Podaj uzasadnioną odpowiedź i dopiero wtedy narysuj.
To nie tylko tak działa. Wielcy artyści nie tylko narysowali dziesięć postaci ludzkich i stali się profesjonalistami. Narysowali tysiące figur, studiując anatomię, zachowanie ciała i nie tylko. Dlatego nie ma co rozpaczać, jeśli po roku praktyki (o zgrozo!) sławny mistrz. Pamiętaj, że wszystko wymaga czasu.
Chcielibyśmy również udzielić kilku wskazówek dotyczących promocji naszej pracy:
1. Stwórz portfolio
Nie umieszczaj wszystkich swoich rysunków w swoim portfolio. Wybierz te najlepsze, te, które najlepiej pokazują Twoje umiejętności, nawet jeśli takich prac będzie niewiele. I noś to portfolio wszędzie. Kto wie, gdzie możesz natknąć się na osobę, której potrzebujesz.
2. Załóż konta na odpowiednich zasobach
Promuj się na LinkedIn, Tumblr i nie tylko. Niech ludzie się o Tobie dowiedzą. Co więcej, możesz zostać odkryty przez niektórych inwestorów lub potencjalnych nabywców. Dlatego nie zaniedbuj promocji siebie w Internecie.
3. Szukaj miejsc, w których możesz pokazać swoją pracę
Bierz udział w konkursach, znajdź galerie, w których możesz wystawiać swoje obrazy, bierz udział w wystawach ulicznych. Wykorzystaj każdą okazję, aby się pokazać. Wystarczą nawet bary i restauracje. Komunikuj się z właścicielami różnych lokali i oferuj swoje obrazy do dekoracji ich lokali.
4. Spróbuj nawiązać znajomość z mistrzem
Znajomość wpływowa osoba w pole artystyczne może dać Ci wiele korzyści. Czasami samo nazwisko mistrza, wypowiedziane w rozmowie z potencjalnym inwestorem, może mieć duży wpływ na decyzję. A sam mistrz może ci pomóc w twoich postępach.
1. Ciężko pracuj i naucz się podstaw rysowania(kompozycja, perspektywa, anatomia/figura, teoria koloru, objętość/światło itp.). Nie możesz do siebie zadzwonić kompetentny artysta dopóki naprawdę się nim nie staniesz. Najlepiej byłoby, gdybyś nie tylko znał te podstawy, ale doskonale je opanował. A kiedy go opanujesz, będziesz nie tylko znającym się na rzeczy, ale także pewnym siebie i autorytatywnym artystą. Dotyczy to nie tylko początkujących, ale także zaawansowanych i profesjonalnych artystów. Wielu doświadczonych artystów ma słabości - na przykład można doskonale rysować martwe natury i pejzaże, ale znając anatomię i formy Ludzkie ciało może wynosić zero. Możesz się wiele nauczyć, doskonaląc swoją podstawową wiedzę i umiejętności. Zdecydowanie mam to słabość nad którym warto popracować.
2. Poszerz swoje horyzonty. Jeśli lubisz anime/mangę, komiksy o superbohaterach, fotorealizm lub jakikolwiek inny specyficzny styl artystyczny, a nie próbowałeś jeszcze stosować lub jeszcze nie odkryłeś innych kierunków, stylów, kultur i czasów sztuki, to powinieneś poszerzyć swoje horyzonty. Wąska wizja jest destrukcyjna i sprawia, że artysta staje się szarą masą, niezdolną do wyjścia poza utarte schematy. Mieszać różne style a kierunki są znacznie lepsze i ciekawsze.
3. Nie bądź bezmyślnym artystą. Zastanów się, DLACZEGO tworzysz. Czy interesuje Cię rysowanie „fajnych bzdur” i „gorących dziewczyn”? Czy masz coś do powiedzenia jako rzecznik prasowy? rasa ludzka w tym wielowarstwowym społeczeństwie? Może wszystko, co tworzysz, to tylko bezsensowne śmieci? Jeśli pracujesz tylko dla najniższego poziomu satysfakcji, nigdy nie myśląc o wyższych pojęciach, takich jak inteligencja i emocje, może teraz nadszedł czas, aby kopać głębiej! Masz duszę, więc używaj jej. Nie chodzi tylko o „kopanie” – chodzi o jakość! Na przykład arcydzieło filmowe różni się od pełnometrażowego i krótki film od gatunku sci-fi/fantasy/horroru po to, ile miłości i duszy autor włożył w swój scenariusz.
4. Nie kopiuj rzeczywistości- po to jest aparat. Jako artyści mamy moc stylizowania, podkreślania, upraszczania, selektywnego detalowania, idealizowania, tworzenia abstrakcji i surrealizmu – szkoda byłoby nie wykorzystać dostępnej mocy. Byłoby mi przyjemniej patrzeć na pracę artysty, który odcisnął na płótnie ślad swojej stopy, niż na obraz, który prawie niczym nie różni się od fotografii. Znacznie bardziej interesują mnie tacy artyści jak John Singer Sargent, Joaquin Sorolla, Richard Schmid, Gustav Klimt, Nikołaj Fekhin itp. niż artyści z tak ściśniętymi mrocznymi obrazami, w których zabijane jest całe życie, ekspresja i naturalność fotorealizm, to praca to praca, ale co z twoją pracą?).
5. Polerowanie to ostatnia rzecz do przemyślenia. Wolne lub wyraźne linie pędzla, szkice lub proste linie, to Twój wybór. Dużo ważniejsza jest wewnętrzna struktura i podstawowa wiedza. Doprowadzanie do ideału to niekończący się proces, który nieustannie się zmienia i rozwija. Dobry artysta powinien umieć używać różne rodzaje pracuj z rysunkiem, a nie bierz jednego i używaj tylko tej metody. Eksperymentuj częściej z różne metody i style, jak szefowie kuchni eksperymentują ze składnikami w kuchni. Postępując zgodnie z tą radą, w końcu będziesz w stanie intuicyjnie podejść do tej sprawy, a następnie będziesz w stanie samodzielnie określić, której techniki najlepiej użyć podczas rysowania tego lub innego rysunku, nad którym pracujesz.
