Didula, „Droga do domu”, wideo
Popularny białoruski muzyk, kompozytor i gitarzysta Didyulya (pełne imię Didyulya Valery Mikhailovich) urodził się w Grodnie 24 stycznia 1969 (01.24.1969). Didula pracuje w stylu muzyki ludowej, fusion i new age.
Kiedy Dilyula miał pięć lat, jego matka podarowała chłopcu gitarę, wyznaczając w ten sposób jego dalszą drogę twórczą. Od tego momentu Didula nie rozstawał się ze swoim ulubionym instrumentem muzycznym, eksperymentował ze wzmacniaczem i przystawką. Chłopak zdobywał doświadczenie, obserwował muzyków grających na koncertach i weselach. Wkrótce Didula została członkiem VIA „Scarlet Dawns”, kierowanej przez Nikołaja Chitrika. Zespół występował w PGR i restauracjach, zwiedzał miasta.
Po rozpadzie grupy Scarlet Dawns, Didula została realizatorem dźwięku w grodzieńskim zespole White Dews, działającym głównie w gatunku muzyki folkowej. W ramach grupy Didula koncertowała w wielu krajach Europy. W Hiszpanii Didula nauczyła się stylu flamenco, co później wywarło wielki wpływ na twórczość muzyka. Pierwszy Album muzyczny Diduli, wydany w 2000 roku, nazywał się „Flamenco”.
W 2002 roku Didula stworzył własną Grupa muzyczna. Muzycy wykorzystywali muzykę elektroniczną, eksperymentowali z aranżacjami w stylu house.
Didula stworzyła ponad sto utwory muzyczne będąc jednocześnie wykonawcą, kompozytorem i producentem. Didula daje sto dwadzieścia koncertów rocznie i jest uznawana za najbardziej koncertową Grupa muzyczna Rosja. Razem z Didulą występują Khaibula Magomedov (instrumenty klawiszowe), Alexander Leer i Rustem Bari (perkusja), Dmitry Ershov (gitara basowa), Ramil Mulikov i Valery Skladanny (dęty).
Jak już pisaliśmy, . Muzycy zamierzają wykonać piosenkę „Now you” re go” („Teraz you’re go”). Muzykę napisał sam Didula, słowa solisty słynny zespół « głęboki fiolet» Joe Lynn Turner.
Valery Didula to pierwszorzędny gitarzysta, kompozytor, aranżer, niesamowity showman, który potrafi naładować publiczność swoimi emocjami. Teraz jest sławny na całym świecie. Czy zawdzięcza ten talent, czy wiele lat tytanicznej pracy? Jaki rodzaj interesująca informacja zawiera biografię Diduli? Rodzina, zdjęcie artysty - wszystko to zostanie przedstawione w artykule.
Dzieciństwo
Słynny artysta urodził się 24 stycznia 1969 (48 lat) w Grodnie w Republice Białoruskiej (wówczas część ZSRR). Rodzice Michaił Antonowicz i Galina Pietrowna działalność muzyczna nie miał związku. Mama była księgową w zakresie gastronomii, tata był wysokiej klasy ślusarzem. Cokolwiek lubił mały Valera, zawsze znajdował wsparcie w rodzinie. Zapewne dlatego, widząc zainteresowanie syna muzyką, matka podarowała mu na piąte urodziny zabawkową gitarę, która bardzo przypominała prawdziwą. Oprócz gitary Valery lubił szachy, pracę w radiu i pływanie. Ale przede wszystkim pociągała go muzyka. To właśnie wsparcie rodziców, według Diduli, stało się impulsem do jego muzycznych osiągnięć.
Pierwsze kroki do sukcesu
Jako nastolatek Valery otrzymał prezent od rodziców prawdziwa gitara. W tym czasie jego pasja stała się poważna. Nauczył się grać na gitarze, eksperymentował z dźwiękiem w domu. Potem zaczął wypróbowywać różne urządzenia: czujniki, nakładki, wzmacniacze dźwięku. Był bardzo sumienny w swoim hobby, stale doskonaląc swoje gitarowe umiejętności. Nawet jego nauczyciele byli tym zaskoczeni. Przyjaciele przyszłego muzyka również upodobali sobie ten instrument, więc zawsze mieli niewypowiedzianą konkurencję: kto jest lepszy, kto zagra ciekawiej. Trwało to kilka lat.
Początek kariery
W BSRR w czasach sowieckich istniała dość popularna VIA „Scarlet Dawns”. Praca jako gitarzysta w zespole była pierwszym miejscem realizacji Diduli jako muzyka. Z koncertami podróżowali po całej republice. Ta praca nauczyła Valery'ego godnego stawania przed publicznością. Wielogodzinne występy doskonaliły umiejętności i rozwijały wytrzymałość. Ale wraz z upadkiem ZSRR chłopaki rozpadli się w poszukiwaniu więcej obiecująca praca rozstał się i tylko Valery nadal grał na gitarze.
Kolejnym muzycznym doświadczeniem Diduli była grupa taneczna White Dew. Ten zespół był sławny i odnosił sukcesy. Chłopaki tańczyli głównie folk polski, białoruski, ukraiński.Tu Valery pracował jako gitarzysta i inżynier dźwięku. Lubił muzykę ludową, a jej motywy można później usłyszeć we własnych utworach. Praca inżynierska dźwięku była bardzo odpowiedzialna. Trzeba było dowiedzieć się, jak brzmi nie tylko gitara, ale cały arsenał instrumentów muzycznych używanych na koncertach. Niezbędne było również dobranie dźwięku w taki sposób, aby był korzystny dla widza, harmonijnie wkomponowany w taniec. Didula obserwowała reakcję publiczności na występy: co idzie dobrze, a co trzeba poprawić. Widział więc preferencje publiczności, dostosowując się do niej. To doświadczenie jest również bardzo przydatne dla muzyka w jego twórczym rozwoju.
Z zespołem Valery odbył liczne tournée. Odwiedził kraje europejskie: Hiszpanię, Włochy, Polskę, Szwajcarię, Francję, Niemcy. I każdy pozostawił silne, niezatarte wrażenie. Ale szczególnie zakochał się w Hiszpanii z jej stylem flamenco.
Pracując w zespole i komunikując się z profesjonalnymi muzykami, Didula po raz pierwszy odkrywa talent kompozytorski, a nawet myśli o występach solowych. Sama atmosfera zespołu - wielu utalentowanych, młodych, błyskotliwych ludzi, miłość publiczności, koncerty - zainspirowała młodą Valerę Didulę do rozwoju i odniesienia sukcesu.
Przez trudności do gwiazd
Pracując w zespole White Dew, Valery natknął się na reklamę konkursu dla młodych wykonawców. Reklama obiecywała wspaniałe perspektywy uczestnikom, którzy dotarli do finału. Zaryzykował, wyjeżdżając, by spróbować szczęścia w innym mieście, w którym miała miejsce strzelanina. I ku mojemu zdziwieniu Nie tylko przeszła eliminacje, ale też dostała się na koncert galowy. Marzenia o karierze solowej zaczęły się spełniać. Konkurs dał mu wiele przydatnych kontaktów. Profesjonalni reżyserzy, montażyści, producenci dzielili się swoimi doświadczeniami i udzielali praktycznych porad.
Miński biznesmen i muzyk Igor Bruskin, po zapoznaniu się z twórczością Diduli, daje mu pracę w swoim salonie, gdzie sprzedawane są instrumenty muzyczne. Częste podróże służbowe do Moskwy w celu sprzedaży instrumentów różnym firmom nagraniowym dają nowe bezcenne doświadczenie gitarzyście Diduli. Ponadto daje małe koncerty w Mińsku. Jego muzyka to połączenie motywów ludowych, hiszpańskiego stylu flamenco z dodatkiem obróbki elektronicznej. Styl wykonawczy utworów Diduli jest już ostateczny. Powoli, ale pewnie zmierza w kierunku swojego marzenia o nagraniu albumu.
Niespodziewanie los daje Valery'emu bardzo udaną i fatalną szansę. Uczestnicy telewizyjnego konkursu, w którym wzięła udział Didula, zostali ponownie zaproszeni do udziału w szeroko zakrojonym festiwalu „Słowiański Bazar”. Była to świetna okazja do wyrażenia siebie i swojej pracy. Po przedstawieniu został zaproszony do pracy w Moskwie i się zgodził. Życie w Moskwie stało się dla gitarzysty trudnym sprawdzianem. Producenci odrzucili go, powołując się na fakt, że gra na gitarze nie jest pożądana przez publiczność i nie przyniesie sukcesu. Didula musiała zarabiać na życie występami ulicznymi. Tylko znajomość z wpływowym wówczas moskiewskim Siergiejem Kuliszenko pomogła Valery'emu Diduli zostać i poprosiła muzyka o udzielanie mu lekcji gry na gitarze za pieniądze. Był również sponsorem wydania pierwszego albumu gitarzysty w studiu nagraniowym Mei Liana. Ten słynny gitarzysta wkrótce pomógł Valery'emu zorganizować jego domowe studio. Tak rozpoczęła się prawdziwa praca kompozytora i wirtuoza gitarzysty Valery'ego Diduli.
Powodzenie
Pierwszy album Diduli nie wzbudził entuzjazmu wśród największych wytwórni fonograficznych, a na koncert solowy nie było pieniędzy. Ale to się nie skończyło. Przemawiając w klubach, Didula korygował swoją muzykę, biorąc pod uwagę preferencje publiczności. Utalentowany muzyk Sergey Migachev pomógł Valery'emu w jego pracy. Na jednym z występów do Diduli podeszli przedstawiciele firmy Global Music i zaproszono ją na wywiad. Tak narodził się pierwszy kontrakt.
Jednak współpraca nie przyniosła kreatywnych owoców i wkrótce umowa została rozwiązana. Ale pojawiły się nowe przydatne znajomości. Seria wydarzeń sprowadziła muzyka do Prigogine'a, który zaproponował Diduli pracę w jego firmie Knox Music. Po podpisaniu umowy zaczęto promować młodego gitarzystę na dużą skalę: wydanie jego debiutanckiego albumu, nakręcenie teledysku z baletem Alli Dukhova, reklama, udział w programach telewizyjnych. Wszystko to przyczyniło się do wzrostu popularności Valery Diduli. Albumy zaczynają szybko znikać z półek sklepowych. Praca zespołowa z Migachevem i Prigogine była bardzo produktywna.
