Konkurencja w showbiznesie doprowadziła do pojawienia się marketingu branży muzycznej. Kiedy sztuka audio stała się biznesem, potrzebował narzędzi do sprzedaży swoich produktów. Marketing muzyczny opiera się na tradycyjnych strategiach i metodach, ale z pewnością ma wiele specyficznych cech i cech.

Koncepcja marketingu

Konsolidacja produkcji, wypuszczanie coraz większej ilości towarów wysokiej jakości powoduje, że konieczne są szczególne wysiłki w celu pobudzenia aktywności konsumenckiej. Wraz ze wzrostem produktywności pojawiają się te pierwsze, które początkowo miały na celu udoskonalenie produktu i produkcji, ale stopniowo powstają współczesne idee o promocji jako szczególnej działalności mającej na celu zaspokojenie potrzeb poprzez wymianę. Marketing rozumiany jest dziś jako szczególna komunikacja między producentem a nabywcą, która prowadzi do zaspokojenia potrzeb. Został zaprojektowany, aby pomóc kupującemu i sprzedającemu w osiągnięciu ich celów. W tym sensie marketing branży muzycznej to także specyficzna interakcja między producentem a konsumentem. Producent oferuje na rynku audio produkt, który umożliwi słuchaczowi zaspokojenie jego potrzeb.

Pojawienie się marketingu muzycznego

Pojawienie się marketingu muzycznego wiąże się z powstaniem branży rozrywkowo-rekreacyjnej. Kiedy pojawia się show-biznes, obszar, w którym ludzie zarabiają na usługach rozrywkowych, pojawia się potrzeba jak najpełniejszego zaspokojenia potrzeb rynku. Im bardziej rosła konkurencja, tym silniejsza była potrzeba podjęcia specjalnych wysiłków w celu sprzedaży tworzonego produktu. Początki marketingu muzycznego sięgają czasów starożytnych. Na przykład ojciec Mozarta pełnił w istocie funkcję producenta muzyka: dobierał repertuar, prowadził działania propagandowe w celu organizowania koncertów. Kompozytor i wykonawca był środkiem do zarobku i zaspokojenia potrzeb publiczności na rozrywkę. Ale w pełnym tego słowa znaczeniu marketing muzyczny pojawia się dopiero na etapie wysokiego rozwoju przemysłu rozrywkowego. Dopiero przy przesytu rynku i dużej konkurencji pojawia się potrzeba przemyślanej promocji produktu muzycznego.

Powstanie przemysłu muzycznego

Showbiznes obejmuje kilka branż: kinematografię, teatr i spektakle, muzykę. Przemysł audio to gałąź światowej gospodarki, która zarabia na sprzedaży produktu lub usługi muzycznej. Człowiek odczuwał potrzebę słuchania muzyki od czasów starożytnych, zjawisko jej wpływu na psychikę nie zostało do końca zbadane. Jest jednak oczywiste, że jest to ściśle związane z emocjami, które są głębokim ludzkim doświadczeniem. To z nimi wiąże się znaczenie muzyki w życiu człowieka. Kiedy jest popyt, to oczywiście jest podaż. Przemysł muzyczny powstaje wraz z możliwościami masowej dystrybucji produktu audio, czyli wraz z postępem technologicznym. Showbiznes pojawia się wraz z publicznymi spektaklami, a badacze określają datę jego powstania na różne sposoby: od XI do XIX wieku. Ale ponieważ pierwsze akty prawne regulujące organizację pokazów publicznych pojawiły się dopiero w połowie XIX wieku, stąd tradycyjnie odbywa się odliczanie. Przemysł muzyczny powstaje wraz z pojawieniem się płyty gramofonowej, która zaczyna rozpowszechniać produkt muzyczny wśród mas. Kolejne rewolucyjne etapy wiążą się z pojawieniem się radia i telewizji. Następnie branża dopiero nabiera rozpędu, poprawiają się nośniki dźwięku, rośnie nakład i konkurencja. Rynek branży muzycznej z roku na rok rośnie o kilka procent, wzrost jest szczególnie zauważalny w segmencie Internetu. Dziś bez promocji nie da się zrealizować żadnego projektu muzycznego, nawet z najzdolniejszymi wykonawcami.

Muzyka jako towar

Pieśni, wykonania utworów dźwiękowych, zespoły muzyczne i soliści są środkiem generowania zysku. Specyfika muzyki jako przedmiotu promocji polega na tym, że łączy ona jednocześnie właściwości produktu i usługi. Produkt audio musi odpowiadać potrzebom słuchacza, mieć określoną jakość i odpowiednią cenę, musi mieć prestiż i wartość konsumencką, jak każdy produkt. W dodatku muzyka, podobnie jak usługa, jest nierozerwalnie związana z wykonawcą, jest niematerialna, nie da się przewidzieć rezultatu jej konsumpcji. Jednocześnie produkt audio jest towarem, ponieważ ma cenę, jakość, może zaspokoić potrzeby i wymaga promocji od producenta do kupującego.

Zawód: producent

Producent muzyczny odgrywa najważniejszą rolę w tworzeniu i promocji produktu muzycznego. Tworzy produkt, dobiera wykonawcę i materiał zgodnie z potrzebami rynku. Dobrze rozumie trendy rynkowe, potrafi wpływać na gusta i pragnienia odbiorców, potrafi przewidywać potrzeby słuchaczy. Producent muzyczny zapewnia również finansowo stworzenie produktu, znajduje sprzęt, kupuje muzykę, teksty, płaci za pracę wykonawców i personelu towarzyszącego. Kolejną ważną funkcją producenta jest zapewnienie sprzedaży produktu, planuje działania marketingowe, organizuje wycieczki i koncerty. Producent jest centralną postacią w branży muzycznej, jest jednocześnie specjalistą od marketingu i zarządzania.

Cele i zadania marketingu

Marketing branży muzycznej, jak każdy inny, ma najważniejszy cel - zwiększenie sprzedaży. Aby jednak zwiększyć popyt, konieczne jest rozwiązanie problemów z tym związanych. Ważnym celem marketingu muzycznego jest rozpowszechnianie informacji o produkcie i artyście. Tylko wysoka świadomość może prowadzić do zakupu. Kolejnym zadaniem marketingu jest stworzenie produktu, który zaspokoi potrzeby słuchaczy. Dlatego każdy wykonawca musi mieć nie tylko wyjątkową jakość, ale także niepowtarzalne pozycjonowanie. Marketing muzyczny musi utrzymywać stałą komunikację między słuchaczem a wykonawcą, uwzględniać zmiany w postrzeganiu produktu oraz kształtować lojalną postawę wobec produktu ze strony konsumenta.

