บทเรียนในหัวข้อ "วิธีการแสดงออกของโรงละคร ศิลปะของโรงละครและการสร้างภาพ" วิธีการแสดงออกในการกำกับเนื้อหาในหัวข้อหมายถึงการแสดงออกทางศิลปะในการแสดงละคร

การปรับตัวในสังคมอย่างเต็มที่

ความต้องการโปรแกรมแก้ไขจิตนาฏศิลป์มีสูงมาก ขาดผู้เชี่ยวชาญที่เชี่ยวชาญ วิธีการที่ได้รับการพัฒนาทางวิทยาศาสตร์

การจัดชั้นเรียนในประเภทวัยกลางคนและวัยชราเป็นอุปสรรคต่อการพัฒนาเครือข่ายกลุ่มวัฒนธรรมและการพักผ่อนหย่อนใจสำหรับการแก้ไขการเต้นรำและการเคลื่อนไหวของผู้คนในฟิตเนสคลับในประเทศของเรา

หมายเหตุ

1. Baskakov, V. Yu. (ed.-ed.) ผู้อ่านเกี่ยวกับจิตบำบัดและจิตบำบัดที่เน้นร่างกาย / V. Yu - ม.: ความหมาย 2000. - 165 น.

2. Gerasimova, I. A. วิวัฒนาการของการตั้งค่าล่วงหน้าทางปัญญาของความคิดสร้างสรรค์: ... หมอเป็ด. วิทยาศาสตร์ / I. A. Gerasimova - ม., 1998.

3. Jung, K. G. การเล่นแร่แปรธาตุแห่งความฝัน: ทรานส์ จากอังกฤษ. / เค.จี.จุง. - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: ทิโมธี 1997. - 352 น.

4. Chodorow, J. The Body as Symbol: การเต้นรำ / การเคลื่อนไหวในการวิเคราะห์ /โจน โชโดโรว์; สมาคมบำบัดการเต้นรำอเมริกัน - นิวยอร์ก 2551 - 13 น. - เผยแพร่ออนไลน์: 4 สิงหาคม 2551

5. Lemieux, A. The Contact Duet เป็นกระบวนทัศน์สำหรับการโต้ตอบกับลูกค้า / นักบำบัดโรค / Adwoa Lemieux // ส่งตามข้อกำหนดบางส่วนสำหรับปริญญาศิลปศาสตรมหาบัณฑิตสาขาการเต้นรำ / การเคลื่อนไหวบำบัด / Naropa Institute Boulder - โคโลราโด 2531 - 101 รูเบิล

6. O "Connor, Peter A. เข้าใจ Jung, เข้าใจตัวเอง / Peter A. O" Connor - นิวยอร์ก: Paulist Press, 1985. - ISBN 0809127997.

7. Capello, Patricia P. Men in Dance/Movement Therapy/International Panel / Patricia P. Capello. - นิวยอร์ก: American Dance Therapy Association 2011. - Published online: 21 เมษายน 2011. - 10 p.

8. Sheila, J. Cultural Dance: โอกาสในการส่งเสริมกิจกรรมทางกายและสุขภาพในชุมชน / Sheila Jain และ David R. Brown - New York: American Journal of Health Education, Jbly/August 2001, Volume 32, No. 4-19 p.

เทคนิคการแสดงละครและวิธีการแสดงออกในฐานะองค์ประกอบของการสื่อสารพิพิธภัณฑ์

V.V. Arzhanukhina

มหาวิทยาลัยวัฒนธรรมและศิลปะแห่งรัฐมอสโก

บทความนี้ถือว่าวิธีการแสดงออกทางการแสดงละครเป็นองค์ประกอบที่สมบูรณ์ของการสื่อสารในพิพิธภัณฑ์สมัยใหม่เป็นครั้งแรก มีการนำเสนอภาพรวมด้านประวัติศาสตร์ของความสัมพันธ์ระหว่างพิพิธภัณฑ์กับวิธีการและเทคนิคในการแสดงละคร วิเคราะห์ประสบการณ์การแสดงนิทรรศการของพิพิธภัณฑ์ต่าง ๆ ในการดึงดูดวิธีการแสดงออกทางการแสดงละครไปยังนิทรรศการ คำสำคัญ : การสื่อสารพิพิธภัณฑ์ รูปแบบนิทรรศการใหม่ ผู้ออกแบบพิพิธภัณฑ์ การออกแบบตกแต่ง

เป็นครั้งแรกที่บทความนี้ตรวจสอบวิธีการแสดงออกทางการแสดงละครซึ่งเป็นองค์ประกอบที่ยุติธรรมของการสื่อสารในพิพิธภัณฑ์ร่วมสมัย เป็นครั้งแรกที่มีการสำรวจแง่มุมทางประวัติศาสตร์ของความสัมพันธ์ระหว่างพิพิธภัณฑ์กับวิธีการและวิธีการละคร ประสบการณ์การเปิดรับแสงของพิพิธภัณฑ์ต่าง ๆ เกี่ยวกับการใช้วิธีการแสดงละครในนิทรรศการจะถูกวิเคราะห์

คำสำคัญ : การสื่อสารพิพิธภัณฑ์ รูปแบบนิทรรศการใหม่ ผู้ออกแบบพิพิธภัณฑ์ การออกแบบตกแต่ง 134 1997-0803 VESTNIK MGUKI 5 (49) กันยายน-ตุลาคม 2555 134-138

ความหลากหลายของวิธีการและเทคนิคการแสดงละครได้สั่งสมมาเป็นเวลาหลายศตวรรษ - พร้อมๆ กับการพัฒนาของโรงละครเอง วันนี้จำนวนของพวกเขาค่อนข้างชัดเจน สิ่งเหล่านี้ได้แก่ ทิวทัศน์ เครื่องแต่งกาย อุปกรณ์ประกอบฉาก เสียง แสงและเอฟเฟกต์พิเศษ และการแสดงละครเป็นผู้นำในเทคนิคการแสดงละคร การแสดงละครมักเป็นที่ต้องการและมักใช้ในการเมืองและศาสนา ให้เราระลึกถึงความลึกลับของกรีกโบราณและขบวนแห่ชัยชนะของชาวโรมัน คริสตจักรคริสเตียนยังรับเอาการพัฒนาการแสดงละคร ในศตวรรษที่ 10 ในยุโรปยุคกลาง ประเภทของละครในโบสถ์ถือกำเนิดขึ้น ("เยี่ยมชมหลุมฝังศพ", "เกมเกี่ยวกับอดัม") และในรัสเซียตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 16 ละครทางจิตวิญญาณ ("การเดินบนลา ” , “Stove action”) ได้รับความนิยม ดังนั้นวิธีการแสดงละครจึงเป็นเครื่องมือสื่อสารที่ผ่านการทดสอบมาเป็นเวลานานของสถาบันทางสังคมต่าง ๆ ต้องขอบคุณข้อได้เปรียบหลักของพวกเขา - ความสามารถในการดึงดูดความสนใจ ความเข้าใจในเรื่องนี้ได้เข้ามาสู่การปฏิบัติของพิพิธภัณฑ์ด้วย

ผู้เขียนผลงานชิ้นแรกเกี่ยวกับทฤษฎีการสื่อสารในพิพิธภัณฑ์คือ D.F. คาเมรอน. มันเกิดขึ้นเมื่อปลายยุค 60 ของศตวรรษที่ XX แต่การค้นหาโซลูชันการสื่อสารในทางปฏิบัติเริ่มขึ้นเร็วกว่ามาก ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มีการนำเสนอรูปแบบนิทรรศการใหม่ในงานนิทรรศการชาติพันธุ์และหัตถกรรม สิ่งนี้มีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาความสัมพันธ์แบบสหวิทยาการซึ่งเป็นเรื่องปกติเนื่องจาก "... ทฤษฎีการสื่อสารเช่นเดียวกับพิพิธภัณฑ์กลายเป็นขอบเขตของความรู้แบบสหวิทยาการ" (9) บ่อยครั้งที่ผู้จัดงานนิทรรศการรัสเซียครั้งแรกหันไปใช้การตกแต่งและอุปกรณ์ประกอบฉาก วันนี้เป็นบรรทัดฐานเมื่อศิลปินหรือนักออกแบบพิพิธภัณฑ์มีส่วนร่วมในการจัดทำนิทรรศการ - และเมื่อหลายร้อยปีก่อนงานศิลปะที่กลายเป็นตำราเรียน

เทคนิคต่างๆ ถูกปฏิเสธโดยพิพิธภัณฑ์หลายแห่ง บางครั้งก็มาถึงความอยากรู้ นักข่าวที่เขียนเกี่ยวกับนิทรรศการชาติพันธุ์วิทยา All-Russian ในปี 1867 ประณามผู้จัดงานเพราะความจริงที่ว่าด้านการตกแต่งมีชัยเหนือเนื้อหาทางวิทยาศาสตร์ (2) แต่เมื่อการจัดแสดงนิทรรศการกลายเป็นส่วนหนึ่งของพิพิธภัณฑ์ชาติพันธุ์วิทยา Dashkovo ซึ่งไม่มีสภาพแวดล้อมการตกแต่ง - ผู้ร่วมสมัยบ่นว่าการจัดวางนิทรรศการตามหลักการทางวิทยาศาสตร์ลดคุณค่าทางวิทยาศาสตร์และการศึกษา (4)

เป็นครั้งแรกที่องค์ประกอบตกแต่งถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในนิทรรศการชาติพันธุ์วิทยา All-Russian ซึ่งจัดขึ้นที่กรุงมอสโกในปี พ.ศ. 2410 นิทรรศการนี้จัดทำขึ้นเพื่อกลุ่มชาติพันธุ์ต่างๆ ที่อาศัยอยู่ในรัสเซีย และนำเสนอฉากประเภทต่างๆ ตามแบบฉบับของภูมิภาคนี้หรือภูมิภาคนั้น ประติมากรและศิลปินได้รับเชิญให้ตกแต่งนิทรรศการ "กรมรัสเซีย" นำเสนอในรูปแบบของฉากยุติธรรมในทิวทัศน์ของ A.K. Savrasov - จิตรกรที่ทำงานด้วยความถูกต้องที่น่าอัศจรรย์ในรูปแบบของภูมิทัศน์ในชนบท ที่งาน Polytechnical Exhibition ปี 1872 ในกรุงมอสโก มีการตกแต่งศาลาที่ใช้งานได้ - สำเนาอนุเสาวรีย์สถาปัตยกรรมแห่งชาติที่ลดลง ตัวอย่างเช่น เพื่อเป็นตัวแทนของ Turkestan มีการสร้างศาลาแยกต่างหากในรูปแบบของ Samarkand madrasah Shirdan (8) ในอนาคต สำเนาอาคารสถาปัตยกรรมที่ลดลงกลายเป็นเทคนิคที่ชื่นชอบสำหรับนักออกแบบกราฟิก ในปีพ. ศ. 2457 ที่งาน All-Russian Craft and Factory Exhibition ซึ่งจัดขึ้นที่ Khodynka Field ในมอสโก Central Pavilion ได้รับการออกแบบในรูปแบบของอาคารของมอสโกเครมลิน (8) เก้าสิบปีต่อมา ในปี 2547 ระหว่างการแข่งขันกีฬาโอลิมปิกที่กรุงเอเธนส์ แบบจำลองของเครมลินและโรงละครบอลชอยได้ตกแต่งจัตุรัสมอสโก ซึ่งจัดแสดงนิทรรศการภาพถ่ายเกี่ยวกับเมืองหลวงของรัสเซีย

ฉันต้องการเน้นว่าเลย์เอาต์นั้นไม่ใช่นิทรรศการ แต่เป็นการแสดงละคร ในช่วงต้นศตวรรษที่ 16 ศิลปินชาวอิตาลี Sebastiano Serlio เป็นคนแรกที่แนะนำให้สร้างแบบจำลองของฉากการแสดงในอนาคต ในเวลาเดียวกัน มีพิพิธภัณฑ์หลายแห่งที่นิทรรศการประกอบด้วยแบบจำลองของวัตถุทางสถาปัตยกรรมเท่านั้น (คอมเพล็กซ์อนุสรณ์สถาน Ethno "แผนที่คาซัคสถาน "Atameken" ในอัสตานา Madurodam ในฮอลแลนด์) เป็นธรรมดาที่การปฏิบัติตามกฎหมายของทฤษฎีการสื่อสาร รูปแบบสถาปัตยกรรม ก้าวข้ามขอบเขตของโรงละคร ไม่หยุดในพิพิธภัณฑ์ กลายเป็นเครื่องมือสื่อสารสากล ให้จำสวนสนุกทุกประเภท (ดิสนีย์แลนด์ มินิสยามในประเทศไทย ฯลฯ) รวมทั้งโรงแรม ในขณะเดียวกัน พวกเขาทั้งหมดมีบรรพบุรุษหนึ่งคน - อุปกรณ์ประกอบฉากการแสดงละคร

ศิลปินที่ทำงานในโรงละครได้มีส่วนร่วมในการพัฒนาแนวเพลงใหม่ - ศิลปะแห่งการจัดแสดง หนึ่งในผู้ริเริ่มธุรกิจนิทรรศการคือศิลปิน K.A. โคโรวิน. ในปี พ.ศ. 2439 นักอุตสาหกรรมและผู้ใจบุญที่มีชื่อเสียง S.I. Mamontov มอบหมายให้เขาออกแบบศาลา Far North ที่งาน All-Russian Art and Industrial Exhibition ใน Nizhny Novgorod ผู้สมัครไม่ได้รับเลือกโดยบังเอิญเพราะศิลปินเป็นสมาชิกของการเดินทางไปอาร์กติกซึ่งจัดโดย S.I. มามอนทอฟ บทบาทของ Mamontov ในการเปิดศาลาไม่ได้จำกัดอยู่แค่การจัดหาเงินทุน เพราะในแง่สมัยใหม่ เขาเป็นผู้อำนวยการด้านนวัตกรรม ผู้ผลิตที่กล้าได้กล้าเสีย และแม้แต่นักออกแบบพิพิธภัณฑ์ Mamontov เป็นผู้เปลี่ยนศาลาให้เป็นพิพิธภัณฑ์ขนาดเล็กอย่างแท้จริง Savva Ivanovich เป็นผู้เขียนความคิดมากมายและปกป้องโครงการ "โปรดิวเซอร์" ของเขาอย่างรุนแรงต่อหน้าผู้จัดงานนิทรรศการ ดังนั้นผู้จัดงานอย่างเป็นทางการจึงปฏิเสธที่จะรวมผลงาน (“ Mikula Selyaninovich” และ

"เจ้าหญิงแห่งความฝัน") เชิญโดย S.I. Mamontov M.A. วรูเบล จากนั้น S.A. Mamontov สร้างศาลาแยกต่างหากสำหรับงานเหล่านี้ด้วยเงินของเขาเอง ในฐานะศาสตราจารย์เอเอ Aronov: "Savva Ivanovich Mamontov เป็นผู้อุปถัมภ์งานศิลปะของ Vrubel ที่ปราศจากความขัดแย้ง" (1, p. 29) แต่ให้กลับไปที่ศาลา Far North ซึ่งผู้เข้าชมดูเหมือนจะพบว่าตัวเองอยู่ในเสาการค้าแห่งหนึ่งทางตอนเหนือ นี่คือวิธีที่ศิลปินอธิบายการออกแบบ: “ฉันแขวนหนังแมวน้ำ เสื้อทำด้วยผ้าขนสัตว์ของ Pomors ในบรรดาเชือกทะเล อุปกรณ์ - หนังมหึมาของวาฬเบลูก้า ขากรรไกรของวาฬ Samoyed Vasily ซึ่งฉันนำมาด้วย ... กำลังเปลี่ยนน้ำในกล่องสังกะสีซึ่งเรามีแมวน้ำที่สดและหอมหวานที่สุดซึ่งนำมาจากมหาสมุทรอาร์กติกและชื่อเล่น Vaska มีแผงตกแต่งตามธีมบนผนังซึ่ง "อยู่ร่วมกันอย่างสงบสุขด้วยภาพถ่ายและนิทรรศการธรรมชาติ และย่านนี้เน้นย้ำถึงความถูกต้องของภาพที่สร้างขึ้นโดย Korovin" (5, หน้า 92) เขามีประสบการณ์ในโรงละครและ V.M. Vasnetsov ได้รับเชิญจากพิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์ในช่วงต้นยุค 80 ของศตวรรษที่ XIX ให้ออกแบบนิทรรศการ "Monuments of the Stone Age" เป็นผลให้พิพิธภัณฑ์ได้รับแผงตกแต่งที่สวยงาม "ยุคหิน" ซึ่งนักโบราณคดีชาวฝรั่งเศสบารอนโจเซฟเดอเบย์กล่าวว่า "ศิลปิน" อ่าน "แก่ผู้ชมในยุคหิน" เป็นวิชาโบราณคดีทั้งหมด วิธีการตกแต่งยังถูกนำมาใช้โดยพิพิธภัณฑ์ระดับภูมิภาค ดังนั้น ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 หินเทียมจึงถูกสร้างขึ้นในพิพิธภัณฑ์คอเคเซียนในทิฟลิสเพื่อจัดแสดงนิทรรศการเกี่ยวกับชาวภูเขาสูง นอกจากนี้ยังมีสัตว์กลุ่มอื่นๆ ในงานนิทรรศการ เช่นเดียวกับกลุ่มของชนเผ่าคอเคเซียน (7, p. 20) ในแวดวงวิทยาศาสตร์ องค์ประกอบถูกดุ แต่ผู้เข้าชมทั่วไปรู้สึกยินดี

นิทรรศการการเดินทางของพิพิธภัณฑ์เมืองครัสโนยาสค์ก็ประสบความสำเร็จเช่นกัน โดยแสดง "ภาพมีชีวิต" ที่แสดงลักษณะทางธรรมชาติของภูมิภาคและชีวิตของชาวพื้นเมืองไซบีเรีย (10) แม้ว่าที่จริงแล้วแนวคิดของภาพทางศิลปะจะถูกรับรู้ด้วยความงุนงงของสาธารณชนที่มีแนวคิดอนุรักษ์นิยม แต่ความสนใจโดยทั่วไปในนิทรรศการดังกล่าวกลับมีอยู่ในระดับสูงเสมอ ด้วยวิธีการแสดงละคร ผู้จัดงานที่มีนวัตกรรมสามารถจัดการงานด้านการสื่อสารหลักได้จริง - เพื่อดึงดูดความสนใจของผู้ชมให้ได้มากที่สุด ให้ความสนใจแม้กระทั่งผู้ที่ไม่ได้ใช้งาน และเพื่อให้เข้าใจถึงงานนิทรรศการที่เข้าถึงได้ในทุกส่วนของสังคม .

เริ่มตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 20-30 ของศตวรรษที่ 20 ความสนใจของพิพิธภัณฑ์เกี่ยวกับวิธีการแสดงออกทางการแสดงละครทั้งลดน้อยลงหรือลุกเป็นไฟด้วยความกระปรี้กระเปร่าขึ้นใหม่ หลังการปฏิวัติเดือนตุลาคมปี 1917 ผู้นำของประเทศถูกบังคับให้ต้องเกี่ยวข้องกับการสื่อสารสาธารณะทุกรูปแบบ รวมทั้งการสื่อสารในพิพิธภัณฑ์ เพื่อการปลุกปั่นและการโฆษณาชวนเชื่อ ดังนั้น "พิพิธภัณฑ์โรงละคร" จึงปรากฏขึ้นซึ่งมีการแนะนำวัตถุในพิพิธภัณฑ์ในรูปแบบของการบรรยายละครเกี่ยวกับเนื้อเรื่องของตำนานพิพิธภัณฑ์ของการจัดแสดงนิทรรศการ (โรงละครชาติพันธุ์วิทยาของพิพิธภัณฑ์รัสเซียแห่งรัฐ) ในยุค 60-70 ของศตวรรษที่ 20 การอภิปรายครั้งใหม่ในระดับนานาชาติเริ่มต้นขึ้นเกี่ยวกับการดึงดูดรูปแบบการอธิบายใหม่และความสำคัญของแนวทางเปรียบเทียบ (M. McLuhan, D. Cameron, A.M. Razgon เป็นต้น) ในยุค 70-80 ของศตวรรษที่ 20 ปัญหาบทบาทของสคริปต์ในรูปแบบพิเศษของการออกแบบนิทรรศการพิพิธภัณฑ์ได้รับการพิจารณาอย่างแข็งขัน (MB. Gnedovsky, Yu.P. Pischulin, Yu.A. Reshetnikov ฯลฯ ) การพัฒนาสถานการณ์จำลองไม่ได้ใช้กันอย่างแพร่หลายในพิพิธภัณฑ์วิทยาในประเทศ แต่ข้อความต่อไปนี้เป็นที่ยอมรับในระดับสากล: “สำหรับบุคคล การประเมินข้อมูลที่รับรู้โดยไม่มีสีทางอารมณ์เป็นไปไม่ได้

^ กิจกรรมทางสังคมวัฒนธรรม

เป็นไปได้” (6, p. 97) ในช่วงเวลาของการปรับโครงสร้างเศรษฐกิจทั้งหมดของประเทศ เมื่อคำถามเกี่ยวกับความต้องการความสัมพันธ์ทางการค้ารุนแรงขึ้น พวกเขาก็เริ่มมองหาวิธีที่มีประสิทธิภาพเพื่อดึงดูดความสนใจของผู้มาเยือนและสังคมโดยรวมอีกครั้ง ตอนนั้นเองที่การแสดงละครในการสื่อสารของพิพิธภัณฑ์ได้รับความนิยมมากขึ้นกว่าเดิม (T.P. Polyakov, N.V. Mazny, E.A. Rosenblum เป็นต้น) ภายใต้การโจมตีทั่วไป แม้แต่พวกอนุรักษ์นิยมที่มีชื่อเสียงในโลกของพิพิธภัณฑ์ เช่น A.B. Zaks ผู้เสนอ "การสร้างภาพศิลปะของความเป็นจริงทางประวัติศาสตร์" และใช้การออกแบบที่หลากหลายเพื่อให้นิทรรศการเป็น "ตัวละครที่สนุกสนาน" การรับรู้เกิดขึ้นว่านิทรรศการของพิพิธภัณฑ์ “ไม่ได้สอน แต่ปลุกความสัมพันธ์ ก่อให้เกิดภาพ ความคิด และความรู้สึก » (3).