Po udanym wydaniu pierwszego albumu krąg znajomych muzyka wciąż się poszerza. Gwiazdy zaczynają z nim współpracować Scena rosyjska. Christina Orbakaite, Abraham Russo, Dmitry Malikov - to niepełna lista artystów, którzy zwrócili się do Diduli jako kompozytora.
Kolejne albumy „Road to Baghdad”, „Satin Shores” nie pozostawiają już żadnych wątpliwości co do profesjonalizmu i talentu gitarzysty i przynoszą mu sławę.
Kreatywność Diduli teraz
Po przejściu trudnej ścieżki i doskonaleniu umiejętności gry na gitarze, Valery szuka nowych sposobów na wyrażenie swojego talentu. Tworzenie kompozycji „dźwięk w dźwięku”, gdy dźwięk tła jest dodawany do dźwięku głównego, służył jako początek pisania muzyki, która korzystnie wpływa na zdrowie psychiczne człowieka. Fakt ten potwierdzają eksperci psychologowie.
Do tej pory Valery Didula daje ponad 120 koncertów rocznie, wydaje nowe albumy i produkuje innych wykonawców. Jego praca jest poszukiwana.
Oprócz muzyki Didula próbował siebie jako aktor filmowy. Zagrał rolę gitarzysty w filmie A. Konczałowskiego „Dom głupców”.
Postać gitarzysty
O sobie utalentowany muzyk mówi, że jest osobą spokojną, zrównoważoną. Nie lubi skandali i przygód. I ma przypływ energii w występach. Na swoich koncertach Didula daje upust uczuciom i emocjom, tworząc żywe show połączone z wysokiej jakości, niezrównaną muzyką.
Wygląd zewnętrzny
Valery Didula - niski (170 cm) smukły blondyn z oczami niebieski kolor. Urok i równowaga dopełniają obrazu.
Biografia Diduli: rodzina, żona, dzieci
Jak wyglądało życie osobiste tego wspaniałego artysty? Biografia Diduli, żona, dzieci - wszystko to jest interesujące dla fanów w najmniejszym szczególe. Wykonawca nie lubi rozmawiać o swoim życiu osobistym. Ale artysta jest zawsze w zasięgu wzroku, a niektóre informacje wciąż przeciekają. Chociaż prawdopodobnie zawiera wiele spekulacji.
Istnieją informacje, że Didula była żoną tadżyckiej Leyli Khamrabaeva. Małżeństwo urodziło syna i córkę. Muzyk zerwał z Leilą, ale jego byłą żonę prześladuje uraza. Toczy nieustanną walkę o alimenty, rozsiewając pogłoski, że jej były mąż i ojciec jej dzieci nie płaci im ani grosza. Prawnik Diduli zaprzecza tym plotkom, twierdząc, że alimenty… była żona regularnie otrzymuje, a długów nie ma.
Nowa miłość
Jak wynika z biografii Diduli, artysta ma dziś rodzinę, żonę (zdjęcie w artykule). Jego żona to młoda utalentowana piosenkarka o imieniu Evgenia, która pracuje w jego grupie. Didula mówi o niej bardzo ciepło, nazywając Evgenię swoją muzą, inspirując go do nowych prac. W tym szczęśliwym małżeństwie urodziła się córka. To wszystkie skromne dane dotyczące życia osobistego muzyka.
Valery Didula jest nie tylko kompozytorem, performerem, aranżerem, realizatorem dźwięku, ale także producentem swojej grupy „DiDyuLya”. Daje to integralność i harmonię pracy artysty. Projekt DiDuLa to połączenie talentu, doświadczenia, świetnej pracy, determinacji i oczywiście pewności siebie.
Kariera Valery'ego DiDuLa: Muzyk
Narodziny: 20.5.1969
Didula urodziła się w Grodnie. To białoruskie miasto jest piękne swoją architekturą i bogatymi tradycjami muzycznymi. W pobliżu przebiegają granice z Polską i Litwą, co skutkuje wspaniałą interakcją kulturową. W mieście mieszka wiele narodowości: Polacy, Żydzi, Litwini, Białorusini, Rosjanie, Ukraińcy. Miasto jest ciekawe, przyjemne, pozostały po nim tylko ciepłe wspomnienia.
Pierwszą gitarę DiDuLe podarowała mu matka, gdy miał pięć lat. Zainteresowanie instrumentem było szczególne, może dlatego, że ktoś ciągle brzdąkał na gitarze na podwórku, a może dlatego, że ogólnie pociągała go muzyka. Jak każde dziecko, DiDuly miał w dzieciństwie wszelkiego rodzaju gramofony z płytami, co również miało dość silny wpływ. Wraz z pierwszą gitarą przyszły pierwsze dyskretne eksperymenty z dźwiękiem: na gitarze umieszczono czujnik, uruchomiono domowe wzmacniacze, zrobiono wszelkiego rodzaju gadżety. Dla DiDuLi rozpoczął się okres kursów gitarowych: nauczyciel pokazał, jakie akordy istnieją, jak grać, jakie są nawyki i techniki gry. To był początek, pierwsze kroki w opanowaniu gitary.
Pragnienie eksperymentów z gitarą było nie do ugaszenia, chłopcy chodzili na koncerty, obserwowali, jak grają na weselach i jak to się w ogóle dzieje – uchwyciło i poważnie wpłynęło na zainteresowania i pomysły. DiDula z przyjaciółmi, którzy również lubili gitarę, pokazywali sobie nawzajem nowe osiągnięcia, rywalizowali, co oczywiście pchało, zmuszało do ciężkiej pracy i trzymania się w napięciu. Minęły lata, eksperymenty trwały, pojawiła się pierwsza grupa. DiDuLyu został zabrany do wokalno-instrumentalnego zespołu „Scarlet Dawns” jako trzeci gitarzysta. Zespół był jak psy ludzi nieoszlifowanych - rozbudowany skład, miał własną sekcję dętą, instrumenty klawiszowe. Koncerty odbywały się w kołchozach i PGR, a także w mieście. Nikołaj Khitrik, stały szef zespołu i tam służba, dał zdrowe umiejętności i ważne występy. W tym procesie odfiltrowano małego dżentelmena, po czym występy kontynuowano w lokalnej restauracji spółdzielczej. To była niesamowita szkoła: sześć godzin zabawy o zachodzie słońca w ciągu dnia, żadnych dni wolnych, prawie żadnych przerw; grano różne rodzaje muzyki. Można by to nazwać pierwszą poważną szkołą, gdzie DiDuLei otrzymał podstawową wiedzę i umiejętności przemawiania do publiczności, dodatkowo zarobił pierwszy kapitał, z czego był bardzo dumny, bo zdobywanie grosza za robienie tego, co kocha, jest marzeniem ktokolwiek.
Ale zespół się rozpadł, po czym dla DiDuLi przyszedł okres pracy nad dźwiękiem. Poszedł do zespołu tanecznego „White Dew” - bardzo poważnej, autorytatywnej grupy w Grodnie, która miała umiejętności koncertowe i szczęśliwą chwilę. Grano, śpiewano i tańczono różnorodną muzykę, głównie tańce ludowe - polskie, białoruskie, ukraińskie, cygańskie. Zespół był duży i wszechstronny, gdzie DiDuLa został inżynierem dźwięku - służbą ważną i odpowiedzialną, a jednocześnie bardzo ciekawą. Chociaż podczas pracy musiałem się wiele nauczyć: jak wydawać dźwięk, jak brzmią różne instrumenty, jak ogólnie przyjmuje się tę czy inną liczbę. Przecież inżynier dźwięku siedząc w sali koncertowej czuje się jak nikt inny, co dzieje się na scenie, jaka jest reakcja publiczności na sali, które numery są lepiej odbierane, które gorsze, jak brzmią wpływa na widza. Subtelne psychologiczne momenty koncertu - tego nauczył się DiDuLa pracując w tym zespole. Ogromną umiejętność osiągnięto także w komunikowaniu się z muzykami - byli to ludzie, którzy przeszli przez ogień i wodę, z potężnym wykształceniem akademickim, którzy grali muzyka ludowa jak nikt inny. Działalność koncertowa zespołu miała bardzo duży wpływ na dalszą pracę DiDuLi, gdyż koncerty odbywały się zarówno na terenie naszej rozległej ojczyzny, jak i poza jej granicami.
Z tym zespołem DiDuLa po raz pierwszy pojechała do Europy - do Hiszpanii, Włoch, Polski, Szwajcarii, Francji, Niemiec. Różnorodność ludzi, tradycje tych krajów wywarły niezatarte wrażenie. Pracując z tym zespołem DiDuLa wyjechał do Hiszpanii, gdzie zapoznał się ze stylem Flamenco, hiszpańskim tradycja ludowa. Chociaż wcześniej interesował się i studiował ich muzykę, zagłębił się w to, ale dopiero w Hiszpanii stało się to dla niego jasne. Zespół spędził tam sporo czasu, zakupiono tam różne instrumenty muzyczne. Również podczas pobytu w Hiszpanii DiDuLa organizował koncerty uliczne, co dało ogromną wprawę i zahartowanie.
Pracując w zespole, DiDuLa komunikowała się nie tylko z muzykami, ale także z tancerzami i choreografami, ponieważ był to zespół taneczny. Tam zaczęły się pierwsze poważne eksperymenty kompozytorskie, mając dobre zaplecze technologiczne w zespole, DiDuLa zaczął wnosić swój wkład mniej lub bardziej zawodowo. Tam zaczęły się pojawiać jego pierwsze nagrania, pierwsze pomysły na koncerty. Najpierw współpraca z tancerzami, potem znajomość ze wspaniałym gitarzystą Władimirem Zacharowem, wspaniałym tancerzem i choreografem Dmitrijem Kurakulowem. W ten sposób powstało trio taneczno-muzyczne i znakomity program koncertowy. Okres w „Belye Rosy” był czasem pomysłów, na atmosferę zespołu mocno wpływały, komunikacja z ciekawi ludzie, zwiedzanie.
