Początek XX wieku charakteryzuje się szybkim rozwojem branży muzycznej rozrywki. Istotną rolę w rozwoju działalności koncertowej odegrały istniejące do 1918 r. Towarzystwo Filharmonii Petersburskiej, Filharmonicy Moskiewscy, Rosyjskie Towarzystwo Muzyczne, Koło Muzyki Rosyjskiej oraz organizacja koncertowa House of Song. Scena muzyczna w tym okresie znajdowała się głównie w rękach prywatnego przedsiębiorstwa.
Szczególnie aktywna jest branża nagraniowa. Pierwsza fabryka płyt w Rosji została otwarta w Rydze w 1902 roku. A w 1907 r. produkcję płyt zorganizowała firma Pate, która sprowadzała matryce z zagranicy (od 1922 r. „Fabryka im. 5 rocznicy października”). Od 1910 roku fabryka Metropol-Record na stacji Aprelevka pod Moskwą produkuje płyty. W 1911 roku uruchomiono fabrykę spółki Sirena-Record, która w ciągu roku drukowała 2,5 miliona płyt.
Duma Państwowa przyjęła ustawę „O prawie autorskim”, która po raz pierwszy uwzględniła interesy firm nagrań dźwiękowych. Powstała Agencja Praw Muzycznych dla Autorów Rosyjskich (AMPRA). Roczna produkcja brutto w Rosji wyniosła 18 milionów płyt gramofonowych, na rynku działało około 20 firm. Zakład Aprelevka zwiększył swoją wydajność do 300 000 rekordów rocznie. Powstał „Syndykat Zjednoczonych Fabryk”, aby przeciwstawić się dużym zagranicznym producentom. Jednak po wybuchu I wojny światowej w Rosji ich liczba spadła.
W 1915 r. uruchomiono zakład „Pisanie Kupidyna w Moskwie”. Przed rewolucją w Rosji było sześć fabryk produkujących 20 milionów płyt rocznie; ponadto wyprodukowano 5-6 milionów z importowanych matryc. Większość fabryk była oparta na osobistym kapitale rosyjskim – „Partnerstwo Rebikowa i K?” inny.
Jednocześnie jednak rynek boryka się również z pierwszymi negatywnymi zjawiskami w branży muzycznej, charakterystycznymi także dla współczesnego show-biznesu. Pojawiły się pierwsze pirackie płyty, wyprodukowane przez firmę Neographon i petersburski oddział amerykańskiej firmy Melodifon. Najdalej posunął się przedsiębiorca D. Finkelstein – jego spółka z Orfenonem produkowała wyłącznie pirackie płyty.
Podobne zjawiska miały miejsce w wydawnictwach muzycznych. Na początku XX wieku wydawnictwa muzyczne w Rosji osiągnęły wysoki poziom rozwoju, nie ustępujący pod względem techniki druku zagranicznym wydawnictwom muzycznym. Takie rosyjskie wydawnictwa muzyczne, jak firma Jurgensona, zdobyły światowe uznanie.
W pierwszych dziesięcioleciach XX wieku istniały liczne sklepy muzyczne - firmy na peryferiach (Jarosław, Rostów nad Donem, Jekaterynburg, Saratów i inne miasta), zajmujące się wydawnictwem muzycznym. Wydawnictwa muzyczne i sklepy muzyczne w Rosji wydawały katalogi wydawanych przez siebie zapisów nutowych, które do dziś są cennym źródłem do badania gustów muzycznych epoki.
Kardynalne zmiany w sztuce muzycznej nastąpiły po rewolucji 1917 roku. Działalność wydawnicza przechodzi w ręce państwa (Dekret Rady Komisarzy Ludowych z 19 grudnia 1918 r.). W 1921 r. wydawnictwa muzyczne i drukarnie muzyczne zostały połączone w jedno wydawnictwo muzyczne, które w 1922 r. weszło w skład Gosizdat jako sektor muzyczny. W 1930 roku sektor muzyczny został zreorganizowany w Państwowe Wydawnictwo Muzyczne „Muzgiz” z oddziałem w Leningradzie, które stało się największym wydawnictwem muzycznym.
W tych samych latach działa też szereg innych wydawnictw muzycznych, w szczególności spółdzielnia „Tritron” (1925-1935). Wydawali nuty i książki o muzyce. W sporadyczne publikowanie notatek zaangażowanych jest szereg organizacji i wydziałów publicznych: Moskiewskie Towarzystwo Pisarzy i Kompozytorów Dramatycznych (MOPIK, 1917-1930), Ogólnounijny Zarząd Ochrony Praw Autorskich.
W 1939 r. w ramach Związku Kompozytorów powstał Fundusz Muzyczny ZSRR, do którego zadań należało wydawanie utworów kompozytorów sowieckich. W 1964 „Muzgiz” i „Sowiecki Kompozytor” połączyły się w jedno wydawnictwo „Muzyka”, ale w 1967 ponownie się rozdzieliły. Wydawnictwa te wydają czasopisma „Muzyka Radziecka” i „Życie Muzyczne”.
Produkcja płytowa również przechodzi okres dramatycznych zmian. Przemysł ten został znacjonalizowany. A jedną z pierwszych płyt gramofonowych wydanych pod reżimem sowieckim było nagranie przemówienia V.I. Apel Lenina do Armii Czerwonej. W latach 1919-1920. Dział „Centropechat” „Radziecka płyta” wyprodukował ponad 500 tysięcy płyt gramofonowych. Były to głównie nagrania przemówień – przemówień wybitnych osobistości partyjnych i publicznych.
W latach dwudziestych wznowiono produkcję w starych przedsiębiorstwach, a w latach trzydziestych rozpoczął pracę Ogólnounijny Dom Nagraniowy w Moskwie. W 1957 roku powstało All-Union Recording Studio. W 1964 roku powstała Ogólnounijna Firma Melodiya, która zjednoczyła krajowe fabryki, domy i studia nagraniowe i przez wiele lat stała się monopolistą w dziedzinie nagrań dźwiękowych.
Duże zmiany nastąpiły również w działalności koncertowej. Organizacja i zarządzanie całym przemysłem przeszło w ręce państwa, co miało ogromny wpływ na ideowe ukierunkowanie twórczości wykonawców. Było to szczególnie widoczne w dziedzinie pop-artu. Powstały specjalne instytucje państwowe, które organizowały działalność koncertową artystów wszystkich gatunków, w tym muzyki pop.
System ten, pod auspicjami Ministerstwa Kultury, obejmował Koncerty Państwowe, Sojuzconcert, Rosconcert, towarzystwa filharmoników republikańskich, regionalnych i miejskich, stowarzyszenia koncertowe, które prowadziły całe najbardziej złożone życie koncertowe w naszym kraju. Wolna przedsiębiorczość została prawnie ukarana jako działalność nielegalna. Wspólnie w tym okresie na pierwszy plan wysuwa się praca muzyczna, edukacyjna i kulturalna.