ในสมัยของเรา บทบาทของการออกแบบพิพิธภัณฑ์ยังคงยอดเยี่ยม และความสำเร็จทางเทคนิคล่าสุดของงานมัณฑนศิลป์การละครได้รับการยอมรับจากพิพิธภัณฑ์ อย่างแรกเลย มันคือแสงสีในการแสดงละครและสเปเชียลเอฟเฟกต์ ซึ่งไม่ต้องสงสัยเลยว่ามันทำให้งานนิทรรศการดูมีเล่ห์เหลี่ยมและพลวัตที่มองไม่เห็น ตัวอย่างเช่นในนิทรรศการ "Pushkin's Tales" ในพิพิธภัณฑ์วรรณกรรม เช่น. พุชกินที่ซึ่งทิวทัศน์ที่เปลี่ยนไปและแสงสีที่เลือกสรรมาอย่างดีได้เปลี่ยนห้องโถงเล็ก ๆ ให้กลายเป็น Lukomorye อันน่าทึ่ง โปรแกรม "Living Planet" ซึ่งจัดทำขึ้นโดยใช้อุปกรณ์ให้แสงสว่างและระบบเลเซอร์ที่มีความซับซ้อนที่พิพิธภัณฑ์ State Darwin ก็น่าสนใจเช่นกัน แต่สิ่งที่ไม่ต้องสงสัยในการสื่อสารในพิพิธภัณฑ์สมัยใหม่ก็คือการแสดงละคร การแสดงละครและเทศกาลแต่งกายแฟนซีในอาณาเขตของพิพิธภัณฑ์ได้กลายเป็นบรรทัดฐานมานานแล้วโดยเฉพาะในพิพิธภัณฑ์อสังหาริมทรัพย์ ศิลปินที่ได้รับเชิญกลายเป็นคุณลักษณะเพิ่มเติมของความต่อเนื่องของกาลอวกาศของพิพิธภัณฑ์ โชคดี

วันประจำปีของมรดกทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมของมอสโกกลายเป็นโครงการพิพิธภัณฑ์ที่มีองค์ประกอบของการแสดงละคร เป็นเกียรติสำหรับศิลปินชั้นนำที่ได้มีส่วนร่วม อย่างไรก็ตาม การมีส่วนร่วมของผู้ทรงคุณวุฒิในโครงการนิทรรศการไม่ใช่เรื่องแปลกใหม่ ย้อนกลับไปในปี 1882 ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของนิทรรศการอุตสาหกรรมและศิลปะ All-Russian มีการจัดคอนเสิร์ตโดยวงซิมโฟนีออร์เคสตราที่ดำเนินการโดย A.G. Rubinstein และสำหรับการเปิดนิทรรศการโพลีเทคนิคที่อุทิศให้กับการครบรอบ 200 ปีของ Peter I (มอสโก, 1872) P.I. ได้ส่ง cantata ใหม่ของเขา ไชคอฟสกี (8).

สิ่งสำคัญคือต้องเข้าใจว่าการแสดงละครเช่นเดียวกับวิธีการแสดงออกอื่น ๆ นั้นถูกต้องตามกฎหมายก็ต่อเมื่อไม่ได้แทนที่การแสดง แต่กำหนดไว้ทำให้ผู้เข้าชมที่ไม่มีภาระกับความรู้ทางวิทยาศาสตร์น่าสนใจยิ่งขึ้นนั่นคือ เมื่อวิธีการแสดงละครไม่ได้เกินขอบเขตของวิธีการเสริม อยู่ภายใต้เงื่อนไขนี้

วิธีการและเทคนิคการแสดงละครเป็นเครื่องมือสื่อสารที่เหมาะสำหรับพิพิธภัณฑ์ทุกรูปแบบ ประการแรก พวกเขามักจะดึงดูดความสนใจ เข้าถึงการรับรู้ทั่วไป และความสามารถในการสื่อสารของพวกเขาได้รับการทดสอบโดยสถาบันสาธารณะต่างๆ และผู้ชมมากกว่าหนึ่งรุ่น ประการที่สอง พวกเขาสามารถแก้ปัญหาจังหวะภายในของการเปิดรับแสงได้ เนื่องจากสร้างขึ้นโดยเจตนาสำหรับภายนอก ไม่ใช่การกระทำภายใน ประการที่สาม พวกไพรเออรี่ไม่เรียกร้องตำแหน่งที่โดดเด่น ในขั้นต้นเป็นเพียงวิธีการ ไม่ใช่จุดจบในตัวมันเอง เช่นเดียวกับในโรงละคร เมื่อองค์ประกอบการออกแบบทั้งหมดไม่ควรแสดงให้เห็น แต่มีส่วนในการเปิดเผยศิลปะการแสดงอย่างสูงสุด ประการที่สี่ พวกมันไม่คงที่ ซึ่งหมายความว่าพวกมันเคลื่อนที่ได้และให้โอกาสสำหรับการตีความเชิงอรรถอย่างไม่รู้จบ เจ้าหน้าที่พิพิธภัณฑ์สามารถค้นหาปริมาณที่ถูกต้องเท่านั้น

หมายเหตุ

1. Aronov, A. A. ยุคทองของการอุปถัมภ์ของรัสเซีย / A. A. Aronov - ม.: สำนักพิมพ์ MGUK, 1995.

2. นิทรรศการชาติพันธุ์วิทยา All-Russian และการประชุมสลาฟในเดือนพฤษภาคม 2410 - M. , 2410 - S. 3-9

3. Zaks, A. B. ยุคของทุนนิยมในนิทรรศการของพิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์แห่งรัฐ (2474-2495) / A. B. Zaks // ประเพณีและการค้นหา ปัญหาของนิทรรศการใหม่ของรัฐพิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์เกี่ยวกับประวัติศาสตร์ทุนนิยม - ม., 1991.

น. 16-17. - (การดำเนินการของ GIM ฉบับที่ 77)

4. Ivanova, O. A. นิทรรศการชาติพันธุ์วิทยา All-Russian ปี 1867 / O. A. Ivanova // เนื้อหาเกี่ยวกับงานและประวัติศาสตร์ของพิพิธภัณฑ์และนิทรรศการชาติพันธุ์วิทยา - ม., 2515 - ส.99-142.

5. Kogan, D. Z. Konstantin Korovin / D. Z. Ivanova - ม.: อาร์ต, 2507.

6. Lobanova, V. S. เกี่ยวกับบทบาทของการแก้ปัญหาทางสถาปัตยกรรมและศิลปะในการเพิ่มนิทรรศการ / V. S. Lobanova // ธุรกิจพิพิธภัณฑ์ในสหภาพโซเวียต ปัญหา. 20. - ม., 1990.

7. Mazny, N. V. นิทรรศการในรูปแบบสากลของกิจกรรมนิทรรศการของพิพิธภัณฑ์ในประเทศ: ...แคน. น. วิทยาศาสตร์ / N. V. Mazny. - ม., 1997.

8. นิทรรศการมอสโก // มอสโกของฉัน - 2548. - ครั้งที่ 6-7.

9. Samarina, N. G. งานวิจัยในพิพิธภัณฑ์ในแง่ของทฤษฎีการสื่อสาร / N. G. Samarina // งานวิจัยในพิพิธภัณฑ์: [รายงานการประชุมทางวิทยาศาสตร์และการปฏิบัติของนักศึกษา นักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา และอาจารย์ (มอสโก 29 พฤศจิกายน) 2002 พฤศจิกายน 28, 2546)].

M.: MGUKI, 2005. - S. 3.

10. วันครบรอบ 25 ปีของพิพิธภัณฑ์เมืองครัสโนยาสค์ พ.ศ. 2432-2457 - ครัสโนยาสค์ 2458 - ส. 46-47

เป้า:เพื่อพัฒนาจินตนาการ ทักษะกิจกรรมแฟนตาซี เสรีภาพในการสร้างสรรค์ การคิดแบบเชื่อมโยงในเด็กก่อนวัยเรียนด้วยศิลปะดนตรีและการแสดงละคร

1. เรียนรู้การใช้วิธีการทางดนตรีและการแสดงออกที่ซับซ้อน พลวัตของการเคลื่อนไหว ท่วงทำนองและความแรงของเสียง การเปล่งเสียง โทนเสียงพลาสติกในดนตรี แปรผันตามสัญชาตญาณและขึ้นอยู่กับงาน
2. เพื่อส่งเสริมความรู้เชิงสร้างสรรค์ของดนตรีและศิลปะการละครผ่านการเคลื่อนไหวเลียนแบบเพื่อเปลี่ยนกระบวนการรับรู้ดนตรีจากรูปแบบที่เฉยเมยเป็นการเอาใจใส่อย่างกระตือรือร้น
3. พัฒนาทักษะการร้องและการร้องเพลง ความรู้สึกของจังหวะ การคิดแบบเชื่อมโยง และจินตนาการ
4. เพื่อพัฒนาความละเอียดอ่อนและความอ่อนไหวของการได้ยินเสียงต่ำ จินตนาการ และความเฉลียวฉลาดด้วยโทนเสียงพลาสติก
5. เพื่อดึงความสนใจของเด็ก ๆ ไปสู่ความร่ำรวยและความหลากหลายของวิธีการแสดงออกทางดนตรีและการแสดง
6. เสริมสร้างสุขภาพร่างกายและจิตใจของนักเรียนด้วยการใช้เทคโนโลยีที่ช่วยดูแลสุขภาพ กระตุ้นกลุ่มกล้ามเนื้อที่ส่งเสริมสุขภาพของเด็กก่อนวัยเรียน

ทิศทางเป้าหมายของบทเรียน

I. ความรู้ความเข้าใจ.

ทำความรู้จักกับบัลเล่ต์ The Nutcracker ของ PI Tchaikovsky เพื่อเน้นความสนใจของเด็กก่อนวัยเรียนเกี่ยวกับคุณลักษณะของการแสดงออกทางดนตรีของบัลเล่ต์ ขยายแนวคิด: ละครเวที เวที หลังเวที หอประชุม ทัศนียภาพ บัลเล่ต์ โอเปร่า เพลง มีนาคม เต้นรำ เครื่องดนตรี (วงดุริยางค์ซิมโฟนี).

ครั้งที่สอง กำลังพัฒนา

เพื่อนำไปสู่การก่อตัวของความรู้สึกเห็นอกเห็นใจสุนทรียภาพสำหรับงานศิลปะการพัฒนาความสามารถในการเจาะภาพลักษณ์ทางศิลปะของงานดนตรี - การแสดงละคร เพื่อส่งเสริมการพัฒนาความสามารถในการเปรียบเทียบการพิจารณาเนื้อหาที่เสนอและการพัฒนาคำพูด

สาม. เกี่ยวกับการศึกษา.

เพื่อปลูกฝังความรักในศิลปะชั้นสูงในทุกรูปแบบ: สำหรับดนตรีคลาสสิก, โรงละคร, สำหรับแอนิเมชั่นแบบดั้งเดิม, สำหรับมรดกสร้างสรรค์ของนักเขียนบทละครผู้ยิ่งใหญ่, นักเขียน, นักประพันธ์เพลง

คำและเงื่อนไข:ละครเวที, นักแต่งเพลง, กวี, นักเขียน, ศิลปิน, นักดนตรีและอนุพันธ์ (นักไวโอลิน, เป่าแตร, มือกลอง, นักเล่นพิณ, ฯลฯ), โอเปร่า, บัลเล่ต์, ภาพวาด, โน้ตเพลง, ตัวอักษร, บทกวี, ร้อยแก้ว, เสียง, การเต้นรำ (โพลก้า, วอลทซ์, แซมบ้า , แทงโก้, ฯลฯ ), มีนาคม (ทหาร, ของเล่น, กีฬา, เด็ก ๆ ), เพลง, ลักษณะของดนตรีและวิธีการแสดงออกทางดนตรี (เงียบ - ดัง, กระตุก - เรียบ, วาด), ความสามัคคี, อารมณ์, อารมณ์, ปั้น

อุปกรณ์คลาส:

คู่มือระเบียบวิธี "โรงละครบนโต๊ะ" พร้อมทิวทัศน์

อุปกรณ์ภาพและเสียงดิสก์

เครื่องช่วยการเรียนรู้ด้วยภาพ:

การ์ดปริศนาที่มีรูปเครื่องดนตรี

การใช้เพลงและวิดีโอ:

P.I. เพลงไชคอฟสกีสำหรับบัลเล่ต์“ The Nutcracker” องก์ที่ 1 (ทาบทาม, มีนาคม, การมาถึงของ Drosselmeer, การต่อสู้, ป่าสปรูซในฤดูหนาว, วอลทซ์ของเกล็ดหิมะ, วอลทซ์ของดอกไม้ องก์ที่ 2);

State Academic Symphony Orchestra จัดทำโดย E. Svetlanov;

PI Tchaikovsky Waltz จากสตริงเซเรเนด F-dur;

วงออเคสตรา "Musica viva" ผู้ควบคุมวง A. Rudin;

การ์ตูน “Walt Disney Fantasies” ผลิตโดย “WB”;

วิดีโอชุดภาพประกอบจากอินเทอร์เน็ต

การปฏิบัติตามกฎสุขาภิบาลและสุขอนามัย:

ห้องโถงมีการระบายอากาศหลังจากทำความสะอาดแบบเปียก

ห้องโถงมีแสงสว่างเพียงพอ

พื้นที่ว่างสำหรับเกมและการเต้นรำ

เด็กในชั้นเรียนสวมรองเท้าหรือไม่มีรองเท้า (ในถุงเท้า)

ปลั๊กไฟและสายไฟอยู่ห่างจากมือเด็ก

ความคืบหน้าของบทเรียน

หมายเลขชิ้นส่วน	เวลา (นาที)	เทคนิคระเบียบวิธี	การกระทำของครู (คำถามที่วางแผนไว้)	การกระทำของนักเรียน (คำตอบตามแผน)
		เวลาจัด. ยิมนาสติกจิตฟิสิกส์เบื้องต้น วิธีการทางวาจาและการมองเห็น (โดยใช้ DVD-show) ร่างละครใบ้ การรับการเปรียบเทียบตอนดนตรีที่ตัดกันพร้อมกับการเคลื่อนไหว ภาพและการปฏิบัติ วิธีการปฏิบัติ วิธีการเปรียบเทียบ (ทริซ) วิธีการทางวาจา กิจกรรมดนตรีและการศึกษา ปริมาณการวิจัยเชิงสร้างสรรค์ ฝึกการหายใจ การรับการเปรียบเทียบและการเปรียบเทียบ (แก้ไขน้ำเสียงร้องเพลงในหน่วยความจำ) วิธีการมองเห็นด้วยวาจา (ใช้ดีวีดีโชว์) ยิมนาสติกภาพ (เทคโนโลยีเพื่อสุขภาพ) แนวทางปฏิบัติของดนตรีประกอบกับปฏิกิริยาของมอเตอร์ การรับการพัฒนาจินตนาการเชื่อมโยงและพื้นฐานของการเชิดหุ่น วิธีการมองเห็น แผนกต้อนรับเพื่อเพิ่มความประทับใจ วิธีการปฏิบัติ รับถ่ายทอดธรรมชาติของดนตรีในโทนเสียงพลาสติก พื้นฐานของการแสดง การวิเคราะห์ขั้นสุดท้ายของบทเรียน สรุป. รับวาดภาพระบายสีตามอารมณ์	ทักทาย. เราคาดหวังอะไรจากการพบกับดนตรีในวันนี้? กำหนดอาชีพของคนที่เขียนร้อยแก้ว กวีนิพนธ์ ดนตรี? อาชีพคนเล่นดนตรี? แสดงด้วยท่าทางของนักดนตรีบรรเลงเพลงต่างๆ เครื่องมือ คุณรู้จักการแสดงดนตรีอะไรบ้าง? คิดถึงแนวเพลง... การเดินขบวนคืออะไร? คุณรู้จักท่าเต้นอะไร เพลงมีและไม่มีประกอบ ฉันเสนอให้แบ่งกลุ่มและรวบรวมปริศนา "เครื่องดนตรี". พวกเขาอยู่ในกลุ่มใด? การมอบหมายงานสำหรับเด็กครูตั้งชื่อแนวเพลง: มีนาคม, เต้นรำ, เพลง ในทางดนตรี เทคนิคที่นักดนตรีใช้เมื่อทำการแสดงชิ้นนั้นสำคัญมาก เพลงดังหรือเบาก็ได้ (f,p) ไพเราะและกระตุกได้ (legato, staccato) เร็วและช้า เยี่ยมมาก เรามีการแสดงดนตรีเล็กๆ - โอเปร่า และชื่อการแสดงที่ตัวละครแสดงความรู้สึกด้วยการเคลื่อนไหวการเต้น? คุณสามารถดูการแสดงนี้ได้ที่ไหน? มาดูลำดับวิดีโอและดูว่าโรงละครทำงานอย่างไร: ฉาก หลังเวที หอประชุม ฉาก ฉากจากโอเปร่า จากบัลเล่ต์ ครูขอให้เด็กแสดงยิมนาสติกภาพ "เราอยู่ในโรงละคร" คุณทุกคนรู้จักบัลเล่ต์ Nutcracker ใครคือผู้แต่งเทพนิยายและใครเป็นผู้แต่งเพลง? คุณคุ้นเคยกับเนื้อเรื่องของละครเรื่องนี้หรือไม่? มาลองเล่นพล็อตเรื่อง Hoffmann กับดนตรีของไชคอฟสกีเหมือนในโรงละครจริง และมินิเธียเตอร์จะช่วยเราในเรื่องนี้ คุยเรื่องดนตรีได้ โชว์ดนตรีได้ แต่เป็นไปได้ไหมที่จะวาดเพลง? มาดูกันว่าศิลปิน Walt Disney วาดดนตรีอย่างไร คุณได้เห็นแล้วว่าเอลฟ์และนางฟ้าตัวน้อยเคลื่อนไหวอย่างราบรื่นตามจังหวะดนตรีในภาพยนตร์การ์ตูนได้อย่างไร คุณสังเกตเห็นว่าศิลปินวาดภาพฤดูใบไม้ร่วงและการมาถึงของฤดูหนาวที่นี่ ความสำเร็จของดนตรี ภาพวาด และความเป็นพลาสติกของการเต้นถ่ายทอดอารมณ์และอารมณ์แก่เราได้อย่างไร ลองนึกภาพว่าฤดูใบไม้ผลิไม่ได้มาในธรรมชาติเท่านั้น แต่ยังอยู่ในห้องโถงของเราด้วย จำสัญญาณของฤดูใบไม้ผลิของเธอกันเถอะ ลองนึกภาพว่าคุณแต่ละคนได้เข้าสู่ธรรมชาติและสร้างภาพยนตร์เรื่อง "The Coming of Spring" ฟังเพลงอย่างระมัดระวัง มันจะ “บอกคุณ” เกี่ยวกับทุกสิ่ง ฉันชอบวิธีที่คุณทำมันมาก คุณชอบและจำอะไรมากที่สุดเกี่ยวกับบทเรียนนี้ คุณจะบอกอะไรกับเพื่อน พ่อแม่ ต่อไปนี้คือคีย์ดนตรีหลากสีสันที่จะทำให้คุณประหลาดใจ หากคุณชอบบทเรียนและมันทำให้คุณมีความสุข - เลือกกุญแจสีทองที่สว่าง หากคุณไม่ชอบบทเรียนของเราจริงๆ แสดงว่าคุณเศร้าและเศร้า ให้เลือกปุ่มโทนมืด ขอบคุณทุกคน! วันนี้พวกคุณยอดเยี่ยมมาก! ลาก่อน!	เด็ก ๆ เข้าไปในห้องโถงเพื่อฟังเพลง ทักทาย(หน้ากระจก). ความสุขความเศร้าความยินดีความอ่อนโยน นักเขียนกวีนักแต่งเพลง นักดนตรี. นักไวโอลิน นักเปียโน นักเป่าแตร นักกีตาร์ มือกลอง ฯลฯ โอเปร่าบัลเล่ต์ มีนาคมเต้นรำเพลง ทหาร เด็ก กีฬา ของเล่น วอลซ์ โพลก้า แซมบ้า... ไวโอลิน กลอง ขลุ่ย เครื่องสาย เครื่องเคาะ ลม เด็ก ๆ ยืนที่ภาพเครื่องดนตรีซึ่งในความเห็นของพวกเขาคุณสามารถเล่นงานประเภทนี้ได้ เด็ก ๆ นอนหงายทำแบบฝึกหัดการหายใจและในขณะยืนให้ทำซ้ำการเปล่งเสียงพร้อมกับการเสริมและ * capella การแสดงดนตรี: โอเปร่าและ ในโรงละคร ดูเด็ก ๆ โดยไม่ขยับศีรษะ: ปีก (จากขวาไปซ้าย), หอประชุม: แผงลอยและแกลเลอรี่ (ลง, ขึ้น), หอประชุมขนาดใหญ่ (กลอกตา), ม่านปิดแน่นและเปิดออก (เหล่และ เปิดตา) นักเขียนชาวเยอรมัน E.T. Hoffman นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย P.I. Tchaikovsky เด็ก ๆ ที่ได้รับความช่วยเหลือจากตุ๊กตาและของประดับตกแต่งจะทำซ้ำพล็อตของบัลเล่ต์ "The Nutcracker" ครั้งที่ 1 เด็กๆ กำลังชมคลิปวิดีโอของ Walt Disney Fantasies ("เพลงวอลทซ์แห่งดอกไม้") เด็ก ๆ เข้าสู่เสียงเพลงโดยสื่อถึงสัญญาณของฤดูใบไม้ผลิในธรรมชาติ: ลำธาร, นกบิน, การเติบโตของหญ้าและดอกไม้, ลมหนาวและดวงอาทิตย์ที่อบอุ่น ฯลฯ เด็ก ๆ พูดขึ้น เด็กๆ บอกลาและออกจากห้องไป