Po pewnym czasie DiDuLa dowiedziała się, że w białoruskiej telewizji odbywa się konkurs, na który zaproszono ciekawych młodych wykonawców różnych gatunków. Jeśli pokonasz rundę kwalifikacyjną, otworzą się wspaniałe perspektywy. Postanowił spróbować, a zebrawszy rzeczy i narzędzia z Dimą Kurakulovem, udał się do innego miasta, w którym odbył się konkurs. Didula i Dima przeszli eliminacje, po których zostali zaproszeni do strzelania. To była świetna inspiracja, przygotowania do zdjęć były bardzo poważne. Ku jego zaskoczeniu, po zagraniu kilku swoich zwykłych akustycznych rzeczy, DiDuLa wyruszył w następną trasę i dostał się na koncert galowy. To było ogromne zwycięstwo i sukces – spełniło się marzenie o zdrowej publiczności. W tym samym miejscu odbywały się znajomości z zawodowymi reżyserami i montażystami, pomagali, dzielili się własnymi doświadczeniami, wskazywali, czego należy sobie życzyć iw jakim kierunku działać. Ważną rolę w promocji DiDuLi na konkursie odegrał utalentowany białoruski kompozytor Oleg Elisienkow. Jego pomoc była bez zamieszania nieoceniona, jego rady - trafne i użyteczne.
Ale zakres pracy inżyniera dźwięku staje się zbyt wąski dla DiDuLi – chcesz robić to, co kochasz – gitarę, kompozycję, dźwięk, aranżację, własną, autorską muzykę. A na zaproszenie biznesmena i pianisty Igora Bruskina przenosi się do Mińska. Bruskin jest właścicielem salonu muzycznego, który sprzedaje różne instrumenty. DiDula zajmuje się tam konsultacjami i sprzedażą, pracuje z różnymi urządzeniami muzycznymi, często jeździ do Moskwy, gdzie wchodząc w interakcje ze studiami nagraniowymi, sale koncertowe i inni organizacje muzyczne, gdzie ten sprzęt został dostarczony, otrzymuje niezbędne umiejętności.
Wdrużban, po konkursie telewizyjnym, zorganizowano mini-program na bardzo dużym festiwalu Slavic Bazaar, na który zaproszono wszystkich artystów biorących udział w konkursie telewizyjnym. Wreszcie można było zapowiedzieć się poważniej – festiwal był transmitowany do wszystkich krajów WNP, a także do Polski, krajów bałtyckich i Bułgarii. Daje to DiDuli zdrowy bodziec do dalszej pracy w kierunku, w którym zmierzała, buduje wyraźną pozycję - dzieło muzyki instrumentalnej, gitarowej, gitarowej estetyki i to wszystko z niewielkim wpływem muzyki ludowej. Również DiDuLa próbowała do pewnego stopnia miksować muzykę elektroniczną. Wizyta na Slavianskim Bazarze pozostała dobrą tradycją, co więcej, po przeprowadzce DiDuli do Moskwy. Ten okres jest typowy dla DiDuLi poprzez ścisłą współpracę z lokalnymi choreografami, tworząc niezwykłe i ciekawe liczby.
Ale Moskwa kusi swoją różnorodnością i wspaniałymi perspektywami. Didula ciepło żegna się z Igorem Bruskinem i przenosi się do Moskwy. Na początku było to niezwykle trudne – bo stolica jest strasznie specyficzna – ma swoje zwyczaje, zasady, tradycje. Dla zwiedzającego to zupełnie wyjątkowe i nieznane miasto, inni ludzie. Ale cel, upór w jego realizacji i wiara w szczęście bardzo pomogły w pokonaniu trudności. Rozpoczął się segment czasu Arbat - występy na ulicy, ale nie podartego artysty ulicznego, ale profesjonalny muzyk z dobrą techniką i wyglądem, który grał przede wszystkim dla własnej przyjemności. Tutaj DiDula spotkał wiele osób, w tym Siergieja Kuliszenko, który w tym czasie zajmował wysokie stanowisko handlowe. Chociaż do DiDula nie było łatwo się zbliżyć nieznajomi, ale pośród trudności, które się pojawiły, trzeba było dokonać wyboru: albo zadzwonić do jednego z tych, z którymi się spotkał, albo opuścić Moskwę.
Pierwszą osobą, do której DiDuLya zadzwonił, był Siergiej Kulishenko. Sergey chciał nauczyć się grać na gitarze, więc DiDuLi dostał pierwszego ucznia. Siergiej wykazał również zainteresowanie działalnością DiDuLi, pomógł z obudową i instrumentami, zapłacił za pierwsze profesjonalne nagranie w studiu wspaniałego majowy gitarzysta Liana. Domowe studio nagrań wysokiej jakości określiło kierunek dalszej pracy DiDuLi. Nagranie Mei Lian było znakomite - nagrano osiem piosenek, technicznie wszystko było włączone najwyższy poziom, choć artystycznie - nie. DiDuLa bardzo ciepło wspomina komunikację z Mei Lian, utalentowaną gitarzystką i kompozytorką, dobry nauczyciel i szanowany przyjaciel. DiDuLa wraz z Siergiejem zaczęli rozwijać pytający motyw stworzenia własnego domowego studia nagraniowego, eksplorowali rynek technika muzyczna. Powstał zestaw sprzętu, który został zainstalowany w Chatka Siergiej. Rozpoczęła się poważna systematyczna służba w zakresie dźwięku, gitary, ćwiczeń, zajęć, poszukiwań. Rozpoczęła się ciekawa znajomość z zespołem muzyka popularna Arkadego. To był fascynujący muzyk, piosenkarz, kompozytor Samara; rozpoczęły się wspólne występy klubowe z DiDuLei.
Poprzez Arkady poznałem Sergeya Migacheva - realizatora dźwięku, aranżera, osobę rozumiejącą muzykę, znającą zarówno współczesne technologie komputerowe, jak i analogowe. Po roku wytężonej wspólnej pracy pod kierunkiem i z pomocą Siergieja Kuliszenko, album debiutowy i nakręcił kluczowy teledysk "Isadora". Ale w dużych wytwórniach DiDuLu odmówiono: wszyscy przekonywali, że muzyka instrumentalna nie jest dla Rosji, ten gatunek nie jest interesujący. Nie było możliwości finansowych pokazania swojej muzyki zdrowej publiczności, co postawiło firmę DiDuLi w ślepym zaułku i nie napawało optymizmem. Na jednym z klubowych koncertów poznałem Siergieja Baldina, dziś dość znanego człowieka, który interesował się muzyką i występami. Zaprosił DiDuLa na spotkanie w biurze firmy Monolit, gdzie mogli porozmawiać o współpracy. Zarząd firmy, po wysłuchaniu materiału, odmówił zastanowienia się nad nim. Zainteresowanie Sergeya Baldina było inspirujące, a DiDuLa zaczął skupiać się na występach w klubach. Mówiąc i analizując to, co bardziej podoba się publiczności, DiDuLa potrafił skorygować swój album, uzyskał z gitary ciekawe, nietypowe brzmienie. Na jednym z kolejnych koncertów do DiDuli podeszli ludzie, którzy zaprosili go do negocjacji z firmą Global Music. Firma zainteresowała się projektem i zgodziła się na współpracę. Podstawowa umowa DiDuLi została podpisana. Ale niestety lekcja nie poszła dalej: z nieznanych powodów grupa nie wykazała aktywności w pracy.
Sześć miesięcy współpracy nie poszło na marne: DiDuLya poznał Timura Salikhova, reżysera, z którym pracuje ten moment. Ten człowiek jest idealny do swojej pracy - zawodowa przenikliwość i subtelna dyplomacja. Umowa z Global Music została rozwiązana. Po pewnym czasie DiDuLe otrzymał telefon z rosyjskiego studia, które zaproponowało umieszczenie jednej z kompozycji w kolekcji. W biurze, w którym zaplanowano szczyt, DiDuLa mogła porozmawiać z Prigożynem, młodym, bystrym specjalistą. Powiedział, że tworzy nową firmę Knox Music, interesuje go nowe projekty i chciałby współpracować. Nie trzeba było długo zastanawiać się nad odpowiedzią - zgodził się DiDuLya. Dokonano przeglądu materiałów, omówiono kierunek dalszych prac i podpisano umowę. Nakręcenie nowego filmu natychmiast rozpoczęło się z udziałem baletu Alli Dukhova „Todes”. Płyta, projekt został przygotowany; rozpoczęły się reklamy, ukazał się debiutancki album. Powstał serwis mający na celu wprowadzenie niezwykłego gatunku muzyki instrumentalnej. Teledyski zaczęły być wyświetlane w telewizji, ponadto DiDuLa wzięła udział w oryginalnym programie Dmitrija Dibrowa „Antropologia”, w którym udało im się zidentyfikować, porozmawiać i zapoznać widzów z nagraniem. Potem rozpoczęła się poważniejsza sprzedaż albumu.
Ten okres twórczości DiDuLi wiąże się również ze znajomością gwiazd o naprawdę ważnej wielkości: Placido Domingo, Bryana Adamsa. Pojawia się pomysł współpracy z Abrahamem Russo, celem jest napisanie kilku piosenek, DiDuLya występuje jako kompozytor, aranżer i producent. Praca idzie strasznie dobrze w parze z Siergiejem Migaczowem, Abrahamem Russo i DiDuLi i przekłada się na plan na dużą skalę. Poszerza się krąg znajomości z artystami, w pracę zaangażowani są młodzi wykonawcy, ludzie są bystrzy i ciekawi. Działalność turystyczna się rozwija, pojawiają się nowe miasta i kluby. Podczas tych tras nabywane są nowe instrumenty, a także umiejętności i pomysły, które sprzyjają kreatywności.
Powstaje album „Droga do Bagdadu”. W relacjach z Prigogine i jego firmą "Knox Music" pojawiają się komplikacje. W tym samym czasie był znajomy z Andriejem Konczałowskim i kręcenie DiDuLi w jego filmie „Dom głupców”. Podczas kręcenia DiDuLa współpracowała z Bryanem Adamsem, który wciąż brał udział w filmie. W filmie DiDuLa grał gitarzystę, łatwiej powiedzieć – grał samego siebie. Zaczęły pojawiać się pirackie kopie płyt – oczywiście jedyna forma uznania dla artysty. Na jednym z koncertów DiDyuLi Dmitrij Malikov zaprosił go do wspólnego wydania utworu instrumentalnego. DiDuLa zgodził się, że pomysł na dzieło narodził się dość szybko, dlatego powstała kompozycja „Satin Shores”. W tym samym duchu nawiązała się współpraca z Christiną Orbakaite, narodziła się wspólna kompozycja.
