Kategoria TEMAT WYDANIA
Przyjechaliśmy do artysty w upalny letni dzień i od razu poczuliśmy kontrast z rozpalonym do czerwoności zamieszaniem duże miasto. Sto kilometrów od Kijowa, magiczny krajobraz, ptaki krążące nad jeziorem, przytulny salon i powolny przepływ ciekawa rozmowa... To ekosystem, w którym rodzą się dzieła Krivolap i to tutaj ujawniają się główne motywy najnowsza seria artysta. To okno, z którego obserwuje zachód słońca nad jeziorem, to domy, bydło i inne elementy wiejskiego pasterstwa, które pojawiają się na jego płótnach z ostatnich lat.
Krivolap otrzymał wykształcenie akademickie, ale przez długi czas zajmował się wyłącznie sztuką abstrakcyjną. Kilka lat temu artysta zaczął aktywnie wprowadzać do swoich prac elementy realistyczne, a dziś umiejętnie balansując na granicy abstrakcji tworzy medytacyjne pejzaże w rozpoznawalnych gorących kolorach.
Anatolij Krivolap. Zdjęcie: Maxim Belousov
Odważne użycie aktywnych, często otwartych kolorów to jedna z charakterystycznych technik Anatolija Krivolapa. Jego poczucie koloru jest bliskie ludziom — te same śmiałe zestawienia widzimy na tradycyjnych ukraińskich strojach, zdobieniach szalików i sztuka użytkowa. W pracowni artysty, wraz z dziesiątkami gotowych i niedokończonych prac różne lata kilka rzędów leży: w kontrastujących wielobarwnych paskach tych tworów wiejskiego geniuszu - siły, której tak bardzo potrzebuje współczesny artysta, by nie zgubić się pośród licznych zapożyczonych "-izmów". Modernizm, abstrakcjonizm itd. – współczesny artysta nie może wyrwać się z „brandingu”, który jest niezmiernie potrzebny w świecie przesyconym informacją. Ale poza zwykłymi oznaczeniami leży koncepcja kod genetyczny- i to właśnie ten kod znalazł swój żywy wyraz w pracach Anatolija Krivolopa.
O zachodzie słońca
Jest jednym z najbardziej utytułowanych artystów ukraińskich, ma duża ilość fanów i kolekcjonerów, którzy zbierają artystę „dogłębnie”. Dzieła Krywolapa są sprzedawane po rekordowych cenach na wiodących światowych aukcjach i targach sztuki, wystawiane we wszystkich prestiżowych ukraińskich muzeach. A w artyście uderza jego skromność - nie tylko w życiu codziennym, gdzie daleko mu do „nowego rosyjskiego” pragnienia nadmiernego luksusu, ale także w kreatywności. Anatolij Krivolap nie należy do twórców, którzy równolegle z główną działalnością aktywnie zajmują się PR-em dla siebie. Rzadko go widujesz na spotkaniach towarzyskich. Nawet na kreatywnych imprezach nie jest często. Daleko w tyle jest gwałtowny początek lat 90., kiedy artysta wraz z innymi mistrzami rodzimej niefiguratywnej postaci – Tiberiy Silvashi, Alexander Zhivotkov, Nikolai Babak, Nikolai Krivenko i Mark Geyko był członkiem stowarzyszenia kierunek modernistyczny„Scenic Reserve”, spierała się o drogi rozwoju Sztuka współczesna itd. Teraz Krivolap nadal przyjaźni się z ludźmi z „Rezerwy”, jednak w swojej pracy wybrał indywidualną ścieżkę. Ale zainteresowanie artysty problematyką ewolucji sztuki i bieżącym rodzimym procesem artystycznym nie gaśnie. W marcu 2011 Kryvolap opublikował swój manifest na stronie internetowej magazynu ART UKRAINE, w którym krótko wyraził swoje niezadowolenie z obecnego stanu sztuki współczesnej. Publikacja ta stała się jednym z najczęściej odwiedzanych artykułów w naszej wersji online i wyraźnie wzbudziła duże zainteresowanie opinii publicznej. Dlatego proponujemy kontynuację naszego dialogu z żyjącym klasykiem.
Marsz
— Dziś słusznie nazywa się cię klasykiem ukraińskich sztuk plastycznych. Ale jak zaczęła się Twoja pasja do malowania?
„To musiało się wydarzyć przez przypadek. Urodziłem się w Jagotyniu, to była epoka powojenna, bez dróg, bez radia, bez telewizji. Gdy nadeszła jesień, noc zapadała już o piątej, nie było co robić, a my dzieci jeszcze nie spaliśmy. I zacząłem rysować. Zawsze myślałam, że rysuję, odkąd skończyłam dziesięć lat, ale potem mama powiedziała mi, że rysuję konie wczesne dzieciństwo. I byłem tak porwany, że nie interesowało mnie nic innego.
