เฝอ ความประทับใจ - ความประทับใจ) - ทิศทางในงานศิลปะของสามสิบเก้า - ต้น แห่งศตวรรษที่ 20 ซึ่งตัวแทนเริ่มวาดภาพทิวทัศน์และฉากประเภทโดยตรงจากธรรมชาติ พยายามถ่ายทอดด้วยสีที่บริสุทธิ์และเข้มข้นมาก แสงแดดจ้า, ลมพัด , หญ้าแผดเสียง , การเคลื่อนไหวของฝูงชนในเมือง อิมเพรสชันนิสต์พยายามจับภาพที่เป็นธรรมชาติและเป็นกลางที่สุด โลกแห่งความจริงในความคล่องตัวและความแปรปรวนเพื่อถ่ายทอดความประทับใจที่หายวับไป
คำจำกัดความที่ดี
คำจำกัดความไม่สมบูรณ์ ↓
อิมเพรสชั่นนิสม์
ภาษาฝรั่งเศส Impressionnisme จากความประทับใจ - ความประทับใจ) ทิศทางในศิลปะแห่งการต่อต้าน พ.ศ. 2403 - ต้น ทศวรรษที่ 1880 ปรากฏชัดที่สุดในการวาดภาพ ตัวแทนชั้นนำ: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte และ J. F. Basil E. Manet และ E. Degas ร่วมกับพวกเขาแสดงภาพวาดแม้ว่ารูปแบบงานของพวกเขาจะเรียกว่าอิมเพรสชั่นนิสม์ไม่ได้อย่างสมบูรณ์ ชื่อ "อิมเพรสชั่นนิสต์" ถูกกำหนดให้กับกลุ่มศิลปินรุ่นใหม่หลังจากนิทรรศการร่วมกันครั้งแรกในปารีส (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley เป็นต้น) ซึ่งก่อให้เกิดความขุ่นเคืองใจต่อสาธารณชนและนักวิจารณ์ หนึ่งในภาพวาดที่นำเสนอโดย C. Monet (1872) เรียกว่า "Impression พระอาทิตย์ขึ้น ”(“ L’impression. Soleil levant ”) และผู้วิจารณ์เรียกศิลปินว่า "impressionists" อย่างเยาะเย้ย จิตรกรแสดงภายใต้ชื่อนี้ในนิทรรศการร่วมครั้งที่สาม (1877) ในเวลาเดียวกัน พวกเขาเริ่มตีพิมพ์นิตยสารอิมเพรสชันนิสต์ ซึ่งแต่ละฉบับอุทิศให้กับงานของสมาชิกคนหนึ่งในกลุ่ม
พวกอิมเพรสชันนิสต์พยายามจับตัว โลกในความแปรปรวนคงที่ ความลื่นไหล แสดงความประทับใจทันทีอย่างเป็นกลาง อิมเพรสชั่นนิสม์มีพื้นฐานมาจากการค้นพบล่าสุดในทฤษฎีทัศนศาสตร์และสี (การสลายตัวของสเปกตรัมของลำแสงของดวงอาทิตย์เป็นสีรุ้งเจ็ดสี); นี้เขาสอดคล้องกับจิตวิญญาณ การวิเคราะห์ทางวิทยาศาสตร์, ลักษณะของคอน ศตวรรษที่ 19 อย่างไรก็ตาม อิมเพรสชันนิสต์เองก็ไม่ได้พยายามนิยาม พื้นฐานทางทฤษฎีศิลปะของเขา ยืนยันในความเป็นธรรมชาติ สัญชาตญาณของความคิดสร้างสรรค์ของศิลปิน หลักการทางศิลปะของอิมเพรสชันนิสต์ไม่เหมือนกัน โมเนต์วาดภาพทิวทัศน์โดยสัมผัสโดยตรงกับธรรมชาติเท่านั้น ในที่โล่ง (ในที่โล่ง) และแม้กระทั่งสร้างโรงงานในเรือ Degas ทำงานในเวิร์กช็อปจากความทรงจำหรือการใช้รูปถ่าย ต่างจากตัวแทนของขบวนการที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงในเวลาต่อมา ศิลปินไม่ได้ก้าวไปไกลกว่าระบบภาพลวงตา-เชิงพื้นที่ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยอิงจากการใช้มุมมองโดยตรง ยึดมั่นในวิธีการทำงานจากธรรมชาติที่ตนสร้างขึ้นมาอย่างมั่นคงใน หลักการสำคัญความคิดสร้างสรรค์ ศิลปินพยายาม "วาดภาพในสิ่งที่คุณเห็น" และ "อย่างที่คุณเห็น" การใช้วิธีนี้อย่างสม่ำเสมอทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงของฐานรากทั้งหมดของระบบภาพที่มีอยู่: สี องค์ประกอบ โครงสร้างเชิงพื้นที่ สีบริสุทธิ์ถูกนำไปใช้กับผืนผ้าใบในจังหวะเล็ก ๆ แยกกัน: "จุด" หลากสีวางเคียงข้างกันเป็นภาพที่มีสีสันไม่ใช่บนจานสีและไม่ใช่บนผืนผ้าใบ แต่อยู่ในสายตาของผู้ชม อิมเพรสชันนิสต์บรรลุถึงความดังของสีอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน และความสมบูรณ์ของเฉดสีอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน การแปรงฟันกลายเป็นวิธีการแสดงออกที่เป็นอิสระ เติมพื้นผิวของภาพด้วยการสั่นของอนุภาคสีที่ส่องประกายระยิบระยับ ผืนผ้าใบเปรียบเสมือนกระเบื้องโมเสคที่ส่องประกายด้วยสีสันอันล้ำค่า เฉดสีดำ, เทา, น้ำตาลมีอิทธิพลเหนือภาพวาดในอดีต ในผืนผ้าใบของอิมเพรสชั่นนิสต์ สีสันก็ส่องประกายเจิดจ้า อิมเพรสชั่นนิสต์ไม่ได้ใช้ chiaroscuro เพื่อถ่ายทอดปริมาณพวกเขาทิ้งเงาดำเงาในภาพวาดของพวกเขาก็กลายเป็นสีเช่นกัน ศิลปินใช้โทนสีเพิ่มเติมอย่างกว้างขวาง (แดงและเขียวเหลืองและม่วง) ความคมชัดซึ่งเพิ่มความเข้มของสี ในภาพวาดของโมเนต์ สีสันต่างๆ จะจางลงและละลายไปในรัศมีของแสง แสงแดด, สีท้องถิ่นใช้หลายเฉดสี
อิมเพรสชันนิสต์บรรยายภาพโลกรอบตัวในลักษณะที่ไม่สิ้นสุด การเปลี่ยนผ่านจากรัฐหนึ่งไปสู่อีกรัฐหนึ่ง พวกเขาเริ่มวาดภาพชุดหนึ่ง โดยต้องการแสดงให้เห็นว่าลวดลายเดียวกันนั้นเปลี่ยนไปตามช่วงเวลาของวัน แสงไฟ สภาพอากาศ ฯลฯ (จักรยานที่ Boulevard Montmartre โดย C. Pissarro, 1897; Rouen Cathedral, 1893– 95 และ "รัฐสภาลอนดอน", 1903-04, C. Monet) ศิลปินได้ค้นพบวิธีสะท้อนการเคลื่อนไหวของเมฆในภาพวาด (A. Sisley “ Louan in Saint-Mamme”, 1882), การเล่นแสงสะท้อนของแสงแดด (O. Renoir. “Swing”, 1876), ลมกระโชกแรง (C. Monet "Terrace in Sainte-Adresse", 2409), ละอองฝน (G. Caillebotte. "Jer. Effect of rain", 2418), หิมะตก (C. Pissarro. "Opera passage. Snow effect", 2441) วิ่งเร็วของม้า (E. Manet "Races at Longchamp", 2408)
