ประเภทของคอนเสิร์ตประสานเสียงในเพลงศักดิ์สิทธิ์ของรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 คอนเสิร์ตจิตวิญญาณ

ข้อความเกี่ยวกับดนตรีศักดิ์สิทธิ์จะช่วยให้คุณเตรียมตัวสำหรับบทเรียนสั้นๆ และทำให้ความรู้ด้านศิลปะของคุณลึกซึ้งยิ่งขึ้น นอกจากนี้จากบทความคุณจะได้เรียนรู้ว่าดนตรีศักดิ์สิทธิ์แบ่งออกเป็นประเภทใดและทำความคุ้นเคยกับงานหลัก

รายงาน "เพลงศักดิ์สิทธิ์"

ตามที่คุณเข้าใจจากชื่อแล้ว ดนตรีศักดิ์สิทธิ์ไม่ใช่เรื่องของความบันเทิงทางโลก มันเชื่อมโยงกับด้านศาสนาของผู้คนที่อาศัยอยู่บนโลก เพลงศักดิ์สิทธิ์มีเนื้อหาทางศาสนาและมีไว้สำหรับการบูชาในโบสถ์หรือวัด

การเป็นตัวแทนในประเพณีทางศาสนาต่างกัน:

• ในศาสนาคริสต์ ดนตรีทางจิตวิญญาณแบ่งออกเป็นคาทอลิก ออร์โธดอกซ์ โปรเตสแตนต์ แนวเพลงศักดิ์สิทธิ์ที่พบบ่อยที่สุดคือ สดุดี ร้องประสานเสียง เพลงสวด ลำดับ มวล และความหลงใหล ในออร์ทอดอกซ์ จะมีการมอบสถานที่พิเศษให้กับบริการตลอดคืน
• ดนตรีศักดิ์สิทธิ์มีบทบาทสำคัญในความเชื่อของชาวยิว มันถูกนำมาใช้ในพิธีกรรมของคริสตจักรในรัชสมัยของกษัตริย์เดวิด - ในทุกวัดมีวงออเคสตราและคณะนักร้องประสานเสียง จนถึงปัจจุบัน เพลงธรรมศาลาที่มีแนวคำอธิษฐานกำลังพัฒนา
• ในศาสนาอิสลาม มีต้นกำเนิดในอินเดียในศตวรรษที่ 13 ผ่านการผสมผสานของดนตรีอินเดียและบทกวีเปอร์เซีย มันถูกเรียกว่า kavalli และสรรเสริญนักบุญผู้เผยพระวจนะโมฮัมเหม็ดและอัลลอฮ์

แนวเพลงศักดิ์สิทธิ์

ในช่วงเริ่มต้นของการเกิดขึ้นของดนตรีศักดิ์สิทธิ์ มีเพียงรัฐมนตรีของคริสตจักรเท่านั้นที่สามารถเขียนมันได้ งานเขียนของสมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่ 1 ที่แพร่หลายที่สุดคือพระ Tommaso da Celano และ Jacopone da Todi ต่อมานักประพันธ์เพลงทางโลกสามารถแต่งเพลงศักดิ์สิทธิ์ได้ หลังการปฏิรูป เพลง ร้องประสานเสียง กิเลส ได้รับความนิยม พวกเขาเขียนโดย Martin Luther เป็นหลัก โดยวิธีการที่ Passion ปรากฏขึ้นในศตวรรษที่ 17 และขึ้นอยู่กับเหตุการณ์ในสัปดาห์ศักดิ์สิทธิ์, บทของพระวรสาร, แผนการจาก พันธสัญญาเดิม. ตัวอย่างเช่น ผลงานเพลงศักดิ์สิทธิ์ดังกล่าว ได้แก่ “Seven Words of Christ on the Cross” (Heinrich Schutz), “Seven Words of the Savior on the Cross” ( โจเซฟ ไฮเดน), "A Christmas Carol" (Heinrich Schutz), "Christmas Oratorio" (Bach), "Israel in Egypt" (Handel) หลังจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการบังสุกุลและมวลชนเริ่มถูกสร้างขึ้น มาดูแต่ละประเภทกันดีกว่า

1. สดุดี- เหล่านี้มีขนาดเล็ก งานดนตรีซึ่งมีพื้นฐานมาจากพระธรรมสดุดี ถือเป็นแนวเพลงศักดิ์สิทธิ์ที่เก่าแก่ที่สุด ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 พวกเขาถูกใช้เป็นคำอธิษฐานงานศพ ในศตวรรษที่ 19 และ 20 บทเพลงสดุดีฉบับปรับปรุงหรือต้นฉบับเขียนโดย Mendelssohn, Handel, Reger, Penderetsky, Yanchenko เพลงสดุดีที่มีชื่อเสียงที่สุดของ I. F. Stravinsky เรียกว่า "Symphony of Psalms"
2. มวลชน- เป็นงานเกี่ยวกับเสียงร้องหรือเสียงร้องที่เป็นตัวแทนของกลุ่มพิธีกรรมคาทอลิก มวลของผู้แต่งคนแรกเขียนโดย Guillaume de Machaux ในช่วงกลางศตวรรษที่สิบสี่ - Messe de น็อทร์-ดาม. ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 มวลชนถูกแยกออกจากการนมัสการและกลายเป็นส่วนหนึ่งของการฝึกแสดงคอนเสิร์ต ผู้เขียนงานดังกล่าวคือ ในศตวรรษที่ยี่สิบความสนใจในเรื่องนี้เริ่มจางหายไป
3. คำอธิษฐาน- เดิมเป็นพิธีศพมวลชนคาทอลิก องค์ประกอบแรกสุดคือข้อความบัญญัติภาษาละติน Dufay's Requiem มันไม่รอดมาจนถึงทุกวันนี้ ข้อความแรกที่ยังหลงเหลืออยู่คือ "a capella" โดย Johannes Okeghem (ศตวรรษที่ 15) ตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ความต้องการได้กลายเป็นส่วนหนึ่งของเพลงศักดิ์สิทธิ์ไม่เพียงเท่านั้น นักเขียนชื่อดังอย่าง Berlioz, Fauré, Cherubini, Brahms, Britten, Zelenka และ Bieber
4. ความหลงใหล- เหล่านี้เป็นผลงานเสียงร้องและละครที่อุทิศให้กับสัปดาห์ศักดิ์สิทธิ์และเดิมมีพื้นฐานมาจากข้อความของพระกิตติคุณ ที่สุด งานแรกๆเป็นของ Orlando Lasso และ Jacob Obrecht (ศตวรรษที่ XV-XVI) ดนตรีศักดิ์สิทธิ์ประเภทนี้ได้รับความนิยมจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 หลังจากที่นักแต่งเพลงลืมเขาไปจนกระทั่งศตวรรษที่ยี่สิบ Hugo Distler สนับสนุนการฟื้นคืนชีพของ Passion ด้วยการเขียน Choral Passion
5. วัสดุ Stabat- นี่คือบทสวดคาทอลิกในข้อความภาษาละตินของ Jacopone da Todi

เราหวังว่ารายงานเกี่ยวกับดนตรีจิตวิญญาณจะช่วยให้คุณเตรียมตัวสำหรับบทเรียนและเพิ่มพูนความรู้ของคุณในด้านศิลปะ และคุณสามารถฝากเรื่องราวของคุณเกี่ยวกับเพลงศักดิ์สิทธิ์ผ่านแบบฟอร์มความคิดเห็นด้านล่าง

ในศตวรรษที่ 18 รัฐต่างๆ ในยุโรปส่วนใหญ่ได้รับอิทธิพลจากขบวนการตรัสรู้ ขอบคุณการปฏิรูปของปีเตอร์ฉัน รัสเซียมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในกระบวนการนี้ เข้าร่วมความสำเร็จ อารยธรรมยุโรป. การหันไปทางยุโรปซึ่งก่อให้เกิดปรากฏการณ์ "ความเป็นยุโรปของรัสเซีย" เกิดขึ้นในรูปแบบรัสเซียทั่วไป - อย่างฉับพลันและเด็ดขาด ปฏิสัมพันธ์กับความมั่นคงมากขึ้น โรงเรียนศิลปะยุโรปตะวันตกอนุญาตให้ศิลปะรัสเซียไปสู่ ​​"การพัฒนาแบบเร่ง" โดยเชี่ยวชาญในประวัติศาสตร์ ระยะเวลาอันสั้นยุโรป ทฤษฎีความงาม, ประเภทและรูปแบบฆราวาส.

ความสำเร็จหลักของการตรัสรู้ของรัสเซียคือการเฟื่องฟูของความคิดสร้างสรรค์ส่วนบุคคลซึ่งเข้ามาแทนที่งานนิรนามของศิลปิน รัสเซียโบราณ. กำลังดำเนินการตามสูตร Lomonosov: “จะมี Platons ของตัวเองและ Newtons ที่มีไหวพริบ ดินแดนรัสเซียให้กำเนิด".

ถึงเวลาแล้วสำหรับการสร้างโลกทัศน์ทางโลกอย่างแข็งขัน ศิลปะในวิหารยังคงพัฒนาต่อไป แต่จะค่อยๆ จางหายไปในเบื้องหลังใน ชีวิตวัฒนธรรมรัสเซีย. ประเพณีทางโลกมีความเข้มแข็งในทุกวิถีทาง

ในเพลงของ XVIII ศตวรรษ ดังเช่นในวรรณคดีและจิตรกรรม กล่าวไว้ว่า สไตล์ใหม่ใกล้กับยุโรป ความคลาสสิค.