6. Sama praktyka nie wystarczy- trzeba mądrze ćwiczyć. Rysowanie bazgrołów w albumie nie jest mądre. Powinieneś osiągnąć to, czego jeszcze nie wiesz, a nie robić tego, co już potrafisz, nawet z zamkniętymi oczami. Pomyśl o tym jak o eksperymencie naukowym z jasnym planem, którego celem jest osiągnięcie określonego celu. Analizuj błędy. Unikaj marnowania czasu na rzeczy, które nie służą Twojemu celowi. Obserwuj, analizuj i rozumiej struktury i wzorce — prawa fizyczne naszego świata (światła, cienie, kolory, faktury tkanin itp.) lub tworzyć metody, które przynoszą najlepsze wyniki(zastosowanie kontrastu w kolorze, nasyceniu, kształtach o różnych krawędziach itp.).
7. Bądź realistą w swoich oczekiwaniach. Nie od razu Rzym zbudowano. Potrzeba lat ciężkiego treningu i mądrej praktyki, aby zostać profesjonalistą w tym, co robisz. Po namalowaniu jednego lub dwóch albumów nie staniesz o krok wyżej - potrzeba do tego o wiele więcej. Artyści nie tylko ćwiczą rysowanie dziesiątek głów, a potem uzyskują doskonałe rezultaty - rysują setki i tysiące głów przez lata, a wszystko robią świadomie - badają budowę szkieletu i mięśni, mimikę twarzy, warunki oświetleniowe, wiek, charakterystyczne cechy każdej rasy itp. d. A to tylko głowa. Droga prowadząca do bycia artystą jest w rzeczywistości podobna do drogi twórczego samopoznania.
8. Naucz się przyjmować krytykę. Artysta, który żyje wśród ludzi, zawsze otrzyma komentarze na temat swojej pracy, a jeśli nie zniesie krytyki, będzie dla artysty żałosną wymówką. Zaakceptuj krytykę jako niezbędną część swojego rozwoju i wzrostu. Jeśli otrzymasz zarówno pozytywne, jak i negatywne komentarze, bądź za nie wdzięczny. Zranione ego powinno dążyć do tego, by stać się silniejszym i poszerzać swoje poglądy. Jeśli nie możesz spojrzeć poza swoje zranione ego, to cię zniszczy. Chociaż nadal jesteś początkującym, możesz nie usłyszeć bardziej przydatnych rad niż „naucz się podstaw!”, a to wszystko z powodu twojego poziomu, cokolwiek robisz, nie jest właściwe. Ucz się podstaw ciężko, a zdobędziesz wyższy poziom.
9. Bądź wszechstronnie wykształcony. Studiuj świat, w którym żyjesz - historię, politykę, religię, ekonomię, naukę, literaturę, muzykę, fotografię, kino itp. Zdziwisz się, jak wszystko na świecie jest ze sobą połączone. Im lepiej rozumiesz świat, w którym żyjesz, tym lepszym artystą się staniesz. Utrzymuj silne relacje, ponieważ rodzina, przyjaciele i kochankowie tworzą w nas żywe emocje, które możemy wykorzystać w naszej pracy. Osoba nierozwinięta intelektualnie i emocjonalnie ma niewiele do zaoferowania światu jako twórca sztuki. Myśl otwarcie, bądź towarzyski i wykształcony.
10. Możesz być artystą lub nie. Ludzie są różni i nie każdy ma możliwość zostania artystą. Jeśli nie masz cierpliwości, nie jesteś pracowity, szybko tracisz koncentrację, łatwo się irytujesz, nie masz motywacji, nie masz ambicji, nie umiesz przyjąć negatywnej krytyki, ale po prostu chcesz rysować dla własnej przyjemności i nie jesteś nikomu winien… itd., to najprawdopodobniej nie odniesiesz sukcesu w życiu jako artysta. I dotyczy to wszystkich ludzi – nie tylko kreatywnych.
Ludzie są różni, zarówno fizycznie, jak i psychicznie, mamy różne potencjały i różne stopnie skłonności do takiej czy innej aktywności. Jeśli masz zamiłowanie do sztuki, nie oznacza to, że zostaniesz dobry artysta- wszystko zależy od Ciebie, Twojej chęci do nauki i rozwoju oraz tego, jak bardzo możesz odsiać nadmiar i skoncentrować się na tym, co najważniejsze. I co równie ważne, powinieneś cieszyć się procesem uczenia się i własnym rozwojem. Ale jeśli nienawidzisz każdego kroku, który się z tym wiąże, możesz karmić się myślą, że chcesz zostać artystą, ale nie jesteś odpowiednią osobą do tej roli. Pamiętaj, że chęć bycia kimś i dopasowanie do tej roli to nie zawsze to samo.
To tak, jakby niektórzy ludzie stali na uboczu, obserwując, jak tancerze rozrywają parkiet i marzą o zrobieniu tego samego – oni też lubią poruszać swoimi ciałami w rytm muzyki. Ale gdy tylko naprawdę docenią wysiłek, jaki trzeba włożyć w ten cel, rezygnują z tego pomysłu, ponieważ jest to dla nich zbyt trudne. Mówiąc najprościej, chcą, ale nie są na to gotowi. A są tacy, którym podoba się proces wyczerpujących treningów, których pasja wykracza daleko poza samo pragnienie, i nierozerwalnie kojarzą te treningi z bólem i zmęczeniem, ale wiedzą na pewno, że w końcu czeka ich zwycięstwo – to są ci, którzy żyją scena. Droga do zostania dobrym artystą jest bardzo podobna. Trzeba przejść drogę pełną rozczarowań, błędów, opuchniętych oczu i modzeli na palcach, długiego braku postępu, zwątpienia i zwątpienia w siebie, pokonanego nienawiścią i zazdrością o talent i osiągnięcia innych, aby by w końcu stać się tym, na kogo patrzę, i powiedzieć „wielki artysta!”.