อิมเพรสชันนิสต์พัฒนาหลักการใหม่ในการสร้างองค์ประกอบ ก่อนหน้านี้ พื้นที่ของรูปภาพเปรียบเสมือนเวที ตอนนี้ฉากที่ถ่ายนั้นคล้ายกับสแนปชอต กรอบรูป คิดค้นขึ้นในศตวรรษที่ 19 การถ่ายภาพมีผลกระทบอย่างมากต่อองค์ประกอบของภาพวาดอิมเพรสชันนิสม์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานของ E. Degas ซึ่งตัวเขาเองเป็นช่างภาพที่หลงใหล และในคำพูดของเขาเอง พยายามที่จะนำนักบัลเล่ต์ที่แสดงความประหลาดใจมาให้ดู “ราวกับว่า ผ่านรูกุญแจ” เมื่อโพสท่า ร่างกายดูเป็นธรรมชาติ แสดงออกและเป็นของแท้ การสร้างภาพวาดกลางแจ้ง ความปรารถนาที่จะจับภาพแสงที่เปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วทำให้ศิลปินต้องเร่งงานให้เร็วขึ้น เขียน "alla prima" (ในขั้นตอนเดียว) โดยไม่ต้องร่างภาพเบื้องต้น การแบ่งส่วน "ความสุ่ม" ขององค์ประกอบและลักษณะภาพแบบไดนามิกทำให้เกิดความรู้สึกสดชื่นเป็นพิเศษในภาพวาดของอิมเพรสชันนิสต์
ประเภทอิมเพรสชั่นนิสต์ที่ชื่นชอบคือภูมิทัศน์ ภาพเหมือนยังเป็น "ภูมิทัศน์ของใบหน้า" (O. Renoir, "Portrait of the Actress J. Samary", 1877) นอกจากนี้ ศิลปินยังได้ขยายขอบเขตของวิชาการวาดภาพอย่างมาก โดยหันไปใช้หัวข้อที่ก่อนหน้านี้ถือว่าไม่คู่ควรกับความสนใจ: งานเฉลิมฉลอง, การแข่งม้า, ปิกนิกศิลปะโบฮีเมียน, ชีวิตหลังเวทีของโรงละคร ฯลฯ อย่างไรก็ตาม ภาพวาดของพวกเขาไม่มีโครงเรื่องที่มีรายละเอียด การบรรยายที่มีรายละเอียด; ชีวิตมนุษย์ละลายในธรรมชาติหรือในบรรยากาศของเมือง อิมเพรสชันนิสต์ไม่ได้เขียนเหตุการณ์ แต่เป็นอารมณ์ความรู้สึก ศิลปินปฏิเสธประวัติศาสตร์และ ธีมวรรณกรรม, เลี่ยงการแสดงละคร, ด้านมืดชีวิต (สงคราม ภัยพิบัติ ฯลฯ ) พวกเขาพยายามที่จะปลดปล่อยศิลปะจากการบรรลุภารกิจทางสังคมการเมืองและศีลธรรมจากภาระผูกพันในการประเมินปรากฏการณ์ที่ปรากฎ ศิลปินขับขานความงดงามของโลก โดยสามารถเปลี่ยนรูปแบบในชีวิตประจำวันได้มากที่สุด (การปรับปรุงห้อง, หมอกสีเทาในลอนดอน, ควันรถจักรไอน้ำ ฯลฯ) ให้กลายเป็นปรากฏการณ์ที่น่าหลงใหล (G. Caillebotte. "Parquette", 1875; C . Monet "สถานี Saint-Lazare" , 2420)
ในปี พ.ศ. 2429 นิทรรศการครั้งสุดท้ายของอิมเพรสชั่นนิสต์เกิดขึ้น (O. Renoir และ K. Monet ไม่ได้เข้าร่วม) มาถึงตอนนี้ มีการเปิดเผยความขัดแย้งที่สำคัญระหว่างสมาชิกของกลุ่ม ความเป็นไปได้ของวิธีการอิมเพรสชันนิสต์หมดลงแล้วและศิลปินแต่ละคนก็เริ่มมองหาเส้นทางของตัวเองในงานศิลปะ
อิมเพรสชั่นนิสม์เป็นวิธีการสร้างสรรค์แบบองค์รวมเป็นปรากฏการณ์เด่น ศิลปะฝรั่งเศสอย่างไรก็ตาม ผลงานของอิมเพรสชันนิสต์มีผลกระทบต่อทั้งองค์กร จิตรกรรมยุโรป. ความปรารถนาที่จะปรับปรุงภาษาศิลปะเน้นจานสีแสง เทคนิคการวาดภาพตอนนี้เข้าสู่คลังแสงของศิลปินอย่างแน่นหนา ในประเทศอื่นๆ J. Whistler (อังกฤษและสหรัฐอเมริกา), M. Lieberman, L. Corinth (เยอรมนี), J. Sorolla (สเปน) ใกล้เคียงกับอิมเพรสชั่นนิสม์ ศิลปินชาวรัสเซียหลายคนได้รับอิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสม์ (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar และอื่น ๆ )
นอกจากการวาดภาพแล้ว อิมเพรสชั่นนิสม์ยังเป็นงานของประติมากรบางคน (E. Degas และ O. Rodin ในฝรั่งเศส, M. Rosso ในอิตาลี, P. P. Trubetskoy ในรัสเซีย) ในรูปแบบที่มีชีวิตชีวาของของเหลวที่นุ่มนวลซึ่งสร้างการเล่นที่ซับซ้อน แสงบนพื้นผิวของวัสดุและความรู้สึกไม่สมบูรณ์ของงาน ในช่วงเวลาของการเคลื่อนไหว การพัฒนาจะถูกจับ ในดนตรีความใกล้ชิดกับอิมเพรสชั่นนิสม์พบได้ในผลงานของ C. Debussy ("Sails", "Mists", "Reflections in the Water" เป็นต้น)
คำจำกัดความที่ดี
คำจำกัดความไม่สมบูรณ์ ↓
อิมเพรสชั่นนิสม์ (อิมเพรสชั่นนิสม์ฝรั่งเศสจากความประทับใจ - ความประทับใจ) แนวโน้มในงานศิลปะในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งผู้เชี่ยวชาญแก้ไขความประทับใจที่หายวับไปพยายามจับภาพโลกแห่งความเป็นจริงในความคล่องตัวและเป็นธรรมชาติที่สุด ความแปรปรวน อิมเพรสชั่นนิสม์มีต้นกำเนิดในภาพวาดฝรั่งเศสในช่วงปลายทศวรรษ 1860 Edouard Manet (ซึ่งไม่ได้เป็นสมาชิกกลุ่ม Impressionist อย่างเป็นทางการ), Degas, Renoir, Monet นำความสดและความรวดเร็วมาสู่การรับรู้ถึงชีวิตในงานศิลปะ
ศิลปินชาวฝรั่งเศสหันไปมองภาพสถานการณ์ฉับพลันฉกฉวยจากกระแสแห่งความเป็นจริง ชีวิตฝ่ายวิญญาณของบุคคล ภาพลักษณ์ ความหลงใหลที่แข็งแกร่ง, การสร้างจิตวิญญาณของธรรมชาติ, ความสนใจในอดีตชาติ, ความปรารถนาในศิลปะรูปแบบสังเคราะห์ผสมผสานกับแรงจูงใจของความเศร้าโศกของโลก, ความอยากค้นคว้าและพักผ่อนหย่อนใจของ "เงา", "กลางคืน" จิตวิญญาณมนุษย์ด้วย "ความโรแมนติกประชดประชัน" ที่มีชื่อเสียงซึ่งทำให้คู่รักสามารถเปรียบเทียบและเทียบเคียงความสูงและต่ำได้อย่างน่าเศร้าและการ์ตูนความเป็นจริงและความมหัศจรรย์ ศิลปินอิมเพรสชันนิสต์ใช้ความเป็นจริงที่ไม่เป็นชิ้นเป็นอันของสถานการณ์ ใช้ดูเหมือนไม่สมดุล โครงสร้างประกอบ, มุมที่ไม่คาดคิด, มุมมอง, ชิ้นส่วนของตัวเลข.
