Известни руски опери. Световна оперна статистика

През последните пет сезона 2005/6 - 2009/10 са доставени над 1005 композиторски произведения. Таблицата показва данни за композитори и произведения, които са били изпратени в програмата (не непременно изпълнени). Първите трима композитори - Верди, Моцарт и Пучини забележимо превъзхождат следващите композитори.

Бенджамин Бритън е единственият композитор сред първите двадесет най-популярни композитори, роден още през 20-ти век. "Най-старият" композитор в списъка е Георг Фридрих Хендел (1685 - 1759)

Най-популярните (изпълнени) композитори за последните 5 години.

*Точната статистика е от значение за Европа и Северна Америка, цифрите за други страни може да са приблизителни.

Елена Василиевна Образцова - съветска и руска оперна певица, мецосопран. Народен артист на СССР, лауреат на Ленинската награда, Герой на социалистическия труд. Един от най-известните певци на нашето време. Елена Василиевна Образцова е родена на 7 юли 1939 г. в Ленинград. По време на Великата отечествена война, заедно със семейството си, тя е евакуирана от Ленинград в Устюжна. Музиката беше неразделна част от детството на Елена, баща й, инженер по професия, имаше красив баритон и освен това той свиреше добре на цигулка - тя винаги си спомняше музикалните домашни вечери. През 1948-1954 г. пее в детския хор на Ленинградския дворец на пионерите. А.А. Жданова (ръководител на хора - M.F. Zarinskaya). През 1954-1957 г., във връзка с официалното прехвърляне на баща й, семейството живее в Таганрог, където Елена учи в P.I. Чайковски с учителката Анна Тимофеевна Куликова. На отчетния концерт в музикалното училище Образцова беше изслушана от директора на Ростовския музикален колеж М.А. Манковская, а по нейна препоръка през 1957 г. Елена е приета в училището веднага за 2-ра година. Година по-късно, през август 1958 г., след като премина успешно прослушване, тя влезе в подготвителния отдел на LGK. НА. Римски-Корсаков. През 1962 г. тя печели първа награда на Всесъюзния конкурс на вокалистите. М.И. Глинка и златен медал от Световния фестивал на младежта и студентите в Хелзинки. На 17 декември 1963 г., като студентка в консерваторията, Е. Образцова дебютира на сцената на Болшой театър като Марина Мнишек в операта на М. П. Мусоргски Борис Годунов. През 1964 г. завършва Ленинградската държавна консерватория на името на И. НА. Римски-Корсаков в класа на професор A.A. Григориева (оперен клас на А. Н. Киреев). Председателят на дипломната комисия София Петровна Преображенская даде на Елена Образцова 5 плюс - оценка, която не е била давана в Ленинградската консерватория от около 40 години. През същата година тя става постоянна солистка на Болшой театър. Природата щедро надари Елена Образцова. Тя притежава глас с рядка красота в тембър, кадифе, органно богатство на звука, ярък сценичен облик, който придава на нейните оперни героини рядка художествена релефност и изразителност, таланта на истинска драматична актриса. През 1964 г. Елена Образцова, като част от трупата на Болшой театър, се изявява на сцената на Ла Скала като Марта в операта "Хованщина" и като Мария в операта "Война и мир". Изявите на Образцова в Италия са с голям успех и през 1977 г. тя е поканена да открие сезона на 200-годишнината в Ла Скала като принцеса Еболи в операта „Дон Карлос“ от Г. Верди. През 1975 г. Елена Образцова, заедно с Болшой театър, заминава на турне в Съединените щати. По време на пиесата "Борис Годунов" Образцова, която изигра ролята на Марина Мнишек, беше извикана на сцената пет пъти от ентусиазирани зрители, представлението трябваше да бъде спряно. Триумфът на Елена Образцова в САЩ най-накрая я потвърди в статута на световна оперна звезда. Няколко месеца по-късно Елена Образцова участва в Il trovatore, представление, което откри сезона на операта в Сан Франциско, нейни партньори бяха Лучано Павароти и Джоан Съдърланд. През 1976 г. Образцова, която вече е гост-солист на Метрополитън опера, предизвиква сензация с изпълнението си като Амнерис в Аида на Верди. През 1977 г. Образцова изпълнява ролята на Далила в „Метрополитън“. Тор Екерт, критик за New York Times, тогава написа: „Съмнявам се, че сме чували Далила, която толкова лесно би успяла да овладее две и половина октави – Образцова изпълнява тази най-трудна част без сянка на напрежение“. Тя е поканена от Франко Дзефирели да играе ролята на Сантуци в Rural Honor (1982). „В живота ми“, пише Дзефирели, „имаха три шока: Анна Маняни, Мария Калас и Елена Образцова, които направиха чудо по време на снимките на филма „Селска чест“. Общо репертоарът на Елена Образцова включва 86 партии в опери от руски и чуждестранен класически репертоар, както и в опери на композитори от 20-ти век, много от нейните роли са се превърнали в живи класики на съвременната оперна сцена: Марина Мнишек („Борис Годунов ", 1963), Гувернантката, Полина, Миловзор (1964), Графиня (1965, "Пиковата дама"), Любаша ("Царската булка", 1967), Кончаковна ("Княз Игор", 1968), Марта ( "Хованщина", 1968 г.). Любава ("Садко", 1979), Амнерис ("Аида", 1965), Азучена ("Трубадур", 1972), Еболи ("Дон Карлос", 1973), Сантуца ("Държавна чест", 1977), Улрика (" Бал-маскарад, 1977), Принцеса дьо Буйон (Адриен Лекувре, 1977), Адалгиза (Норма, 1979), Джована Сиймур (Ана Болейн, 1982), Орфей (Орфей и Евридика, 1984), 1984"9" Леонора ("Фаворит", 1992), херцогиня ("Сестра Анжелика", 1992), Кармен ("Кармен", 1972), Шарлот ("Вертер", 1974), Далила ("Самсон и Далила", 1974), Иродиада ( „Иродиада“, 1990), Оберон („Мечтай в лятна нощ„Б. Бритън, 1965 г.), Женя Комелкова („Зорите тук са тихи” от К. Молчанов, 1975 г.), Юдит („Замъкът на херцога Синя брада„Б. Барток, 1978 г.), Йокаста („Цар Едип” от И. Стравински, 1980 г.), Евдосия („Пламък” от О. Респиги, 1990 г.); С. Прокофиев: Фрося („Семьон Котко”, 1970 г.), принцеса Мария (1964), Хелен Безухова (1971), Ахросимова (2000, "Война и мир"), Баба ("Комарджията", 1996), Граф Орловски ("Прилепът", 2003) и др. Освен оперни роли, Елена Образцова води активна концертна дейност в Русия и по света. Репертоарът на нейните солови концерти включва музиката на повече от 100 руски и чуждестранни композитори: М.И.Глинка, А.С.Даргомижски, Н.А.Римски-Корсаков, М.П.П.И.Чайковски, С.Рахманинов. С. С. Прокофиев, Г. Ф. Хендел, В. А. Моцарт, Л. Бетовен, Р. Шуман, Р. Щраус, Р. Вагнер, Дж. Брамс, К. Вайл, Г. Малер, Г. Доницети, Г. Верди, Г. Пучини, П. Маскани, Ж. Бизе, Ж. Масне, К. Сен-Санс и др., както и руски песни и стари романси участваха в изпълнението на оратории, кантати, меси, произведения на руската духовна музика... Добавени са джаз композиции нови ярки щрихи към нейния талант ii. През 1986 г. дебютира като режисьор, поставяйки операта на Ж. Масне „Вертер” в Болшой театър. Певицата участва в главните роли в телевизионни музикални филми „Веселата вдовица“, „Моята Кармен“, „Селска чест и Тоска“ и др. От 1973 до 1994 г. Елена Образцова преподава в Московската държавна консерватория „Чайковски“. От 1984 г. - професор. От 1992 г. преподава в Музикалната академия Musashino Tokyo; води майсторски класове в Европа и Япония, в Академията за млади оперни певцив Мариинския театър в Санкт Петербург. Тя е била и е член на журито на много международни конкурси, включително Международния конкурс на името на P.I. Чайковски в Москва, Международния вокален конкурс в Марсилия, Международния конкурс на името на Н.А. Римски-Корсаков в Санкт Петербург, Международния конкурс „Феручо Талявини” в Дойчландсберг, Международния конкурс за оперни певци „Монсерат Кабале”. През септември 1999 г. в Санкт Петербург се провежда I Международен конкурс за млади оперни певци Елена Образцова, през 2011 г. - 8-ми конкурс. Елена Образцова е записала повече от 50 диска, включително опери, оратории, кантати, солови дискове с произведения на камерна и оперна музика. През последните години бяха пуснати „записи на живо“ с особена стойност. От юни 2007 г. до октомври 2008 г. е художествен ръководител на Операта Михайловски театър(бивш театър за опера и балет на името на Мусоргски в Санкт Петербург). Сега в Санкт Петербург той води културен център, кръстен на нея, където работи с млади изпълнители. На 24 октомври 1981 г. е открита малка планета No 4623, която получава името "Образцова".

Рита Щрайх (18 декември 1920 - 20 март 1987) - една от най-почитаните и записани немски оперни певици от 40-60-те години на 20 век, сопран. Рита Стрейч е родена в Барнаул, Алтайски край, Русия. Баща й Бруно Щрайх, ефрейтор в германската армия, е заловен на фронтовете на Първата световна война и е отровен в Барнаул, където се запознава с руско момиче, бъдещата майка на известната певица Вера Алексеева. На 18 декември 1920 г. Вера и Бруно имат дъщеря Маргарита Щрайх. Скоро съветското правителство разреши на германските военнопленници да се върнат у дома и Бруно, заедно с Вера и Маргарита, заминава за Германия. Благодарение на майка си рускиня, Рита Щрайх говореше и пееше добре руски, което беше много полезно за кариерата й, в същото време, заради нейния „не чист“ немски, в началото имаше някои проблеми с фашисткия режим. Вокалните таланти на Рита се появиха рано, като се започне от по-ниски оценкитя е водеща изпълнителка на училищни концерти, на един от които е забелязана и отведена да учи в Берлин от великата немска оперна певица Ерна Бергер. Също в различни периоди сред нейните учители са били известният тенор Вили Домграф-Фасбендер и сопраното Мария Ифогин. Дебютът на Рита Щрайх на оперна сценасе провежда през 1943 г. в град Осиг (Аусиг, сега Усти над Лабем, Чехия) с ролята на Зербинета в операта Ариадна на Наксос от Рихард Щраус. През 1946 г. Рита дебютира в Берлинската държавна опера, в главната трупа, с ролята на Олимпия в Приказките на Хофман на Жак Офебах. След това нейната сценична кариера започва да се развива, която продължава до 1974 г. Рита Щрайх остава в Берлинската опера до 1952 г., след което се мести в Австрия и прекарва почти двадесет години на сцената на Виенската опера. Тук тя се жени и през 1956 г. ражда син. Рита Щрайх притежаваше ярко колоратурно сопрано и с лекота изпълняваше най-трудните партии в световния оперен репертоар, наричаха я „немски славей“ или „виенски славей“. По време на дългогодишната си кариера Рита Щрайх играе и в много световни театри - има договори с Ла Скала и Баварското радио в Мюнхен, пя в Ковънт Гардън, Парижката опера, както и в Рим, Венеция, Ню Йорк, Чикаго, Сан Франциско , пътува до Япония, Австралия и Нова Зеландия, изнася се на оперните фестивали в Залцбург, Байройт и Глайндбърн. Репертоарът й включваше почти всички значими оперни роли за сопран – тя беше известна като най-добрата изпълнителка на ролите на Кралицата на нощта от „Вълшебната флейта“ на Моцарт, Анхен от „Свободен пистолет“ на Вебер и др. Репертоарът й включваше, наред с други неща, произведения на руски композитори, които тя изпълняваше на руски език. Тя също беше смятана за отличен интерпретатор на оперетния репертоар и фолклорни песнии романси. Работила е с най-добрите оркестри и диригенти в Европа и е записала 65 големи плочи. След завършване на кариерата си Рита Щрайх е професор в Музикалната академия във Виена от 1974 г., преподава в музикално училище в Есен, води майсторски класове и ръководи Центъра за развитие на лиричното изкуство в Ница. Рита Щрайх умира на 20 март 1987 г. във Виена и е погребана в старото градско гробище до баща си Бруно Щрайх и майка си Вера Алексеева.

Елина Гаранча е латвийска певица (мецосопран), една от водещите оперни певици на нашето време. Елина Гаранча е родена на 16 септември 1976 г. в Рига в семейство на музиканти, баща й е хоров директор, а майка й Анита Гаранча е професор в Латвийската музикална академия, доцент в Латвийската академия за култура , и преподавател по вокал в Латвийската национална опера. През 1996 г. Елина Гаранча постъпва в Латвийската музикална академия в Рига, където учи вокал при Сергей Мартинов, а от 1998 г. продължава обучението си при Ирина Гаврилович във Виена, а след това при Вирджиния Зеани в САЩ. Едно от събитията, които най-силно повлияха на Елина по време на следването й, беше изпълнението през 1998 г. на партия на Джейн Сиймор от операта Анна Болейн от Гаетано Доницети - Гаранча научи ролята за десет дни и намери дълбоко симпатия към репертоара на белканто. След дипломирането си Гаранча дебютира на професионалната оперна сцена в Държавния театър на Южна Тюрингия в Майнинген, Германия, с ролята на Октавиан в „Розенкавалерът“. През 1999 г. тя печели вокалния конкурс на Мириам Хелин в Хелзинки, Финландия. През 2000 г. Елина Гаранча печели главната награда в Латвийския национален изпълнителски конкурс, а след това е приета в трупата и работи във Франкфуртската опера, където изпълнява ролите на Втора дама във Вълшебната флейта, Хензел от Хензел и Гретел на Хъмпърдинк и Розина в Севиля бръснар“. През 2001 г. тя става финалист на престижния международен певчески конкурс в Кардиф и издава дебютния си солов албум с програма от оперни арии. Международният пробив на младата певица идва през 2003 г. на фестивала в Залцбург, когато тя изпява ролята на Анио в постановката на Моцарт „Милосърдие на Тит“ под диригентството на Николаус Харнонкур. Това представление беше последвано от успех и множество ангажименти. Основното място на работа е Виенската държавна опера, в която Гаранча изпълнява партиите на Шарлот във "Вертер" и Дорабела от "Всички го правят така" през 2003-2004 г. Във Франция тя се появява първо в Театър на Шанз Елизе (Анджелина в Пепеляшка на Росини), а след това в Парижката опера (Опера Гарние) като Октавиан. През 2007 г. Елина Гаранча се изявява за първи път на основната си оперна сцена роден градРиги в Латвийската национална опера с ролята на Кармен. През същата година дебютира в Берлинската държавна опера (Sext) и в Кралския театър "Ковънт Гардън" в Лондон (Дорабела), а през 2008 г. - в Метрополитън опера в Ню Йорк с ролята на Розина в " Севилски бръснар“ и в Баварската опера в Мюнхен (Адалгиза). В момента Елина Гаранча се изявява на сцените на водещите световни оперни театри и концертни зали като една от най-ярките музикални звезди благодарение на красивия си глас, музикалност и убедителен драматичен талант. Критиците отбелязват лекотата, бързината и чистия комфорт, с които Гаранча владее гласа си, и успеха, с който тя прилага модерна вокална техника към сложния репертоар на Росини от началото на 19 век. Елина Гаранча има солидна колекция от аудио и видео записи, включително и наградените музикална награда"Грами" запис на операта "Баязет" на Антонио Вивалди под диригентството на Фабио Бионди, където Елина изпълнява ролята на Андроник. Елина Гаранча е омъжена за английския диригент Карел Марк Чичон и двойката очаква първото си дете в края на октомври 2011 г.