- Wciąż zaczynałeś od malarstwa figuratywnego, chodziłeś do szkoły w czas sowiecki, studiował w szkole, później w instytucie artystycznym. Kiedy pojawiło się zainteresowanie abstrakcją?
„To dość długa historia. Gdzieś w wieku 20 lat po raz pierwszy usłyszałem, że w sztuce światowej jest taki kierunek jak abstrakcja, a jakiś obraz z katalogu właśnie mnie spalił. Wcześniej planowałem sobie, że będę tak wyrafinowanym kolorystą jak Serov. W instytucie specjalnie poprosiłem o spotkanie z Puzyrkovem, był jedynym prawdziwym nauczycielem akademickim. Czyli zrobiłem wszystko, aby uniknąć zamiłowania do sztuki abstrakcyjnej. Ale nie możesz uciec od siebie.
wieczorne pole
Kiedy zacząłeś malować niefiguratywne?
- Można powiedzieć, że równolegle cały czas się tym zajmowałem.
Moja poważna znajomość sztuki miała miejsce w Rydze w latach 1965-67, kiedy służyłem w wojsku, ale miałem okazję jeździć na wystawy. W krajach bałtyckich nie było takiej cenzury jak na Ukrainie, można było tam zobaczyć wszystko, łącznie z abstrakcją. Dlatego po powrocie do Kijowa studiowałem pod kątem eksperymentowania z kolorem. Ale nawet kiedy wykonywałem pracę naukową, byłem niezadowolony z tego, co zrobiłem, nawet do wściekłości – nie wiedziałem, co było powodem, ale rozumiałem, że robię coś złego.
Odnalezienie siebie zajęło prawie 20 lat. Pracowałem jak w laboratorium, prowadziłem pamiętniki, eksperymentowałem. Było poważny problem- zharmonizować jasne kolory i próbowałem to rozwiązać. W malarstwie jest wiele praw, na przykład główne prawo akademii: „Więcej brudu - więcej połączenia”, wtedy wszystko można zharmonizować z wybielaniem. Ale aby wziąć czyste kolory, krzykliwe i dopasować je idealnie - do tego trzeba było znaleźć niestandardowe podejścia. Zawsze fascynowały mnie jasne kolory, ale na początku nie potrafiłam ich zharmonizować. I zdałem sobie sprawę, że muszę się postarać, aby poradzić sobie z takim zadaniem.
Zachód słońca nad jeziorem
- To trudna droga, najwyraźniej wymagała od ciebie niezwykłej odwagi...
„Nie sądzę, że to odwaga, po prostu nie miałam wyboru. Zawsze to wiedziałem kreatywna praca- to jest lot i dopóki nie znalazłem drogi, nie było lotu. Znaczenie koloru intuicyjnie wyczuwa sztuka ludowa, w szczególności sztuka ukraińska, która bardzo często łączy otwarte jasne kolory. Zawsze byłam zaskoczona, że przy takiej różnorodności kolorów w Sztuka ludowa paleta krajowych mistrzów-akademików starej szkoły zawsze była tak uboga.
Mimo tak namacalnego związku z tradycja ludowa, jesteś jednym z pionierów sztuki współczesnej na Ukrainie; Na początku lat 90. stowarzyszenie „Rezerwat Malowniczy”, którego byłaś członkiem, było wizytówką sztuki współczesnej, która zastąpiła socrealizm. Jak to się stało, że wybrałeś tę drogę?
- Nigdy go nie opuściłem, nigdy nie byłem Artysta radziecki. Skończyłem instytut, w ciągu dwóch lat wypracowałem normę dla Związku Artystów, a w tym czasie rzadko się zdarzało zrobić trzy wystawy republikańskie w takim okresie. Mogłem wstąpić do młodzieżowej sekcji Związku Artystów, ale tam nie pojechałem.
Jezioro. Poranek
- A co robiłeś przez cały ten czas?
— Eksperymentowane. materiał do malowania doprowadziło do pewnych poszukiwań i nowych kroków. W mojej pracy nie było rewolucji, to była tylko ewolucja.
– Zainteresowanie sztuką niefiguratywną było bardziej typowe dla epoki modernizmu, a potem sztuka światowa poszedł dalej. Kiedy aktywnie zajmowałeś się abstrakcją, w Europie istniały już zupełnie inne, postmodernistyczne punkty orientacyjne. Czy po rozpadzie ZSRR przeżyłeś traumę wszechwiedzy, typową dla krajowej inteligencji humanitarnej?