ในยุค 1870-1880 ภูมิทัศน์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ของฝรั่งเศสถูกสร้างขึ้น: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley พัฒนาระบบอากาศ plein ที่สอดคล้องกันซึ่งสร้างขึ้นในภาพวาดของพวกเขาด้วยความรู้สึกของแสงแดดที่ส่องประกายความอุดมสมบูรณ์ของสีสันของธรรมชาติการละลาย ในรูปแบบการสั่นของแสงและอากาศ ชื่อของทิศทางมาจากชื่อของภาพวาดโดย Claude Monet "Impression. Rising Sun" ("Impression. Soleil levant"; จัดแสดงในปี 1874 ปัจจุบันอยู่ที่ Musée Marmottan, Paris) การสลายตัวของสีที่ซับซ้อนเป็นองค์ประกอบบริสุทธิ์ ซึ่งซ้อนทับบนผืนผ้าใบในจังหวะที่แยกจากกัน เงาสี การสะท้อน และวาเลรีทำให้เกิดแสงที่ไม่เคยปรากฏมาก่อน การวาดภาพอิมเพรสชันนิสต์สั่นไหว
จิตรกรจากเยอรมนี (M. Lieberman, L. Corinth), USA (J. Whistler), สวีเดน (A.L. Zorn), รัสเซีย (K.A. Korovin, I.E. Grabar ) และอีกหลาย ๆ คนใช้แง่มุมและเทคนิคบางประการของเทรนด์การวาดภาพนี้ โรงเรียนศิลปะแห่งชาติ แนวคิดของอิมเพรสชั่นนิสม์ยังนำไปใช้กับประติมากรรมของยุค 1880-1910 ซึ่งมีลักษณะอิมเพรสชั่นนิสม์ - ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดการเคลื่อนไหวทันทีความลื่นไหลและความนุ่มนวลของรูปแบบการร่างพลาสติก (ผลงานของ O. Rodin รูปปั้นทองสัมฤทธิ์โดย Degas ฯลฯ .) อิมเพรสชั่นนิสม์ใน ศิลปกรรมมีอิทธิพลต่อการพัฒนาวิธีการแสดงออกทางวรรณกรรมร่วมสมัย ดนตรี ละครเวที ในการโต้ตอบและการโต้เถียงกับระบบภาพของสไตล์นี้ใน วัฒนธรรมทางศิลปะในฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ลัทธินีโออิมเพรสชันนิสม์และลัทธิหลังอิมเพรสชันนิสม์ได้เกิดขึ้น
นีโออิมเพรสชันนิสม์(ภาษาฝรั่งเศส neo-impressionnisme) - กระแสในการวาดภาพที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสเมื่อราวปี พ.ศ. 2428 เมื่อปรมาจารย์หลัก J. Seurat และ P. Signac ได้พัฒนารูปแบบใหม่ เทคนิคการวาดภาพการแบ่งแยก นีโออิมเพรสชันนิสต์ชาวฝรั่งเศสและผู้ติดตามของพวกเขา (T. van Reiselberge ในเบลเยียม, G. Segantini ในอิตาลีและอื่น ๆ ) พัฒนาแนวโน้มของอิมเพรสชั่นนิสม์ตอนปลายพยายามนำไปใช้กับงานศิลปะ การค้นพบที่ทันสมัยในด้านทัศนศาสตร์ ให้ลักษณะเฉพาะของวิธีการสลายโทนสีให้เป็นสีบริสุทธิ์ ในเวลาเดียวกัน พวกเขาเอาชนะการสุ่ม การกระจายตัวขององค์ประกอบอิมเพรสชันนิสม์ หันไปใช้โซลูชันการตกแต่งแบบเรียบในภูมิประเทศและภาพวาดบนแผงที่มีหลายส่วน
โพสต์อิมเพรสชันนิสม์(จาก lat. โพสต์ - หลังและอิมเพรสชั่นนิสม์) - ชื่อรวมของแนวโน้มหลักในการวาดภาพฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1880 ปรมาจารย์หลังยุคอิมเพรสชันนิสม์ได้มองหาสิ่งใหม่ๆ หมายถึงการแสดงออกสามารถเอาชนะประสบการณ์เชิงประจักษ์ของการคิดเชิงศิลปะและอนุญาตให้เราเปลี่ยนจากการตรึงความประทับใจในช่วงเวลาแต่ละช่วงของชีวิตไปเป็นศูนย์รวมของสถานะระยะยาว วัตถุ และค่าคงที่ทางจิตวิญญาณ ช่วงเวลาของโพสต์อิมเพรสชันนิสม์นั้นโดดเด่นด้วยปฏิสัมพันธ์เชิงรุกของแนวโน้มส่วนบุคคลและระบบสร้างสรรค์ของแต่ละบุคคล ลัทธิโพสต์อิมเพรสชันนิสม์มักจัดอยู่ในอันดับผลงานของปรมาจารย์แนวนีโออิมเพรสชันนิสม์ กลุ่มนาบิส เช่นเดียวกับวี. ฟาน โคห์, พี. เซซาน, พี. โกแกง
ข้อมูลอ้างอิงและชีวประวัติของ "Planet Small Bay Painting Gallery" จัดทำขึ้นโดยใช้วัสดุของ "History of Foreign Art" (แก้ไขโดย M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), "Art Encyclopedia of Foreign Classical Art", "Great สารานุกรมรัสเซีย".
คำว่า "อิมเพรสชั่นนิสม์" มาจากภาษาฝรั่งเศส "อิมเพรสชั่น" - อิมเพรสชั่น นี่คือทิศทางของการวาดภาพที่มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสในทศวรรษที่ 1860 และกำหนดพัฒนาการของศิลปะในศตวรรษที่ 19 เป็นส่วนใหญ่ บุคคลสำคัญของแนวโน้มนี้คือ Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir และ Sisley และการมีส่วนร่วมของพวกเขาในการพัฒนานั้นมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว อิมเพรสชันนิสต์ต่อต้านอนุสัญญาของลัทธิคลาสสิคนิยม แนวโรแมนติก และวิชาการ ยืนยันความงามของความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน เรียบง่าย แรงจูงใจในระบอบประชาธิปไตย บรรลุความเป็นจริงที่มีชีวิตชีวาของภาพ พยายามจับภาพ "ความประทับใจ" ของสิ่งที่ตาเห็นในช่วงเวลาหนึ่งโดยไม่ต้อง เน้นการวาดรายละเอียดเฉพาะ
ในฤดูใบไม้ผลิของปี 2417 กลุ่มจิตรกรรุ่นเยาว์รวมถึง Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Degas, Cezanne และ Berthe Morisot ละเลย Salon อย่างเป็นทางการและจัดนิทรรศการของตนเอง การกระทำดังกล่าวเป็นการปฏิวัติและพังทลายด้วยรากฐานที่เก่าแก่ ในขณะที่ภาพวาดของศิลปินเหล่านี้ในแวบแรกดูเป็นปฏิปักษ์ต่อประเพณีมากกว่า ปฏิกิริยาต่อนวัตกรรมนี้จากผู้เข้าชมและนักวิจารณ์ไม่ได้เป็นมิตร พวกเขากล่าวหาว่าศิลปินเขียนเพียงเพื่อดึงดูดความสนใจของสาธารณชนและไม่ใช่ในลักษณะที่อาจารย์ที่รู้จักทำ คนที่ดูถูกที่สุดถือว่างานของพวกเขาเป็นการเยาะเย้ยเป็นความพยายามที่จะเล่นกลกับคนซื่อสัตย์ ต้องใช้เวลาหลายปีของการต่อสู้ที่ดุเดือดก่อนหน้าเหล่านี้ซึ่งต่อมาได้รับการยอมรับว่าภาพวาดคลาสสิกสามารถโน้มน้าวใจสาธารณชนได้ไม่เพียง แต่ความจริงใจเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสามารถของพวกเขาด้วย
อิมเพรสชันนิสต์พยายามแสดงความประทับใจต่อสิ่งต่าง ๆ ในทันทีอย่างแม่นยำที่สุดเท่าที่จะทำได้ อิมเพรสชันนิสต์จึงสร้างวิธีการทาสีใหม่ สาระสำคัญของมันคือการแสดงความรู้สึกภายนอกของแสง เงา ปฏิกิริยาตอบสนองบนพื้นผิวของวัตถุด้วยจังหวะที่แยกจากกันของสีบริสุทธิ์ ซึ่งมองเห็นละลายรูปแบบในสภาพแวดล้อมที่มีแสงโดยรอบ ในแนวเพลงที่พวกเขาชื่นชอบ (ทิวทัศน์ ภาพบุคคล การจัดองค์ประกอบหลายร่าง) พวกเขาพยายามถ่ายทอดความประทับใจชั่วพริบตาที่มีต่อโลกรอบตัวพวกเขา (ฉากบนท้องถนน ในร้านกาแฟ ภาพสเก็ตช์การเดินในวันอาทิตย์ เป็นต้น) The Impressionists พรรณนาชีวิตที่เต็มไปด้วยกวีธรรมชาติที่ซึ่งบุคคลอยู่ในความสามัคคีกับ สิ่งแวดล้อมที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลาโดดเด่นด้วยความอุดมสมบูรณ์และเป็นประกายของความบริสุทธิ์ สีสว่าง.
หลังจากการจัดแสดงนิทรรศการครั้งแรกในปารีส ศิลปินเหล่านี้เริ่มถูกเรียกว่าอิมเพรสชันนิสต์ จากคำภาษาฝรั่งเศส "impression" - "impression" คำนี้เหมาะสำหรับงานของพวกเขาเพราะในตัวพวกเขาศิลปินถ่ายทอดความประทับใจโดยตรงต่อสิ่งที่พวกเขาเห็น ศิลปินเข้าหาภาพลักษณ์ของโลกในรูปแบบใหม่ ธีมหลักสำหรับพวกเขากลายเป็นแสงและอากาศที่สั่นสะเทือนซึ่งผู้คนและวัตถุแช่อยู่เหมือนเดิม ในภาพวาดของพวกเขา เราสัมผัสได้ถึงลม ดินที่ชื้นและอบอุ่นจากแสงแดด พวกเขาพยายามแสดงสีสันอันน่าทึ่งในธรรมชาติ อิมเพรสชั่นนิสม์เป็นขบวนการศิลปะที่สำคัญครั้งสุดท้ายใน ฝรั่งเศส XIXศตวรรษ.