Przedmioty promocyjne

W marketingu muzycznym istnieje kilka obiektów promocji. Przede wszystkim jest wykonawcą lub grupą. Gdy na rynku muzycznym pojawia się nowa nazwa, zadaniem marketingowym jest uświadomienie jej wśród odbiorców docelowych. Promocja grup i solistów zaczyna się wraz z rozwojem pozycjonowania, a dopiero potem planowana jest komunikacja, kształtuje się i stymuluje popyt. Wykonawca również potrzebuje brandingu, każdy muzyk dąży do tego, aby stać się marką, ponieważ prowadzi to do stałej wysokiej sprzedaży. Przedmiotem promocji może być również produkt audio. Płyta, koncert, film – wszystko to wymaga przemyślanego planu promocyjnego, aby zmaksymalizować popyt i zysk. Przeboje muzyczne są najczęściej efektem celowych działań marketingowych.

Strategia marketingowa

Długoterminowy plan rozwoju produktu nazywany jest strategią marketingową. Aby opracować strategię, trzeba dobrze poznać stan rynku i specyfikę segmentu, do którego promowany jest produkt. Marketing muzyczny jako specyficzna działalność nie może zastosować wszystkich istniejących strategii marketingowych. Tutaj potrzebujemy specjalnego podejścia, które uwzględni cechy produktu muzycznego. Najbardziej akceptowalnymi strategiami są intensywny wzrost, który opiera się na zwiększeniu wysiłków marketingowych na istniejących rynkach. Możliwe jest również zastosowanie strategii głębokiej penetracji rynku, w tym przypadku programy marketingowe stymulują zakup większej ilości towarów, a także usług. Strategie muszą promować długofalowy i zrównoważony popyt, dlatego na rynku muzycznym niezwykle ważny jest wizerunek artysty, który musi być starannie zaplanowany i utrzymany.

Grupa docelowa marketingu muzycznego

Marketing branży muzycznej opiera się na koncepcji, czyli na identyfikacji konkretnej grupy docelowej, dla której tworzony jest dany produkt. Definicja segmentu jest niezwykle ważna dla skutecznego marketingu produktu. Doboru grupy docelowej na rynku muzycznym dokonuje się najczęściej według następujących parametrów: wiek, płeć i styl życia. Jest produkt dla młodzieży, dzieci i osób dojrzałych, muzyka dla kobiet i mężczyzn. Styl życia, zainteresowania, upodobania są również kryterium wyboru grupy docelowej. Widać, że dziś na wszystkich rynkach, w tym na rynku muzycznym, ma miejsce odmasowienie, powstają produkty dla coraz węższej grupy odbiorców. Jest więc muzyka dla fanów koreańskich seriali czy dla gotów. Dzięki temu możesz sprzedawać więcej towarów.

Metody promocji

W marketingu istnieją cztery główne metody osiągania celów: są to stymulowanie popytu, sprzedaż bezpośrednia, PR i reklama. Wszystkie cztery elementy marketingu mix są wykorzystywane w promocji produktu muzycznego, ale częściej niż stymulowanie popytu. Promocja piosenki bez reklamy i PR jest niemożliwa. Aby kupić albumy, konieczne jest wykreowanie świadomości i popytu, a do tego metody takie jak reklama w mediach bezpośrednich – umieszczanie materiałów informacyjnych w mediach, a także narzędzia BTL – marketing wydarzeń, komunikacja poprzez sieci społecznościowe, Wykorzystywany jest marketing internetowy.

Plan promocji produktów muzycznych

Na podstawie wybranej strategii marketingowej opracowywany jest plan promocji artysty lub grupy. Na pierwszym etapie konieczne jest określenie celów promocji, może to być np. budowanie świadomości czy utrzymanie sławy. Następnie planowane są działania w trzech obszarach: promocja (umieszczenie produktu w programach telewizyjnych i radiowych), reklama (tworzenie szumu informacyjnego wokół produktu, wprowadzanie legend i plotek, udzielanie wywiadów, umieszczanie w rankingach, tworzenie materiałów dziennikarskich), performance (organizacja komunikacji na żywo między wykonawcą a słuchaczem, organizacja występów koncertowych, sesje autografowe). Grupy muzyczne i soliści muszą być stale słyszani, dlatego konieczne jest stosowanie różnych środków reklamy i PR, aby zapewnić stałą obecność wykonawcy w polu informacyjnym słuchacza.

Marki w muzyce

Marketing w sztuce muzycznej pierwotnie kojarzony był z tworzeniem gwiazd, czyli marek. Aby słuchacz zaufał wykonawcy, poczuł do niego sympatię i sympatię, należy dokładnie przemyśleć wizerunek przyszłej gwiazdy. Promocja grup lub solistów zaczyna się od stworzenia nazwy, która powinna zawierać pewną filozofię, przesłanie, na podstawie którego później będzie planowana komunikacja ze słuchaczami. Następnym krokiem jest stworzenie osobistej historii. Fani chcą wiedzieć o swoim idolu wszystko, więc zaczną szukać informacji o jego życiu osobistym, przeszłości, a producent musi z góry zadbać o mit sprzedażowy. Na przykład legenda mega popularnej grupy „Przetargowy maj” była opowieścią o dzieciach z domu dziecka, co dało zespołowi dodatkową aureolę litości i przyczyniło się do popularności. Niezbędne jest również przemyślenie wyglądu wykonawcy tak, aby spełniał oczekiwania grupy docelowej. Ponadto powinieneś sformułować kluczową wiadomość, która będzie musiała zostać utrwalona w umysłach słuchaczy. Na przykład Staś Michajłow jest pozycjonowany jako piosenkarz dla dojrzałych, rozwiedzionych kobiet i to jest jego przewaga konkurencyjna. Po stworzeniu wszystkich elementów marki konieczne jest systematyczne dbanie o wizerunek wykonawcy.

Doświadczenie w marketingu muzyki światowej

Dziś przeboje muzyczne rodzą się nie tylko dzięki talentowi kompozytorów i wykonawców, ale najczęściej dzięki staraniom producentów. Współczesny przemysł wprawił w ruch proces narodzin gwiazd. Oczywiście na start potrzebny jest utalentowany materiał, ale bardziej potrzebny jest kompetentny producent, który zna skuteczne metody marketingowe w produkcji marek muzycznych. Uderzającym przykładem takiej pracy producentów są np. Lady Gaga, Justin Bieber czy grupa Viagra.