Koncerty odbywają się nie tylko w salach koncertowych wielkich miast, ale także w małych klubach, domach kultury, w warsztatach fabryk, fabryk, PGR-ów, kołchozów, w czerwonych zakątkach i na farmach. Jednocześnie artyści płacili według ściśle ustalonych taryf - od 4,5 do 11,5 rubli za koncert.
Wraz z pojawieniem się gospodarki rynkowej na oficjalnej scenie zaczynają się rozwijać alternatywne kierunki. Z reorganizacją tej działalności wiążą się problemy. Powstała główna sprzeczność: między osobistą naturą talentu a praktyką zawłaszczania przez stan jego pracy. Przecież wcześniej nie było prawa do zapłaty wykonawcy na żądanie. Powstanie wielu firm i firm działających na scenie muzycznej stało się obiektywną odpowiedzią nowych czasów na wzrost zainteresowania zarówno konsumentów, jak i przedsiębiorców sceną jako całością i jej kierunkami.
Obecnie w Moskwie istnieje ponad siedemdziesiąt publicznych i prywatnych stowarzyszeń, firm, firm i stowarzyszeń, które organizują działalność koncertową. Nie biorąc pod uwagę nielegalnych, niezarejestrowanych stowarzyszeń, taką wieloaspektową działalnością mogą zarządzać tylko wysoce profesjonalni, wyspecjalizowani menedżerowie, którzy muszą nie tylko i nie tyle zaspokajać rosnące wymagania społeczeństwa, ale także je wyprzedzać, wyraźnie wychwytując warunki rynkowe i monitorując działania konkurentów, biorąc pod uwagę inne czynniki w ich pracy na tym rynku, takie jak wypłacalność ludności itp.
Numer tabeli 9
GŁÓWNE CECHY ROSYJSKIEGO RYNKU MUZYCZNEGO
Rosyjski biznes muzyczny jest bezpośrednio uzależniony od ogólnych trendów rozwoju krajowej gospodarki. Przykładem może być kryzys z sierpnia 1998 roku, kiedy praktycznie cała branża muzyczna była
fizycznie sparaliżowany. W efekcie trzykrotnie zmniejszyła się liczba wytwórni fonograficznych, 3-5-krotnie wolumen sprzedaży (w niektórych grupach repertuarowych 10-krotnie), ceny spadły 2-3-krotnie w przeliczeniu na walutę .
Ogromna liczba problemów, które narosły w ostatnich latach, utrudniają dalszy rozwój branży muzycznej. Przede wszystkim są to pytania: prawa, wzajemne długi i zaufanie między firmami. Obecnie wiele firm nie posiada jeszcze pełnego zestawu dokumentów potwierdzających ich prawa do niektórych fonogramów (mówimy zarówno o prawach autorskich, jak i prawach pokrewnych). Umowy zostały zawarte bez dochowania niezbędnych formalności, dlatego w chwili obecnej następuje poważna redystrybucja własności projektów, które zostały opublikowane w ciągu ostatnich dziesięciu lat. Wielu przedsiębiorców zdawało sobie sprawę, że muszą kupować prawa, a nie fonogramy.
Kolejnym problemem tamtych czasów była nowa polityka cenowa. Najwięksi sprzedawcy kierują się minimalnymi, porównywalnymi z pirackimi cenami. Takie podejście stało się jedynym możliwym warunkiem przetrwania rodzimego przemysłu muzycznego i zagranicznych firm prowadzących interesy w Rosji. Jednak decyzja o pracy po niskich cenach nie była łatwa. Na przykład majorowie bali się reeksportu tanich płyt CD na Zachód. A reeksport naprawdę był i jest nawet teraz. Nie było mowy o masowej promocji tanich płyt z Rosji, gdyż żaden szanujący się dystrybutor ani właściciel sieci sklepów nie sprzedawałby płyt „niejasnego pochodzenia”, bez kodów IFPI i innych
symbolika potwierdzająca ich charakter prawny. Dużym problemem pozostaje import równoległy.
W 1999 r. rynek kaset magnetofonowych w kraju pokazał, że jego potencjał jest dość duży, choć zaczyna tracić grunt pod wpływem światowych trendów.
Oprócz sprzedaży tak tradycyjnych nośników jak MC i CD, w 1999 roku dość aktywnie rozwijał się rynek CD-R. Do tradycyjnych już płyt CD-R dodano płyty CD-RW i DVD-RAM. W 2000 roku pierwsza linia produkcyjna CD-R została uruchomiona w Rosji w Ural Electronic Plant.
Jednym z głównych problemów rozwoju biznesu jest wysoki poziom piractwa w kraju - 65-70%. W niektórych grupach repertuarowych sięga 90%
Tak więc rynek rosyjski jako całość wygląda tak (podział według rodzajów mediów):
Stół № 10
CAŁKOWITE DANE O SPRZEDAŻY PRAWNEJ I PIRACKIEJ W MILIONACH. $
* Konsekwencje kryzysu z 17 sierpnia 1998 r. Jak widać z tabeli i liczb, głównym nośnikiem produkcji muzycznej pozostaje kaseta kompaktowa.
Tabela nr 11
SPRZEDAŻ WEDŁUG REPERTUARÓW W MILIONACH. EKZ. (MC+CD3).
Tabela nr 12
STRUKTURA RYNKU WEDŁUG REPERTUARÓW (% CAŁKOWITEJ LEGALNEJ SPRZEDAŻY).
CO TO JEST APKA? CO TO JEST NAPA?
Aby lepiej zrozumieć stan amerykańskiego rynku wideo, rozważ działalność Amerykańskiego Stowarzyszenia Producentów Filmowych (APCA). Jest to profesjonalne stowarzyszenie wiodących firm filmowych, fotograficznych i telewizyjnych w Stanach Zjednoczonych. Do jej członków należą takie firmy jak Buena Vista Pictures Distribution (Walt Disney Company, Hollywood Pictures Corporation, Sony Pictures Entertainment, Columbia, Trista), Twentys Century Fox Film Corporation, Universal City Studios i Warner Bros.
APKA rozwiązuje wiele problemów: ochronę praw autorskich i interesów firm filmowych, wideo i telewizyjnych, zapobieganie piractwu wideo poprzez zaostrzanie kar za tego typu nielegalne działania. Prawnicy Stowarzyszenia pomagają prokuraturze jak najlepiej sformułować zarzut; zebrać dowody, zapewnić udział świadków i biegłych, przeprowadzić analizy prawne i prawne, obliczyć wysokość odszkodowania.
W Stanach Zjednoczonych działa około 100 śledczych APKA, którzy pomagają policji w śledztwie w sprawie „piractwa” i karaniu osób odpowiedzialnych. W 1998, 2022 przeprowadzono takie badania. Według wyników 262 z nich wszczęto sprawy karne i wydano orzeczenia sądowe. Na kary więzienia skazano 52 sprawców.