Ирина Константиновна Архипова - съветска и руска оперна певица, мецосопран, солистка на Болшой театър (1956-1988), народна артистка на СССР (1966), носител на орден Ленин (1971, 1976, 1985), лауреат на Ленинска награда (1978), Герой на социалистическия труд (1984), лауреат на Държавната награда на Русия (1996). Ирина Константиновна Архипова е родена на 2 януари 1925 г. в Москва. Още на осемгодишна възраст тя постъпва в Централното музикално училище към Московската консерватория, но поради внезапно заболяване не може да учи там. По-късно Ирина влезе в училището на Гнесин. По време на Великата отечествена война тя е евакуирана със семейството си в Ташкент, където постъпва в Московския архитектурен институт, който също е евакуиран там. След дипломирането си паралелно работи по проектирането и изграждането на редица съоръжения в столицата, включително нов комплекс от сгради на Московския държавен университет на Sparrow Hills уроци по вокалс Н.М. Малишева, а по-късно учи в Московската консерватория в класа по пеене на Л. Ф. Саврански. През 1953 г. завършва консерваторията. През 1954-1956 г. е солистка на Свердловския театър за опера и балет. През 1956-1988 г. е солистка на Болшой театър. Изпълнението на ролята на Кармен в едноименната опера на Жорж Бизе получи световно признание. Тя се характеризираше с дълбоко вътрешно разкриване на образа и обмисленост на интерпретацията. Тя притежаваше дарбата на сценичната трансформация. От 1955 г. гастролира в чужбина (Австрия, Полша, Източна Германия, Финландия, Италия, Унгария, Румъния, Чехословакия, България, САЩ, Япония, Франция, Канада). През 1967 и 1971 г. пее в театър Ла Скала (Марта и Марина Мнишек). От 1975 г. преподава в Московската консерватория, от 1984 г. е професор. През 80-те години тя участва с цикъл от концерти "Антология на руския романс". През 1966 г. е поканена в журито на конкурса „Чайковски“, а от 1967 г. е постоянен председател на журито на конкурса „Глинка“. Оттогава тя е член на журито на много престижни състезания в света, включително „Гласът на Верди“ и името на Марио дел Монако в Италия, конкурса „Кралица Елизабет“ в Белгия, името на Мария Калас в Гърция, името на Франсиско Виняс в Испания, вокалното състезание в Париж, вокалното състезание в Мюнхен. От 1974 г. (с изключение на 1994 г.) тя е постоянен председател на журито на конкурса „Чайковски“ в секция „соло пеене“. През 1997 г., по покана на президента на Азербайджан Гейдар Алиев и министъра на културата на Азербайджан Палад Бюл-Бюл Огли, Ирина Архипова оглавява журито на конкурса Bul-Bul, организиран по повод 100-годишнината от рождението му. . От 1986 г. И. К. Архипова е председател на Всесъюзното музикално дружество, което в края на 1990 г. е преобразувано в Международния съюз музикални фигури. От 1983 г. - председател на фондация Ирина Архипова. Почетен доктор на Националната музикална академия на името на Музическу на Република Молдова (1998 г.), президент на Дружеството за приятелство "Русия - Узбекистан". Била е депутат от Върховния съвет на СССР от 6-то свикване. Народен заместникСССР (1989-1991). Автор на книги: "Моите музи" (1992), "Музиката на живота" (1997), "Марка на име "Аз"" (2005). Съпругът на певицата е народният артист на СССР Владислав Пиавко. Син - Андрей. Правнучка - Ирина. На 19 януари 2010 г. Ирина Константиновна Архипова беше хоспитализирана със сърдечна патология в градската клинична болница Боткин. На 11 февруари 2010 г. певицата почина. Тя е погребана на 13 февруари 2010 г. в гробището Новодевичи в Москва.

Екатерина Льохина е руска оперна певица и сопран. Екатерина Лехина е родена на 15 април 1979 г. в Самара. Докато учи в училище, тя комбинира фигурно пързаляне и уроци в музикалното училище № 10 в Самара. Тя харесваше фигурното пързаляне повече, но родителите й, а не самите музиканти, майка й е инженер, баща й е работник, настоява да продължи да учи музика. След като завършва музикално училище, Екатерина постъпва в диригентско-хор отдел в Музикалния колеж „Д. Г. Шаталов“, който завършва с отличие. През 1998 г. се мести в Москва и продължава образованието си в Академията за хорово изкуство, където получава и магистърска степен по оперно пеене (клас на проф. С. Нестеренко). След академията тя работи за кратко в Московската Нова опера, в незначителни представления. Първият успех дойде с победа на вокалното състезание в Санкт Петербург през 2005 г., което беше забелязано и оценено от европейски експерти. Оттогава тя е много по-известна на световната публика, отколкото на руската публика. През 2006 г. Екатерина Лехина дебютира във Виенската народна опера като мадам Херц в „Театралния директор“ на Моцарт. Следващата й роля във Виенската народна опера е Кралицата на нощта във Вълшебната флейта на Моцарт, с тази роля тя участва и в мюнхенския театър Gartnerplatz, в два берлински театъра - Германската държавна опера и Deutsche Oper, както и в театрите Хановер , Дюселдорф, Тревизо, Хонконг и Пекин. През 2007 г. Екатерина Лехина спечели един от най-престижните международни вокални конкурси - Operalia, който се проведе същата година в Париж. На финала на състезанието имаше малък инцидент - организаторът на състезанието, маестро Пласидо Доминго, не показа на оркестъра въведението и края на арията на Лакме, Екатерина изпя в пълна тишина. По време на връчването на главната награда диригентът обясни: „Разбирате, подслушах и затова нямах време да покажа въведението на оркестъра“. През 2008 г. Лехина дебютира в Royal операКовънт Гардън с ролята на Олимпия от "Приказките на Хофман", това представление й донесе признание на критиката и голям успех. През 2011 г. Екатерина Лехина получи престижната награда Грами от Американската звукозаписна академия в номинацията за най-добър оперен запис. Екатерина изигра главната роля - принцесата в операта "Любов отдалеч" на финландския композитор Кая Саари-Ахо. Диригент Кент Нагано, Германски симфоничен оркестър на Берлин, Берлински радиохор, солисти - Даниел Белхер и Мари-Анж Тодорович. В момента певицата работи по договори в различни театри по света.

Мария Калас (родена Мария Калас; име в акта за раждане - София Сесилия Калос, инж. София Сесилия Калос, кръстена като Сесилия София Анна Мария Калогеропулос - гръцка Μαρ?α Καλογεροπο?λου; 2 (4) септември, Ню Йорк 16, 1977, Париж) - американска оперна певица (сопрано). Мария Калас е сред такива оперни реформатори като Рихард Вагнер и Артуро Тосканини. Културата от втората половина на 20 век е неразривно свързана с нейното име. В началото на 50-те години на миналия век, в навечерието на явлението постмодернизъм, когато операта от 19 век се превръща в естетически анахронизъм, Мария Калас връща оперното изкуство на върха на сценичния Олимп. След като възроди ерата на bel canto, Мария Калас не се ограничава до виртуозна колоратура в оперите на Белини, Росини и Доницети, а превръща гласа си в основно изразно средство. Тя стана многостранна певица с репертоар, вариращ от класически оперни сериали като Весталките на Спонтини до най-новите опери Верди, веристичните опери на Пучини и музикалните драми на Вагнер. Възходът на кариерата на Калас в средата на 20-ти век е придружен от появата на LP в звукозапис и приятелство с видна фигура в звукозаписната компания EMI, Walter Legge. Появата на ново поколение диригенти като Херберт фон Караян и Леонард Бернщайн и филмови режисьори като Лукино Висконти и Франко Дзефирели на сцената на оперните театри направи всяко представление с участието на Мария Калас събитие. Тя превърна операта в истински драматичен театър, карайки дори „трелите и гамите да изразяват радост, безпокойство или копнеж“. Мария Калас е родена в Ню Йорк от родители гръцки имигранти. През 1936 г. майката на Мария, Евангелия, се завръща в Атина, за да продължи музикалното образование на дъщеря си. Майката искала да въплъти пропадналите си таланти в дъщеря си и започнала да я води в Нюйоркската библиотека на Пето авеню. Мария започва да слуша класическа музика на тригодишна възраст, ходи на уроци по пиано на пет и уроци по вокал на осем. На 14-годишна възраст Мария започва да учи в Атинската консерватория под ръководството на бившата испанска певица Елвира де Идалго. През юли 1941 г. в окупираната от немците Атина Мария Калас дебютира в Атинската опера като Тоска. През 1945 г. Мария Калас се завръща в Ню Йорк. Последва поредица от неуспехи: тя не беше представена на Тосканини, тя отказа да пее Cio-Cio-San в Метрополитън опера поради голямото си тегло и се надява за възраждането на Лирическата опера в Чикаго, където се надяваше да пее, рухна. През 1947 г. Калас дебютира на сцената на амфитеатъра „Арена ди Верона“ в операта „Джоконда“ от Понкиели под диригентството на Тулио Серафина. Срещата със Серафин беше, по думите на самата Калас: „Истинското начало на кариера и най-големият успех в живота ми“. Тулио Серафин въвежда Калас в света на голямата опера. Тя пее първите части в Аида на Верди и Норма на Белини в края на 1948 г. В началото на 1949 г., в рамките на една седмица, вокално несъвместимите партии на Брунхилда от „Валкирия“ на Вагнер и Елвира в „Пуританите“ на Белини създават творчески феномен за певицата Мария Калас. Тя пееше и лирични, и драматични, и колоратурни партии, което беше певческо чудо – „четири гласа в едно гърло“. През 1949 г. Калас заминава на турне в Южна Америка. През 1950 г. тя пее за първи път в Ла Скала и става "кралицата на италианските примадони". През 1953 г. EMI издава първите пълни записи на опери с Мария Калас. През същата година тя сваля 30 килограма. Преобразената Калас покорява публиката на оперните сцени на Европа и Америка в оперите: Лучия ди Ламермур от Доницети, Норма от Белини, Медея от Керубини, Трубаторе и Макбет от Верди, Тоска от Пучини. През септември 1957 г. във Венеция, на бал в чест на рождения ден на журналистката Елза Максуел, Мария Калас се среща за първи път с Аристотел Онасис. През пролетта на 1959 г. във Венеция те се срещат отново на бал. След това Онасис отиде в Лондон за концерта на Калас. След този концерт той покани нея и съпруга й на своята яхта. В края на ноември 1959 г. съпругата на Онасис Тина подава молба за развод, а Калас и Онасис по това време открито се появяват в обществото заедно. Двойката се карала почти непрекъснато и през 1968 г. Мария Калас научила от вестниците, че Аристотел Онасис се е оженил за вдовицата на президента на САЩ Жаклин Кенеди. През 1959 г. настъпва повратен момент в успешната кариера. Това беше улеснено от загубата на глас, поредица от скандали, развод, раздяла с Метрополитън опера, принудително напускане на Ла Скала, нещастна любов към Аристотел Онасис и загуба на дете. Опит за завръщане на сцената през 1964 г. завършва с нов провал. Във Верона Мария Калас се запознава с местния индустриалец Джовани Батиста Менегини. Той беше два пъти по-възрастен от нея и страстно обичаше операта. Скоро Джовани призна любовта си на Мария, напълно продаде бизнеса си и се посвети на Калас. През 1949 г. Мария Калас и Джовани Менегини се женят. Той стана всичко за Мария: верен съпруг, любящ баща, предан мениджър и щедър продуцент. През 1969 г. италианският режисьор Пиер Паоло Пазолини кани Мария Калас да играе ролята на Медея в филм със същото име. Въпреки че филмът не се радва на комерсиален успех, той представлява голям кинематографичен интерес, както всички останали произведения на Пазолини. Ролята на Медея беше за Мария Калас единствената роля извън операта. Последните години от живота си Мария Калас живее в Париж, на практика без да напуска апартамента си, където почина през 1977 г. Тя е кремирана и погребана в гробището Père Lachaise. По-късно пепелта й е разпръсната над Егейско море. Италианските фониатри (специалисти по болести на гласните струни) Франко Фуси и Нико Паолило установиха най-вероятната причина за смъртта оперна дива Мария Калас, пише италианската La Stampa (английски превод на статията, публикувана от Parterre Box). Според резултатите от тяхното проучване Калас е починал от дерматомиозит, рядко заболяване на съединителната тъкан и гладката мускулатура. Фуси и Паолило стигнаха до това заключение, след като проучиха записите на Калас, направени през различни години и анализираха постепенното влошаване на гласа й. Спектрографският анализ на студийни записи и концертни изпълнения показа, че до края на 60-те години, когато влошаването на нейните вокални способности става очевидно, гласовият диапазон на Калас всъщност се променя от сопрано в мецосопран, което обяснява промяната в звука на високите ноти в изпълнението й. Освен това, внимателни учебни видеоклипове от късните й концерти разкриха, че мускулите на певицата са значително отслабени: гърдите й практически не се повдигат при дишане, а при вдишване певицата повдига раменете си и напряга делтоидните си мускули, т.е. всъщност тя направи най-честата грешка с подкрепата на гласовия мускул. Причината за смъртта на Мария Калас не е известна със сигурност, но се смята, че певицата е починала от сърдечен арест. Според Fussy и Paolillo резултатите от тяхната работа директно показват, че миокардният инфаркт, довел до това, е усложнение на дерматомиозита. Прави впечатление, че тази диагноза (дерматомиозит) е поставена от Калас малко преди смъртта й от нейния лекар Марио Джаковацо (това стана известно едва през 2002 г.). Оперни роли на Мария Калас Сантуца - Селската чест на Маскани (1938, Атина) Тоска - Тоска на Пучини (1941, Атинска опера) Джоконда - Джоконда на Понкиели (1947, Арена ди Верона) Турандот - (Карено на Пучини194G8) - Аида на Верди (1948, Метрополитън опера, Ню Йорк) Норма - Норма на Белини (1948, 1956, Метрополитън опера; 1952, Ковънт Гардън), Лондон; 1954, Лирическа опера, Чикаго) Брунхилде - Валкирия на Вагнер (1949, 1949-1949) ) Елвира - Пуритани на Белини (1949-1950, Метрополитън опера) Елена - Сицилианска вечерня » Верди (1951, Ла Скала, Милано) Кундри - Парсифал на Вагнер (Ла Скала) Виолета - Травиата на Верди (Ла Скала) (Ла Скала) Медея193 Медея - Черуба , Ла Скала) Джулия - Весталката на Спонтини (1954, Ла Скала) Джилда - Риголето на Верди (1955, Ла Скала) Мадам Бътерфлай (Cio-Cio-san) - Мадама Бътерфлай на Пучини (Ла Скала) Лейди Макбет - "Макбе" Фьодор – „Федора“ от Джордано Анна Болейн – „Анна Болейн" Доницети Лусия - "Лусия ди Ламермур" Доницети Амина - "Сомнабул" Белини Кармен - "Кармен" Бизе

Даяна Дамрау е немска оперна и концертна певица, колоратурно сопрано. Даяна Дамрау е родена на 31 май 1971 г. в Гюнцбург, Бавария, Германия. Казват, че любовта й към класическата музика и операта се събудила на 12-годишна възраст, след като гледала красив филм-опера на Франко Дзефирели „Травиата” (Дж. Верди) с Пласидо Доминго и Тереза ​​Стратес в главните роли. На 15 години тя участва в мюзикъла "Моята прекрасна лейди" на фестивал в съседния град Офинген. Вокалното си образование получава във Висшето музикално училище във Вюрцбург, където е преподавана от румънската певица Кармен Хангану, докато учи в Залцбург при Хана Лудвиг и Едит Матис. След като завършва с отличие консерваторията през 1995 г., Даяна Дамрау сключва двугодишен договор с театъра във Вюрцбург, където прави своя професионален театрален дебют като Елиза „Моята прекрасна лейди“ и оперен дебют с ролята на Барбарина от Ле nozze di Figaro, следван от ролите на Ани („Вълшебният стрелец“), Гретел („Хензел и Гретел“), Мари („Царят и дърводелецът“), Адел („Прилепът“), Валенсиен („The Весела вдовица") и др. След това има двугодишни договори с Националния театър в Манхайм и Франкфуртската опера, където играе ролите на Джилда (Риголето), Оскар (Un ballo in maschera), Зербинета (Ариадна на Наксос), Олимпия (Приказки на Хофман) и Кралици на нощта („Вълшебна флейта“). През 1998/99 г. се изявява като Кралица на нощта като гост в Държавната опера в Берлин, Дрезден, Хамбург, Франкфурт и в Баварската опера като Зербинета. През 2000 г. първото представление на Даяна Дамрау извън Германия се състоя във Виенската държавна опера с ролята на Кралицата на нощта. От 2002 г. певицата работи като артист на свободна практика в различни театри, през същата година дебютира в чужбина с концерт в САЩ, във Вашингтон. Оттогава тя работи на водещите световни оперни сцени, акцентите в формирането на кариерата на Дамрау са дебютите в Ковънт Гардън (2003, Кралица на нощта), през 2004 г. в Ла Скала при откриването след реставрацията на театъра в водеща роляв „Призната Европа“ на Антонио Салиери, през 2005 г. в Метрополитън опера (Zerbinetta, „Ariadne auf Naxos“), през 2006 г. на фестивала в Залцбург, концерт на открито с Пласидо Доминго на Олимпийския стадион в Мюнхен в чест на откриването на Световното първенство по футбол през лятото на 2006 г. Оперният репертоар на Даяна Дамрау е много разнообразен, тя работи и в двете класически ролисопрано в италиански, френски и немски опери и в произведения съвременни композитори, и в началото на кариерата си в мюзикъли и оперети. Багажът на нейните оперни роли достига почти петдесет и освен споменатите по-рано включва Марселин (Фиделио, Бетовен), Лейла (Копачите на перли, Бизе), Норина (Дон Паскуале, Доницети), Адина (Любовна отвара, Доницети) , Лусия ("Лусия ди Ламермур", Доницети), Рита ("Рита", Доницети), Маргьорит де Валоа ("Хугеноти", Майербер), Сервилия ("Милостта на Тит", Моцарт), Констанс и Блондинка ("Отвличане от Сералей", Моцарт), Сузана ("Сватбата на Фигаро", Моцарт), Памина ("Вълшебната флейта", Моцарт), Розина ("Севилският бръснар", Росини), Софи ("Рицарят на розите" “, Щраус), Адел („Прилепът“, Щраус), Воглинд („Златото на Рейн“ и „Здрач на боговете“, Вагнер) и много други. В допълнение към постиженията си в операта, Даяна Дамрау се утвърди като една от най-добрите концертни изпълнителки в класическия репертоар. Тя изпълнява оратории и песни на Бах, Хендел, Моцарт, Винченцо Ригини, Бетовен, Робърт и Клара Шуман, Майербер, Брамс, Форе, Малер, Рихард Щраус, Землински, Дебюси, Орф, Барбър, редовно свири в Берлинската филхармония, Карнеги Хол , зала Уигмор, Златната зала на Виенската филхармония, както и редовен гост на фестивалите Шубертиада, Мюнхен, Залцбург и други. Нейният диск с песни на Рихард Щраус (Poesie) с Мюнхенската филхармония беше награден с ECHO Klassik през 2011 г. Даяна Дамрау живее в Женева, през 2010 г. се омъжи за френския бас-баритон Николас Тесте, в края на същата година Даяна роди син Александър. След раждането на детето певицата се завърна на сцената и продължава активната си кариера. Снимка: Таня Ниман