บรรณานุกรม

1. ดนตรี: สื่อการศึกษาและภาพสำหรับเด็กก่อนวัยเรียนอาวุโส L.N.Alekseeva, T.E.Tyutyunnikova มอสโก บริษัท LLC "สำนักพิมพ์ AST" 1998

2. ฟัง. ร้องเพลง. เล่น: คู่มือการศึกษาด้วยตนเองทางดนตรี V.I. เพทรุชิน มอสโก การศึกษา. 2000

3. เรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีสำหรับเด็ก เอ็น.จี.โคโนโนว่า มอสโก การศึกษา. 1990

4. ด้วยแปรงและดนตรีในฝ่ามือของคุณ N.E.Basina, O.A. ซัสโลวา มอสโก Linka-Press, 1997

5. วิธีการศึกษาดนตรี V.N.โปปอฟ มอสโก เพลง 1990

6. โปรแกรมของครูการศึกษาเพิ่มเติม จากการพัฒนาสู่การปฏิบัติ N.K.Bespyatova. มอสโก Iris-Press, 2546

7. เพลงรัสเซียในศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 B.V. Asafiev, 2nd edition, Music, 1979

8. Solar Circle: ตัวอักษรดนตรี, G.V. Abrahamyan, Moscow ed. "เด็ก", 2528

โรงละคร (กรีก th อี atron - สถานที่สำหรับการแสดง) - รูปแบบศิลปะที่สะท้อนความเป็นจริงผ่านการแสดงบนเวทีที่นักแสดงแสดงต่อหน้าผู้ชม

ศิลปะการแสดงละครเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณแห่งชาติ เป็นกระจกสะท้อนของจิตสำนึกสาธารณะ และชีวิตของผู้คน

ศิลปะการแสดงบนเวทีถือกำเนิดขึ้นในสมัยโบราณและในช่วงเวลาต่างๆ ก็มีจุดมุ่งหมายเพื่อสร้างความบันเทิง ให้ความรู้ หรือเทศนา โรงละครมีความเป็นไปได้มาก ดังนั้นศิลปะการละครจึงพยายามที่จะรับใช้กษัตริย์และเจ้าชาย จักรพรรดิและรัฐมนตรี นักปฏิวัติ และนักอนุรักษ์นิยม

แต่ละยุคกำหนดงานของตัวเองในโรงละคร ตัวอย่างเช่น ในยุคกลาง พื้นที่บนเวทีถูกมองว่าเป็นแบบอย่างของจักรวาล ซึ่งจำเป็นต้องเล่น ย้ำความลึกลับของการสร้างสรรค์อีกครั้ง ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโรงละครเริ่มกำหนดงานแก้ไขความชั่วร้ายมากขึ้น ในระหว่างการตรัสรู้ ศิลปะของการแสดงบนเวทีได้รับการยกย่องอย่างสูง - เป็น "การชำระศีลธรรม" และส่งเสริมคุณธรรม ในช่วงเวลาของการปกครองแบบเผด็จการและการเซ็นเซอร์ โรงละครไม่เพียงแต่เป็นแท่นพูดเท่านั้น แต่ยังเป็นทริบูนอีกด้วย ในช่วงการปฏิวัติของศตวรรษที่ 20 สโลแกน "ศิลปะคืออาวุธ" ปรากฏขึ้น (เป็นที่นิยมในยุค 20 ของศตวรรษที่ 20) และโรงละครก็เริ่มทำภารกิจอื่น - โฆษณาชวนเชื่อ

ผลงานสุดท้ายของโรงละครเป็นการแสดงที่อิงจากบทละคร

เช่นเดียวกับรูปแบบศิลปะอื่น ๆ โรงละครมีของตัวเอง สัญญาณพิเศษ

1. นี่คือศิลปะ สังเคราะห์: งานละคร (การแสดง) ประกอบด้วย บทละคร ผลงานของผู้กำกับ นักแสดง ศิลปิน และผู้แต่ง (ดนตรีมีบทบาทชี้ขาดในโอเปร่าและบัลเล่ต์) เป็นการผสมผสานการเริ่มต้นที่มีประสิทธิภาพและน่าตื่นตาตื่นใจ และผสมผสานวิธีการแสดงศิลปะอื่นๆ เข้าไว้ด้วยกัน เช่น วรรณกรรม ดนตรี ภาพวาด สถาปัตยกรรม การเต้นรำ ฯลฯ

2. ศิลปะ กลุ่ม. การแสดงเป็นผลจากกิจกรรมของผู้คนมากมาย ไม่เพียงแต่ผู้ที่อยู่บนเวทีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ที่เย็บเครื่องแต่งกาย ทำอุปกรณ์ประกอบฉาก จุดไฟ พบปะผู้ชมด้วย โรงละครเป็นทั้งความคิดสร้างสรรค์และการผลิต

ดังนั้นจึงสามารถกำหนดได้ว่าโรงละครเป็นรูปแบบศิลปะสังเคราะห์และส่วนรวมที่นักแสดงดำเนินการบนเวที

3. โรงละครใช้ ชุดเครื่องมือศิลปะ.

ก) ข้อความ.การแสดงละครขึ้นอยู่กับ ข้อความ. นี่คือบทละครสำหรับการแสดงละคร ในบัลเล่ต์เป็นบทเพลง กระบวนการทำงานเกี่ยวกับการแสดงประกอบด้วยการถ่ายโอนข้อความละครไปยังเวที เป็นผลให้คำวรรณกรรมกลายเป็นคำบนเวที

ข) พื้นที่เวทีสิ่งแรกที่ผู้ชมเห็นหลังจากเปิด (ยก) ม่านคือ พื้นที่เวที, ซึ่งประกอบด้วย ทิวทัศน์. บ่งบอกถึงสถานที่ดำเนินการ เวลาประวัติศาสตร์ สะท้อนถึงรสชาติของชาติ ด้วยความช่วยเหลือของโครงสร้างเชิงพื้นที่ แม้แต่อารมณ์ของตัวละครก็สามารถถ่ายทอดได้ (เช่น ในตอนแห่งความทุกข์ทรมานของฮีโร่ ดื่มด่ำกับฉากในความมืดหรือทำให้ฉากหลังเป็นสีดำแน่น)

ค) เวทีและหอประชุมตั้งแต่สมัยโบราณ เวทีและหอประชุมได้ถูกสร้างขึ้นมาสองประเภท: เวทีกล่อง และ เวทีอัฒจันทร์ เวทีกล่องมีไว้สำหรับชั้นและแผงลอยและผู้ชมจะล้อมรอบเวทีอัฒจันทร์จากสามด้าน ปัจจุบันมีการใช้สองประเภทในโลก

ง) อาคารโรงละคร.ตั้งแต่สมัยโบราณ โรงละครถูกสร้างขึ้นบนจัตุรัสกลางเมืองต่างๆ สถาปนิกต้องการให้อาคารมีความสวยงามและดึงดูดความสนใจ เมื่อมาที่โรงละครผู้ชมละทิ้งชีวิตประจำวันราวกับว่าอยู่เหนือความเป็นจริง ดังนั้นจึงไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บันไดที่ประดับด้วยกระจกมักจะนำไปสู่ห้องโถง

จ) ดนตรี.เสริมสร้างผลกระทบทางอารมณ์ของการแสดงละครช่วยได้ ดนตรี. บางครั้งก็ฟังดูไม่เฉพาะระหว่างการดำเนินการ แต่ยังรวมถึงช่วงพักครึ่งเพื่อรักษาผลประโยชน์ของสาธารณชน

ฉ) นักแสดงชาย.หน้าหลักของละคร นักแสดงชาย. สร้างภาพศิลปะของตัวละครต่างๆ ผู้ชมเห็นคนตรงหน้าเขากลายเป็นภาพศิลปะอย่างลึกลับ - งานศิลปะชนิดหนึ่ง แน่นอนว่างานศิลปะไม่ใช่ตัวนักแสดง แต่เป็นบทบาทของเขา เธอคือผู้สร้างนักแสดง ซึ่งสร้างขึ้นด้วยเสียง เส้นประสาท และบางสิ่งที่เข้าใจยาก - วิญญาณ จิตวิญญาณ บทสนทนาของนักแสดงไม่ได้เป็นเพียงคำพูดเท่านั้น แต่ยังเป็นการสนทนาเกี่ยวกับท่าทาง ท่าทาง รูปลักษณ์ และการแสดงออกทางสีหน้าด้วย แนวคิดของนักแสดงและศิลปินแตกต่างกัน นักแสดงคืองานฝีมือ อาชีพ คำว่าศิลปิน (อังกฤษ ศิลปะ - ศิลปะ) บ่งชี้ว่าไม่ใช่ของอาชีพใดอาชีพหนึ่ง แต่สำหรับศิลปะโดยทั่วไป เน้นย้ำถึงคุณภาพสูงของงานฝีมือ ศิลปินก็คือศิลปิน ไม่ว่าเขาจะเล่นในโรงละครหรือทำงานในสาขาอื่น (ภาพยนตร์)

กรัม) ผู้ผลิตเพื่อให้การกระทำบนเวทีเป็นที่รับรู้โดยรวม จำเป็นต้องจัดระเบียบอย่างรอบคอบและสม่ำเสมอ ทำหน้าที่เหล่านี้ ผู้ผลิตผู้กำกับเป็นผู้จัดงานหลักและหัวหน้าฝ่ายผลิตละคร ร่วมมือกับศิลปิน (ผู้สร้างภาพลักษณ์ของการแสดง) กับผู้แต่ง (ผู้สร้างบรรยากาศทางอารมณ์ของการแสดง ดนตรีและโซลูชั่นเสียง) นักออกแบบท่าเต้น (ผู้สร้างการแสดงออกของพลาสติกในการแสดง) และคนอื่น ๆ. ผู้กำกับ-ผู้อำนวยการ ครู และนักการศึกษาของนักแสดง

ทุกสิ่งที่สร้างขึ้นโดยนักเขียนบทละคร นักแสดง ศิลปิน นักแต่งเพลง ล้วนอยู่ในกรอบที่เคร่งครัดตามเจตนารมณ์ของผู้กำกับ ซึ่งให้ความสมบูรณ์และครบถ้วนแก่องค์ประกอบที่ต่างกัน

กระทรวงศึกษาธิการของสาธารณรัฐปกครองตนเองไครเมีย
วิศวกรรมรัฐไครเมียและมหาวิทยาลัยครุศาสตร์
คณะจิตวิทยาและการศึกษา
ภาควิชาวิธีการประถมศึกษา
ทดสอบ
/>ตามระเบียบวินัย
การออกแบบท่าเต้น การแสดงบนเวที และหน้าจอ พร้อมวิธีการสอน
หัวข้อ
หมายถึงการแสดงออกของศิลปะการละคร
นักศึกษา Mikulskite S.I.
ซิมเฟอโรโพล
2550 – 2551 ปีการศึกษา ปี.

วางแผน

2. วิธีการหลักในการแสดงออกของศิลปะการละคร
การตกแต่ง
ชุดละคร
การออกแบบเสียงรบกวน
ไฟบนเวที
เอฟเฟกต์บนเวที
แต่งหน้า
หน้ากาก
วรรณกรรม