Geografia występów DiDuLi rozszerza się, kolejność jest coraz wyższa. Udział w programach telewizyjnych i różnych koncertach trwa. Nadchodzi okres poważniejszej pracy koncertowej i DiDuLa postanawia założyć własny zespół, własną grupę. Rozpoczyna się set: zapraszani są basista (Yaroslav Oboldin), klawiszowiec (Alexander Leonov), perkusista (Kirill Rossolimo), inżynier dźwięku (Boris Solodovnikov). Grupa na próbach, przygotowywany jest program, składający się częściowo z nowego, częściowo z stara muzyka zaktualizowany o nowe kolory. Jest poszukiwanie jego stylu, kontynuacja eksperymentów studyjnych.
Przeczytaj także biografie znanych osób:
Valery Kipelov Valery Kipelov
Zabierając ze sobą swój niepowtarzalny głos z grupy, zabrał też armię fanów Arii. Ci, którzy zmienili napisy na koszulkach, ale nie zmienili koloru ubrań i długo ..
Valery Kiselev Valery Kiselev
Valery Kiselev to słynny moskiewski klarnecista jazzowy i saksofonista, w przeszłości członek najlepszych big bandów w Rosji, teraz sam lider.
Walerij Kowtun Walerij Kowtun
Można pozazdrościć talentu Walerego Kowtuna. Od 1980 roku stworzył zespół instrumentalny, w skład którego wchodził Ivan Yurchenko, ..
Valery Kuras Valery Kuras
W przeszłości uznany okulista i odnoszący sukcesy biznesmen, kolekcjoner zabytkowych rzadkich samochodów i miłośnik nurkowania ekstremalnego, ...
Dzień dobry, obywatele!
Chcę opowiedzieć o innym utalentowanym muzyku. Chociaż kiedy pierwszy raz go usłyszałem, nie pomyślałbym, że jest z Białorusi. Wydawało mi się, że był Hiszpanem lub innym wschodnim krajem. Zmyliła mnie jego muzyka: „Arabica”, „Isadora”, „Flamnenko”, „Hiszpania”, „Pociąg do Barcelony”, „Droga do Bagdadu”, „Leila” itp.
Postaram się jak zwykle krócej :) opowiedzieć o tym. Jeśli chcesz wiedzieć więcej, w Internecie jest wiele informacji o nim. Lepiej jednak posłuchać.
Walerij Michajłowicz Didyulya(24 stycznia 1969, Grodno) - Białoruski gitarzysta i kompozytor, lider grupy DiDuLya. Wykonuje muzykę folkową i fusion.
Didula urodziła się w Grodnie. To białoruskie miasto jest piękne swoją architekturą i bogatymi tradycjami muzycznymi. W pobliżu przebiegają granice z Polską i Litwą, co skutkuje wspaniałą interakcją kulturową. W mieście mieszka wiele narodowości: Polacy, Żydzi, Litwini, Białorusini, Rosjanie, Ukraińcy. Miasto jest ciekawe, przyjemne, pozostały po nim tylko ciepłe wspomnienia.
Pierwszą gitarę DiDuLe podarowała mu matka, gdy miał pięć lat. Zainteresowanie instrumentem było niezwykłe, może dlatego, że ktoś ciągle brzdąkał na gitarze na podwórku, a może dlatego, że pociągała go muzyka w ogóle. Jak każde dziecko, DiDuly miał w dzieciństwie wszelkiego rodzaju gramofony, co również miało dość silny wpływ. Wraz z pierwszą gitarą przyszły pierwsze dyskretne eksperymenty z dźwiękiem: na gitarze umieszczono czujnik, uruchomiono domowe wzmacniacze, zrobiono wszelkiego rodzaju gadżety. Dla DiDuLi rozpoczął się okres kursów gitarowych: nauczyciel pokazał, jakie akordy istnieją, jak grać, jakie są maniery i techniki grania. To był początek, pierwsze kroki w opanowaniu gitary. 
Po pewnym czasie DiDuLa dowiedziała się, że w białoruskiej telewizji odbywa się konkurs, na który zaproszono ciekawych młodych wykonawców różnych gatunków. Jeśli zdasz rundę kwalifikacyjną, otworzą się wspaniałe perspektywy. Postanowił spróbować, a po zebraniu rzeczy i narzędzi z Dimą Kurakulovem udał się do innego miasta, w którym odbył się konkurs. DiDuLa i Dima przeszli eliminacje, po których zostali zaproszeni do strzelania. To była świetna inspiracja, przygotowania do zdjęć były bardzo poważne. Ku jego zaskoczeniu, po zagraniu kilku swoich zwykłych akustycznych rzeczy, DiDuLa wyruszył w następną trasę i dostał się na koncert galowy. To było wielkie zwycięstwo i sukces - spełniło się marzenie licznie zgromadzonej publiczności. W tym samym miejscu odbywały się znajomości z zawodowymi reżyserami i redaktorami, pomagali, dzielili się własnymi doświadczeniami, wskazywali do czego należy dążyć i w jakim kierunku pracować. Ważną rolę w promocji DiDuLi na konkursie odegrał utalentowany białoruski kompozytor Oleg Elisienkow. Jego pomoc była po prostu nieoceniona, jego rady były trafne i pomocne.
Ale zakres pracy inżyniera dźwięku staje się zbyt wąski dla DiDuLi – chcesz robić to, co kochasz – gitarę, kompozycję, dźwięk, aranżację, własną, autorską muzykę. A na zaproszenie biznesmena i pianisty Igora Bruskina przenosi się do Mińska. Bruskin jest właścicielem salonu muzycznego, który sprzedaje różne instrumenty. DiDula zajmuje się tam konsultacjami i sprzedażą, pracuje z różnorodnym sprzętem muzycznym, często jeździ do Moskwy, gdzie wchodząc w interakcje ze studiami nagraniowymi, salami koncertowymi i innymi organizacjami muzycznymi, gdzie ten sprzęt był dostarczany, zdobywa przydatne doświadczenie.
Nagle, w następstwie konkursu telewizyjnego, na bardzo dużym festiwalu zorganizowano „Słowiański Bazar” mały program, gdzie zaproszono wszystkich artystów biorących udział w konkursie telewizyjnym. Wreszcie można było poważniej wypowiadać się o sobie – festiwal był transmitowany do wszystkich krajów WNP, a także do Polski, krajów bałtyckich i Bułgarii. Daje to DiDule wielką zachętę do dalszej pracy w kierunku, w którym zmierzała, budowania jasnej pozycji - robienia muzyki instrumentalnej, gitarowej, gitarowej estetyki i to wszystko z niewielkim wpływem muzyki ludowej. Również DiDuLa próbowała do pewnego stopnia miksować muzykę elektroniczną. Zwiedzanie Slavianskiego Bazaru pozostało dobrą tradycją nawet po przeprowadzce DiDuLa do Moskwy. Ten okres jest typowy dla DiDyuLi poprzez ścisłą współpracę z lokalnymi choreografami, tworząc niezwykłe i ciekawe numery.
Ale Moskwa kusi swoją różnorodnością i wspaniałymi perspektywami. Didula ciepło żegna się z Igorem Bruskinem i przenosi się do Moskwy. Na początku było bardzo ciężko – w końcu stolica jest bardzo specyficzna – ma swoje zwyczaje, zasady, tradycje. Dla gościa to zupełnie niezwykłe i nieznane miasto, inni ludzie. Ale cel, upór w jego osiągnięciu i wiara w sukces bardzo pomogły przezwyciężyć trudności. Rozpoczął się okres Arbatu - występy uliczne, ale nie obdartego artysty ulicznego, ale profesjonalnego muzyka o dobrej technice i wyglądzie, który grał przede wszystkim dla własnej przyjemności. Tutaj DiDula spotkał wiele osób, w tym Siergieja Kuliszenko, w tym czasie zajmował wysoką pozycję handlową. Wprawdzie DiDula nie miał łatwo zbliżyć się do nieznajomych, ale na tle pojawiających się trudności musiał dokonać wyboru: albo zadzwonić do jednej z poznanych osób, albo wyjechać z Moskwy. 
Pierwszą osobą, do której DiDuLya zadzwonił, był Siergiej Kulishenko. Sergey chciał nauczyć się grać na gitarze, więc DiDuLi dostał swojego pierwszego ucznia. Sergey wykazał również zainteresowanie działalnością DiDuLi, pomógł z obudową i instrumentami, zapłacił za pierwsze profesjonalne nagranie w studiu wspaniałej gitarzystki May Lian. Wysokiej jakości domowe studio nagraniowe wyznaczyło kierunek dalszej pracy DiDuLi. Nagranie Mei Lian było znakomite – nagrano osiem utworów, technicznie wszystko było na najwyższym poziomie, choć artystycznie – nie. DiDuLa bardzo ciepło wspomina komunikację z Mei Lian, utalentowaną gitarzystką i kompozytorką, dobrą nauczycielką i szanowaną przyjaciółką. DiDuLa wraz z Siergiejem zaczęli rozwijać kwestię stworzenia własnego domowego studia nagraniowego, eksplorowali rynek sprzętu muzycznego. Powstał zestaw sprzętu, który zainstalowano w wiejskim domu Siergieja. Rozpoczęła się poważna systematyczna praca w zakresie dźwięku, gitary, ćwiczeń, zajęć, poszukiwań. Rozpoczęła się ciekawa znajomość z popularną grupą muzyczną Arkady. Był to interesujący muzyk, piosenkarz, kompozytor z Samary; rozpoczęły się wspólne występy klubowe z DiDuLei.
Ten okres twórczości DiDuLi kojarzy się również ze znajomością gwiazd prawdziwie światowej klasy: Placido Domingo, Bryana Adamsa. Jest pomysł na współpracę z Abrahamem Russo, celem jest nagranie kilku piosenek, DiDuLya występuje jako kompozytor, aranżer i producent. Praca przebiega bardzo dobrze w parze z Sergeyem Migachevem, Avraamem Russo i DiDyuLi, czego efektem jest projekt na dużą skalę. Poszerza się krąg znajomości z artystami, w pracę zaangażowani są młodzi wykonawcy, ludzie są bystrzy i ciekawi. Działalność turystyczna się rozwija, pojawiają się nowe miasta i kluby. Podczas tych tras zdobywane są nowe instrumenty, a także doświadczenie i pomysły, co sprzyja kreatywności. 