Początek XX wieku charakteryzuje się szybkim rozwojem branży muzycznej rozrywki. Ważną rolę w rozwoju działalności koncertowej odegrały istniejące do 1918 r. Towarzystwo Filharmonii Petersburskiej, Filharmonicy Moskiewscy, Rosyjskie Towarzystwo Muzyczne, Koło Muzyki Rosyjskiej oraz organizacja koncertowa House of Song. Scena muzyczna w tym okresie znajdowała się głównie w rękach prywatnego przedsiębiorstwa.

Szczególnie aktywna jest branża nagraniowa. Pierwsza fabryka płyt w Rosji została otwarta w Rydze w 1902 roku. A w 1907 r. produkcję płyt zorganizowała firma Pate, która sprowadzała matryce z zagranicy (od 1922 r. „Fabryka im. 5 rocznicy października”). Od 1910 roku fabryka Metropol-Record na stacji Aprelevka pod Moskwą produkuje płyty. W 1911 roku uruchomiono fabrykę spółki Sirena-Record, która w ciągu roku drukowała 2,5 miliona płyt.

Duma Państwowa przyjęła ustawę „O prawie autorskim”, która po raz pierwszy uwzględniła interesy firm nagrań dźwiękowych. Powstała Agencja Praw Muzycznych dla Autorów Rosyjskich (AMPRA). Roczna produkcja brutto w Rosji wyniosła 18 milionów płyt gramofonowych, na rynku działało około 20 firm. Zakład Aprelevka zwiększył swoją wydajność do 300 000 rekordów rocznie. Powstał „Syndykat Zjednoczonych Fabryk”, aby przeciwstawić się dużym zagranicznym producentom. Jednak po wybuchu I wojny światowej w Rosji ich liczba spadła.

W 1915 r. uruchomiono zakład „Pisanie Kupidyna w Moskwie”. Przed rewolucją w Rosji było sześć fabryk produkujących 20 milionów płyt rocznie; ponadto wyprodukowano 5-6 milionów z importowanych matryc. Większość fabryk była oparta na osobistym kapitale rosyjskim – „Partnerstwo Rebikowa i K?” i inni.

Jednocześnie jednak rynek boryka się również z pierwszymi negatywnymi zjawiskami w branży muzycznej, charakterystycznymi także dla współczesnego show-biznesu. Pojawiły się pierwsze pirackie płyty, wyprodukowane przez firmę Neographon i petersburski oddział amerykańskiej firmy Melodifon. Najdalej posunął się przedsiębiorca D. Finkelstein – jego spółka z Orfenonem produkowała wyłącznie pirackie płyty.

Podobne zjawiska miały miejsce w wydawnictwach muzycznych. Na początku XX wieku wydawnictwa muzyczne w Rosji osiągnęły wysoki poziom rozwoju, nie ustępujący pod względem techniki druku zagranicznym wydawnictwom muzycznym. Takie rosyjskie wydawnictwa muzyczne, jak firma Jurgensona, zdobyły światowe uznanie.

W pierwszych dziesięcioleciach XX wieku istniały liczne sklepy muzyczne - firmy na peryferiach (Jarosław, Rostów nad Donem, Jekaterynburg, Saratów i inne miasta) zajmujące się działalnością wydawniczą. Wydawnictwa muzyczne i sklepy muzyczne w Rosji wydawały katalogi wydawanych przez siebie zapisów nutowych, które do dziś są cennym źródłem do badania gustów muzycznych epoki.

Kardynalne zmiany w sztuce muzycznej nastąpiły po rewolucji 1917 roku. Działalność wydawnicza przechodzi w ręce państwa (Dekret Rady Komisarzy Ludowych z 19 grudnia 1918 r.). W 1921 r. wydawnictwa muzyczne i drukarnie muzyczne zostały połączone w jedno wydawnictwo muzyczne, które w 1922 r. weszło w skład Gosizdat jako sektor muzyczny. W 1930 roku sektor muzyczny został zreorganizowany w Państwowe Wydawnictwo Muzyczne „Muzgiz” z oddziałem w Leningradzie, które stało się największym wydawnictwem muzycznym.

W tych samych latach działa też szereg innych wydawnictw muzycznych, w szczególności spółdzielnia „Tritron” (1925-1935). Wydawali nuty i książki o muzyce. W sporadyczne publikowanie notatek zaangażowanych jest szereg organizacji i wydziałów publicznych: Moskiewskie Towarzystwo Pisarzy i Kompozytorów Dramatycznych (MOPIK, 1917-1930), Ogólnounijny Zarząd Ochrony Praw Autorskich.

W 1939 r. w ramach Związku Kompozytorów powstał Fundusz Muzyczny ZSRR, do którego zadań należało wydawanie utworów kompozytorów sowieckich. W 1964 „Muzgiz” i „Sowiecki Kompozytor” połączyły się w jedno wydawnictwo „Muzyka”, ale w 1967 ponownie się rozdzieliły. Wydawnictwa te wydają czasopisma „Muzyka Radziecka” i „Życie Muzyczne”.

Produkcja płytowa również przechodzi okres dramatycznych zmian. Przemysł ten został znacjonalizowany. A jedną z pierwszych płyt gramofonowych wydanych pod reżimem sowieckim było nagranie przemówienia V.I. Apel Lenina do Armii Czerwonej. W latach 1919-1920. Dział „Centropechat” „Radziecka płyta” wyprodukował ponad 500 tysięcy płyt gramofonowych. Były to głównie nagrania przemówień – przemówień wybitnych osobistości partyjnych i publicznych.

W latach dwudziestych wznowiono produkcję w starych przedsiębiorstwach, a w latach trzydziestych rozpoczął pracę Ogólnounijny Dom Nagraniowy w Moskwie. W 1957 roku powstało All-Union Recording Studio. W 1964 roku powstała Ogólnounijna Firma Melodiya, która zjednoczyła krajowe fabryki, domy i studia nagraniowe i przez wiele lat stała się monopolistą w dziedzinie nagrań dźwiękowych.

Duże zmiany nastąpiły również w działalności koncertowej. Organizacja i zarządzanie całym przemysłem przeszło w ręce państwa, co miało ogromny wpływ na ideowe ukierunkowanie twórczości wykonawców. Było to szczególnie widoczne w dziedzinie pop-artu. Powstały specjalne instytucje państwowe, które organizowały działalność koncertową artystów wszystkich gatunków, w tym muzyki pop.