1. แนวคิดของมัณฑนศิลป์เป็นวิธีการแสดงออกของศิลปะการละคร
ฉาก - เป็นหนึ่งในวิธีการที่สำคัญที่สุดในการแสดงออกถึงศิลปะการละคร มันเป็นศิลปะในการสร้างภาพลักษณ์ของการแสดงผ่านฉากและเครื่องแต่งกาย แสงและอุปกรณ์การแสดงละคร อิทธิพลทางภาพทั้งหมดเหล่านี้เป็นองค์ประกอบอินทรีย์ของการแสดงละครซึ่งช่วยในการเปิดเผยเนื้อหา ให้เสียง การพัฒนามัณฑนศิลป์มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการพัฒนาโรงละครและการแสดงละคร
ในพิธีกรรมและเกมพื้นบ้านโบราณ มีองค์ประกอบของการตกแต่ง (เครื่องแต่งกาย หน้ากาก ผ้าม่านตกแต่ง) ในโรงละครกรีกโบราณแล้วในศตวรรษที่ 5 BC e. นอกเหนือจากอาคาร skene ซึ่งทำหน้าที่เป็นฉากหลังทางสถาปัตยกรรมสำหรับการเล่นของนักแสดงแล้วยังมีทิวทัศน์เชิงปริมาตรและจากนั้นก็แนะนำทิวทัศน์ที่งดงาม หลักการของศิลปะการตกแต่งกรีกถูกหลอมรวมโดยโรงละครแห่งกรุงโรมโบราณที่ ผ้าม่านถูกใช้ครั้งแรก
ในช่วงยุคกลาง การตกแต่งภายในของโบสถ์ซึ่งมีการแสดงละครเกี่ยวกับพิธีกรรม เดิมทีเล่นบทบาทของการตกแต่งพื้นหลัง ที่นี่ มีการใช้หลักการพื้นฐานของทิวทัศน์พร้อมกัน ซึ่งเป็นลักษณะของโรงละครยุคกลาง เมื่อฉากของการกระทำทั้งหมดแสดงพร้อมกัน หลักการนี้ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในประเภทหลักของโรงละครยุคกลาง - บทละครลึกลับ ในฉากลึกลับทุกประเภท ทัศนียภาพของ "สวรรค์" ที่ให้ความสนใจมากที่สุดเป็นภาพในรูปแบบของซุ้มไม้ที่ประดับประดาด้วยความเขียวขจี ดอกไม้ และผลไม้ และ "นรก" ในรูปแบบปากอ้าของมังกร ทิวทัศน์อันกว้างใหญ่และงดงาม (ภาพท้องฟ้าเต็มไปด้วยดวงดาว) ก็ถูกนำมาใช้เช่นกัน ช่างฝีมือมีฝีมือมีส่วนร่วมในการออกแบบ - จิตรกร ช่างแกะสลัก ช่างทอง โรงละครแห่งแรก ช่างเครื่องเป็นช่างซ่อมนาฬิกา เพชรประดับโบราณ การแกะสลัก และภาพวาด ให้แนวคิดเกี่ยวกับประเภทและวิธีการต่างๆ ในการสร้างความลึกลับ ในอังกฤษ การแสดงบนรถกระเช้า ซึ่งเป็นบูธสองชั้นแบบเคลื่อนย้ายได้ที่ติดตั้งบนเกวียน ได้รับการแจกจ่ายมากที่สุด ชั้นบนมีการแสดงและชั้นล่างเป็นห้องแต่งตัวสำหรับนักแสดง การจัดเรียงแท่นเวทีแบบวงกลมหรือวงแหวนดังกล่าวทำให้สามารถใช้อัฒจันทร์ที่อนุรักษ์ไว้ตั้งแต่ยุคโบราณเพื่อสร้างความลึกลับ รูปแบบที่สามของการออกแบบความลึกลับคือสิ่งที่เรียกว่าระบบศาลา (การแสดงลึกลับในศตวรรษที่ 16 ในเมืองลูเซิร์น ประเทศสวิตเซอร์แลนด์ และเมืองโดเนาเอส์ชินเกน ประเทศเยอรมนี) ซึ่งเป็นบ้านเปิดที่กระจัดกระจายไปทั่วพื้นที่ ซึ่งมีเหตุการณ์ลึกลับเกิดขึ้น ในโรงละครของโรงเรียนในศตวรรษที่ 16 เป็นครั้งแรกที่มีการจัดสถานที่ดำเนินการไม่ตามแนวเดียว แต่ขนานกับสามด้านของเวที
พื้นฐานลัทธิของการแสดงละครในเอเชียกำหนดการปกครองเป็นเวลาหลายศตวรรษของการออกแบบตามเงื่อนไขของเวทีเมื่อรายละเอียดเชิงสัญลักษณ์ส่วนบุคคลกำหนดฉากของการกระทำ การขาดทัศนียภาพเกิดขึ้นจากการมีอยู่ในบางกรณีของพื้นหลังตกแต่ง ความสมบูรณ์และความหลากหลายของเครื่องแต่งกาย หน้ากากสำหรับแต่งหน้า ซึ่งสีมีความหมายเชิงสัญลักษณ์ ในโรงละครดนตรีศักดินา - ชนชั้นสูงของหน้ากากที่มีรูปร่างในญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 14 มีการสร้างการตกแต่งตามรูปแบบบัญญัติ: บนผนังด้านหลังของเวทีกับพื้นหลังสีทองนามธรรมต้นสนถูกวาด - สัญลักษณ์ของ อายุยืนยาว; ด้านหน้าราวบันไดของสะพานที่มีหลังคาซึ่งอยู่ด้านหลังเวทีทางด้านซ้ายและมีไว้สำหรับนักแสดงและนักดนตรีที่จะเข้าสู่เวทีโดยมีการวางรูปต้นสนขนาดเล็กสามต้น
เวลา 15:00 น. ศตวรรษที่ 16 ในอิตาลี อาคารโรงละครและเวทีรูปแบบใหม่ปรากฏขึ้น ศิลปินและสถาปนิกที่ใหญ่ที่สุดมีส่วนร่วมในการออกแบบการแสดงละคร - Leonardoda Vinci, Rafael, A. Mantegna, F. Brunelleschi และอื่น ๆ .Peruzzi ทิวทัศน์ซึ่งแสดงถึงมุมมองของถนนที่ทอดยาวไปสู่ส่วนลึก ถูกวาดบนผ้าใบที่ทอดยาวเหนือกรอบภาพ และประกอบด้วยฉากหลังและแผนผังด้านข้าง 3 ด้านในแต่ละด้านของเวที ทิวทัศน์บางส่วนทำจากไม้ (หลังคาบ้าน ระเบียง ราวบันได ฯลฯ) การหดตัวของเปอร์สเปคทีฟที่ต้องการทำได้โดยการยกแท็บเล็ตขึ้นสูงชัน แทนที่จะแสดงฉากพร้อมกันบนเวทีเรเนซองส์ ฉากแอ็กชันทั่วไปและไม่แปรผันหนึ่งฉากถูกผลิตซ้ำสำหรับการแสดงบางประเภท สถาปนิกและมัณฑนากรชาวอิตาลีที่ใหญ่ที่สุด S. Serlio ได้พัฒนาทิวทัศน์ 3 ประเภท ได้แก่ วัดวาอาราม พระราชวัง ซุ้มประตู - สำหรับโศกนาฏกรรม จัตุรัสกลางเมืองที่มีบ้านส่วนตัว ร้านค้า โรงแรม - สำหรับคอเมดี้ ภูมิทัศน์ป่าไม้ - สำหรับพระ
ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาพิจารณาเวทีและหอประชุมโดยรวม สิ่งนี้แสดงให้เห็นในการสร้างโรงละคร Olimpico ในเมือง Vicenza ซึ่งออกแบบโดย A. Palladio ในปี ค.ศ. 1584; วี. สกามอซซีได้สร้างเครื่องราชอิสริยาภรณ์ถาวรอันวิจิตรงดงามในสถานที่แห่งนี้ โดยพรรณนาถึง "เมืองในอุดมคติ" และมีไว้สำหรับการแสดงละครโศกนาฏกรรม
ชนชั้นสูงของโรงละครในช่วงวิกฤตของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีทำให้เกิดความโดดเด่นในการแสดงละครภายนอก การตกแต่งนูนของ S. Serlio ถูกแทนที่ด้วยการตกแต่งที่งดงามในสไตล์บาร็อค ตัวละครที่มีเสน่ห์ของโอเปร่าในศาลและการแสดงบัลเล่ต์ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 และ 17 นำไปสู่การใช้กลไกการแสดงละครอย่างกว้างขวาง การประดิษฐ์ telarii ปริซึมหมุนสามหน้าปกคลุมด้วยผ้าใบทาสี ประกอบกับศิลปิน Buontalenti ทำให้สามารถเปลี่ยนทิวทัศน์ต่อหน้าสาธารณชนได้ คำอธิบายของอุปกรณ์ของฉากเปอร์สเป็คทีฟที่เคลื่อนไหวนั้นมีอยู่ในผลงานของสถาปนิกชาวเยอรมัน I. Furtenbach ซึ่งทำงานในอิตาลีและปลูกเทคนิคของโรงละครอิตาลีในเยอรมนีตลอดจนในบทความเรื่อง "On the Art of Building" ขั้นตอนและเครื่องจักร” (1638) โดยสถาปนิก N. Sabbatini การปรับปรุงเทคนิคการวาดภาพเปอร์สเปคทีฟช่วยให้นักตกแต่งสามารถสร้างความประทับใจในเชิงลึกโดยไม่ต้องเพิ่มความสูงชันของแท็บเล็ต นักแสดงสามารถใช้พื้นที่บนเวทีได้อย่างเต็มที่ แรกเริ่ม. ศตวรรษที่ 17 ฉากหลังเวทีปรากฏขึ้น คิดค้นโดย J. อเลออตติ. มีการแนะนำอุปกรณ์ทางเทคนิคสำหรับเที่ยวบิน ระบบช่องเก็บของ รวมถึงแผงป้องกันประตูด้านข้างและซุ้มประตูพอร์ทัล ทั้งหมดนี้นำไปสู่การสร้างฉากกล่อง
ระบบฉากหลังของอิตาลีแพร่หลายไปในทุกประเทศในยุโรป อาร์ทั้งหมด ศตวรรษที่ 17 ในโรงละครในราชสำนักเวียนนา ฉากหลังเวทีแบบบาโรกได้รับการแนะนำโดยสถาปนิกโรงละครชาวอิตาลี L. Burnacini ในฝรั่งเศส สถาปนิกโรงละครชื่อดังชาวอิตาลี มัณฑนากร และช่างเครื่อง G. Torelli ได้นำความสำเร็จของฉากหลังเวทีที่มีแนวโน้มดีมาใช้ในการผลิตโอเปร่าของศาล และประเภทบัลเล่ต์ โรงละครสเปนซึ่งยังคงได้รับการอนุรักษ์ไว้ในศตวรรษที่ 16 ฉากยุติธรรมดั้งเดิมดูดซึมระบบอิตาลีผ่านอิตาลีบาง K. Lotti ซึ่งทำงานในโรงละครศาลสเปน (1631) โรงละครสาธารณะในเมืองลอนดอนยังคงรักษาเวทีตามเงื่อนไขของยุคเชคสเปียร์มาเป็นเวลานานโดยแบ่งออกเป็นขั้นตอนบน ล่าง และหลัง โดยมีฉากที่ยื่นออกมาในหอประชุมและการตกแต่งเพียงเล็กน้อย เวทีของโรงละครอังกฤษทำให้สามารถ เปลี่ยนฉากตามลำดับอย่างรวดเร็ว การตกแต่งที่มีแนวโน้มของประเภทอิตาลีถูกนำมาใช้ในอังกฤษในไตรมาสที่ 1 ศตวรรษที่ 17 สถาปนิกโรงละคร I. Jones ในการผลิตการแสดงของศาล ในรัสเซีย ฉากเปอร์สเปคทีฟหลังเวทีถูกใช้ในปี 1672 ในการแสดงที่ศาลของซาร์อเล็กซี่ มิคาอิโลวิช
ในยุคคลาสสิก บทละครซึ่งเรียกร้องความสามัคคีของสถานที่และเวลา ได้อนุมัติทัศนียภาพที่ถาวรและไม่เปลี่ยนแปลง ปราศจากลักษณะเฉพาะทางประวัติศาสตร์ (ห้องบัลลังก์หรือล็อบบี้ของพระราชวังสำหรับโศกนาฏกรรม จัตุรัสกลางเมือง หรือห้องสำหรับ ตลก) เอฟเฟกต์การตกแต่งและการแสดงละครที่หลากหลายถูกรวมเข้าด้วยกันในศตวรรษที่ 17 ภายในประเภทโอเปร่าและบัลเลต์ การแสดงละครมีความโดดเด่นด้วยการออกแบบที่เข้มงวดและตระหนี่ ในโรงภาพยนตร์ของฝรั่งเศสและอังกฤษ การแสดงบนเวทีของผู้ชมของชนชั้นสูงที่ตั้งอยู่ด้านข้างของหอดูดาว ได้จำกัดความเป็นไปได้ของการแสดงทัศนียภาพ การพัฒนาโอเปร่าต่อไปนำไปสู่การปฏิรูปโอเปร่า การปฏิเสธความสมมาตรการแนะนำมุมมองเชิงมุมช่วยสร้างภาพลวงตาของความลึกที่ยิ่งใหญ่ของฉากด้วยการวาดภาพ ไดนามิกและการแสดงออกทางอารมณ์ของฉากเกิดขึ้นจากการเล่นของแสงและเงาความหลากหลายจังหวะในการพัฒนา ของลวดลายทางสถาปัตยกรรม (enfilades ที่ไม่มีที่สิ้นสุดของห้องโถงแบบบาโรกที่ตกแต่งด้วยเครื่องประดับปูนปั้นโดยมีแถวของคอลัมน์บันไดโค้งรูปปั้น) ด้วยความช่วยเหลือซึ่งสร้างความประทับใจให้กับความยิ่งใหญ่ของโครงสร้างทางสถาปัตยกรรม.
ความรุนแรงของการต่อสู้ทางอุดมการณ์ในการตรัสรู้พบการแสดงออกในการต่อสู้รูปแบบต่าง ๆ และในศิลปะการตกแต่ง ควบคู่ไปกับการเพิ่มความเข้มข้นของความงดงามตระการตาของทัศนียภาพแบบบาโรกและลักษณะของทัศนียภาพที่แสดงในสไตล์โรโคโค ลักษณะเฉพาะของทิศทางศักดินา-ชนชั้นสูง ในศิลปะการตกแต่งในยุคนี้มีการต่อสู้เพื่อการปฏิรูปโรงละครเพื่อการปลดปล่อย จากความงดงามที่เป็นนามธรรมของศิลปะในศาล เพื่อการแสดงลักษณะเฉพาะของชาติและประวัติศาสตร์ของฉากได้แม่นยำยิ่งขึ้น ในการต่อสู้ครั้งนี้ โรงละครเพื่อการศึกษาได้หันไปใช้ภาพแนวโรแมนติกที่กล้าหาญซึ่งแสดงออกถึงการสร้างสรรค์ทิวทัศน์ในสไตล์คลาสสิก ทิศทางนี้ได้รับการพัฒนาโดยเฉพาะในฝรั่งเศสในผลงานของนักตกแต่ง J. Servandoni, G. Dumont, P.A. Brunetti ผู้สร้างอาคารสถาปัตยกรรมโบราณบนเวที ในปี ค.ศ. 1759 วอลแตร์ประสบความสำเร็จในการขับไล่ผู้ชมออกจากเวที ทำให้มีพื้นที่ว่างเพิ่มเติมสำหรับทิวทัศน์ ในอิตาลี การเปลี่ยนจากบาโรกไปสู่ความคลาสสิกพบการแสดงออกในผลงานของ G. Piranesi
การพัฒนาโรงละครอย่างเข้มข้นในรัสเซียในศตวรรษที่ 18 นำไปสู่ความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะการตกแต่งของรัสเซียซึ่งใช้ความสำเร็จทั้งหมดของการวาดภาพโรงละครสมัยใหม่ ในยุค 40 ในศตวรรษที่ 18 ศิลปินต่างชาติรายใหญ่มีส่วนร่วมในการออกแบบการแสดง - K. Bibbiena, P. และ F. Gradipzi และคนอื่น ๆ ซึ่งเป็นสถานที่ที่โดดเด่นของผู้ติดตามที่มีพรสวรรค์ของ Bibbiena J. Valeriani ในชั้นที่ 2 ศตวรรษที่ 18 นักตกแต่งชาวรัสเซียที่มีพรสวรรค์มาก่อนซึ่งส่วนใหญ่เป็นข้ารับใช้: I. Vishnyakov, พี่น้อง Volsky, I. Firsov, S. Kalinin, G. Mukhin, K. Funtusov และคนอื่น ๆ ที่ทำงานในศาลและโรงละครเสิร์ฟ ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1792 พี. กอนซาโก ศิลปินและสถาปนิกโรงละครที่โดดเด่นทำงานในรัสเซีย ในงานของเขาซึ่งเชื่อมโยงกับลัทธิคลาสสิกของการตรัสรู้ความเข้มงวดและความสามัคคีของรูปแบบสถาปัตยกรรมที่สร้างความประทับใจให้กับความยิ่งใหญ่และความยิ่งใหญ่ถูกรวมเข้ากับภาพลวงตาที่สมบูรณ์ของความเป็นจริง
ปลายศตวรรษที่ 18 ในโรงละครยุโรปที่เกี่ยวข้องกับการพัฒนาของละครชนชั้นกลาง ทิวทัศน์ของศาลาปรากฏขึ้น (ห้องปิดที่มีสามผนังและเพดาน) วิกฤตอุดมการณ์ศักดินาในศตวรรษที่ 17-18 พบภาพสะท้อนในศิลปะการตกแต่งของประเทศแถบเอเชียทำให้เกิดนวัตกรรมมากมาย ญี่ปุ่นในคริสต์ศตวรรษที่ 18 อาคารต่างๆ ถูกสร้างขึ้นสำหรับโรงละครคาบุกิ ซึ่งเวทีนี้มีฉากที่ยื่นออกมาอย่างแข็งแกร่งให้กับผู้ชมและม่านเคลื่อนในแนวนอน จากด้านขวาและด้านซ้ายของเวทีไปจนถึงผนังด้านหลังของหอประชุมมีชานชาลา ("ฮานามิจิ" ซึ่งเป็นถนนแห่งดอกไม้อย่างแท้จริง) ซึ่งการแสดงก็ถูกเปิดเผยเช่นกัน (ต่อมาแพลตฟอร์มด้านขวาถูกยกเลิก ในยุคของเรา เฉพาะชานชาลาด้านซ้ายเท่านั้นที่ยังคงอยู่ในโรงภาพยนตร์คาบูกิ) โรงละครคาบูกิใช้ทิวทัศน์สามมิติ (สวน อาคารบ้านเรือน ฯลฯ) เพื่อแสดงลักษณะเฉพาะของฉาก ในปี ค.ศ. 1758 มีการใช้เวทีหมุนเป็นครั้งแรกซึ่งผลัดกันทำด้วยตนเอง ประเพณีในยุคกลางได้รับการอนุรักษ์ในโรงละครหลายแห่งในจีน อินเดีย อินโดนีเซีย และประเทศอื่นๆ ซึ่งแทบจะไม่มีทิวทัศน์เลย และการตกแต่งก็จำกัดแค่เครื่องแต่งกาย หน้ากาก และการแต่งหน้าเท่านั้น
การปฏิวัติของชนชั้นนายทุนฝรั่งเศสในปลายศตวรรษที่ 18 มีผลอย่างมากต่อศิลปะการละคร การขยาย ธีมของละครทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงในศิลปะการตกแต่ง ในการผลิตละครประโลมโลกและละครใบ้บนเวทีของ "โรงละครบนถนน" ในปารีส ความสนใจเป็นพิเศษในการออกแบบ; ทักษะขั้นสูงของช่างเครื่องละครทำให้สามารถแสดงผลต่างๆ ได้ (เรืออับปาง ภูเขาไฟระเบิด ฉากพายุฝนฟ้าคะนอง ฯลฯ) ในศิลปะการตกแต่งในสมัยนั้น วัตถุที่เรียกว่า pratikables (รายละเอียดการออกแบบสามมิติที่แสดงถึงหิน สะพาน เนินเขา ฯลฯ) ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย ในไตรมาสที่ 1 ศตวรรษที่ 19 ภาพพาโนรามาที่งดงาม ภาพสามมิติ หรือนีโอรามา รวมกับนวัตกรรมแสงบนเวที เริ่มแพร่หลาย (ก๊าซถูกนำมาใช้ในโรงภาพยนตร์ในปี ค.ศ. 1920) โครงการที่กว้างขวางสำหรับการปฏิรูปการออกแบบการแสดงละครได้รับการเสนอชื่อโดยแนวโรแมนติกของฝรั่งเศสซึ่งกำหนดหน้าที่ของการแสดงลักษณะเฉพาะทางประวัติศาสตร์ของฉาก นักเขียนบทละครโรแมนติกมีส่วนร่วมโดยตรงในการผลิตละครของพวกเขา โดยให้ข้อคิดเห็นที่ยาวเหยียดและภาพร่างของพวกเขาเอง การแสดงถูกสร้างขึ้นด้วยฉากที่ซับซ้อนและเครื่องแต่งกายที่งดงาม โดยพยายามผสมผสานในการผลิตโอเปร่าและละครหลายเรื่องบนพล็อตเรื่องประวัติศาสตร์ที่แม่นยำของสีของสถานที่และเวลาด้วยความสวยงดงามตระการตา ความซับซ้อนของเทคนิคการแสดงละครทำให้เกิดการใช้ม่านบ่อยครั้งระหว่างการแสดง ในปี ค.ศ. 1849 บนเวที Paris Opera ในการผลิต The Prophet ของ Meyerbeer มีการใช้เอฟเฟกต์แสงไฟฟ้าเป็นครั้งแรก
ในรัสเซียในยุค 30-70 ศตวรรษที่ 19 ก. โรลเลอร์ ปรมาจารย์ด้านเครื่องแสดงละครที่โดดเด่น เป็นมัณฑนากรที่สำคัญในแนวโรแมนติก เทคนิคขั้นสูงของการแสดงละครที่พัฒนาขึ้นโดยเขา ต่อมาได้รับการพัฒนาโดยนักตกแต่งเช่น K.F. วาลท์ส เอเอฟ Geltseri et al. เทรนด์การตกแต่งใหม่ในครึ่งปีหลัง ศตวรรษที่ 19 ได้รับการยืนยันภายใต้อิทธิพลของการแสดงละครและศิลปะการแสดงคลาสสิกของรัสเซียที่สมจริง Shishkov และ M.I. Bocharov ในปี 1867 ในละครเรื่อง "The Death of Ivan the Terrible" โดย A.K. ตอลสตอย (โรงละครอเล็กซานเดรีย) ชิชคอฟประสบความสำเร็จเป็นครั้งแรกในการแสดงชีวิตของรัสเซียยุคพรีเพทรินด้วยความเป็นรูปธรรมและความแม่นยำทางประวัติศาสตร์บนเวทีเป็นครั้งแรก ตรงกันข้ามกับโบราณคดีที่ค่อนข้างแห้งแล้งของ Shishkov Bocharov นำเสนอความรู้สึกที่แท้จริงและอารมณ์ของธรรมชาติรัสเซียในทิวทัศน์ของเขาโดยคาดการณ์การมาถึงของจิตรกรตัวจริงบนเวทีพร้อมกับงานของเขา สถาปัตยกรรม", "เครื่องแต่งกาย" ฯลฯ ; ในการแสดงละครในรูปแบบร่วมสมัย ตามปกติแล้ว จะใช้ฉากสำเร็จรูปหรือ "ตามหน้าที่" ("ห้องคนจน" หรือ "รวย", "ป่า", "วิวชนบท" เป็นต้น) ในชั้นที่ 2 ศตวรรษที่ 19 การประชุมเชิงปฏิบัติการการตกแต่งขนาดใหญ่ถูกสร้างขึ้นเพื่อให้บริการโรงละครยุโรปหลายแห่ง (การประชุมเชิงปฏิบัติการของ Philastre และ Ch. Cambon, A. Rouubaud และ F. Chaperon ในฝรั่งเศส, Lütke-Meyer ในเยอรมนีและอื่น ๆ ) ในช่วงเวลานี้การตกแต่งสไตล์ที่เทอะทะ เป็นทางการ ผสมผสานซึ่งศิลปะและจินตนาการเชิงสร้างสรรค์ถูกแทนที่ด้วยงานหัตถกรรมกลายเป็นที่แพร่หลาย เกี่ยวกับการพัฒนามัณฑนศิลป์ในยุค 70-80 กิจกรรมของโรงละคร Meiningen มีอิทธิพลอย่างมากซึ่งการทัวร์ในยุโรปแสดงให้เห็นถึงความสมบูรณ์ของการตัดสินใจในการแสดงของผู้กำกับวัฒนธรรมการผลิตที่สูงความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ของฉากเครื่องแต่งกายและอุปกรณ์เสริม . พวกเขาใช้ความหลากหลายของการบรรเทาแท็บเล็ต เติมพื้นที่เวทีด้วยรูปแบบสถาปัตยกรรมต่าง ๆ พวกเขาใช้ pratikables มากมายในรูปแบบของแพลตฟอร์มต่าง ๆ บันได เสาสามมิติ หิน และเนินเขา ด้านภาพของโปรดักชั่น Meiningen (การออกแบบซึ่ง
ส่วนใหญ่เป็นของ Duke George II) อิทธิพลของโรงเรียนจิตรกรรมประวัติศาสตร์เยอรมัน - P. Cornelius, W. Kaulbach, K. Piloty - ได้รับผลกระทบอย่างชัดเจน อย่างไรก็ตาม ความถูกต้องทางประวัติศาสตร์และความเป็นไปได้ "ความถูกต้อง" ของอุปกรณ์เสริมในบางครั้งได้รับความสำคัญแบบพอเพียงในการแสดงของชาวไมนิงเงน
E. Zola แสดงในช่วงปลายยุค 70 ด้วยการวิพากษ์วิจารณ์แนวนามธรรมคลาสสิค อุดมคติ โรแมนติก และงดงามตระการตา เขาต้องการให้แสดงภาพบนเวทีของชีวิตสมัยใหม่ "การจำลองสภาพแวดล้อมทางสังคมที่ถูกต้อง" โดยใช้ทิวทัศน์ซึ่งเขาเปรียบเทียบกับคำอธิบายในนวนิยาย โรงละคร Symbolist ซึ่งเกิดขึ้นในฝรั่งเศสในยุค 90 ภายใต้สโลแกนของการประท้วงต่อการแสดงละครและธรรมชาตินิยม ต่อสู้กับศิลปะที่สมจริง รอบโรงละครศิลปะของ P. Faure และโรงละคร "ความคิดสร้างสรรค์" ของ Lunier-Poe ศิลปินของค่ายสมัยใหม่ M. Denis, P. Serusier, A. Toulouse-Lautrec, E. Vuillard, E. Munch และคนอื่น ๆ รวมกัน; พวกเขาสร้างฉากที่เรียบง่ายและเก๋ไก๋ ความสับสนของอิมเพรสชั่นนิสม์ ลัทธิดึกดำบรรพ์ที่เน้นย้ำและสัญลักษณ์ ซึ่งทำให้โรงละครห่างไกลจากการพรรณนาถึงชีวิตที่สมจริง
วัฒนธรรมรัสเซียเติบโตขึ้นอย่างมากในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 โรงละครและมัณฑนศิลป์ ในรัสเซียในยุค 80-90 ศิลปินขาตั้งที่ใหญ่ที่สุดมีส่วนร่วมในการทำงานในโรงละคร - V.D. Polenov, V.M. Vasnetsov และ A.M. Vasnetsov, I.I. Levitan, K.A. Korovin, V.A. Serov, แมสซาชูเซตส์ วรูเบล ทำงานตั้งแต่ปี 1885 ในมอสโก Private Russian Opera S.I. Mamontov พวกเขาแนะนำเทคนิคการจัดองค์ประกอบของการวาดภาพเสมือนจริงสมัยใหม่ในทิวทัศน์ ยืนยันหลักการของการตีความแบบองค์รวมของการแสดง ในการผลิตโอเปร่าโดย Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky ศิลปินเหล่านี้ได้ถ่ายทอดความคิดริเริ่มของประวัติศาสตร์รัสเซีย การแต่งบทเพลงแห่งจิตวิญญาณของภูมิทัศน์รัสเซีย เสน่ห์และบทกวีของภาพในเทพนิยาย
การอยู่ใต้บังคับบัญชาของหลักการออกแบบเวทีกับข้อกำหนดของทิศทางของเวทีที่เหมือนจริงได้เกิดขึ้นครั้งแรกในปลายศตวรรษที่ 19 และ 20 ในการฝึกฝนของ Moscow Art Theatre แทนที่จะเป็นฉากหลังแบบดั้งเดิม ศาลา และทิวทัศน์ "สำเร็จรูป" ตามปกติสำหรับโรงละครของจักรวรรดิ การแสดงแต่ละครั้งของมอสโกอาร์ตเธียเตอร์มีการออกแบบพิเศษที่สอดคล้องกับความตั้งใจของผู้กำกับ การขยายตัวของความเป็นไปได้ในการวางแผน (การประมวลผลระนาบพื้นแสดงมุมที่ผิดปกติของที่อยู่อาศัย) ความปรารถนาที่จะสร้างความประทับใจให้กับสภาพแวดล้อม "อาศัยอยู่ใน" บรรยากาศทางจิตวิทยาของการกระทำแสดงถึงศิลปะการตกแต่งของมอสโกอาร์ตเธียเตอร์
มัณฑนากร Art Theatre V.A. Simov เป็นไปตาม K.S. Stanislavsky "ผู้ก่อตั้งศิลปินบนเวทีรูปแบบใหม่" โดดเด่นด้วยความรู้สึกของความเป็นจริงของชีวิตและเชื่อมโยงงานของพวกเขากับการกำกับอย่างแยกไม่ออก การปฏิรูปศิลปะการตกแต่งที่สมจริงที่ดำเนินการโดยมอสโกอาร์ตเธียเตอร์มีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะการละครโลก บทบาทสำคัญในการปรับแต่งอุปกรณ์ทางเทคนิคของเวทีและในการเพิ่มคุณค่าความเป็นไปได้ของศิลปะการตกแต่งนั้นเล่นโดยใช้เวทีหมุนเวียนซึ่งถูกใช้ครั้งแรกในโรงละครยุโรปโดย K. Lautenschläger ในการผลิตโอเปร่า Don Giovanni ของ Mozart (พ.ศ. 2439 โรงละครเรซิเดนซ์ มิวนิก)
ในปี 1900 ศิลปินกลุ่ม World of Art - A.N. เบอนัวส์, แอล.เอส. บักสท์, เอ็ม.วี. Dobuzhinsky, N.K. Roerich, อี.อี. แลนเซเร่, อ.ย. Bilibini เป็นต้น ลักษณะย้อนหลังและลักษณะเฉพาะของศิลปินเหล่านี้จำกัดความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขา แต่วัฒนธรรมและทักษะระดับสูงของพวกเขาซึ่งมุ่งมั่นเพื่อความสมบูรณ์ของแนวความคิดทางศิลปะทั่วไปของการแสดงมีบทบาทเชิงบวกในการปฏิรูปศิลปะการตกแต่งโอเปร่าและบัลเล่ต์ไม่เพียงเท่านั้น ในรัสเซียแต่ยังต่างประเทศ ทัวร์ชมโอเปร่าและบัลเลต์ของรัสเซียซึ่งเริ่มขึ้นในปารีสในปี 2451 และแสดงซ้ำเป็นเวลาหลายปี แสดงให้เห็นถึงวัฒนธรรมภาพระดับสูงของทัศนียภาพ ความสามารถของศิลปินในการถ่ายทอดรูปแบบและลักษณะของศิลปะในยุคต่างๆ กิจกรรมของ Benois, Dobuzhinsky, B. M. Kustodiev, Roerich ยังเกี่ยวข้องกับมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ซึ่งลักษณะความงามของศิลปินเหล่านี้ส่วนใหญ่ด้อยกว่าข้อกำหนดของทิศทางที่สมจริงของ K.S. Stanislavsky และ V.I. Nemirovich-Danchenko นักตกแต่งชาวรัสเซียที่ใหญ่ที่สุด K.A. Korovin และ A.Ya. Golovin ที่ทำงานตั้งแต่เริ่มต้น ศตวรรษที่ 20 ในโรงละครของจักรวรรดิได้ทำการเปลี่ยนแปลงขั้นพื้นฐานในศิลปะการตกแต่งของเวทีรัฐ ลักษณะการเขียนที่เสรีในวงกว้างของ Korovin ความรู้สึกของธรรมชาติที่มีชีวิตที่มีอยู่ในภาพบนเวทีของเขา ความสมบูรณ์ของโทนสีที่รวมทิวทัศน์และเครื่องแต่งกายของตัวละครเข้าด้วยกัน ส่งผลกระทบต่อการออกแบบบัลเล่ต์โอเปร่ารัสเซียอย่างชัดเจนที่สุด - Sadko, The Golden Cockerel; "ม้าหลังค่อม" C. Pugni และอื่น ๆ การตกแต่งในพิธีการวาดรูปแบบที่ชัดเจนความกล้าหาญของการผสมสีความสามัคคีทั่วไปความสมบูรณ์ของการแก้ปัญหาทำให้ภาพวาดละครของ Golovin แตกต่าง ต่างจาก Korovin ตรงที่ Golovin เน้นย้ำถึงลักษณะการแสดงละครของการออกแบบเวทีในภาพวาดและทิวทัศน์เสมอ ส่วนประกอบแต่ละส่วน เขาใช้เฟรมพอร์ทัลที่ตกแต่งด้วยเครื่องประดับ ผ้าม่าน appliqued และทาสีที่หลากหลาย proscenium ฯลฯ ในปี 1908-17 Golovin ได้สร้างการออกแบบสำหรับการแสดงโพสต์จำนวนมาก วศ.บ. Meyerhold (รวมถึง "Don Juan" โดย Moliere, "Masquerade")
สร้างความเข้มแข็งให้กับแนวโน้มต่อต้านความเป็นจริงในงานศิลปะของชนชั้นนายทุนเมื่อสิ้นสุดวันที่ 19 และจุดเริ่มต้น ในศตวรรษที่ 20 การปฏิเสธที่จะเปิดเผยแนวคิดทางสังคมส่งผลกระทบในทางลบต่อการพัฒนาศิลปะการตกแต่งที่เหมือนจริงในฝั่งตะวันตก ตัวแทนของกระแสน้ำที่เสื่อมโทรมประกาศว่า "ความธรรมดา" เป็นหลักการสำคัญของศิลปะ A. Appiah (สวิตเซอร์แลนด์) และ G. Craig (อังกฤษ) ต่อสู้กับความสมจริงอย่างต่อเนื่อง นำเสนอแนวคิดในการสร้าง "โรงละครเชิงปรัชญา" โดยแสดงภาพโลกแห่งความคิดที่ "มองไม่เห็น" ด้วยความช่วยเหลือของทิวทัศน์เหนือกาลเวลาที่เป็นนามธรรม (ก้อน ฉาก ชานชาลา บันได ฯลฯ) โดยการเปลี่ยนแสงที่พวกเขาได้รับ การเล่นของรูปแบบอวกาศที่ยิ่งใหญ่ แนวทางปฏิบัติของ Crag ในการเป็นผู้กำกับและศิลปินนั้นจำกัดอยู่เพียงไม่กี่งาน แต่ทฤษฎีของเขามีอิทธิพลต่องานของนักออกแบบโรงละครและผู้กำกับหลายคนในหลายประเทศในเวลาต่อมา หลักการของโรงละคร Symbolist สะท้อนให้เห็นในผลงานของนักเขียนบทละคร จิตรกร และศิลปินชาวโปแลนด์ S. Wyspiansky ผู้ปรารถนาที่จะสร้างการแสดงตามเงื่อนไขที่ยิ่งใหญ่ อย่างไรก็ตาม การนำรูปแบบศิลปะพื้นบ้านของประเทศไปใช้ในทิวทัศน์และโครงการต่างๆ ของเวทีเชิงพื้นที่ ได้ปลดปล่อยงานของ Wyspiansky จากการเป็นนามธรรมที่เยือกเย็น ทำให้มันเป็นจริงมากขึ้น ผู้จัดงานมิวนิกอาร์ตเธียเตอร์ G. Fuchs ร่วมกับศิลปิน F. Erler เสนอโครงการ "ฉากโล่งใจ" (นั่นคือฉากที่เกือบจะไร้ความลึก) ซึ่งร่างของนักแสดงตั้งอยู่บนเครื่องบินในรูปแบบของความโล่งใจ ผู้กำกับเอ็ม. ไรน์ฮาร์ด (เยอรมนี) ใช้เทคนิคการออกแบบที่หลากหลายในโรงภาพยนตร์ที่เขากำกับ: ตั้งแต่การออกแบบอย่างพิถีพิถัน ภาพสามมิติที่เกือบจะลวงตาและสามมิติที่เกี่ยวข้องกับการใช้เวทีหมุนวน ไปจนถึงการติดตั้งแบบไม่มีเงื่อนไขทั่วไป ตั้งแต่แบบเรียบง่ายมีสไตล์ การตกแต่ง "ในผ้า" ให้กับเวทีการแสดงละครสัตว์ที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเน้นที่ประสิทธิภาพของเวทีภายนอกอย่างหมดจดมากขึ้นเรื่อย ๆ ศิลปิน E. Stern, E. Orlik, E. Munch, E. Schütte, O. Messel, ประติมากร M. Kruse และคนอื่นๆ ทำงานร่วมกับ Reinhardt
ในช่วงปลายทศวรรษที่ 10 และ 20 ศตวรรษที่ 20 Expressionism ซึ่งพัฒนาขึ้นในขั้นต้นในเยอรมนี แต่ได้รับความสนใจอย่างกว้างขวางในศิลปะของประเทศอื่น ๆ ได้รับความสำคัญเด่น แนวโน้ม Expressionist นำไปสู่ความขัดแย้งที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นในศิลปะการตกแต่ง ไปจนถึงการจัดแผนผัง การออกจากความสมจริง ศิลปินพยายามสร้างโลกแห่งวิสัยทัศน์ส่วนตัวบนเวทีโดยใช้ "การเลื่อน" และ "มุมเอียง" ของเครื่องบิน ทิวทัศน์ที่ไม่มีวัตถุหรือเป็นชิ้นเป็นชิ้น ในเวลาเดียวกัน การแสดงของผู้แสดงออกบางคนมีแนวการต่อต้านจักรวรรดินิยมที่เด่นชัด และฉากในนั้นก็ได้ลักษณะพิเศษของสังคมพิลึกพิลั่น ศิลปะการตกแต่งในยุคนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยความหลงใหลของศิลปินในการทดลองทางเทคนิค ความปรารถนาที่จะทำลายกล่องเวที การเปิดโปงเวที และเทคนิคของเทคนิคการจัดเตรียม กระแสทางการ - คอนสตรัคติวิสต์, คิวบิสม์, ลัทธิอนาคต - นำศิลปะการตกแต่งบนเส้นทางของเทคนิคแบบพอเพียง ศิลปินของแนวโน้มเหล่านี้ทำซ้ำบนเวทีรูปทรงเรขาคณิตเครื่องบินและปริมาตรที่ "บริสุทธิ์" การผสมผสานที่เป็นนามธรรมของชิ้นส่วนของกลไกพยายามที่จะถ่ายทอด "ไดนามิก" "จังหวะและจังหวะ" ของเมืองอุตสาหกรรมสมัยใหม่พยายามสร้าง สร้างภาพลวงตาของการทำงานของเครื่องจักรจริง (G. Severini, F. Depero, E. Prampolini - Italy, F. Leger - France, ฯลฯ )
ในศิลปะการตกแต่งของยุโรปตะวันตกและอเมริกา ser. ศตวรรษที่ 20 ไม่มีกระแสศิลปะและโรงเรียนที่เฉพาะเจาะจง: ศิลปินพยายามพัฒนาลักษณะที่กว้างเพื่อให้พวกเขาสามารถนำไปใช้กับสไตล์และเทคนิคต่างๆ อย่างไรก็ตาม ในหลายกรณี ศิลปินผู้ออกแบบการแสดงไม่ได้สื่อถึงเนื้อหาเชิงอุดมคติของบทละคร ตัวละคร ลักษณะทางประวัติศาสตร์ที่เฉพาะเจาะจงมากนัก แต่มุ่งมั่นที่จะสร้างผลงานศิลปะการตกแต่งที่เป็นอิสระบนผืนผ้าใบซึ่งก็คือ “ ผลแห่งจินตนาการเสรีของศิลปิน” ดังนั้นความเด็ดขาด การออกแบบที่เป็นนามธรรม การแตกแยกกับความเป็นจริงในการแสดงมากมาย สิ่งนี้ขัดกับแนวปฏิบัติของผู้กำกับที่ก้าวหน้าและผลงานของศิลปินที่พยายามรักษาและพัฒนาศิลปะการตกแต่งที่สมจริง โดยอาศัยความคลาสสิก ละครสมัยใหม่ที่ก้าวหน้า และประเพณีพื้นบ้าน
ตั้งแต่ทศวรรษที่ 10 ศตวรรษที่ 20 ผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะขาตั้งมีส่วนร่วมมากขึ้นในการทำงานในโรงละครและความสนใจในศิลปะการตกแต่งเนื่องจากกิจกรรมศิลปะเชิงสร้างสรรค์ประเภทหนึ่งเติบโตขึ้น ตั้งแต่ยุค 30 จำนวนศิลปินมืออาชีพที่มีคุณสมบัติเหมาะสมที่รู้จักเทคนิคการแสดงละครเป็นอย่างดีเพิ่มขึ้น เทคโนโลยีการแสดงบนเวทีได้รับการเสริมแต่งด้วยวิธีการที่หลากหลาย ใช้วัสดุสังเคราะห์ใหม่ สีเรืองแสง การฉายภาพและฟิล์ม ฯลฯ จากการปรับปรุงทางเทคนิคต่างๆ ในยุค 50 ศตวรรษที่ 20 สิ่งที่สำคัญที่สุดคือการใช้ไซโคลรามาในโรงละคร (การฉายภาพจากเครื่องฉายภาพยนตร์หลายเครื่องไปยังหน้าจอครึ่งวงกลมที่กว้าง) การพัฒนาเอฟเฟกต์แสงที่ซับซ้อน ฯลฯ
ในยุค 30 ในแนวปฏิบัติที่สร้างสรรค์ของโรงละครโซเวียต หลักการของสัจนิยมสังคมนิยมได้รับการยืนยันและพัฒนา หลักการที่สำคัญที่สุดและกำหนดของศิลปะการตกแต่งคือความต้องการของความจริงของชีวิต ความเป็นรูปธรรมทางประวัติศาสตร์ และความสามารถในการสะท้อนลักษณะทั่วไปของความเป็นจริง หลักการของทัศนียภาพเชิงปริมาตร-เชิงพื้นที่ซึ่งครอบงำการแสดงมากมายในช่วงทศวรรษ 1920 ได้รับการเสริมด้วยการใช้ภาพวาดอย่างแพร่หลาย