Członkowie Stowarzyszenia biorą udział w operacjach antypirackich w ponad 70 krajach świata, w tym w Rosji. Wypożyczają swoje
filmy w Rosji za pośrednictwem organizacji posiadających odpowiednie rosyjskie licencje, takich jak Cascade, East-West, Jemmy i Premier.
Od października 1998 roku do rosyjskich kin trafiły 32 filmy wyprodukowane przez studia członkowskie APKA. Wśród nich: „Zakochany Szekspir”, „Armageddon”, „Mumia”, „Maska Zorro”, „Przygody Flicka” i „Uzdrowiciel Adame”. Dodatkowo na wideo prezentowana jest seria filmów. Filmy w kinach na ogół nie podlegają jednoczesnej dystrybucji na kasetach wideo. Zwykle te ostatnie trafiają do sprzedaży po zakończeniu dystrybucji filmów. Ma to na celu ochronę interesów dystrybutorów filmów.
APKA wspiera rosyjską organizację antypiracką – RAPO. Administracja RAPO znajduje się w Moskwie, a sama organizacja działa w dużych miastach w całej Rosji. Członkami RAPO są nie tylko amerykańskie studia filmowe i ich posiadacze licencji w Rosji, ale także niezależne rosyjskie organizacje dystrybuujące filmy, dwie rosyjskie firmy telewizyjne, Rosyjski Związek Autorów Zdjęć Filmowych, Rosyjskie Stowarzyszenie Kolekcjonerów i Rosyjskie Stowarzyszenie Wideo.
Pracownicy RAPO pomagają organom ścigania i policji podatkowej w badaniu źródeł pirackich produktów, przeprowadzaniu nalotów w celu identyfikacji producentów i sprzedawców. RAPO reprezentuje ekspertów, którzy potrafią zidentyfikować przedmioty „pirackich” produktów i zeznawać w sądzie.
NAPA - Krajowe Stowarzyszenie Producentów
dystrybutorzy produktów audio w Rosji. Decyzję o utworzeniu Krajowego Stowarzyszenia Producentów Produktów Audio w Rosji podjęto na pierwszym posiedzeniu Komisji Wschodnioeuropejskiej IFPI po sierpniowym kryzysie (wrzesień 1998). W rezultacie NAPA została zarejestrowana w czerwcu 1999 roku.
Główne cele NAPA to: przygotowanie w Rosji w oparciu o NAPA krajowej grupy IFPI, która docelowo połączy się z personelem przedstawicielstwa IFPI w Moskwie; ochrona praw i uzasadnionych interesów producentów produkcji audio - rosyjskich firm muzycznych, zwalczanie reprodukcji i dystrybucji nielegalnych produktów audio oraz koordynowanie działań posiadaczy praw do produktów audio w celu przestrzegania obowiązujących przepisów na terytorium Federacji Rosyjskiej.
Obecnie NAPA obejmuje największe rosyjskie firmy i największe firmy, które mają własne oddziały i filie w Rosji, takie jak Universal, BMG, EMI (S.B.A.), Gala Records, Real Records Art Stars, Studio Soyuz, Producent Igor Matvienko Center, FeeLee Records Firma, NOX-MUSIC i inne.
Do chwili obecnej NAPA ma siedem organizacji działających jako filie w Rosji. Trwają negocjacje z innymi regionami. NAPA aktywnie rozszerza się „w głąb lądu”, jednocześnie koncentrując się na biznesowych regionach kraju, ponad milionach miast.
NAPA obejmuje wiele firm członkowskich NAPA, które są również członkami IFPI. Aby zrozumieć tę konstrukcję, rozważmy najpierw strukturę IFPI w innych krajach i na całym świecie.
Międzynarodowa Federacja Przemysłu Fonograficznego (IFPI) zrzesza firmy fonograficzne, które z kolei są zjednoczone terytorialnie w grupy narodowe. Oznacza to, że federacja składa się z grup narodowych różnych krajów, na przykład grup narodowych Niemiec, USA itp. Do tej pory takiego stowarzyszenia w Rosji nie było. W ryzykownych obszarach biznesowych IFPI rozpoczyna swoją działalność od otwarcia przedstawicielstw. Po pewnym czasie, w zależności od dynamiki rozwoju poszczególnych krajów, w miejscu reprezentacji lub przy jej pomocy tworzona jest narodowa grupa IFPI tego kraju. Funkcje przedstawicielstwa federacji w różnych krajach (a także w Rosji) sprowadzają się do wyjaśniania lokalnym firmom muzycznym roli IFPI w międzynarodowym biznesie muzycznym, zapraszania ich do członkostwa w federacji i w efekcie stworzenia grupa narodowa. Niestety proces ten przeszedł w naszym kraju „specjalną rosyjską drogę”.
Zakończenie tworzenia narodowej grupy IFPI w Rosji nie jest odległe. NAPA jest do tego w pełni przygotowana – Stowarzyszenie powstało jako trzon narodowej grupy IFPI. Mają wspólne cele i zadania: legalizacja biznesu muzycznego, pomoc prawna i prawna dla firm członkowskich IFPI, aktywna walka z piractwem w Rosji w ogóle, ale zwłaszcza w regionach z milionem mieszkańców. Oczywiście szczególne miejsce zajmuje praca w Moskwie i regionie moskiewskim.
NAPA wspiera struktury państwowe w doskonaleniu ustawodawstwa w zakresie praw autorskich i pokrewnych, uczestniczy jako niezależny
niezależni eksperci w opracowywaniu decyzji władz państwowych i kierownictwa w sprawach biznesu muzycznego.
Założyliśmy również i prowadzimy Rosyjskie Stowarzyszenie Fonograficzne. Powstała jako organizacja zrzeszająca firmy fonograficzne. Głównymi celami były pobieranie wynagrodzenia za publiczne zwielokrotnianie i dystrybucja bezpiecznych pieniędzy wśród firm będących właścicielami praw autorskich.
Członkiem NAPA może zostać każda firma krajowa legalnie działająca na rynku, uznająca dokumenty statutowe oraz działająca w zakresie rejestracji i reprodukcji dźwięku. Aby dołączyć, należy złożyć wniosek do NAPA wraz z podaniem, dołączając do niego komplet dokumentów statutowych i rejestrowych. Procedura jest prosta, ale nakłada na członków dużą odpowiedzialność.
Między lipcem 1999 a lipcem 200, NAPA w Rosji zbadała 62 076 kopii nośników audio pod kątem podrabiania. Złożono 22 wnioski o ściganie osób winnych nielegalnego korzystania z praw autorskich i praw pokrewnych, osiem pozwów, pięć pozwów do sądów, pięć kampanii antypirackich zorganizowano wspólnie z organami ścigania i IFPI oraz piętnaście kampanii odbyły się wspólnie z Ministerstwem Spraw Wewnętrznych.