Trzeba nie tylko czegoś chcieć, ale uparcie dążyć do celu. Lub po prostu pozostań amatorem, rób to lub tamto jako hobby lub wybierz coś innego, co będzie dla Ciebie bardziej odpowiednie. Niekoniecznie jest to zła rzecz, ponieważ równie dobrze możesz znaleźć szczęście po prostu ciesząc się pracą tego lub innego artysty, zamiast próbować stać się takim jak on. Ponieważ bycie amatorem nie wiąże się z żadnym poświęceniem ani latami bólu i rozczarowań, tylko po to, by ponieść porażkę. Nikt nie może ci powiedzieć, czy sobie z tym poradzisz, czy nie. A ty sam tego nie dowiesz się, dopóki nie dojdziesz do końca. Niektórym ludziom potrzeba lat, aby stać się godnymi przedstawicielami swojej sprawy, ale nie udają się i przestają z tego czy innego powodu. Niektórym wystarczy tydzień, aby zorientować się, że nie wszystko jest tak wspaniałe, jak się wydawało. Inni byli bardzo bliscy zostania profesjonalistami w swojej dziedzinie, ale przestali, uznając, że osiągnęli już wystarczająco dużo i poświęcili się innym. życiowe cele(I nikt nie powiedział, że rysowanie jest najbardziej atrakcyjną działalnością artystyczną - jest wiele innych ciekawych dziedzin - muzyka, reżyseria, pisanie, gotowanie, malowanie tkanin itp.). Tutaj nie ma dobrego ani złego wyboru. Wybierasz własną ścieżkę i dopóki czujesz, że robisz dla siebie właściwą rzecz, jesteś na dobrej drodze (o ile nie krzywdzi to innych).
Zawsze będę je pamiętał bezcenne porady dane mi przez moich nauczycieli. Bardzo pomogli mi w osiągnięciu mistrzostwa, byli w stanie zainspirować mnie wieloma rzeczami dotyczącymi techniki, poszukiwania obrazu, wytłumaczyli mi niebezpieczne pułapki w kreatywności. Jestem im wdzięczny. Ale żaden z nich, ani jedna osoba, nie dał mi szablonu. szablon w zdrowy rozsądek. W tym sensie, w jakim artysta angażuje się w twórczość, maluje, rośnie, pogłębia się i już w sztuce osiąga pośrednią świadomość siebie. To pierwsze kilka lat po ukończeniu studiów. W takiej chwili ma nieco zawyżoną samoocenę, próżność i pragnienie zaspokojenia swoich twórczych ambicji, pragnienie uznania, które nie ogranicza się tylko do rodziny i kręgu przyjaciół i znajomych. Nie myśli jeszcze o pieniądzach. A teraz, wystawiając się gdzieś, widząc siebie na tle innych artystów, przycinając się, przyłączając się do środowiska, uświadamia sobie, że nieco przecenił swój talent iz odnowionym zapałem bierze na codzienną poprawę swoich walorów artystycznych. A oto drugi wpis. Znów jest pełen siły i niespełnionych ambicji. Znów, po okresie przygotowań kilku poważnych płócien, czy serii, wychodzi w świat. Teraz jest już rozpoznawany przez kolegów, artystów starszego pokolenia. Teraz reprezentuje coś bliższego podstawowemu pojęciu tego znaczenia artysty. I realizuje to w sobie: umiejętności, energię, presję. Rozumie, że jest gotów stworzyć w sztuce coś poważnego. I tu pojawia się pytanie. Gdzie powinien iść. Gdzie umieścić zdjęcia? Przechowuj je w swoim pokoju lub warsztacie w dobry przypadek? Jednym słowem - co dalej? Wyobraź sobie 26-30 latka młody artysta, który już w grę wchodzi kwestia małżeństwa, zakwaterowania i wyżywienia. I nie ma żadnego planu na nic. perspektywy na przyszłość, ale także mniej lub bardziej jasne przemyślenia na ich temat następne kroki. I tutaj wielu ludzi błądzi. Wielu wchodzi do handlu, popada w koniunkturę, zapominając o kreatywności. I kilka definicji tego z jednym znaczeniem. Nie wiedzą, co robić. Są artystami. Mają rozwiniętą część mózgu, która pozwala im widzieć to, czego nie widzą inni. Ale też nie widzieć tego, co widzą inni. I właśnie w tym momencie brakuje jasnego zrozumienia wszystkich możliwych sposobów twórczej realizacji w społeczeństwie, własnej roli w społeczeństwie i środowisku. Innymi słowy, nikt nigdy im nie powiedział, jak zostać artystą. W najlepszy przypadek Nauczyciele namawiali - Pisz, wszystko będzie. Najważniejsze to pisać. Więc panowie, sprawię, że będziecie szczęśliwi lub zdenerwowani. Masz tylko 3 możliwe scenariusze na drodze do pełnoprawnego tytułu i poczucia artysty. Gdyby tysiące tych, którzy zeszli z wąskiej ścieżki artysty na tym kontrowersyjnym pograniczu i zajęli się innymi rzeczami, znały te scenariusze, być może znalibyśmy ich nazwiska w sztuce.
Masz tylko 3 możliwe scenariusze na drodze do pełnoprawnego tytułu i poczucia artysty
Oczywiście do celu mogą być więcej niż 3 drogi. Mogą być duża ilość. Mogą się przeplatać. Odróżnić się od drogi, którą artysta chce zobaczyć, a nawet poprowadzić podróżnika w innym kierunku. Ale porozmawiamy o tych 3 drogach, które już wyniosły wielu artystów na szczyt.