รูปแบบใหม่ของการใช้ชีวิตในสังคมชั้นสูง - การเดินในสวนสาธารณะ, ขี่ไปตาม Neva, ไฟส่องสว่าง, ลูกบอลและ "หน้ากาก", การชุมนุมและการรับรองทางการทูต - มีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาอย่างกว้างขวาง เพลงบรรเลง. ตามพระราชกฤษฎีกาของ Petravi ทหารก็ปรากฏตัวขึ้นในแต่ละกองทหาร วงทองเหลือง. งานเฉลิมฉลองอย่างเป็นทางการ ลูกบอล และงานเฉลิมฉลองได้รับการจัดเตรียมโดยวงดนตรีออร์เคสตราสองวงและคณะนักร้องประสานเสียงในศาล ตัวอย่างของศาลตามมาด้วยขุนนางเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกซึ่งเริ่มวงออเคสตราที่บ้าน วงออเคสตราป้อมปราการและ โรงละครดนตรียังถูกสร้างขึ้นในที่ดินอันสูงส่ง การทำดนตรีมือสมัครเล่นกำลังแพร่กระจาย การศึกษาด้านดนตรีกลายเป็นส่วนบังคับของการศึกษาอันสูงส่ง ในตอนท้ายของศตวรรษ ชีวิตดนตรีที่หลากหลายทำให้ชีวิตไม่เพียง แต่ในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเมืองอื่น ๆ ของรัสเซียด้วย

ในบรรดานวัตกรรมทางดนตรีที่ยุโรปไม่รู้จักคือ ฮอร์นออเคสตรา สร้างขึ้นโดยนักดนตรีแชมเบอร์แห่งจักรวรรดิรัสเซีย ไอ.เอ. มาเรชในนามของเอส.เค. นาริชกิน Maresh สร้างวงดนตรีที่ประสานกันอย่างดีประกอบด้วย 36 เขา (3 อ็อกเทฟ) นักดนตรีเสิร์ฟเข้ามามีส่วนร่วมซึ่งเล่นเป็น "กุญแจ" สดเนื่องจากเขาแต่ละอันสามารถสร้างเสียงได้เพียงเสียงเดียวเท่านั้น ละครรวมถึงดนตรียุโรปคลาสสิก รวมทั้งการประพันธ์เพลงที่ซับซ้อนโดย Haydn และ Mozart

ในยุค 30 ของ XVIII ศตวรรษในรัสเซีย ศาล อุปรากรอิตาลีซึ่งมีการแสดงใน วันหยุดสำหรับผู้ชมที่เลือก ในเวลานี้ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กดึงดูดนักดนตรีชาวยุโรปรายใหญ่หลายคน ส่วนใหญ่เป็นชาวอิตาลี รวมทั้งนักประพันธ์เพลง F. Araya, B. Galuppi, J. Paisiello, J. Sarti, D. Cimarosa ฟรานเชสโก้ อารยาในปี ค.ศ. 1755 เขาเขียนเพลงสำหรับโอเปร่าเรื่องแรกพร้อมข้อความภาษารัสเซีย เป็นบทเพลงของ A.P. Sumarokov บนพล็อตจาก Metamorphoses ของ Ovid โอเปร่าที่สร้างขึ้นในประเภทอิตาลีชุด ถูกเรียกว่า เซฟาลัสและโปรคริส.

ในยุค Petrine ชาติเช่นนี้ แนวดนตรี, เป็น partesny คอนแชร์โต้และลาดเท.

คานท์ในสมัยของปีเตอร์มหาราชมักถูกเรียกว่า "วิวาท" เพราะพวกเขาเต็มไปด้วยการสรรเสริญชัยชนะทางทหารและการเปลี่ยนแปลง ("ชื่นชมยินดี ดินแดนรอสโก") เพลงของเพลง "ยินดีต้อนรับ" มีลักษณะเฉพาะด้วยการประโคมจังหวะอันเคร่งขรึมของโปโลเนซ การแสดงของพวกเขามักจะมาพร้อมกับเสียงแตรและระฆัง

ยุค Petrine เป็นจุดสูงสุดในการพัฒนาการร้องเพลงประสานเสียง ปรมาจารย์ที่ยอดเยี่ยมของคอนเสิร์ต partes V.P. Titov เข้ามาแทนที่นักดนตรีคนแรกที่ศาลของซาร์ปีเตอร์ เขาเป็นคนที่ได้รับคำสั่งให้เขียนคอนเสิร์ตที่เคร่งขรึมเนื่องในโอกาสที่กองทัพรัสเซียได้รับชัยชนะ Poltava ในปี 1709 (“ Rtsy us now” - ชื่อ "ชัยชนะของ Poltava" ก่อตั้งขึ้นหลังองค์ประกอบ)

ในตอนกลางของ XVIII ศตวรรษ ความปรารถนาสำหรับเอฟเฟกต์การร้องในคอนเสิร์ตแบบพาร์ทเน่อร์ถึงรูปแบบที่มากเกินไป: การแต่งเพลงปรากฏขึ้นซึ่งมีคะแนนรวมมากถึง 48 เสียง ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ ปรากฏการณ์ทางศิลปะใหม่ คอนเสิร์ตทางจิตวิญญาณ เข้ามาแทนที่คอนเสิร์ตคู่รักเคร่งขรึมดังนั้นตลอดศตวรรษที่ 18 การร้องเพลงประสานเสียงของรัสเซียจึงผ่านไป ทางใหญ่วิวัฒนาการ - จากรูปแบบชิ้นส่วนที่ยิ่งใหญ่ทำให้เกิดความสัมพันธ์กับ รูปแบบสถาปัตยกรรมบาร็อค, ถึง มาตรฐานสูงความคลาสสิคในผลงานของ M. S. Berezovsky และ D. S. Bortnyansky ผู้สร้าง แบบคลาสสิกคอนเสิร์ตจิตวิญญาณของรัสเซีย

คอนเสิร์ตประสานเสียงวิญญาณรัสเซีย

ใน XVIII ศตวรรษ เนื้อหาประเภทงานร้องประสานเสียงขยายตัวอย่างมาก มีการบรรเลงเพลงพื้นบ้าน เพลงโอเปร่า เพลงเต้นรำพร้อมคณะนักร้องประสานเสียง (ตัวอย่างที่โด่งดังที่สุดคือเพลง "Thunder of Victory Resound" ของ Kozlovsky ซึ่งในตอนท้าย XVIII กลายเป็นเพลงชาติของจักรวรรดิรัสเซีย)

ชั้นนำ แนวเพลงกลายเป็นคอนเสิร์ตจิตวิญญาณของรัสเซียซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของประเพณีประจำชาติโบราณ คอนเสิร์ตทางจิตวิญญาณถึงจุดสูงสุดในยุคแคทเธอรีน (1762) 1796). มันเป็นช่วงเวลาที่ดีสำหรับ วัฒนธรรมรัสเซีย. ความพยายามที่จะรื้อฟื้นจิตวิญญาณของการปฏิรูปของปีเตอร์ประสบความสำเร็จอย่างมาก การเมือง เศรษฐกิจ วิทยาศาสตร์ และวัฒนธรรมได้รับแรงผลักดันในการพัฒนาอีกครั้ง การฝึกสอนตัวแทนที่มีความสามารถมากที่สุดของวิทยาศาสตร์และศิลปะในต่างประเทศได้กลับมาดำเนินการอีกครั้ง การติดต่อทางวัฒนธรรมที่ใกล้ชิดระหว่างรัสเซียและยุโรปผู้รู้แจ้งไม่สามารถช่วย แต่มีอิทธิพลต่อการเกิดขึ้นของประสบการณ์ครั้งแรกของความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงมืออาชีพ

ในช่วงเวลานี้มีการสร้างผลงานประเภทคอนเสิร์ตมากกว่า 500 ชิ้น นักแต่งเพลงชาวรัสเซียเกือบทั้งหมดในช่วงครึ่งหลังที่เรารู้จักหันมาหาเขาศตวรรษที่สิบแปด

ถือกำเนิดขึ้นในส่วนลึกของประสานเสียงประสานเสียง คอนแชร์โตจิตวิญญาณตลอดการพัฒนาได้รวมเอาหลักการสองประการเข้าด้วยกัน - ประเพณีการร้องเพลงของคริสตจักรและการคิดทางดนตรีทางโลกแบบใหม่ คอนเสิร์ตได้รับความนิยมทั้งในฐานะจุดสิ้นสุดของการรับใช้ในโบสถ์และเป็นการประดับในพิธีในศาล เขาเป็นจุดเด่นของรูปแบบและภาพที่สัมผัสกับปัญหาทางศีลธรรมและปรัชญาอย่างลึกซึ้ง

ถ้า “partes concerto สามารถเปรียบเทียบได้ในระดับหนึ่งกับคอนแชร์โต้ กรอสโซ่ แล้วโครงสร้างของคอนแชร์โต้ประสานเสียงคลาสสิกก็มี คุณสมบัติทั่วไปด้วยวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนี มันมักจะประกอบด้วยสามหรือสี่ส่วนที่แตกต่างกันด้วยวิธีการนำเสนอที่ตัดกัน ในส่วนสุดท้าย ตามกฎ วิธีการพัฒนาโพลีโฟนิกมีชัย

นักประพันธ์เพลงต่างประเทศที่โดดเด่นซึ่งอาศัยอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (D. Sarti, B. Galuppi) มีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการจัดคอนเสิร์ตประสานเสียงคลาสสิกของรัสเซีย ความสำเร็จสูงสุดของเพลงประสานเสียงรัสเซียแห่งการตรัสรู้นั้นสัมพันธ์กับชื่อของ M.S. Berezovsky และ D.S. บอร์ตเนียสกี้

แม็กซิม โซซอนโทวิช เบเรซอฟสกี (ค.ศ. 1745-1777)

M. S. Berezovsky - อาจารย์เพลงประสานเสียงรัสเซียที่โดดเด่นของศตวรรษที่สิบแปดซึ่งเป็นหนึ่งในตัวแทนคนแรกของชาติ โรงเรียนนักแต่งเพลง. ผลงานที่ยังหลงเหลืออยู่ของนักแต่งเพลงมีปริมาณน้อย แต่มีความสำคัญมากในสาระสำคัญทางประวัติศาสตร์และศิลปะ ในวัฒนธรรมดนตรีของยุค 60-70 ของศตวรรษที่ XVIII มันเปิดเวทีใหม่ - ยุคแห่งความคลาสสิคของรัสเซีย

ชื่อของเบเรซอฟสกีถูกเรียกในหมู่ผู้ก่อตั้งคอนแชร์โต้ร้องประสานเสียงคลาสสิก a cap p ella : ผลงานของเขาควบคู่ไปกับความคิดสร้างสรรค์ นักแต่งเพลงชาวอิตาลี Galuppi เป็นตัวแทนของขั้นตอนแรกในการพัฒนาประเภทนี้

จุดสุดยอดของ M.S. เบเรซอฟสกีกลายเป็นคอนเสิร์ต “อย่าปฏิเสธฉันในวัยชรา” . มัน ผลงานชิ้นเอกของดนตรีรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ที่ได้รับการยอมรับในระดับสากล เทียบเท่ากับความสำเร็จสูงสุดในยุคร่วมสมัยของเขา ศิลปะยุโรป. คอนเสิร์ตขนาดเล็กถือเป็นงานที่ยิ่งใหญ่ ดนตรีของเขาเผยให้เห็นโลกฝ่ายวิญญาณที่หลากหลายของบุคคล กระทบกับอารมณ์ที่ลึกซึ้งและความถูกต้องของชีวิต

ทั้งในข้อความและเพลงของคอนแชร์โต้ ได้ยินน้ำเสียงส่วนตัวอย่างชัดเจน นี่คือคำพูดของบุคคลที่หนึ่ง ขอร้องอ้อนวอนต่อพระผู้ทรงฤทธานุภาพ (ฉัน ส่วนหนึ่ง) ถูกแทนที่ด้วยภาพการกดขี่ข่มเหงของบุคคลโดยศัตรูที่เป็นอันตราย ( II ส่วน - "แต่งงานและเลียนแบบเขา") . แล้วตามด้วยหัวข้อใหม่ - คำอธิษฐานแห่งความหวัง ("พระเจ้า คุณล้มเหลว" -สาม ส่วนหนึ่ง) และสุดท้ายตอนจบเต็มไปด้วยการประท้วงที่น่าสมเพช มุ่งต่อต้านความชั่วและความอยุติธรรม (“ขอให้ผู้ที่ใส่ร้ายจิตวิญญาณของข้าพเจ้าได้รับความอับอายและพินาศ”) ความจริงที่ว่าธีมทั้งหมดของคอนแชร์โต้มีลักษณะทางอารมณ์เฉพาะเจาะจงที่พูดถึงความแปลกใหม่พื้นฐานของสไตล์ ซึ่งเอาชนะความเป็นกลางที่เป็นนามธรรมของธีมของการร้องเพลงของ partes