- Uważam, że sztuka jest egoistyczna i każdy powinien żyć swoim przeznaczeniem takim, jaki jest. Zawsze byłem tak pochłonięty własny związek z kolorem, że nie był nawet szczególnie zainteresowany tymi wszystkimi prądami. Zobacz, ile razy obraz był zakopywany, ale żyje. I póki są farby, póki są ludzie, którzy urodzili się z darem komunikowania się poprzez farby, tak długo będzie malowanie. Nawet nasi krajowi artyści, którzy w latach 90. szybko porzucili pędzle, aby bawić się zdjęciami i filmami, powrócili później do malarstwa.
blisko jeziora
— Czy byłeś zainteresowany eksperymentowaniem z najnowszymi mediami?
„Od dwudziestu lat bardzo uważnie przyglądam się nowym mediom, chodziłam na wystawy, ale ta sztuka mnie nie poruszała i nie dotyka. Myślę, że artyści dzielą się na grupy: jedni mają bardzo bogatą wyobraźnię, zwykle „wymyślają światy”, piszą skomplikowane figury kompozycyjne, ktoś chyba bardziej potrafi grać, autopromocję, inni widzą jakieś ciekawe technologicznie rzeczy, a jeszcze ktoś inny potem dużo zabawy. A jeśli osoba najlepszy język, które posiada z natury - malarstwo, wtedy nie ma sensu z nim zrywać. Inna sprawa, że rzeczywiście nowy czas wymaga nowej formy.
— Jesteś aktywnym turystą kulturalnym: często wyjeżdżasz za granicę, odwiedzasz prowadząc wystawy sztuki?
- Umiarkowany. Po prostu nie mam takiej potrzeby. Myślę, że w młodości ważne jest, aby zdobyć jak najwięcej informacji, a wtedy droga prowadzi do siebie.
Jezioro. Wschód miesiąca
— Niedawno stałeś się najdroższym artystą na Ukrainie, twoje prace są też w National Muzeum Sztuki oraz w innych wiodących kolekcjach, czyli kariera twórcza utworzone. Czujesz się jak metr?
- Jestem osobą, która zawsze wątpi, więc nie ma takiego uczucia. A co do tego, że jestem drogi… Najdroższy byłem początkowo, czyli od 1990 roku. Od tamtej pory cały czas podnoszę ceny. Miałem kontrakt w Niemczech iw 1992 roku moja praca została sprzedana za 11 000 marek (87 x 105). Kiedy przyjechałem do Kijowa, wszyscy rozdawali prace za 200 dolarów, a moje prace były już warte tysiące.
- A dzisiaj gdzie kupujesz więcej - pracujesz dla kolekcjonera krajowego czy zachodniego?
— Przez pierwsze 15 lat w ogóle nie miałem klientów na Ukrainie, a przez ostatnie 5 prawie wszyscy moi kolekcjonerzy pochodzą z Ukrainy.
wieczorny brzeg
— Masz dość bycia obecnym na wszystkich wydarzeniach, w których biorą udział Twoje prace?
— Nigdy nie byłem nawet na otwarciu własnych wystaw. Przetrwanie odkrycia jest dla mnie torturą. Właściwie moje stanowisko zawsze było takie: artystę należy poznać po swojej pracy, a nie po wzroku.
- Jak szybko pracujesz? Czy jesteś w stanie zaspokoić zapotrzebowanie dla Ciebie? Na przykład dla wielu artystów wchodzących na rynek globalny jest to bardzo poważny problem, bo tempo ich produkcji nie dorównuje rozszalałemu popytowi na nie, a kolejka po ich kreatywność może ustawiać się nawet kilka lat.
— Myślę, że to kwestia technologii. W takich przypadkach z reguły powstaje sztuczna sytuacja, podniecenie. Ale to nie znaczy, że artysta nie ma prac. Znam takie przypadki, kiedy artyście zabroniono malować, żeby kosztował więcej.
Jak dla mnie czasem płótna stoją latami, a czasem duże płótno może pojawić się w godzinę. Nie zależy to od mojego pragnienia, ani od konieczności, ani od czegokolwiek - to czysty przypadek.
Motyw ukraiński. Chata
— Czy śledzi Pan wydarzenia we współczesnej sztuce ukraińskiej, jej rozwój, kolejne pokolenia?
- Na pewno. Ale jestem bardziej obserwatorem i czekam.
- Czyli nadal nie znalazłeś swoich podobnie myślących ludzi wśród swoich młodych kolegów?
Bardzo bym chciał, ale jeszcze tego nie widziałem. Sztuka współczesna ma niezwykle szerokie spektrum i do tej pory nie widziałem w tym zakresie ciekawych rozwiązań. Jeśli chodzi o wystawy, sztuka współczesna nadal powinna być bardzo wyraźnie powiązana z życiem, a gdy nie ma takiego związku, wygląda bardziej jak zabawa.
Połonina Karpat
— Czy kolektywny model artystycznej refleksji i rozumienia rzeczywistości jest dla Ciebie istotny?