นี่ไม่ได้หมายความว่าเส้นทางของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์นั้นง่าย ในตอนแรกพวกเขาไม่เป็นที่รู้จัก ภาพวาดของพวกเขาหนาและผิดปกติเกินไป พวกเขาถูกหัวเราะเยาะ ไม่มีใครอยากซื้อภาพวาดของพวกเขา แต่พวกเขาก็ดื้อรั้นไปตามทางของตัวเอง ความยากจนและความหิวโหยไม่สามารถบังคับให้พวกเขาละทิ้งความเชื่อได้ หลายปีผ่านไป จิตรกรอิมเพรสชันนิสต์หลายคนไม่มีชีวิตอีกต่อไปเมื่อผลงานของพวกเขาได้รับการยอมรับในที่สุด
ทั้งหมดนี้เป็นอย่างมาก ศิลปินที่แตกต่างกันปึกแผ่นโดยการต่อสู้ร่วมกันกับอนุรักษ์นิยมและวิชาการในงานศิลปะ The Impressionists จัดนิทรรศการแปดครั้ง ครั้งสุดท้ายในปี 1886 นี่เป็นการสิ้นสุดประวัติศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ในฐานะกระแสในการวาดภาพหลังจากนั้นศิลปินแต่ละคนก็ไปตามทางของตัวเอง
หนึ่งในภาพวาดที่นำเสนอในนิทรรศการครั้งแรกของ "อิสระ" ตามที่ศิลปินต้องการเรียกตัวเองว่าเป็นของ Claude Monet และถูกเรียกว่า "Impression พระอาทิตย์ขึ้น". ในการวิจารณ์หนังสือพิมพ์ของนิทรรศการที่ปรากฏในวันรุ่งขึ้น นักวิจารณ์ L. Leroy เยาะเย้ยทุกวิถีทางที่ทำได้โดยขาด "ความเป็นทางการ" ในภาพวาด กระแทกคำว่า "ความประทับใจ" ในทุก ๆ ด้านราวกับเปลี่ยนศิลปะที่แท้จริง ในผลงานของศิลปินรุ่นเยาว์ คำใหม่ซึ่งกล่าวด้วยความเย้ยหยันขัดต่อความคาดหวังได้หยั่งรากและทำหน้าที่เป็นชื่อของการเคลื่อนไหวทั้งหมด เพราะมันแสดงออกถึงสิ่งทั่วไปที่รวมผู้เข้าร่วมทั้งหมดในนิทรรศการได้อย่างสมบูรณ์แบบ - ประสบการณ์ส่วนตัวของสี แสง พื้นที่ ศิลปินพยายามปลดปล่อยตัวเองจากกฎเกณฑ์เดิมๆ และสร้างวิธีการทาสีแบบใหม่
อิมเพรสชันนิสม์หยิบยก หลักการของตัวเองการรับรู้และการแสดงของโลกรอบข้าง พวกเขาลบเส้นแบ่งระหว่างวิชาหลักที่คู่ควร ศิลปะชั้นสูงและวัตถุทุติยภูมิ กำหนดเป็นเส้นตรงและ ข้อเสนอแนะ. วิธีการอิมเพรสชั่นนิสม์จึงกลายเป็นการแสดงออกสูงสุดของหลักการการวาดภาพ แนวทางการถ่ายภาพในภาพถ่ายนั้นเกี่ยวข้องกับการระบุความสัมพันธ์ของตัวแบบกับโลกรอบตัว วิธีการใหม่บังคับให้ผู้ชมถอดรหัสความผันผวนของโครงเรื่องไม่มากเท่ากับความลับของภาพวาด
สาระสำคัญของการมองเห็นแบบอิมเพรสชั่นนิสม์ของธรรมชาติและภาพลักษณ์อยู่ในความอ่อนแอของการรับรู้เชิงวิเคราะห์ที่กระตือรือร้น พื้นที่สามมิติและลดขนาดเป็นผืนผ้าใบสองมิติดั้งเดิมซึ่งกำหนดโดยการตั้งค่าการมองเห็นในระนาบในคำพูดของ A. Hildebrand "มองธรรมชาติในระยะไกล" ซึ่งนำไปสู่การเบี่ยงเบนความสนใจของวัตถุที่พรรณนาจากคุณสมบัติทางวัตถุการรวมเข้าด้วยกัน กับสิ่งแวดล้อมเกือบหมดกลายเป็น "รูปลักษณ์" รูปลักษณ์ที่ละลายในแสงและอากาศ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ P. Cezanne เรียกผู้นำของอิมเพรสชันนิสต์ชาวฝรั่งเศส Claude Monet ในภายหลังว่า "เพียงตาเดียว" "การแยกออก" ของการรับรู้ภาพยังนำไปสู่การปราบปรามของ "สีของหน่วยความจำ" นั่นคือการเชื่อมต่อของสีกับการนำเสนอและการเชื่อมโยงของวัตถุตามปกติตามที่ท้องฟ้าเป็นสีฟ้าเสมอและหญ้าเป็นสีเขียว อิมเพรสชันนิสต์สามารถทาสีท้องฟ้าเป็นสีเขียวและหญ้าเป็นสีฟ้าได้ ขึ้นอยู่กับวิสัยทัศน์ของพวกเขา "ความเป็นไปได้ตามวัตถุประสงค์" ถูกเสียสละเพื่อกฎแห่งการรับรู้ทางสายตา ตัวอย่างเช่น เจ สูรัตบอกทุกคนอย่างกระตือรือร้นว่าเขาค้นพบว่าทรายชายฝั่งสีส้มในที่ร่มเป็นสีฟ้าสดใส ดังนั้นหลักการของการรับรู้ที่ตัดกันของสีที่เสริมกันจึงถูกวางไว้บนพื้นฐานของวิธีการแสดงภาพ
สำหรับศิลปินอิมเพรสชันนิสม์ ส่วนใหญ่แล้ว สิ่งที่เขาแสดงให้เห็นนั้นไม่สำคัญ แต่ "วิธีการ" นั้นสำคัญ วัตถุกลายเป็นเพียงโอกาสสำหรับการแก้ไขงาน "ภาพ" ล้วนๆ ดังนั้นอิมเพรสชั่นนิสม์จึงมีชื่ออื่นที่ถูกลืมในภายหลัง - "chromantism" (จาก Greek Chroma - สี) อิมเพรสชันนิสต์อัปเดตสี พวกเขาละทิ้งสีเข้ม สีเอิร์ธโทน และทาสีสเปกตรัมบริสุทธิ์บนผืนผ้าใบ โดยแทบไม่ต้องผสมสีเหล่านี้บนจานสีก่อน ความเป็นธรรมชาติของอิมเพรสชั่นนิสม์ประกอบด้วยความจริงที่ว่าสิ่งธรรมดาที่ไม่น่าสนใจและธรรมดาที่สุดกลายเป็นความสวยงามทันทีที่ศิลปินเห็นความแตกต่างเล็กน้อยของสีเทาและสีน้ำเงินที่นั่น
ลักษณะเฉพาะของวิธีการสร้างสรรค์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ที่สั้นและสั้น ท้ายที่สุด มีเพียงการศึกษาสั้นๆ เท่านั้นที่ทำให้สามารถบันทึกสภาวะธรรมชาติแต่ละอย่างได้อย่างแม่นยำ อิมเพรสชันนิสต์เป็นคนแรกที่ทำลายหลักการดั้งเดิมของการวาดภาพเชิงพื้นที่ย้อนหลังไปถึงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและบาโรก พวกเขาใช้องค์ประกอบที่ไม่สมมาตรเพื่อเน้นสิ่งที่พวกเขาสนใจได้ดีขึ้น นักแสดงและรายการ แต่ความขัดแย้งก็คือการละทิ้งความเป็นธรรมชาติของศิลปะเชิงวิชาการ ทำลายศีล และประกาศคุณค่าทางสุนทรียะของการแก้ไขทุกสิ่งที่หายวับไปโดยบังเอิญ พวกอิมเพรสชันนิสต์ยังคงยึดติดอยู่กับความคิดที่เป็นธรรมชาติ และยิ่งกว่านั้น ในหลาย ๆ ด้านมันก็ถอยหลังไปหนึ่งก้าว . เราสามารถจำคำพูดของ O. Spengler ได้ว่า "ภูมิทัศน์ของ Rembrandt อยู่ที่ไหนสักแห่งในพื้นที่ที่ไม่มีที่สิ้นสุดของโลกในขณะที่ภูมิทัศน์ของ Claude Monet อยู่ใกล้กับสถานีรถไฟ"
ทุกสิ่งทุกอย่างมีต้นกำเนิดมาจากที่ใดที่หนึ่งในอดีต รวมทั้งภาพวาดที่เปลี่ยนไปตามยุคสมัย และแนวโน้มในปัจจุบันก็ยังไม่ชัดเจนสำหรับทุกคน แต่สิ่งใหม่ๆ ล้วนเป็นสิ่งเก่าที่ถูกลืมเลือน และเพื่อที่จะเข้าใจภาพวาดของวันนี้ คุณไม่จำเป็นต้องรู้ประวัติศาสตร์ของศิลปะตั้งแต่สมัยโบราณ คุณเพียงแค่ต้องจำไว้ ภาพวาดXIXและศตวรรษที่ XX