งานทั้งสี่ส่วนเชื่อมโยงกันไม่เพียงแค่แนวความคิดอันน่าทึ่งเพียงส่วนเดียวและตรรกะของโทนเสียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเส้นเสียงสูงต่ำด้วย: ธีมที่ไพเราะที่ฟังในการวัดครั้งแรกของคอนแชร์โต้กลายเป็นพื้นฐานทางภาษาของภาพอื่นๆ ทั้งหมด มีความสำคัญอย่างยิ่งโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เมล็ดพืชที่กลายเป็นชาติเริ่มต้นจะถูกเปลี่ยนเป็นธีมแบบไดนามิกและแน่วแน่ของความทรงจำสุดท้าย "ปล่อยให้พวกเขาละอายใจและหายไป ... " ซึ่งเป็นจุดสุดยอดในการพัฒนาวัฏจักรทั้งหมด

Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751-182)

D. S. Bortnyansky พัฒนาประเภทหลักของการประสานเสียงประสานเสียงคลาสสิกของรัสเซีย ผสมผสานองค์ประกอบของเครื่องดนตรีฆราวาสและดนตรีคริสตจักรแกนนำในดนตรี ตามกฎแล้วคอนแชร์โตของเขามีสามส่วน สลับกันตามหลักการ เร็ว-ช้า-เร็ว บ่อยครั้งส่วนแรกที่สำคัญที่สุดในวัฏจักรประกอบด้วยสัญญาณของโซนาตาซึ่งแสดงในการเปรียบเทียบธีมที่ตัดกันสองรูปแบบซึ่งกำหนดไว้ในอัตราส่วนยาชูกำลัง การกลับไปที่คีย์หลักจะเกิดขึ้นเมื่อสิ้นสุดการเคลื่อนไหว แต่ไม่มีการทำซ้ำเฉพาะเรื่อง

Bortnyansky เป็นเจ้าของคอนแชร์โต 35 รายการสำหรับ 4-Voice คณะประสานเสียง, คอนแชร์โต้ 10 คณะ สำหรับคณะนักร้องประสานเสียง 2 คน อีกจำนวนหนึ่ง เพลงสวดของโบสถ์รวมทั้งคณะนักร้องประสานเสียงฆราวาส รวมทั้งเพลงประสานเสียงรักชาติ "A Singer in the Camp of Russian Warriors" บนเนื้อเพลง V. A. Zhukovsky (2355)

หนึ่งในผลงานที่ลึกซึ้งและเป็นผู้ใหญ่ของอาจารย์ - คอนเสิร์ตครั้งที่ 32 ทำเครื่องหมายโดย P.I. ไชคอฟสกีในฐานะ "ดีที่สุดในบรรดาสามสิบห้า" ข้อความนี้นำมาจากสดุดี 38 ของพระคัมภีร์ซึ่งมีบรรทัดดังกล่าว: "บอกฉันทีพระเจ้าจุดจบของฉันและจำนวนวันของฉันเพื่อที่ฉันจะได้รู้ว่าอายุของฉันเป็นอย่างไร ... ฟังพระเจ้าคำอธิษฐานของฉัน และฟังเสียงร้องของฉัน อย่าเงียบน้ำตาของฉัน ... ". มีสามการเคลื่อนไหวในคอนแชร์โต้ แต่ไม่มีความแตกต่างระหว่างพวกเขา ดนตรีมีความโดดเด่นด้วยความสามัคคีของอารมณ์ที่โศกเศร้าและความสมบูรณ์ของใจความ ภาคแรกเปิดด้วยธีมสามเสียงชวนให้นึกถึงสดุดี XVII ศตวรรษ. ส่วนที่สองเป็นตอนสั้นของโกดังร้องเพลงที่เข้มงวด ตอนจบที่มีรายละเอียด ซึ่งเขียนในรูปแบบของความทรงจำ เกินขนาดของสองส่วนแรก ดนตรีในตอนจบถูกครอบงำโดยเสียงแผ่วเบาอันเงียบสงบ สื่อถึงคำอธิษฐานที่กำลังใกล้ตายของบุคคลที่กำลังจะตาย

คอลเลกชันของเพลงรัสเซีย

สำหรับวัฒนธรรมรัสเซียขั้นสูงทั้งหมด XVIII ศตวรรษมีลักษณะเฉพาะด้วยความสนใจอย่างลึกซึ้งในวิถีชีวิต ประเพณี และขนบธรรมเนียมของผู้คน การรวบรวมและการศึกษานิทานพื้นบ้านอย่างเป็นระบบเริ่มต้นขึ้น นักเขียนชื่อดัง Mikhail Dmitrievich Chulkov รวบรวมคอลเล็กชั่นเพลงพื้นบ้านรัสเซียชุดแรก

เป็นครั้งแรกที่มีการสร้างโน้ตดนตรีของเพลงพื้นบ้านคอลเล็กชั่นที่พิมพ์ออกมาพร้อมการจัดเรียงจะปรากฏขึ้น: Vasily Fedorovich Trutovsky ("คอลเลกชันเพลงรัสเซียง่าย ๆ พร้อมโน้ต") นิโคไล อเล็กซานโดรวิช ลโวฟ และ อีวาน ประชา (“ รวมเพลงลูกทุ่งรัสเซียพร้อมเสียง”)

คอลเล็กชั่น Lvov-Prach มี 100 เพลงซึ่งส่วนใหญ่เป็นตัวอย่างคลาสสิกของนิทานพื้นบ้านรัสเซีย: "โอ้คุณหลังคาหลังคาของฉัน", "มีต้นเบิร์ชอยู่ในทุ่ง", "ไม่ว่าจะอยู่ในสวนในสวน" . ในคำนำของคอลเลกชั่น (“On Russian Folk Singing”) N. Lvov เป็นครั้งแรกในรัสเซียที่ชี้ให้เห็นถึงความสร้างสรรค์ที่ไม่เหมือนใครของโพลีโฟนีประสานเสียงพื้นบ้านรัสเซีย

เพลงจากคอลเลคชันเหล่านี้ถูกใช้โดยทั้งคนรักดนตรีและนักประพันธ์เพลงที่ยืมพวกเขามาเพื่อผลงานของพวกเขา - โอเปร่า, เครื่องดนตรี, บทเพลงไพเราะ

ในช่วงกลางของ XVIII ศตวรรษที่มีคอลเลกชันที่เป็นเอกลักษณ์ของมหากาพย์รัสเซียและเพลงประวัติศาสตร์ที่เรียกว่า "คอลเลกชันของ Kirsha Danilov" . ไม่มีข้อมูลที่เชื่อถือได้เกี่ยวกับคอมไพเลอร์ สันนิษฐานว่า Kirsha Danilov (Kirill Danilovich) เป็นนักร้องด้นสดซึ่งเป็นตัวตลกที่อาศัยอยู่ในเหมือง Urals เขาบันทึกท่วงทำนองของเพลงในหนึ่งบรรทัดโดยไม่มีข้อความซึ่งวางแยกไว้ต่างหาก

โรงเรียนนักแต่งเพลงแห่งชาติรัสเซีย

การก่อตัวในช่วงครึ่งหลังของ XVIII ศตวรรษแรกของฆราวาสในรัสเซีย โรงเรียนนักแต่งเพลง. การเกิดของเธอคือจุดสุดยอดของการตรัสรู้ของรัสเซีย . บ้านเกิดของโรงเรียนคือเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งความสามารถของตัวแทนที่ฉลาดที่สุดเฟื่องฟู ในหมู่พวกเขามีผู้ก่อตั้งโอเปร่ารัสเซีย V.A. Pashkevich และ E.I. Fomin ปรมาจารย์ด้านดนตรีบรรเลง I.E. Khandoshkin ผู้สร้างที่โดดเด่นของคอนแชร์โตจิตวิญญาณคลาสสิก M.S. Berezovsky และ D.S. Bortnyansky ผู้สร้างห้อง "เพลงรัสเซีย" O.A. Kozlovsky และ F.M. Dubyansky และอื่น ๆ

นักแต่งเพลงชาวรัสเซียส่วนใหญ่มาจากสภาพแวดล้อมพื้นบ้าน พวกเขาซึมซับเสียงที่มีชีวิตชีวาของนิทานพื้นบ้านรัสเซียมาตั้งแต่เด็ก ดังนั้นจึงเป็นเรื่องธรรมดาและมีเหตุผลที่จะรวมเพลงพื้นบ้านในเพลงโอเปร่ารัสเซีย (โอเปร่าโดย V. A. Pashkevich และ E. I. Fomin) ในการแต่งเพลง (ความคิดสร้างสรรค์ของ I. E. Khandoshkin)

ตามประเพณีของศตวรรษก่อน แนวเสียง ทั้งฆราวาสและวัด พัฒนาอย่างกว้างขวางที่สุดในยุคแห่งการตรัสรู้ ในหมู่พวกเขามีคอนแชร์โต้ประสานเสียงทางจิตวิญญาณ โอเปร่าการ์ตูน และเพลงแชมเบอร์ เช่นเดียวกับในนิทานพื้นบ้าน ในแนวเพลงเหล่านี้ ทัศนคติต่อคำที่เป็นพื้นฐานของดนตรีจะถูกรักษาไว้ นักเขียนบทประพันธ์ถือเป็นผู้แต่งโอเปร่าและกวีถือเป็นผู้แต่งเพลง ชื่อของนักแต่งเพลงมักจะอยู่ในเงามืดและเมื่อเวลาผ่านไปก็ลืมไป

โอเปร่าการ์ตูนรัสเซีย

กำเนิดโรงเรียนกวีแห่งชาติ XVIII ศตวรรษที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการพัฒนาของโอเปร่ารัสเซีย มันเริ่มต้นด้วยละครตลกซึ่งอาศัยผลงานตลกของนักเขียนและกวีชาวรัสเซีย: Y. Knyazhnin, I. Krylov, M. Popov, A. Ablesimov, M. Matinsky

เนื้อหาเกี่ยวกับโอเปร่าการ์ตูนมีอยู่ทุกวัน โดยมีเนื้อเรื่องที่ไม่ซับซ้อนแต่น่าสนใจจากชีวิตประจำวันของรัสเซีย วีรบุรุษของเธอเป็นชาวนาที่เฉลียวฉลาด ทาส คนรวยที่ตระหนี่และโลภ สาวไร้เดียงสาและสวยงาม ขุนนางที่ชั่วร้ายและใจดี