Nie, te czasy już za nami. Na poziomie ludzkim mam dużo dobre stosunki, ale twórczo... Na początku lat 90. był okres, kiedy my, artyści z kręgu „Scenic Reserve”, bardzo wzbogaciliśmy się o twórczą komunikację. Ale potem się rozstaliśmy, każdy poszedł własną drogą. To jest w porządku.
- Zachodni system sztuki jest tak zaaranżowana, że artysta, dochodząc do pewnego stopnia sukcesu, do pewnego wieku, zaczyna uczyć następne pokolenie. Uczysz gdzieś?
Próbowałem uczyć. Przygotowałem nawet kilku artystów i rozwiązania kolorystyczne są łatwe do rozpoznania. Okazało się, że jest to klonowanie. A potem ogólnie poczułem, że sam nie zaczynam robić tego, co bym chciał, i zdałem sobie sprawę, że te eksperymenty należy zatuszować.
Wieczór nad jeziorem
Ale ktoś musi uczyć ludzi!
- Przeciętni artyści powinni uczyć... Dają podstawę, podstawę, a potem człowiek powinien podążać za sobą. Oczywiście łatwiej przyjąć i przyjąć czyjąś wizję, ale dobry artysta nie będziesz. Więc nie widzę sensu w uczeniu się. Silni przetrwają sami i odnajdą własny język. język artystyczny to kod. Artysta koduje obrazami, poeta słowami, ale zakodowane są uczucia i myśli, a nie idee. To bardzo zabawne, kiedy ludzie rozmawiają o ideach w sztuce. Pomysł może być w nauce, filozofii, ponieważ jest odkrycie. Nie znam ani jednego filozofa wśród artystów.
— Na ile interesuje Cię historia sztuki, z którym z artystów możesz nawiązać dialog w czasie lub w przestrzeni?
- To standardowa sytuacja dla wszystkich artystów: każdy przechodzi przez prawie całą historię sztuki, żeby się opamiętać. Na każdym etapie miałem swojego modela, z którym mogłem porozmawiać.
- Jakimi myślami, uczuciami żyjesz dzisiaj, czym oddycha Twoja sztuka?
- Wróciłem do takiego outsidera w sztuce jak pejzaż. Krajobraz, który w istocie dokonał zarówno rewolucji, jak i ewolucji wszelkiej sztuki, od początku XX wieku jest praktycznie wyrzucany poza swoje granice. Zawsze pisałem szkice, pejzaże dla wsparcia, do odbioru, a ostatnio zdałem sobie sprawę, że stał się dla mnie interesujący jako duży projekt.
Jak długo trwa ten powrót?
Całe życie maluję pejzaże. Kiedy robiłem abstrakcje, równolegle tworzyłem również pejzaże, nawet w latach 90-tych. Wtedy zobaczyłam, że nie podniosę poprzeczki wyżej niż chata, motyw ukraiński, więc weszłam w abstrakcję, która otwierała zupełnie inne horyzonty, nowe doznania. Ale kiedy przeprowadziłem się tutaj, na Zasupoevkę, chciałem czegoś naprawdę ukraińskiego, może nawet Gogola. I wymownie wróciłem do malarstwa pejzażowego.
– Twój pejzaż graniczy z abstrakcją, czasem nie możesz odgadnąć, czy to abstrakcja, czy figuratywna.
- Tak, pozostaję wierny abstrakcji, bo wierzę, że dalej ten moment abstrakcja to najciekawsza rzecz, jaką ludzkość stworzyła w sztuce.
— Osobliwość Twoich prac - bardzo aktywnych, oryginalnych purpurowy, na granicy czerwono-błękitno-liliowej... Czy to tylko hołd złożony pięknu zachodzącego słońca, czy przejaw jakiegoś specyficznego stanu wewnętrznego?
- Ten stan wewnętrzny. W końcu nie rysuję samego krajobrazu, ale tworzę emocjonalną przestrzeń.
Co oznacza dla Ciebie ten kolor?
„To chyba ponadczasowość. Jakoś od dzieciństwa nie czułem czasu, nigdy nie postrzegałem rzeczywistości takiej, jaka jest, widziałem wszystko przez własne uczucia.
- Nie boisz się nie nadążać za duchem czasu? Brakuje Ci jakiegoś ważnego aspektu teraźniejszości?
— Kierunek współczesności przypomina mi maraton — przyjeżdżają ludzie z całego świata, biegają, ale to wszystko chwilowe, dziś maraton w Sydney, jutro w Niemczech. Zobacz, jak szybko zmieniają się wszystkie te trendy. Sztuka jest takim statkiem, ogromnym i cichym, który płynie ściśle własnym kursem, a łódki i łódki kręcą się dookoła. W sztuce musisz żyć własnymi uczuciami, myślami i własnym światem, inaczej po prostu weźmiesz udział w jakimś śmiesznym maratonie. Kogo to obchodzi - biegnie. Nie interesuje mnie takie życie.