Przede wszystkim artysta musi sobie uświadomić „smutny” fakt, że nie może być artystą i biznesmenem w jednej osobie. Mówią: - Dobry biznesmen, zły artysta”. To prawda. Jest na to milion doskonałych przykładów. Oczywiście mam na myśli tę podstawową koncepcję artysty. Kiedy artysta po prostu płonie, tworzy tę energię w swoich obrazach , przekazuje widzowi te doznania, którymi on sam się wstrząsnął. Że życie, prawdziwe, dalekie od fikcji, a mianowicie duchowe i ideologiczne. , to natychmiast odbija się na jego płótnie.
I oczywiście oczywiste jest, że jak tylko artysta pozwoli sobie pomyśleć o sprzedaży, o zakupach, od razu odbija się to na jego płótnie.
Natychmiast. Kiedy myśli o sprzedaży, dzieli się energią. Można to sobie wyobrazić w modelu logicznym. Teraz daje kreatywności nie 100% energii, ale powiedzmy 70%. A pozostałe 30% szuka sposobów na sprzedaż swoich obrazów. Jest to rozpoznawane przez wielu mistrzów, z którymi się komunikuję. Tak mówią - napisz teraz, złoty czas. Kiedy nadal nie ma potrzeby karmienia rodziny i organizowania życia. Cezanne powiedział: - Jeśli chcesz zostać artystą, twoi rodzice muszą być bogaci. To prawda. Artysta musi poświęcić całą swoją energię kreatywności, wtedy może wyrosnąć na wielkiego mistrza. Nie powinien myśleć o tym, skąd wziąć jedzenie i ubrania. Ale dzisiejsze realia są takie, że trzeba to zrobić a priori. Przyjrzymy się więc 3 sposobom, dzięki którym początkujący malarz w naszych czasach może osiągnąć sukces, uznanie i ostateczny cel - zostać artystą.
Pierwsza i podstawowa zasada wszelkich spraw związanych ze sprzedażą absolutnie dowolnych towarów. Kto wie, jak to zrobić, powinien sprzedawać. Każdy musi wykonywać swoją pracę. Fabryka do produkcji - sklep do sprzedania.
Sposób pierwszy. Działalność twórcza w systemie organizacji zawodowych.
Jest to najprostsza z trzech rozważanych ścieżek. Jego istotą jest odgrywanie wybitnych ról w związku artystów. Aby zrozumieć od początku do końca strategię promocji w tym systemie, konieczne jest zrozumienie roli związków artystów w naszych czasach i ich znaczenia na rynku sztuki. Tak więc w rzeczywistości jest teraz kilka związków. Dwóch z nich zajmuje wiodące role i są organizacjami wysokiej jakości w porównaniu z ich rówieśnikami. Są to MSH i MoSH. Związek Rosyjski artystów i Moskiewskiego Związku Artystów. Organizacje te są bezpośrednimi spadkobiercami tych organizacji, które istniały w czas sowiecki i były w systemie dotacji państwowych. Teraz oczywiście tak nie jest. Teraz jest organizacje publiczne, przeniesiony spod opieki Ministerstwa Kultury do samowystarczalności i życia kosztem sponsorów i prywatnych inwestorów. Ale związki zachowały swój główny cel. Mianowicie wystawy na skalę ogólnorosyjską i elitarne miejsca. Wystawy te przyciągają uwagę mediów, a także amatorów, koneserów, krytyków, funkcjonariuszy i Ministerstwa Kultury. Oczywiście nie chodzi tu o zwykłe, ale o topowe wystawy, które odbywają się 1-2 razy w roku. Związki są również blisko spokrewnione z Akademia Rosyjska sztuka, która jest organizacja państwowa i podlega Ministerstwu Kultury. Łączy ich fakt, że w kierownictwie obu związków znajdują się prawie te same osoby, co w RAKh.
Teraz sama koncepcja tej ścieżki. Wiadomo, że aby odnieść sukces i promować swoją sztukę, artysta musi być zawsze w centrum uwagi. Można to z powodzeniem realizować będąc w strukturach związku i uczestnicząc we wszystkich jego wystawach, których liczba może sięgać kilkunastu lub więcej rocznie. Oprócz wystaw związkowych istnieją wystawy pokrewne, w których preferowani są członkowie związku. Takich jak „Złoty pędzel” i wystawy prowadzone przez galerie, także niegdyś włączone do gospodarki Ministerstwa Kultury, a następnie wypuszczone do swobodnego obrotu. Ale zachowali bliskie więzi.