Dramaturgy ขึ้นอยู่กับการสลับบทสนทนากับ ตัวเลขดนตรีขึ้นอยู่กับรัสเซีย เพลงพื้นบ้าน. กวีระบุไว้ในบทเพลงว่าควรร้อง “เสียง” (เพลงยอดนิยม) อย่างใดอย่างหนึ่งหรืออย่างอื่น ตัวอย่างคือโอเปร่ารัสเซียที่รักมากที่สุด XVIII ศตวรรษ "เมลนิคเป็นพ่อมด เจ้าเล่ห์ และผู้จับคู่" (1779) A. Ablesimov พร้อมดนตรีโดย M. Sokolovsky นักเขียนบทละคร A. O. Ablesimov เขียนข้อความของเขาทันทีตามเนื้อหาเพลงบางเพลง การมีส่วนร่วมของ M. Sokolovsky ประกอบด้วยการประมวลผลเพลงซึ่งนักดนตรีคนอื่นสามารถทำได้ดี (ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การประพันธ์เพลงนั้นมาจาก E. Fomin มาเป็นเวลานาน)

ความเจริญรุ่งเรืองของละครตลกได้รับการอำนวยความสะดวกโดยความสามารถของนักแสดงชาวรัสเซียที่โดดเด่น - E.S. Yakovleva (ในการแต่งงานของ Sandunova บนเวที - Uranova) นักแสดงสาวเสิร์ฟ P.I. Kovaleva-Zhemchugova, I.A. ดมิเรฟสกี้

บทบาทที่โดดเด่นในการพัฒนาโอเปร่ารัสเซีย XVIII ศตวรรษที่เล่น Vasily Alekseevich Pashkevich(ค. 1742-1797) หนึ่งในนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียที่ยิ่งใหญ่ที่สุด XVIII ศตวรรษ. โอเปร่าที่ดีที่สุดของเขา ("Misfortune from the Carriage", "The Miserly", "St. Petersburg Gostiny Dvor") ได้รับความนิยมอย่างมาก XIX ศตวรรษ. ปัชเควิชเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการเขียนทั้งมวล การแสดงลักษณะตลกที่เฉียบคมและมีจุดมุ่งหมายที่ดี ทำซ้ำได้สำเร็จใน ส่วนเสียงน้ำเสียงสูงต่ำของคำพูด เขาคาดหวังถึงหลักการที่อธิบายลักษณะวิธีการสร้างสรรค์ของ Dargomyzhsky และ Mussorgsky ในภายหลัง

ศิลปินมากความสามารถพิสูจน์ตัวเองในโอเปร่า Evstigny Ipatievich Fomin(1761-1800). โอเปร่าของเขา "โค้ชบนฐาน" .(1787) โดดเด่นด้วยความเชี่ยวชาญในการขับร้องประสานเสียงของเพลงพื้นบ้านประเภทต่างๆ สำหรับแต่ละเพลง เขาพบรูปแบบการประมวลผลของตัวเอง โอเปร่านำเสนอเพลงที่เอ้อระเหย "นกไนติงเกลไม่ร้องเพลงที่พ่อ" และ "เหยี่ยวบินสูง" เพลงเต้นรำที่มีชีวิตชีวา "ต้นเบิร์ชโหมกระหน่ำในทุ่ง", "เด็กหนุ่ม, เด็กหนุ่ม", "จากใต้ต้นโอ๊ก จากใต้ต้นเอล์ม” หลายเพลงที่เลือกสำหรับ "โค้ช" สามปีต่อมาแทบไม่เปลี่ยนแปลงเข้าสู่ "คอลเลกชันเพลงพื้นบ้านรัสเซีย" โดย N.L. Lvov - I. ประชา

ในงานอื่นของเขา - เรื่องประโลมโลก "Orpheus" (ตามข้อความของ Y. Knyaznin ตาม ตำนานโบราณ, 1792) - Fomin เป็นครั้งแรกในโอเปร่ารัสเซียเป็นตัวเป็นตน ธีมโศกนาฏกรรม. ดนตรีแนวประโลมโลกได้กลายเป็นหนึ่งในสุดยอดผลงานศิลปะแห่งการตรัสรู้ของรัสเซีย

ในทาบทามซึ่งนำหน้าเรื่องประโลมโลก พรสวรรค์ของโฟมินในฐานะนักซิมโฟนีได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ ในนั้นนักแต่งเพลงที่มีสไตล์ที่น่าทึ่งสามารถถ่ายทอดความน่าเศร้าของตำนานโบราณได้ ในความเป็นจริง Fomin ก้าวแรกสู่การสร้างซิมโฟนีรัสเซีย ดังนั้นในลำไส้ของโรงละครเช่นเดียวกับในยุโรปตะวันตกซิมโฟนีรัสเซียในอนาคตจึงถือกำเนิดขึ้น

โอเปร่าของ Fomin ชื่นชมตรงกลางเท่านั้น XX ศตวรรษ. ในช่วงชีวิตของนักแต่งเพลงชะตากรรมบนเวทีของพวกเขาไม่มีความสุข Opera "โค้ชบนฐาน" เขียนเพื่อ โฮมเธียเตอร์ยังไม่เป็นที่รู้จักของคนทั่วไป การแสดงละครตลกเรื่อง "The Americans" (ในบทของหนุ่ม I.A. Krylov) ถูกห้าม (ผู้อำนวยการโรงละครของจักรวรรดิไม่ชอบสิ่งนี้ในระหว่างการพัฒนาพล็อตชาวอินเดียนแดงกำลังจะเผาชาวยุโรปสองคน) .

เนื้อเพลงเสียงในครัวเรือน

การเกิดชั้นใหม่ของนิทานพื้นบ้านมีความสำคัญในการปฏิรูปอย่างมากในศิลปะพื้นบ้าน - เพลงเมือง. มันเกิดขึ้นบนพื้นฐานของเพลงชาวนาพื้นบ้านซึ่ง "ปรับ" ให้เข้ากับชีวิตในเมือง - การแสดงรูปแบบใหม่: ทำนองของมันมาพร้อมกับเสียงประสานของเครื่องดนตรีบางอย่าง

ในตอนกลางของ XVIII ศตวรรษในรัสเซียเกิดขึ้น ชนิดใหม่เสียงเพลง - "เพลงรัสเซีย" . เรียกว่าผลงานเสียงพร้อมบรรเลงประกอบในตำราบทกวีรัสเซีย โคลงสั้น ๆ ในเนื้อหา "เพลงรัสเซีย" เป็นผู้บุกเบิกความรักของรัสเซีย

บรรพบุรุษของ "เพลงรัสเซีย" เป็นบุคคลสำคัญในราชสำนักของแคทเธอรีน II , คนรักดนตรีที่มีการศึกษา กริกอรี่ นิโคเลวิช เทปลอฟ ผู้แต่งหนังสือเพลงพิมพ์ภาษารัสเซียเล่มแรก“ ในขณะเดียวกันความเกียจคร้าน ... ” (1759) ในแง่ของรูปแบบและลักษณะการนำเสนอเพลงของ Teplov เป็นตัวแทนของประเภทการนำส่งจากลาดเทถึงความโรแมนติกพร้อมกับคลอ รูปแบบของเพลงของเขามักจะเป็นคู่

ประเภทของ "เพลงรัสเซีย" นั้นเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับประเพณีพื้นบ้าน จึงไม่น่าแปลกใจที่เพลงของผู้แต่งหลายคนกลายเป็นเพลงพื้นบ้าน ("ที่นี่ไปรษณีย์ทรอยก้ารีบเร่ง" โดย Ivan Rupin สู่เนื้อเพลงโดย F. N. Glinka)

ในตอนท้ายของ XVIII ศตวรรษ ปรมาจารย์ผู้มีความสามารถแห่งห้อง แนวเสียง - Fedor Dubyansky และ Osip Kozlovsky . "เพลงรัสเซีย" ที่สร้างขึ้นโดยพวกเขาซึ่งมีส่วนเปียโนที่พัฒนาแล้วพอสมควรและรูปแบบที่ซับซ้อนมากขึ้นถือได้ว่าเป็นความรักครั้งแรกของรัสเซีย เสียงสะท้อนของชีวิตในเมืองนั้นได้ยินอย่างชัดเจน (“The Dove Dove Moans” โดย Dubyansky, “Sweet Evening Sat”, “A Cruel Fate” โดย Kozlovsky)

บทกวี "เพลงรัสเซีย" ที่ใช้กันอย่างแพร่หลายโดยกวีชื่อดัง: Sumarokov, Derzhavin, Dmitriev, Neledinsky-Meletsky เนื้อหาเหล่านี้สัมพันธ์กับอารมณ์ศิลปะโดยทั่วไปด้วยเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่าง อารมณ์อ่อนไหว. ตามกฎแล้วนี่คือเนื้อเพลงความรัก: การทรมานและความสุขของความรัก การพลัดพราก การทรยศและความริษยา "ความหลงใหลที่โหดร้าย"

"เพลงรัสเซีย" นิรนามที่เผยแพร่โดย F. Meyer ("คอลเลกชันเพลงรัสเซียที่ดีที่สุด", 1781) ก็เป็นที่นิยมเช่นกัน

ดนตรีบรรเลง

ในยุค 70-80 ของ XVIII ศตวรรษ การก่อตัวของเครื่องมือในห้องมืออาชีพเริ่มขึ้นในรัสเซีย ในเวลานี้นักดนตรีชาวรัสเซียกำลังเป็นผู้เชี่ยวชาญ รูปทรงที่ซับซ้อนดนตรีบรรเลง, พัฒนาแนวเพลงโซนาต้า, ความหลากหลาย, วงดนตรีแชมเบอร์ กระบวนการนี้เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการแพร่กระจายของการทำดนตรีที่บ้านอย่างแพร่หลาย เพลงแห่งชีวิตในเมืองหรือชีวิตในอสังหาริมทรัพย์มาเป็นเวลานานยังคงเป็น "อาหารที่มีสารอาหาร" ซึ่งต้นอ่อนของรูปแบบเครื่องดนตรีประจำชาติทำให้สุก

เครื่องดนตรีรัสเซียชุดแรกเป็นของ Dmitry Bortnyansky นี่คือกลุ่มเปียโนและ แชมเบอร์ซิมโฟนี” ซึ่งเป็นเซ็ปเทตสำหรับเปียโน พิณ ไวโอลินสองตัว วิโอลาดากัมบา บาสซูน และเชลโล

การเต้นรำทุกประเภทที่ชื่นชอบเป็นพิเศษ ได้แก่ minuets, polonaises, ecossess, country dance - และรูปแบบต่างๆของเพลงพื้นบ้านสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ หลากหลายรูปแบบสำหรับไวโอลินที่สร้างขึ้น Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747-1804) ตัวแทนของโรงเรียนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - นักแต่งเพลงนักไวโอลินอัจฉริยะผู้ควบคุมวงและอาจารย์ที่โดดเด่น Khandoshkin มีชื่อเสียงด้านศิลปะการแสดงด้นสดเขาเล่นวิโอลากีตาร์และบาลาลิกาได้ดี