Co pozostaje, gdy czas się zatrzymuje?
— W jednym katalogu napisałem, że milczenie to spotkanie wieczności z codziennością, myślę, że to zdanie może być twoją odpowiedzią. W zasadzie to samo słońce, ta sama zieleń istniała na Ziemi dwa i trzy tysiące lat temu, a artyści wtedy coś zrobili, ale zawsze widzieli to samo. Wszystko na świecie jest stabilne, ale następuje tylko zmiana zainteresowań, percepcji i postaw. Każdy musi znaleźć własną drogę.
Masz taki introwertyczny pogląd na sztukę. Czy to pod wpływem religii? Czy jesteś wierzący?
— Nie zagłębiałem się zbyt głęboko w te kwestie, takie rzeczy są odczuwalne na poziomie intuicyjnym. Całe życie pracuję z farbami i to, co się z nimi robi, może naprawdę uczynić wierzącego z niewierzącego. Kiedy zaczynałem, byłem bardzo pewny siebie, myślałem, że łatwo będzie robić to, co chciałem. Ale bez względu na to, jak wiele zrobił, nic się nie wydarzyło. Trwało to bardzo długo, aż intuicyjnie podskoczyłem. A kiedy pracowałem tam, gdzie trzeba było brać szarość, zacząłem brać żółty, niebieski lub czerwony, a potem zastanawiałem się, jak to może być. Nauczę koloru, harmonii, nawet niedźwiedzia, ale to nie znaczy urodzić artystę... Jestem tylko fajką - coś przeze mnie przechodzi, a ja to ucieleśniam. I ten stan jest chyba najszczęśliwszy, ale takie chwile w twórcze życie są niestety rzadkie.
- Zamieszkałeś w cudownym miejscu, na łonie natury, robiąc to, co kochasz. Co jeszcze Cię interesuje, jak żyjesz poza malarstwem? Interesujesz się na przykład polityką?
- W jaki sposób zwykła osoba Widzę wszystko, ale mimo szalonego temperamentu nie pozwalam sobie za bardzo zagłębiać się w takie rzeczy, bo inaczej zwyczajnie nie będę mogła pracować. Uważam, że dobre wykonywanie swojej pracy jest najlepszą pozycją polityczną.
- „Świat mnie złapał, ale mnie nie złapał”, jak pisał Skovoroda?..
- Do pewnego stopnia tak. Przeżyłem swoje życie tylko pracą i zawsze się nią interesowałem. Wszystko poza tym to chyba 10% mojego życia. Nawet nie zauważyłem, jak dzieci dorastały, jak tym razem żyłem.
— Czy twoi potomkowie zostali artystami?
- Córka. Mój syn jest maszynistą, podobnie jak mój ojciec, bo pochodzę z rodziny kolejarza. Moja córka zaczęła rysować od dzieciństwa, ma niezwykły dar kolorystyczny, który zabrałem z pracy, eksperymentów, eksperymentów, ma z natury. Czy to dobrze, czy źle, czas pokaże. Ponieważ to przeszkody czynią ich dobry uczynek, w tym sensie, że człowiek albo się wycofuje, albo odwrotnie, staje się silny i rozwija charakter niezbędny artyście, pozycje i wszystko inne.
Niemożliwe jest publikowanie w gazecie reprodukcji prac Krivolapa. Druk nie odda gry koloru, która już urzekła miłośników sztuki na całym świecie i uczyniła ich autora najlepiej sprzedającym się ukraińskim artystą. 29 maja w Sotheby's w Londynie jego pejzaż „Night” został sprzedany za 83 700 dolarów. Nabywcą jest Anglik, jego nazwisko nie jest znane.
A w zeszłym roku za „Moon over the River” i „Steppe” zapłacili odpowiednio 48 i 98 tysięcy dolarów. A za pracę "Koń. Noc" - przez artystę uważana za najbardziej mistyczny - w Nowym Jorku nie oszczędzili 124 tysięcy dolarów.
Jaki jest sekret sukcesu? Handlarz dzieł sztuki Igor Abramowicz uważa, że to dusza ukryta w obrazach Krivolapa.
- „Nowy ukraiński krajobraz”, jak nazwano dzieło Kryvolap, jest hipnotyzujący! Przede wszystkim jasne nasycone kolory, gdzie nawet wprowadzone w „zimne” gęste niebieski kolor wydaje się niesamowicie ciepły. Autor nie od razu doszedł do tego stylu pisania, ponieważ w młodości otrzymał klasyczne wykształcenie. Ale zaczął szukać siebie, martwiąc się jak wszyscy inni kreatywni ludzie, etapy frustracji, po których następują wzloty. Spokojna wieś Zasupoevka w rejonie Kijowa, która od 2000 roku stała się dla niego źródłem inspiracji, pomogła Krivolapowi przetrwać jeden z najtrudniejszych momentów w jego życiu. W swoim warsztacie w tej wiosce Krivolap i teraz spędza wszystko czas wolny. Nie chodzi na imprezy świeckie, nie komunikuje się z prasą. To prawda, zrobił wyjątek dla KP.