Narodził się album „Droga do Bagdadu”(Na melodii z tego albumu nakręcono teledyski „Leyla” i „Arabica”). . W relacjach z Prigogine i jego firmą "Knox Music" pojawiają się komplikacje. W tym samym czasie był znajomy z Andriejem Konczałowskim i kręcenie DiDuLi w jego filmie „Dom głupców”. Podczas kręcenia DiDuLa współpracowała z Bryanem Adamsem, który również brał udział w filmie. W filmie DiDuLa grał gitarzystę, czyli grał samego siebie. Zaczęły pojawiać się pirackie kopie płyt - niewątpliwie jeden z rodzajów rozpoznania artystów. Na jednym z koncertów DiDuLi Dmitrij Malikov zaprosił go do wspólnego wydania utworu instrumentalnego. DiDuLa zgodził się, że pomysł na dzieło narodził się dość szybko, dlatego powstała kompozycja „Satin Shores”. W tym samym duchu nawiązała się współpraca z Christiną Orbakaite, narodziła się wspólna kompozycja.
DiDula stara się urozmaicać i wzbogacać paletę dźwięków w wykonywanych utworach, aby jego muzyka była nie tylko piękniejsza, dynamiczna, żywa, ale także bliska i zrozumiała dla ludzi. Idea potrzeby stworzenia własnej grupy – zespołu ludzi o podobnych poglądach – pojawia się coraz częściej, bo tylko ze stałym składem można swobodnie podróżować po kraju i koncertować, nie dostosowując się już do pracy harmonogram zaproszonych muzyków. DiDula zaczyna po kolei szukać i selekcjonować ludzi, z którymi można by dzielić wszystkie radości i trudy życia „na kołach” – życia często koncertującego artysty. Ci, z którymi można przejść na nowy etap kreatywności. Rozpoczynają się występy: gitarzysta basowy Yaroslav Oboldin, klawiszowiec Alexander Leonov, perkusista Kirill Rossolimo, inżynier dźwięku Boris Solodovnikov, perkusista Andrey Atabekov. Zespół na próbach, przygotowywany jest program, składający się częściowo z nowej, częściowo ze starej muzyki, uzupełniony o nowe kolory. Jest poszukiwanie własnego stylu, kontynuacja eksperymentów studyjnych. 
"Legenda"(2004) - pierwsza płyta nagrana przez zespół. W tym samym 2004 roku z powodzeniem odbył się największy solowy koncert DiDuLi w Petersburgu. Sala koncertowa Oktiabrsky, zaprojektowana dla 4000 widzów, była przepełniona. Na oficjalnej stronie Oktyabrsky'ego nadal można zobaczyć plakat DiDuLi po słowach „… i nowe nazwiska wznoszą się do gwiaździstego nieba”
W 2005 roku w Moskwie odbywa się triumfalny koncert na scenie Centralnej Sali Koncertowej Rossija. Występ w jednej z tak znanych i dużych sal to wielki sukces i wielkie osiągnięcie dla każdego artysty. Niewątpliwie koncerty w tych miejscach to także znaczące wydarzenie w historii zespołu, do którego jeżdżą od dawna i pilnie się przygotowują.
Rok 2006 był bardzo owocny. Jednocześnie ukazały się 2 albumy: „Jaskinia MiastoINKERMAN", z którego nakręcono klip do jednej z kompozycji o tym samym tytule, oraz „Kolorowe sny”.
Kolejne zostały wydane 2 płyty z serii "Grand Collection" (Audio CD - kolekcja 19 utworów i CD z mp3).
W popularnym formacie muzycznym mp3 najwyższej jakości wszystkie albumy DiDyuLi wydane w tym czasie zostały przetłumaczone, zaczynając od Flamenco kończący się „Jaskinia Miasto” Tutaj znajdziesz również wszystkie klipy i 2 klipy wideo z koncertu na żywo «Zamieszkaj w Moskwie» nakręcony w Państwowej Centralnej Sali Koncertowej „Rosja”. Pełna wersja mp3 ten koncert również obecne na dysku. Długo oczekiwane DVD jest już w sprzedaży. «Zamieszkaj w Moskwie»(oraz wersję koncertu na płycie Audio CD), która jest zapisem wideo z koncertu w Moskwie.
Kompozycje z nowych albumów, takich jak „Inkerman Cave City”, „Parcel from Romania”, „In Exile”, „Circle Dance”, „Colored Dreams” znalazły się w zaktualizowanym programie koncertowym grupy, z czego muzycy po raz pierwszy się ucieszyli publiczność 2 czerwca 2007 w Moskwie (koncert w Moskiewskim Teatrze Artystycznym im. Gorkiego).
Ekscytacja wokół albumu nie ma czasu opuścić „Kolorowe sny”, jak już w maju 2007 wychodzi nowy album „Muzyka z niezrealizowanego filmu” nagrany z towarzyszeniem orkiestry symfonicznej. Album „Muzyka z niezrealizowanego filmu” stał się najbardziej nieoczekiwanym i najczęściej dyskutowanym projektem grupy na stronie.
Popularność muzyki DiDuLi rośnie, a zatem rozwija się geografia tras - teraz jest to nie tylko Rosja, ale także Blisko za granicą i krajów europejskich.
Grupa bierze udział w „Song of the Year” na Białorusi - muzycznym wyniku roku, organizowanym przez firmę telewizyjną ONT, której nazwiska uczestników są tradycyjnie określane na podstawie wyników rankingu czołowego FM w kraju stacje radiowe.
Muzyka DiDuLi została wykorzystana jako ścieżka dźwiękowa do filmu Aleksieja Kołmogorowa „Zdjęcie mojej dziewczyny". Również reżyser Kołmogorowa kręci nowy teledysk - do kompozycji „Pociąg do Barcelony".
11 marca 2008 podpisano umowę z British Broadcasting Corporation BBC na wykorzystanie dwóch utworów DiDuLi z albumu Kolorowe sny: „Odległe miasto”, „Kolorowe sny”. Utwory zostaną użyte przez BBC w pięcioodcinkowym filmie dokumentalnym „Rosja – podróż z Jonathanem Dimbleby” - „Rosja - Podróż z Jonathanem Dimbleby”(producent - George Carey, scenariusz - Jonathan Dimbleby, firma produkcyjna Mentorski Media).
Data publikacji: 12 października 2009
Jeśli poprosisz pierwszą napotkaną na ulicy osobę o wymienienie najsłynniejszego rosyjskiego gitarzysty, to z pewnością odpowiedź „DiDuLa” będzie dominować nad innymi odpowiedziami. Liczne koncerty, transmisje telewizyjne, albumy i DVD sprawiły, że DiDuLu jest jednym z najbardziej popularni artyści Rosja. Jednocześnie najbardziej zaskakujące jest to, że DiDuLa gra wyłącznie muzykę instrumentalną - gatunek, który nie jest zbyt popularny w porównaniu z formą piosenki. Może nie ostatnia rola styl grany wykonane prace: flamenco, łaciny i po prostu akustyczne muzyka gitarowa w nowoczesnych, modnych aranżacjach.
W ekskluzywnym i niezwykle zabawnym wywiadzie dla serwisu, gitarzysta DiDuLa dzieli się swoimi przemyśleniami na temat występów, pracy w studiu, muzyki instrumentalnej i jej promocji.
Dlaczego zacząłeś uczyć się grać na gitarze? Rodzice zmuszeni?
Nie, rodzice mnie nie zmuszali, sam przyszedłem na gitarę. Podobała mi się muzyka, podobało mi się dzwonienie strun, podobał mi się sam instrument, który jest dość popularny. Łatwo było nosić ze sobą, można było wyjść z gitarą na podwórko... Wszystko to wpłynęło na mnie i zrobiło na mnie wrażenie. Poprosiłem więc rodziców, żeby kupili mi gitarę. Kupili mi dość prostą gitarę i od tego czasu zaczęła się moja pasja do tego instrumentu. Zajmowałem się samokształceniem i powoli, milimetr po milimetrze, sam robiłem postępy w nauce gry na gitarze.
Do dziś uważam się za studenta, do dziś uczę się instrumentu. To jest Wielki Kosmos, wielka głębia. Te sześć strun zawiera tyle niuansów, tyle kolorów – cały świat. Gitara to niesamowita, cudowna, wyjątkowa droga, którą przemierzałem całe życie.
Już w dość młodym wieku, w wieku 6-7 lat, miałem gitary dziecięce. Kiedy dorosłam, zaczęły pojawiać się poważniejsze instrumenty. Była klasyczna Cremona.
A w wieku 12-14 lat już całkowicie świadomie grałem na instrumencie, studiowałem go, uczyłem utworów, przy akompaniamencie piosenek.
Kiedy zacząłeś uczyć się gry na gitarze, który muzyk był twoim idolem?
Jak zawsze na początku podróży, pierwszymi nauczycielami byli przyjaciele na podwórku, którzy grali kilka piosenek Wysockiego, Time Machine, Sunday, the Beatles - dla mnie byli pierwszymi idolami. A potem zaczęły się pojawiać zapisy i inne informacje. Dużo rozmawiałem i czytałem. I zacząłem poznawać innych znanych muzyków - muzyków klasycznych, rockowych, flamenco i wykonawców jazzowych. I różni gitarzyści w różnym czasie wpływali na mnie na różne sposoby.
Kiedyś uderzył mnie dźwięk Andresa Segovii, Manolo Sanlúcar uderzył mnie swoim myśleniem kompozytorskim i wykonaniem muzyki flamenco, potem pojawiły się nagrania, na których studiowałem twórczość Paco de Lucia. W muzyce rockowej bardzo lubiłem Ritchiego Blackmore'a, Angusa Younga. W muzyka jazzowa pod wrażeniem Django Reinhardta i Luisa Salinasa. W muzyce klasycznej Julian Brim. W ciekawej muzyce autorskiej - Tommy Emmanuel. I tak dalej i tak dalej. Nazwisk jest wiele, a wśród nich są nie tylko gitarzyści, ale w ogóle muzycy, grający w dowolnym stylu i kierunku. Wszyscy oni wpłynęli na mnie nie tylko jako gitarzystę, ale także jako osobę piszącą muzykę.
Poza tym wszystko, co mnie otacza, silnie wpływa na mnie jako kompozytora: przyroda, komunikacja, ludzie, filmy, ciekawa książka, którą czytam, zabawne sytuacje, które gdzieś zauważam. A moja nadwrażliwość, obserwacja i, jeśli można to tak nazwać, wgląd odgrywają dużą rolę. Wokół dostrzegam wiele ciekawych i różnych sytuacji, niezależnie od tego, czy są one w zwyczajne życie, w przyrodzie lub w fantazji. A potem zamieniam to wszystko w muzykę.
Więc nie tylko gitarzyści mają na mnie wpływ, nie tylko ludzie – całe życie, które mnie otacza, robi na mnie wrażenie i ma na mnie wpływ.