2. วิธีการหลักในการแสดงออกของศิลปะการละคร:
2.1 การตกแต่ง
ทิวทัศน์ (จาก lat. decoro - ฉันตกแต่ง) - การออกแบบเวทีสร้างสภาพแวดล้อมทางวัตถุที่นักแสดงดำเนินการ ทิวทัศน์ "แสดงถึงภาพศิลปะของฉากและในขณะเดียวกันก็เป็นเวที ซึ่งแสดงถึงโอกาสอันอุดมสมบูรณ์สำหรับการแสดงฉากแอ็กชันบนฉากนั้น" ทิวทัศน์ถูกสร้างขึ้นโดยใช้วิธีการแสดงออกที่หลากหลายที่ใช้ในโรงละครสมัยใหม่ - ภาพวาด กราฟิก สถาปัตยกรรม ศิลปะในการวางแผนฉาก พื้นผิวพิเศษของทิวทัศน์ การจัดแสง เทคโนโลยีบนเวที การฉายภาพ โรงภาพยนตร์ ฯลฯ ทิวทัศน์หลัก ระบบ:
1) โยกมือถือ
2) ยกโค้งโยก,
3) ศาลา
4) ปริมาตร
5) การฉายภาพ
การเกิดขึ้นและการพัฒนาของแต่ละระบบและการแทนที่โดยระบบอื่นถูกกำหนดโดยข้อกำหนดเฉพาะของบทละคร สุนทรียศาสตร์ในการแสดงละคร ซึ่งสอดคล้องกับประวัติศาสตร์ของยุคนั้น ตลอดจนการเติบโตของวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี
ตกแต่งมือถือสวิง หลังเวที - บางส่วนของฉากที่อยู่ด้านข้างของเวทีในระยะทางที่แน่นอนทีละส่วน (จากพอร์ทัลสู่ส่วนลึกของเวที) และออกแบบมาเพื่อปิดพื้นที่ด้านหลังเวทีจากผู้ชม ปีกนั้นนิ่ม บานพับหรือแข็งบนโครง บางครั้งพวกเขามีรูปทรงที่ร่างซึ่งแสดงถึงโปรไฟล์ทางสถาปัตยกรรม โครงร่างของลำต้นของต้นไม้ และใบไม้ การเปลี่ยนแปลงของปีกแข็งได้ดำเนินการโดยใช้ปีกพิเศษ - เฟรมบนล้อซึ่งอยู่ในแผนแต่ละขั้นตอน (ศตวรรษที่ 18 และ 19) ขนานกับทางลาด เฟรมเหล่านี้เคลื่อนไปตามทางเดินที่แกะสลักไว้เป็นพิเศษในแผนผังเวทีตามรางที่วางตามช่องครึ่งแรก ในโรงละครพระราชวังแห่งแรก ทิวทัศน์ประกอบด้วยฉากหลัง ปีก ห่วงเพดาน ซึ่งลอยขึ้นและตกลงไปพร้อม ๆ กับการเปลี่ยนแปลงของปีก เมฆ กิ่งก้านของต้นไม้ที่มีใบไม้ ส่วนของพลาฟง ฯลฯ ถูกเขียนไว้บนแพดักก์ จนถึงทุกวันนี้ ระบบฉากหลังของฉากในโรงละครศาลใน Drottningholmei ในโรงละครของคฤหาสน์หลังเก่าใกล้กับกรุงมอสโก เจ้าชาย เอ็นบี Yusupov ใน "Arkhangelsk"
การตกแต่งแบบยกโค้งมีต้นกำเนิดในอิตาลีในศตวรรษที่ 17 และได้รับการเผยแพร่ในวงกว้างในโรงละครสาธารณะด้วยคะแนนสูง การตกแต่งประเภทนี้เป็นผ้าใบที่เย็บเป็นรูปโค้งที่มีลำต้นของต้นไม้ทาสี (ตามขอบและด้านบน) กิ่งก้านที่มีใบไม้ รายละเอียดสถาปัตยกรรม (สังเกตกฎของมุมมองเชิงเส้นและทางอากาศ) ซุ้มเวทีเหล่านี้แขวนได้มากถึง 75 อันบนเวที โดยพื้นหลังเป็นฉากหลังหรือเส้นขอบฟ้าที่ทาสี ความหลากหลายของการตกแต่งโค้งหลังเวทีเป็นการตกแต่งฉลุ (ทาสี "ป่า" หรือ "ซุ้มสถาปัตยกรรม" หลังเวทีติดกาวบนตาข่ายพิเศษหรือติดผ้า tulle) ปัจจุบัน การตกแต่งโค้งหลังเวทีใช้เป็นหลักในการแสดงบัลเล่ต์
การตกแต่งศาลาใช้ครั้งแรกในปี พ.ศ. 2337 นักแสดงและผู้กำกับ F.L. ชโรเดอร์ การตกแต่งศาลาแสดงถึงพื้นที่ปิดและประกอบด้วยผนังกรอบที่คลุมด้วยผ้าใบและทาสีให้เข้ากับลวดลายของวอลล์เปเปอร์ กระดานและกระเบื้อง ผนังอาจเป็น "คนหูหนวก" หรือมีช่วงสำหรับหน้าต่างและประตู ผนังเชื่อมต่อกันด้วยความช่วยเหลือของเชือก - รอบและติดกับพื้นเวทีด้วยความลาดชัน ความกว้างของผนังศาลาในโรงละครสมัยใหม่ไม่เกิน 2.2 ม. (มิฉะนั้น เมื่อขนส่งทัศนียภาพ กำแพงจะไม่ผ่านประตูรถบรรทุก) ด้านหลังหน้าต่างและประตูของทัศนียภาพของศาลามักจะวางพนักพิง (ส่วนของการตกแต่งที่แขวนอยู่บนเฟรม) ซึ่งแสดงภูมิทัศน์หรือลวดลายสถาปัตยกรรมที่สอดคล้องกัน การตกแต่งศาลาถูกปกคลุมด้วยเพดาน ซึ่งโดยส่วนใหญ่แล้วจะห้อยลงมาจากตะแกรง
ในยุคการแสดงละคร ฉากสามมิติปรากฏขึ้นครั้งแรกในการแสดงของโรงละคร Meiningen ในปี 1870 ในโรงละครแห่งนี้ พร้อมด้วยผนังเรียบๆ เริ่มใช้รายละเอียดสามมิติ: เครื่องแบบตรงและเอียง - ทางลาด บันได และโครงสร้างอื่นๆ สำหรับวาดภาพระเบียง เนินเขา และกำแพงป้อมปราการ การออกแบบเครื่องมือกลมักจะปิดบังด้วยผ้าใบที่งดงามหรือภาพนูนต่ำนูนต่ำนูนสูง (หิน รากไม้ หญ้า) ในการเปลี่ยนบางส่วนของฉากสามมิติ จะใช้แท่นกลิ้งบนลูกกลิ้ง (furkas) เครื่องเล่นแผ่นเสียงและอุปกรณ์บนเวทีประเภทอื่นๆ ทัศนียภาพเชิงปริมาตรช่วยให้ผู้กำกับสร้างฉากละครบนระนาบเวทีที่ "พัง" เพื่อค้นหาวิธีแก้ปัญหาเชิงสร้างสรรค์ต่างๆ ได้ ซึ่งต้องขอบคุณความเป็นไปได้ในการแสดงออกของศิลปะการละครที่ขยายออกไปอย่างไม่ธรรมดา
เครื่องฉายภาพถูกใช้ครั้งแรกในปี 1908 ในนิวยอร์ก ขึ้นอยู่กับการฉายภาพ (บนหน้าจอ) ของภาพสีและขาวดำที่วาดบนแผ่นใส การฉายภาพจะดำเนินการโดยใช้เครื่องฉายภาพยนตร์ในโรงภาพยนตร์ ฉากหลังขอบฟ้าผนังพื้นสามารถใช้เป็นฉากกั้นได้ มีการฉายภาพด้านหน้า (โปรเจ็กเตอร์อยู่ด้านหน้าหน้าจอ) และการฉายภาพแบบส่งสัญญาณ (โปรเจ็กเตอร์อยู่ด้านหลังหน้าจอ) การฉายภาพอาจเป็นภาพนิ่ง (สถาปัตยกรรม ทิวทัศน์ และลวดลายอื่นๆ) และไดนามิก (การเคลื่อนที่ของเมฆ ฝน หิมะ) ในโรงละครสมัยใหม่ซึ่งมีวัสดุหน้าจอและอุปกรณ์ฉายภาพใหม่ ฉากฉายภาพถูกใช้อย่างแพร่หลาย ความง่ายในการผลิตและการใช้งาน ความง่ายและความรวดเร็วในการเปลี่ยนฉาก ความทนทาน และความสามารถในการบรรลุคุณภาพทางศิลปะระดับสูง ทำให้การตกแต่งการฉายภาพเป็นหนึ่งในประเภททิวทัศน์ที่มีแนวโน้มสำหรับโรงละครสมัยใหม่