ในประวัติศาสตร์ดนตรีรัสเซีย ชื่อของ Khandoshkin เกี่ยวข้องกับการก่อตั้งโรงเรียนสอนไวโอลินแห่งชาติ ส่วนใหญ่ มรดกสร้างสรรค์แต่งเพลงพื้นบ้านรัสเซียและโซนาตาสำหรับไวโอลิน ไวโอลิน 2 ตัว ไวโอลินและวิโอลา หรือไวโอลินพร้อมเบส จากการเรียบเรียงเหล่านี้ ดนตรีบรรเลงของแชมเบอร์รัสเซียได้ละทิ้งแวดวงการทำดนตรีในบ้านจนกลายเป็นผู้มีพรสวรรค์เป็นครั้งแรก ขอบเขต. สิ่งสำคัญคือพวกเขาจะต้องบรรลุความเป็นเอกภาพของภาษายุโรปและนิทานพื้นบ้านรัสเซียอย่างเป็นธรรม นักวิจัยเชื่อว่าท่วงทำนองของเพลงบางเพลงที่ผู้แต่งนำมาเป็นธีมสำหรับรูปแบบต่างๆ ได้รับการบันทึกครั้งแรกโดยเขา

ชุดรูปแบบเปียโนของรัสเซียเขียนขึ้นโดย Trutovsky (เช่นในรูปแบบของเพลงพื้นบ้าน“ ในป่ามียุงจำนวนมาก), Karaulov รวมถึงนักดนตรีต่างชาติที่ทำงานในรัสเซีย

บทบาทของนักดนตรีต่างชาติในการพัฒนาดนตรีรัสเซียมีสองเท่า การตำหนิติเตียนอย่างยุติธรรมของสาธารณชนที่ก้าวหน้านั้นเกิดจากการที่กลุ่มชนชั้นสูงชื่นชมอย่างคนตาบอดในทุกสิ่งที่มาจากต่างประเทศ ซึ่งเกี่ยวข้องกับการประเมินศิลปะรัสเซียต่ำไป อย่างไรก็ตาม กิจกรรม นักแต่งเพลงต่างประเทศ, นักแสดงและครู มีส่วนทำให้เพิ่มขึ้นทั่วไป วัฒนธรรมดนตรีและการศึกษาของผู้ปฏิบัติงานในประเทศของนักดนตรีมืออาชีพ

ชะตากรรมของมรดกเชิงสร้างสรรค์ของเขาช่างน่าทึ่ง งานส่วนใหญ่ของนักประพันธ์ซึ่งฟังมาตลอดศตวรรษที่ 19 ยังคงอยู่ในต้นฉบับและเก็บไว้ในโบสถ์ Court Singing ในทศวรรษแรก XX ศตวรรษ ที่เก็บถาวรที่ร่ำรวยที่สุดของโบสถ์ที่มีลายเซ็นต์เฉพาะของนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียหลายคนถูกเผา

ความสำเร็จและการยอมรับการอุปถัมภ์ของบุคคลที่สูงที่สุดมาถึงเบเรซอฟสกีตั้งแต่เนิ่นๆ เมื่ออายุยังน้อยและมีชื่อเสียงในรัสเซียในไม่ช้าเขาก็กลายเป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียคนแรกที่ได้รับการยอมรับให้เป็นสมาชิกของ Bologna Academy ที่มีชื่อเสียง อย่างไรก็ตาม แม้จะมีความแตกต่างในระดับสูง แต่เมื่อกลับมาบ้านเกิดหลังจากอยู่ต่างประเทศได้ 9 ปี Maxim Berezovsky ก็ไม่สามารถบรรลุตำแหน่งที่เห็นได้ชัดเจน การลงทะเบียนของเขาใน Court Chapel ในตำแหน่งเจียมเนื้อเจียมตัวของพนักงานธรรมดาเห็นได้ชัดว่าไม่สอดคล้องกับประสบการณ์ต่างประเทศที่ได้รับหรือความเป็นไปได้ที่สร้างสรรค์ เห็นได้ชัดว่าสิ่งนี้ทำให้นักแต่งเพลงรู้สึกผิดหวังอย่างขมขื่นแม้ว่าการร้องเพลงประสานเสียงของเขาจะได้เรียนรู้จากผู้ชื่นชอบการร้องเพลงในโบสถ์และชื่นชมอย่างมากจากผู้ร่วมสมัยของเขาโบสถ์ ทหาร และข้ารับใช้ วงออเคสตรา โรงละครส่วนตัว หรือได้รับการศึกษาที่บ้าน ในสภาพแวดล้อมทางวัฒนธรรม XVIII ศตวรรษ ดนตรีอยู่ในตำแหน่งที่ต่ำที่สุด มันขึ้นอยู่กับการอุปถัมภ์ทั้งหมด และนักดนตรีเองในสังคมชนชั้นสูงครอบครองตำแหน่งของกึ่งผู้รับใช้ การสร้างสรรค์ของนักเขียนชาวรัสเซียมักถูกมองว่าเป็นเพลง "ชั้นสอง" เมื่อเปรียบเทียบกับผลงานของชาวเยอรมันหรือชาวอิตาลี ไม่มีนายในประเทศเพียงคนเดียวที่ไปถึงตำแหน่งสูงในศาล

แธดเดียส โรงสีที่ฉลาดและเจ้าเล่ห์ แสร้งทำเป็นพ่อมดผู้ทรงพลัง สับสนหัวของเพื่อนบ้านที่ฉลาดหลักแหลมของเขาอย่างสิ้นเชิง อย่างไรก็ตาม ทุกอย่างจบลงด้วยงานแต่งงานอันแสนสุขของหญิงสาว อันยูตา และฟิลิมอน เด็กชายในหมู่บ้านที่หล่อเหลา

ที่สถานีไปรษณีย์ - การติดตั้ง - โค้ชรวมตัวกัน ในหมู่พวกเขามีโค้ชหนุ่ม Timofey ที่ประสบความสำเร็จทั้งในการเผชิญหน้า สติปัญญา และความคล่องแคล่ว Fadeevna ภรรยาสาวสวยอยู่กับเขา สามีที่รัก. แต่ทิโมธีมีศัตรูที่น่าอิจฉาและร้ายกาจที่สุด นั่นคือ ฟิลก้า โปรลาซ่าหัวขโมยและหัวขโมย Filka คนนี้ใฝ่ฝันที่จะขายทิโมธีผู้โชคดีในฐานะสมาชิกใหม่และเข้าครอบครองภรรยาของเขาซึ่งดึงดูดเขามาเป็นเวลานาน และทิโมธีคงจะเป็นทหาร ถ้าไม่ใช่เพราะทหารที่ผ่านพ้นไป เขาช่วยทิโมธีให้เป็นอิสระในฐานะคนหาเลี้ยงครอบครัวเพียงคนเดียวของครอบครัวชาวนาจากการรับใช้ Filka เองเข้าไปในทหาร

Melodrama เป็นละครที่มีดนตรีสลับกับการท่อง และบางครั้งก็เล่นพร้อมกันกับการออกเสียงของข้อความ

หัวข้อ: ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาคอนเสิร์ตประสานเสียงรัสเซีย

ประเภทคอนเสิร์ตประสานเสียงในประวัติศาสตร์ดนตรีอาชีพของรัสเซียอาจเป็นประเภทเดียวที่มีมานานกว่าสามศตวรรษ ด้านหนึ่งการดำรงอยู่ที่ยาวนานเช่นนี้เกิดจากหน้าที่พิเศษที่ดำเนินการโดยเขาและในทางกลับกันเนื่องจากความสามารถในการปรับให้เข้ากับสภาพโวหารใหม่

คอนแชร์โต้ร้องประสานเสียง ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของพิธีกรรมของโบสถ์ ทำหน้าที่เป็นการสลับฉากกันอย่างสุดยอด: หยุดชั่วคราวในระหว่างกระบวนการเป็นหนึ่งเดียวของคณะสงฆ์กับความลึกลับอันศักดิ์สิทธิ์ มันเกิดขึ้นเป็นประเภทในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ในยูเครนซึ่งอิทธิพลของศิลปะยุโรปตะวันตกซึ่งกำหนดโดยความสัมพันธ์ระหว่างโปแลนด์ - ยูเครนในอดีตนั้นแข็งแกร่ง มันไม่มีต้นแบบทางดนตรีในยุคก่อน ในยุคของการร้องเพลงเดี่ยว เป็นผลผลิตของโพลีโฟนีประเภท partes

ต้นกำเนิดของมันคือแนวเพลงที่แตกต่างกันเช่นเพลงรัสเซียและคอนแชร์โต้ยุโรปตะวันตกที่เรียกว่าโมเต็ต

อิทธิพลของคอนเสิร์ตประสานเสียงยุโรปตะวันตกปรากฏให้เห็นในการทบทวนองค์ประกอบของศีลของคริสตจักรคาทอลิกในการเกิดขึ้นของรูปแบบใหม่ของการประสานเสียง - partes การร้องเพลง (จากภาษาละติน - หมายถึงการร้องเพลงในบางส่วน) ซึ่งนำไปสู่การแพร่กระจายครั้งแรก และการพัฒนาอย่างเข้มข้นของประเภทคอนเสิร์ต partes

กฎเกณฑ์หลักของคอนเสิร์ต partes คือ:

โกดังคอร์ดฮาร์มอนิกพร้อมการแยกแนวไพเราะออกจากมันทีละน้อย

ประเภทของเนื้อสัมผัสที่กลมกลืนกันซึ่งดูดซับอิทธิพลของเพลงพื้นบ้าน กันตา เทคนิคการพูดและตัวเลขทางวาทศิลป์ทางดนตรี znamenny สวดมนต์;

การแยกส่วนของชุดวาจาและดนตรี

การทำซ้ำตามหลักการที่มาพร้อมกับการผ่าแสดงโดยเน้นที่คำและลักษณะของส่วนเลียนแบบ

เสริมสร้างหลักการวรรณยุกต์ลดบทบาทของกิริยา

การเปรียบเทียบคณะนักร้องประสานเสียงหรือคณะนักร้องประสานเสียงและวงดนตรีที่แสดงหลักการคอนเสิร์ต

ลักษณะที่ดีเลิศของเนื้อหาและการเน้นเป็นพิเศษที่ผู้ฟัง

การแสดงที่ชัดเจนของการทำงานทางศิลปะที่ทำให้คอนเสิร์ตเป็นปรากฏการณ์ของศิลปะที่มีเสียงทางสังคมระดับสูง และนำมันไปไกลกว่าธรณีประตูของคริสตจักร

เมื่อนำไปใช้กับตัวอย่างเฉพาะของ partes concerto ความสม่ำเสมอเหล่านี้แสดงออกในองค์กรพิเศษของดนตรีทั้งหมดซึ่งสะท้อนถึงการรับรู้ใหม่ของดนตรีโดยผู้ฟังในยุคบาโรก แต่ละประเด็นข้างต้นสะท้อนถึงความหลากหลายของพารามิเตอร์ประเภทต่างๆ ของ partes concerto และในทางใดทางหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับการสร้างในนั้นซึ่งมีส่วนร่วมในการสร้างงานศิลปะทั้งหมด