Przeszedłem przez najtrudniejszy okres od 1976 do 1989 roku” – opowiadał nam artysta. - Lata poszukiwań i przemyśleń... Potem wszystko poszło stosunkowo dobrze. Aukcje są dobre, ale W tym roku zostałem laureatem Nagroda Krajowa ich. Szewczenko. Te ostatnie lata były dla mnie najbardziej udane.
Anatolij Dmitrijewiczu, w Twoich obrazach dominuje błękit, fiolet, jasna pomarańcza. Dlaczego wybrałeś ten asortyment?
Raczej nie wybrałem koloru. A kolor wybrał mnie. Ale poważnie, to intuicyjne...
Co oznacza dla Ciebie imię najdroższego ukraińskiego artysty: uznanie, sława, dobrobyt materialny?
Myślę za wszystkich kreatywna osoba najważniejsze jest samorealizacja. Wszystko inne jest drugorzędne.
Na co wydajesz pieniądze ze sprzedaży?
Większość moich obrazów wystawianych na aukcjach, w tym ukraińskich, jest namalowana przeze mnie, ale nie należy do mnie. Podobnie jak opłaty. (Artysta daje do zrozumienia, że obrazy, za które zapłacono) duże sumy, zostały wystawione na licytację nie przez niego, ale przez dealera. - Około. red.) Praca artysty jest droga finansowo. Zakup płócien, farb i opłacenie warsztatu. Rodzina… Sprzedaż obrazów jest właściwie niestabilna, okresowa.
Masz zdjęcie, którego jeszcze nie stworzyłeś?
Wiadomo, że z każdym obrazem artysta przeżywa „romans”. A kiedy się kończy, zawsze masz nadzieję, że nowy będzie pełniejszy, ciekawszy. W przeciwnym razie dalsza praca po prostu nie miałaby sensu.
Do momentu
W maju tego roku Sotheby's sprzedało za 119,9 mln dolarów obraz norweskiego artysty Edvarda Muncha „Krzyk”. duża suma które kiedykolwiek zapłacono za dzieło sztuki na aukcji.
Przy okazji
TOP 5 najbardziej drodzy artyści Ukraina
Aleksandra ROYTBURDA. W czerwcu 2009 na aukcji w Londynie jego obraz „Pożegnanie, Caravaggio!” został sprzedany za 97 000 dolarów.
Wasilij TSAGOŁOW. Latem 2009 roku w Londynie jego praca z serii „Office Love-2” trafiła w ręce zachodniego kolekcjonera za 53 600 dolarów.
Oleg TISTOL. Na aukcji Phillips de Pury & Co, Tistol „Sea” z projektu South Coast został kupiony za 28 750 USD.
Aleksander KLIMENKO. Latem 2011 roku jego „Indie. Goa” stał się najdroższą ukraińską partią na aukcji Phillips de Pury & Co i został sprzedany za 25 000 USD.
Igora Gusiewa. Na tej samej aukcji „The Return of Elvis” z kolekcji „Cosmo” został sprzedany za 16 000 $.
Dla porównania w 2008 roku na tej samej londyńskiej aukcji Phillips de Pury & Co obraz „Garbus” rosyjski artysta Ilya Kabakov został sprzedany za 6 milionów dolarów.
Znany ukraiński artysta Anatolij Krywolap ustanowił nowy rekord świata w sprzedaży sztuki ukraińskiej na międzynarodowym rynku sztuki współczesnej.
Rekord na aukcji sztuki współczesnej
Na aukcji Sztuka współczesna Obraz Phillips de Pury & Co „Koń. Night, stworzony przez Anatolija Krywolapa, został sprzedany za rekordową jak na ukraińską sztukę kwotę – 124,4 tys.
Mistyczny krajobraz „Koń. Night” zajęła szóste miejsce na aukcji firmy Phillips de Pury & Co. Dzieło ukraińskiego artysty sprzedano razem z dziełami uznanych światowych mistrzów sztuki współczesnej, takich jak Wade Guyton, Anselm Reilly, George Condo.
„Koń. Noc”
Anatolij Krywołap jeszcze przed sprzedażą tego obrazu był najdroższym artystą ukraińskim. Jego obraz „Step” został sprzedany w Phillips de Pury & Co w Nowym Jorku za 98,5 tys. dolarów.