กลางศตวรรษที่ 19 เป็นช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงไม่เพียงแต่ในประวัติศาสตร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงในงานศิลปะด้วย ทุกอย่างที่เคยเป็นมา: ความคลาสสิค ความโรแมนติก และความเป็นวิชาการมากกว่านั้น - กระแสถูกจำกัดด้วยข้อจำกัดบางอย่าง ในฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษ 1950 และ 1960 ร้านเสริมสวยอย่างเป็นทางการเป็นผู้กำหนดแนวโน้มในการวาดภาพ แต่งานศิลปะ "ร้านทำผม" ทั่วไปไม่เหมาะกับทุกคน และนี่เป็นการอธิบายแนวโน้มใหม่ที่เกิดขึ้น ในภาพเขียนในสมัยนั้นเกิดการระเบิดขึ้นใหม่ ซึ่งขัดกับขนบธรรมเนียมและฐานรากที่มีอายุหลายศตวรรษ และหนึ่งในศูนย์กลางของแผ่นดินไหวคือปารีสซึ่งในฤดูใบไม้ผลิของปี 2417 จิตรกรรุ่นเยาว์ ได้แก่ Monet, Pissarro, Sisley, Degas, Renoir และ Cezanne ได้จัดนิทรรศการของตนเอง ผลงานที่นำเสนอมีความแตกต่างจากงานซาลอนอย่างสิ้นเชิง ศิลปินใช้วิธีการที่แตกต่างกัน - สะท้อน เงา และแสงถูกถ่ายทอดด้วยสีที่บริสุทธิ์ แยกจังหวะ รูปร่างของวัตถุแต่ละชิ้นดูเหมือนจะละลายในสภาพแวดล้อมของแสงในอากาศ ไม่มีทิศทางอื่นใดในการวาดภาพที่รู้วิธีการดังกล่าว เอฟเฟกต์เหล่านี้ช่วยแสดงความประทับใจต่อสิ่งต่าง ๆ ธรรมชาติและผู้คนให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ นักข่าวคนหนึ่งเรียกกลุ่มนี้ว่า "อิมเพรสชั่นนิสต์" ดังนั้นเขาจึงต้องการแสดงความรังเกียจต่อศิลปินรุ่นเยาว์ แต่พวกเขายอมรับคำนี้ และในที่สุดก็หยั่งรากและเข้าสู่การใช้งานอย่างแข็งขัน โดยสูญเสียความหมายเชิงลบไป นี่คือลักษณะที่ปรากฏของอิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่งแตกต่างจากแนวโน้มอื่น ๆ ในการวาดภาพของศตวรรษที่ 19
ในตอนแรก ปฏิกิริยาต่อนวัตกรรมนี้มากกว่าที่จะเป็นศัตรู กล้าหาญเกินไปและ ภาพวาดใหม่ไม่มีใครอยากซื้อและพวกเขาก็กลัวเพราะนักวิจารณ์ทุกคนไม่ได้ให้ความสำคัญกับอิมเพรสชั่นนิสต์อย่างจริงจังพวกเขาจึงหัวเราะเยาะพวกเขา หลายคนกล่าวว่าศิลปินอิมเพรสชันนิสต์ต้องการบรรลุชื่อเสียงอย่างรวดเร็ว พวกเขาไม่พอใจกับการหยุดชะงักของนักอนุรักษ์นิยมและวิชาการตลอดจนรูปลักษณ์ที่ยังไม่เสร็จและ "เลอะเทอะ" ของงาน แต่ถึงกระนั้นความหิวโหยและความยากจนก็ไม่สามารถบังคับให้ศิลปินละทิ้งความเชื่อของพวกเขาได้ และพวกเขาก็ยังยืนกรานจนกว่าภาพวาดของพวกเขาจะได้รับการยอมรับในที่สุด แต่มันใช้เวลานานเกินไปที่จะรอการจดจำ ศิลปินอิมเพรสชันนิสต์บางคนไม่มีชีวิตอยู่อีกต่อไปแล้ว
เป็นผลให้แนวโน้มที่เกิดขึ้นในปารีสในยุค 60 มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาศิลปะโลกในศตวรรษที่ 19 และ 20 ท้ายที่สุดแล้วแนวโน้มการวาดภาพในอนาคตก็ถูกขับไล่ออกจากอิมเพรสชั่นนิสม์อย่างแม่นยำ แต่ละสไตล์ที่ตามมาปรากฏขึ้นเพื่อค้นหารูปแบบใหม่ Post-Impressionism เกิดจากอิมเพรสชั่นนิสต์คนเดียวกับที่ตัดสินใจว่าวิธีการของพวกเขาถูก จำกัด: สัญลักษณ์ที่ลึกและคลุมเครือเป็นการตอบสนองต่อภาพวาดที่ "สูญเสียความหมาย" และ Art Nouveau แม้จะมีชื่อเรียกใหม่ แน่นอน การเปลี่ยนแปลงหลายอย่างเกิดขึ้นในงานศิลปะตั้งแต่ปี 1874 แต่แนวโน้มในการวาดภาพสมัยใหม่ทั้งหมดกลับถูกขับไล่ด้วยความประทับใจที่หายวับไปของปารีส
อิมเพรสชั่นนิสม์เป็นขบวนการศิลปะที่เกิดขึ้นในยุค 70 ศตวรรษที่ XIX ในภาพวาดฝรั่งเศสแล้วปรากฏในดนตรีวรรณกรรมโรงละคร
อิมเพรสชั่นนิสม์ในการวาดภาพเริ่มเป็นรูปเป็นร่างมานานแล้ว นิทรรศการที่มีชื่อเสียงพ.ศ. 2417 Edouard Manet ถือเป็นผู้ก่อตั้งอิมเพรสชันนิสต์ตามธรรมเนียม เขาได้รับแรงบันดาลใจอย่างมากจากผลงานคลาสสิกของทิเชียน แรมแบรนดท์ รูเบนส์ และเวลาซเกซ Manet แสดงวิสัยทัศน์ของเขาเกี่ยวกับภาพบนผืนผ้าใบของเขา โดยเพิ่มจังหวะ "สั่น" ที่สร้างเอฟเฟกต์ของความไม่สมบูรณ์ ในปี พ.ศ. 2406 มาเนต์ได้ก่อตั้ง "โอลิมเปีย" ซึ่งก่อให้เกิด เรื่องอื้อฉาวใหญ่ในสังคมวัฒนธรรม
เมื่อมองแวบแรก รูปภาพถูกสร้างขึ้นตามหลักการดั้งเดิม แต่ในขณะเดียวกัน มันก็มีแนวโน้มที่เป็นนวัตกรรมอยู่แล้ว มีการเขียนบทวิจารณ์เกี่ยวกับโอลิมเปียประมาณ 87 รายการในสิ่งพิมพ์ต่างๆ ของปารีส คำวิจารณ์เชิงลบมากมายเกิดขึ้นกับเธอ - ศิลปินถูกกล่าวหาว่าหยาบคาย และมีเพียงไม่กี่บทความเท่านั้นที่สามารถเรียกได้ว่ามีเมตตา
Manet ในงานของเขาใช้เทคนิคการซ้อนสีชั้นเดียวซึ่งสร้างเอฟเฟกต์ของจุด ต่อจากนั้น วิธีการเคลือบสีนี้ถูกใช้โดยศิลปินอิมเพรสชันนิสม์เพื่อใช้เป็นพื้นฐานสำหรับภาพบนภาพวาด
ลักษณะเด่นของอิมเพรสชั่นนิสม์คือการตรึงความประทับใจชั่วขณะ ในลักษณะพิเศษของการสร้างสภาพแวดล้อมแสงด้วยความช่วยเหลือของโมเสคที่ซับซ้อนของสีบริสุทธิ์ จังหวะการตกแต่งคร่าวๆ
เป็นที่สงสัยว่าในช่วงเริ่มต้นของการค้นหา ศิลปินใช้เครื่องวัดไซยาโนมิเตอร์ ซึ่งเป็นเครื่องมือในการกำหนดสีน้ำเงินของท้องฟ้า สีดำไม่รวมอยู่ในจานสี แต่ถูกแทนที่ด้วยเฉดสีอื่น ๆ ซึ่งทำให้ไม่สามารถทำลายอารมณ์แดดของภาพวาดได้
The Impressionists มุ่งเน้นไปที่ล่าสุด การค้นพบทางวิทยาศาสตร์ของเวลาของเขา ทฤษฎีสีของเชฟเรลและเฮล์มโฮลทซ์สรุปได้ดังนี้: แสงตะวันถูกแบ่งออกเป็นสีของส่วนประกอบ และด้วยเหตุนี้ สีสองสีที่วางบนผืนผ้าใบจะช่วยเพิ่มเอฟเฟกต์ภาพ และเมื่อสีผสมกัน พวกเขาจะสูญเสียความเข้มของสี
สุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ได้ก่อตัวขึ้นส่วนหนึ่งเป็นความพยายามที่จะปลดปล่อยตนเองจากอนุสัญญาของลัทธิคลาสสิคนิยมในงานศิลปะตลอดจนจากสัญลักษณ์ที่คงอยู่และความรอบคอบของการวาดภาพโรแมนติกตอนปลายซึ่งเชื้อเชิญให้ทุกคนเห็นความคิดที่เข้ารหัสซึ่งจำเป็นต้องตีความอย่างรอบคอบ . ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ไม่ได้อ้างว่าเป็นเพียงความงามของความเป็นจริงในชีวิตประจำวันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการตรึงบรรยากาศที่มีสีสันโดยไม่ต้องให้รายละเอียดหรือตีความ พรรณนาให้โลกเห็นว่าเป็นปรากฏการณ์ทางแสงที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลา
ศิลปินอิมเพรสชันนิสต์ได้พัฒนาระบบอากาศบริสุทธิ์แบบสมบูรณ์ บรรพบุรุษของสิ่งนี้ คุณสมบัติโวหารเป็นจิตรกรภูมิทัศน์ที่มาจากโรงเรียน Barbizon ซึ่งเป็นตัวแทนของ Camille Corot และ John Constable
ทำงาน ลานให้ โอกาสมากขึ้นจับภาพการเปลี่ยนแปลงสีเพียงเล็กน้อยใน ต่างเวลาวัน
Claude Monet สร้างภาพวาดหลายชุดในหัวข้อเดียวกัน เช่น "มหาวิหาร Rouen" (ชุดภาพวาด 50 ภาพ) "Hacks" (ชุดภาพวาด 15 ภาพ) "Pond with water lilies" เป็นต้น ตัวบ่งชี้หลัก ในชุดเหล่านี้มีการเปลี่ยนแปลงของแสงและสีในภาพของวัตถุเดียวกันซึ่งเขียนในเวลาที่ต่างกันของวัน
ความสำเร็จอีกประการหนึ่งของอิมเพรสชันนิสม์คือการพัฒนาระบบการวาดภาพแบบดั้งเดิม โดยที่โทนสีที่ซับซ้อนจะถูกย่อยสลายเป็นสีบริสุทธิ์ที่ถ่ายทอดโดยจังหวะที่แยกจากกัน ศิลปินไม่ได้ผสมสีบนจานสี แต่ต้องการใช้ลายเส้นบนผืนผ้าใบโดยตรง เทคนิคนี้ทำให้ภาพวาดมีความกังวลใจ ความแปรปรวน และโล่งใจเป็นพิเศษ ผลงานของศิลปินเต็มไปด้วยสีสันและแสง
นิทรรศการเมื่อวันที่ 15 เมษายน พ.ศ. 2417 ที่ปารีสเป็นผลมาจากช่วงเวลาของการก่อตัวและการนำเสนอต่อสาธารณชนทั่วไปเกี่ยวกับเทรนด์ใหม่ นิทรรศการถูกนำไปใช้ในสตูดิโอของช่างภาพ Felix Nadar บนถนน Boulevard des Capucines
ชื่อ "อิมเพรสชั่นนิสม์" เกิดขึ้นหลังจากนิทรรศการซึ่งมีภาพวาดของโมเนต์ "อิมเพรสชั่น" พระอาทิตย์ขึ้น". นักวิจารณ์ L. Leroy ในการทบทวน Sharivari ได้ให้คำอธิบายที่สนุกสนานของนิทรรศการปี 1874 โดยอ้างถึงงานของ Monet เป็นตัวอย่าง นักวิจารณ์อีกคนหนึ่งคือ Maurice Denis ตำหนิพวกอิมเพรสชันนิสต์เพราะขาดบุคลิกลักษณะ ความรู้สึก และบทกวี
ศิลปินประมาณ 30 คนแสดงผลงานของพวกเขาในนิทรรศการครั้งแรก มันมากที่สุด จำนวนมากของเมื่อเทียบกับนิทรรศการที่ตามมาจนถึง พ.ศ. 2429
พูดไม่ได้ ข้อเสนอแนะในเชิงบวกจากสังคมรัสเซีย ศิลปินชาวรัสเซียและนักวิจารณ์ประชาธิปไตยมักสนใจ ชีวิตศิลปะฝรั่งเศส - I. V. Kramskoy, I. E. Repin และ V. V. Stasov - ชื่นชมความสำเร็จของ Impressionists จากนิทรรศการครั้งแรก
เวทีใหม่ในประวัติศาสตร์ศิลปะซึ่งเริ่มต้นด้วยนิทรรศการในปี พ.ศ. 2417 ไม่ใช่แนวโน้มการปฏิวัติอย่างฉับพลัน แต่เป็นจุดสูงสุดของการพัฒนาที่ช้าและสม่ำเสมอ
แม้ว่าที่จริงแล้วบรรดาปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในอดีตล้วนมีส่วนในการพัฒนาหลักการของอิมเพรสชันนิสม์ แต่รากเหง้าของกระแสในปัจจุบันสามารถพบได้ง่ายที่สุดในช่วงยี่สิบปีก่อนการจัดนิทรรศการประวัติศาสตร์
ควบคู่ไปกับการจัดนิทรรศการในซาลอน การจัดนิทรรศการอิมเพรสชันนิสต์กำลังได้รับแรงผลักดัน ผลงานของพวกเขาแสดงให้เห็นถึงแนวโน้มใหม่ในการวาดภาพ นี่เป็นการประณามวัฒนธรรมร้านเสริมสวยและประเพณีการจัดนิทรรศการ ในอนาคตศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์สามารถดึงดูดผู้ชื่นชอบเทรนด์ศิลปะใหม่ ๆ มาเคียงข้างพวกเขา
ความรู้เชิงทฤษฎีและการกำหนดรูปแบบของอิมเพรสชั่นนิสม์เริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นค่อนข้างช้า ศิลปินชอบการฝึกฝนและการทดลองแสงและสีของตัวเองมากกว่า อิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาพสะท้อนมรดกของความสมจริง มันแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงการต่อต้านเชิงวิชาการ การต่อต้านร้านเสริมสวย และการติดตั้งภาพของความเป็นจริงโดยรอบของเวลานั้น นักวิจัยบางคนสังเกตว่าอิมเพรสชันนิสม์ได้กลายเป็นหน่อพิเศษของความสมจริง
ในศิลปะอิมเพรสชันนิสม์อย่างไม่ต้องสงสัยในทุก ๆ การเคลื่อนไหวทางศิลปะเกิดขึ้นในช่วงเวลาแห่งการแตกสลายและวิกฤตของขนบธรรมเนียมประเพณีเก่า ถูกพันเข้าด้วยกัน เพื่อความสมบูรณ์ภายนอกทั้งหมด แนวโน้มที่หลากหลายและแม้กระทั่งที่ขัดแย้งกัน
ลักษณะสำคัญอยู่ในธีมของผลงานของศิลปินในความหมาย การแสดงออกทางศิลปะ. หนังสือของ Irina Vladimirova เกี่ยวกับอิมเพรสชั่นนิสต์ประกอบด้วยหลายบท: "ทิวทัศน์ ธรรมชาติ ความประทับใจ", "เมือง, สถานที่นัดพบและการแยกจากกัน", "งานอดิเรกเป็นวิถีชีวิต", "ผู้คนและตัวละคร", "ภาพเหมือนและภาพเหมือนตนเอง" , "ยังมีชีวิตอยู่". นอกจากนี้ยังอธิบายถึงประวัติความเป็นมาของการสร้างและที่ตั้งของแต่ละงาน
ในช่วงรุ่งเรืองของอิมเพรสชั่นนิสม์ ศิลปินพบความสมดุลที่กลมกลืนกันระหว่างความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์และการรับรู้ ศิลปินพยายามจับภาพทุกรังสีของแสง การเคลื่อนไหวของสายลม การเปลี่ยนแปลงของธรรมชาติ เพื่อรักษาความสดของภาพวาด อิมเพรสชันนิสต์ได้สร้างระบบภาพต้นฉบับ ซึ่งต่อมากลายเป็นสิ่งสำคัญมากสำหรับการพัฒนางานศิลปะในอนาคต ทั้งๆที่มี แนวโน้มทั่วไปทิศทางของการวาดภาพ ศิลปินแต่ละคนพบเส้นทางที่สร้างสรรค์ของตนเองและประเภทหลักในการวาดภาพ
อิมเพรสชันนิสม์คลาสสิกนำเสนอโดยศิลปินเช่น Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Bazille, Berthe Morisot, Edgar Degas
พิจารณาการมีส่วนร่วมของศิลปินบางคนในการสร้างอิมเพรสชั่นนิสม์
เอดูอาร์ด มาเนต์ (1832-1883)