การรับรู้ของกระบวนการนำเสนอ วัสดุดนตรีในส่วนของคอนแชร์โต้นั้น ขึ้นอยู่กับความสามารถของผู้ฟังในขณะนั้นในการจับภาพที่ไม่ต่อเนื่องและความต่อเนื่อง ในขณะเดียวกันก็ทำได้โดยใช้เทคนิคต่างๆ ความสัมพันธ์ที่ใกล้ชิดของปัจจัยเหล่านี้ การสำแดงของผลกระทบต่อ ระดับต่างๆมีส่วนทำให้เกิดความสมบูรณ์ของโครงสร้างของงานดนตรี

คอนเสิร์ตของ Partes เผยให้เห็นการรับรู้ใหม่เกี่ยวกับความเป็นจริงซึ่งเป็นความรู้สึกที่แตกต่างของกาลเวลาซึ่งเข้ามาแทนที่ยุคกลาง ความรู้สึกโดดเดี่ยวในยุคกลาง ความต่อเนื่องของการเคลื่อนไหว การอยู่ในสถานะเดียวถูกแทนที่ด้วยความปรารถนาที่จะรู้สึกถึงการเปลี่ยนแปลงของรัฐเหล่านี้ เหตุการณ์นี้นำไปสู่การก่อตัวของวิธีการพิเศษในการพัฒนาวัสดุทางดนตรีไปสู่สัญญาณใหม่ของการสร้าง

แนวทางในกระบวนการสร้างคอนเสิร์ตบางส่วนจากมุมมองของการพัฒนาใจความกลายเป็นเรื่องที่ค่อนข้างซับซ้อนเนื่องจากข้อเท็จจริงที่ว่าหัวข้อในฐานะผู้ให้บริการหลักของเนื้อหาและหน่วยสร้างสรรค์ยังไม่ได้รับการพิจารณาในคอนเสิร์ตของ partes

รูปแบบของคอนแชร์โตโดยรวมสามารถกำหนดเป็นคอนแชร์โตคอนทราสต์ได้ แต่จำเป็นต้องคำนึงถึงความแตกต่างของหัวข้อในระดับเล็กน้อย เซลล์ที่ไพเราะและไร้ชาติจะเติบโตจากเซลล์อื่น เสริมซึ่งกันและกัน ทำให้เกิดการผสมผสานที่หลากหลายขึ้นใหม่ ซึ่งทำซ้ำทั้งในลำดับและพร้อมๆ กัน

การพัฒนารูปแบบ partes ในประวัติศาสตร์ของรัสเซีย ศิลปะดนตรีเป็นตัวแทนของยุคทั้งหมด: ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 17 - จนถึงหนึ่งในสามของศตวรรษที่ 18 ช่วงเวลาตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 17 ถึงกลางยุค 70 ถือเป็นเวทีในการสร้างคอนเสิร์ต partes เป็นประเภท มันเติบโตที่จุดตัดของศิลปะดนตรีสองทรงกลม: ลัทธิและฆราวาสโดดเด่นเหนือสิ่งอื่นใด ประเภทของบทสวดของคริสตจักรที่มีอักขระพิเศษ องค์กรดนตรี. ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 70 ช่วงเวลาใหม่เริ่มต้นขึ้น เรียกว่ารูปแบบคอนเสิร์ตที่เป็นผู้ใหญ่ ในช่วงเวลานี้เองที่บทความเชิงทฤษฎีเรื่องแรกปรากฏขึ้น - "Music Grammar" โดย N. Diletsky ซึ่งสรุปรูปแบบของการแต่งเพลงโดยใช้ตัวอย่างของประเภท partes concerto ความคิดสร้างสรรค์ของ V. Titov รวบรวมคุณสมบัติของขั้นตอนที่สองของวิวัฒนาการของประเภทด้วยความสมบูรณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดซึ่งเป็นยุครุ่งเรืองซึ่งตรงกับช่วงเวลาของปีเตอร์มหาราช

เนื่องจากลักษณะพิเศษของการทำงานของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีระดับมืออาชีพ ซึ่งมีโอกาสที่จะรับรู้ได้เฉพาะในแวดวงลัทธิเท่านั้น ประเภทคอนเสิร์ตประสานเสียงจึงกลายเป็นโอกาสเดียวสำหรับนักแต่งเพลงในสมัยนั้นที่จะตระหนักถึงความคิดทางศิลปะของพวกเขา ในคอนเสิร์ตประสานเสียงของยุคบาโรกตามที่นักวิจัยตั้งข้อสังเกตว่าอิทธิพลทางโลกและประเพณีทางศาสนานั้นเชื่อมโยงกันแบบไดนามิกมากทำให้ประเภทนี้ " ธาตุกลาง" ทั้งหมด ระบบประเภทความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีระดับมืออาชีพในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17

อิทธิพลของฆราวาส ประเพณีเพลงพื้นบ้าน ตลอดจนเนื้อร้องประสานเสียงแบบทั้งมวล แทรกซึมเข้าไปในคอนเสิร์ตประสานเสียงผ่านคันนา เนื่องจากเป็นช่วงเวลาที่แม่นยำซึ่งยังใหม่อย่างสมบูรณ์สำหรับคอนแชร์โต้ทางจิตวิญญาณที่มีอยู่แล้ว และเพื่อให้สามารถพิสูจน์ได้ในอนาคต จึงจำเป็นต้องอาศัยรายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับลักษณะของประเภทคานต์

ตามกฎแล้ว cant เป็นงานประสานกันของกวีและนักแต่งเพลงที่รวมกันเป็นหนึ่งเดียวโดยรักษาประเพณีของการไม่เปิดเผยชื่อ (แม้ว่าจะรู้จักผู้เขียนก็ตาม)

ลักษณะที่สำคัญที่สุดของแนวดนตรีของกันต์ สรุปได้ดังนี้

หลักการซ้ำซ้อน

การชี้แจงอย่างค่อยเป็นค่อยไปของโหมดหลักและรองการพึ่งพายาชูกำลัง - ซึ่งไม่มีอยู่ในการร้องเพลง Znamenny ที่มีอยู่

การปรากฏตัวของบทสวดซ้ำ ๆ - สูตรที่เรียกว่าจังหวะและไพเราะที่ส่งผ่านจากงานหนึ่งไปยังอีกงานหนึ่งเพื่อสร้างภาพตัวละครอารมณ์

นอกจากนี้การเปรียบเทียบหลายระดับของ kanty ยูเครนกับโคลงสั้น ๆ การเต้นรำและการ์ตูน เพลงพื้นบ้านจากคอลเล็กชั่นนิทานพื้นบ้านต่างๆ พบว่า เพลงลูกทุ่งและเพลงลูกทุ่งมีความคล้ายคลึงกันมาก: มันเป็นประเพณีปากเปล่าของการดำรงอยู่ หลักการทั่วไปของการพัฒนาไพเราะ การกำหนดสูตรจังหวะ และการเปรียบเทียบข้อความจำนวนมาก (เช่น กลอนการ์ตูน "Oy pіd cherries” และเพลงยูเครนที่มีชื่อเดียวกัน) .

ฆราวาส kanty รวมกันเป็นกลุ่มเฉพาะเรื่อง: การ์ตูนโคลงสั้น ๆ และสังคม นอกจากคันธนูทางโลกแล้ว ยังมีกลุ่มของบทสวดทางจิตวิญญาณ (เรียกว่า "สดุดี") ซึ่งเขียนบนข้อความของบทเพลงสดุดี กำหนดไว้ในรูปแบบบทกวี ผู้เขียนของพวกเขาเป็นบุคคลสำคัญทางสังคม - การเมืองและคริสตจักรในศตวรรษที่ 17-18 - Dmitry Tuptalo, Epitheniy Slavinetsky, Timofey Shcherbatsky และคนอื่น ๆ

ดังนั้นภาษายูเครนจึงเป็นปรากฏการณ์ที่แปลกใหม่และเป็นต้นฉบับอย่างลึกซึ้งซึ่งวางรากฐานของวัฒนธรรมรูปแบบใหม่ซึ่งมีอิทธิพลต่อกระบวนการสร้างศิลปะดนตรีและกวีทั้งระดับชาติและระดับชาติและทั้งหมด

ดังนั้น การพัฒนาดนตรีอาชีพในศตวรรษที่ 17 เช่นเดียวกับการพัฒนาของจิตรกรรมและวรรณคดี เป็นไปตามเส้นทางของการเสริมสร้างความเข้มแข็งของหลักการทางโลกที่เพิ่มมากขึ้น และฆราวาสก็แทรกซึมเข้าไปในดนตรีของคริสตจักร เปลี่ยนแปลงลักษณะและรูปแบบของศาสนาไปอย่างสิ้นเชิง ศูนย์รวม สัมผัสกับอิทธิพลของวงการฆราวาสและประเภทของคอนเสิร์ตประสานเสียง บทสำนึกผิดค่อยๆ หายไป และแพร่กระจายในศตวรรษที่ 18 และอิทธิพลของโอเปร่า เครื่องมือและ เพลงแดนซ์นำไปสู่ความจริงที่ว่าการแสดงคอนเสิร์ตในโบสถ์เริ่มขัดแย้งกับศีลของโบสถ์ และคอนเสิร์ตประสานเสียงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 กลายเป็นงานศิลปะอิสระ

ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของช่วงเวลาแห่งวิวัฒนาการแนวเพลงนี้คือการแสดงคอนเสิร์ตประสานเสียงโดย M. Berezovsky, D. Bortnyansky, A. Vedel S. Degtyarev

จุดสุดยอดของการพัฒนาคอนแชร์โต้ประสานเสียงคือการฝึกฝนการแสดงนอกโบสถ์ วารสารในสมัยนั้นโฆษณาการแสดงคอนเสิร์ตทางจิตวิญญาณในสถานที่ของโรงละครวังหรือสโมสรอันสูงส่ง สิ่งนี้เป็นไปได้เนื่องจากการแทรกซึมเข้าไปในสไตล์ของประเภทนี้โดยหลาย ๆ คน ลักษณะทางดนตรีลักษณะของศิลปะดนตรีทางโลก

รูปแบบทั่วไปของประเภทในช่วงเวลานี้คือ:

การผสมผสานแนวเพลงเลียนแบบรูปแบบใหม่ รวมถึงเพลง "เพลงรัสเซีย" เพลงลูกทุ่งและการเต้นรำ เดือนมีนาคม ยุโรปตะวันตก ประเภทอาชีพ(โอเปร่าและบรรเลง), ดนตรีประจำวัน, บทสวด znamenny;

โครงสร้างวัฏจักรที่กำหนดขึ้นของทั้งหมด โดยอิงตามคอนทราสต์จังหวะสัมพัทธ์ของชิ้นส่วนต่างๆ