Zwycięstwo sztuki ukraińskiej
Szef i współzałożyciel domu aukcyjnego Phillips de Pury & Co, krytyk sztuki i kurator Simon de Pury tak skomentował rekordową sprzedaż pracy ukraińskiego artysty: „Ta sprzedaż to prawdziwe zwycięstwo ukraińskiej sztuki. Uważamy Anatolija Krywolapa za bardzo obiecującego artystę. Nasz Dom Aukcyjny i na pewno w przyszłości będę współpracować z Anatolijem Kryvolapem i innymi ukraińskimi artystami.”
Oprócz pracy Anatolija Krivolapa z aukcji firmy Phillips de Pury & Co. został sprzedany słynny obraz Viktor Sidorenko z projektu Lewitacja, który reprezentował Ukrainę w 2003 roku na Biennale w Wenecji. Sprzedano go za 23,7 tys.
Obraz słynnego odeskiego artysty Igora Gusiewa „Powrót Elvisa” z kolekcji Cosmo został sprzedany za 16 000 USD, a zdjęcie Witalija i Eleny Wasiliewów z projektu No Art, stworzonego w Centrum Sztuki Współczesnej M17, trafiło pod młotkiem za 8000 dolarów.
Łącznie 171 sztuk sprzedano w togach Phillips de Pury & Co., które odbyły się w połowie października w Nowym Jorku Sztuka współczesna, a wpływy z ich sprzedaży wyniosły 5,7 mln USD.
Anatolij Krivolap jest najbardziej poszukiwanym artystą Ukrainy
Anatolij Krivolap urodził się 11 września 1946 r. w mieście Jagotyn w obwodzie kijowskim. Jest absolwentem państwa kijowskiego instytut sztuki. Sławny artysta obecnie jest czołowym członkiem grupy "Picturesque Reserve".
Anatolij Kryvolap to najbardziej rozchwytywany ukraiński artysta, którego prace z wielkim powodzeniem sprzedawane są na najsłynniejszych aukcjach na świecie - Sotheby's i Phillips de Pury & Co.
Anatolij Dmitriewicz Krivolap (Ukrain Anatolij Dmitriewicz Krivolap; ur. 1946) to ukraiński artysta, mistrz malarstwa niefiguratywnego.
Urodzony 11 września 1946 w Yagotino. Pierwszym podręcznikiem malarstwa Anatolija była wyblakła przedwojenna książka z lekcjami rysunku, którą znalazł w bibliotece w Jagotyniu.
W 1976 ukończył wydział malarstwa KSHI.
Pierwszym kolekcjonerem dzieł Krivolapa jest polski kolekcjoner Ryszard Vrublevsky.
W latach 1992-1995 Anatolij Krywołap aktywnie uczestniczył w działalności „Rezerwatu Malowniczego”, grupy artystycznej znanej w historii współczesnej sztuki ukraińskiej. W 2000 roku przeniósł się z Kijowa do wsi Zasupoevka koło Jagotina, gdzie nadal mieszka i pracuje.
Anatolij Krivolap jest uważany za „najdroższy” współczesny artysta Ukraina - w październiku 2011 na aukcji Phillips de Pury & Co w Londynie jego praca „Koń. Noc” sprzedano za 124 343 USD, a obraz „Koń. Wieczór” 28 czerwca 2013 r. poszedł pod młotek na aukcji Dnia Sztuki Współczesnej Phillips za 122,5 tys. funtów (186 200 USD).
9 lutego 2012 r. ogłoszono listę laureatów Nagrody Szewczenki 2012. Anatolij Krivolap zwyciężył w nominacji ” Sztuka”(za cykl 50 prac „Motyw ukraiński”)
Anatolij Krivolap jest artystą abstrakcyjnym, który przeszedł trudną drogę od sztuki figuratywnej przez fowizm do własnego stylu. Kreatywność Krivolap rozwija się w ramach modernistycznej tradycji postrzegania świata poprzez kolor. Jako prawdziwy modernista Anatolij Krywołap widzi siebie w czołówce sztuki ukraińskiej. A jeśli awangardowi artyści początku ubiegłego stulecia zaszokowali społeczeństwo przyzwyczajone do tradycyjnego malarstwa figuratywnego nową ekspresją lśniących barw, to na początku tego stulecia walka trwa, ale nie z utartą tradycją, ale z nowe destrukcyjne tendencje. społeczeństwo masowe i globalizm.
Artysta musi być biedny, głodny i wieść dzikie życie – nie chodzi tu o malarza Anatolia Krywolape. „W życiu są po prostu artyści. Mają pozę, ubrania, które przyciągają uwagę, specjalny wyraz twarzy. Patrzysz i widzisz: to jest artysta, ale oni są bardziej artystami niż artystami. I to też jest fajne, wśród nich może być dobrzy mistrzowie, ale to jest inny styl – mówi jeden z najbardziej rozchwytywanych i najdroższych krajowych malarzy współczesnych.