Stowarzyszenie zajmuje się badaniem rynku produktów audio w Federacji Rosyjskiej, tworzeniem banku danych produktów audio, producentów audio oraz sieci handlowej dealerów i dystrybutorów - aż do informacji o każdej branży
punkt. Doradza organom państwowym, przedsiębiorstwom, stowarzyszeniom publicznym i obywatelom w biznesie muzycznym, promuje cywilizowane sposoby rozwoju rynku muzycznego, organizuje seminaria, sympozja i staże w Rosji i za granicą. W najbliższym czasie organizacja ogólnopolskich konkursów z dziedziny branży muzycznej.
NAPA reprezentuje rosyjskich producentów audio w Międzynarodowej Federacji Przemysłu Fonograficznego (IFPI) i uczestniczy w jej działaniach (współdziała z innymi grupami narodowymi).
Stałymi partnerami NAPA są po pierwsze właściciele praw autorskich, a po drugie różne organizacje eksperckie, w tym system ośrodków kryminalistycznych Ministerstwa Spraw Wewnętrznych Federacji Rosyjskiej, Centrum Niezależnego Kompleksowego Badania Systemów i Technologii, które prowadzą cały możliwy zakres badań i badań zajętych wyrobów. Po trzecie, przedsiębiorstwa zajmujące się transportem i odpowiedzialnym przechowywaniem podrobionych produktów.
Poprzez zestaw eksperckich badań można udowodnić fakt produkcji podróbek w konkretnym przedsiębiorstwie lub, jak mówią eksperci, „przywiązać” kasety audio do konkretnej maszyny, konkretnego urządzenia do rejestracji dźwięku. W szczególności taśma magnetyczna poruszająca się w procesie zapisu na niej informacji dźwiękowej wykazuje zmiany w warstwie powierzchniowej charakterystyczne dla tego urządzenia rejestrującego dźwięk, które
i jest całkowicie bezbłędnie ujawnione w badaniu śledczym.
Poszukiwanie posiadaczy praw autorskich odbywa się w bazach danych zawierających informacje o krajowych albumach (a rosyjski Rocznik Muzyczny wydawany przez agencję Inter Media bardzo pomaga w tej NAPA) oraz w publikacjach zagranicznych. Tutaj NAPA opiera się na bazach danych otrzymanych od partnerów zagranicznych. Ważne jest określenie daty pierwszej publikacji utworu i fonogramu dla każdego tytułu. Jednym z istotnych elementów czynności śledczej lub badawczej jest ustalenie wysokości szkód wyrządzonych uprawnionym w wyniku nielegalnego korzystania z utworów i fonogramów. Ważnym punktem jest uznanie posiadacza praw autorskich za powoda cywilnego.
Środki otrzymane po przetworzeniu podrobionych produktów i wytworzeniu legalnych produktów z uwolnionych materiałów składowych są rozdzielane w uzgodnionej wysokości między posiadaczy praw, przedsiębiorstwa odpowiedzialne za składowanie podrobionych produktów, system zakładów przetwarzania podrobionych produktów i produkcję produkty prawne i budżet.
CO TO JEST „NOX”?
NOKS to Krajowe Stowarzyszenie Gmin Kulturalnych. Główne idee „Knox” to:
Zachowanie i rozwój kultur narodowych i etnicznych;
Propaganda dziedzictwa kulturowego;
Jednoczenie ludzi poprzez wymianę kulturową, umacnianie przyjaznych i braterskich więzi między narodami;
Afirmacja dumy każdego człowieka ze swojego narodu;
Pomoc we wzmacnianiu Rosji jako państwa wielonarodowego, w którym wszystkie narody są równe w swoich prawach.
Od wielu lat propaguję ideę, aby wszyscy ludzie żyli w przyjaźni i pokoju, kontaktowali się w biznesie, wzajemnie wzbogacali się poprzez więzi kulturowe. Na naszej ziemi nie powinno być wojen. W końcu matki rodzą dzieci na szczęśliwe życie, pilnie rozwijają swoje talenty, zaszczepiają w nich najlepsze uczucia i oczywiście dumę ze swojego narodu, bo w każdym narodzie są ludzie niezwykle utalentowani.
Aby rozwiązać problemy naszego społeczeństwa poprzez kulturę, stworzyłem NOX.
Teraz ważne jest, aby znaleźć ludzi, którym można w pełni zaufać w realizacji tych pomysłów. „NOX” powinien stać się prawdziwą kuźnią takiego personelu. Nieustannie przekazuję swoje pomysły menedżerom, kształcę nowe pokolenie producentów, powierzam im swoje projekty i pomagam je realizować.
Słynny brytyjski sprzedawca mediów – HMV (His Master's Voice) – ogłosił upadłość od poniedziałku, a istniejąca od 1921 r. sieć handlowa nie mogła konkurować ze sprzedażą internetową, która stała się główną formą dystrybucji muzyki. nowe technologie wymagają nowego podejścia do przeglądu regulacji prawnych Glynn Lanny
Konieczność dostosowania istniejącego systemu praw autorskich jest już dawno spóźniona. W swoim opracowaniu „The Mercantilist Turn in Copyright” (Copyright’s Mercantilist Turn: Czy potrzebujemy więcej praw autorskich czy mniej? Dokument badawczy Tulane Public Law Research No. 12-20). Profesor prawa na Uniwersytecie Tulane Glynn Lanny (Glynn S. Lunney) analizuje stanowisko zwolenników zaostrzenia regulacji prawa autorskiego. Przyjmowanie ustaw, takich jak: SOPA oraz PIPA ich zdaniem przyczyni się do wzrostu dochodów w branży kreatywnej. Pan Lanny wątpi w słuszność takiego argumentu – wydaje się, że zaostrzając regulacje dotyczące praw autorskich, jedyne, co można osiągnąć, to sztuczne przekierowanie przez państwo części dochodów z innych sektorów gospodarki do przemysłu kreatywnego. Ale jednocześnie współczesne technologie cyfrowe tworzą nowe mechanizmy pobudzania jednostek kreatywnych do tworzenia nowych wartości kulturowych, co potwierdzają wyniki jego badań empirycznych nad przemysłem muzycznym.
Etapy przemysłu kreatywnego
Nowe technologie prowadzą często do radykalnych przemian w różnych sferach ludzkiego życia. Pojawienie się pierwszej prasy drukarskiej Gutenberga, a później urządzeń do rejestracji dźwięku i obrazu znacznie obniżyło koszty kopiowania i umożliwiło dystrybucję dzieł twórczych bez bezpośredniego udziału ich autorów. We wczesnych stadiach rozwoju tych technologii wynalazcy byli w stanie z powodzeniem dystrybuować (jednak nie za darmo) kopie treści multimedialnych bez płacenia ich autorom tantiem. Na przykład pod koniec XIX wieku aktywnie rozpowszechniło się mechaniczne pianino (pianola) i taśmy dziurkowane, na których nagrywano nuty, co umożliwiło masowe kopiowanie i rozpowszechnianie kompozycji muzycznych.