การครอบงำของระบบโทนสี - ฮาร์มอนิกที่มีการพึ่งพาฟังก์ชันที่ซับซ้อน

ชีวิตของแนวดนตรีคล้ายกับชีวิตของบุคคล: การเกิด - วัยเด็ก - การก่อตัว - เยาวชน - การเติบโต - วุฒิภาวะ - วัยชรา - จางหายไป อย่างไรก็ตามการดำรงอยู่ของประเภทนั้นไม่ต่อเนื่อง - บ่อยครั้งที่ช่วงเวลาแห่งความเจริญรุ่งเรืองและการรับรู้ของสาธารณชนในวงกว้างถูกแทนที่ด้วยพืชพันธุ์ที่เฉื่อยชาเป็นเวลาหลายปีและแม้กระทั่งการลืมเลือนอย่างสมบูรณ์ซึ่งสามารถแทนที่ด้วยการฟื้นตัวอย่างรวดเร็วของประเภท การกลับชาติมาเกิดทางสังคมและศิลปะของมัน สาเหตุของเรื่องนี้อยู่ในความลับของจิตสำนึกทางสังคม ความเข้าใจจากศตวรรษถึงศตวรรษเป็นเรื่องของการไตร่ตรองทางปรัชญา

ประเภทของการประสานเสียงประสานเสียงทางจิตวิญญาณได้ไปในลักษณะนี้อย่างแน่นอน ถือกำเนิดในยุคเรอเนสซองส์ภายใต้หลังคาโค้งสะท้อนของมหาวิหารเวเนเชียนแห่งเซนต์ ในเวลาอันสั้น ตามมาตรฐานของประวัติศาสตร์ เขาได้รับความเห็นใจจากนักประพันธ์เพลงชาวยุโรป ตาม Willaert ชาวอิตาลี Andrea และ Giovanni Gabrieli, Schutz ชาวเยอรมัน, ชาวโปแลนด์ Zelensky, Melchevsky, Ruzhitsky ถึงเวลาแล้วที่นักเขียนชาวรัสเซียจะต้อง "แต่งคอนเสิร์ต" ผ่านแรงงานของ Nikolai Diletsky, Vasily Titov, Fyodor Redrikov, Yakov Rezvitsky และนักเขียนคนอื่น ๆ ของเรา สไตล์การร้องประสานเสียง. แต่นี่เป็นเพียงยุคก่อนประวัติศาสตร์ของคอนเสิร์ตร้องเพลงประสานเสียงของรัสเซีย

ด้วยการมาถึงในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กของหัวหน้าวงดนตรีต่างประเทศ - Sarti, Tsoppi, Galuppi - ประเภทและสไตล์ของ motet concerto หลายส่วนแทรกซึมเข้าไปในเพลงประสานเสียงในประเทศ และตอนนี้นักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียก็สร้างองค์ประกอบทางจิตวิญญาณในสไตล์นี้ ปลาย XVIII- ต้นศตวรรษที่ XIX: M. Berezovsky, D. Bortnyansky.A. Vedel, S. Degtyarev, S. Davydov และใน กลางสิบเก้าศตวรรษ - นายพล A. Lvov. แต่ผู้คนจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ รู้สึกได้ถึงความปรารถนาที่จะหลีกหนีจากการเลียนแบบกลไกของโมเดลยุโรปตะวันตก เพื่อสร้างสไตล์ดั้งเดิมของภาษาดนตรี นั่นคือเวลา การพัฒนาอย่างรวดเร็ววัฒนธรรมดนตรีแห่งชาติของรัสเซียและในการพัฒนานี้ทำให้เกิดความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับจุดประสงค์และภารกิจของดนตรีศักดิ์สิทธิ์

ขั้นต่อไปในประวัติศาสตร์ของประเภทคอนเสิร์ตประสานเสียงประสานเสียงอย่างแยกไม่ออกกับความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะที่ยอดเยี่ยมของคณะนักร้องประสานเสียง Synodal และการเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ของยุคใหม่ โรงเรียนภาษารัสเซียนักแต่งเพลงของคริสตจักร ในผลงานของ A. Arkhangelsky, A. Grechaninov, M. Ippolitov-Ivanov, Viktor Kalinnikov, A. Kastalsky, A. Nikolsky, Yu. โดยใช้ภาษาดนตรีที่เป็นที่รู้จักทั้งหมดในการแต่งเพลง ดนตรีทางจิตวิญญาณเริ่มก้าวข้ามกำแพงของวัดมากขึ้นเรื่อยๆ โดยเปลี่ยนจากนักวิจารณ์ที่เจียมเนื้อเจียมตัวเกี่ยวกับการกระทำธรรมดาๆ เป็นวิธีการศึกษาทางจิตวิญญาณและสุนทรียภาพอันทรงพลัง ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ A. Grechaninov ประกาศในเดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2460 ว่า: "ปล่อยให้เราเป็นบุตรของคริสตจักรตะวันออกตามหลังนักบุญยอห์น การเขียน "สรรเสริญพระเจ้าในแก้วหูและพิณในเครื่องสายและอวัยวะ" เพื่อร้องเพลงถวายสง่าราศีของพระเจ้าโดยไม่ผูกมัดแรงบันดาลใจของคุณในทางใดทางหนึ่ง

การปราบปรามเพลงศักดิ์สิทธิ์ของรัสเซียที่บังคับใช้เป็นเวลานานซึ่งตามมาหลังจากปี 2460 ระงับการค้นหานักประพันธ์ชาวรัสเซียอย่างสร้างสรรค์ชั่วคราว อย่างไรก็ตาม เมื่อได้เห็นการฟื้นคืนชีพทางศาสนาครั้งแรก การค้นหาเหล่านี้ก็กลับมาอีกครั้ง แล้วปรากฎว่าส่วนใหญ่ของสิ่งที่ค้นพบและทดสอบโดยผู้เขียนรุ่นก่อน ๆ ไม่ได้สูญเสียความสามารถในการดำรงอยู่แม้กระทั่งในปัจจุบัน ในขณะเดียวกันคุณสมบัติ การพัฒนาที่ทันสมัยวัฒนธรรมดนตรีระดับชาติและระดับโลกย่อมมีผลกระทบต่อธรรมชาติของดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของรัสเซียอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้

ประเภทของคอนเสิร์ตประสานเสียงทางจิตวิญญาณยังได้รับคุณสมบัติใหม่ในสมัยของเรา การเปลี่ยนแปลงนี้ส่งผลต่อคุณลักษณะทั้งหมดอย่างแท้จริง รูปแบบหลายส่วนซึ่งสร้างขึ้นจากการเปรียบเทียบส่วนที่เสร็จสมบูรณ์แบบตัดกัน ถูกแทนที่ด้วยการพัฒนาที่ผสมผสานองค์ประกอบของการบรรเลงกับความผันแปรและความหยาบ ความสั้นของคำแถลงของผู้เขียนซึ่งเป็นลักษณะของยุคนั้นทำให้ขนาดของงานลดลงมาก (เวลาเล่นของตัวเลขเดียวไม่เกิน 4 นาที) ความแตกต่างของคำสั่งภายนอก (ตามหลักการของ "เงียบ - ดัง", "เร็ว - ช้า", "เมเจอร์-ไมเนอร์", ​​"นักร้องเดี่ยว") ถูกแทนที่ด้วยความคมชัดภายในที่ซ่อนอยู่มากขึ้น (polymodal , โพลิเมตริก ฯลฯ ) ดำเนินการในช่วงเวลาต่ำสุด ผลลัพธ์ของการโต้ตอบแบบปิดบังที่เกิดขึ้นบ่อยครั้งคือจำนวนคอนแชร์โตที่เขียนขึ้นสำหรับศิลปินเดี่ยวที่มีคณะนักร้องประสานเสียงลดลงอย่างมาก (เมื่อเทียบกับยุคของ Chesnokov) พื้นฐานที่ไพเราะของการแต่งเพลงเริ่มมีความสุภาพมากขึ้น และยิ่งแย่ลงไปอีก ทำให้เกิดการระบายสีแบบฮาร์โมนิกและการสร้างคำเลียนเสียงธรรมชาติ คุณสมบัติหลักของเพลงศักดิ์สิทธิ์สมัยใหม่คือการใช้หลักคุณภาพการแสดงคอนเสิร์ตที่ตีความอย่างอิสระ - ในการแต่งเพลงเกือบทั้งหมดที่สร้างขึ้นจากข้อความบัญญัติ

ทัศนคติของผู้เขียนสมัยใหม่ต่อข้อความขององค์ประกอบทางจิตวิญญาณเป็นสิ่งบ่งชี้ หากในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 พื้นฐานบทกวีของคอนเสิร์ตทางจิตวิญญาณคือบทสดุดีหรือแต่ละบรรทัดของ stichera และ troparia ที่แสดงที่ Matins แล้วในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ตำราบัญญัติใด ๆ จนถึงรายการที่ให้บริการอย่างหมดจด อาจเป็นเหตุผลในการเขียนงานใน “รูปแบบคอนเสิร์ต” พอเพียงที่จะกล่าวถึงงานทางจิตวิญญาณของ P. Chesnokov, A. Kastalsky, A. Grechaninov, A. Nikolsky และผู้เขียนคนอื่น ๆ ในยุคก่อนปฏิวัติ: พวกเขาเป็นผู้เริ่มใช้หลักการของคอนแชร์โต้กับข้อความของ Vespers , พิธีกรรม, ปานิคิด, พิธีศพ, พิธีสงฆ์ ฯลฯ และควรตระหนักว่าผลทางจิตวิญญาณและการชำระล้างของตำราเหล่านี้มีความลึกมากขึ้นเมื่อเน้นและเสริมด้วยดนตรีที่แสดงออกและมีความสามารถ

วันนี้ประสบการณ์ของนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นของโรงเรียนมอสโกแห่งการร้องเพลงในโบสถ์กำลังได้รับการพัฒนาอย่างสร้างสรรค์ การใช้เทคนิคการแสดงคอนเสิร์ต นักประพันธ์สมัยใหม่ได้ตั้งผู้ทรงคุณวุฒิ, ikos, troparia, การสวดมนต์ ฯลฯ ให้เป็นดนตรี ในเวลาเดียวกัน เรามักจะสังเกตได้ว่าผู้แต่งไม่ได้แต่งทำนองต้นฉบับอย่างไร แต่ก็ไม่ได้อ้างอิงท่วงทำนองประจำวันเช่นกัน แต่เลือกเส้นทาง "สายกลาง" บางอย่าง - อย่างสร้างสรรค์ กล่าวคือ ค่อนข้างอิสระในการประมวลผลท่วงทำนองของสระ รักษาองค์ประกอบบางอย่างไว้ และในขณะเดียวกันก็ให้คุณลักษณะของการบรรยายไพเราะที่แสดงออกถึงอารมณ์ โดยที่ ภาษาฮาร์โมนิกการบรรเลงประสานเสียงสามารถมีความหลากหลายมาก - จากโหมดคริสตจักรไดอาโทนิกแบบดั้งเดิมไปจนถึงโครงสร้างหลายรูปแบบหรือความแปรปรวนของสี วิธีการนำเสนอเนื้อสัมผัสส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับประเพณีการร้องเพลงของวัด เช่น การอ่าน เพลงสดุดี ฮิสสัน แอนติฟอน การสนับสนุน ฯลฯ

บางทีผลลัพธ์ทางศิลปะของความคิดสร้างสรรค์ที่ทันสมัย นักเขียนชาวรัสเซียดนตรีศักดิ์สิทธิ์จะดูเจียมเนื้อเจียมตัวมากกว่าความสำเร็จหลายร้อยปีของรุ่นก่อน ค่อนข้างเข้าใจได้ หลังจากหยุดไปนาน หลายๆ อย่างก็ต้องเริ่มต้นใหม่ เชื่อมโยงอดีตกับปัจจุบันอย่างระมัดระวัง พยายามสมัยใหม่ รสนิยมทางดนตรีประสบการณ์อันทรงคุณค่าและมีผลตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา มีความตึงเครียด หลายแง่มุม บางครั้งก็แทบจะสังเกตไม่เห็นสำหรับคนอื่น ๆ ค้นหา - หมายถึงการแสดงออกความคิดริเริ่มโวหาร ความต่อเนื่องทางศีลธรรมและความงาม ความลึกทางจิตวิญญาณและความหมาย ผลลัพธ์ของการค้นหานี้ควรเป็นการอัปเดตที่จะเกิดขึ้น การต่ออายุประเภทคอนเสิร์ตประสานเสียงทางจิตวิญญาณ, การต่ออายุเพลงศักดิ์สิทธิ์ของรัสเซีย, การต่ออายุวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณและดนตรีแห่งชาติ แล้วคำทำนายจะเป็นจริง: "ความหนุ่มของคุณจะกลับมาเหมือนนกอินทรี"

คอนสแตนติน นิกิติน.