Styl samego Krivolapa to jeansowe szorty i koszula, tak wita gości w swoim domu we wsi Zasupoevka, niedaleko Jagotina. 66-letni artysta mieszka i pracuje tam od wielu lat, nie jeździ do Kijowa zbyt często i tylko na specjalne okazje.
Poszukiwanie harmonii
„Jak mijają moje dni? W życiu codziennym ”- żartuje Krivolap. Jego dzień zaczyna się o dziewiątej rano, po herbacie lub kawie – kilka godzin pracy. „Jeśli nie mam ochoty iść do warsztatu, wsiadam do samochodu i jeżdżę po okolicy, obserwując” – mówi malarz. Ma słabość do samochodów sportowych, ale na wiejskich drogach woli masywnego jeepa. Czasami samochód zastępuje rower i kąpiel w jeziorze Supoy, nad brzegiem którego stoi dom Krivolapa. Potem – w dzień pracy na pełen etat, artysta może stać za płótnem i osiem godzin z rzędu. Wieczorem - odpocznij w hamaku, tutaj Krivolap ogląda zachód słońca, jak zmieniają kolor chmury, wschodzi księżyc. Następnie przenosi na płótno wszystko, co widzi.
„Kiedy zaczynasz malowanie, to przyciąga jak magnes. Pracowałem, potem odpoczywałem przez godzinę, pływałem - i znowu do warsztatu, obejrzałem, poprawiłem. I tak przez cały czas, dopóki nie przypomnisz sobie o tym ”, Krivolap wyjaśnia swoją metodę twórczą. Czasami obraz uzyskuje się nawet na etapie szkicu i okazuje się jeszcze lepszy niż był zamierzony. A czasami powrót na płótno zajmuje lata. „A konkretnie od dwóch godzin do trzynastu lat” – wyjaśnia artysta. „To praca z kolorami warunkowymi, które powinny przekazywać oświetlenie, przestrzeń i mój stan osobisty”.
Obowiązkową pozycją w harmonogramie dnia pracy artysty jest wieczorne sprawdzenie pracy wykonanej w ciągu dnia. „Kiedy robi się ciemno, włączam światło i patrzę. Jeśli nie podoba mi się wygląd obrazu w sztucznym oświetleniu, przerabiam go. Rano znowu zobaczę co się stało. W świetle dziennym i sztucznym, kolory są postrzegane inaczej, ale harmonia musi być zawsze zachowana. W końcu wszystkie muzea pracują ze sztucznym oświetleniem, a my jesteśmy u siebie bardzo spędzamy z nim czas”, wyjaśnia Krivolap. Jeśli harmonia nie zostanie zachowana, obraz będzie wyglądał na ciemny, a kolory nie oddadzą nastroju, czy „stanu”, jak nazywa to artysta, który autor włożył w pracę.
Artysta nie był zainteresowany tym, kiedy Krivolap malował abstrakcje, ani przed, ani po recenzjach swoich prac, pozytywnych czy negatywnych. „Kiedy się zdecydowałem własny styl, ktoś mnie ciągle nie dostrzegał - mówi. - Niedawno na wystawie podszedł do mnie Światosław Wakarczuk i powiedział: „Naprawdę chcę twojej pracy, podoba mi się, ale nie mogę, to mnie wyczerpuje, odbiera mi siłę”. I to jest w porządku, percepcja jest zawsze osobista”.
Z własnym firmowym stylem - wyraziste pejzaże malowane przez żywe kolory na płótnach wielkoformatowych, - Krivolap zdecydował się na początku lat 90. XX wieku. Wcześniej udało mu się eksperymentować z różnymi kierunkami, wśród jego prac znajdują się zarówno klasyczne martwe natury, jak i akty portretowe, potem przez półtorej dekady artysta malował obrazy abstrakcyjne. „A kiedy poczułem, że moja ręka pracuje, a wszystko stoi w środku, zdałem sobie sprawę, że robię formalne rzeczy, czułem się nieswojo” – wspomina artysta. Przez dziesięciolecia swojej artystycznej kariery Krivolap miał kilka poważnych kryzysów twórczych, potem rzucił wszystko i przemyśleł swoją pracę w samotności. Aby przeczekać ostatni kryzys, Krivolap kupił daczę. „Najpierw przyjrzałem się uważnie, potem zacząłem pisać szkice” – mówi artysta. - Zawsze malowałam pejzaże, ale wcześniej były one moją rozgrzewką przed abstrakcją. A potem zobaczyłem wschodzący księżyc, zauważyłem jaki był kolor, jak zmieniała się przyroda, jej stan. Nigdy nie poczujesz tego w mieście. Pasja Krivolap do krajobrazów trwa do dziś. Teraz zastanawia się, jak przenieść tęczę na płótno i planuje namalować kolejne jesienne pejzaże, interesuje go ich skomplikowana kolorystyka i minimalizm.