Jak to działa. Prawdopodobnie każda organizacja, zwłaszcza państwowa lub publiczna, ma swoje własne klany i grupy. W organizacjach takich jak związek artystów zajmujących się jednoczeniem sił twórczych nie może być konkurencji o promocję własnej idei w twórczości jako dominującej i jedynej słusznej. Z reguły, wyłączając poglądy lokalne i indywidualne, społeczność dzieli się na 2 grupy. Ci, którzy są za i ci, którzy są przeciw. Za i przeciw idei dominacji ten moment w społeczności, a zatem wektor jej rozwoju. I z reguły w społeczności te grupy prowadzą zupełnie inne życie wystawiennicze. Na przykład za pośrednictwem związku swoje wystawy prowadzą zwolennicy tradycyjnego podejścia do sztuki (jest też z definicji podział w kierownictwie), a innowatorzy własne. Ale są też wystawy ogólne. Z reguły należą do ścisłej czołówki, poświęconej dowolnemu wydarzeniu lub dacie w kraju. I wtedy część elitarna, wiodąca, automatycznie zdobywa miejsca na tej wystawie, niezależnie od podziału na grupy, a ponieważ jest ograniczona liczba miejsc na wystawie, a chętnych jest nieproporcjonalnie więcej, zwykli członkowie Związku są eliminowane na zasadzie nieprzynależności do grupy wiodącej. Czyli spośród zwykłych członków miejsca na takich wystawach ci, którzy nie tylko trzymają się poglądów i formalnie należą do czołowej grupy wspólnoty, ale także stoją bliżej przywództwa tej grupy, czyli biorą czynny udział stanowisko w sprawie obrony interesów tej grupy, zdobywać miejsca na tego typu wystawach. Dlatego wybierając tę drogę, młody artysta dokonuje wyboru, do której grupy wejść. Tutaj wybór w kierunku indywidualnego poglądu, który nie uznaje ani jednego, ani drugiego, do niczego nie prowadzi iw żaden sposób nie przyczynia się do umocnienia pozycji. Więc musisz wybrać. A jeśli artysta musi dokonać wyboru w kierunku którejś z grup, to odpowiednio jego praca musi zostać dostosowana zgodnie z koncepcją wybranej grupy. Na szczęście, jeśli początkowo artystka całkowicie pokrywa się z nią w poglądach. A wielkim minusem tej pierwszej rozważanej ścieżki jest to, że nie zgadza się ona z ideami grupy dominującej. W zasadzie może wybrać drugą najważniejszą grupę. Ale jest to uzasadnione, jeśli druga grupa może w przyszłości zastąpić pierwszą na szczycie. Znaczenie bycia w grupie jest alternatywą dla samotnej wędrówki. Jedna osoba nie może zrobić tyle, co dwie lub więcej.
Jak wygląda ta ścieżka w przekroju? Młody artysta po dyplomie pogrążony jest w kreatywności. Pierwsze próby wystawiania się ze związku, pierwsze porażki. Pierwsze znajomości, komunikacja. Pierwsze połączenia. Przystąpienie do związku. Wystawy ze związku. Aktywne życie w środowisku społecznym, pomagając związkowi. Może być zupełnie inaczej. Jako instalacje wystaw i wszelkiego rodzaju zlecenia. Udział w zajęciach. Przyjaźń z liderami. Znowu połączenia. A teraz udział w najważniejszych wystawach. Udział w najważniejszych wystawach - druk w katalogach, wzmianki in różne źródła. Następnie rekomendacje, awans na pierwszy plan w początkowej fazie hierarchii. Zamknij kontakty w systemie u góry. Wymaga to dyplomacji, wytrwałości i umiejętności komunikacyjnych. Wszystko to oznacza ciągłe bycie w oku widza. A publicznością, zwłaszcza na dużych wystawach, mogą być kolekcjonerzy i właściciele galerii, a także po prostu bogaci ludzie, którzy kochają malarstwo.
Zamknij kontakty w systemie u góry. Wymaga to dyplomacji, wytrwałości i umiejętności komunikacyjnych. Wszystko to oznacza ciągłe bycie w oku widza. A publicznością, zwłaszcza na dużych wystawach, mogą być kolekcjonerzy i właściciele galerii, a także po prostu bogaci ludzie, którzy kochają malarstwo.
Nie wskazałem jeszcze dziennikarzy, którzy piszą o tych wystawach, funkcjonariuszy, którzy poszukują artystów do udziału w różnych projektach, krytyków piszących artykuły, a szczególnie szanowanych krytyków, którzy mogą napisać jeden artykuł znane imię artysta. Do tego mogą potrzebować tylko jednego wieczoru. I oczywiście najważniejsze są rekomendacje z uznanych liczników. W tym przypadku oczywiście tylko jeden energiczna aktywność za mało w systemie. Potrzebna jest bardzo utalentowana praca. Chociaż istnieją przykłady sprzeczne z tym stwierdzeniem.
Z niezbędną wytrwałością młody artysta będzie w stanie osiągnąć pożądany poziom przez bardzo krótkoterminowy. 2-3 lata. Dość. Plusy tej ścieżki, jak i minusy, są widoczne gołym okiem.
Sposób drugi. Promocja poprzez galerie i Internet.
Jak powiedziałem powyżej, pierwsza i najważniejsza zasada udana sprzedaż to rozdzielenie funkcji. Artysta, który wszedł na trudną drogę twórczości, nie może być biznesmenem. Producent artystyczny. Niech sprzedający zajmie się sprzedażą. W dzisiejszych czasach są wszystkie warunki dla artysty. Są ludzie, których zawodem jest sprzedawanie obrazów innym ludziom. A ci ludzie siedzą w galeriach i czekają na artystę i kupującego. Pełnią rolę pośredników między artystą a kupującym. Na pewno nie w wersja klasyczna ten model. Wiele galerii ma własną koncepcję, orientację. Na przykład są galerie, które zajmują się wyłącznie sztuką współczesną. Są galerie, które działają tylko z realizmem. Są tacy, którzy nie odmówią ani realizmu, ani konceptualizmu. Mamy też internet. Internet to nieograniczone możliwości dla każdego biznesu. Oczywiście