Wielu gitarzystów godzinami ćwiczy grę na gitarze. Czy jesteś jednym z nich? Czy jest na to czas?
W młodości, kiedy dopiero uczyłem się gry na gitarze, młodzieńczy maksymalizm pozwalał mi grać na gitarze przez wiele godzin, ćwiczyć trochę technika, aby poszukać, jak połączyć je z twoją fizjologią, znaleźć swoje granice, swoje ograniczenia. Chciałem osiągnąć nie tylko muzyczne, ale i „sportowe” wyżyny.
Z biegiem czasu dostałem swój własny bagaż techniczny, pewne „chipy”, które są dla mnie unikalne. Ale także zidentyfikowano te metody, które nie były dla mnie dostępne ze względu na pewne okoliczności. Przez wiele godzin przestałem skupiać się na poważnym graniu i zacząłem poświęcać więcej czasu na komponowanie i granie utworów muzycznych. Oznacza to, że ćwiczenia, skale i niektóre sztuczki w grze poszły mi na dalszy plan, a sama gra w muzykę wyszła na pierwszy plan. Biorę kawałek i gram go po trochu, starając się usunąć z niego wszystko, co zbędne. Jako kompozytor, jakkolwiek dziwnie to zabrzmi, interesujące jest dla mnie osiągnięcie pewnego rodzaju prostoty w muzyce.
Niezbyt lubię, kiedy muzyk, aby opowiedzieć historię, przekazać ciekawy pomysł muzyczny, musi się bardzo wysilać i grać szybkie pasaże, arpeggia. Chcę, aby muzyka była niezwykle prosta, zrozumiała, szczera i klarowna. Aby każdy początkujący muzyk, który dopiero niedawno zapoznał się z instrumentem, mógł na nim grać. To dla mnie super zadanie, dużo trudniejsze niż długie i techniczne filozofowanie na instrumencie z dużą liczbą wydobytych nut. Staram się osiągnąć prostotę w swojej muzyce.
Oczywiście nie zawsze jest to możliwe. W koncercie jest wiele utworów dość skomplikowanych technicznie, w których nie brakuje momentów eksperymentalnych. Ale to wszystko w ramach koncertu. Kiedy piszę album studyjny, staram się usunąć wszystkie niepotrzebne notatki, wszelkie niepotrzebne komplikacje.
Jak pokazała praktyka, ta ścieżka jest interesująca i złożona, ponieważ bardzo, bardzo trudno jest osiągnąć prostotę.
Właściwie dlatego staram się nie ćwiczyć godzinami, tylko poświęcić ten czas na komponowanie. Znalezienie unikalnego współbrzmienia, unikalnej frazy okazało się trudnym zadaniem. To właśnie dedykuję bardzo swoich czasów, zarówno na próbie, jak i w studiu.
Powiedz mi, czy DiDuLya sprzed dziesięciu lat bardzo różni się od obecnego DiDuLi?
Oczywiście dziesięć lat nie poszło na marne. Było pewne doświadczenie, zarówno w produkcji, jak iw sferze menedżerskiej. Nowa wiedza pojawiła się na polu studyjnym, w pracy kompozytorskiej... Wydano osiem instrumentalnych albumów gitarowych, odbyło się wiele koncertów.
Ale jednocześnie wiele jeszcze nie zostało zrobione. Wciąż jest wiele szczytów, na które nadal chcesz się zdobyć.
Ścieżka, którą podążamy z moim wspaniałym zespołem, jest ciekawa i jasna. Dajemy muzykę słuchaczowi. To złożona i ciekawa sprawa i chętnie o tym opowiadam.
Która z gwiazd świata jest ci najbliższa duchowo?
Nie myślę o światowych gwiazdach, znanych artystach... Lubię duża liczba zupełnie inni muzycy i style. Jeśli mogę tak powiedzieć, mam szeroki zakres akceptacji - jest to muzyka akademicka i klasyczna, folklor, i nowoczesna klubowa elektronika, gitara-eksperymentalna i awangardowa.
Jeśli nie rozumiem jakiegoś stylu lub kierunku, staram się to rozgryźć. Jeśli, powiedzmy, pojawi się jakiś rodzaj muzyki perkusyjnej z Wysp Polinezyjskich, zaczynam się zagłębiać w to, co to za muzyka i dlaczego tak mi się nie podoba. Staram się to zrozumieć, zrozumieć, jak jest zbudowana, co jest jej główną atrakcją. Rozumiem, że to wszystko jest zbudowane na rytmach, na dźwiękach perkusji, że jest polirytm – kilka przecinających się rytmicznych wzorów, które się uzupełniają. I po chwili zaczynam cieszyć się taką muzyką.
Jeśli pojawiają się jakieś nowe trendy w muzyce trance, w kulturze klubowej, zaczynam się w to zagłębiać. Nie jest to takie trudne, a wystarczy mi kilka godzin, aby posłuchać, zrozumieć, przestudiować, a potem cieszyć się najciekawszymi, barwnymi eksperymentami w tej dziedzinie.
Dotyczy to każdego stylu, każdego kierunku. Nie zamykam się na muzykę, której nie lubię, staram się ją zrozumieć i zrozumieć. I w mojej pracy jako kompozytora, producenta i działalność zawodowa to bardzo pomaga.
Takie jest więc moje podejście do muzyki i kultury światowej. Całą muzykę dla siebie dzielę na dwie kategorie - dobra muzyka i zła muzyka. Na tym, który mnie „lgnie” i tym, który nie „lgnie”.
Czy komponowanie muzyki jest dla ciebie łatwe? A może męczysz się nad każdą nutą?
No wiesz, to jest inne. Niektóre prace są pisane natychmiast, natychmiast. Teraz powiem coś wyjątkowego. Zdarzają się sytuacje, że od skomponowania muzyki do masteringu gotowego utworu mija pięć lub sześć godzin. To niesamowite, ale to prawda. To znaczy biorę instrument, pomysł od razu pojawia się w mojej głowie, od razu dzwonię do inżyniera dźwięku, przychodzi do mojego domowego studia, od razu stawiamy mikrofony, nagrywam, gram drugą część, trzecią, potem wszystko przychodzi w dół i jest gotowy na wieczorny tor główny. Wszystko gotowe!
Czasami są prace, których wykonanie zajmuje lata. Widzisz, czasami kilka godzin, czasami kilka lat. Ponieważ moje wewnętrzne uczucia się zmieniają.
Mam dużo rozwinięć, fragmentów, fraz muzycznych. Coś zagrano, coś włożono do szuflady. Proces ten jest nieprzewidywalny i nie ma jasno określonych ram.
Wszystko jest bardzo indywidualne. Czasem proces komponowania jest bolesny, a czasem praca łatwo opuszcza pióro.
Czy można komponować muzykę tylko dlatego, że musi być nagrana do poniedziałku?
Wiesz, jeśli robisz to z zainteresowania sportem, to oczywiście możesz. Tutaj nie ma problemów, bo kiedy przez całe życie komponujesz, nagrywasz, masterujesz technologie studyjne, znając wszystkie metody i techniki, możesz zrobić wszystko. Ale wynikowa praca nie będzie wewnętrznie powiązana ze mną. Nie wiadomo, czy ta muzyka zagości w sercach słuchaczy.
Ale technicznie takie zadanie jest wykonalne. Powiedzmy, że każą mi zrobić piękną do poniedziałku liryczna ballada, od razu usiądę, skomponuję w kilka minut, spiszę i wymieszam w kilka godzin. Nie ma problemów. Ale czy w ogóle trzeba to zrobić?
Nie piszę na zamówienie i nigdy tak nie pracuję. Kiedy reżyserzy i producenci filmowi zwracają się do mnie jako kompozytora z pytaniem, czy można napisać taki a taki temat, czy nie, mówię nie, nie będę pisać na zamówienie. Ta muzyka nie będzie miała takiego stopnia szczerości, do jakiego przywykłem w życiu i pracy. A więc, chłopaki, jeśli chcesz zabrać moją muzykę, weź ją, posłuchaj moich albumów - i z Orkiestra symfoniczna, a także z grupą i z solową gitarą. A potem wybierz. Jeśli wybierzesz coś do swojego filmu, będę tylko szczęśliwy. Zwykle tak się dzieje – muzyka w kinie, w teatrach, w produkcjach, w sporcie pochodzi już z płyt, nagranych. Ale nie pisałem na zamówienie i nie zamierzam pisać.
Czy jesteś dobrze zorientowany w nowoczesnych technologiach nagrywania?
W mojej muzyce odnalazłem swój styl, technikę gry, instrumenty i oczywiście opracowałem własną technologię nagrywania dźwięku. Mam własną, jak nikt inny, zasadę nagrywania muzyki. Pewne mikrofony, gitary, metody pracy. To swego rodzaju tajemnica – moja zawodowa, techniczna, muzyczna tajemnica, jakkolwiek chcesz to nazwać. Ponieważ od wielu lat zajmuję się nagraniami studyjnymi, rozumiem oczywiście współczesne technologie nagraniowe, ale powtarzam: moja technologia jest trochę inna od ogólnie przyjętej. Mój algorytm pracy jest dla mnie bardzo wygodny i skuteczny, pozwala urzeczywistniać każdą moją fantazję.
Czy podczas komponowania i aranżacji używasz komputera? Z jakich programów korzystasz?
Oczywiście nowoczesne technologie komputerowe, sekwencery, biblioteki dźwięków i moduły – wszystkie dobrodziejstwa, jakie przyniosła nam cywilizacja, w pełni wykorzystuję. Wszystko jest aktywnie wykorzystywane: zarówno sprzęt analogowy, jak i cyfrowy, urządzenia lampowe i wszelkiego rodzaju sposoby nagrywania dźwięku. Złota era rejestracji dźwięku, która przypadła na lata 60. i 70., przyniosła w tej dziedzinie wiele odkryć, które dość dokładnie przestudiowałem. Jak rozmieścić mikrofony podczas nagrywania, jakie techniki stosuje się do kompresji i korekcji sygnału – to wszystko studiowałem w młodości, a potem zacząłem to stosować w praktyce, w pracy. Więc oczywiście nowoczesne technologie używane ciasno.