System ten, pod auspicjami Ministerstwa Kultury, obejmował Koncerty Państwowe, Sojuzconcert, Rosconcert, towarzystwa filharmoników republikańskich, regionalnych i miejskich, stowarzyszenia koncertowe, które prowadziły całe najbardziej złożone życie koncertowe w naszym kraju. Wolna przedsiębiorczość została prawnie ukarana jako działalność nielegalna. Wspólnie w tym okresie na pierwszy plan wysuwa się praca muzyczna, edukacyjna i kulturalna.

Koncerty odbywają się nie tylko w salach koncertowych dużych miast, ale także w małych klubach, domach kultury, w sklepach fabryk, fabryk, PGR-ów, kołchozów, w czerwonych zakątkach iw gospodarstwach rolnych. Jednocześnie artyści płacili według ściśle ustalonych taryf - od 4,5 do 11,5 rubli za koncert.

Wraz z pojawieniem się gospodarki rynkowej na oficjalnej scenie zaczynają się rozwijać alternatywne kierunki. Z reorganizacją tej działalności wiążą się problemy. Powstała główna sprzeczność: między osobistą naturą talentu a praktyką zawłaszczania przez stan jego pracy. Przecież wcześniej nie było prawa do zapłaty wykonawcy na żądanie. Powstanie wielu firm i firm działających na scenie muzycznej stało się obiektywną odpowiedzią nowych czasów na wzrost zainteresowania zarówno konsumentów, jak i przedsiębiorców sceną jako całością i jej kierunkami.

Obecnie w Moskwie istnieje ponad siedemdziesiąt publicznych i prywatnych stowarzyszeń, firm, firm i stowarzyszeń, które organizują działalność koncertową. Nie biorąc pod uwagę nielegalnych, niezarejestrowanych stowarzyszeń, taką wieloaspektową działalnością mogą zarządzać tylko wysoce profesjonalni, wyspecjalizowani menedżerowie, którzy muszą nie tylko i nie tyle zaspokajać rosnące wymagania społeczeństwa, ale także je wyprzedzać, wyraźnie wychwytując sytuację rynkową i monitorując działania konkurentów, biorąc pod uwagę inne czynniki w ich pracy na tym rynku, takie jak wypłacalność ludności itp.

Współczesny przemysł muzyczny to dość dziwne zjawisko, które nie stoi w miejscu i stale ewoluuje. Ci, którzy pracowali w muzycznej „kuchni” ponad rok wiedzą, że czasami bardzo trudno jest przewidzieć, jaka muzycznie przyszłość przyniesie nam przyszłość. Jednak system zysków jest zawsze taki sam i każdy, kto poważnie myśli o zamianie swojej muzyki na twardą gotówkę, dobrze by zrobił, gdyby miał przynajmniej podstawową wiedzę na temat tego, jak działa biznes muzyczny.

Dlatego postanowiliśmy napisać mały poradnik dla śmiałków, którzy chcą i zamierzają promować swoją muzykę i dobrze na niej zarabiać. To wystarczająco dużo informacji, aby dać ci podstawowe pojęcie o tym, jak żyje i oddycha biznes muzyczny, i skłonić cię do zastanowienia się, jak możesz być jego częścią.

Wytwórnie fonograficzne

„Tradycyjną” drogą do sukcesu w branży muzycznej jest to, że Twoje nagranie zostanie usłyszane przez znaną wytwórnię, która następnie podpisze Ci kontrakt na promocję Twojej twórczości. Jeszcze lepiej, jeśli masz już nagrane kilka utworów, które można umieścić w swoim minialbumie, w pełnym albumie lub kilku albumach w sieci.

W rzeczywistości wytwórnia działa jak inwestor, który inwestuje swoje pieniądze w Ciebie i Twój projekt. Pieniądze te są wykorzystywane na opłacenie wynajmu studia, miksowania i masteringu, a także na opłacenie zaliczki, która jest wpłacana z góry, abyś mógł dożyć punktu, w którym zaczniesz otrzymywać część sprzedaży, o której mowa w branży jako tantiemy.

Etykieta zajmuje się również całą dokumentacją potrzebną do wydania utworu/albumu, która zawiera tabelę podziału tantiem: jaki procent każdej zarobionej monety trafia osobiście do ciebie, współpracowników, a jaki procent trafia do etykiety, aby pokryć ich początkowy inwestycji i otrzymuj dalsze zyski, które wytwórnia może ponownie zainwestować w Twoją promocję.

Muzyczne odbicia

Towarzystwo Ochrony Praw Autorskich (MCPS) płaci tantiemy za każdą kopię Twojego utworu. Oznacza to, że im więcej sprzedasz płyt, tym więcej dostaniesz. Ponadto, jeśli Twój utwór trafi na płyty CD lub DVD lub zostanie wykorzystany w inny sposób, również otrzymasz za to określoną kwotę.
Na przykład: w kolekcji jest 20 piosenek, a jedna z nich jest twoja. Oznacza to, że Copyright Society zapłaci Ci 5% wszystkich sprzedaży.

Długo oczekiwane wydanie Twojej muzyki

Wydanie Twojej muzyki oznacza wykorzystanie Twojego utworu w dowolnej formie, a cały dochód uzyskany po wydaniu Twojej muzyki może pochodzić z wielu różnych źródeł. W rzeczywistości pieniądze pochodzą za każdym razem, gdy utwór jest odtwarzany w telewizji, radiu lub używany jako ścieżka dźwiękowa do filmu, nawet gdy utwór jest odtwarzany w przymierzalniach Topshop. Lista jest nieskończona.

Teoretycznie okazuje się, że otrzymujesz pieniądze za dowolne wykorzystanie swojego toru. System ten działa za pośrednictwem agencji windykacyjnych, takich jak PRS w Wielkiej Brytanii lub ASCAP (Composers, Writers and Publishers of America) w USA. Organizacje te śledzą wszystkie sposoby wykorzystania Twojej muzyki, a następnie odpowiednio zbierają i rozdzielają pieniądze.