dotyczy to również rynku sztuki. Nie będę teraz wymieniał, jaki udział ma rynek sztuki malarstwa w Internecie, ale myślę, że jest to bardzo blisko połowa. Tak, ponieważ dla nikogo nie jest już tajemnicą, że sprzedaż internetowa jest porównywalna do sprzedaży bezpośredniej, zwłaszcza w małych firmach. W Internecie jest około 7-10 wirtualnych galerii, w których artysta może stworzyć własną stronę, wystawiać i aktualizować swoje nieśmiertelne płótna i natychmiast otrzymywać szeroka publiczność widzów za ich arcydzieła. Potencjalni nabywcy mogą również znaleźć się wśród widzów. W takim przypadku głównym zadaniem jest przyciągnięcie kupującego. Jesteś zawsze w zasięgu wzroku, a ludzie, którzy szukają obrazów w Internecie, również widzą Twoją pracę. Oczywiście potrzebujesz również wewnętrznej optymalizacji swojej strony w galerii internetowej. Ale to osobna piosenka. Teraz, jeśli chodzi o sprzedaż przez galerie, nie są one wirtualne, ale całkiem realne. Z początku początkujący artysta, kiedy jego twórczość dopiero raczkuje, kiedy jeszcze nie ma wielkich rzeczy, które miały miejsce i są aprobowane przez starszych kolegów, ale są udane rzeczy namalowane z natury, czy odważne eksperymenty w pracowni, powinien spokojnie, nieśmiało spróbować nosić te gadżety w galerii. Przynosić, a nie mieć nadziei na ich zatwierdzenie lub nawet przyjęcie do realizacji. Musisz być na to przygotowany, ale nie poddawaj się. Wytrwałość czyni cuda. Uwierz mi, Lewitan, Korovin, Monet, Picasso i inni już przez to przeszli. Po pierwszych dwóch lub trzech odrzuceniach właściciele galerii mogą być zainteresowani, czy artysta będzie się upierał, a nawet zaproponować, że napisze coś związanego z punktem widzenia właściciela galerii. I krok po kroku artysta będzie rósł, będzie chodził po galeriach. Będzie już znany z widzenia. Będzie pracować i nosić, pracować i nosić. W Moskwie jest około 70 galerii, które zajmują się sprzedażą obrazów i przedmiotów artystycznych. Jeśli w co najmniej jednej trzeciej tych galerii znajdują się obrazy artysty, przynajmniej po jednym na raz, będzie to oznaczać, że dany artysta może po prostu malować i nie myśleć o niczym innym. Jego strona finansowa będzie więcej niż zadowolony. To jest bardzo ceniony wynik - być w zasięgu wzroku. Jeśli Twoje prace znajdują się w kilku galeriach, jesteś już modnym artystą i jest na Ciebie zapotrzebowanie.
Poza tym jesteś publikowany w katalogach tych galerii i całkiem możliwe, że staniesz się ulubieńcem, artystą, któremu poświęca się szczególną uwagę i promuje jako twarz galerii.
Wady tej ścieżki są głównie na samym początku. Będziesz musiał znosić wiele nieporozumień i całkowitego odrzucenia swojej pracy. Są też takie przykłady, jeśli nie uczyłeś się w trzech filarach segmentu edukacyjnego: „Surka”, „Glazunovka” lub „Stroganovka”, to będą patrzeć na ciebie jak na samouka, a nie możesz nawet zobaczyć pracę. Co jest szczególnie trudne dla wrażliwej duszy artysty. Artysta zmierzy się również z ingerencją w twórczość. Właściciele galerii lubią uczyć artystę, co ma robić, a czego nie. Ale w końcu jest to całkowicie uzasadniona ścieżka, którą podążają współcześni malarze po ukończeniu studiów.
Trzeci sposób. Własne imię. Marka.
Ta ścieżka jest najtrudniejsza. Jeśli dwa poprzednie mieszczą się w znanym instrukcje krok po kroku, to w omawianym przypadku można zaobserwować chaotyczne próby, które nie podlegają logicznemu algorytmowi. Nie wiemy z góry, co gdzie będzie strzelać. Więc sprawdzamy wszystkie możliwości. Aby wypróbować wszystkie potencjalnie przydatne wydarzenia dla naszej promocji, potrzeba dużo cierpliwości, wiary i wytrwałości. Najważniejsze jest wytrwałość. Zdarza się to bardzo często: wystawa się skończyła, nie sprzedano ani jednego obrazu. Rezultatem jest utrata pieniędzy, energii i wiary. A artysta słabnie, traci ładunek niezbędny do dalszej walki. Zatrzymuje się w połowie drogi. I opowiada wszystkim, że życie jest niesprawiedliwe i że nikt teraz nie potrzebuje malowania. I dlatego, główny wniosek: jeśli zdecydujesz się iść tą najtrudniejszą ścieżką, powinieneś mieć więcej energii i pewności, że robisz wszystko dobrze w znacznie większych ilościach niż jest to wymagane w przypadku poprzednich dwóch ścieżek. Pójdziesz tą drogą i wszyscy będą cię skarcić. Stwierdzenie, że robisz to źle, nie jest uzasadnione liczeniem na jakąś okazję. Przez całą drogę będą Ci towarzyszyły okrzyki - "to jest utopia, robisz pusty interes"! A jak coś nie wyjdzie, to wszyscy poza tobą okażą się mediami – „No, powiedziałem, że tak będzie”!. I tylko nieliczni będą cię wspierać. Wybrawszy trzecią drogę, doświadczam wszystkich tych przeszkód towarzyszących mojemu ruchowi. Ale te przeszkody tylko zwiększają moją wiarę w ostateczny sukces. Im więcej krzyczą, że robię coś źle, tym bardziej śmieją się z moich porażek, tym bardziej wierzę w sukces. Jak wygląda trzecia ścieżka w sekcji. Po ukończeniu studiów początkujący artysta odczuwa pragnienie ciągłej kreatywności. Pogrąża się w działalność twórcza, w kreatywnym środowisku i lubi to wszystko szaleńczo. Zdecydowanie postanawia zostać artystą. Na początku wszystko idzie gładko. Najsłodszy wiek to od 23 do 27 lat. Ten czas wiąże się z ciągłymi odkryciami, nowymi doświadczeniami i bardzo jasnymi chwilami szczęścia.