W takich warunkach kompozytorzy i wydawcy partytur narażali się na utratę dochodów. Aby rozwiązać narastający konflikt, osiągnięto porozumienie korzystne dla obu stron. Prawa autorskie zaczęły obejmować kopie utworów, a muzycy, wraz z wydawcami partytur, otrzymali prawo do otrzymywania dochodów z rozpowszechnianych kopii, a firmy fonograficzne minimalizowały możliwość monopolizacji rynku przez wydawców partytur i otrzymywały gwarantowany dostęp do kompozycji muzycznych za określoną opłatą. Ten model ochrony praw autorskich jest nadal aktualny zarówno w przemyśle muzycznym, jak iw innych gałęziach przemysłu kreatywnego. Istnieje koncepcja, zgodnie z którą taki model pozwala na obniżenie kosztów transakcyjnych, ale jednocześnie pozostaje niewrażliwy na zmiany warunków ekonomicznych.
Cyfrowe odrodzenie przemysłu muzycznego
Powszechne korzystanie z technologii cyfrowych w ciągu ostatnich kilkudziesięciu lat namacalnie zmieniło nasze społeczeństwo. Współdyrektor Berkman Center for the Study of Internet and Society na Uniwersytecie Harvarda Yochai Benkler (Yochaj Benkler) w swojej książce Bogactwo sieci zauważa, że technologie cyfrowe umożliwiły utworzenie sieciowej gospodarki informacyjnej, która łączy elementy rynkowe i nierynkowe. Taka gospodarka działa w oparciu o powszechnie rozproszoną infrastrukturę technologiczną (technologia komputerowa jest własnością i jest kontrolowana przez jednostki). „Surowce” to dobra publiczne (informacja, wiedza, kultura), których „marginalna wartość społeczna” jest w rzeczywistości zerowa. Jednak ludzka kreatywność i moc obliczeniowa technologii to ograniczone zasoby. A społeczne systemy produkcji i wymiany (peer-to-peer) umożliwiają efektywniejsze wykorzystanie tych zasobów.
Technologia cyfrowa zmieniła przemysł muzyczny. Teraz, aby nagrać i dystrybuować np. album muzyczny wystarczy mieć niedrogi sprzęt do nagrywania, komputer i dostęp do Internetu. Dzięki temu muzycy nie muszą zwracać się do znanych studiów nagraniowych, które obsługują większość kanałów dystrybucji treści muzycznych. Zmniejszenie kosztów i zagrożeń związanych z tworzeniem treści cyfrowych pomaga przełamywać stare bariery wejścia na rynek muzyczny, co przyczynia się do tworzenia wysoce konkurencyjnego środowiska i pojawiania się nowych dzieł twórczych. Ale jednocześnie produkcja muzyczna faktycznie „wycieka” z rąk swoich producentów do środowiska cyfrowego, w którym są mniej w stanie kontrolować jej dystrybucję, a przychody branży spadły. Czy wpływa to na motywację kreatywnych jednostek do tworzenia nowych wartości kulturowych?
Państwo zwiększa poparcie dla praw autorskich
Aby przetrwać w branży muzycznej, korporacje fonograficzne zmuszone są dostosować się do nowych warunków ery cyfrowej. Jednak zamiast wspierać konkurencyjne środowisko w branży, rząd USA prowadzi aktywną politykę wewnętrzną i zagraniczną, mającą na celu utrzymanie istniejącego „status quo”. Najbardziej wymownym przykładem rosnącej roli państwa w regulacji własności intelektualnej na poziomie krajowym jest przyjęcie przez Biały Dom w 2010 roku Generalnego Planu Strategicznego Ochrony Własności Intelektualnej, który ma na celu bardziej zwalczanie fałszerstw niż przy reformie ustawodawstwa w zakresie ochrony własności intelektualnej, w tym .h. i prawa autorskie.
W swoim artykule profesor prawa na Uniwersytecie w Tulane Glynn Lanny Zauważa, że takie wycofanie się USA z neoklasycznego podejścia do handlu międzynarodowego może być przedwczesne. Zwolennicy zaostrzenia przepisów dotyczących praw autorskich twierdzą, że takie działanie pobudzi wzrost gospodarczy, stworzy nowe miejsca pracy i zwiększy przychody w branżach kreatywnych. Jednak obrońcy praw autorskich często tracą z oczu, jak zaostrzenie przepisów dotyczących praw autorskich wpłynie na inne sektory gospodarki.
Jako analityczny model do rozważenia takiej interakcji pan Lanny sugeruje wykorzystanie paradoksu rozbitej szyby Frederica Bastiata, zgodnie z którym jeśli chłopiec stłucze szybę w sklepie piekarniczym, to ten drugi będzie musiał zamówić nowy, co stworzy popyt dla produktów szklarskich i usług szklarskich. Ale gdyby szkło pozostało nienaruszone, piekarz mógł za te pieniądze kupić nowe buty. W rezultacie gospodarka rosła, ale dla piekarza nie wytworzono żadnej nowej wartości. Tak więc w branży kreatywnej, nawet jeśli ekspansja systemu praw autorskich stworzy nowe bodźce do wzrostu gospodarczego, nie zawsze doprowadzi do stworzenia nowych wartości dla społeczeństwa. Może to prowadzić np. do „pompowania” zasobów z innych sektorów gospodarki.
Tworzenie muzyki bez praw autorskich
W pierwszej dekadzie XXI wieku, po pojawieniu się pierwszej usługi udostępniania plików muzycznych Napster, przychody przemysłu spadły o ponad połowę (zob. wykres 2).
Rysunek 2. Wielkość sprzedaży muzyki (w cenach z 2011 r.)
.png)
Współczesny przemysł muzyczny to dość dziwne zjawisko, które nie stoi w miejscu i stale ewoluuje. Ci, którzy pracowali w muzycznej „kuchni” ponad rok wiedzą, że czasami bardzo trudno jest przewidzieć, jaka muzycznie przyszłość przyniesie nam przyszłość. Jednak system zysków jest zawsze taki sam i każdy, kto poważnie myśli o zamianie swojej muzyki na twardą gotówkę, dobrze by zrobił, gdyby miał przynajmniej podstawową wiedzę na temat tego, jak działa biznes muzyczny.
Dlatego postanowiliśmy napisać mały poradnik dla śmiałków, którzy chcą i zamierzają promować swoją muzykę i dobrze na niej zarabiać. To wystarczająca informacja, aby dać ci podstawowe pojęcie o tym, jak żyje i oddycha biznes muzyczny, i skłonić cię do zastanowienia się, jak możesz być jego częścią.
Wytwórnie fonograficzne
„Tradycyjną” drogą do sukcesu w branży muzycznej jest to, że Twoje nagranie zostanie usłyszane przez znaną wytwórnię, która następnie podpisze Ci kontrakt na promocję Twojej twórczości. Jeszcze lepiej, jeśli masz już nagrane kilka utworów, które można umieścić w swoim minialbumie, w pełnym albumie lub kilku albumach w sieci.