Telewizja, filmy i nie tylko

Głównymi kanałami dystrybucji i źródłami zysku w branży muzycznej są telewizja, filmy i gry wideo, czyli dystrybucja ścieżki dźwiękowej Twojej muzyki za pośrednictwem tych kanałów. Korzyści płynące z fonogramu są oczywiste: otrzymujesz zapłatę za wykorzystanie swojej kompozycji; w rezultacie zyskujesz nowe dochody z faktu, że Twoja piosenka jest wykorzystywana w projektach filmowych lub programach telewizyjnych, na przykład jako ścieżka dźwiękowa. Takie wykorzystanie Twojej muzyki pozwala Ci zwiększyć widoczność Ciebie i Twojej pracy, ponieważ będzie ona słyszana przez potencjalnie ogromną publiczność, która wcześniej nie była zaznajomiona z Twoją muzyką.

Nie jest łatwo zdobyć utwory w projektach telewizyjnych i filmowych, ale istnieją wyspecjalizowane firmy produkcyjne, które będą działać w twoim imieniu, aby popchnąć twoją muzykę w tym czy innym kierunku. Możesz więc zająć się swoim biznesem, podczas gdy agencje te promują Twoje utwory wśród ludzi zaangażowanych w film i telewizję.

Całkiem zrozumiała jest potrzeba skatalogowania muzyki, która znajdzie się w bibliotece fonograficznej firm muzycznych (ostatnio określanych jako Music Production Companies). W końcu to właśnie taki katalog jest potencjalnie najbardziej opłacalny ze wszystkiego, co zrobisz. Z reguły taka firma pobiera procent za promocję Twojej muzyki. Ale nie musisz im płacić z góry, żeby cię reprezentowali. Płatność dokonywana jest na miejscu. A jeszcze lepsze jest to, że nie otrzymują zapłaty, dopóki Twoja muzyka nie znajdzie się w obiegu, co oznacza, że ​​będą pracować tak ciężko, jak tylko mogą, aby upewnić się, że wszyscy o Tobie wiedzą.

Pomyśl o kompozycji Rembrandta „I'll Be There For You” – ścieżce dźwiękowej do serialu „Przyjaciele” – io tym, ile osób zna go na całym świecie…

Inne źródła dochodów

A co, jeśli w ogóle nic nie napisałeś ani nie wyprodukowałeś? Nie martw się, nadal możesz zarabiać na muzyce. Streaming PPL nie jest typowym kanałem dystrybucji ze względu na autorów piosenek. Jest to dodatkowe źródło tantiem wypłacanych przez nadawców wykonawcom za korzystanie z ich muzyki. Wszyscy zaangażowani w tworzenie utworu (basiści, wokaliści wspierający itp.) również otrzymują niewielką kwotę pieniędzy za swoją pracę.

Dystrybucja

Dystrybutor odpowiada za dostarczenie Twojej muzyki z magazynu do sklepu. Aby to zrobić, jeśli tworzysz treści fizyczne, musisz zawrzeć umowę dystrybucyjną.
Jak wiemy, muzyka „fizyczna” pozostaje w tyle za muzyką cyfrową pod względem popularności, co jest dobrą wiadomością, jeśli zakładasz własną wytwórnię, ponieważ dystrybucja nie musi być wielkim wysiłkiem ani kosztem. Dystrybucja cyfrowa oznacza, że ​​Twoje nagrania będą dostępne w cyfrowej sprzedaży we wszystkich miejscach, na które czekają Twoi fani. Na przykład Amazon, Beatport, iTunes. Innymi słowy, dystrybucja cyfrowa pod każdym względem oszczędza niepotrzebnego zamieszania.

I w końcu

To wszystko jest dość trudne do zaakceptowania, ale jeśli chcesz związać swoje życie z muzyką, to musisz zrozumieć podstawowe mechanizmy tak ogromnej muzycznej machiny i musisz być gotowy, jeśli naprawdę chcesz wyrazić siebie i odejść znak na boisku muzycznym, weź to sprawa i idź do końca, bez względu na wszystko.
I życzymy powodzenia!

Jak często słyszymy muzykę zewsząd. Muzyka staje się dźwiękowym tłem naszego życia. Znasz to uczucie, gdy zapomniałeś zabrać ze sobą słuchawki? Cisza, nie - nawet pustka. Niezwykle, a ręce mają tendencję do włączania czegoś. Muzyka przestaje grać – włącza się wewnętrzny głos, ale jakoś nie chcę jej w ogóle słuchać. Przypomina nam o niedokończonych sprawach, wyrzuca nam coś, przynosi poważne myśli. Nie, nowy utwór zacząłby się tak szybko, jak to możliwe. Po prostu przyzwyczailiśmy się do muzyki, przyzwyczailiśmy się do tego, że nie jesteśmy cały czas sami, ale z tymi wesołymi (lub nie tak) rytmami muzycznymi.

Chyba każdy ma swoje ulubione melodie, na dźwięk których gdzieś w głębi wyskakują linijki znajomych piosenek. Jednocześnie często zdarza się, że człowiek zna teksty na pamięć, ale nigdy nie zastanawiał się nad znaczeniem słów utkwionych w jego pamięci, a nawet często wypowiadanych słów. Dzieje się tak, ponieważ większość ludzi jest przyzwyczajona do słuchania muzyki w tle lub w formacie odpoczynku, czyli relaksu i niemyślenia o niczym, cieszenia się emocjami lub po prostu pogrążania się w myślach osób trzecich.

W wyniku takiego słuchania światopogląd człowieka wypełnia się tekstami i znaczeniami, które nie zostały przefiltrowane na poziomie świadomości. A ponieważ przekazywana jest w różnych rytmach i melodiach, jest bardzo dobrze przyswajana, a później z poziomu podświadomości zaczyna wpływać na ludzkie zachowanie. Jakie programy zachowań nadaje masowemu odbiorcy współczesna muzyka popularna – ta, która jest grana w telewizji i radiu i czy można ją traktować nieświadomie, to znaczy bez zastanowienia się nad jej wpływem? Obejrzyjmy kilka filmów:

Po obejrzeniu tych filmów warto przypomnieć cytat starożytnego chińskiego filozofa Konfucjusza: „Zniszczenie każdego państwa zaczyna się właśnie od zniszczenia jego muzyki. Naród bez czystej i jasnej muzyki jest skazany na degenerację”.

Proszę zwrócić uwagę, że w ostatniej recenzji nie chodziło tylko o treść poszczególnych utworów, ale także o ogólny kierunek tematu muzyki popularnej. To ważny niuans, który należy wziąć pod uwagę. W końcu muzyka powinna odzwierciedlać różne aspekty naszego życia, a nie podnosić go do nieodpowiedniego rozmiaru i znaczenia.