Мария Николаевна Кузнецова - руска оперна певица (сопран) и танцьорка, една от най-известните певици предреволюционна Русия. Водещ солист на Мариинския театър, участник в „Руските сезони“ на Сергей Дягилев. Работила е с Н. А. Римски-Корсаков, Рихард Щраус, Жул Масне, пя в тандем с Фьодор Шаляпин и Леонид Собинов. След като напуска Русия след 1917 г., тя продължава да се изявява успешно в чужбина. Мария Николаевна Кузнецова е родена през 1880 г. в Одеса. Мария израства в творческа и интелектуална атмосфера, баща й Николай Кузнецов е художник, а майка й е от семейство Мечникови, чичовците на Мария са биологът на Нобелов лауреат Иля Мечников и социологът Лев Мечников. Пьотър Илич Чайковски посети къщата на Кузнецови, който обърна внимание на таланта на бъдещата певица и композира детски песни за нея, от детството Мария мечтаеше да стане актриса. Родителите й я изпращат в гимназия в Швейцария, връщайки се в Русия, тя учи балет в Санкт Петербург, но отказва да танцува и започва да учи вокал при италианския учител Марти, а по-късно и при баритона и нейния сценичен партньор И. В. Тартаков. Всички отбелязаха нейното чисто красиво лирично сопрано, забележим талант на актриса и женствена красота. Игор Фьодорович Стравински я описва като „... драматично сопрано, което може да се гледа и слуша със същия апетит“. През 1904 г. Мария Кузнецова дебютира на сцената на Петербургската консерватория в ролята на Татяна в Евгений Онегин от Чайковски, а на сцената на Мариинския театър през 1905 г. като Маргарита от „Фауст“ на Гуно. Солистка на Мариинския театър, с кратка почивка, Кузнецова остава до революцията от 1917 г. През 1905 г. в Санкт Петербург излизат две грамофонни плочи със запис на нейните изпълнения, като общо тя прави 36 записа по време на творческата си кариера. Веднъж, през 1905 г., малко след дебюта на Кузнецова в Мариинския, по време на нейното представление в театъра, избухва кавга между студенти и офицери, ситуацията в страната е революционна и в театъра започва паника. Мария Кузнецова прекъсна арията на Елза от „Лоенгрин“ на Р. Вагнер и спокойно изпя руския химн „Боже, царя пази“, бръмчащите бяха принудени да спрат кавгата и публиката се успокои, представлението продължи. Първият съпруг на Мария Кузнецова беше Алберт Албертович Беноа, от известната династия на руските архитекти, художници, историци Беноа. В разцвета на кариерата си Мария беше позната от двойно фамилно имеКузнецов-Беноа. Във втория си брак Мария Кузнецова беше омъжена за фабриканта Богданов, в третия - за банкера и индустриалец Алфред Масне, племенник на известния композитор Жул Масне. През цялата си кариера Кузнецова-Беноа участва в много европейски оперни премиери, включително партиите на Феврония в „Легендата за невидимия град Китеж и девойката Феврония“ на Римски-Корсаков и Клеопатра от едноименната опера на Ж. Масене , който композиторът написа специално за нея. А също така на руска сцена тя представи за първи път ролята на Вогдолина в „Златото на Рейн” на Р. Вагнер, Чио-Чио-сан в „Мадам Бътерфлай” от Г. Пучини и много други. Обиколила е градове в Русия, Франция, Великобритания, Германия, Италия, САЩ и други страни с Мариинския оперен труп. Сред нея най-добрите роли: Антонида ("Живот за царя" от М. Глинка), Людмила ("Руслан и Людмила" от М. Глинка), Олга ("Русалка" от А. Даргомижски), Маша ("Дубровски" от Е. Направник), Оксана ("Черевички" П. Чайковски), Татяна ("Евгений Онегин" П. Чайковски), Купава ("Снежната девойка" Н. Римски-Корсаков), Жулиета ("Ромео и Жулиета" Ч. Гуно), Кармен (" Кармен" Ж. Бизе), Манон Леско (Манон от Ж. Масне), Виолета (Травиата от Дж. Верди), Елза (Лоенгрин от Р. Вагнер) и др. Изнасяла е в Париж и Лондон като балерина, а също частично спонсорира тяхното представяне. Тя танцува в балета "Легендата за Йосиф" от Рихард Щраус, балетът е подготвен от звездите на своето време - композитор и диригент Рихард Щраус, режисьор Сергей Дягилев, хореограф Михаил Фокин, костюми и декори Лев Бакст, водещ танцьор Леонид Мясин . Беше важна роля и добра компания, но от самото начало продукцията се сблъска с известни трудности: имаше малко време за репетиции, Щраус беше в лошо настроение, тъй като гост-балерините Ида Рубинщайн и Лидия Соколова отказаха да участват, а Щраус го направи не обичаше да работи с френски музиканти и постоянно се караше с оркестъра, а Дягилев все още се притесняваше от напускането на танцьора Васлав Нижински от трупата. Въпреки проблемите зад кулисите, балетът направи успешен дебют в Лондон и Париж. Освен че се пробва в балета, Кузнецова изнесе няколко оперни представления, включително постановката на Бородин на Княз Игор в Лондон. След революцията през 1918 г. Мария Кузнецова напуска Русия, както подобава на актриса, тя го направи в драматична красота - в дрехите на каюта се скри на долната палуба на кораб, пътуващ за Швеция. Тя става оперна певица в Стокхолмската опера, след това в Копенхаген и след това в Кралската опера, Ковънт Гардън в Лондон. През цялото това време тя постоянно идва в Париж, а през 1921 г. най-накрая се установява в Париж, който става нейният втори творчески дом. През 20-те години Кузнецова изнася частни концерти, където пее руски, френски, испански и цигански песни, романси и опери. На тези концерти тя често танцува испански народни танции фламенко. Някои от концертите й бяха благотворителни за подпомагане на нуждаещата се руска емиграция. Тя стана звезда на парижката опера, приемането й в салона й се смяташе за голяма чест. „Цветът на обществото“, министри и индустриалци се струпаха в нейното преддверие. Освен частни концерти, тя често е работила като солистка в много оперни театри в Европа, включително тези в Ковънт Гардън и в Парижката опера и Опера Комик. През 1927 г. Мария Кузнецова, заедно с княз Алексей Церетели и баритон Михаил Каракаш, организират частна трупа на Руската опера в Париж, където канят много руски оперни певци, напуснали Русия. Руската опера постави „Садко“, „Приказката за цар Салтан“, „Приказката за невидимия град Китеж и девойката Феврония“, „Сорочински панаир“ и други опери и балети на руски композитори и изпълнени в Лондон, Париж, Барселона, Мадрид, Милано и в далечен Буенос Айрес. "Руската опера" продължава до 1933 г., след което Мария Кузнецова започва да дава по-малко представления. Мария Кузнецова умира на 25 април 1966 г. в Париж, Франция.

Анджела Георгиу (румънска Angela Gheorghiu) е румънска оперна певица, сопран. Един от най-известните оперни певци на нашето време. Анджела Георгиу (Бурлаку) е родена на 7 септември 1965 г. в малкия град Аджуд, Румъния. От ранно детство беше очевидно, че ще стане певица, съдбата й беше музиката. Учи в музикално училище в Букурещ и завършва Националния музикален университет в Букурещ. Професионалният й оперен дебют се състоя през 1990 г. като Мими в La bohème на Пучини в Клуж, а през същата година тя спечели международния вокален конкурс на Ханс Габор Белведере във Виена. Фамилията Георгиу остана с нея от първия й съпруг. Анджела Георгиу направи своя международен дебют през 1992 г. в Кралската опера, Ковънт Гардън, в Ла Бохем. През същата година тя дебютира в Ню Йорк Метрополитън опера и във Виенската държавна опера. През 1994 г. в Кралската опера, Ковънт Гардън, тя изпява за първи път частта на Виолета в „Травиата“, в този момент се случва „раждането на звезда“, Анджела Георгиу започва да се радва на постоянен успех в оперните театри и концертни зали по света: в Ню Йорк, Лондон, Париж, Залцбург, Берлин, Токио, Рим, Сеул, Венеция, Атина, Монте Карло, Чикаго, Филаделфия, Сао Пауло, Лос Анджелис, Лисабон, Валенсия, Палермо, Амстердам, Куала Лумпур, Цюрих, Виена, Залцбург, Мадрид, Барселона, Прага, Монреал, Москва, Тайпе, Сан Хуан, Любляна. През 1994 г. тя се запознава с тенора Роберто Аланя, за когото се омъжва през 1996 г. Сватбената церемония се състоя в Метрополитън опера в Ню Йорк. Двойката Алания-Георгиу отдавна е най-яркият творчески семеен съюз на оперната сцена, сега те са разведени. Първият й ексклузивен договор за звукозапис е сключен през 1995 г. с Decca, след което издава няколко албума годишно, сега има около 50 албума, както оперни, така и солови концерти. Всички нейни компактдискове получиха признание от критиката и спечелиха много международни награди, включително наградата на списание Gramophone, немската награда Echo, френските Diapason d’Or и Choc du Monde de la Musique и много други. Два пъти през 2001 и 2010 г. британските "Classical BRIT Awards" я определят за "Най-добра певица на годината". Обхватът на ролите на Анжела Георгиу е много широк, тя особено обича оперите на Верди и Пучини. Италианският репертоар, може би поради относителната прилика на румънския и Италиански, тя се справя чудесно, някои критици отбелязват, че френската, немската, руската и английската опера се изпълнява по-слабо. Най-важните роли на Анджела Георгиу: Белини „Сомнамбул“ – Амина Бизе „Кармен“ – Микаела, Кармен Чилеа „Адриана Лекуврьор“ – Адриана Лекуврьор Доницети „Лусия ди Ламермур“ – Лусия Доницети „Лукреция Борджиа“ „Лукреция Борджиа“ „Лукреция Борджиа“ – Л. Пооверезиет " - Адина Гуно "Фауст" - Маргьорит Гуно "Ромео и Жулиета" - Жулиета Масене "Манон" - Манон Масне "Вертер" - Шарлот Моцарт "Дон Джовани" - Целина Леонкавало "Палячи" - Неда Пучини "Лстовичката" - Магда Пучини "Ла Бохема" - Мими Пучини "Джани Скики" - Лорета Пучини "Тоска" - Тоска Пучини "Турандот" - Лиу Верди Трубадур - Леонора Верди "Травиата" - Виолета Верди "Луиз Милър" - Луиз Верди "Симон Боканегра" - Мария Angela Gheorghiu продължава да се изявява активно и се намира на върха на оперния Олимп. Бъдещите ангажименти включват различни концерти в Европа, Америка и Азия, Тоска и Фауст в Кралската опера, Ковънт Гардън.

Анет Даш е немска оперна певица и сопран. Един от водещите съвременни немски оперни певци. Анет Даш е родена на 24 март 1976 г. в Берлин. Родителите на Анет, бащата, съдията и майката са учили медицина, обичат музиката и вдъхват тази любов на четирите си деца. У дома, по традиция, всички членове на семейството свиреха музика и пееха заедно, след като узряха, всички деца станаха професионални музиканти: голямата дъщеря - концертен пианист, по-малките братя - един - певец, бас-баритон, член на класическата поп музика квинтет "Адоро", вторият - учител по музика. От детството Анет участва в училищния вокален ансамбъл и мечтае да стане рок певица. Тя също беше активен скаут и все още обича туризъм и туризъм. През 1996 г. Анет се мести в Мюнхен, за да учи академично вокал във Висшето училище за музика и театър в Мюнхен. През 1998/99 г. тя също така ходи на курсове по музика и драма в Университета за музика и театър в Грац (Австрия). Международният успех идва през 2000 г., когато тя печели три големи международни вокални конкурса - конкурса на Мария Калас в Барселона, конкурса за автор на песни на Шуман в Цвикау и конкурса в Женева. Оттогава тя участва на най-добрите оперни сцени в Германия и света - в Баварската, Берлинската, Дрезденската държавна опера, Парижката опера и Шанз Елизе, Ла Скала, Ковънт Гардън, Токийската опера, Метрополитън опера и много други. . През 2006, 2007, 2008 г. тя участва на фестивала в Залцбург, през 2010 г., 2011 г. на фестивала на Вагнер в Байорот. Обхватът на ролите на Анет Даш е доста широк, включително ролите на Армида ("Армида", Хайдн), Гретел ("Хензел и Гретел", Хъмпърдинк), Гъски момичета ("Кралски деца", Хъмпърдинк), Фиордилиги ("Всички" Така ли" , Моцарт), Елвира ("Дон Джовани", Моцарт), Елвира ("Идоменео", Моцарт), Графиня ("Сватбата на Фигаро", Моцарт), Памина ("Вълшебната флейта", Моцарт), Антъни ("Приказките на Хофман", Офенбах), Лиу ("Турандот", Пучини), Розалинд ("Прилепът", Щраус), Фрея ("Златото на Рейн", Вагнер), Елза ("Лоенгрин", Вагнер) и други Анет Даш е не само оперна певица, тя все още изпълнява оратории и изнася концерти. Репертоарът й включва песни на Бетовен, Бритън, Хайдн, Глук, Хендел, Шуман, Малер, Менделсон и др. Певицата изнесе последните си концерти във всички големи европейски градове (например в Берлин, Барселона, Виена, Париж, Лондон, Парма, Флоренция, Амстердам, Брюксел), участва на фестивалите Шубертиада в Шварценберг, фестивали за ранна музика в Инсбрук и Нант, както и други престижни фестивали. От 2008 г. Анет Даш е домакин на своето много популярно телевизионно развлекателно музикално шоу "Dash Salon", чието име на немски е съзвучно с думата "пране" (Waschsalon). Сезон 2011/2012 Annete Dasch откри европейско турне с рецитали, предстоящите оперни ангажименти включват ролята на Елвира от Дон Джовани в Метрополитън опера през пролетта на 2012 г., след това ролята на мадам Помпадур във Виена, турне с Виенската опера в Япония с роля във „Веселата вдовица“, също още едно представление на фестивала Байорот.

Екатерина Шчербаченко - руска оперна певица (сопрано), солистка на Болшой театър. Екатерина Николаевна Щербаченко (родена Телегина) е родена на 31 януари 1977 г. в Рязан. През 1996 г. завършва Рязанския музикален колеж. Г. и А. Пирогов, получили специалност „хор диригент”. През 2005 г. завършва Московската държавна консерватория Чайковски. П. И. Чайковски (преподавател - професор Марина Алексеева) и продължи следдипломното си обучение там. В оперното студио на консерваторията тя изпява партията на Татяна в операта „Евгений Онегин” от П. Чайковски и партия на Мими в операта „Ла Бохема” от Дж. Пучини. През 2005 г. е стажант-солист на Оперната трупа на Московския академичен музикален театър. К.С. Станиславски и В. И. Немирович-Данченко. В този театър тя изпълнява партиите на Лидочка в оперетата „Москва, Черьомушки“ от Д. Шостакович и частта на Фиордилиги в операта „Всички жени правят това“ от В. А. Моцарт. През 2005 г. в Болшой изпява ролята на Наташа Ростова в премиерата на „Война и мир“ на С. Прокофиев (второ издание), след което получава покана в Болшой театър като постоянен член на оперната трупа. Репертоарът й в Болшой театър включваше следните роли: Наташа Ростова ("Война и мир" от С. Прокофиев) Татяна ("Евгений Онегин" от П. Чайковски) Лиу ("Турандот" от Г. Пучини) Мими ("La Boheme" " от Г. Пучини) Микаела ("Кармен" от Ж. Бизе) Иоланта ("Иоланта" от П. Чайковски) През 2004 г. изпълнява партия на Лидочка в оперетата "Москва, Черьомушки" в Лионската опера (диригент Александър Лазарев ). През 2007 г. в Дания участва в изпълнението на кантатата на Рахманинов „Камбаните“ със Симфоничния оркестър на Датското национално радио (диригент Александър Ведерников). През 2008 г. тя изпява партията на Татяна в операта в Каляри (Италия, диригент Михаил Юровски, режисьори Моше Лейзер, Патрис Кориер, постановка на Мариинския театър). През 2003 г. получава диплома от Международния конкурс "Нови гласове" в Гютерсло (Германия). През 2005 г. печели 3-та награда на Международния оперен конкурс Шизуока (Япония). През 2006 г. - III награда от Международния вокален конкурс на им. Франсиско Виняс в Барселона (Испания), където тя също получи специална награда като " Най-добър изпълнителРуска музика", наградата на приятелите на операта Sabadell и наградата на Музикалната асоциация на Катания (Сицилия). През 2009 г. тя става победител в конкурса BBC Singer of the World в Кардиф, а също така е удостоена с младежки грант на наградата Triumph .