Pierwsza wystawa, podziw widza, choć odosobniony. Kreatywne podróże i eksperymenty. Ale wkrótce przychodzi świadomość, że trzeba iść naprzód. Że te czynności, które są wykonywane regularnie, już nie wystarczają. Organizacja wystaw, udział w imprezach i spotkaniach w towarzystwie tych samych artystów, którzy jeszcze się nie odnaleźli, te działania nie stają się wielkim artystą poważnym. Potrzebne jest coś bardziej globalnego. Co zrobic nastepnie? Niektórzy, nawet większość, pozostają na tym poziomie, nie zdając sobie z tego sprawy. Ktoś, łapiąc za krawat, w końcu trafia do drzwi gabinetów i ostatecznie staje się nie artystą, ale szefem artystów. Ale jest kilku, którzy rozumieją. Zdałem sobie sprawę, że muszę się przeprowadzić. Co należy zrobić pod każdym względem. Strzelaj ze wszystkich pistoletów. Spróbuj, zawiedzie, upadnie i wstanie. Poprzez te upadki poczuj puls tej prawdziwej nici, która prowadzi do dobry kierunek i znowu przegrać. I znowu po omacku. To jest ciągła walka… Przy całym zewnętrznym zgiełku wydarzeń, w środku trzeba się utrzymać pełne zamówienie i zrozumienie, dlaczego to wszystko robisz. Powinien być w środku wspaniały artysta. Jeśli wyobrażasz sobie artystę w sobie, z własnymi poglądami na życie, poczuciem, że dajesz temu światu nową energię, której nie da się nigdzie powtórzyć. Masz nowe pomysły, poglądy. To nie jest duma. Każdy wielki artysta czuje w sobie tę energię. Tylko w ten sposób możesz zarażać innych tą energią. I uwierzą w ciebie. Twoja energia jest kierowana przez wszystkie twoje działania. Poprzez obrazy, które malujesz, poprzez interakcje z ludźmi i działania, które podejmujesz. I jak cenisz siebie, aby świat cię doceniał. Jeśli nie cenisz siebie, nikt cię nie docenia. Artysta w różnych momentach życia jest zarówno na dole, jak i na górze. I w tych chwilach jest poddawany próbie siły swojej wiary. Prawdziwy artysta nigdy nie zbacza ze ścieżki.
Co zrobić wybierając trzeci sposób. Może brzmi to jak podręcznik dla techniki, a nie dla kreatywnych połówek mózgu. Ale aby stać się wspaniały artysta aby zostać rozpoznanym, nie wystarczy malować i tworzyć arcydzieła. Wyobraźmy sobie, że istnieje niesamowity artysta, który potrafi wywołać u ludzi odzew, sprawić, by mówili o sobie. Ale nikt go nie zna.
ciąg dalszy nastąpi...
Rozdział:
Wiedz, mój drogi czytelniku, że nie jesteś pierwszym, który wkracza na tę drogę i próbuje odnieść sukces. Przez cały czas istnienia ludzkości informacje o prawach życia były rejestrowane i przekazywane z pokolenia na pokolenie, abyśmy nie za każdym razem wymyślali koła na nowo.
Wykorzystaj tę tajemną wiedzę, nagromadzoną ciężką pracą i sprawdzoną w czasie! Studiuj, analizuj i wyciągaj wnioski!
Myślę, że po tak epickim wstępie można zacząć fabułę 10 wskazówek, jak stać się wielkim:
1. Nie oceniaj sam!
Jest takie powiedzenie „każdy osądza według swojej rozwiązłości”. Tak, tutaj nie można się spierać, życie pokazuje, że większość ludzi ocenia to, co dzieje się wokół, tylko na podstawie własnej i poprawnej, jak im się wydaje, opinii.
Naszym zadaniem nie jest być jak wszyscy inni. Wszystkich wielkich ludzi oskarżano o sprzeciw. Rzekomo zaprzeczali prawom logiki, przekraczając swoje zasady i dążąc do stworzenia ideału. Nieustannie niezadowoleni ze swojej pracy twórcy tworzą dzieło, które podoba się absolutnie każdemu.
Wyjście:
Profesjonalista wykonuje swoją pracę w sposób, który jest doceniany przez większość. Amator wykonuje swoją pracę i stara się, aby wszyscy wystawili wysokie oceny.
2. Spójrz na najlepszych!
Biografie naukowe sławni ludzie. Porównaj ze sobą i przeanalizuj. Wszystkie warunki zostały już do tego stworzone, pozostaje tylko je wziąć. Polecam zacząć od przestudiowania opisów na Wikipedii wielkich artystów.
Uwaga na temat zwykli ludzie tam nie piszą! Tylko dlatego, że nie ma o nich nic do powiedzenia. Nie odnieśli sukcesu, nie stworzyli arcydzieł sztuki, nie zmienili świata. Ich życie jest nudne i szare (no dobrze, można je rozcieńczyć drobnymi żartami w postaci picia w barze, czy zakupu nowego telefonu z ekranem dotykowym). Co można o tym napisać?
Wyjście:
Przestań się bać samotności na szczycie sławy. W rzeczywistości nie będziesz tam sam, jest wielu takich jak Ty! I idź z nimi do przodu, pozostawiając za sobą wszystkich, których… myśli nie dotyczą wieczności, ale o wzroście wynagrodzenie w następnym kwartale.
Twoja osobista opinia jest bardzo cenna. Tak cenny, że bardzo polecam zachować go dla siebie i nie dzielić się nim z nikim! Co miałem na myśli? Wyjaśnię teraz. Kiedy narysowałem obrazek, postanowiłem pokazać go kilku osobom. Ale zachowywałem się jak „prosta” osoba i pokazywałem tych, którzy byli bliżej, zamiast konsultować się ze specjalistami.
Co z tego wyszło? słyszałem 10 absolutnie identycznych opinii składający się z tych samych zdań. Mianowicie: „ lubię" lub " dobra robota, dobra robota”. Co mogą powiedzieć o kreatywności ludzie, którzy nie znają samego procesu tworzenia obrazu? Nawet jeśli niektórzy z moich znajomych przeczytali o tym i wymyślili kilka sprytnych zdań, takich jak:
« Tak, nieźle, widzę tu kolor, dobrze bawisz się kolorami, ale tutaj dodałbym trochę jasnych kolorów»
« Nie, wiesz, że rysunek jest zły, przejście kolorów nie jest naturalne, wciąż się uczysz i uczysz» —
Czy będzie to obiektywna ocena mojej pracy? A udowodnienie im, że mają rację, czy nie, nie ma sensu.