Twórczość człowieka, gdy pochodzi z serca, zawsze odzwierciedla jego wewnętrzny świat, dotyka zagadnień rozwoju osobistego, poszukiwania odpowiedzi na ekscytujące pytania. Jeśli kreatywność zastępuje biznes, a na pierwszym miejscu jest zarabianie, to jej treść automatycznie wypełnia się odpowiednimi znaczeniami i formami: prymitywnymi, stereotypowymi, mdłymi, głupimi.

Słuchanie treści, które są dziś odtwarzane w większości stacji radiowych, to prawdziwy proces programowania ludzi, aby nieświadomie wdrażali w swoim życiu wszystkie zachowania wymienione w filmach.

Jednocześnie w prezentowanych recenzjach wideo analizowano tylko treść tekstów i sekwencję wideo klipów, ale rytm, ton, melodia i głośność muzyki mają ogromny wpływ na człowieka. W końcu każda muzyka to w końcu wibracje, które mogą albo harmonizować z wewnętrznym stanem człowieka, albo działać destrukcyjnie w sensie dosłownym.

Wpływ muzyki na społeczeństwo

Dysonans w muzyce, nagłe zmiany rytmu, głośny dźwięk - wszystko to jest odbierane przez organizm jako stres, jako czynnik zanieczyszczający, który wpływa nie tylko na układ nerwowy, ale także na układ krążenia i hormonalny. W Internecie można znaleźć wyniki wielu eksperymentów, z których wynika, że ​​o ile muzyka klasyczna czy ludowa poprawia zdolności umysłowe, to współczesna muzyka pop, budowana na tych samych rytmach, czy też ciężka, poszarpana muzyka, wręcz przeciwnie, przygnębia ludzką psychikę, pogarszając się. pamięć, abstrakcyjne myślenie, uważność.

Wyraźnie widać wpływ muzyki na tych zdjęciach:

Te zdjęcia wykonał japoński badacz Masaru Emoto. Wystawił wodę na różne melodie i ludzką mowę, po czym zamroził ją i sfotografował powstałe zamrożone kryształy wody w dużym powiększeniu. Jak widać na slajdzie, pod wpływem dźwięków muzyki klasycznej kryształy wody destylowanej nabierają wdzięcznych symetrycznych kształtów, pod wpływem ciężkiej muzyki lub negatywnych słów, emocji, zamarznięta woda tworzy chaotyczne, fragmentaryczne struktury.

Biorąc pod uwagę, że wszyscy jesteśmy głównie wodą, można sobie wyobrazić, jak duży wpływ ma na nas muzyka. Z tego powodu wybór tych kompozycji, których często słuchasz sam lub włączasz dla dzieci, powinien być świadomy, oceniając wpływ muzyki i efekt, jaki chciałbyś uzyskać.

Muzyka wpływa na człowieka w 3 aspektach:

1. Znaczące przesłanie tekstów i klipów wideo
2. Wibracje muzyczne (rytm, tonalność, melodia, barwa głosu itp.)
3. Osobiste cechy popularnych wykonawców, których życie jest widoczne

Jako trzeci punkt tego slajdu podkreśliliśmy osobisty aspekt związany z moralnością tych wykonawców, którzy otrzymują sławę i chwałę. Skoro współczesny show-biznes opiera się na tym, że poddaje pod dyskusję publiczną całe życie osobiste tzw. styl życia, który przekazują swoim przykładem.

Chyba każdy słyszał o tak popularnej zachodniej piosenkarce jak. Zobaczmy, jaką ideologię promuje swoją pracą i własnym przykładem.

W ramach projektu Teach Good podobne recenzje pojawiły się na temat innych najpopularniejszych zachodnich wykonawców: - i wszędzie to samo. Ich kariera rozwija się niejako według schematu: ze stosunkowo prostych i skromnych dziewczyn, które wkroczyły do ​​branży show-biznesu, stopniowo zamieniają się w te, których zdjęcia i owoce kreatywności nawet wstyd się pokazać podczas wykładu z powodu obsesyjnej wulgarności i wulgarności.

Jednocześnie to właśnie te gwiazdy są stale nagradzane głównymi nagrodami muzycznymi, ich filmy są odtwarzane w kanałach telewizyjnych i stacjach radiowych, nawet tutaj w Rosji ich piosenki są regularnie odtwarzane. Oznacza to, że ten sam system budowany jest w branży muzycznej, w oparciu o 3 główne narzędzia: instytucje przyznające nagrody, przepływy finansowe oraz kontrolę nad mediami centralnymi.

Gdzie znaleźć dobre piosenki?

Jest prawie niemożliwe, aby dobrzy wykonawcy, ci, którzy śpiewają naprawdę sensowne piosenki i starają się kierować swoją kreatywnością na korzyść ludzi, przełamali tę barierę. Sytuacja zaczyna się zmieniać dopiero dzisiaj, kiedy wraz z nadejściem Internetu każdy człowiek ma możliwość działania jako niezależne środki masowego przekazu poprzez swoje konta w sieciach społecznościowych, poprzez blogowanie i tworzenie stron internetowych.

Powstanie projektu Teach Good i wielu innych stowarzyszeń osób opiekuńczych to naturalny proces niszczenia starego systemu, zbudowanego na ścisłej kontroli osób dopuszczonych do mediów. I to w Internecie można znaleźć piosenki tych wykonawców, których nie usłyszysz w telewizji, ale których muzyka jest naprawdę przyjemna i przydatna do słuchania.

Zwiedzają też miasta, występują na scenach, zbierają pełne sale, ale ich zdjęcia nie są drukowane w kolorowych magazynach, a ich piosenki nie są emitowane w popularnych stacjach radiowych czy muzycznych kanałach telewizyjnych. Ponieważ dla współczesnego przemysłu muzycznego ich twórczość nie pasuje do „formatu” zdefiniowanego i narzuconego szerokiemu gronu odbiorców za pośrednictwem tych samych mediów, a raczej środków kształtowania i kontrolowania świadomości społecznej.

Jako przykład sensownej kreatywności, zwracamy uwagę na jedną z piosenek, które zostały wymyślone i nagrane przez czytelników projektu Teach Good.