W rzeczywistości wytwórnia działa jak inwestor, który inwestuje swoje pieniądze w Ciebie i Twój projekt. Pieniądze te są wykorzystywane na opłacenie wynajmu studia, miksowania i masteringu, a także na opłacenie zaliczki, która jest wpłacana z góry, abyś mógł dożyć punktu, w którym zaczniesz otrzymywać część sprzedaży, o której mowa w branży jako tantiemy.
Etykieta zajmuje się również całą dokumentacją potrzebną do wydania utworu/albumu, która zawiera tabelę podziału tantiem: jaki procent każdej zarobionej monety trafia do Ciebie, współpracowników, a jaki procent trafia do etykiety, aby pokryć ich początkową inwestycję i otrzymuj dalsze zyski, które wytwórnia może ponownie zainwestować w Twoją promocję.
Muzyczne odbicia
Towarzystwo Ochrony Praw Autorskich (MCPS) płaci tantiemy za każdą kopię Twojego utworu. Oznacza to, że im więcej sprzedasz płyt, tym więcej dostaniesz. Ponadto, jeśli Twój utwór trafi na płyty CD lub DVD lub zostanie wykorzystany w inny sposób, również otrzymasz za to określoną kwotę.
Na przykład: w kolekcji jest 20 piosenek, a jedna z nich jest twoja. Oznacza to, że Copyright Society zapłaci Ci 5% wszystkich sprzedaży.
Długo oczekiwane wydanie Twojej muzyki
Wydanie Twojej muzyki oznacza wykorzystanie Twojego utworu w dowolnej formie, a cały dochód uzyskany po wydaniu Twojej muzyki może pochodzić z wielu różnych źródeł. W rzeczywistości pieniądze pochodzą za każdym razem, gdy utwór jest odtwarzany w telewizji, radiu lub używany jako ścieżka dźwiękowa do filmu, nawet gdy utwór jest odtwarzany w przymierzalniach Topshop. Lista nie ma końca.
Teoretycznie okazuje się, że otrzymujesz pieniądze za dowolne wykorzystanie swojego toru. System ten działa za pośrednictwem agencji windykacyjnych, takich jak PRS w Wielkiej Brytanii lub ASCAP (Composers, Writers and Publishers of America) w USA. Organizacje te śledzą wszystkie sposoby wykorzystania Twojej muzyki, a następnie odpowiednio zbierają i rozdzielają pieniądze.
Telewizja, filmy i nie tylko
Głównymi kanałami dystrybucji i źródłami zysku w branży muzycznej są telewizja, filmy i gry wideo, czyli dystrybucja ścieżki dźwiękowej Twojej muzyki za pośrednictwem tych kanałów. Korzyści płynące z fonogramu są oczywiste: otrzymujesz zapłatę za wykorzystanie swojej kompozycji; w rezultacie zyskujesz nowe dochody z faktu, że Twoja piosenka jest wykorzystywana w projektach filmowych lub programach telewizyjnych, na przykład jako ścieżka dźwiękowa. Takie wykorzystanie Twojej muzyki pozwala Ci zwiększyć widoczność Ciebie i Twojej pracy, ponieważ będzie ona słyszana przez potencjalnie ogromną publiczność, która wcześniej nie była zaznajomiona z Twoją muzyką.
Nie jest łatwo zdobyć utwory w projektach telewizyjnych i filmowych, ale istnieją wyspecjalizowane firmy produkcyjne, które będą działać w twoim imieniu, aby popchnąć twoją muzykę w tym czy innym kierunku. Możesz więc zająć się swoim biznesem, podczas gdy agencje te promują Twoje utwory wśród ludzi zaangażowanych w film i telewizję.
Całkiem zrozumiała jest potrzeba skatalogowania muzyki, która znajdzie się w bibliotece fonograficznej firm muzycznych (ostatnio określanych jako Music Production Companies). W końcu to właśnie taki katalog jest potencjalnie najbardziej opłacalny ze wszystkiego, co zrobisz. Z reguły taka firma pobiera procent za promocję Twojej muzyki. Ale nie musisz im płacić z góry, żeby cię reprezentowali. Płatność dokonywana jest na miejscu. A jeszcze lepsze jest to, że nie otrzymują zapłaty, dopóki Twoja muzyka nie znajdzie się w obiegu, co oznacza, że będą pracować tak ciężko, jak tylko mogą, aby upewnić się, że wszyscy o Tobie wiedzą.
Pomyśl o kompozycji Rembrandta „I'll Be There For You” – ścieżce dźwiękowej do serialu „Przyjaciele” – io tym, ile osób na całym świecie go zna...
Inne źródła dochodów
A co, jeśli w ogóle nic nie napisałeś ani nie wyprodukowałeś? Nie martw się, nadal możesz zarabiać na muzyce. Streaming PPL nie jest typowym kanałem dystrybucji ze względu na autorów piosenek. Jest to dodatkowe źródło tantiem wypłacanych przez nadawców wykonawcom za korzystanie z ich muzyki. Wszyscy zaangażowani w tworzenie utworu (basiści, wokaliści wspierający itp.) również otrzymują niewielką kwotę pieniędzy za swoją pracę.
Dystrybucja
Dystrybutor odpowiada za dostarczenie Twojej muzyki z magazynu do sklepu. Aby to zrobić, jeśli tworzysz treści fizyczne, musisz zawrzeć umowę dystrybucyjną.
Jak wiemy, muzyka „fizyczna” pozostaje w tyle za muzyką cyfrową pod względem popularności, co jest dobrą wiadomością, jeśli zakładasz własną wytwórnię, ponieważ dystrybucja nie musi być wielkim wysiłkiem ani kosztem. Dystrybucja cyfrowa oznacza, że Twoje nagrania będą dostępne w cyfrowej sprzedaży we wszystkich miejscach, na które czekają Twoi fani. Na przykład Amazon, Beatport, iTunes. Innymi słowy, dystrybucja cyfrowa pod każdym względem oszczędza niepotrzebnego zamieszania.
I w końcu
To wszystko jest dość trudne do zaakceptowania, ale jeśli chcesz związać swoje życie z muzyką, to musisz zrozumieć podstawowe mechanizmy tak ogromnej muzycznej machiny i musisz być gotowy, jeśli naprawdę chcesz wyrazić siebie i odejść znak na boisku muzycznym, weź to sprawa i idź do końca, bez względu na wszystko.
I życzymy powodzenia!
Wykład - Sergey Tynku
To niesamowite, ale tak wielu ludzi wciąż nie wie, jak działa dziś mechanizm przemysłu muzycznego. Dlatego postaram się wyjaśnić wszystko w skrócie. A tak przy okazji, jeśli nie rozumiesz, czym jest branża, to za granicą rozumieją to jako biznes. Oznacza to, że chodzi o to, jak działa biznes muzyczny lub przemysł muzyczny. Weź to sobie do głowy, raz na zawsze, branża to biznes.