Manet ได้รับบทเรียนการวาดภาพครั้งแรกจาก T. Couture โดยที่ศิลปินในอนาคตได้รับทักษะทางวิชาชีพที่จำเป็นมากมาย เนื่องจากครูขาดความเอาใจใส่ต่อนักเรียนอย่างเหมาะสม Manet จึงลาออกจากห้องทำงานของอาจารย์และไปศึกษาด้วยตนเอง เขาไปเยี่ยมชมนิทรรศการในพิพิธภัณฑ์ การสร้างสรรค์ของเขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากปรมาจารย์ในสมัยก่อน โดยเฉพาะชาวสเปน
ในยุค 1860 Manet เขียนผลงานสองชิ้นที่แสดงหลักการพื้นฐานของรูปแบบศิลปะของเขา Lola จากวาเลนเซีย (1862) และ The Flutist (1866) แสดงให้เห็นว่า Manet เป็นศิลปินที่เปิดเผยลักษณะของนางแบบผ่านการเรนเดอร์สี
ความคิดของเขาเกี่ยวกับเทคนิคการแปรงพู่กันและทัศนคติต่อสีนั้นถูกนำมาใช้โดยจิตรกรอิมเพรสชันนิสต์คนอื่นๆ ในช่วงทศวรรษที่ 1870 Manet ได้ใกล้ชิดกับผู้ติดตามของเขาและทำงานโดยไม่มีสีดำบนจานสี การถือกำเนิดของอิมเพรสชั่นนิสม์เป็นผลมาจากวิวัฒนาการเชิงสร้างสรรค์ของมาเนต์เอง ภาพวาดที่น่าประทับใจที่สุดของ Manet ได้แก่ In a Boat (1874) และ Claude Monet in a Boat (1874)
มาเน่ยังวาดภาพเหมือนต่างๆ มากมาย สตรีฆราวาส, ดารา, นางแบบ, ผู้หญิงสวย. ในแต่ละภาพบุคคล ถ่ายทอดเอกลักษณ์และเอกลักษณ์ของนางแบบ
ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Manet เขียนหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของเขา - "Bar Folies-Bergere" (1881-1882) ภาพนี้รวมหลายประเภทพร้อมกัน: ภาพเหมือน, ชีวิต, ฉากในประเทศ
N. N. Kalitina เขียนว่า:“ ความมหัศจรรย์ของศิลปะของ Manet นั้นทำให้หญิงสาวต่อต้านสิ่งแวดล้อมด้วยอารมณ์ของเธอที่เปิดเผยอย่างชัดเจนและในขณะเดียวกันก็เป็นส่วนหนึ่งเพราะพื้นหลังทั้งหมดเดาอย่างคลุมเครือไม่แน่นอนกระวนกระวายใจ แก้ไขด้วยโทนสีน้ำเงิน-ดำ น้ำเงิน-ขาว และเหลือง
คลอดด์ โมเนต์ (ค.ศ. 1840-1926)
Claude Monet เป็นผู้นำและผู้ก่อตั้งอิมเพรสชั่นนิสม์คลาสสิกที่ไม่มีปัญหา ประเภทหลักของภาพวาดของเขาคือภูมิทัศน์
ในวัยหนุ่ม โมเนต์ชอบการ์ตูนล้อเลียนและการ์ตูนล้อเลียน แบบจำลองแรกสำหรับงานของเขาคือครูสหายของเขา ตัวอย่าง เขาใช้การ์ตูนในหนังสือพิมพ์และนิตยสาร เขาคัดลอกภาพวาดใน Golois โดย E. Karzh กวีและนักวาดภาพล้อเลียน เพื่อนของ Gustave Coubret
ในวิทยาลัย Monet ได้รับการสอนโดย Jacques-Francois Hauchard แต่ควรสังเกตอิทธิพลของ Monet of Boudin ผู้สนับสนุนศิลปิน ให้คำแนะนำ และกระตุ้นให้เขาทำงานต่อไป
ในเดือนพฤศจิกายน ค.ศ. 1862 ที่ปารีส โมเนต์ศึกษาต่อที่ปารีสกับกลีแยร์ ด้วยเหตุนี้ Monet จึงได้พบกับ Basil, Renoir, Sisley ในสตูดิโอของเขา ศิลปินรุ่นเยาว์เตรียมเข้าโรงเรียน ศิลปกรรมเคารพครูของเขาซึ่งใช้เวลาเพียงเล็กน้อยในบทเรียนและให้คำแนะนำในรูปแบบที่อ่อนโยน
โมเนต์สร้างภาพวาดของเขาไม่ใช่เป็นเรื่องราว ไม่ใช่เป็นภาพประกอบของแนวคิดหรือธีม ภาพวาดของเขาเช่นชีวิตไม่มีเป้าหมายที่ชัดเจน เขามองเห็นโลกโดยไม่เน้นรายละเอียด ในหลักการบางอย่าง เขาไปที่ "การมองเห็นแนวนอน" (คำศัพท์ของนักประวัติศาสตร์ศิลป์ A. A. Fedorov-Davydov) โมเนต์พยายามดิ้นรนเพื่อความไม่มีโครงเรื่อง ซึ่งเป็นการผสมผสานแนวเพลงบนผืนผ้าใบ วิธีการใช้นวัตกรรมของเขาคือการสเก็ตช์ ซึ่งควรจะเป็นภาพวาดที่เสร็จแล้ว ภาพร่างทั้งหมดวาดจากธรรมชาติ
เขาวาดภาพทุ่งหญ้า เนินเขา ดอกไม้ และหิน และสวน และถนนในหมู่บ้าน และทะเล ชายหาด และอื่นๆ อีกมากมาย เขาหันไปหาภาพธรรมชาติในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน บ่อยครั้งที่เขาวาดภาพในที่เดียวกันในเวลาที่ต่างกัน ทำให้เกิดวัฏจักรทั้งหมดจากผลงานของเขา หลักการทำงานของเขาไม่ใช่ภาพของวัตถุในภาพ แต่เป็นการส่งผ่านแสงที่แน่นอน
นี่คือตัวอย่างบางส่วนของผลงานของศิลปิน - "Field of poppies at Argenteuil" (1873), "Frog" (1869), "Pond with water lilies" (1899), "Wheat stacks" (1891)
ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์ (ค.ศ. 1841-1919)
Renoir เป็นหนึ่งในผู้เชี่ยวชาญด้านการถ่ายภาพบุคคลทางโลกที่โดดเด่น นอกจากนี้ เขาทำงานเกี่ยวกับภูมิทัศน์ ฉากในประเทศ และภาพนิ่ง
ลักษณะเฉพาะของงานของเขาคือความสนใจในบุคลิกภาพของบุคคลการเปิดเผยลักษณะและจิตวิญญาณของเขา ในผืนผ้าใบของเขา Renoir พยายามเน้นความรู้สึกของความสมบูรณ์ของการเป็น ศิลปินได้รับความสนใจจากความบันเทิงและวันหยุดเขาวาดลูกบอลเดินด้วยการเคลื่อนไหวและตัวละครที่หลากหลายการเต้นรำ
ที่สุด ผลงานเด่นศิลปิน - "ภาพเหมือนของนักแสดงสาว Jeanne Samary", "ร่ม", "อาบน้ำในแม่น้ำแซน" ฯลฯ
เป็นที่น่าสนใจที่ Renoir โดดเด่นด้วยความสามารถทางดนตรีของเขาและเมื่อตอนเป็นเด็กเขาร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ภายใต้การแนะนำของนักแต่งเพลงและอาจารย์ Charles Gounod ที่โดดเด่นในปารีสในมหาวิหาร Saint-Eustache C. Gounod ขอแนะนำอย่างยิ่งให้เด็กชายเรียนดนตรี แต่ในขณะเดียวกัน เรอนัวร์ก็ค้นพบพรสวรรค์ทางศิลปะของเขา ตั้งแต่อายุ 13 ขวบ เขาได้เรียนรู้วิธีทาสีจานลายครามแล้ว
การเรียนดนตรีมีอิทธิพลต่อการสร้างบุคลิกภาพของศิลปิน ทั้งสายงานของเขาเกี่ยวข้องกับธีมดนตรี พวกเขาสะท้อนการเล่นเปียโน กีตาร์ แมนโดลิน เหล่านี้คือภาพวาด "บทเรียนกีตาร์", "หญิงสาวชาวสเปนกับกีตาร์", "หญิงสาวที่เปียโน", "ผู้หญิงเล่นกีตาร์", "บทเรียนเปียโน" เป็นต้น
ฌอง เฟรเดอริก เบซิล (1841-1870)
ตามที่เพื่อนศิลปินของเขา Basil เป็นอิมเพรสชั่นนิสต์ที่มีแนวโน้มและโดดเด่นที่สุด
งานเขาสดใส สีและจิตวิญญาณของภาพ Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley และ Claude Monet มีอิทธิพลอย่างมากต่อเส้นทางที่สร้างสรรค์ของเขา อพาร์ตเมนต์ของ Jean Frederic สำหรับจิตรกรมือใหม่เป็นสตูดิโอและที่อยู่อาศัย