Jak to się robi: produkcja w branżach kreatywnych

Przemysł muzyczny w erze cyfrowej

Na początku XXI wieku branża bardzo się zmieniła. Biznes muzyczny był niejednokrotnie odbudowywany wraz z rozwojem technologii internetowych. Głównym problemem wciąż jest piractwo i słaba chęć internautów do płacenia za legalne treści. Tak więc tylko w okresie od 2004 do 2010 roku dochody światowego przemysłu nagraniowego spadły o prawie 31%. W 2013 roku po raz pierwszy odnotowano nieznaczny wzrost sprzedaży nagrań muzycznych w stosunku do roku poprzedniego w wysokości 0,3%.5 Głównie za sprawą oficjalnej sprzedaży w sklepie internetowym iTunesStore. Jednak już w 2014 roku sprzedaż poszczególnych utworów w iTunesStore spadła o 11% rok do roku, z 1,26 miliarda dolarów do 1,1 miliarda dolarów, podczas gdy sprzedaż nośników fizycznych spadła o 9%.6 W Rosji liczby są nadal gorsze niż światowe. W latach 2008-2010 sprzedaż legalnych nośników fizycznych spadła z 400 milionów do 185 milionów dolarów, co oznacza ponad podwojenie w ciągu trzech lat i wskaźnik piractwa na poziomie 63%. Dla porównania, w USA wskaźnik piractwa wynosi zaledwie 19%.7

Zmienia się też sam stosunek do muzyki, sposoby jej słuchania. Popularne 3-5 lat temu sklepy internetowe, takie jak iTunesStore, są wypierane z rynku przez serwisy streamingowe, takie jak Spotify i BeatsMusic. Analitycy przewidują, że do 2019 r. prawie 70% wszystkich przychodów branży muzycznej online będzie pochodzić z serwisów streamingowych, podczas gdy przychody ze sklepów internetowych spadną o 39%. Jednocześnie 23% wszystkich użytkowników serwisów streamingowych, którzy kupowali co najmniej jeden album miesięcznie, teraz w ogóle ich nie kupuje8. rachunki. Jak zauważa analityk muzyczny Mark Mulligan: „Przejście do nowego modelu dystrybucji jest utrudnione przez potrzebę znalezienia wartości, za którą abonenci bezpłatnych kanałów są gotowi zapłacić”.9

Co więcej, współczesna muzyka potrzebuje innych sposobów na przyciągnięcie nowoczesnej publiczności. Sposobów, które najlepiej zaspokoją potrzeby i przyzwyczajenia tej właśnie publiczności, przyzwyczajonej do serwisów streamingowych, gadżetów, tła i odbioru materiału muzycznego.

Wśród najważniejszych przemian, jakie zaszły w branży muzycznej, warto wyróżnić:

- muzyczne bogactwo nigdy wcześniej nie widziane. Dziś jest za dużo muzyki. Internet zwielokrotnił ofertę. W rezultacie słuchacz ma efekt przesytu. A kiedy słuchacz zaczyna odczuwać przesycenie, wartość muzyki spada. W rezultacie bardzo trudno jest przyciągnąć tak znużonego i zmęczonego słuchacza. Zwłaszcza, gdy poza muzyką w sieci jest wiele innych rozrywek10;

- skrócenie czasu kontaktu z jedną pracą. Jeśli internauta czegoś nie lubi, natychmiast zamyka plik i przechodzi do bardziej ekscytujących treści11;

– przejście od pobierania i przechowywania plików do słuchania strumieniowego;

- zaburzenia uwagi odbiorców internetu;

– percepcja klipów i rozpad dużych form muzycznych. Przejście od myślenia albumowego do singli;

- Desakralizacja muzyki. Teraz sieć jest dostępna prawie wszystko na każdy gust. Użytkownik nie musi podejmować wielkich wysiłków, aby uzyskać pożądany rekord. Muzyka przychodzi zbyt łatwo. A gdy muzyka jest uzyskiwana bez większych trudności, nie budzi ona poczucia wartości i wyjątkowości;

– zużycie w trybie wielozadaniowości, co doprowadziło do praktyki słuchania w tle. Dziś człowieka stać na jednoczesne słuchanie muzyki, czytanie artykułu i siedzenie na YouTube. Oznacza to, że dana osoba korzysta z Internetu nie ze względu na muzykę, ale ze względu na coś innego (na przykład filmy lub gry). Muzyka nie jest celem samym w sobie dla użytkownika. Gra w tle12;

– częsta zmiana trendów i konieczność nieustannej aktualizacji treści wywołana efektem FOMO. FOMO to „strach przed utratą czegoś nowego, pominięcie, obsesyjne pragnienie bycia na bieżąco”13. Fenomen FOMO jest szczególnie istotny dla fanów, którzy są przyzwyczajeni do śledzenia życia idoli. Możesz śledzić nas w mediach społecznościowych przez całą dobę. Jeśli jednak artysta nie zaktualizuje treści i nie podzieli się z fanami czymś naprawdę (z punktu widzenia fanów) ważnym, to zainteresowanie szybko znika14;

- synteza z innymi rodzajami sztuki, przede wszystkim z kinem i teatrem;

- zawartość multimedialna materiału muzycznego, czyli przy promocji muzyki towarzyszące mu treści wideo, fotograficzne i tekstowe zaczynają odgrywać znaczącą rolę;

- potrzebą konkurowania o uwagę publiczności nie tylko z profesjonalną społecznością muzyczną, ale także z „amatorami”, którzy mogą spróbować swoich sił w kreatywności i dzielić się wynikami tej twórczości z szeroką publicznością przy stosunkowo tanich technologiach oraz oprogramowanie.

Biorąc pod uwagę wszystkie wyzwania, jakie cyfrowa rewolucja stawia przed branżą, eksperci z brytyjskiej The Music Business School uważają, że dziś udana kampania promocyjna muzyka powinna opierać się na kilku filarach, m.in.:

- nacisk na wyjątkowość artysty;

- dedykowane społeczności fanów, które powinny być obecne w kilku głównych sieciach społecznościowych jednocześnie;

- dystrybucja albumu poprzez maksymalną możliwą liczbę zasobów i platform (sklepy internetowe, serwisy streamingowe, aplikacje mobilne itp.), czyli tzw. wieloplatformowy model biznesowy;

– obecność na wszystkich najsłynniejszych serwisach hostingowych wideo;

– zaangażowanie społeczności fanów w tworzenie i dystrybucję treści;

- budowanie promocji Twojej muzyki wokół jakiejś ciekawej historii (lub pomysłu), która zapewniłaby jej potencjalnym słuchaczom zaangażowanie narracyjne;

- oferowanie niestandardowych projektów, które poszerzają możliwości muzyki i pozwalają na jej „konsumowanie” nie tylko na koncertach czy poprzez zwykłe odsłuchiwanie w Internecie, ale także poprzez dowolne formaty hybrydowe15.