Jak każda inna branża, przemysł muzyczny wytwarza i sprzedaje produkt. A ten produkt to koncert. Wcześniej produkt był rekordowy, ale w naszych czasach nie ma już znaczenia. Teraz produkt to tylko koncert. Dlaczego koncert? Bo muzycy zarabiają na koncertach, a słuchacze płacą za koncerty.
W związku z tym głównym celem branży jest zrozumienie zapotrzebowania publiczności (na danym terenie) na koncerty w określonym formacie, stylu i cenie. Samej branży nie obchodzi, jaki rodzaj muzyki i jakich muzyków ma sprzedawać. Po prostu lepiej sprzedawać. To jak bycie w barze. Odpowiedni właściciel baru nie dba o to, jakim piwem handlować, a nalewa to, na które jest większy popyt i na którym można więcej zarobić - kupuj taniej i drożej sprzedawaj.
Aby artysta dostał się do branży muzycznej, pozostań tam i odnieś sukces… wszystko, czego potrzebujesz, to być na nie popyt. To jak z każdym produktem na każdym rynku. Jeśli będzie zapotrzebowanie na Twój koncert, to będziesz w branży. Jeśli nie ma popytu, to nie będzie. Branża interesuje się artystami, którzy przynoszą pieniądze, do których przyjdą ludzie.
To prawo działa zarówno w przypadku dużych stadionów w obu Amerykach, jak i małych tawern w regionie Samara. Przemysł muzyczny jest wszędzie taki sam.
Pamiętaj, że nie trzeba być dobrym, ale trzeba być na żądanie. A w naszym kraju ludzie często myślą, że jeśli produkt (muzyk) jest dobry, to musi być popyt. A to są różne rzeczy. A „dobry” jest bardzo subiektywny. Ale pojęcie „na żądanie” można wyczuć własnymi rękami i zmierzyć liczbą widzów i przyniesionymi przez nich pieniędzmi.
Branża składa się z trzech głównych uczestników – sali koncertowej, artysty, widza. A najważniejsze jest widz. Bo całość istnieje na pieniądzach widza. Płaci za wszystko. Sale koncertowe i artyści żyją za swoje pieniądze. Zamawia muzykę pod każdym względem i płaci za bankiet.
Branży nie obchodzi, w jaki sposób artysta zdobywa popularność i popyt (to sprawa osobista i koszt artysty i jego menedżera). Dobra muzyka, skandale, kompetentny PR, moda itp. Branży nie obchodzi, jaki produkt ma sprzedawać. Jego zadaniem jest sprzedaż tego, na co jest popyt. Jeśli ludzie nie przychodzą do twojego klubu (lub baru), wtedy spłukasz. Dlatego zadaniem branży jest zrozumienie, czego ludzie potrzebują – to chyba najważniejsza rzecz w branży.
Wyobraź sobie przez chwilę, że masz swój własny klub rockowy. Wydałeś pieniądze, aby go kupić, wydajesz pieniądze na jego utrzymanie, płacisz personelowi i ponosisz mnóstwo innych wydatków. A teraz wyobraź sobie, że musisz wybrać jednego z artystów na koncert w swoim klubie. I zapłać mu honorarium. Kogo chcesz zobaczyć w swoim klubie, jeśli chcesz zarabiać, a nie ponosić strat?
Stworzenie pożądanego i popularnego artysty jest zadaniem samego artysty (i jego kierownictwa). Branży nie obchodzi komu sprzedawać. Po prostu skupia się na aktualnych gustach odbiorców. Oczywiście te gusta jakoś ciągle się zmieniają. Ponieważ gusta publiczności są niejednorodne, branża współpracuje z artystami różnych gatunków i stylów.
Zgodnie z popularnością (zapotrzebowaniem) artysty branża oferuje publiczności koncerty w salach o większej lub mniejszej pojemności, dodatkowo ustala różne ceny biletów. Ale branża jest zawsze napędzana popytem. Można powiedzieć, że to bezduszna maszyna, głupio odzwierciedlająca obecny stan rynku i popyt. Ogólnie rzecz biorąc, branża to tysiące sal koncertowych, których liczba, wielkość i format są determinowane wyłącznie przez rynek, czyli popyt na niektórych artystów i gatunki na określonych terytoriach.
Pamiętaj, że w różnym czasie na różnych terytoriach popyt jest również inny!
Nie ma sensu, aby artysta czy widz byli niezadowoleni z branży. Po prostu pokazuje stan rynku, reagując na niego, a nie go kształtując. Jeśli w branży czegoś nie ma lub jest słabo reprezentowana, to tylko dlatego, że w tej chwili na tym terenie jest taki popyt na ten produkt (zerowy lub mały).
Jeśli artysta nie jest w branży (albo robi, ale nie na taką skalę, jak byśmy sobie życzyli), to nie jest wina branży. Reaguje tylko na gusta tłumu. I nie dba o konkretne nazwiska artystów.
Tak to wszystko działa w skrócie.
W związku z tym koncepcja muzyki na żądanie jest inna. Jeśli tworzysz muzykę według własnego gustu, nie zdziw się, że przemysł muzyczny tego nie potrzebuje. Twój gust niekoniecznie jest taki sam jak gust płacącej publiczności. A jeśli tak, to nie jest faktem, że jakość Twojego produktu muzycznego może konkurować z innymi artystami. Zawsze bądź świadomy konkurencji. Obecnie na świecie jest znacznie więcej muzyków, niż potrzebuje publiczność. Dlatego nie wszyscy trafiają do branży muzycznej.
Jeśli popyt na muzykę w wiosce to jeden harmonijka na przyjęcie sylwestrowe, to dziesięciu harmonistów nie będzie pasowało do przemysłu tej wsi.
Na świecie są menedżerowie muzycy. Są pośrednikami między artystami a publicznością, artystami a przemysłem. Ktoś (jak gdzie indziej) poradzi sobie bez pośredników, ale komuś się nie udaje. Jak każdy pośrednik, menedżerowie starają się zarabiać. Dlatego ważne jest, aby zobaczyli i zrozumieli, czy konkretny artysta będzie w stanie stać się popularny, czy „nie” w paszy dla koni. Ta wizja zrozumienia odróżnia dobrego menedżera od złego. To jest jego dochód. I znowu, branży nie obchodzi, jak artysta stara się zdobyć popularność – z menedżerami lub bez. Słowo „kierownik” w tym tekście może być rozumiane nie tylko jako jedna osoba, ale jako całe biuro promocji.
Wielu artystów wiąże duże nadzieje z menedżerami, którzy ich zdaniem rozwiążą wszystkie problemy. Ale to nie jest takie proste. Jeśli menedżer jest dobry i rozumie rynek, to będzie pracował tylko z artystą, który jego zdaniem ma potencjał. A artysta musi jakoś umieć oczarować menedżera, sprawić, by uwierzył w siebie. I okazuje się, że menedżer nie jest magikiem sprzedającym zły produkt, a artysta musi przede wszystkim rozdać produkt o odpowiednich właściwościach (który można sprzedać).