Пермският академичен театър за опера и балет на името на P.I. Чайковски е един от най-старите театри в Русия. За повече от век от своята история, Пермският оперен и балетен театър неизменно остава най-големият музикален център в страната, който е домакин на значими творчески събития. В театъра, който често се нарича Къщата на Чайковски, са поставени всички сценични произведения на великия композитор. "Златният фонд" на репертоара внимателно съхранява класическите произведения на Бородин, Мусоргски, Римски-Корсаков. Театърът се връща на публиката и незаслужено забравени музикални платна. За първи път в Русия в театъра са поставени опери: „Пяна на дните” от Е. Денисов, „Клеопатра” от Ж. Масне, „Лолита” от Р. Шчедрин по романа на В. Набоков, „Алцина”. ” от G.F. Хендел, "Орфей" от К. Монтеверди, "Христос" от А. Рубинщайн. Третата балетна Мека, след Москва и Санкт Петербург, се нарича Перм, където до академичната балетна трупа има известна хореографска школа. От 70-те години на миналия век Пермският балет е в орбитата на неотслабващото внимание на голяма публика. Единството на стила на изпълнение на солистите и кордебалета е характеристика на колектива. Балетът на Перм е може би единствената трупа в нея Руска федерация, която се състои изцяло от възпитаници на едно училище. Повече от десетилетие сцената на Урал е един вид „стартова площадка“ за много артисти, известни далеч отвъд границите на Русия. Творческата биография на много "звезди от първа величина" на столицата и други големи театри на страната и света започва в Пермския театър. Имена по целия свят известни танцьори- Галина Рагозина-Панова, Любов Кунакова, Надежда Павлова, Олга Ченчикова, Марат Даукаев, Юрий Петухов, Галина Шляпина, Светлана Смирнова - прославиха Пермската територия. Участието на неговите оперни певци и балерини в международни фестивали донесе слава на Пермския театър. Театърът за опера и балет в Перм е инициатор и организатор на Открития руски балетен конкурс "Арабеск" и Международния фестивал на изкуствата "Сезони Дягилев: Перм-Петербург-Париж". Оперни и балетни представления на Пермския театър многократно са ставали номинирани и победители на Всеруския национален театрален фестивал " Златна маска". Водещите солисти на Пермския театър посетиха различни континенти на света с представления и концертни програми. От 1973 г. трупата на Перм с пълен състав заминава на турне в Австрия, Италия, Югославия, България, Чехословакия, Германия, Полша, Белгия, Холандия, Австралия и Нова Зеландия , Япония и Южна Корея, Англия, Ирландия, Холандия, Испания, Китай, САЩ. Във Франция и Куба, Камбоджа и Канада, Тайланд и Египет, Никарагуа, Индия и САЩ - където и да се представят артистите, те получават признание от критиката и намират верни приятели и фенове. Пермският академичен театър за опера и балет е създаден през 19-ти век по инициатива на обществеността на региона Кама с участието на градския любителски музикален кръг, в който е включена известната фамилия Дягилев. Официалната дата на основаване на театъра е 24 ноември 1870 г. Първото изпълнение е операта "Живот за царя" от М. Глинка. „В Перм театърът като институция съществува от дълго време. Първоначално на улица Обвинская имаше дървена театрална сграда, но изгоряла през 1863 г. След това е построен дървен театър, по-късно демонтиран ... За първи път жителите на град Перм видяха добра трупа и освен това опера през зимата на 1879/80 г. в все още недовършения каменен театър. Трупата се съхранявала от известния впоследствие предприемач П.П. Медведев... През 1896 г. започва цяла епоха в историята на Пермския театър. Той е поет под пряката му грижа от гласните на градската дума, които решават да водят театрална дейност за сметка на града; за пряко ръководство на театъра се избира градската дирекция, която се грижи за каненето на артисти. Решено е оперната трупа да бъде издържана за сметка на града. В. С. Верхоланцев Кратък исторически и статистически очерк "Град Перм, неговото минало и настояще" 1913 г. Първият "общински" сезон откри... с постановката на "Аида". Общо дирекцията изкара шест сезона, от които един драма, един опера и драма, останалите опери. Те започваха през септември и приключваха преди Великия пост. През сезона се проведоха до сто или повече представления, годишният репертоар включваше над тридесет произведения. Поставени са предимно руска класика - "Евгений Онегин", "Пиковата дама", "Мазепа" от П. Чайковски, "Княз Игор" от А. Бородин, "Борис Годунов" от М. Мусоргски, "Демонът" от А. Рубинщайн. Освен тях на съвременната оперна сцена има такива редки гости като „Вражеската сила“ от А. Серов, „Майска нощ“ от Н. Римски-Корсаков, „Каменният гост“ от А. Даргомижски и др. От средата на 90-те години на 19 век Перм се запознава с хореографското изкуство. На 5 ноември 1896 г. се състоя представление на малък балет от Заненфелд „Лагерът на унгарските цигани”. През януари 1897 г. "Вълшебната флейта" от Р. Дриго, след това "Феята на куклите" от И. Байер виждат светлината на пермската сцена... Съществуването на театъра през първите две десетилетия на 20-ти век е неравномерно, но операта продължи да живее. Предприемачите подкрепиха интереса на публиката към операта и нивото на изпълнения, като заложиха на премиерни певци. А. Нежданова, П. Петрова-Званцева, Н. Фигнер, М. Максаков, Л. Собинов и други изявени вокалисти са се изявявали в Перм през различни сезони. 20 август 1921 г. отваря първата след гражданска войнатеатрален сезон. В плакатите - "Демон", "Фауст", "Аида", "Евгений Онегин", "Борис Годунов", "Риголето", "Севилският бръснар". До края на 20-те години на миналия век Перм се превръща в един от онези центрове на оперното изкуство, където охотно идват изключителни вокалисти и талантливи диригенти. Така през сезон 1925/26 г. пермците се възхищаваха на неподражаемата Кармен Ф. Мухтарова, а през следващия сезон - на Ленски И. Козловски. През цялата пролет на 1929 г. С. Лемешев е в състава на театъра. През 1925 г. в Перм е основана първата театрална студия, която започва да обучава балетни танцьори, както и драма, хор и оркестър. На 2 февруари 1926 г. в студиото е поставен балетът на А. Адам „Жизел”. На 20 октомври 1931 г. се състоя премиерата на Лебедово езеро (хореограф О. Чаплыгин). В предвоенните години балетната трупа се ръководи от хореографи на различни направления и школи. Пермските балетомани запомнят дълго време Н. Гончарова, Р. Минаева, Б. Коршунова, А. Бронски, А. Езерски и други танцьори в спектаклите от онези години. През военните години Ленинградският театър за опера и балет, евакуиран в Перм, се изявява на сцената на театъра. Киров. Пермската трупа не спря да работи в градовете на региона ... Защо бившият Мариински театър се озова в Перм, а след това в Молотов? ... Идеята е на главния диригент А. Пазовски, който прави първите си стъпки в голямото изкуство тук... Местните власти приеха това предложение с разбиране. Ленинградците са работили тук три зими и две лета - дълго време за историята на музикалната култура на града ... Световноизвестното училище Мариински балет, което впоследствие допринесе за създаването на Пермското хореографско училище ... по материалите на книгата на М. Степанов, Ю. Силин „125 години. Пермски академичен театър за опера и балет. P.I. Чайковски” през 1995 г. През 1931 г. Пермският театър е наречен „2-ра държавна опера на Урал”. В следвоенните години започват да се утвърждават основните творчески принципи на Пермския театър, заложени от цялата му праистория. Един от основните принципи е обновяването на репертоара за сметка на рядко изпълнявани на сцената произведения. Възраждането на непознатото, забравеното, по различни причини неприети от руската сцена е характерно за всички периоди от живота на театъра. Пермският театър отвори за публиката големите творби на С. Прокофиев: през сезон 1981-82. изпълнява авторската двунощна версия на операта на С. Прокофиев „Война и мир” и за първи път в СССР дава сценичен живот на операта „Огнен ангел” (1984). Откриването на много разфасовки на операта „Война и мир“ се разшири, направи национално-патриотичната линия на операта по-широка, драматургията на цялото стана по-хармонична и логична, характерите на някои от главните герои станаха по-многостранни. Тази продукция влезе в историята и беше удостоена с Държавната награда на Руската федерация. М. И. Глинка. Друг принцип на творческия живот на театъра е работата по произведения на съвременни композитори. В Перм те получиха билет за живота на операта „Маскарад“ от Д. Толстой и „Сестрите“ от Д. Кабалевски, балетите „Каменно цвете“ от А. Фридлиндер, „Бела“ и „Грушенка“ от Б. Машков, „Брегът на щастието” от А. Спадавекия. Сред най-интересните творчески принципи на театъра е опитът да се овладее цялото оперно и балетно наследство на П.И. Чайковски, родом от района на Кама. През 1974 г. Пермският академичен театър на името на P.I. Чайковски покани най-добрите солисти от много театри в страната и всички свои зрители на Първия фестивал на операта и балета на Чайковски. Този празник беше успешно повторен през 1983 и 1988 г. Пермският театър се превърна в истинска къща на Чайковски. "Златни години" Пермски балет , щедро дарен от Н. Боярчиков (главен хореограф на театъра, ученик на известни руски хореографи Ф. Лопухов и Б. Фенстер) на театрали от 70-те години, се превърна във вълнуваща легенда за следващите поколения. Сред неговите постановки са много разнообразни по визуален език като "Чудесният мандарин" от Б. Барток, "Три карти", "Ромео и Жулиета", "Цар Борис" от С. Прокофиев, "Орфей и Евридика" от А. Журбин. Н. Павлова, О. Ченчикова, Г. Шляпина, М. Даукаев, Л. Фоминых, Р. Кузмичева, Ю. Петухов, Г. Судаков, Л. Шипулина, К. Шморгонер, О. Левенков, В. Дубровин. През 1965 г. Пермският театър за опера и балет е кръстен на P.I. Чайковски, а през 1969 г. - статут на "академичен" театър. Творческите принципи, формирани в следвоенните години, определят художествената стратегия на театъра през трудните 90-те години. В Пермския оперен и балетен театър прозвучаха редки за руската сцена опери: „Лусия ди Ламермур“ на Доницети, която не е поставяна от много десетилетия, В.-А. Моцарт, Летящият холандец от Р. Вагнер, операта на Н. Римски-Корсаков Кашчей Безсмъртния, която на практика не се върти в страната. През 1996 г., като главен режисьор на театъра, Г. Исахакян поставя оригиналния спектакъл „Три лица на любовта“, включващ едноактни опери „Раек на майстор Педро“ от М. де Фала, „Гърдите на Тирезий“ от Ф. Пуленк и „Мадалена“, първата опера на двадесетгодишния С. Прокофиев, чийто сценичен език до голяма степен определя съвременния „оперен“ образ на Перм. В Перм за първи път светлините на прожекторите видяха операта на Александър Чайковски „Трите сестри Прозорови“ по А. П. Чехов и едноактният му балет „Пиковата дама“, парафраз на музиката на П. Чайковски. Добра традиция се превърнаха съвместни постановки с американски хореографи, режисьори и артисти от Германия, Испания, Швейцария и други страни и континенти. „Peer Gynt” от Е. Григ е поставена от американския хореограф Бен Стивънсън, „Concerto Baroque” от Дж.С. Бах е подарък от фондация Г. Баланчин. Руско-испанската постановка на операта Саломе от Р. Щраус става забележително събитие на Международния фестивал в Мадрид през есента на 1995 г. Руската опера „Златният петел“ от Н. Римски-Корсаков е поставена от швейцарския режисьор Д. Каги и немския художник С. Пастеркамп. Към 200-годишнината на A.S. Пушкин, беше подготвена уникална програма „Опера Пушкиниана”. Групата режисьори, работили по "Опера Пушкиниана", е удостоена с Държавната награда на Русия в областта на литературата и изкуството през 1999 г. Като част от сезоните на Дягилев 2005, оперите по сюжети на Малки трагедии от А. С. Пушкин (" Скъпер рицар“, „Каменен гост”, „Моцарт и Салиери”, „При по време на чумата”) и „Борис Годунов”, съставящи този цикъл, продължиха цял ден без почивка. През 1990 г. се провежда първият Открит балетен конкурс „Арабеск“, чийто художествен ръководител са Владимир Василиев и Екатерина Максимова. В продължение на 20 години на всеки две години танцьори от цял ​​свят се събират в Перм, за да участват в балетен конкурс. Млади певци от различни страни света участва в Първия международен конкурс за млади оперни певци, проведен в Перм през 1993 г. Едни от членовете на журито на конкурса бяха О. Бородина и Д. Хворостовски - лауреати на Първия всеруски конкурс за млади оперни певци, се проведе в Перм през 1987 г. Националната театрална награда "Златна маска" за най-добра женска и мъжка роля през 1996 г. беше присъдена на Татяна Куинджи и Анзор Шомахия - изпълнители на главните роли в пермската постановка на операта на Г. Доницети "Дон Паскуале". През 1998 г. тази престижна награда е получена за сценографията на пиесата „Пиковата дама“. Днес театърът се ръководи от: художествен ръководител - носител на Ордена за приятелство, лауреат на Националната театрална награда "Златна маска" Теодор Курентзис, главен диригент - заслужил артист на Русия, народен артист на Република Башкортостан Валерий Платонов, главен гост диригент - заслужил артист на Русия, лауреат на Държавната награда на Република Беларус, носител на Националната театрална награда "Златна маска" Александър Анисимов, главен хореограф - Алексей Мирошниченко, главен хормайстор - Дмитрий Батин, главен дизайнер - Елена Соловьева. С театъра си сътрудничат известни сценографи на Русия и света - Ю. Устинов, И. Акимова, В. Окунев, Ю. Хариков, А. Коженкова, Е. Хайдебрехт, Ю. Купър и много други. "Златният фонд" на репертоара на театъра, както и преди, е класика, постановките се актуализират постоянно, запазвайки не музей, а модерна форма на изкуство. Руската класика е представена от оперите на А. Бородин "Княз Игор", Н. Римски-Корсаков "Царската булка", "Снежанката". Популярни опери от Дж. Верди, В.А. Моцарт, Р. Леонкавало. В сътрудничество с фондация "Джордж Баланчин" продължава дългосрочният руско-американски проект "Хореография на Джордж Баланчин на пермската сцена". Публиката в Перм се запозна и с хореографията на по-младия му съвременник, изключителния американски хореограф Джером Робинс. В рамките на руско-американския културен проект „Хореографията на Джордж Баланчин на пермската сцена”, едноактните балети „La Sonnambula” от В. Риети, „Вариации на Доницети” (2001), „Ballet Imperial” по музика на са поставени Вторият концерт за пиано от П. Чайковски (2002), Концерт Барок по музика на концерт за две цигулки и струнен оркестър от И.С. Бах и „Серенада” по музика на „Серенада за струнен оркестър” от П. Чайковски „Балет Империал” през 2004 г. става лауреат на фестивала „Златна маска” като най-добро балетно представление. През 2005 г. съвместно с холандската компания Stardust е реализиран уникален проект „Най-грандиозното лебедово езеро в света“. В началото на хилядолетието театърът все повече утвърждава авторитета си на пионер, като продължава и обогатява традициите на „модерната оперна лаборатория”. През 2001 г. се състоя премиерата на операта на Ж. Масне „Клеопатра”, която никога не е играна в Русия, а е почти неизвестна в света. През 2004 г., за първи път в Русия, магическата опера „Алцина” от Г. Ф. Хендел, поставена за първи път в Русия, първият опит за изпълнение на стара опера в Пермския театър, разкрива нови аспекти на прекрасните оперни солисти . През 2007 г., в годината на 400-годишнината от операта на Ч. Монтеверди „Орфей“, тази опера е поставена на пермската сцена. Според московския критик Дмитрий Морозов „Георгий Исахакян постави, може би, най-доброто си представление и направи истински артистичен пробив. Орфей е не просто първата постановка на шедьовъра на Монтеверди в Русия, но и първият успех на нашия театър на полето на старата опера. ... "Орфей" се оказа най-доброто и със сигурност най-хармоничното музикално изпълнение на годината. В рамките на фестивала „Дягилеви сезони 2007“ за първи път в света беше изпълнена операта на Н. Сиделников „Чертогон“, която предизвика голям интерес сред гостите на фестивала, професионални музиканти и критици. Значителни събития от последните години са показването в Москва по покана на Театъра на народите на спектаклите „Лолита” и „Клеопатра”, представлението на прочутата сцена на Мариинския театър с балетната програма на Ж. Баланчин. През 2004 г. оперната трупа се представя на фестивала за съвременно изкуство "SAKRO ART" в Локум със световната премиера на операта на А. Щетински "Бестиарий". Спектакълът беше представен и в Театъра на нациите в Москва и на театралния фестивал в Ярославъл. През пролетта на 2006 и 2007 г., представленията на Пермския театър - "Кармен" от Ж. Бизе, "Славеят" от И. Стравински, "Пепеляшка, или Приказката за Пепеляшка" от Ж. Масне и "... на името на малката русалка“ от А. Дворжак – отново стават номинирани за Златната маска. Голям отзвук получават гастролните изяви на трупата в Москва и Санкт Петербург. Участието на пермски артисти във фестивала Звездите на белите нощи на сцената на Мариинския театър, в музикалните фестивали Балтийски сезони в Калининград, Панорама на руските оперни театри в Омск, Кресчендо в столицата, на сцената на Болшой театър на Русия, увеличи славата на Пермския театър. През януари 2008 г. турнето на Пермската опера в Америка имаше огромен успех на сцената на известната Карнеги Хол, която някога беше открита под звуците на оркестър под диригентството на П. И. Чайковски. Сега Пермският театър, кръстен на П. И. Чайковски, представи концерта „Чайковски познат и непознат“ с арии и сцени от такива опери на великия композитор като „Пиковата дама“, „Черевички“, „Орлеанска дева“, „Евгений Онегин“, „Иоланта“, „Опричник“, „Ундина“, „Чародница“, „Мазепа“. Изпълненията на пермската трупа срещнаха много топло посрещане от взискателната нюйоркска публика и получиха широк отзвук в американската преса. Перм традиционно е домакин на Открития конкурс на руските балетни артисти „Арабеск“, ръководен от Владимир Василиев и Екатерина Максимова. През 2003 г. под егидата на ЮНЕСКО се провежда първият международен фестивал „Сезони на Дягилев: Перм – Петербург – Париж”. Един от първите фестивали в Русия, който обединява различни видове изкуство под знака на творчеството и вдъхновението. Първата премиера на 137-ия сезон беше духовната опера на А. Рубинщайн „Христос” (реж. Георгий Исахакян), поставена за първи път на руска сцена. През февруари 2009 г. се състоя премиерата на операта „Отело” от режисьора В. Петров, който дебютира като режисьор на музикален театър. Руската и световна премиера на операта Един ден от живота на Иван Денисович, която се появи благодарение на творческото сътрудничество между Г. Исахакян и композитора А. Чайковски и добрата воля на А. И. Солженицин, се проведе като част от IV фестивал „Дягилевски сезони“. Тази постановка открива за оперното изкуство „лагерната” тема, която почти не е била засягана преди. В края на март се състояха премиерите на два модерни едноактни балета: Медея (хореограф Ю. Посохов) и Ринг (хореограф А. Мирошниченко). Специално за „Сезони на Дягилев“ са възродени балети в класическа хореография на М. Фокин, един от легендарните хореографи на „Руските сезони“ на Дягилев: „Половецки танци“ и миниатюрния балет „Видението на розата“. Именно тези представления бяха представени от пермски артисти в Болшой театър на честването на стогодишнината от руските сезони на Дягилев, което се състоя на 30 май. Пермският оперен и балетен театър участва в Националния театрален фестивал „Златната маска-2009“ с балетния спектакъл „Корсар“ (хореография на Мариус Петипа, актуализирана от режисьора от Санкт Петербург В. Медведев) и операта „Орфей“ ( режисьор Г. Исахакян), чиято премиера е през ноември 2007г. „Орфей” е отличен с две Златни маски: за най-добър режисьор (режисьор Г. Исахакян) и за най-добра сценография (постановка Ернст Хайдебрехт). Година по-късно театърът участва във фестивала с балетния спектакъл Медея (хореограф Юрий Посохов) и операта Един ден от живота на Иван Денисович (режисьор Георги Исахакян). Последният получи "Златна маска" в номинацията "Най-добра диригентска работа", наградата беше връчена на главния диригент на театъра Валерий Платонов. Източник: Официален уебсайт на Tetra