Jeśli chodzi o używane programy, jest ich kilka. Z reguły są to Cubase i Nuendo na PC. Ogólnie rzecz biorąc, ta lub inna praca wymaga innego podejścia „oprogramowania”. Bardzo podoba mi się specyficzny czas pobierania próbek w programie ACID. To jest unikalny algorytm, dzięki niemu możesz osiągnąć ciekawy wynik. Istnieje kilka innych programów z różnymi "chipami", które są używane w różne sytuacje. Pomaga mi w tym wspaniały zespół inżynierów dźwięku, ale znowu sam się w to zagłębiam. Muszę znać całą naturę dźwięku – od momentu wydobycia, po jego digitalizację z zadaną głębią bitową i uderzenie w taśmę analogową. Każde nagranie, każdy utwór i każda zagrana nuta przechodzą przez moją osobistą, skrupulatną kontrolę. Jeśli mogę tak powiedzieć – państwowa akceptacja. Posłuchajcie, przyjaciele, moich kompozycji, a poczujecie to w każdej nucie. Usłyszysz nie tylko rozwiązania kompozycyjne, ale także aranżacyjne, techniki nagraniowe.
Na jednym z ostatnich albumów, który powstał z orkiestrą symfoniczną, generalnie wykonano tytaniczne dzieło. Ale wynik był wspaniały. Cieszę się, że ten album ujrzał światło dzienne.
Jak nagrywasz gitarę w studiu?
Różnie. Jeśli jest to gitara prowadząca o jasnym, specyficznym brzmieniu, to używany jest określony zestaw mikrofonów. Jeśli gitara ma stłumiony, niski i głęboki dźwięk i jest używana w partiach towarzyszących, to stosuje się inne mikrofony. Czasami używany jest stereofoniczny przetwornik dźwięku gitary. Czasami możesz poeksperymentować z przetwornikiem piezoelektrycznym. Możesz spróbować nagrywać kombinacją, ale możesz też w linii. Istnieje również podwójny tor. Oznacza to, że wszystko zależy od konkretnego zadania. Jest tak wiele sposobów na nagrywanie! Na szczęście dla mnie, jako aranżera, kompozytora i osoby rozumiejącej technologie studyjne, ostateczne brzmienie danego utworu jest już znane z góry. To znaczy, kiedy komponuję, wiem już, jaki powinien być dźwięk, jaką techniką zostanie nagrana ta czy inna gitara i jakie struny mają być na niej ustawione. Znam ton, znam tempo. Tempo jest bardzo ważne! Ważne jest, aby wiedzieć, czy mapa tempa zostanie napisana, czy wszystko zostanie napisane ad libitum. Wszystko to wiadomo z góry, a w wyniku nagrania uzyskuje się dobry, wysokiej jakości utwór muzyczny. Oczywiście zdarzają się awarie, ale w każdym razie jasne wyobrażenie o tym, jak zostanie wykonane nagranie i odpowiedni dobór mikrofonów gwarantuje sukces.
Czy planujesz wydać? przewodniki po studiach, w tym szkoły wideo, na gitarę?
Chodzi o to, że jestem złym nauczycielem. I jest jeszcze jedna funkcja. Znalazłem swój własny, niepodobny do żadnego innego stylu, moją technikę gry, niezbyt akceptowaną w szkole gitary klasycznej. Dlatego nie ryzykuję o tym mówić, a co dopiero uczyć. Nie ma więc planów dotyczących szkół wideo.
Ale dokładnie planuję opowiedzieć i pokazać, jak gram ten lub inny utwór, przynajmniej z tych, które są grane w programie koncertu na żywo. Wiele z nich sprawia muzykom trudności podczas występów. Czasami mówią: „Wiesz, jest to grane w taki sposób, że nie zawsze można rozpoznać, jaki dźwięk brzmi lub jaka technika ekstrakcji dźwięku jest używana”. Dlatego chcę umieścić kilka prac na półkach, pokazać, jak się gra. Poza tym chcę przygotować album z "podkładami" - fonogramami bez gitary i innymi partiami solowymi.
I nie mam szczególnej ochoty publikować podręczników. Myślę, że to nie jest konieczne. Są koncerty, są DVD… Przyjdź na koncert, gdzie możesz się uczyć i zobaczyć kim jest DiDuLa, porównać prace studyjne i na żywo.
80 procent mojej muzyki wystarczy proste prace na którym może grać każdy mniej lub bardziej wyszkolony muzyk. Kolejne pytanie, czy potrafi zagrać je rytmicznie w ten sam sposób, czy też wyczuć wybrzmienie, dynamikę dźwięku, akcent? W mikrorytmie jest wiele niuansów. Oznacza to, że jest grana, wydaje się prosta, ale jakaś nuta brzmi o setną sekundy wcześniej, jakaś później. Wydaje się, że zagrano tylko trzy nuty, ale są one grane w taki sposób, że tylko DiDula może je zagrać. Mówię to, ponieważ inni muzycy, którzy grają moją muzykę, przesyłają mi nagrania. I widzę, że grają to zupełnie inaczej. Grają te same nuty, wydają się grać wszystko dobrze, ale… nie w ten sposób. Bo mam własną wizję stylistyczną dźwięku. Oto tajemnica melodii, tajemnica samej muzyki, która z zewnątrz wydaje się bardzo prosta. A za każdą nutą kryją się doświadczenia, uczucia.
Czy uważasz, że technika gry odgrywa główną czy drugorzędną rolę w muzyce flamenco?
Tak, rzeczywiście ostatnie lata Z jakiegoś powodu muzyka flamenco kojarzy się z techniką, z szybkością gry. A jeśli posłuchasz nagrań z lat 50., 60., kiedy jakiś zwykły dziadek siedzi i gra muzykę, to zauważysz, że nie ma on takich prędkości, jak, powiedzmy, Paco de Lucia czy Gerard Nunez. Ale w muzyce flamenco, jak w każdej innej muzyce, wciąż najważniejsze są emocje, energia, szczerość. A cały sprzęt leci gdzieś na dziesiątym samolocie. To wspaniale, gdy muzyk ma technikę, ale najważniejsze jest to, że istnieje odpowiednia równowaga tej techniki z całą resztą muzycznego bagażu. Oczywiście muzyk zawsze chce popisać się swoją techniką i pokazuje ją wszędzie, w każdym utworze, tracąc samą muzykę. Dlatego lepiej nie zapominać o muzyce.
Oczywiście we flamenco potrzebna jest technika, jak w każdej innej dziedzinie. Ale to nie ona jest najważniejsza. Jeśli nie masz fizjologicznej zdolności do szybkiej gry, nie możesz nauczyć się szybkiego pasażu - nie denerwuj się, używaj tego, co możesz i zagłębiaj się w emocje, w duszę, doświadczenia. Jest to o wiele ważniejsze i oddziałuje na słuchacza znacznie silniej niż wszystkie najpiękniejsze techniki razem wzięte. szybka technika można słuchać dokładnie przez pięć minut, a potem słuchacz ma pytanie – gdzie właściwie jest muzyka? Gdzie jest melodia?
Ale żeby wyrazić swoje emocje w muzyce, trzeba mieć bardzo dużo – określoną pozycję życiową, szerokie spojrzenie, rozumieć, co konkretnie chce się wyrazić w dziele, a to już jest praca wewnętrzna, duchowa. Dla każdego nauczyciela głównym zadaniem jest nauczenie ucznia duchowej, empatycznej gry. A potem technologia.
I jest jeszcze jedna chwila. Nie każda osoba ma fizyczną zdolność do szybkiej, technicznej i wyraźnej gry. Ręce każdego są ułożone inaczej, są pewne braki w mięśniach, w reakcji. Jeśli wszyscy spojrzymy w górę na Paco de Lucia i przyjrzymy się, jak szybko gra, pomyślimy, że nam się nigdy nie uda... I opadną nam ręce. To będzie duży błąd. Paco de Lucia to przede wszystkim głęboki muzyk, choć swego czasu poświęcał wiele czasu swojej technice gry. I niestety stał się zakładnikiem tej swojej techniki. W większym stopniu muzycy patrzą na niego i czekają, aż zagra jakiś techniczny fragment. A kiedy zagrał to szybko, wzdychają z ulgą: „Och, Paco zagrał to szybko, więc nadal jest w formie, wszystko jest super!” A jego forma nie jest po prostu szybkością, nie płynnością, ale właśnie głębią muzyki. A technologia nie ma dla niego znaczenia, w ogóle nie traktuje jej poważnie, dla niego to tylko drugorzędny element kreatywności.
Musisz więc bardzo uważać na technologię, to podstępna i niebezpieczna rzecz.
Czy kiedykolwiek grasz jako mediator?
Potrafię grać jako mediator. Ale mam swój własny sposób grania - bawić się palcem wskazującym jako mediator. Dosłownie mam ten kilof na wyciągnięcie ręki. Moje wybieranie, ustawianie i pozycja prawej ręki pozwala mi na elastyczną grę pięcioma palcami lub jednym palcem jako plektronem. W każdej pracy, w każdym konkretnym przypadku stosuję różne metody grania. Ale nie używam mediatora na koncercie.
Jak dobrze grasz na pianinie?
Bardzo powierzchownie, bardzo źle. Oczywiście zrobię kilka konstrukcji akordowych, ale nie będę w stanie zagrać czegoś mniej lub bardziej skomplikowanego. Więc niestety nie gram na pianinie.
Ile instrumentów musisz zabrać ze sobą w trasę? Czy wśród twoich gitar jest jeden główny?
Moja grupa składa się z sześciu muzyków i wszyscy duży zestaw różne narzędzia. Niesiemy duży stos bębnów. Z reguły są to dwa werble, jedna stopa... Ustawione są triggery, które dodają elektroniczne dźwięki z modułu MIDI do akustycznego brzmienia bębnów. Trzeba mieć przy sobie duży zestaw perkusyjny – są to kongi, bongosy, cajony, talerze, rotatomy, crashe…
Oczywiście bierzemy instrumenty klawiszowe, wiele z nich. Używamy go, gdy zawarte są pewne frazy, próbki, czasem zaczyna się jakiś rodzaj odtwarzania, dodatkowe ścieżki. Oznacza to, że wykorzystywane są absolutnie wszystkie nowoczesne technologie stosowane w koncertach na żywo.
Wykonujemy instrumenty dęte, instrumenty dęte MIDI, wszelkiego rodzaju piszczałki: nai, rogi, duduky, dysze, brzęczyki. Posiadamy gitary basowe, progowe i bezprogowe, cztero-, pięcio- i sześciostrunowe. Wszelkiego rodzaju procesory efektów, przetwarzanie gitar basowych.