2.2 ชุดการแสดงละคร
ชุดการแสดงละคร (จากเครื่องแต่งกายของอิตาลี ที่สั่งทำขึ้นเองจริงๆ) - เสื้อผ้า รองเท้า หมวก เครื่องประดับ และสิ่งของอื่นๆ ที่นักแสดงใช้เพื่อกำหนดลักษณะของภาพบนเวทีที่เขาสร้างขึ้น ส่วนเสริมที่จำเป็นสำหรับเครื่องแต่งกายคือการแต่งหน้าและผม เครื่องแต่งกายช่วยให้นักแสดงค้นหาลักษณะที่ปรากฏของตัวละครเผยให้เห็นโลกภายในของฮีโร่บนเวทีกำหนดลักษณะทางประวัติศาสตร์เศรษฐกิจสังคมและชาติของสภาพแวดล้อมที่เกิดขึ้นสร้าง (ร่วมกับส่วนที่เหลือของการออกแบบ ส่วนประกอบ) ภาพลักษณ์ของการแสดง สีของเครื่องแต่งกายควรสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับโทนสีโดยรวมของการแสดง เครื่องแต่งกายถือเป็นพื้นที่ทั้งหมดของความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินโรงละครซึ่งรวบรวมโลกแห่งภาพขนาดมหึมาในชุด - สังคมอย่างรวดเร็วเหน็บแนมพิสดารโศกนาฏกรรม
กระบวนการสร้างเครื่องแต่งกายตั้งแต่แบบร่างไปจนถึงการแสดงบนเวทีประกอบด้วยหลายขั้นตอน:
1) การเลือกใช้วัสดุที่จะทำชุดสูท
2) ตัวอย่างวัสดุทำสี
3) ค้นหาเส้น: ทำตลับหมึกจากวัสดุอื่น ๆ และสักวัสดุบนหุ่น (หรือบนนักแสดง);
4) ตรวจสอบเครื่องแต่งกายบนเวทีด้วยแสงที่แตกต่างกัน
5) "การชำระบัญชี" ของเครื่องแต่งกายโดยนักแสดง
ประวัติความเป็นมาของเครื่องแต่งกายมีขึ้นในสังคมดึกดำบรรพ์ ในเกมและพิธีกรรมที่ชายโบราณตอบสนองต่อเหตุการณ์ต่าง ๆ ในชีวิตของเขา ทรงผม การแต่งหน้า ระบายสี เครื่องแต่งกายพิธีกรรมมีความสำคัญมาก คนดึกดำบรรพ์ลงทุนประดิษฐ์และรสนิยมแปลก ๆ มากมายในพวกเขา บางครั้งเครื่องแต่งกายเหล่านี้ก็ยอดเยี่ยม บางครั้งก็ดูเหมือนสัตว์ นก หรือสัตว์ร้าย ตั้งแต่สมัยโบราณ มีการแต่งกายในโรงละครคลาสสิกของตะวันออก ในประเทศจีน อินเดีย ญี่ปุ่น และประเทศอื่นๆ เครื่องแต่งกายเป็นเครื่องแต่งกายแบบธรรมดาและเป็นสัญลักษณ์ ตัวอย่างเช่น ในโรงละครจีน ชุดดอกไม้สีเหลืองหมายถึงของราชวงศ์ นักแสดงในบทบาทของข้าราชการและขุนนางศักดินาสวมชุดสีดำและสีเขียว ในละครคลาสสิกของจีน ธงด้านหลังนักรบระบุจำนวนกองทหารของเขา ผ้าพันคอสีดำบนใบหน้าของเขาเป็นสัญลักษณ์ของความตายของตัวละครบนเวที ความสว่าง ความสมบูรณ์ของสี ความวิจิตรงดงามของวัสดุทำให้เครื่องแต่งกายในโรงละครตะวันออกเป็นหนึ่งในเครื่องตกแต่งหลักของการแสดง ตามกฎแล้ว เครื่องแต่งกายถูกสร้างขึ้นสำหรับการแสดงบางอย่าง นักแสดงคนนี้หรือนักแสดงคนนั้น นอกจากนี้ยังมีชุดเครื่องแต่งกายที่ถูกกำหนดโดยประเพณี ซึ่งใช้โดยคณะละครสัตว์ทั้งหมด โดยไม่คำนึงถึงละคร เครื่องแต่งกายในโรงละครยุโรปปรากฏตัวครั้งแรกในกรีกโบราณ เขาทำซ้ำเครื่องแต่งกายประจำวันของชาวกรีกโบราณ แต่มีการแนะนำรายละเอียดเงื่อนไขต่าง ๆ เข้าไปช่วยให้ผู้ชมไม่เพียง แต่เข้าใจ แต่ยังเห็นสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีได้ดีขึ้น (อาคารโรงละครมีขนาดใหญ่มาก) ชุดแต่ละชุดมีสีพิเศษ (เช่น ชุดของกษัตริย์เป็นสีม่วงหรือสีเหลืองสีเหลือง) นักแสดงสวมหน้ากากที่มองเห็นได้ชัดเจนจากระยะไกล และรองเท้าบนอัฒจันทร์สูง - coturnes ในยุคของศักดินาศิลปะของโรงละครยังคงได้รับการพัฒนาในการแสดงที่ร่าเริง เฉพาะเจาะจง และมีไหวพริบโดยการแสดงของนักแสดง histrionic ที่เร่ร่อน เครื่องแต่งกายของ histrions (เช่นเดียวกับตัวตลกของรัสเซีย) อยู่ใกล้กับเครื่องแต่งกายที่ทันสมัยของเมือง ยากจน แต่ตกแต่งด้วยผ้าขี้ริ้วสดใส รายละเอียดการ์ตูน จากการแสดงของโรงละครทางศาสนาที่เกิดขึ้นในช่วงเวลานี้ ความลึกลับเหล่านี้ประสบความสำเร็จมากที่สุด ขบวนของมัมมี่ในชุดต่าง ๆ ของ igrims (ตัวละครที่ยอดเยี่ยมของเทพนิยายและตำนาน สัตว์ทุกชนิด) ก่อนการแสดงความลึกลับนั้นโดดเด่นด้วยสีสดใส ข้อกำหนดหลักสำหรับเครื่องแต่งกายในละครลึกลับคือความมั่งคั่งและความสง่างาม (โดยไม่คำนึงถึงบทบาทที่เล่น) เครื่องแต่งกายเป็นแบบแผน: นักบุญสวมชุดสีขาว พระคริสต์ผู้มีผมปิดทอง ปีศาจในชุดมหัศจรรย์ที่งดงามราวภาพวาด เครื่องแต่งกายของนักแสดงละครเชิงเปรียบเทียบเชิงเปรียบเทียบนั้นสุภาพกว่ามาก ในประเภทที่มีชีวิตชีวาและก้าวหน้าที่สุดของโรงละครยุคกลาง - เรื่องตลกซึ่งมีการวิพากษ์วิจารณ์อย่างเฉียบขาดของสังคมศักดินาเครื่องแต่งกายลักษณะล้อเลียนสมัยใหม่และการแต่งหน้าปรากฏขึ้น ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยานักแสดงตลกเดลอาร์เตโดยใช้เครื่องแต่งกายทำให้วีรบุรุษของพวกเขามีไหวพริบและมีจุดมุ่งหมายที่ดี: ลักษณะทั่วไปของนักวิชาการนักวิชาการคนรับใช้ที่ซุกซนถูกกล่าวถึงในเครื่องแต่งกาย ในชั้นที่ 2 ศตวรรษที่ 16 ในโรงละครภาษาสเปนและอังกฤษ นักแสดงได้แสดงเครื่องแต่งกายที่ใกล้เคียงกับเครื่องแต่งกายของชนชั้นสูงที่ทันสมัย ​​หรือ (หากจำเป็นต้องแสดงบทบาทนั้น) ในชุดเครื่องแต่งกายพื้นบ้านตัวตลก ในโรงละครฝรั่งเศส เครื่องแต่งกายเป็นไปตามประเพณีของละครยุคกลาง
แนวโน้มที่สมจริงในด้านเครื่องแต่งกายปรากฏใน Moliere ซึ่งเมื่อแสดงละครที่อุทิศให้กับชีวิตสมัยใหม่ใช้เครื่องแต่งกายสมัยใหม่ของผู้คนในชั้นเรียนที่แตกต่างกัน ในช่วงยุคแห่งการตรัสรู้ในอังกฤษ นักแสดงดี. การ์ริกพยายามที่จะปล่อยเครื่องแต่งกายที่อวดอ้างและมีสไตล์ที่ไม่มีความหมาย เขาแนะนำเครื่องแต่งกายที่เข้ากับบทบาทที่เล่นเพื่อช่วยเปิดเผยตัวละครของฮีโร่ ในอิตาลีในศตวรรษที่ 18 นักแสดงตลก C. Goldoni ค่อยๆเปลี่ยนหน้ากากทั่วไปของตลกเดลอาร์เตด้วยภาพคนจริงในละครของเขาในขณะเดียวกันก็รักษาเครื่องแต่งกายและการแต่งหน้าที่สอดคล้องกัน ในฝรั่งเศส วอลแตร์ต่อสู้เพื่อความถูกต้องทางประวัติศาสตร์และชาติพันธุ์ของเครื่องแต่งกายบนเวที โดยได้รับการสนับสนุนจากนักแสดงสาวแคลรอง เธอเป็นผู้นำการต่อสู้กับอนุสัญญาของเครื่องแต่งกายของวีรสตรีที่น่าเศร้ากับ fizhma วิกผมผงเครื่องประดับล้ำค่า สาเหตุของการปฏิรูปเครื่องแต่งกายในโศกนาฏกรรมนั้นก้าวหน้าไปอีกขั้นโดยนักแสดงชาวฝรั่งเศส Leken ผู้ดัดแปลงเครื่องแต่งกาย "โรมัน" เก๋ไก๋ ละทิ้งอุโมงค์แบบดั้งเดิม อนุมัติเครื่องแต่งกายแบบตะวันออกบนเวที เครื่องแต่งกายสำหรับ Leken เป็นวิธีการแสดงลักษณะทางจิตวิทยาของภาพ อิทธิพลสำคัญต่อการพัฒนาเครื่องแต่งกายในชั้น 2 ศตวรรษที่ 19 แสดงผลกิจกรรมไป โรงละคร Meiningen การแสดงที่มีความโดดเด่นด้วยวัฒนธรรมการแสดงละครสูง ความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ของเครื่องแต่งกาย อย่างไรก็ตามความถูกต้องของเครื่องแต่งกายได้รับความสำคัญแบบพอเพียงในหมู่คน Meiningen E. Zola ต้องการการจำลองสภาพแวดล้อมทางสังคมที่ถูกต้องบนเวที นี่คือสิ่งที่นักแสดงละครที่ใหญ่ที่สุดในยุคแรก ๆ ปรารถนา ศตวรรษที่ 20 - A. Antoine (ฝรั่งเศส), O. Brahm (เยอรมนี) ซึ่งมีส่วนร่วมในการออกแบบการแสดง ดึงดูดศิลปินที่ใหญ่ที่สุดให้มาทำงานในโรงภาพยนตร์ของพวกเขา โรงละครสัญลักษณ์ที่เกิดขึ้นในยุค 90 ในฝรั่งเศสภายใต้สโลแกนของการประท้วงต่อต้านการแสดงละครและลัทธินิยมนิยมได้ดำเนินการต่อสู้กับศิลปะที่สมจริง ศิลปินสมัยใหม่ได้สร้างฉากและเครื่องแต่งกายที่ดูเรียบง่ายและมีสไตล์ นำโรงละครออกจากการพรรณนาถึงชีวิตที่สมจริง ชุดรัสเซียชุดแรกถูกสร้างขึ้นโดยตัวตลก เครื่องแต่งกายของพวกเขาทำซ้ำเสื้อผ้าของชนชั้นล่างและชาวนาในเมือง (caftans, เสื้อเชิ้ต, กางเกงธรรมดา, รองเท้าพนัน) และตกแต่งด้วยผ้าคาดเอวหลากสี, แพทช์, หมวกปักสีสดใส ศตวรรษที่ 16 ในโรงละครของโบสถ์นักแสดงในบทบาทของเยาวชนสวมชุดสีขาว (สวมมงกุฎด้วยไม้กางเขนบนหัว) นักแสดงที่วาดภาพชาวเคลเดีย - สวมหมวกและหมวกสั้น เครื่องแต่งกายแบบดั้งเดิมยังถูกนำมาใช้ในการแสดงของโรงละครของโรงเรียน อักขระเชิงเปรียบเทียบมีตราสัญลักษณ์ของตนเอง: ศรัทธาปรากฏด้วยไม้กางเขน, ความหวังพร้อมสมอ, ดาวอังคารด้วยดาบ เครื่องแต่งกายของกษัตริย์เสริมด้วยคุณลักษณะที่จำเป็นของศักดิ์ศรีของกษัตริย์ หลักการเดียวกันนี้ทำให้การแสดงของโรงละครมืออาชีพแห่งแรกในรัสเซียโดดเด่นขึ้นในศตวรรษที่ 17 ซึ่งก่อตั้งขึ้นที่ศาลของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชการแสดงของโรงละครในศาลของ Princess Natalia Alekseevna และ Czarina Praskovya Feodorovna การพัฒนาความคลาสสิคในรัสเซียในศตวรรษที่ 18 มาพร้อมกับการรักษาอนุสัญญาทั้งหมดของทิศทางนี้ในชุด นักแสดงแสดงในชุดที่เป็นส่วนผสมของเครื่องแต่งกายที่ทันสมัยทันสมัยกับองค์ประกอบของเครื่องแต่งกายโบราณ (คล้ายกับชุด "โรมัน" ในตะวันตก) นักแสดงในบทบาทของขุนนางหรือราชาผู้สูงศักดิ์สวมเครื่องแต่งกายตามเงื่อนไขที่หรูหรา แรกเริ่ม. ศตวรรษที่ 19 ในการแสดงจากชีวิตสมัยใหม่มีการใช้เครื่องแต่งกายที่ทันสมัย
เครื่องแต่งกายในละครประวัติศาสตร์ยังห่างไกลจากความถูกต้องทางประวัติศาสตร์
ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ในการแสดงของโรงละครอเล็กซานเดรียและโรงละครมาลี มีความปรารถนาในความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ในชุดเครื่องแต่งกาย โรงละครศิลปะมอสโกประสบความสำเร็จอย่างมากในพื้นที่นี้เมื่อสิ้นสุดศตวรรษ นักปฏิรูปโรงละครผู้ยิ่งใหญ่ Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko ร่วมกับศิลปินที่ทำงานที่ Moscow Art Theatre ได้จับคู่เครื่องแต่งกายเข้ากับยุคและสิ่งแวดล้อมที่ปรากฎในละคร กับตัวละครของฮีโร่บนเวที ในโรงละครศิลปะ เครื่องแต่งกายมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการสร้างภาพลักษณ์บนเวที ในโรงภาพยนตร์รัสเซียหลายแห่งในช่วงต้น ศตวรรษที่ 20 เครื่องแต่งกายกลายเป็นงานศิลปะอย่างแท้จริง แสดงเจตนารมณ์ของผู้แต่ง ผู้กำกับ นักแสดง
2.3 การออกแบบเสียงรบกวน
การออกแบบเสียงรบกวน - การทำซ้ำบนเวทีของเสียงของชีวิตโดยรอบ ประกอบกับฉาก อุปกรณ์ประกอบฉาก แสง การออกแบบเสียงเป็นพื้นหลังที่ช่วยให้นักแสดงและผู้ชมรู้สึกในสภาพแวดล้อมที่สอดคล้องกับการกระทำของละคร สร้างอารมณ์ที่เหมาะสม ส่งผลต่อจังหวะและจังหวะของการแสดง การแสดงประทัด กระสุนปืน เสียงดังก้องของแผ่นเหล็ก เสียงกระทบกันและเสียงอาวุธหลังเวที มาพร้อมกับการแสดงในช่วงต้นศตวรรษที่ 16-18 การปรากฏตัวของอุปกรณ์เสียงในอุปกรณ์ของอาคารโรงละครรัสเซียบ่งชี้ว่าการออกแบบเสียงในรัสเซียได้ถูกนำมาใช้แล้วตรงกลาง ศตวรรษที่ 18
การออกแบบเสียงสมัยใหม่มีความแตกต่างในธรรมชาติของเสียง: เสียงของธรรมชาติ (ลม ฝน ฟ้าร้อง นก); เสียงรบกวนจากการผลิต (โรงงาน, สถานที่ก่อสร้าง); เสียงจากการจราจร (เกวียน, รถไฟ, เครื่องบิน); เสียงการต่อสู้ (ทหารม้า การยิง การเคลื่อนไหวของกองทหาร) เสียงในชีวิตประจำวัน (นาฬิกา เสียงกระทบกระจก เสียงแหลม) การออกแบบเสียงรบกวนสามารถเป็นธรรมชาติ สมจริง โรแมนติก น่าอัศจรรย์ นามธรรมเงื่อนไข พิลึก ขึ้นอยู่กับสไตล์และการตัดสินใจของการแสดง ออกแบบเสียงโดยนักออกแบบเสียงหรือฝ่ายผลิตของโรงละคร นักแสดงมักจะเป็นสมาชิกของกลุ่มเสียงพิเศษ ซึ่งรวมถึงนักแสดงด้วย เอฟเฟกต์เสียงที่เรียบง่ายสามารถทำได้โดยใช้มือบนเวที อุปกรณ์ประกอบฉาก ฯลฯ อุปกรณ์ที่ใช้สำหรับการออกแบบเสียงในโรงละครสมัยใหม่ประกอบด้วยอุปกรณ์มากกว่า 100 ชิ้นในขนาดต่างๆ ความซับซ้อนและวัตถุประสงค์ อุปกรณ์เหล่านี้ช่วยให้คุณรู้สึกถึงพื้นที่ขนาดใหญ่ ด้วยความช่วยเหลือของทัศนมิติเสียง ภาพลวงตาของเสียงของรถไฟหรือเครื่องบินที่กำลังใกล้จะออกหรือกำลังออกจะถูกสร้างขึ้น เทคโนโลยีวิทยุสมัยใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งอุปกรณ์สเตอริโอโฟนิก ให้โอกาสที่ดีในการขยายขอบเขตทางศิลปะและคุณภาพของการออกแบบเสียงรบกวน ในขณะเดียวกันก็ช่วยลดความซับซ้อนของการแสดงส่วนนี้ในทางเทคนิคและในทางเทคนิค
2.4 ไฟบนเวที
การแสดงแสงบนเวทีเป็นหนึ่งในวิธีการทางศิลปะและการแสดงละครที่สำคัญ แสงช่วยสร้างสถานที่และบรรยากาศของการกระทำ มุมมอง สร้างอารมณ์ที่จำเป็น บางครั้งในการแสดงสมัยใหม่ แสงเป็นเพียงวิธีเดียวในการตกแต่ง
การออกแบบทิวทัศน์ประเภทต่างๆ ต้องใช้เทคนิคการจัดแสงที่เหมาะสม ทิวทัศน์ที่สวยงามในระนาบต้องใช้แสงที่สม่ำเสมอทั่วไป ซึ่งสร้างขึ้นโดยอุปกรณ์ให้แสงสว่างทั่วไป (soffits, ทางลาด, อุปกรณ์พกพา)
เมื่อใช้การตกแต่งแบบผสม ระบบไฟแบบผสมจะถูกนำมาใช้ตามลำดับ
อุปกรณ์ให้แสงสว่างสำหรับการแสดงละครทำด้วยมุมการกระเจิงของแสงที่กว้าง กลาง และแคบ โดยส่วนหลังเรียกว่าสปอตไลท์และทำหน้าที่ให้แสงสว่างในบางส่วนของเวทีและนักแสดง อุปกรณ์ให้แสงสว่างของเวทีโรงละครแบ่งออกเป็นประเภทหลักดังต่อไปนี้ขึ้นอยู่กับสถานที่:
1) อุปกรณ์ให้แสงสว่างเหนือศีรษะ ซึ่งรวมถึงไฟส่องสว่าง (ไฟสปอร์ตไลท์, ไฟสปอร์ตไลท์) ที่แขวนอยู่เหนือส่วนที่ใช้เล่นของเวทีเป็นแถวหลายแถวตามแผน
2) อุปกรณ์ไฟแนวนอนที่ใช้ในการส่องสว่างขอบฟ้าของโรงละคร
3) อุปกรณ์ไฟส่องสว่างด้านข้าง ซึ่งมักจะรวมถึงอุปกรณ์ประเภทโปรเจ็กเตอร์ที่ติดตั้งบนพอร์ทัลหลังเวที แกลเลอรีไฟด้านข้าง
4) อุปกรณ์ให้แสงสว่างระยะไกลประกอบด้วยไฟสปอร์ตไลท์ที่ติดตั้งภายนอกเวทีในส่วนต่างๆ ของหอประชุม ทางลาดยังใช้กับไฟจากระยะไกล
5) อุปกรณ์ให้แสงสว่างแบบพกพาประกอบด้วยอุปกรณ์ประเภทต่างๆ ที่ติดตั้งบนเวทีสำหรับการแสดงแต่ละครั้ง (ขึ้นอยู่กับข้อกำหนด)
6) อุปกรณ์ส่องสว่างและฉายภาพพิเศษต่างๆ โรงละครมักใช้อุปกรณ์ให้แสงสว่างเพื่อวัตถุประสงค์พิเศษต่างๆ ด้วยเช่นกัน (โคมไฟระย้าสำหรับตกแต่ง เชิงเทียน โคมไฟ เทียน โคมไฟ กองไฟ คบเพลิง) ซึ่งสร้างขึ้นตามแบบร่างของศิลปินผู้ออกแบบการแสดง
เพื่อวัตถุประสงค์ทางศิลปะ (การจำลองภาพธรรมชาติจริงบนเวที) จะใช้ระบบสีของไฟส่องสว่างฉากซึ่งประกอบด้วยฟิลเตอร์แสงสีต่างๆ ฟิลเตอร์แสงอาจเป็นแก้วหรือฟิล์มก็ได้ การเปลี่ยนแปลงของสีในระหว่างการแสดง: ก) โดยการเปลี่ยนทีละน้อยจากโคมไฟที่มีตัวกรองแสงสีเดียวไปเป็นโคมไฟที่มีสีอื่น b) การเพิ่มสีสันของอุปกรณ์ที่ทำงานพร้อมกันหลายอย่าง c) การเปลี่ยนแผ่นกรองแสงในอุปกรณ์ให้แสงสว่าง การฉายแสงมีความสำคัญอย่างยิ่งในการออกแบบการแสดง มันสร้างเอฟเฟกต์การฉายภาพแบบไดนามิกต่างๆ (เมฆ คลื่น ฝน หิมะตก ไฟ การระเบิด แฟลช นกบิน เครื่องบิน เรือใบ) หรือภาพนิ่งที่แทนที่รายละเอียดที่งดงามของการตกแต่ง (ทิวทัศน์การฉายแสง) การใช้การฉายแสงช่วยขยายบทบาทของแสงในการแสดงอย่างไม่ปกติและเพิ่มพูนความเป็นไปได้ทางศิลปะ บางครั้งใช้การฉายภาพยนตร์ แสงสามารถเป็นองค์ประกอบทางศิลปะที่เต็มเปี่ยมของการแสดงได้ก็ต่อเมื่อมีระบบควบคุมจากส่วนกลางที่ยืดหยุ่น เพื่อจุดประสงค์นี้ แหล่งจ่ายไฟของอุปกรณ์ให้แสงสว่างทั้งหมดของเวทีจะถูกแบ่งออกเป็นเส้นที่เกี่ยวข้องกับอุปกรณ์หรืออุปกรณ์ให้แสงสว่างแต่ละอย่าง และสีของฟิลเตอร์ที่ติดตั้งไว้แต่ละสี บนเวทีสมัยใหม่มีมากถึง 200-300 เส้น ในการควบคุมแสง จำเป็นต้องเปิด ปิด และเปลี่ยนฟลักซ์การส่องสว่าง ทั้งในสายแต่ละเส้นและแบบผสมกัน เพื่อจุดประสงค์นี้มีชุดควบคุมแสงซึ่งเป็นองค์ประกอบที่จำเป็นของอุปกรณ์บนเวที การควบคุมฟลักซ์การส่องสว่างของหลอดไฟเกิดขึ้นด้วยความช่วยเหลือของหม้อแปลงไฟฟ้าอัตโนมัติ, ไทราตรอน, แอมพลิฟายเออร์แม่เหล็กหรืออุปกรณ์เซมิคอนดักเตอร์ที่เปลี่ยนความแรงหรือแรงดันกระแสของวงจรไฟส่องสว่าง ในการควบคุมวงจรไฟส่องสว่างบนเวทีจำนวนมาก มีอุปกรณ์กลไกที่ซับซ้อน ซึ่งมักเรียกว่าตัวควบคุมโรงละคร ตัวควบคุมไฟฟ้าที่ใช้กันอย่างแพร่หลายมากที่สุดพร้อมหม้อแปลงไฟฟ้าอัตโนมัติหรือเครื่องขยายสัญญาณแม่เหล็ก ในปัจจุบัน ตัวควบคุมแบบหลายโปรแกรมแบบไฟฟ้ากำลังเป็นที่แพร่หลาย ด้วยความช่วยเหลือของพวกเขา ความยืดหยุ่นเป็นพิเศษในการควบคุมแสงของฉากจึงเกิดขึ้นได้ หลักการพื้นฐานของระบบดังกล่าวคือชุดควบคุมอนุญาตให้ใช้ชุดแสงผสมเบื้องต้นสำหรับภาพหรือช่วงเวลาของการแสดงจำนวนหนึ่งพร้อมการสร้างซ้ำบนเวทีในลำดับใดก็ได้และในทุกจังหวะ นี่เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งเมื่อต้องแสดงภาพหลายภาพที่ทันสมัยและซับซ้อนโดยใช้ไดนามิกของแสงขนาดใหญ่และหลังจากการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็ว