Po pierwsze, niczego to nie zmieni, bo jak już wiemy z pierwszej wskazówki, wszyscy oceniają sami. A po drugie, jeśli nie zgadzają się z moim zdaniem, może szykować się konflikt. W efekcie stracę nie tylko dobry humor ale także chęć tworzenia, Święty spokój może nawet przyjaciela. Czy do tego dążyliśmy? Nie! Dlatego szanuj opinię innych ludzi!
Ten, kto wygląda jak widz, ma prawo krytykować i chwalić. Jeśli Twoim celem jest uzyskanie komentarza na temat Twojej pracy, lepiej skontaktować się z profesjonalistą lub kolegą z rysunku. Nie tylko cię zrozumie, ale także podpowie, jak to zrobić lepiej, bo zna proces rysowania od środka.
Nigdy nie obrażaj się obelgami większości: jeśli małpy nauczyły się mówić, nie oznacza to, że mówią prawdę.
Wyjście:
Lepiej słuchać krytyki pod adresem twojej pracy od ludzi. dobrze poinformowany o procesie rysowania. A wszystkie inne uwagi zostawcie właścicielom, traktujcie ich cierpliwie, bo nie wiedzą ani krzty tego, co jest potrzebne do stworzenia arcydzieła. Lepiej im powiedz! Dzięki za marnowanie czasu na kontemplowanie twojego płótna.
Ty, mój czytelniku, wiesz więcej niż ktokolwiek inny, co to znaczy twórcza agonia”. Ciotka Muse jest kapryśna. Trzeba za nią biec, trzeba ją lubić. W przeciwnym razie nie zwróci na ciebie uwagi. Musimy użyć każdego, aby wycisnąć z siebie maksimum. Jeśli się wahasz i czekasz najlepszy moment, może już nie przyjść. Na co spędzamy czas? Jeśli nie dla siebie, to dla innych wokół ciebie.
Co mogą Ci dać inni? Migają przed twoimi oczami swoimi problemami, swoim życiem. W ogóle nie są zainteresowani tym, co robisz, co oznacza kreatywność. Interesuje ich, gdzie kupić taniej i sprzedać drożej. (Chociaż ktoś nazywa to też sztuką, więc kwestia wciąż jest dyskusyjna). Jaki mają biznes? Czym jeszcze ich interesują?
- kto będzie następnym prezydentem;
- Kiedy wynagrodzenie wzrośnie?
- Dlaczego wzrosły rachunki za media?
- Napij się piwa i obejrzyj zombie;
Ta lista może być kontynuowana bez końca. Gdzie tu jest kreatywność? Czy coś tworzą? Nie, to jest banalne myślenie tłumu. istnienie zwierząt. Dążenie do tworzenia Piękny» własnymi rękami nie są zainteresowani. Chcesz być jak wszyscy inni?
Wyjście:
Staraj się komunikować z ludźmi, którzy mają więcej doświadczenia i wiedzy niż Ty. Możesz interesować się zwykłymi, codziennymi problemami nieznajomych tylko z grzeczności, pytając „ jak się masz' lub podobne.
Nie pozwól, aby codzienne problemy innych ludzi stały się Twoimi życiowymi priorytetami i powodem do dyskusji. wejdź głęboko w siebie i stań się lepszy!
„Jeśli przestanę, umrę”
A.Mironov
To może wydawać się dyskusyjnym pytaniem, ale teraz postaram się wyjaśnić, o co mi chodzi. W trakcie pracy nad sobą dowiesz się wielu rzeczy, które do tej pory nie były dostępne. Być może z powodu ograniczonych informacji lub z własnego lenistwa. Nie o to chodzi. Ważne jest, aby pamiętać, że bez względu na to, jak bardzo starasz się osiągnąć doskonałość, zawsze będzie okazja ” dodaj trochę więcej”. Poruszając się ciągle małymi krokami do przodu, osiągniesz wyżyny niedostępne dla zwykłego umysłu.
Jeśli chcesz przestać - nigdy nie mów " Doszedłem do perfekcji, już nie będzie lepiej”. Zrób sobie przerwę i wróć do robienia tego, co kochasz. W stare czasy wierzył, że ziemia jest płaska i spoczywa na trzech wielorybach. A jak sprawy mają się dzisiaj? Czy nasi przodkowie mogli pomyśleć, że za kilkaset lat wykorzystamy nanotechnologię, stworzymy mikroprocesory i sklonujemy żywe istoty. Nie ma granic dla perfekcji!
Wyjście:
Szukaj nowych dróg rozwoju. Nie jedź w cyklach, nie cierpią z powodu śmieci! Zawsze możesz wziąć znacznie więcej, niż ci jest dane. (Starają się ukryć informacje przed ludzkością, bo nie każdy może być artystą, ktoś musi stać przy maszynie.)
To jeszcze nie koniec! Jesteśmy już w połowie drogi do wiedzy tajemnej.
_____________________________________________________________________
Uwaga!
Na koniec tej części chcę rozpocząć jedną grę! Naszą stronę odwiedza bardzo dużo osób zainteresowanych rysowaniem. Bardzo mnie interesuje, ilu jest "pro" artystów i "amatorów" - miłośników rysunku. Sugeruję, abyś dowiedział się już teraz!
- Jeśli rysujesz super i uważasz się za artystę, umieść to w komentarzach +1 artysta!
- Jeśli lubisz rysować - włóż +1 amator!
Zasady są proste, każdy kolejny uczestnik stawia wyższą liczbę o jednostka. Drugi pisze artysta +2 trzeci: artysta +3 i tak dalej, podobnie z amatorami. Rozpocznę! Udać się!