Михайловски театър е оперен и балетен театър в Санкт Петербург, намиращ се в историческа сграда на площада на изкуствата. Императорският Михайловски театър е открит през 1833 г. с указ на император Николай I. Театърът дължи името си на великия княз Михаил, най-малкия син на Павел I: дворецът Михайловски, разположен на площада на изкуствата, служи като резиденция на великия княз, и театърът се превръща в камерна сцена, която приема високопоставени гости измежду императорското семейство и съратници. Сградата на театъра е издигната по проект на А.П. Брюллов с участието на A.M. Горностаев. Архитектът успява органично да впише фасадата в ансамбъла на площада, създаден от К. Роси. Брюлов създаде вълшебна кутия: фактът, че зад скромна фасада е скрит театър, може да се отгатне само от покрива, където зад купола над зрителната зала се вижда висока сцена. Вътре се съдържа цялото великолепие на императорския театър: сребро и кадифе, огледала и кристал, живопис и мазилка. През 1859 г., в резултат на реконструкция по проект на А. Кавос, сцената е разширена и зрителната зала е увеличена с едно ниво, интериорът на театъра е допълнен с живописни плафони, богата мазилка и фигури на кариатиди, които красят портала над просцениума и до днес. Преди революцията Михайловският театър не е имал постоянна трупа, нито е имал специфичен репертоар. Трупата на Александринския театър се изявяваше в помещенията на театъра, френски, а понякога и немски артисти постоянно обикаляха. В стените му се провеждаха и оперни представления. След реконструкцията от 1859 г. френска драматична трупа се настанява в сградата на театъра за много десетилетия до 1918 г. Френските оперети, като Офенбах, са чести, но лирическите оперни представления са рядкост и се организират главно от Императорската руска опера (Мариинския театър). Изключението беше няколко години в средата на 1890-те, когато помещенията на Мариински бяха затворени за ремонт и оперите на сцената на Михайловски бяха изпълнявани ежеседмично. Сред тези, които са се изявявали на сцената на Михайловския театър през различни години, може да се отбележи оркестърът под диригентството на Йохан Щраус, Люсиен Гитри, Матилда Кшесинская, Фьодор Шаляпин и трупата на Сара Бернхард. КАТО. Пушкин, В.А. Жуковски, Л.Н. Толстой, P.I. Чайковски. От 1918 г. театърът има постоянна трупа. През 20-ти век в театъра работят културни дейци, известни не само в Русия, но и по целия свят. Сред тях са диригентите Е. Грикуров и Ю. Темирканов; режисьори В. Майерхолд, Б. Зон, Н. Смолич, И. Шлепянов; хореографи Ф. Лопухов, Ж. Баланчин, Ю. Григорович, И. Чернишев, Н. Боярчиков. През цялата си история театърът е сменял името си няколко пъти. Мали оперен и балетен театър - Ленинград, а след това и Петербург. От 1989 г. театърът носи името на М.П. Мусоргски, а от 2001 г. на театъра е върнато историческото име - Михайловски театър. През 2007 г. S.L. Гаудасински (народен артист на Русия, лауреат на държавните награди на Русия, професор в консерваторията) беше заменен от известния руски бизнесмен В.А. Кеман е председател на борда на директорите на компанията за внос на плодове JFC. Кехман също заяви, че ще работи със S.L. Гаудасински, който ще остане художествен ръководител на театъра. След което обаче въвежда позициите на отделни директори на оперните и балетните трупи. Балетната трупа се оглавява от известния руски танцьор Фарух Рузиматов. Елена Образцова стана художествен ръководител на оперната трупа, която напусна поста си през септември 2008 г., за да премине по-късно да работи като съветник на генералния директор на Михайловския театър по художествени въпроси: певицата обясни решението си със собствения си натоварен график творчески проектии туристически дейности. Главен гост-диригент на театъра беше Даниеле Рустиони. Балетната трупа на театъра, чието първо турне в Лондон се състоя през 2008 г., беше номинирана за наградата на британската критика в секцията за най-добра международна трупа. През 2009 г. за главен диригент - музикален директор на театъра е назначен маестро Петър Феранец, а главен хореограф на театъра става Михаил Месерер. През октомври 2009 г. Фарух Рузиматов обяви възобновяването на изпълнителската си кариера и напусна поста художествен ръководител на балетната трупа на театъра. През юли 2010 г. беше обявено, че от 1 януари 2011 г. испанският хореограф Начо Дуато ще оглави балетната трупа на театъра.

Teatro Carlo Felice е главната опера в Генуа, Италия. Театърът се намира в центъра на града, близо до площад Ферари и е символ на града.Пред театъра има конен паметник на Джузепе Гарибалди. Решението за изграждане на нова опера в Генуа е взето през 1824 г., когато става ясно, че съществуващите градски театри не отговарят на нуждите на града. Новият театър трябваше да стои в един ред и да се конкурира с най-добрите оперни театри в Европа. Обявен е архитектурен конкурс, на който е избран проектът на сградата на операта от местния архитект Карло Барбарино, малко по-късно за изграждането на сцената и залата е допълнително поканен известният миланец Луиджи Каноника, който вече е участвал в няколко големи проекти - реставрация на Ла Скала, изграждане на театри в Милано, Кремона, Бреша и др. За театъра е избрано място, на което е имало бивш Доминикански манастир и църквата Сан Доменико. Този манастирски комплекс, датиращ от тринадесети век, е известен със своето архитектурно величие и скъпоценни произведения на изкуството за вътрешната си украса. Някои твърдят, че манастирът е "принесен в жертва" на театъра, но това не е вярно. Още по времето на Наполеоновото „Кралство Италия“ в манастира са били разположени казармите и складовете на неговата армия. Комплексът е много порутен и през 1821 г. по плана за преустройство на града е напълно разрушен, а решението за изграждане на театър е взето през 1824 г. Първият камък на новата сграда е положен на 19 март 1826 г. Тържественото откриване се състоя на 7 април 1828 г., въпреки че строителството и декорацията не бяха напълно завършени. Първата опера на театралната сцена е "Бианка и Фернандо" от Винченцо Белини. Театърът е кръстен на херцог Карло Феличе Савойски, владетел на Генуа. Пететажната зала можеше да побере около 2500 зрители. През следващите години театърът е реставриран няколко пъти, през 1852 г. е монтирано газово осветление, през 1892 г. - електрическо осветление. В продължение на почти четиридесет години, от 1853 г., Джузепе Верди прекарва зимите в Генуа и многократно поставя оперите си в театър „Карло Феличе“. През 1892 г., след реконструкция за честването на 400-годишнината от откриването на Америка от Христофор Колумб (Генуа оспорва правото да се счита малка родина Колумб), Верди е помолен да композира подходяща опера за това събитие и да я постави в театъра, но той отказва, позовавайки се на напредналата си възраст. Театърът на Карло Феличе непрекъснато се обновява и остава в добро състояние до Втората световна война. Първите щети са нанесени през 1941 г., когато покривът на сградата е разрушен от обстрела на съюзническите войски, а уникалната таванна живопис на зрителната зала е сериозно повредена. Освен това, през август 1943 г., след като е ударен от запалителна бомба, задкулисните помещения изгарят, декорите и съблекалните са унищожени, но огънят не е засегнал главната зала, за съжаление, по това време театърът е пострадал повече от разбойници, които открадна много ценни неща. И накрая, през септември 1944 г., след въздушен удар, от театъра остават практически само стените. Театърът, набързо ремонтиран, продължи своята дейност през цялото това време и дори Мария Калас се представи в него. Плановете за основна реставрация на сградата на театъра започват през 1946 г. През 1951 г. един проект е избран въз основа на конкурс, но така и не се реализира. Театърът е затворен в началото на 60-те години на миналия век поради лош ремонт. През 1963 г. на известния архитект Карло Скарпа е поверено да разработи проект за реконструкция, но той забави работата и проектът е готов едва през 1977 г., но поради неочакваната смърт на архитекта през 1978 г. проектът е спрян. Следващият план е приет през 1984 г., Алдо Роси е избран за главен архитект на новия театър Карло Феличе. Основният лайтмотив на разработчиците беше комбинацията от история и модерност. Оставени са стените на стария театър и фасадата с барелефи, както и някои елементи от вътрешната украса, които успяват да се впишат в новия интериор, но по-голямата част от театъра е възстановена от нулата. На 7 април 1987 г. е положен основният камък на новия театър. Зад стария театър е добавена нова висока сграда към сцените, управлението на мобилни платформи, репетиционните стаи и съблекалните. Самата аудитория се намира в "стария" театър, целта на архитектите беше да пресъздадат атмосферата на стария театрален площад, когато представленията се провеждаха на улицата в центъра на града. Затова по стените на залата са направени прозорци и балкони, имитиращи външните стени на сгради, а таванът е осеян със „звездно небе“. На 18 октомври 1991 г. завесата на Teatro Carlo Felice най-после се издига, първото откриващо събитие за сезона е Il trovatore на Джузепе Верди. Teatro Carlo Felice е една от най-големите оперни театри в Европа, с капацитет от 2000 места в главната зала.

Teatro Regio (Кралски театър) (Торино) Teatro Regio (Кралски театър) е оперна зала в Торино. Един от най-старите и престижни театри в Италия. Построен през 1740 г., разрушен от пожар през 1936 г. и възстановен през 1973 г. Театралният сезон продължава от октомври до юни с 8-9 опери и от 5 до 12 представления на всяка. До средата на 18 век в Торино не е имало специализирана опера като такава, оперни представления се провеждат в различни други театри или на открити площи. През 1713 г. херцог Виторио Амедео II от Савой поръчва на известния архитект Филипо Ювара да проектира и построи нова голяма опера като част от цялостната трансформация на историческия център на Торино. Намерението му обаче е изпълнено едва през 1738 г., когато новият херцог Карло Емануел III Савойски решава да повери изпълнението на този проект на архитекта Бенедето Алфиери с изискването да проектира много престижен театър. "Teatro Regio" в Торино е построен за рекордно кратко време от две години и е открит на 26 декември 1740 г. Представлява луксозна пететажна зала с общо 2500 места. Всяка година се създават две оперни сериала специално за театър за откриването на сезона. От 1792 до 1798 г. театърът е затворен. След повторното отваряне през 1798 г. по време на Наполеоновите войни и френската окупация на Торино, театърът е преименуван на „Национален театър“, след това на „Голям театър на изкуствата“ и през 1804 г. на „Имперски театър“. Репертоарът на театъра е претърпял промяна и е адаптиран към френските вкусове. Император Наполеон го посещава три пъти. През 1814 г. театърът се връща във владение на херцозите на Савой и си връща старото име – „Кралски театър“. През 1870 г. става общински театър. И въпреки че Торино не можеше да се конкурира с оперната слава с Милано, Венеция или Рим, въпреки това много известни композитори работеха в театъра. През 1895-1898 г. Артуро Тосканини е главен диригент на театъра, под негово ръководство се състоят няколко италиански премиери на Рихард Вагнер. През 1905 г. театърът е реконструиран, 4-ти и 5-ти етаж са премахнати, а амфитеатърът е разширен. Освен Тосканини и Вагнер, в театъра са работили и други значими композитори – Джакомо Пучини и Рихард Щраус проведоха няколко премиери на своите опери в Teatro Regio. По време на Първата световна война театърът е затворен за няколко години и открит през 1919 г. През нощта на 8 срещу 9 февруари 1936 г. целият театър, с изключение на фасадата, е унищожен от силен пожар и отнема почти четиридесет. години да го възстанови. След пожара бяха обявени няколко конкурса за реставрация на Teatro Regio. През 1965 г. градската администрация поверява работата на архитектите Карло Молино и Марчело Завелани Роси. Работата започва в началото на септември 1967 г. и е завършена в началото на 1973 г. Новият Teatro Regio, със зашеметяващ модерен интериорен дизайн, скрит зад историческа фасада, отваря врати на 10 април 1973 г. Новата зала разполага с 1750 места. Театърът играе важна роля в съвременния културен живот на Торино, освен опери и балети, той предоставя места за широк спектър от художествени изкуства и е център на художествения и културния живот в Торино и извън него.