2.5 เอฟเฟกต์สเตจ
เอฟเฟกต์บนเวที (จาก lat. effectus - ประสิทธิภาพ) - ภาพลวงตาของเที่ยวบิน, การว่ายน้ำ, น้ำท่วม, ไฟไหม้, การระเบิด, สร้างขึ้นด้วยความช่วยเหลือของอุปกรณ์และอุปกรณ์พิเศษ เอฟเฟกต์บนเวทีถูกใช้ไปแล้วในโรงละครโบราณ ในยุคของจักรวรรดิโรมัน การแสดงละครใบ้จะนำเสนอเอฟเฟกต์แต่ละฉาก แนวคิดทางศาสนาของศตวรรษที่ 14-16 เต็มไปด้วยผลกระทบ ตัวอย่างเช่น เมื่อแสดงฉากลึกลับ "ปรมาจารย์แห่งปาฏิหาริย์" พิเศษมีส่วนเกี่ยวข้องในการจัดการแสดงละครมากมาย ในศาลและโรงละครสาธารณะของศตวรรษที่ 16-17 ประเภทของการแสดงอันวิจิตรตระการตาถูกสร้างขึ้นด้วยเอฟเฟกต์บนเวทีที่หลากหลายตามการใช้กลไกการแสดงละคร ทักษะของช่างเครื่องและมัณฑนากร ผู้สร้าง apotheoses การบิน และการเปลี่ยนแปลงทุกประเภท มาก่อนในการแสดงเหล่านี้ ประเพณีของการแสดงอันตระการตาดังกล่าวได้รับการฟื้นคืนชีพซ้ำแล้วซ้ำเล่าในการปฏิบัติของโรงละครแห่งศตวรรษต่อมา
ในโรงละครสมัยใหม่ เอฟเฟกต์บนเวทีแบ่งออกเป็นเสียง แสง (การฉายแสง) และกลไก ด้วยความช่วยเหลือของเอฟเฟกต์เสียง (เสียงรบกวน) เสียงของชีวิตโดยรอบจึงถูกสร้างขึ้นใหม่บนเวที - เสียงของธรรมชาติ (ลม, ฝน, พายุฝนฟ้าคะนอง, เสียงนกร้อง), เสียงการผลิต (โรงงาน, สถานที่ก่อสร้าง, ฯลฯ ), เสียงการจราจร (รถไฟ, เครื่องบิน), เสียงการต่อสู้ ( การเคลื่อนไหวของทหารม้า, การยิง), เสียงในบ้าน (นาฬิกา, เสียงกระทบกระจก, เสียงเอี๊ยด)
เอฟเฟกต์แสงรวมถึง:
1) เลียนแบบแสงธรรมชาติทุกชนิด (กลางวัน, ตอนเช้า, กลางคืน, แสงที่สังเกตได้ในช่วงปรากฏการณ์ทางธรรมชาติต่างๆ - พระอาทิตย์ขึ้นและพระอาทิตย์ตก, ท้องฟ้าแจ่มใส, พายุฝนฟ้าคะนอง, ฯลฯ );
2) สร้างภาพลวงตาของฝนที่ตกลงมา, เมฆที่เคลื่อนตัว, เปลวไฟที่ลุกโชติช่วง, ใบไม้ที่ร่วงหล่น, น้ำไหล ฯลฯ
เพื่อให้ได้เอฟเฟกต์ของกลุ่มที่ 1 พวกเขามักจะใช้ระบบแสงสามสี - ขาว, แดง, น้ำเงินซึ่งให้โทนเสียงเกือบทุกชนิดพร้อมการเปลี่ยนที่จำเป็นทั้งหมด จานสีที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้นและยืดหยุ่นมากขึ้น (โดยมีความแตกต่างของเฉดสีที่เป็นไปได้ทั้งหมด) ได้จากการผสมสี่สี (เหลือง แดง น้ำเงิน และเขียว) ซึ่งสอดคล้องกับองค์ประกอบสเปกตรัมหลักของแสงสีขาว วิธีการรับเอฟเฟกต์แสงของกลุ่มที่ 2 ลดลงส่วนใหญ่มาจากการใช้การฉายแสง โดยธรรมชาติของการแสดงผลที่ผู้ชมได้รับ เอฟเฟกต์แสงจะถูกแบ่งออกเป็นแบบคงที่ (คงที่) และไดนามิก
ประเภทของเอฟเฟกต์แสงนิ่ง
ซาร์นิทซา - ให้โดยแฟลชชั่วขณะของอาร์คโวลตาอิกที่ผลิตด้วยตนเองหรือโดยอัตโนมัติ ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาโฟโต้แฟลชอิเล็กทรอนิกส์ที่มีความเข้มสูงเป็นที่แพร่หลาย
ดวงดาว - จำลองโดยใช้หลอดไฟจำนวนมากจากไฟฉาย ทาสีด้วยสีต่างๆ และมีความเข้มของการเรืองแสงต่างกัน หลอดไฟและแหล่งจ่ายไฟถูกติดตั้งบนตาข่ายทาสีดำซึ่งห้อยลงมาจากเสารั้ว
ดวงจันทร์ - สร้างขึ้นโดยการฉายภาพแสงที่เหมาะสมไปยังขอบฟ้า เช่นเดียวกับการใช้แบบจำลองที่ยกขึ้นด้านบนเพื่อเลียนแบบดวงจันทร์
สายฟ้า - ช่องว่างซิกแซกแคบ ๆ ตัดผ่านด้านหลังหรือพาโนรามา ปกคลุมด้วยวัสดุโปร่งแสงซึ่งปลอมตัวเป็นพื้นหลังทั่วไป ช่องว่างนี้ส่องสว่างจากด้านหลังในเวลาที่เหมาะสมด้วยหลอดไฟหรือไฟฉายอันทรงพลัง แสงซิกแซกอย่างกะทันหันทำให้เกิดภาพลวงตาที่ต้องการ นอกจากนี้ยังสามารถรับผลกระทบของฟ้าผ่าได้ด้วยความช่วยเหลือของแบบจำลองฟ้าผ่าที่ทำขึ้นเป็นพิเศษซึ่งติดตั้งตัวสะท้อนแสงและอุปกรณ์ให้แสงสว่าง
รุ้ง - เกิดจากการฉายลำแสงแคบของสปอตไลท์ส่วนโค้ง ผ่านปริซึมออปติคัลก่อน (ซึ่งสลายแสงสีขาวเป็นสีสเปกตรัมคอมโพสิต) จากนั้นผ่าน "หน้ากาก" ของแผ่นใสที่มีช่องรูปโค้ง (ส่วนหลัง) กำหนดลักษณะของภาพที่ฉายออกมาเอง)
การเกิดหมอกทำได้โดยการใช้โคมเลนส์หลอดไฟอันทรงพลังจำนวนมากที่มีหัวฉีดแคบๆ คล้ายรอยผ่า ซึ่งติดตั้งที่ทางออกของโคมและให้การกระจายแสงระนาบรูปพัดกว้าง เอฟเฟกต์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในภาพของหมอกที่กำลังคืบคลานสามารถทำได้โดยการส่งไอน้ำร้อนผ่านอุปกรณ์ซึ่งมีน้ำแข็งแห้งที่เรียกว่า
ประเภทของเอฟเฟกต์แสงไดนามิก
การระเบิดที่ลุกเป็นไฟ, การปะทุของภูเขาไฟ - ได้มาจากความช่วยเหลือของชั้นบาง ๆ ของน้ำที่ล้อมรอบระหว่างผนังกระจกคู่ขนานสองอันของภาชนะประเภทตู้ปลาแคบ ๆ ซึ่งใช้ปิเปตง่าย ๆ หยดวานิชสีแดงหรือสีดำลงบน . หยดหนักตกลงไปในน้ำขณะค่อย ๆ จมลงสู่ก้นบึ้งกระจายไปทั่วทุกทิศทุกทางกินเนื้อที่มากขึ้นเรื่อย ๆ และถูกฉายบนหน้าจอคว่ำ (เช่นจากล่างขึ้นบน) สร้างธรรมชาติของปรากฏการณ์ที่ต้องการ . ภาพมายาของเอฟเฟกต์เหล่านี้ได้รับการปรับปรุงโดยพื้นหลังการตกแต่งที่ทำขึ้นอย่างดี (ภาพของปล่องภูเขาไฟ โครงกระดูกของอาคารที่กำลังลุกไหม้ ภาพเงาของปืนใหญ่ ฯลฯ)
คลื่นจะดำเนินการโดยใช้การฉายภาพด้วยอุปกรณ์พิเศษ (chromotropes) หรือแผ่นใสคู่ขนานซึ่งเคลื่อนที่ไปในทิศทางตรงกันข้ามกันไม่ว่าจะขึ้นหรือลง ตัวอย่างของการจัดเรียงคลื่นที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดด้วยวิธีการทางกล: จำนวนเพลาข้อเหวี่ยงที่ต้องการจะอยู่ที่ด้านขวาและด้านซ้ายของเวที ระหว่างก้านสูบของเพลาจากด้านหนึ่งของเวทีไปยังอีกด้านหนึ่ง สายเคเบิลถูกยืดด้วยแผง applique - ที่งดงามราวภาพวาดที่วาดภาพทะเล “ เมื่อเพลาข้อเหวี่ยงหมุน แผงบางอันจะลอยขึ้น ส่วนอื่นๆ ก็ลงไปทับซ้อนกัน
หิมะเกิดขึ้นได้จากสิ่งที่เรียกว่า "ลูกบอลกระจก" ซึ่งพื้นผิวที่เรียงรายไปด้วยกระจกชิ้นเล็กๆ โดยการนำลำแสงที่มีความเข้มข้นสูง (มาจากไฟฉายส่องทางไกลหรือโคมเลนส์ที่ซ่อนจากที่สาธารณะ) ในมุมที่ทราบที่พื้นผิวทรงกลมหลายเหลี่ยมมุมนี้แล้วทำให้หมุนไปรอบแกนนอน จึงมี "กระต่าย" สะท้อนเล็กๆ จำนวนนับไม่ถ้วน ได้รับสร้างความประทับใจให้กับเกล็ดหิมะที่ตกลงมา ในกรณีที่ในระหว่างการแสดง "หิมะ" ตกลงบนไหล่ของนักแสดงหรือคลุมพื้น จะทำจากกระดาษสีขาวที่ตัดอย่างประณีต ตกลงมาจากถุงพิเศษ (ซึ่งวางอยู่บนสะพานช่วงเปลี่ยนผ่าน) "หิมะ" จะค่อยๆ เคลื่อนตัวเป็นวงกลมในลำแสงสปอตไลท์ ทำให้เกิดเอฟเฟกต์ที่ต้องการ
การเคลื่อนที่ของรถไฟทำได้โดยใช้กรอบสไลด์ยาวพร้อมภาพที่เกี่ยวข้องซึ่งเคลื่อนที่ในแนวนอนที่ด้านหน้าเลนส์ของหลอดไฟออปติคัล สำหรับการควบคุมการฉายแสงที่ยืดหยุ่นยิ่งขึ้นและนำไปยังส่วนที่ต้องการของทิวทัศน์ด้านหลังเลนส์ มักติดตั้งกระจกที่เคลื่อนที่ได้ขนาดเล็กบนอุปกรณ์แบบบานพับ เพื่อสะท้อนภาพที่ได้จากตะเกียง
เอฟเฟกต์ทางกลรวมถึงเที่ยวบินประเภทต่างๆ, จุ่ม, โรงสี, ม้าหมุน, เรือ, เรือ เที่ยวบินในโรงละครมักจะเรียกว่าการเคลื่อนไหวแบบไดนามิกของศิลปิน (ที่เรียกว่าเที่ยวบินมาตรฐาน) หรืออุปกรณ์ประกอบฉากเหนือกระดานบนเวที
เที่ยวบินปลอม (ทั้งแนวนอนและแนวทแยง) ดำเนินการโดยการเคลื่อนย้ายตู้โดยสารสำหรับเที่ยวบินไปตามถนนเคเบิลโดยใช้สายไฟและสายเคเบิลที่ผูกกับวงแหวนของแคร่ตลับหมึก สายเคเบิลแนวนอนถูกยืดระหว่างห้องทำงานที่อยู่ตรงข้ามกันเหนือกระจกบนเวที เส้นทแยงมุมมีความเข้มแข็งระหว่างห้องทำงานระดับตรงข้ามและระดับต่างๆ เมื่อทำการบินในแนวทแยงจากบนลงล่าง พลังงานที่เกิดจากแรงโน้มถ่วงของวัตถุจะถูกใช้ การบินในแนวทแยงมุมจากล่างขึ้นบนมักเกิดขึ้นเนื่องจากพลังงานของการตกอย่างอิสระของน้ำหนักถ่วง จะใช้ถุงที่มีทรายและวงแหวนสำหรับสายนำสำหรับถ่วงน้ำหนัก น้ำหนักของกระเป๋าต้องมากกว่าน้ำหนักของอุปกรณ์ประกอบฉากและตัวรถ น้ำหนักถ่วงผูกติดอยู่กับสายเคเบิล ปลายอีกด้านติดอยู่กับแคร่เครื่องบิน เที่ยวบินสดดำเนินการบนสายเคเบิลหรือถนนที่อยู่นิ่งตลอดจนด้วยความช่วยเหลือของโช้คอัพยาง อุปกรณ์การบินบนถนนเคเบิลประกอบด้วยถนนเคเบิลแนวนอนที่ทอดยาวระหว่างด้านตรงข้ามของเวที, แคร่บิน, รอกและไดรฟ์สองอัน (อันหนึ่งสำหรับเคลื่อนย้ายแคร่ไปตามถนน, อีกอันสำหรับยกและลดระดับศิลปิน) . เมื่อทำการบินในแนวนอนจากด้านหนึ่งของเวทีไปยังอีกด้านหนึ่ง จะมีการติดตั้งตู้โดยสารสำหรับเครื่องบินไว้เบื้องหลังในเบื้องต้น หลังจากนั้นบล็อกจะลดลงด้วยสายเคเบิลที่บินได้ ด้วยความช่วยเหลือของคาร์บีน สายเคเบิลถูกผูกไว้กับเข็มขัดนิรภัยแบบพิเศษ ซึ่งอยู่ใต้ชุดของศิลปิน ที่สัญญาณของผู้กำกับที่เป็นผู้นำการแสดง ศิลปินจะขึ้นไปบนความสูงที่กำหนดไว้และ "บิน" ไปฝั่งตรงข้ามตามคำสั่ง หลังเวทีเขาลดระดับลงไปที่แท็บเล็ตแล้วปล่อยออกจากสายเคเบิล ด้วยความช่วยเหลือของอุปกรณ์การบินบนถนนเคเบิลโดยใช้การทำงานพร้อมกันของไดรฟ์ทั้งสองและอัตราส่วนความเร็วที่ถูกต้องอย่างเชี่ยวชาญทำให้สามารถบินได้หลากหลายในระนาบขนานกับพอร์ทัลโค้ง - เที่ยวบินในแนวทแยงจาก จากล่างขึ้นบน หรือจากบนลงล่าง จากด้านหนึ่งของเวทีไปอีกด้านหนึ่ง จากปีกสู่กลางเวที หรือจากฉากหลังเวที เป็นต้น
อุปกรณ์การบินที่มีแดมเปอร์ยางขึ้นอยู่กับหลักการของลูกตุ้มที่แกว่งและยกขึ้นและลงพร้อมกัน ยางกันกระแทกป้องกันการกระตุกและให้เส้นทางการบินที่ราบรื่น อุปกรณ์ดังกล่าวประกอบด้วยตะแกรงสองอัน ดรัมเบี่ยงสองอัน (ติดตั้งอยู่ใต้ตะแกรงทั้งสองด้านของสายไฟ) เครื่องถ่วงน้ำหนัก สายเคเบิลสำหรับเที่ยวบิน ปลายด้านหนึ่งของสายเคเบิลนี้ซึ่งติดอยู่ที่ส่วนบนของตุ้มน้ำหนักนั้นมีความยาวประมาณสองช่วงตึกและผ่านดรัมที่เบี่ยงไปทางระดับของแท็บเล็ตซึ่งมันถูกผูกไว้กับเข็มขัดของศิลปิน สายดูดซับแรงกระแทกที่มีเส้นผ่านศูนย์กลาง 14 มม. ผูกติดอยู่กับส่วนล่างของน้ำหนักถ่วง ปลายที่สองติดกับโครงสร้างโลหะของแผงเวที เที่ยวบินดำเนินการโดยใช้เชือกสองเส้น (เส้นผ่านศูนย์กลาง 25-40 มม.) หนึ่งในนั้นผูกติดอยู่กับก้นของถ่วงและตกลงบนแท็บเล็ตอย่างอิสระ ประการที่สองผูกติดอยู่กับส่วนบนของน้ำหนักถ่วงเพิ่มขึ้นในแนวตั้งไปรอบ ๆ บล็อกเบื้องหลังด้านบนและตกลงบนแท็บเล็ตอย่างอิสระ สำหรับเที่ยวบินทั่วทั้งเวที (ผ่านเที่ยวบิน) หน่วยการบินแบบตะแกรงจะติดตั้งไว้ที่กึ่งกลางของเวที สำหรับเที่ยวบินระยะสั้น ใกล้กับชุดขับเคลื่อน การมองเห็นการบินด้วยความช่วยเหลือของอุปกรณ์ที่มีโช้คอัพยางดูเหมือนทะยานอย่างรวดเร็วฟรี ก่อนที่สายตาของผู้ชมเที่ยวบินจะเปลี่ยนทิศทาง 180 และในกรณีของการใช้อุปกรณ์การบินหลายเครื่องพร้อมกันความประทับใจจะถูกสร้างขึ้นจากการขึ้นและลงที่ไม่มีที่สิ้นสุดจากด้านหนึ่งของเวทีจากนั้นจากอีกด้านหนึ่ง . หนึ่งบินผ่านฉากทั้งหมดสอดคล้องกับอีกเที่ยวบินหนึ่งไปยังกลางเวทีและกลับ, บินขึ้น - บินลง, บินไปทางซ้าย - บินไปทางขวา.
2.6 กริม
เมคอัพ (สิ่งสกปรกฝรั่งเศสจากกริมโมเก่าของอิตาลี - มีรอยย่น) - ศิลปะในการเปลี่ยนรูปลักษณ์ของนักแสดงใบหน้าที่โดดเด่นของเขาด้วยความช่วยเหลือของสีแต่งหน้า (ที่เรียกว่าการแต่งหน้า) พลาสติกและผม สติกเกอร์ วิกผม ทรงผมและสิ่งอื่น ๆ ตามความต้องการของบทบาทที่เล่น งานของนักแสดงเกี่ยวกับการแต่งหน้ามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับงานของเขาเกี่ยวกับภาพลักษณ์ การแต่งหน้าเป็นหนึ่งในวิธีการสร้างภาพลักษณ์ของนักแสดง มีความเกี่ยวข้องในวิวัฒนาการกับการพัฒนาบทละครและการต่อสู้ของแนวโน้มด้านสุนทรียะในงานศิลปะ ธรรมชาติของการแต่งหน้าขึ้นอยู่กับลักษณะทางศิลปะของบทละครและภาพลักษณ์ ขึ้นอยู่กับความตั้งใจของนักแสดง แนวคิดของผู้กำกับ และรูปแบบการแสดง
ในกระบวนการสร้างเมคอัพ เครื่องแต่งกายมีความสำคัญ ซึ่งส่งผลต่อตัวละครและโทนสีของการแต่งหน้า ความชัดเจนของการแต่งหน้าส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับการจัดแสงของฉาก: ยิ่งสว่างมากเท่าใด การแต่งหน้าก็จะยิ่งนุ่มนวล- ขึ้น และในทางกลับกัน แสงน้อยต้องการการแต่งหน้าที่คมชัดกว่า
ลำดับของการแต่งหน้า: ขั้นแรก ใบหน้าเป็นรูปหน้าด้วยรายละเอียดบางอย่างของเครื่องแต่งกาย (หมวก ผ้าพันคอ ฯลฯ) จากนั้นจึงติดกาวจมูกและเครือเถาอื่น ๆ วิกผมหรือทรงผมที่ทำจากผมของตัวเอง เคราและหนวดติดกาวและในตอนท้ายเท่านั้นที่แต่งหน้าด้วยสี ศิลปะแห่งการแต่งหน้าขึ้นอยู่กับการศึกษาโดยนักแสดงเกี่ยวกับโครงสร้างใบหน้า กายวิภาคศาสตร์ ตำแหน่งของกล้ามเนื้อ รอยพับ นูน และกดทับ นักแสดงต้องรู้ว่าการเปลี่ยนแปลงเกิดขึ้นกับใบหน้าในวัยชราอย่างไร เช่นเดียวกับลักษณะเฉพาะและโทนสีทั่วไปของใบหน้าเด็ก นอกจากการแต่งหน้าตามวัยแล้วในโรงละครโดยเฉพาะในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาการแต่งหน้าที่เรียกว่า "ระดับชาติ" ที่ใช้ในการแสดงที่อุทิศให้กับชีวิตของผู้คนในประเทศตะวันออก (เอเชีย, แอฟริกา) ฯลฯ แพร่หลาย โปรไฟล์แนวนอนและแนวตั้งของผู้แทนสัญชาติหนึ่งหรือสัญชาติอื่น โปรไฟล์แนวนอนถูกกำหนดโดยความคมชัดของส่วนที่ยื่นออกมาของกระดูกโหนกแก้มส่วนแนวตั้งจะถูกกำหนดโดยส่วนที่ยื่นออกมาของกราม ลักษณะเด่นที่สำคัญในการแต่งหน้าประจำชาติคือ รูปร่างของจมูก ความหนาของริมฝีปาก สีตา รูปร่าง สี และความยาวของผมบนศีรษะ รูปร่าง เครา หนวด ผิวหนัง สี. ในเวลาเดียวกัน ในการแต่งหน้าเหล่านี้ จำเป็นต้องคำนึงถึงข้อมูลส่วนบุคคลของตัวละคร เช่น อายุ สถานะทางสังคม อาชีพ ยุค และอื่นๆ
แหล่งความคิดสร้างสรรค์ที่สำคัญที่สุดสำหรับนักแสดงและศิลปินในการกำหนดการแต่งหน้าสำหรับแต่ละบทบาทคือการสังเกตชีวิตโดยรอบการศึกษาลักษณะทั่วไปของการปรากฏตัวของผู้คนการเชื่อมต่อกับตัวละครและประเภทของบุคคลสภาพภายในของเขา และอื่นๆ ศิลปะการแต่งหน้าต้องใช้ความสามารถในการเชี่ยวชาญเทคนิคการแต่งหน้า ความสามารถในการใช้สีแต่งหน้า ผลิตภัณฑ์สำหรับเส้นผม (วิกผม เครา หนวด) เครือเถาขนาดใหญ่ และสติกเกอร์ การแต่งหน้าทำให้สามารถเปลี่ยนใบหน้าของนักแสดงได้ด้วยเทคนิคการถ่ายภาพ โทนสีโดยรวม, เงา, ไฮไลท์ที่ให้ความรู้สึกหดหู่และนูน, จังหวะที่พับบนใบหน้า, การเปลี่ยนรูปร่างและลักษณะของดวงตา, ​​คิ้ว, ริมฝีปากสามารถทำให้ใบหน้าของนักแสดงแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ทรงผม, วิกผม, การเปลี่ยนรูปลักษณ์ของตัวละคร, กำหนดประวัติศาสตร์, ความผูกพันทางสังคมและมีความสำคัญในการกำหนดตัวละครของตัวละคร สำหรับการเปลี่ยนแปลงรูปร่างของใบหน้าอย่างรุนแรง ซึ่งไม่สามารถทำได้ด้วยสีเพียงอย่างเดียว จะใช้เครือเถาและสติกเกอร์จำนวนมาก การเปลี่ยนส่วนที่ไม่เคลื่อนไหวของใบหน้าทำได้โดยใช้แผ่นแปะสีเหนียว เพื่อเพิ่มความหนาของแก้ม, คาง, คอ, สติกเกอร์ที่ทำจากสำลี, เสื้อถัก, ผ้ากอซและเครปสีเนื้อ
2.7 หน้ากาก
หน้ากาก (จากภาษาละติน mascus ปลาย, masca - หน้ากาก) - ภาพซ้อนทับพิเศษที่มีภาพบางส่วน (ใบหน้า, ปากกระบอกปืนของสัตว์, หัวของสิ่งมีชีวิตในตำนาน ฯลฯ ) ส่วนใหญ่มักสวมใส่บนใบหน้า หน้ากากทำจากกระดาษ เปเปอร์มาเช่ และวัสดุอื่นๆ การใช้หน้ากากเริ่มขึ้นในสมัยโบราณในพิธีกรรม (เกี่ยวข้องกับกระบวนการทำงาน ลัทธิของสัตว์ การฝังศพ ฯลฯ) ต่อมามีการใช้หน้ากากในโรงละครเป็นองค์ประกอบในการแต่งหน้าของนักแสดง หน้ากากช่วยในการสร้างภาพลักษณ์บนเวทีร่วมกับชุดการแสดงละคร ในโรงละครโบราณ หน้ากากเชื่อมต่อกับวิกและสวมทับศีรษะ เกิดเป็นหมวกที่มีรูสำหรับตาและปาก เพื่อเพิ่มเสียงของนักแสดง หมวกกันน็อคหน้ากากถูกจัดหาจากด้านในด้วยเครื่องสะท้อนเสียงโลหะ มีหน้ากากแบบคอสตูมที่หน้ากากแยกจากคอสตูมไม่ได้ และมีหน้ากากที่ถือด้วยมือหรือนิ้ว