โหระพาส่วนใหญ่ทาสีในอากาศ แนวคิดหลักของงานของเขาคือภาพลักษณ์ของมนุษย์กับฉากหลังของธรรมชาติ วีรบุรุษคนแรกของเขาในภาพวาดคือเพื่อนศิลปินของเขา อิมเพรสชั่นนิสต์หลายคนชื่นชอบการวาดภาพซึ่งกันและกันในผลงานของพวกเขา
Frédéric Bazille ทำเครื่องหมายเส้นทางอิมเพรสชั่นนิสม์ที่สมจริงในงานของเขา ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ Family Reunion (1867) เป็นอัตชีวประวัติ ศิลปินวาดภาพสมาชิกในครอบครัวของเขา งานนี้ถูกนำเสนอที่ Salon และได้รับการประเมินการอนุมัติจากสาธารณชน
ในปี 1870 ศิลปินเสียชีวิตในสงครามปรัสเซียน - ฝรั่งเศส หลังจากการเสียชีวิตของศิลปิน เพื่อนศิลปินของเขาได้จัดนิทรรศการอิมเพรสชันนิสต์ครั้งที่สามซึ่งมีการจัดแสดงภาพวาดของเขาด้วย
คามิลล์ ปิสซาร์โร (ค.ศ. 1830-1903)
Camille Pissarro เป็นหนึ่งใน ตัวแทนรายใหญ่จิตรกรภูมิทัศน์หลังจาก C. Monet งานของเขาได้รับการจัดแสดงอย่างต่อเนื่องในนิทรรศการของอิมเพรสชันนิสต์ ในผลงานของเขา Pissarro ชอบวาดภาพทุ่งนา ชีวิตชาวนา และงานของเขา ภาพวาดของเขาโดดเด่นด้วยโครงสร้างของรูปแบบและความชัดเจนขององค์ประกอบ
ต่อมาศิลปินเริ่มวาดภาพและวาดภาพในธีมเมือง เอ็น. เอ็น. กาลิตินาตั้งข้อสังเกตในหนังสือของเธอว่า “เขามองดูถนนในเมืองจากหน้าต่างชั้นบนหรือจากระเบียง โดยไม่แนะนำให้รู้จักกับองค์ประกอบต่างๆ”
ภายใต้อิทธิพลของ Georges-Pierre Seurat ศิลปินได้หยิบเอา pointillism เทคนิคนี้เกี่ยวข้องกับการจัดวางแต่ละจังหวะแยกกัน เสมือนกับการใส่จุด แต่โอกาสที่สร้างสรรค์ในพื้นที่นี้ไม่ได้รับการตระหนักและ Pissarro กลับไปสู่การสร้างอิมเพรสชั่นนิสม์
ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Pissarro คือ Boulevard Montmartre ในตอนบ่าย แดดออก”, “Opera passage in Paris”, “Square โรงละครฝรั่งเศสในปารีส”, “สวนในปองตัวส์”, “เก็บเกี่ยว”, “ทำหญ้าแห้ง” ฯลฯ
อัลเฟรด ซิสเล่ย์ (1839-1899)
ประเภทหลักของการวาดภาพโดย Alfred Sisley คือภูมิทัศน์ ในของเขา ทำงานเร็วเราสามารถเห็นอิทธิพลของ K. Corot เป็นหลัก ในกระบวนการทำงานร่วมกับ C. Monet, J. F. Basil, P. O. Renoir ค่อยๆ มีสีอ่อนปรากฏในผลงานของเขา
ศิลปินถูกดึงดูดด้วยการเล่นแสง การเปลี่ยนแปลงของบรรยากาศ ซิสลีย์พูดถึงภูมิประเทศเดิมหลายครั้ง โดยถ่ายภาพในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน ในผลงานของเขา ศิลปินให้ความสำคัญกับภาพน้ำและท้องฟ้าซึ่งเปลี่ยนไปทุกวินาที ศิลปินสามารถบรรลุความสมบูรณ์แบบด้วยความช่วยเหลือของสีแต่ละเฉดสีในผลงานของเขามีสัญลักษณ์ชนิดหนึ่ง
ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา: "Country Alley" (1864), "Frost in Louveciennes" (1873), "View of Montmartre from the Flower Island" (1869), "Early Snow in Louveciennes" (1872), "The Bridge ที่ Argenteuil" (1872 )
เอ็ดการ์ เดกาส์ (ค.ศ. 1834-1917)
Edgar Degas เป็นศิลปินที่เริ่มต้นอาชีพสร้างสรรค์โดยเรียนที่ School of Fine Arts เขาได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีซึ่งมีอิทธิพลต่องานของเขาโดยทั่วไป ในตอนแรก Degas เขียน ภาพวาดประวัติศาสตร์ตัวอย่างเช่น “สาวสปาร์ตันท้าให้เด็กชายสปาร์ตันเข้าร่วมการแข่งขัน (1860). ประเภทหลักของภาพวาดของเขาคือภาพเหมือน ศิลปินอาศัยประเพณีคลาสสิกในผลงานของเขา เขาสร้างสรรค์ผลงานด้วยความรู้สึกที่เฉียบแหลมของเวลาของเขา
แตกต่างจากเพื่อนร่วมงานของเขา Degas ไม่ได้แบ่งปันมุมมองที่สนุกสนานและเปิดกว้างเกี่ยวกับชีวิตและสิ่งต่าง ๆ ที่มีอยู่ในอิมเพรสชั่นนิสม์ ศิลปินใกล้ชิดกับประเพณีที่สำคัญของศิลปะมากขึ้น: ความเห็นอกเห็นใจต่อโชคชะตา คนทั่วไป, ความสามารถในการมองเห็นวิญญาณของผู้คน, ของพวกเขา โลกภายใน, ความไม่ลงรอยกัน, โศกนาฏกรรม.
สำหรับเดอกาส์ วัตถุและการตกแต่งภายในที่ล้อมรอบบุคคลมีบทบาทสำคัญในการสร้างภาพเหมือน นี่คือตัวอย่างผลงานบางส่วน: "Desiree Dio with an orchestra" (1868-1869), " ภาพเหมือนผู้หญิง"(1868)," The Morbilly Couple "(2410) และอื่น ๆ
หลักการวาดภาพเหมือนในผลงานของ Degas สามารถติดตามได้ตลอด ทางสร้างสรรค์. ในยุค 1870 ศิลปินวาดภาพสังคมของฝรั่งเศสโดยเฉพาะอย่างยิ่งในปารีสในผลงานของเขาอย่างรุ่งโรจน์ เพื่อประโยชน์ของศิลปิน ชีวิตในเมืองในการย้าย “การเคลื่อนไหวเป็นการแสดงออกที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งของชีวิตสำหรับเขา และความสามารถของศิลปะในการถ่ายทอดมันเป็นชัยชนะที่สำคัญที่สุด จิตรกรรมสมัยใหม่”, - เขียน N.N. กาลิตินา.
ในช่วงเวลานี้ ภาพวาดเช่น "Star" (1878), "Miss Lola at Fernando's Circus", "Epsom Races" และอื่น ๆ ถูกสร้างขึ้น
ความคิดสร้างสรรค์รอบใหม่ของ Degas คือความสนใจในบัลเล่ต์ของเขา แสดงให้เห็นถึงชีวิตหลังเวทีของนักบัลเล่ต์ พูดคุยเกี่ยวกับการทำงานหนักและการฝึกฝนอย่างหนัก แต่ถึงอย่างไรก็ตามเรื่องนี้ ศิลปินก็สามารถค้นหาความโปร่งสบายและความสว่างในการถ่ายโอนภาพของพวกเขาได้
ในชุดบัลเล่ต์ของภาพวาดโดย Degas ความสำเร็จในด้านการส่งแสงประดิษฐ์จากไฟส่องเท้านั้นมองเห็นได้พวกเขาพูดถึงพรสวรรค์ด้านสีสันของศิลปิน ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "Blue Dancers" (1897), " ชั้นเรียนเต้นรำ"(1874), "นักเต้นกับช่อดอกไม้" (1877), "นักเต้นในชุดสีชมพู" (1885) และอื่น ๆ
ในบั้นปลายชีวิต เนืองจากสายตาที่เสื่อมโทรม Degas พยายามใช้ประติมากรรม นักบัลเล่ต์หญิงคนเดียวกันม้ากลายเป็นสิ่งของของเขา ในงานประติมากรรม Degas พยายามถ่ายทอดการเคลื่อนไหว และเพื่อที่จะชื่นชมรูปปั้นนั้น คุณต้องพิจารณาจากมุมที่ต่างกัน