Мариинският театър е оперен и балетен театър в Санкт Петербург, Русия. Открит през 1860 г., изключителен руски музикален театър. На сцената му се състояха премиери на шедьоври на Чайковски, Мусоргски, Римски-Корсаков и много други композитори. Мариинският театър е дом на оперни и балетни трупи и на Симфоничния оркестър на Мариинския театър. Художествен ръководител и главен диригент Валери Гергиев. За повече от два века от своята история Мариинският театър е представил на света много велики артисти: тук е служил изключителният бас, основателят на руската оперна школа Осип Петров, такива големи певци като Фьодор Шаляпин, Иван Ершов, Медея и Николай Фигнер усъвършенстваха уменията си и стигнаха до върховете на славата. , София Преображенская. На сцената блестяха балерини: Матилда Кшесинская, Анна Павлова, Вацлав Нижински, Галина Уланова, Рудолф Нуреев, Михаил Баришников, Джордж Баланчин започна своя път към изкуството. Театърът е свидетел на разцвета на таланта на брилянтни декоратори като Константин Коровин, Александър Головин, Александър Беноа, Симон Вирсаладзе, Федор Федоровски. И много, много други. Отдавна е прието Мариинският театър да води родословие, отчитайки века от 1783 г., когато на 12 юли е издаден указ за одобрение на театралния комитет „да управлява зрелища и музика“, а на 5 октомври Болшой Каменен театър на площад „Въртележка“ беше тържествено открита. Театърът дава ново име на площада – той е оцелял и до днес като Театрална. Построен по проект на Антонио Риналди, Болшой театър порази въображението със своите размери, величествена архитектура, сцена, оборудвана според последна думатогава театрална технология. При откриването си операта на Джовани Паизиело Il Mondo della luna (" Лунен свят"). Тук се редува руската трупа с италианската и френската, поставят се драматични представления, организират се и вокални и инструментални концерти. Петербург се строи, външният му вид непрекъснато се променяше. През 1802-1803 г. Томас де Томон, брилянтен архитект и чертожник, извършва основна реорганизация на вътрешното оформление и декорация на театъра, забележимо променя външния му вид и пропорциите. Новият, церемониален и празничен облик, Болшой театър се превърна в една от архитектурните забележителности на столицата Нева, заедно с Адмиралтейството, фондовата борса и Казанската катедрала. Но в нощта на 1 януари 1811 г. в Болшой театър избухва огромен пожар. За два дни богатата вътрешна украса на театъра беше унищожена в пожара, а фасадата му беше сериозно пострадала. Томас де Томон, който изготви проект за възстановяване на любимото си дете, не доживя да види неговото изпълнение. На 3 февруари 1818 г. отново отвори врати Болшой театър с пролога „Аполон и Палада на север“ и балета на Шарл Дидело „Зефир и Флора“ по музика на композитора Катарино Кавос. Наближаваме „златния век“ на Болшой театър. Репертоарът на ерата след пожара включва „Вълшебната флейта“, „Отвличането от сераля“, „Милосърдието на Тит“ на Моцарт. Руската публика е пленена от Пепеляшка, Семирамида, Крадливата сврака и Севилският бръснар от Росини. През май 1824 г. се състоя премиерата на „Свободен стрелец“ на Вебер – произведение, което означаваше толкова много за раждането на руския романтична опера. Играят се водевили от Алябиев и Верстовски; една от най-обичаните и репертоарни опери е Иван Сусанин от Кавос, която продължава до появата на операта на Глинка по същия сюжет. Легендарната фигура на Шарл Дидело се свързва с раждането на световната слава на руския балет. Именно през тези години Пушкин е част от петербургския Болшой, улавяйки театъра в безсмъртни стихотворения. През 1836 г., за да подобри акустиката, архитектът Алберто Кавос, син на композитор и капелмайстор, заменя куполния таван на театралната зала с плосък, а над него са поставени художествена работилница и зала за декорация. Алберто Кавос премахва колоните в зрителната зала, които пречеха гледката и изкривяваха акустиката, придава на залата обичайната форма на подкова, увеличава дължината и височината й, довеждайки броя на зрителите до две хиляди. На 27 ноември 1836 г. представленията на преустроения театър се възобновяват с първото изпълнение на операта на Глинка „Живот за царя“. Случайно и може би не без добри намерения, премиерата на втората опера на Глинка „Руслан и Людмила“ се състоя точно шест години по-късно, на 27 ноември 1842 г. Тези две дати биха били достатъчни петербургският Болшой театър да влезе завинаги в историята на руската култура. Но имаше, разбира се, шедьоври европейска музика : опери на Моцарт, Росини, Белини, Доницети, Верди, Майербер, Гуно, Обер, Томас ... С течение на времето представленията на руската оперна трупа са пренесени на сцената на Александринския театър и намиращия се т.нар. Цирков театър срещу Болшой (където продължиха представленията на балетната трупа, както и италианската опера). Когато цирковият театър изгаря през 1859 г., на негово място е построен нов театър от същия архитект Алберто Кавос. Именно той получи името Мариински в чест на управляващата императрица Мария Александровна, съпруга на Александър II. Първият театрален сезон в новата сграда е открит на 2 октомври 1860 г. с операта „Живот за царя“ от Глинка под диригентството на Константин Лядов, главен диригент на Руската опера, баща на бъдещия известен композитор Анатолий Лядов. Мариинският театър укрепи и развие великите традиции на първата руска музикална сцена. С идването на Едуард Направник през 1863 г., който заменя Константин Лядов като главен капелмайстор, започва една славна епоха в историята на театъра. Половин век, даден от Направник на Мариинския театър, бе белязан от премиерите на най-значимите опери в историята на руската музика. Да назовем само няколко от тях - Борис Годунов на Мусоргски, Псковската девойка, Майска нощ, Снежанката на Римски-Корсаков, Княз Игор на Бородин, Орлеанската девойка, Чаровницата, Пиковата дама, Иоланта » Чайковски, «Демон » Рубинщайн, «Орестея» Танеев. В началото на ХХ век репертоарът на Оперния театър Вагнер (сред тях тетралогията „Пръстенът на Нибелунга“), „Електра“ от Рихард Щраус, „Легендата за невидимия град Китеж“ от Римски-Корсаков, "Хованщина" от Мусоргски. Мариус Петипа, който оглавява балетната трупа на театъра през 1869 г., продължава традициите на своите предшественици Жул Перо и Артур Сен-Леон. Петипа ревностно запазва такива класически изпълнения като Жизел, Есмералда, Ле Корсар, като ги подлага само на внимателно редактиране. Постановената от него „Баядерка“ за първи път донесе дъха на голяма хореографска композиция на балетната сцена, в която „танцът стана като музика“. Щастливата среща между Петипа и Чайковски, който твърди, че „балетът е една и съща симфония“, доведе до раждането на „Спящата красавица“ – истинска музикална и хореографска поема. В общността на Петипа и Лев Иванов възникна хореографията на Лешникотрошачката. Още след смъртта на Чайковски Лебедово езеро намери втори живот на сцената на Мариинския театър - и отново в съвместната хореография на Петипа и Иванов. Петипа затвърди репутацията си на хореограф и симфонист с постановката на балета на Глазунов „Раймонда“. Неговите новаторски идеи бяха подхванати от младия Михаил Фокин, който постави в Мариинския театър Павилионът на Армида на Черепнин, Лебедът от Сен Санс, Шопиниана по музика на Шопен, както и балети, създадени в Париж - Шехерезада по музиката на Римски -Корсаков, Жар-птицата и Петрушка от Стравински. Мариинският театър е реконструиран няколко пъти. През 1885 г., когато повечето от представленията са пренесени на сцената на Мариинския преди затварянето на Болшой театър, главният архитект на императорските театри Виктор Шретер добавя триетажна сграда към лявото крило на сградата за театър работилници, репетиционни зали, електроцентрала и котелно помещение. През 1894 г. под ръководството на Шрьотер дървените греди са заменени със стомана и стоманобетон, надграждат се странични крила и се разширяват зрителните фоайета. претърпя ремонт и главна фасада, което придобива монументални форми. През 1886 г. балетни представления, които дотогава продължават да излизат на сцената на Болшой Стоун театър , бяха преместени в Мариинския театър. А на мястото на Болшой Каменни е издигната сградата на консерваторията в Санкт Петербург. С постановление на правителството от 9 ноември 1917 г. Мариинският театър е обявен за Държавен театър и е прехвърлен под юрисдикцията на Народния комисариат на образованието. През 1920 г. започва да се нарича Държавен академичен театър за опера и балет (ГАТОБ), а от 1935 г. носи името на С. М. Киров. Наред с класиката на миналия век на театралната сцена през 20-те и началото на 30-те години се появяват модерни опери - Любовта към три портокала от Сергей Прокофиев, Возек от Албан Берг, Саломе и Der Rosenkavalier от Рихард Щраус; раждат се балети, които утвърждават нова хореографска посока, популярна от десетилетия, т. нар. драматичен балет - Червеният мак от Райнхолд Глиер, Пламъците на Париж и Бахчисарайският фонтан от Борис Асафиев, Лауренсия от Александър Крейн, Ромео и Жулиета от Сергей Прокофиев и др. Последната предвоенна оперна премиера в театър „Киров“ е „Лоенгрин“ на Вагнер, чието второ представление завършва късно вечерта на 21 юни 1941 г., но постановките, предвидени за 24 и 27 юни, са заменени от Иван Сусанин. По време на Великата отечествена война театърът е евакуиран в Перм, където се състояха премиерите на няколко представления, включително премиерата на балета на Арам Хачатурян „Гаяне“. След завръщането си в Ленинград театърът открива сезона на 1 септември 1944 г. с операта на Глинка „Иван Сусанин“. През 50-70-те години. театърът постави такива известни балети като Шурале от Фарид Ярулин, Спартак от Арам Хачатурян и Дванадесетте от Борис Тищенко с хореография Леонид Якобсон, Каменното цвете от Сергей Прокофиев и Легенда за любовта от Ариф Меликов с хореография на Юрий Григорович Симонф. Дмитрий Шостакович в хореографията на Игор Белски, заедно с постановката на нови балети, балетната класика беше внимателно запазена в репертоара на театъра. Оперите на Прокофиев, Дзержински, Шапорин, Хренников се появяват в оперния репертоар наред с Чайковски, Римски-Корсаков, Мусоргски, Верди, Бизе. През 1968-1970г. Извършена е обща реконструкция на театъра по проект на Саломе Гелфер, в резултат на което лявото крило на сградата е „разпънато“ и придобива сегашния си вид. Важен етап в историята на театъра през 80-те години е постановката на оперите на Чайковски "Евгений Онегин" и "Пиковата дама", осъществена от Юрий Темирканов, който оглавява театъра през 1976 г. В тези постановки, които все още са запазени в репертоара на театъра, се изявява ново поколение артисти. През 1988 г. Валери Гергиев става главен диригент на театъра. На 16 януари 1992 г. театърът е върнат на историческото си име - Мариински. А през 2006 г. трупата и оркестърът на театъра получиха на свое разположение Концертна залана ул. Декабристов, 37. Източник: Мариински театър

Театро Масимо (на италиански: Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) е оперен театър в Палермо, Италия. Театърът носи името на крал Виктор Емануил II. В превод от италиански Масимо означава най-големият, най-големият - архитектурният комплекс на театъра е най-големият сред сградите на оперни театри в Италия и един от най-големите в Европа. В Палермо, вторият по големина град в Южна Италия, отдавна се говори за необходимостта от опера в града. През 1864 г. кметът на Палермо Антонио Рудини обявява международен конкурс за построяване на голяма опера, която трябваше да разкраси облика на града и да издигне имиджа на града в светлината на неотдавнашното национално единство на Италия. През 1968 г. в резултат на конкурс е избран известен архитект в Сицилия Джовани Батиста Филипо Базиле. За новия театър е определено място, на което се намират църквата и манастирът Сан Джулиано, те, въпреки протестите на францисканските монахини, са съборени. Според легендата „Последната игуменка” все още броди из салоните на театъра, а онези, които не вярват в нея, винаги се спъват на едно стъпало („стъпка на монахиня”) на входа на театъра. Строителството започва с тържествена церемония по полагане на първия камък на 12 януари 1875 г., но напредва бавно, с постоянна липса на финансиране и скандали, през 1882 г. е замразено за осем години и е възобновено едва през 1890 г. През 1891 г. архитектът Джовани Базиле умира преди откриването на своя проект, работата е продължена от сина му Ернесто Базиле. На 16 май 1897 г., 22 години след началото на строежа, театърът отваря врати за любителите на операта, първата опера, поставена на неговата сцена, е „Фалстаф“ на Джузепе Верди, режисиран от Леополдо Муньоне. Giovani Basile е вдъхновен от древната сицилианска архитектура и по този начин театърът е построен в прост неокласически стил с елементи от древногръцки храмове. Монументалното стълбище, водещо към театъра, е украсено с бронзови лъвове, носещи на гърбовете си статуи на жени - алегоричните "Опера" и "Трагедия". Сградата е увенчана с голям полукръг купол. Роко Лентини, Еторе де Мария Беглер, Микеле Кортеджани, Луиджи ди Джовани са работили по вътрешната украса на театъра, която е проектирана в стила на късния Ренесанс. Към аудиторията се извежда просторен вестибюл, а самата зала е с форма на подкова, някога е била 7-етажна и е предназначена за повече от 3000 зрители, сега с пет етажа ложи и галерия може да побере 1381 места. Първите сезони бяха много успешни. Благодарение на най-големия бизнесмен и сенатор Игнацио Флорио, който спонсорира театъра и се стреми да превърне Палермо в столица на операта, градът привлича много гости, включително короновани личности, които постоянно посещават театъра. В театъра са участвали водещи диригенти и певци, като се започне от Енрико Карузо, Джакомо Пучини, Рената Тебалди и много други. През 1974 г. Театър Масимо е затворен за пълна реставрация, но поради корупционни скандали и политическа нестабилност реставрацията се бави с 23 години. На 12 май 1997 г., четири дни преди стогодишнината, театърът е отворен отново с изпълнението на Втора симфония на Г. Малер, но реставрацията все още не е напълно завършена и през 1998 г. се провежда първото оперно представление - "Аида" от Верди, и редовният оперен сезон започва през 1999 г.

Опера дьо Лил (Opera de Lille, Франция), е построена между 1907 и 1913 г. и официално открит през 1923 г. През 1903 г. старата сграда на операта в Лил изгаря при пожар. Конкурсът за най-добър дизайн на новия театър беше спечелен от архитекта Луи-Мари Кордоние, вдъхновен от архитектурата на Опера Гарние в Париж и италианските театри. Сградата на Опера де Лил е построена в неокласически стил. На фронтона е изобразен покровителят на изкуствата Аполон, заобиколен от музи, скулптурите са дело на Иполит Лефевр. Отляво на групата е алегорично представяне на Музиката от Амедео Кордоние, а вдясно е скулптурата "Трагедия" от Ектор Лемер. Вътрешното стълбище е в разкошния стил Луи XIV. Огромната "италианска" зала (една от последните построени във Франция) може да побере повече от 1000 зрители. В началото на Първата световна война, през юли 1914 г., все още недовършената сграда на театъра е окупирана от германски войски. През четирите години на окупация театърът е домакин на около сто представления. След войната сградата е реставрирана, в нея се състоя „френската премиера” през 1923г. През 1998 г. състоянието на театъра изисква спешно затваряне в средата на сезона. Ремонтът се превърна в амбициозен проект за подобряване на функционалността на операта. Реконструкцията е извършена от архитектите Патрис Неринк и Пиер-Луи Карлие. Този проект е завършен в края на 2003 г., а през 2004 г. Лил е обявен за Европейска столица на културата.

Големият театър на Бордо (Grand Theatre de Bordeaux, Франция) е открит на 17 април 1780 г. с премиерата на „Афалия“ на Расин. Сградата на театъра е построена на площад Комедия. Именно в този театър младият Мариус Петипа постави едни от първите си балети. Театърът е проектиран от архитект Виктор Луи (1731-1800), който печели известната Гран при на Рим. Луи проектира и галериите около градините на Пале Роял и театъра Комеди Франсез в Париж. Строителството на сградата на Големия театър на Бордо със зала за 1000 места се извършва от 1773 до 1780 г. Големият театър на Бордо е замислен като храм на изкуствата и светлината, с неокласическа фасада, надарена с портик от 12 колосални колони в коринтски стил, поддържащи антаблемент, върху който стоят 12 статуи, представящи деветте музи и три богини (Юнона, Венера и Минерва). Височината на сградата е 88 метра. През 1871 г. театърът е за кратко време седалище на френския парламент. Интериорът на театъра е реставриран през 1991 г., зрителната зала е основно преработена, оригиналните цветове на интериора са синьо, бяло и златисто. Фасадите на сградата са реставрирани и оборудвани с осветление. Днес театърът е дом на Националната опера на Бордо, както и на Националния балет на Бордо. Също така често се провеждат симфонични концерти, изпълнявани от Национален оркестърБордо и Аквитания. Grand Theatre de Bordeaux се счита за един от най-красивите френски театри.