วรรณกรรม
1. Barkov V.S. , การออกแบบแสงของการแสดง, M. , 1993. - 70 p.
2. Petrov A.A. การจัดฉากละคร, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 1991. - 126 หน้า
3. Stanislavsky K.S. ชีวิตของฉันในงานศิลปะ Soch., v. 1, M. , 1954, p. 113-125

วิธีการแสดงออกหลักของศิลปะการแสดงคือการกระทำ จุดประสงค์ของการกระทำคือการเปลี่ยนแปลง สร้างหัวข้อที่การกระทำนั้นถูกชี้นำขึ้นใหม่ ในการแสดง การกระทำทางจิตฟิสิกส์ที่ประกอบขึ้นเป็นการแสดงมีความสำคัญมาก การกระทำสามารถเกิดขึ้นได้ภายใน (มุ่งตรงไปยังตนเอง) และภายนอก (มุ่งตรงไปยังหุ้นส่วนหรือวัตถุ) การแสดงบนเวทีดำเนินการโดยนักแสดง นี่คือเลขชี้กำลังหลักของศิลปะการแสดง ทุกอย่างในโรงละครแสดงออกผ่านเขา เขาพูดจากเวทีในนามของผู้เขียน ผู้กำกับ ทีมงานทั้งหมด ดังนั้นวิธีการแสดงหลักในการแสดงจึงมีความสำคัญในงานของเขา: คำพูด เสียง การเคลื่อนไหว ความเป็นพลาสติก คำนี้มีบทบาทอย่างมากในศิลปะของนักแสดง คำนี้เป็นการแสดงออกหลักของความคิด คำพูดที่แสดงออกอย่างมีความสามารถสามารถถ่ายทอดความซับซ้อนของภาพลักษณ์ทางจิตวิญญาณของคนสมัยใหม่ได้ เสียงที่เปี่ยมด้วยการแสดงออกสามารถสื่อถึงความแตกต่างที่แตกต่างกันได้ คำพูดเป็นเครื่องมือของการกระทำ การแสดงออกของการเคลื่อนไหวบนเวทีก็มีความสำคัญมากในการทำงานของนักแสดงเช่นกัน เลียนแบบท่าทาง ธรรมชาติของนักแสดงคือการควบคุมร่างกายอย่างชาญฉลาด นักแสดงต้องสามารถแสดงเนื้อหาภายในได้ผ่านท่าทาง ท่าทาง การเคลื่อนไหว ความนุ่มนวลและความต่อเนื่องของการเคลื่อนไหวทำให้เกิดความเป็นพลาสติก การแสดงท่าทางทางจิตวิทยามีความสำคัญมาก ซึ่งควรจะมีความมุ่งมั่น คล่องแคล่ว ชัดเจน มีขนาดใหญ่ และมีลายนูน สื่อความหมายเสริม ได้แก่ การแต่งหน้า วิกผม สติ๊กเกอร์ เครื่องแต่งกาย ซึ่งเน้นและเสริมภาพลักษณ์ในแง่ของความต่อเนื่องหรือคอนทราสต์ วิธีการแสดงอารมณ์ของโรงละคร ได้แก่ ดนตรี แสง การแต่งหน้า ละครเวที บรรยากาศ งานศิลปะ องค์ประกอบ จังหวะ ฯลฯ ผลกระทบของดนตรีที่มีต่อบุคคลนั้นยอดเยี่ยมมาก ต้องขอบคุณคุณสมบัติที่สวยงามของมัน สามารถแสดงความรู้สึกของบุคคล ปรากฏการณ์ของโลกภายนอก ความขัดแย้งทางสังคม การกระทำที่กล้าหาญ ฯลฯ นี่คือวิธีการแสดงออกที่แข็งแกร่งที่สุดของโรงละคร แสงยังเป็นวิธีการแสดงละครที่ชัดเจนที่สุดวิธีหนึ่งอีกด้วย แสงจะต้องกระทบกับพื้นผิวของเสื้อผ้าและเครื่องแต่งกายบนเวที แสงมีส่วนช่วยในการสร้างบรรยากาศของเวที บรรยากาศถูกสร้างขึ้นโดยนักแสดงและสถานการณ์ที่เสนอซึ่งเขาเป็น เลขชี้กำลังหลักของบรรยากาศคือนักแสดง ความคิดในการแสดงแสดงออกผ่านบรรยากาศจังหวะของชีวิตบนเวทีแสดงออกถึงตัวละครของตัวละครและความสัมพันธ์ของพวกเขาสัมพันธ์กัน ภารกิจของบรรยากาศคือการช่วยจิตวิญญาณของโรงละครจากการใช้เครื่องจักร เครื่องแต่งกายควรเน้นภาพ - นี่คือการตัดสินใจของภาพซึ่งแสดงชีวประวัติของบุคคล, ตัวละคร, สัญชาติ, ลักษณะเฉพาะของเวลา เป็นสิ่งสำคัญมากที่การแต่งหน้าไม่ได้เป็นเพียงผลิตภัณฑ์เครื่องสำอางจากภายนอก แต่ยังรวมถึงเนื้อหาทางจิตวิทยาภายในของภาพด้วย อีกวิธีในการแสดงออกที่สำคัญมากของโรงละครคือการออกแบบทางศิลปะด้วยความช่วยเหลือของการแก้ปัญหาของม่านความเป็นไปได้ของเวทีหมุนรอบระดับความสูงการใช้ช่อง ฯลฯ การตกแต่งภายในจะต้องตรงกับลักษณะของตัวละคร ศิลปินจะต้องสามารถเปรียบเปรยการแสดงละคร ดังนั้นจึงมีวิธีการแสดงออกมากมาย