Jako lider zespołu mam pięć głównych narzędzi. Są to gitara elektroakustyczna Godin Grand Concert z nylonowymi strunami, znakomita gitara Taylor z metalowymi strunami, dwie gitary akustyczne mistrza Aleksandra Kozyreva oraz grecka buzuka. To mój zestaw instrumentów, który towarzyszy mi na wszystkich koncertach.
Nie mogę nazwać żadnego instrumentu głównym - wszystkie są głównymi. Wszystkie pięć barw, wszystkie pięć dźwięków jest niepowtarzalnych.
Korzystam również z systemu radiowego. Przetwarzaniem sygnału zajmuje się inżynier dźwięku. Soundcheck zajmuje bardzo dużo czasu. W koncert instrumentalny wszystko zbudowane jest na dźwięku, na decyzjach aranżacyjnych. A na koncercie, który trwa 2,5-3 godziny, jakość dźwięku gitar i całego zespołu jest traktowana bardzo poważnie. Nasz jeździec techniczny jest jednym z najtrudniejszych w Rosji, ale z reguły udaje się to naszym promotorom i tour managerom. Aby specjalne problemy z dźwiękiem nie testujemy. Nasze koncerty są bardzo jasne, ciekawe, efektowne. Miło mi o tym mówić, bo wykonywane są na światowym poziomie, co potwierdzają nasi koledzy z Ameryki, z Niemiec, którzy byli na naszych koncertach. Właściwie wszystko to znajduje odzwierciedlenie w naszych płytach DVD, które co jakiś czas wydajemy.
Gdzie kupujesz swoje gitary?
Dzieje się inaczej. Czasami przez przypadek mogę je kupić w trasie. Czasami wykonuje je wspomniany już mistrz Aleksander Kozyrew. Czasami kupuję gitary na eBayu na ślepo. Jeśli zobaczę kolegów unikalny instrument Mogę u nich kupować.
Do tej pory moja kolekcja gitar obejmuje 25 instrumentów. Są to zarówno instrumenty akustyczne, jak i elektroakustyczne, zarówno z nylonowymi, jak i metalowymi strunami. Są greckie bouzouki i dutar, są gitary bezprogowe. Kolekcja jest duża, ale nie jest to kolekcja muzealna, nie eksponaty. Są to prawdziwe, pracujące instrumenty studyjne i koncertowe, które są aktywnie wykorzystywane.
Czy masz w swojej kolekcji gitary elektryczne?
Nie mam gitar elektrycznych. Tak się złożyło, że zaprzyjaźniłem się z kilkoma bardzo dobrymi muzykami grającymi na gitarach elektrycznych. Dlatego, gdy w pracy studyjnej pojawia się pytanie o nagranie gitary elektrycznej – a to rzadkość, ale się zdarza – po prostu ich zapraszam. Przynoszą swoje wzmacniacze, gadżety, instrumenty i grają to, co jest wymagane.
Mam ochotę kupić dobrą gitarę elektryczną, jak Gibson SG grany przez Angusa Younga. Podoba mi się, to od młodości, od dzieciństwa, dlatego chcę taką gitarę. Ale chcę kupić naprawdę rzadki instrument tamtych czasów z dobrym, granym korpusem, dobrym sustainem i świetnym dźwiękiem. Dlatego jeśli natknę się na taką gitarę, to z przyjemnością ją kupię, zapamiętam młodość, zagram, poeksperymentuję. Jest mało prawdopodobne, że użyję tej gitary na koncertach, ale w niektórych szkicach studyjnych jest to całkiem możliwe. To właśnie ten model Gibsona bardzo mi się podoba i pasuje do mnie, jest dla mnie wygodny pod względem szyi i kształtu.
Czy nie jest trudno „zrobić show” na scenie i jednocześnie grać techniczne rzeczy?
Nie "robię show", tylko gram muzykę, uh energia wewnętrzna, napęd jakoś mnie podrzuca, aw niektórych pracach zaczyna mnie nosić, rzuca mnie, rzuca mnie na scenę. Nic nie robię celowo, to tylko muzyka... Muzyka jest we mnie. I po prostu daję to publiczności.
I po prostu nie myślę o graniu technicznych pasaży. Dla mnie to wszystko jest organiczne i naturalne – podczas koncertu ruszaj się, skacz, podchodź do innych muzyków. Ale gdzieś mogę usiąść na krześle i nie ruszać się. Bo pewna muzyka tak mnie uspokaja, że rozpływam się w tej muzycznej przestrzeni.
Tak więc trzygodzinny koncert na żywo jest zupełnie inny pod względem muzyki, dynamiki i emocji. Ma wszystko – wybuchy, wzloty i upadki, radość, rozczarowanie, śmiech i łzy. I tak podczas koncertu ja też jestem inny.
Czy chciałbyś napisać kilka piosenek z wokalami?
Faktycznie wokal jest aktywnie obecny w mojej pracy studyjnej, a na koncertach brzmi w formie sampli. Ale tutaj, wiecie, jak gwiazdy się zbiegną. Jeśli znajdę ciekawą barwę i wokalista mi się podoba, to mogę wykorzystać jego wokal jako instrument, wnosząc do tego czy innego utworu pewną barwę barwy. Prawie każdy album ma ten utwór.
Więc zawsze odbieram głos jako instrument muzyczny z ciekawym tonem. Ale nie zawsze chcesz mieć słowa, żeby piosenki miały ładunek semantyczny. Ponieważ nie zawsze jest to konieczne. Tworzę muzykę instrumentalną, kocham ją, uwielbiam, w tym się rozpływam i czerpię szaloną przyjemność i szczęście.
A jak popularna jest taka muzyka instrumentalna?
Bardzo poszukiwane! To stale ewoluujący gatunek. I to nie tylko gitara, ale także skrzypce, pianino, elektronika, etniczność. Może w naszym kraju ten rozwój jest opóźniony, a raczej z ogromnym opóźnieniem, ale problem polega na tym, że nie mamy instytutu produkującego. Jest dobrzy muzycy, ale nie ma dedykowanej wytwórni, która zajmuje się wyłącznie muzyką instrumentalną. W szczególności - gitarowa muzyka instrumentalna. W każdym rozwiniętym kraju zachodnim jest wytwórnia, która zajmuje się tylko muzyką instrumentalną, tylko gitarową i tylko akustyczną, rozumiesz! A w całym naszym rozległym kraju nie ma takiej etykiety! Nie ma producentów, nie ma ośrodków produkcyjnych w tej dziedzinie muzyki. Oznacza to, że problem jest czysto ekonomiczny, wykraczający poza kreatywność. Dlatego sam zacząłem produkować. Kiedy przyjechałem do Moskwy w 1998 roku, zdałem sobie sprawę, że wszystko tutaj jest dość skomplikowane. I sam zaczął studiować zasady produkcji – jak komunikować się z ludźmi, jak komunikować się z wytwórniami płytowymi, jak przekonywać, jak szukać okazji do nakręcenia teledysku, nagrania. Jak prawidłowo zaserwować muzykę, ustawić ją, znaleźć własną grupa docelowa, praca z promocją, z PR. Wykonano ogrom pracy, a ja wciąż uczę się dogłębnie rozumieć mechanizm pracy – nie muzycznej, ale organizacyjnej. To szalenie trudna, ale też ciekawa praca i muszę ją wykonać. Teraz może być trochę mniej niż wcześniej. Ale w tym czasie musiałem sporo pracować. To było dla mnie bardzo trudne. Przyjechałem z małego białoruskiego miasteczka do Moskwy, tego ogromnego, dynamicznego, złożonego miasta, w którym musiałem wszystko zaczynać od zera. Były pomysły, piękne melodie, muzyka. Był wektor - gdzie się poruszać. A ludzie mi uwierzyli, poszli za mną, zorganizowano zespół, nakręcono pierwsze teledyski, nagrano pierwsze albumy, postawiono pierwsze kroki w dziedzinie reklamy. I w ten sposób ta łódź o nazwie „DiDyuLya” stopniowo się kołysała.
Co konkretnie musisz zrobić dla swojej promocji? Nie bądź zbyt leniwy, aby wstać wcześnie, idź na spotkanie odpowiedni ludzie, wyślij ofertę, spotkaj się, porozmawiaj, spotkaj się jeszcze raz... Bądź w w ciągłym ruchu, a nie tylko ruch muzyczny. Tu nie ma tajemnic, wszystko jest proste. A aktywna pozycja życiowa ci pomoże.
Ale raz jeszcze mówię – w naszym kraju jest to trudne. I chcę pomóc młodym, początkującym muzykom. Wysyłają mi dużo dem, są ciekawe nazwy i podjąłem już pewne kroki w tym kierunku. Wyprodukowałem i wydałem album Denisa Asimovicha, niesamowitego gitarzysty klasycznego. Album jest fenomenalny w brzmieniu, jakości, wykonaniu i wyglądzie. To muzyka z nastrojem, który znalazł oddźwięk na Zachodzie i jest ponownie wydawany w Europie. Ale to jest muzyka akademicka.
Jest pomysł na pracę w nowoczesnym gatunku, w nowoczesnym stylu, są ciekawe nazwiska, więc w tym kierunku podejmowane są pewne kroki.
Chętnie więc przyjmuję wszystkie dema, zdjęcia i filmy, które do mnie przychodzą, wchodzę na strony internetowe muzyków, zapoznaję się z ich twórczością. Oznacza to, że trwają aktywne prace w tym kierunku.
Czy uważasz się za odnoszącego sukcesy gitarzystę?
Cóż, nie uważam się za odnoszącego sukcesy gitarzystę, uważam się za muzyka, kompozytora, który tworzy muzykę, a głównym instrumentem do przekazywania tej muzyki jest gitara. Z jakiegoś powodu mamy bardzo wyraźny podział na gitarzystę i muzyka. Tak nie powinno być. Jest tylko jedna koncepcja – muzyk. Potrafi grać na gitarze, może grać na innym instrumencie… Nie podoba mi się ten podział.
Sukces lub niepowodzenie jest również pojęciem abstrakcyjnym. Wszystko jest względne. Pozycjonuję siebie jako osobę, która ciężko pracuje, lubi występować, komponować muzykę i sam proces tworzenia muzyki. A pojęcie sukcesu jest dla mnie absolutnie niejasne i nic nie znaczy. I nie dotyczy mnie jako kompozytora ani jako osoby. A nawet jakoś denerwujące. Teraz zadajesz mi to pytanie i nawet trochę mnie to drażni. Jestem tylko muzykiem, który gra i komponuje.