Големият театър La Fenice („Феникс“) (Gran Teatro La Fenice) е оперна зала във Венеция, многократно унищожавана от пожари и възстановявана. Театърът е място за провеждане на Международния фестивал за съвременна музика. Teatro La Fenice е построен между 1790 и 1792 г. Името "Феникс" отразява факта, че театърът е "възроден от пепелта" два пъти. През 1774 г. водещата венецианска опера от онова време Сан Бенедето изгаря до основи. Управляващото дружество го възстанови, но загуби спора със собственика му в съда и отново загуби театъра. В резултат на това компанията решава да изгради своя собствена нова къщаопери. Строителството започва през юни 1790 г. и е завършено през май 1792 г. Театърът е наречен "Ла Фениче", което свидетелства за възраждането. Открит е на 16 май 1792 г. с операта на Паизиело „Игрите на Агригентум“. На 13 декември 1836 г. театърът е унищожен от пожар, но бързо възстановен до първоначалния си модел, под ръководството на архитектите Томазо и Джамбатиста Медун. Година по-късно, през 1837 г., театърът отново отваря врати. През деветнадесети век Ла Фениче става място за премиери на много опери от видни италиански автори, по-специално Джоакино Росини (Танкред, 1813, Семирамида, 1823), Винченцо Белини (Капулети и Монтеки, 1830, Беатрис ди Танди, 1833). . ) и Джузепе Верди (Ернани, 1843, Атила, 1846, Риголето, 1851, Травиата, 1853, Симон Боканегра, 1857). Премиерата на "Травиата" първоначално беше освирквана от публиката във Финикс. През 1930 г. Биеналето във Венеция инициира първия международен фестивал за съвременна музика. През 1937 г. театърът е реконструиран по проект на Еухенио Миоцо. Изключителни премиери на 20-ти век са постановките на операта „Напредъкът на греблата“ от И. Стравински (1951) и „Завъртането на винта“ от Б. Бритън. На 29 януари 1996 г. сградата на театъра отново е унищожена от пожар, запален от електротехника Енрико Карела, който се опитва да избегне договорни неустойки за забавяне на работата. В държавна подкрепаТеатърът е реставриран и тържествено открит на 14 декември 2003 г. На откриването се представиха хорът и оркестърът на Ла Скала с диригент Мути. В програмата на тържествата по повод възраждането на Фениче бяха включени най-добрите оркестри в света, включително Санкт Петербургската филхармония с диригент Юрий Темирканов, който изпълни произведения на Чайковски и Стравински.

Кралската опера "Ковънт Гардън" е театър в Лондон, Великобритания, служещ като място за оперни и балетни представления, домашна сцена на Лондонската кралска опера и Лондонския кралски балет. Намира се в района на Ковънт Гардън, на който е получил името си. Първоначално в Ковънт Гардън имаше няколко независими трупи, заедно с драматични, музикални и балетни представленияимаше циркови представления. До средата на 18-ти век основното място на сцената на театъра е заето от музикални представления, а от 1847 г. се поставят само опери и балети. Модерната сграда на театъра е третата поред, разположена на този обект. Построена е през 1858 г. и претърпява коренно обновяване през 90-те години на миналия век. Кралската опера побира 2268 зрители и се състои от четири нива. Ширината на авансцената е 12,2 m, височината е 14,8 m. по инициатива на режисьора и импресарио Джон Рич и открита на 7 декември 1732 г. със спектакъл по пиесата на Уилям Конгрив „So do the world“ (англ. The Way of the World). Преди представлението актьорите влязоха в театъра с тържествено шествие, носейки Рич на ръце. В продължение на почти век театърът Ковънт Гардън е един от двата лондонски драматични театъра, тъй като още през 1660 г. крал Чарлз II разрешава поставянето на драматични представления само в два театъра (вторият е най-малко известен театърДрури Лейн). През 1734 г. в Ковънт Гардън е поставен първият балет „Пигмалион“ с Мари Сале в главната роля, която танцува, противно на традицията, без корсет. В края на 1734 г. в Ковънт Гардън започва да се поставя опера – предимно произведения на Джордж Фридрих Хендел, бивш музикален директор на театъра: ранната му, макар и силно преработена опера „Верният пастир“ (на италиански: Il pastor fido) е поставя първо, а след това през януари 1735 г. следва нова опера, Ариодант и други. През 1743 г. тук е изпълнена ораторията на Хендел „Месия”, а по-късно и изпълнението на оратории на религиозни темипрез дните на Великия пост става традиция в театъра. За първи път тук са поставени опери на композитора Томас Арн, както и опери на сина му. През 1808 г. първият театър в Ковънт Гардън е унищожен от пожар. Новата сграда на театъра е издигната през първите девет месеца на 1809 г. по проект на Робърт Сморк и е открита на 18 септември с постановка на Макбет. Ръководството на театъра вдигна цените на билетите, за да възстанови разходите за новата сграда, но в продължение на два месеца публиката нарушаваше представленията с постоянни викове, ръкопляскания и освирквания, в резултат на което ръководството на театъра беше принудено да върне цените на предишното ниво. През първата половина на 19-ти век опери, балети, драматични постановки с участието на изключителни трагици Едмънд Кийн и Сара Сидънс, пантомима и дори клоунада (изпълнени тук известен клоунДжоузеф Грималди). Ситуацията се променя, след като през 1846 г. в резултат на конфликт в Театъра на Нейно Величество – Лондонската опера – значителна част от трупата му, водена от диригента Майкъл Коста, се премества в Ковънт Гардън; залата е реконструирана, а на 6 април 1847 г. театърът отново отваря врати под името Кралска италианска опера с постановка на операта на Росини Семирамида. Въпреки това, по-малко от девет години по-късно, на 5 март 1856 г., театърът изгаря за втори път. Третият театър в Ковънт Гардън е построен през 1857-1858 г. проектирана от Едуард Мидълтън Бари и открита на 15 май 1858 г. с постановка на „Хугеноти“ на Майербер. По време на Първата световна война театърът е реквизиран и използван като склад. По време на Втората световна война сградата на театъра е имала зала за танци. През 1946 г. операта се завръща в стените на Ковънт Гардън: на 20 февруари театърът отваря врати със Спящата красавица на Чайковски в екстравагантна постановка на Оливър Месел. По същото време започва създаването на оперна трупа, за която театърът Ковънт Гардън ще се превърне в домашна сцена, на 14 януари 1947 г. Оперната компания Ковънт Гардън (бъдещата Кралска опера в Лондон) представя тук операта Кармен на Бизе.

Самарският академичен театър за опера и балет е музикален театър в Самара, Русия. Самарският академичен театър за опера и балет е един от най-големите руски музикални театри. Откриването на театъра става на 1 юни 1931 г. с операта на Мусоргски Борис Годунов. В началото си бяха изключителни руски музиканти- ученик на Танеев и Римски-Корсаков, диригент и композитор Антон Ейхенвалд, диригент на Болшой театър Арий Пазовски, известният руски диригент Исидор Зак, директор на Болшой театър Йосиф Лапицки. Такива майстори като диригенти Савелий Берголтс, Лев Осовски, режисьор Борис Рябикин, певци Александър Долски, народен артист на Украинската ССР Николай Полудьони, народен артист на Русия Виктор Черноморцев, народен артист на РСФСР, бъдеща солистка на Болшой театър Наталия Шпилер, Латарис Шпилер Борейко вписа имената им в историята на театъра и много други. Балетната трупа беше оглавена от Евгения Лопухова, солистка на Мариинския театър, участничка в легендарните сезони на Дягилев в Париж. Тя откри поредица от брилянтни петербургски хореографи, които през различни години оглавяваха самарския балет. Балетмайсторите на Самарския театър бяха талантливият хореограф, ученичката на Агрипина Ваганова Наталия Данилова, легендарната петербургска балерина Алла Шелест, солистът на Мариинския театър Игор Чернишев, народният артист на СССР Никита Долгушин. Театърът бързо набира репертоар. В постановките от 30-те години на миналия век са включени оперни и балетни класики: опери на Чайковски, Глинка, Римски-Корсаков, Бородин, Даргомижски, Росини, Верди, Пучини, балети от Чайковски, Минкус, Адана. Театърът отделя голямо внимание и на съвременния репертоар, съобразен с изискванията на времето. В предвоенния период за първи път в страната са поставени оперите „Степта“ от А. Айхенвалд, „Таня“ от Крайтнер, „Укротяването на опърничавата“ от Шебалин и др. В плакатите му има десетки заглавия, от класиката на 18 век. („Медея“ от Керубини, „Тайният брак“ от Чимароза) и няколко извършени работиРуски композитори от 19 век („Сервилия“ от Римски-Корсаков, „Чародницата“ от Чайковски, „Елка“ от Ребиков) до европейския авангард на 20 век. („Джуджето“ от фон Землински, „Сватбата“ от Стравински, „Арлекино“ от Бузони). Специална страница от живота на театъра е съвместното творчество със съвременни родни автори. Изключителни руски композитори Сергей Слонимски и Андрей Ешпай, Тихон Хренников и Андрей Петров повериха своите произведения на нашата сцена. Световната премиера на операта „Видения на Иван Грозни“ на Слонимски, изпълнена от великия музикант от 20-ти век Мстислав Ростропович в сътрудничество с режисьора на изключителни сценични майстори Роберт Стуруа и художника Георгий Алекси-Месхишвили, беше значимо събитие далеч отвъд културния живот на Самара. До началото на Великата отечествена война културната ситуация в града се променя драстично. През октомври 1941 г. Държавният Болшой театър на СССР е евакуиран в Куйбишев/Самара („резервна столица“). Художествената инициатива преминава към най-големите майстори на съветската оперна и балетна сцена. За 1941-1943г Болшой театър показа 14 опери и балета в Самара. На сцената в Самара се представя по целия свят известни певциДирижират Иван Козловски, Максим Михайлов, Марк Райзен, Валерия Барсова, Наталия Шпилер, балерината Олга Лепешинская, Самосуд, Огън, Мелик-Пашаев. До лятото на 1943 г. колективът на Болшой театър живее и работи в Куйбишев. В знак на благодарност за помощта местни жителив това тежко време, дори и след войната, нейните артисти неведнъж идваха на Волга с новите си творби, както и с историческия военновременен репертоар. През 2005 г., в чест на 60-годишнината от Победата в Великите Отечествена война, екипът на Болшой театър на Русия подари на самарската публика нова среща с тяхното изкуство. Гастролните изпълнения и концерти (балетът на Шостакович „Светлият поток“, операта на Мусоргски „Борис Годунов“, голямата симфония на победата – Седмата симфония на Шостакович, концерт на духов оркестър и оперни солисти) пожънаха триумфален успех. Както беше отбелязано изпълнителен директорБолшой театър на Русия А. Иксанов, „За целия персонал на Болшой театър това турне е още една възможност да изразят дълбока благодарност към жителите на Самара за факта, че в най-трудното военно време Болшой театър намери втори дом тук ” Върхът на музикалния живот на Самара през 20-ти век, едно наистина историческо събитие, беше изпълнението на Седмата („Ленинградска”) симфония на Дмитрий Шостакович на сцената на Самарската опера. Голямото произведение, отразяващо трагичните събития от военно време, предаващо цялото величие на подвига на съветските войници, е завършено от композитора през декември 1941 г., докато е евакуиран в Самара и изпълнено от оркестъра на Болшой театър под ръководството на Самуил Самосуд на 5 март , 1942 г. Театърът живее интензивен живот. Реконструкцията е завършена, на плаката се появяват нови имена, певци и танцьори печелят престижни международни и всеруски конкурси, нови творчески сили се изливат в трупата. Екипът на театъра може да се гордее с концентрацията на талантливи, ярки творчески личности. Заслужилите артисти на Русия Михаил Губски и Василий Святкин са солисти не само в Самарския театър, но и в Болшой театър на Русия и Московския театър Нова опера. Анатолий Невдах участва в спектаклите на Болшой театър, Андрей Антонов успешно играе на сцените на руски и чуждестранни театри. Нивото на оперната трупа се доказва и от присъствието в нея на голям брой "титулувани" певци: 5 народни артисти, 8 заслужени артисти, 10 лауреати на международни и всеруски конкурси. В трупата има много талантливи млади хора, с които по-старото поколение артисти охотно споделя тайните на майсторството. От 2008 г. балетната трупа на театъра значително вдигна летвата. Екипът на театъра беше оглавен от заслужения артист на Русия Кирил Шморгонер, който дълго време красеше балетната трупа на Пермския театър. К. Шморгонер покани в театъра голяма група свои ученици, възпитаници на един от най-добрите образователни институциистрана - Пермско хореографско училище. Младите балетисти Екатерина Первушина и Виктор Малигин станаха лауреати на престижната награда международна конкуренция„Арабеск“, цяла група от самарски танцьори успешно се представи на Всеруския фестивал „Делфийски игри“. През последните години театърът е домакин на няколко премиери, които получиха голям отзвук от публиката: оперите Моцарт и Салиери от Римски-Корсаков, Мавърът от Стравински, Слугинята от Перголези, Евгений Онегин от Чайковски, Риголето от Верди, Мадама Пеперуда“ от Пучини, хореографска кантата „Сватбата“ от Стравински, балет на Хертел“ Безполезна предпазна мярка". Театърът активно си сътрудничи в тези постановки с московски майстори от Болшой театър, нова опера, с други театри в Русия. Много внимание се отделя на постановката на музикални приказки за деца. На концертната сцена се изявяват и оперни и балетни артисти. Сред гастролните маршрути на театъра са България, Германия, Италия, Испания, Китай, руски градове. Интензивната гастролна практика на театъра даде възможност да се запознаят с най-новите творби и жителите на Самарска област. Ярка страница от живота на театъра са фестивалите. Сред тях е и фестивалът класически балеткръстен на Алла Шелест, международният фестивал „Основи на XXI век“, „Пет вечери в Толиати“, фестивалът на оперното изкуство „Самарска пролет“. Благодарение на фестивалните инициативи на театъра самарската публика можеше да се запознае с изкуството на десетки най-велики майстори на родното и чуждестранното оперно и балетно изкуство. В творческите планове на театъра са постановки на операта "Княз Игор", балетите "Дон Кихот", "Спящата красавица". До 80-ата годишнина театърът планира да покаже операта на Мусоргски „Борис Годунов“, като по този начин се върне към корените на нов етап от историческото си развитие. На централния площад на града се издига масивна сива сграда - според изкуствоведи „грандиозен паметник от късния „пилонаден стил“, към който се добавя брутална класика“, „ ярък примерархитектура от 30-те години на миналия век. Авторите на проекта са ленинградските архитекти Н.А. Троцки и Н.Д. Katseleneggbogen, който спечели конкурса за създаване на Двореца на културата през 1935 г. Театърът се намираше в централната част на сградата. В лявото крило известно време имаше регионална библиотека, в дясното - спортно училище и художествен музей. През 2006 г. започва реконструкцията на сградата, която налага изгонването на спортното училище и музея. До 2010 г., юбилейния сезон на театъра, реконструкцията е завършена.

Любителите на класическата музика със сигурност се интересуват от въпроса кои са най-известните опери в света днес. Сред огромния брой шедьоври, създадени от композитори в продължение на няколко века, е трудно да се откроят най-популярните. От всички обаче е възможно да се идентифицират безспорните лидери, които попаднаха в челната десетка, представена по-долу. Тези опери са преведени на няколко езика и редовно се изпълняват на сцените на най-добрите театри в света.

Винченцо Белини

(Винченцо Белини) открива списъка с най-популярните опери в света. Това е лирическа трагедия в две действия, базирана на произведението на А. Суме "Норма, или Детоубийство". Операта е представена за първи път в Милано и почти веднага придоби широка популярност сред любителите на операта. Заглавната част се счита за една от най-трудните в репертоара на сопраното. "Норма" е написана от композитора през 31-ва година на 19-ти век и все още се радва на световна популярност.

П. И. Чайковски

(П. И. Чайковски) - най-известната опера на руски композитор със световна известност. Творбата е създадена според роман със същото имеАлександър Сергеевич Пушкин и по либрето на Константин Шиловски. Операта беше представена на широката публика в Московския Мали театър. Чайковски, преди да напише своя шедьовър, дълго време търсеше оперен сюжет, който да бъде силна драма. Сюжетът по стечение на обстоятелствата е вдъхновен от композитора от певицата Лавровская.