Jeśli menedżer jest zły, może łatwo zatrudnić artystę o niejasnych perspektywach. I tu może być tak, że zły menedżer w niczym nie pomoże, a może dobry artysta z punktu widzenia perspektyw rynkowych odniesie sukces nawet ze złym menedżerem. Ale w każdym razie, jeśli artysta zdecyduje się wypromować z pomocą menedżera, musi sprawić, by menedżer uwierzył w tego artystę.
A musimy pamiętać, że menedżer nie jest wolny. Jeśli menedżer (biuro) inwestuje pieniądze (lub czas/wysiłek) w promocję, oznacza to, że widzi potencjał w produkcie (artyście) i planuje zrekompensować koszty i zarobić więcej. A jeśli żaden z mądrych menedżerów nie chce robić z tobą interesów, to nie widzą w tobie potencjału rynkowego. Oni, jak wszyscy inni, mogą popełniać błędy – spróbuj to udowodnić im i rynkowi.
Zrozum, że jeśli twój potencjał jest oczywisty, wtedy natychmiast utworzy się wokół ciebie morze ludzi, którzy chcą na tobie zarabiać. Ale jeśli nie jest to oczywiste, to trzeba przeciągać nieszczęśliwych. To jak z kobietami. Jeśli jesteś super laską, wokół ciebie jest morze mężczyzn. A jeśli nie jesteś zbyt dobry, popyt na ciebie na rynku męskim jest znacznie mniejszy. Na tym świecie wszystko jest bardzo proste.
W przemyśle muzycznym obowiązują te same prawa, co na rynku ogólnym. Wyobraź sobie sklep spożywczy. Dostępnych jest 10 opakowań mleka różnych marek. Powiedzmy, że zdecydujesz się zrobić mleko. Dobre mleko. Przychodzisz do sklepu i mówisz – mam dobre mleko, zabieram je na półkę. Odpowiadają, że mleko może być dobre, ale nikt o tym nie wie i nie kupi - popyt ludzi na niektóre marki już się rozwinął. Dlaczego mielibyśmy kupować na półkach jakiś potencjalnie niepłynny towar? Potem zaczynasz reklamować swój produkt – kręcisz filmy do pudełka, wieszasz reklamy na billboardach w całym mieście, rozdajesz darmowe paczki mieszkańcom w pobliżu metra, zatrudniasz gwiazdę do promocji. Wszystko! Pojawił się popyt - zabrali cię do sklepu. Najpierw w jednym, potem w drugim, a potem w całym kraju! Jesteś w biznesie, człowieku!
- Oczywiście w rzeczywistości sytuacja z popytem i sklepem może być bardziej skomplikowana. Mogą powiedzieć, że nie obchodzi ich, czym handlować - ludzie w okolicy kupią mleko za tę cenę i dlatego nie zamierzają niczego zmieniać w asortymencie. Wtedy trzeba będzie zmotywować sklep – zaproponować im ceny zakupu poniżej konkurencji lub głupio wrzucić łapówkę. W przypadku sal koncertowych, które nie dbają o to, kto gra w ich warunkowej tawernie, o wszystkim decydują te same metody - zmniejszenie próśb o honoraria do artysty i znowu stara dobra łapówka. To jest rynek.
Prosty, przejrzysty schemat. Ale tutaj ważny jest jeden szczegół. Musisz produkować mleko o jakości, którą ludzie lubią. I po cenach, po jakich ludzie chcą go kupić. Oznacza to, że pakiet nie powinien kosztować 200 dolców. I nie musi to być mleko dla psa. Przynajmniej w Rosji. Sam możesz lubić mleko dla psów (lub szczurów), ale jeśli wejdziesz na rynek, spróbuj wczołgać się do przemysłu mleczarskiego, czyli do biznesu, wtedy musisz wziąć pod uwagę popyt na produkty w określonym obszarze.
Oznacza to, że jeśli mówimy o przemyśle mleczarskim, wszystko jest tutaj takie samo - produkt (artysta), sklep (miejsce koncertu), kupujący (widz). Są też działy i agencje reklamowe (wytwórnie, pośrednicy), które promują towary za pieniądze.
Oczywiście wielu muzyków na całym świecie w ogóle nie chce myśleć o rynku, produkcie, klientach i innych nieromantycznych rzeczach. A wielu odnoszących sukcesy artystom udało się żyć w swoim wyjątkowo wysublimowanym świecie, wykonując tylko twórczą pracę (ale jednocześnie płacąc menedżerom pogrążonym w rutynie i codzienności).
Ale jeśli nie osiągnąłeś takiego poziomu oświecenia, to albo sam musisz poradzić sobie z rynkiem i swoją popularnością, albo spróbować oczarować jakiegoś menedżera (biura), który w ciebie uwierzy. I tacy menedżerowie oczywiście istnieją. Ponieważ w każdym kraju są artyści odnoszący sukcesy, a ktoś jest zaangażowany w sprawy tych artystów. Ale jeśli w ciebie nie wierzą, to mój przyjacielu, wszystkie problemy są tylko w tobie. W nikim innym. Trudno się do tego przyznać – spójrz w lustro i powiedz sobie „wydaje mi się, że nie jestem tym, czego ludzie potrzebują”.
Oczywiście można głupio wynająć managera (jak każda agencja reklamowa) za własne pieniądze (a nie za udział w koncertach)…ale to jest jak płatny seks. Właściwi faceci otrzymują za darmo. A jeśli nie dostajesz gratisów za miłość, to oczywiście masz pewne problemy z byciem popytem.
Bardzo często nieodebrani artyści obwiniają branżę, pośredników i widzów za brak popytu. To takie głupie. Branża i menedżerowie odpowiadają na potrzeby widza, na zapotrzebowanie. A widzowie to wolni ludzie, którzy decydują, gdzie wydać swoje pieniądze. Jeśli cię nie chcą, to ich prawo. Nic ci nie są winni. Nie zmuszali cię do tworzenia muzyki.
A najbardziej niezawodny sposób na dołączenie do branży, znany wszystkim profesjonalnym muzykom i menedżerom wszystkich czasów i narodów… jest bardzo prosty. Trzeba być głupim, żeby pisać hity. I to wszystko! Piosenki, które ludzie lubią. Pisz hity, koleś, a na pewno będziesz miał wszystko! Zwróćcie uwagę – wszyscy wykonawcy, którzy nie pasowali do branży – nie mają ani jednego hitu.
Ale powiedzmy, że nie możesz lub nie chcesz pisać hitów? Ale przecież można grać nieznajomych – na to też jest zapotrzebowanie (w tawernach i na imprezach firmowych), a wraz z tym trafiają również do branży – tylko może nie na poziomie, na którym ktoś by chciał. A jeśli w ogóle nie grasz hitów, nie ma gwarancji, że dostaniesz się do branży. Może się to sprawdzić w branży, ale może nie.
Otóż to. Mam nadzieję, że teraz rozumiesz, dlaczego niektórzy artyści mają dużo koncertów i pieniędzy, podczas gdy inni płaczą kota.