ในเดือนมิถุนายน 2552 คณะนักร้องประสานเสียงของวิหาร Holy Trinity ใน Saratov ภายใต้การดูแลของผู้อำนวยการคณะนักร้องประสานเสียง S. Khakhalina ได้บันทึกแผ่นดิสก์เพลงที่สามเรื่อง "Hear, O God, my Prayer" ซึ่งกำลังได้รับการปล่อยตัว คราวนี้แผ่นเพลงรวมบทสวดโดยนักประพันธ์เพลง A. Tretyakov, D. Bortnyansky, A. Nikolsky, G. Ryutov, V. Stepanov ในบรรดาบทสวดเป็นคอนเสิร์ตประสานเสียงที่มีชื่อเสียง

ผู้ชื่นชอบดนตรีคริสตจักรส่วนใหญ่คุ้นเคยกับคำว่า "คอนเสิร์ต" นี่คือเพลงสวดที่ฟังในพิธีศักดิ์สิทธิ์ก่อนศีลมหาสนิท อะไรคือ "ความเอื้ออาทร" ของดนตรีศักดิ์สิทธิ์และเป็นไปได้ไหมที่จะแสดงคอนเสิร์ตภายในกำแพงวัด?

แผ่นเพลง “ฟังนะ ข้าแต่พระเจ้า คำอธิษฐานของฉัน” คอนเสิร์ตของคริสตจักรเป็นปรากฏการณ์ที่ยุ่งเหยิงในระหว่างการรับใช้ (ซึ่งก็คืออาจจะไม่ได้ทำ) เนื่องจากไม่มีการกล่าวถึงในหนังสือบริการใดๆ ที่สถานที่จัดคอนเสิร์ตควรจะมีบทสวดภาวนา กล่าวคือ บทหรือบรรทัดใด ๆ จากสดุดีตามความหมายของวันหยุด บทสวดศีลมหาสนิทจะขับร้องหลังจากเสร็จสิ้นศีลศีลมหาสนิท ในระหว่างที่พระสงฆ์อยู่ในแท่นบูชา ในเวลานี้ นักบวชกำลังเตรียมที่จะเริ่มต้นศีลมหาสนิทและควรรักษาความเอาใจใส่และทัศนคติที่เคารพนับถือให้มากที่สุด

ก่อนหน้านี้ ศีลระลึกร้องเป็นเพลง znamenny ซึ่งใช้เวลาค่อนข้างมาก: ขึ้นอยู่กับจำนวนพระสงฆ์ที่รับศีลมหาสนิท ในปัจจุบัน ศีลระลึกมักประกอบเป็นบทสวด กล่าวคือ ออกเสียงอย่างรวดเร็วในคอร์ดเดียว และหลังจากบทศีลมหาสนิทแล้ว ก็มีการแสดงคอนเสิร์ตทางจิตวิญญาณ บางครั้งก็สามารถใช้เป็นข้อศีลศักดิ์สิทธิ์ได้เช่น เสียงในข้อความที่เกี่ยวข้อง (ในกรณีนี้จะไม่ดำเนินการข้อศีลระลึก)

คำว่า "คอนเสิร์ตทางจิตวิญญาณ" มีต้นกำเนิดจากยุโรปในประเทศ การปฏิบัติศาสนกิจปรากฏตัวขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 ด้วยการถือกำเนิดของ partes, การร้องเพลงโพลีโฟนิกจากยุโรป ก่อนหน้านั้นดนตรีประกอบของบริการศักดิ์สิทธิ์อาศัยการร้องเพลงพร้อมเพรียงของ Znameny เหล่านี้เป็นท่วงทำนองที่ไหลเป็นจังหวะที่บรรเลงโดยเสียงชายต่ำ เติมเต็มวิหารด้วยเสียงที่เป็นเนื้อเดียวกัน บทสวดของ Znameny ได้สร้างอารมณ์พิเศษขึ้นในจิตวิญญาณของผู้อธิษฐาน และดูเหมือนว่าขอบเขตชั่วขณะของแนวทางการสักการะจะเริ่มถูกลบทิ้ง เวลาหยุดลง และหัวใจของผู้เชื่อสัมผัสได้ถึงความเป็นนิรันดร ดนตรีมีส่วนในการกลับใจและการอธิษฐานของผู้เชื่อ

สไตล์ของ partes ที่เจาะเข้าไปในเพลงของคริสตจักรผลัก Znameny ร้องเพลงเป็นพื้นหลังและเริ่มใช้ทุกที่ งานที่เขียนในลักษณะนี้มีความโดดเด่นด้วยอารมณ์ความรู้สึกและความอ่อนไหวที่เพิ่มขึ้น (และบางครั้งก็ราคะ) การแสดงออกทางดนตรีบางครั้งไม่สอดคล้องกับความหมายของเพลงสวดของคริสตจักรเลย การแสดงคอนเสิร์ตทางจิตวิญญาณครั้งแรก (ต้นศตวรรษที่ 18) โดดเด่นอย่างเห็นได้ชัดจากเสียงดนตรีทั่วไปของการนมัสการแบบออร์โธดอกซ์ เหล่านี้เป็นบทสวดที่ยิ่งใหญ่ที่เขียนในหลายส่วน รูปแบบดนตรี. พวกเขาเต็มไปด้วยความแตกต่างภายนอก ถูกสร้างขึ้นบนหลักการของ "เงียบ-ดัง", "เร็ว-ช้า", "เมเจอร์-ไมเนอร์", "นักร้องประสานเสียง" ความสามารถในการแข่งขันดังกล่าวมาจากการสวดมนต์ของโบสถ์ที่ดังก้องอยู่ใต้ห้องใต้ดินที่ก้องกังวานของมหาวิหารในยุโรป

ความเข้าใจค่อยๆ หายไป ไม่เพียงแต่การสวดมนต์ Znameny เท่านั้น แต่ยังรวมถึงความหมายของการนมัสการโดยทั่วไปด้วย ไม่ใช่พิธีสวด ไม่ใช่ช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดของการเฝ้าตลอดทั้งคืน แต่คอนเสิร์ตทางจิตวิญญาณได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อในทุกมุมของรัสเซีย บางครั้งพวกเขาก็ทำหน้าที่เป็น "เหยื่อล่อความงาม" เพื่อดึงดูดผู้ชื่นชอบการร้องเพลงของโบสถ์ให้มาที่โบสถ์: หลายคน (ชาวนา พ่อค้า และผู้ว่าการเอง) มาที่โบสถ์เพียง "เพื่อคอนเสิร์ต"!

นักแต่งเพลงคลาสสิกของเพลงคริสตจักรในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - M. Berezovsky, A. Vedel, S. Degtyarev - มักได้รับอิทธิพลอย่างมากจากมาตรฐานยุโรป ยิ่งไปกว่านั้น อิทธิพลไม่ได้กระทำโดยคริสตจักรเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีทางโลกของนักประพันธ์เพลงชาวตะวันตกด้วย

ในปีเดียวกันนั้น คอนเสิร์ตเริ่มส่งเสียงในช่วงเวลาที่ไม่ใช่พิธีกรรม กล่าวคือ ข้ามกำแพงพระอุโบสถไป ตัวอย่างเช่น เพื่อเป็นเกียรติแก่ชัยชนะของอาวุธรัสเซีย บทเพลงอันเคร่งขรึมของแผนคอนเสิร์ตได้ดำเนินการบนจัตุรัสพร้อมกับระฆัง ปืนใหญ่ และดอกไม้ไฟ หรือในงานแต่งงานที่ร่ำรวยในความคาดหมายของคนหนุ่มสาว คณะนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ร้องเพลงคอนเสิร์ตที่สอดคล้องกับเหตุการณ์ที่สนุกสนาน

คอนเสิร์ตประสานเสียงถึงจุดสูงสุดในผลงานของนักประพันธ์เพลงของโรงเรียน Synodal ของมอสโกในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ผลงานของ A. Arkhangelsky, A. Grechaninov, A. Kastalsky, P. Chesnokov แสดงความปรารถนาในประเพณีของความคิดสร้างสรรค์ทางจิตวิญญาณและดนตรีของรัสเซียและการใช้ท่วงทำนอง znamenny ที่เป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนา ผู้เขียนเริ่มหันไปใช้บทสวดโบราณที่ล่วงลับไปแล้วในประวัติศาสตร์ เพื่อใช้องค์ประกอบเฉพาะของบทสวดโบราณในทำนองของบทสวด คอนทราสต์ภายนอกทำให้เกิดโมเมนต์สร้างคำ โดยรูปแบบหลายส่วนถูกแทนที่ด้วย a ผ่านการพัฒนา ระยะเวลาของคอนเสิร์ตก็ลดลงเช่นกัน ผลกระทบของข้อความนั้นลึกซึ้งยิ่งขึ้น เข้มข้นขึ้นด้วยดนตรีคอนเสิร์ตที่แสดงออกและมีพรสวรรค์

แผ่นเพลง “ได้ยิน พระเจ้า…” มีบทสวดคอนเสิร์ต หลากสไตล์และกระแสที่กลายมาเป็นส่วนหนึ่งของประเพณีการร้องเพลงของคริสตจักรของเรา แผ่นดิสก์มีวัตถุประสงค์เพื่อแนะนำผู้ฟังให้ ตัวอย่างที่ดีที่สุดคอนเสิร์ต ตลอดจนส่งเสริมการเลือกกลุ่มนักร้องในงานที่ลึกซึ้งและมีจิตวิญญาณอย่างแท้จริง

Vera Popechiteleva