W. A. ​​Моцарт

„Сватба Фигаро"(W. A. ​​Mozart) е популярна опера на австрийски композитор-виртуоз, получила световна слава. Написано от пиеса със същото имеБомарше. Моцарт започва да пише музикално произведение през 86-та година на 18-ти век. Създаването на партитурата продължи пет месеца. След първото й представяне пред публиката тя не спечели голяма популярност. Слава и лаври идват след поставянето на операта в Прага. За първи път операта е преведена на руски от Пьотър Илич Чуковски. Операта се състои от общо четири действия. Сюжетът на творбата е свързан с подготовката за сватбата на прислужницата Сузана и камериера Фигаро.

W. A. ​​Моцарт

« магически флейтата(W. A. ​​Mozart) - една от най-добрите опери в света, написана от композитора в две действия. За първи път е представен на публиката през 1791 г. във Виена. В центъра на сюжета е принц Тамино, който трябва да премине през много трудности и изпитания, за да бъде достоен да бъде с любимата си, дъщерята на кралицата на нощта. Гьоте е толкова възхитен от това произведение, че прави опити да напише продължение на това либрето.

Джоакино Росини

« Севиля бръснар“ (Джоакино Росини) е една от най-добрите опери, придобила световна популярност. Включва две действия, създадени по едноименната комедия на Пиер Борамше. Първоначално либретото се наричаше „Алмавива, или напразна предпазливост“. Действието на музикалното произведение се развива в Севиля през 18 век. Операта започва с появата на граф Алмавива, който е под прозорците на своята любима. За нея той изпълнява малка оперна ария „Скоро изтокът ще блесне ярко със златна зора“. Настойникът на любимия не й позволява да излезе на балкона, така че опитите на Алвамива са напразни.

Джакомо Пучини

"(Джакомо Пучини) - един от световните музикални шедьоври, представен на публиката през далечната 1896 година. Операта включва четири действия. Той е базиран на произведението на Анри Мюргер "Сцени от живота на Бохемия". Действието в либретото се развива в Париж през 30-те години на 19 век. Първото действие започва с факта, че бедният поет Рудолф и неговият приятел художник Марсел прекарват вечерта до студената камина, която няма какво да разпали. Художникът иска да изгори последния стол, но Рудолф го спира, като жертва един от своите ръкописи. Действието завършва със срещата на поета с любовта си.

Г. Доницети

„Лусия ди Ламермур» (Г. Доницети) е включена в списъка на най-популярните опери в света. Трагичното музикално произведение на италианския композитор е изпълнено в три действия. Либретото е написано по романа "The Bride of Lammermoor" от У. Скот. Малко по-късно композиторът написва и френска версия на операта. Тя гръмна по целия свят, превръщайки се в една от най-добрите. Сюжетът на романа е използван преди Доницети от няколко композитора, но неговото създаване напълно измести всички предишни. Действието на либретото се развива в Шотландия през 18 век. Общо творбата включва две части: „Заминаване“ и „Брачен договор“.

Жорж Бизе

(Жорж Бизе) открива трите най-добри опери в света, които са написани от композитора по едноименния разказ на Проспер Мериме. Единични чернови на партитурата се появяват през 74-та година на 19-ти век. Премиерата се състоя за първи път във Франция, където беше пълно фиаско. Непризната от френската публика и критици, операта напуска сцената за дълго време и се завръща на сцената едва през 1983 г., като намира световна слава за себе си. Самият Чайковски каза, че това е наистина шедьовър, който след известно време ще придобие мащабна слава.

С. Прокофиев

« Война и свят„(С. Прокофиев) – една от най-известните опери, които гръмнаха в цял свят. По едноименния роман изключителен писател 19 век Лев Николаевич Толстой. Общо творбата включва тринадесет картини. Операта започва с появата на сцената на Болконски, който гостува в имението на граф Ростов. Той чува гласа на дъщерята на графа Наташа, която го впечатлява с красивото си пеене. Тринадесетата последна картина разказва за останките от оттеглящата се армия на Бонапарт. Идеи за написване на опера по известния романен композитор се раждаха дълго време. Първите скечове се появяват през 1941 г., а през 1959 г. гърми на сцената на Болшой театър, превръщайки се в една от най-добрите опери в света.

Джузепе Верди

(Джузепе Верди) допълва списъка с най-добрите опери в света. В превод на руски, думата traviata означава „изгубен“ или „паднал“. Композиторът е вдъхновен да го напише от романа на Александър Дюма „Дамата с камелиите“. „Травиата“, представена за първи път пред публика, претърпя пълно фиаско, но след радикална ревизия придоби световна популярност. Характерна черта на тази опера е необичайният избор на героинята за онова време - паднала жена на смъртното си легло. Действието на „Травиата” се развива в Париж в средата на 19 век. В центъра на вниманието е куртизанка, отхвърлена от обществото и ненужна на никого. Три действия са включени в оригиналната партитура.

Всички фенове на класическата музика със сигурност ще се интересуват да разберат кои опери са признати за най-добрите в света, въпреки че е излишно да казвам, че тази тема може да се обсъжда с часове. Оперните произведения с право заемат важна ниша в бранша на музикалните и драматични произведения, те бяха почитани от най-аристократичните кръгове на нашето общество и, трябва да се отбележи, остават популярни и до днес.

Както знаете, оперните произведения са различни - романтични, комични, оперно-балетни и така нататък - но сред тях има такива, които са признати за най-добрите от най-добрите. Нека разберем за какво говорим.

• Травиата, Джузепе Верди

Открива нашите топ 10 на най-известните опери в света "Травиата", написани от композитора Джузепе Верди. Интересен факт е, че първото производство, което се проведе във Венеция през 1853 г., претърпя съкрушителен провал, но след няколко подобрения придоби световна слава и слава. Операта разказва за красива куртизанка с неизлечима болест, чийто живот е пълен с любов, интриги, измама, късно покаяние и дори саможертва.

• "Война и мир", С. Прокофиев по романа на Л. Н. Толстой

Ако сте чели книгата или поне сте гледали едноименния филм, тогава вероятно знаете какво е солта. Буйни балове, изискани дами, много млада Наташа Ростова, френски офицери, обикновени хора и действия, разгръщащи се на фона на войната от 1812 г. Планът на операта се състои от две части и включва шоу, разделено на две вечери, но има и специална съкратена версия за една вечер.

• "Кармен", Жорж Бизе

Може би едно от най-разпознаваемите произведения в света на класическата музика, мелодии и дори цели арии от Кармен са известни сред хората, често могат да се чуят във филми или дори анимационни филми. Първата продукция на "Кармен" се състоя в Париж през 1875 г. и отново приключи пълен провал, тя беше критикувана на парчета, може би именно бурните дискусии за творението създадоха бъдещата й популярност за Кармен. След малко усъвършенстване тя отново се появи на парижката сцена, след което продължи триумфалното си шествие из Европа, Америка и Русия.

• „Лусия ди Ламермур“, Г. Доницети

Трагична опера на италиански композитор, която днес е един от най-добрите образци на стил бел канто. Ако говорим за сюжета, тогава той силно ще напомни на Ромео и Жулиета, защото тук, както и там, има трагична история за любовници, фатални грешки, враждуващи кланове, страстни чувства, лудост и горчива смърт във финала.

• Бохема, Джакомо Пучини

Искрената и трагична история на шивачката Мими и нейния любим поет Рудолф, която се развива на фона на живота на тогавашния бохемски Париж. Произведението е публикувано за първи път през 1896 г., днес остава едно от най-популярните в света, а арии от него са включени в задължителната концертна програма на всеки уважаващ себе си оперен артист.

• Севилският бръснар Джоакино Росини

Комична и ярка опера, която разказва за хитрия и остроумен бръснар Фигаро. Така се случи, че граф Алмавиве се влюби в красивата Розина, а Фигаро прави всичко възможно да му помогне да спечели благоволението на красавицата. Творбата е палава и увлекателна, пълна с весели недоразумения и объркване. Премиерата, както и много други известни произведения, беше неуспешна, но с течение на времето „Севилският бръснар“ започна да се радва на бърза популярност сред зрителя, която продължава и до днес.

• Вълшебната флейта, В. А. Моцарт

Възможно ли е да си представим списък с опери, който да не включва името на брилянтния композитор Моцарт? Може би най-известната му и най-често изпълнявана опера е „Вълшебната флейта“, която е поставена за първи път във Виена. Диригент беше самият композитор! В центъра на историята е принц Тамино, който преминава през всички изпитания и трудности, за да постигне любовта и благоволението на дъщерята на Кралицата на нощта.

• Сватбата на Фигаро, В. А. Моцарт

Друга творба на Моцарт, която разказва за суматохата по подготовката за сватбата на камериера Фигаро и хубавата прислужница Сузана. И както се оказва, това е много работа! Всичко това е направено по хумористичен и много вдъхновяващ начин. Операта е поставена за първи път във Виена през 1786 г., но получава пълно признание едва след второ изпълнение в Прага през същата година.

• „Евгений Онегин“, П. И. Чайковски

Най-известното произведение на руския композитор, без което списъкът с най-известните опери в света не би бил пълен. „Евгений Онегин“ съчетава идеално мелодията на думите на Пушкин и хармонията на музиката на Чайковски, между другото, това е една от онези известни опери, която има бурен успех сред публиката на Запад.

• Норма, Винченцо Белини

Наричат ​​я ултракласика, особено великолепната и изключително сложна ария “Casta Diva”. Премиерата на операта се състоя през 1831 г. в Милано. В наше време малцина успяха да се справят с най-трудните части на сопраното, сред тях Галина Вишневская и ненадминат Монсерат Caballe.

„Опера „Борис Годунов““ – Отношение към личността на Борис Годунов. Борис монолог. Мусоргски. Миналото е в настоящето. Русия. Шаляпин като Борис Годунов. Сцена в катедралата Свети Василий. Сцена с камбанки. Студена пепел. Опит за самоличност. Фигура на цар Борис. Борис. Тълкуване на личността на Борис Годунов. Поведение.

"Опера" Садко "" - Силата на изкуството. Композиторът е разказвач. Отвъдморски чудеса или чудеса на подводния свят. Оперно-епопея "Садко" Римски-Корсаков. Всеки гост хвали страната си. Операта "Садко" е шедьовър на руската класическа музика. Авторите на "Садко". Чудото на операта. Сцени от операта Садко. В операта "Садко", както във всяка приказка, има много чудеса.

"Китайска опера" - Тежест. Свирепост. Инструкции за митични герои. Има няколко различни теории за произхода на грима. Великолепен командир. Изкуство. Синьо и зелено. Бели лица. Производителност. Тип грим. История на грима. Грим в китайската опера.

"Опера Княз Игор" - През 1860 г. Петербург се занимава с научна, педагогическа и обществена дейност. А. П. Бородин. И. Глазунов „Двама принца”. Цезар Антонович Куи. Мили Алексеевич Балакирев. През 1856 г. завършва Медико-хирургичната академия. От 1858 г. доктор по медицина. Поради голямото натоварване на научната и педагогическата работа, Бородин пише бавно.

"Опера е музикален жанр" - Жанр на музикалното изкуство. Сцени от операта - епопея "Садко". Операта на Клаудио Монтеверди Орфей. "Мулен Руж". Опера. "Мариински театър". Опера Сан Карло в Неапол. Опера – Билина „Садко” Н. А. Римски – Корсаков. оперета. "Карнеги Хол". Сцена на Болшой театър. Опера "Севилският бръснар" от Джоакино Росини.

„Опера Снегурочка” – Въпрос 2. Въз основа на какво литературно произведение е създадена операта „Снегурочка”? 1. на руски език народна приказка 2. по приказката на А. Островски 3. по приказката на А.С. Пушкин. Въпрос 7. Кой инструмент на симфоничния оркестър имитира звука на овчарския рог на Лел в операта? 1. флейта 2. кларинет 3. тромпет. Опера "Снегурочка" (тест).

В темата има общо 12 презентации

Възникнала като имитация на западни образци, руската опера има ценен принос в съкровищницата на цялата световна култура.

Появявайки се в епохата на класическия разцвет на френските, немските и италианските опери, руската опера през 19 век не само настига класическите национални оперни школи, но и ги изпреварва. Интересно е, че руските композитори традиционно избират сюжети от чисто народен характер за своите произведения.

„Живот за царя“ Глинка

Операта „Живот за царя“ или „Иван Сусанин“ разказва за събитията от 1612 г. – полския поход на шляхтата срещу Москва. Барон Егор Росен обаче става автор на либретото в съветско времепо идеологически причини редактирането на либретото е поверено на Сергей Городецки. Премиерата на операта се състоя в Болшой театър в Санкт Петербург през 1836 година. Дълго време ролята на Сусанин се изпълняваше от Фьодор Шаляпин. След революцията Животът за царя напуска съветската сцена. Имаше опити да се адаптира сюжетът към изискванията на новото време: така Сусанин беше приет в комсомола, а финалните реплики звучаха като „Слава, слава, съветска система“. Благодарение на Городецки, когато операта е поставена в Болшой театър през 1939 г., „съветската система“ е заменена от „руския народ“. От 1945 г. Болшой театър традиционно открива сезона с различни постановки на Иван Сусанин от Глинка. Най-мащабната постановка на операта в чужбина е реализирана може би в миланската Ла Скала.

"Борис Годунов" от Мусоргски

Операта, в която царят и народът са избрани като два персонажа, е започната от Мусоргски през октомври 1868 г. За написването на либретото композиторът използва текста на едноименната трагедия на Пушкин и материали от „История на руската държава“ на Карамзин. Темата на операта е царуването на Борис Годунов точно преди Смутното време. Мусоргски завършва първото издание на операта „Борис Годунов“ през 1869 г., която е представена на театралния комитет на Дирекцията на императорските театри. Рецензентите обаче отхвърлиха операта, като отказаха да я поставят поради липсата на ярка женска роля. Мусоргски въвежда в операта „полския“ акт на любовната линия на Марина Мнишек и Лъже Дмитрий. Той добави и монументална сцена на народно въстание, което направи финала по-зрелищен. Въпреки всички корекции, операта отново беше отхвърлена. Поставена е само 2 години по-късно, през 1874 г., на сцената на Мариинския театър. В чужбина премиерата на операта се състоя в Болшой театър в Парижката Гранд Опера на 19 май 1908 г.

Пиковата дама от Чайковски

Операта е завършена от Чайковски в ранната пролет на 1890 г. във Флоренция, а първата постановка е през декември същата година в Мариинския театър в Санкт Петербург. Операта е написана от композитора по поръчка на Императорския театър и за първи път Чайковски отказва да приеме поръчката, аргументирайки отказа си с липсата на „правилно сценично присъствие“ в сюжета. Интересно е, че в историята на Пушкин главният герой носи фамилното име Херман (с две "n" в края), а в операта главният герой актьорстава човек на име Херман - това не е грешка, а умишлена авторска смяна. През 1892 г. операта е поставена за първи път извън Русия в Прага. След това – първата продукция в Ню Йорк през 1910 г. и премиерата в Лондон през 1915 г.

"Княз Игор" Бородин

Основата за либретото е паметникът на древноруската литература "Слово за похода на Игор". Идеята за сюжета е предложена на Бородин от критика Владимир Стасов на една от музикалните вечери при Шостакович. Операта е създадена в продължение на 18 години, но никога не е завършена от композитора. След смъртта на Бородин работата по работата е завършена от Глазунов и Римски-Корсаков. Има мнение, че Глазунов е успял да възстанови по памет авторското изпълнение на оперната увертюра, която някога е чул, но самият Глазунов опроверга това мнение. Въпреки факта, че Глазунов и Римски-Корсаков свършиха по-голямата част от работата, те настояха, че княз Игор е изцяло опера от Александър Порфириевич Бородин. Премиерата на операта се състоя в Мариинския театър в Санкт Петербург през 1890 г., след 9 години тя беше видяна от чуждестранна публика в Прага.

"Златният петел" от Римски-Корсаков

Операта „Златният кокер“ е написана през 1908 г. по едноименната приказка на Пушкин. Тази опера е последната творба на Римски-Корсаков. Императорските театри отказват да поставят операта. Но веднага щом публиката я видя за първи път през 1909 г. в Московската опера на Сергей Зимин, операта беше поставена в Болшой театър месец по-късно и след това започна триумфалното си шествие по света: Лондон, Париж, Ню Йорк, Берлин, Вроцлав.

„Лейди Макбет от окръг Мценск“ от Шостакович

Идеята за операта идва от Александър Даргомижски през 1863 г. Композиторът обаче се съмнява в успеха му и смята творбата за творческо „разузнаване“, „забавление над Дон Жуан на Пушкин“. Той написа музика към текста на Пушкин от „Каменния гост“, без да променя нито една дума в него. Сърдечните проблеми обаче не позволиха на композитора да завърши творбата. Той умира, като помоли в завещанието си приятелите си Куи и Римски-Корсаков да довършат работата. За първи път операта е представена на публиката през 1872 г. на сцената на Мариинския театър в Санкт Петербург. Чуждестранната премиера се състоя едва през 1928 г. в Залцбург. Тази опера се превърна в един от „основополагащите камъни“, без да го знаем, е невъзможно да се разбере не само руската класическа музика, но и общата култура на нашата страна.