Dlatego podstawowym zadaniem muzyka jest przyciągnięcie uwagi jak największej liczby słuchaczy i utrzymanie tej uwagi jak najdłużej. Branża muzyczna stopniowo dochodzi do wniosku, że samą muzyką trudno jest przyciągnąć publiczność internetową. „Potrzebujemy poszukiwania nowych form, w których muzycy mogą teraz prezentować swoją muzykę. Teraz jest jasne dla każdego muzyka, zarówno luminarza, jak i początkującego: samo nagranie piosenki nie wystarczy teraz, ponieważ ma wszelkie szanse, aby nie zostać usłyszanym” – mówi lider grupy Mumiy Troll, Ilya Lagutenko16.

Z książki Leksykon nieklasyków. Kultura artystyczna i estetyczna XX wieku. autor Zespół autorów

Grafika muzyczna Termin odnoszący się do eksperymentów z wizualnym przedstawieniem oddziaływania muzyki na słuchacza za pomocą grafiki i malarstwa. Gatunek ten powstał w wyniku ogólnych tendencji do interakcji i syntezy sztuk, ale w istocie oryginalny

Z książki Antropologia grup ekstremalnych: Dominujące relacje wśród poborowych armii rosyjskiej autor Bannikow Konstantin Leonardovich

Z książki Biblijne jednostki frazeologiczne w kulturze rosyjskiej i europejskiej autor Dubrowina Kira Nikołajewna

Biblicalizmy i kultura muzyczna Ten temat w naszej książce jest prawdopodobnie najtrudniejszy z wielu powodów. Po pierwsze, nie jestem ekspertem w dziedzinie kultury muzycznej; po drugie, muzyka jest najbardziej abstrakcyjną formą sztuki; więc utwór muzyczny jest bardzo trudny, jeśli

Z książki Czarna muzyka, biała wolność autor Barban Efim Siemionowicz

MUZYCZNA STRUKTURA Materiał muzyczny oferuje niewyczerpane możliwości, ale każda taka możliwość wymaga nowego podejścia... Arnold Schoenberg Chcieć być wolnym oznacza dokonać przejścia od natury do moralności. Simone de Beauvoir Każdy nowy jazz

Z książki Dziennikarstwo muzyczne i krytyka muzyczna: przewodnik do nauki autor Kurysheva Tatiana Aleksandrowna

1.1. Dziennikarstwo muzyczne i nowoczesność Dziennikarstwo często określane jest mianem „czwartego stanu”. Wraz z trzema głównymi, niezależnymi od siebie gałęziami władzy – ustawodawczą, wykonawczą i sądowniczą – współczesne dziennikarstwo ma ze swojej strony

Z książki Wiersz A. S. Puszkina „19 października 1827” i interpretacja jego znaczenia w muzyce A. S. Dargomyzhsky autor Ganzburg Grigorij

Dziennikarstwo i krytyka muzyczna Głównym przedmiotem zainteresowania dziennikarstwa muzycznego jest współczesny proces muzyczny. Różne elementy procesu muzycznego – zarówno twórcze, jak i organizacyjne – są równie ważne, ponieważ oświetlenie

Z książki Jak to się robi: Produkcja w branżach kreatywnych autor Zespół autorów

1.2. Muzykologia stosowana. publicystyka muzyczna i krytyka muzyczna w systemie muzykologii stosowanej

Z książki autora

Krytyka muzyczna i nauka o muzyce Badaniem fenomenu muzyki zajmuje się wiele dziedzin naukowych: oprócz samej muzykologii zwraca uwagę krytyka sztuki różnych kierunków, estetyka, filozofia, historia, psychologia, kulturoznawstwo, semiotyka,

Z książki autora

Krytyka muzyczna i społeczeństwo Życie muzyczne społeczeństwa, które obejmuje również myśl i praktykę muzyczno-krytyczną, jest przedmiotem zainteresowania socjologii muzycznej. To nie przypadek, że to nauka socjologiczna najczęściej zwraca uwagę na krytykę sztuki,

Z książki autora

1.4. Profesjonalne dziennikarstwo muzyczne Na czele współczesnej praktyki muzycznej i dziennikarskiej stoi najważniejszy problem - problem profesjonalizmu. Z czego się składa? Istnieje kilka ważnych elementów, które umożliwiają rozróżnienie

Z książki autora

Krytyka muzyczna kompozytora To oryginalne zjawisko wymaga osobnego rozpatrzenia. Nawet u Puszkina znajdujemy argument, że „stan krytyki sam w sobie pokazuje stopień wykształcenia całej literatury”. Nie chodzi tylko o szacunek

Z książki autora

5.4. Produkcja muzyczna jako przedmiot recenzji Produkcja muzyczna jest gatunkiem syntetycznym. Muzyka łączy się w nim, zgodnie z prawami syntezy artystycznej, z innymi „strumieniem” artystycznym (rozwój fabuły, akcja sceniczna, gra aktorska, obrazkowa).

Z książki autora

3. Muzyczna wersja A. S. Dargomyzhsky'ego Muzyczne rozwiązanie A. S. Dargomyzhsky'ego w jego romansie z tekstem Puszkina „19 października 1827” (skomponowanym w Paryżu w 1845 r.) Jest niezwykłe i godne szczególnej uwagi badaczy, w tym Puszkinistów

Z książki autora

Produkcja w erze cyfrowej komunikacji medialnej Ta książka o produkcji została „wyprodukowana”, zaprojektowana i opublikowana przez studentów studiów magisterskich „Produkcja mediów w branżach kreatywnych” Wydziału Komunikacji, Mediów i Projektowania HSE, dla których

Z książki autora

2.1 Anna Kaczkajewa. Producentka w erze cyfrowej Anna Kachkaeva jest profesorem na Wydziale Komunikacji, Mediów i Projektowania w Wyższej Szkole Ekonomicznej National Research University, dziennikarzem, członkiem Akademii Rosyjskiej

Z książki autora

2.2 Walentyna Szwajko. Multimedialne i transmedialne możliwości promocji muzyki w erze cyfrowej G. V. Plekhanova, absolwentka programu magisterskiego „Produkcja medialna w twórczości