ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 แนวความคิดเกี่ยวกับลัทธิคลาสสิกและการตรัสรู้สูญเสียความน่าดึงดูดใจและความเกี่ยวข้อง ใหม่เพื่อตอบสนองต่อเทคนิคบัญญัติของลัทธิคลาสสิกและทฤษฎีทางสังคมทางศีลธรรมของการตรัสรู้ได้หันไปหาบุคคลซึ่งเป็นโลกภายในของเขาได้รับความแข็งแกร่งและเข้าใจจิตใจ แนวจินตนิยมแพร่หลายมากในทุกด้านของชีวิตวัฒนธรรมและปรัชญา นักดนตรี ศิลปิน และนักเขียนในผลงานของพวกเขาพยายามที่จะแสดงให้เห็นถึงชะตากรรมอันสูงส่งของมนุษย์ โลกฝ่ายวิญญาณอันอุดมสมบูรณ์ของเขา ความรู้สึกและประสบการณ์ที่ลึกซึ้ง ต่อจากนี้ไป บุคคลที่มีปัญหาภายใน การค้นหาและประสบการณ์ทางจิตวิญญาณ ไม่ใช่แนวคิดที่ "พร่ามัว" เกี่ยวกับความเจริญรุ่งเรืองและความเจริญรุ่งเรืองในสากลโลก ได้กลายเป็นหัวข้อที่โดดเด่นในงานศิลปะ

ความโรแมนติกในภาพวาด

จิตรกรถ่ายทอดความลึกของความคิดและประสบการณ์ส่วนตัวของพวกเขาผ่านการสร้างสรรค์โดยใช้องค์ประกอบ สี และการเน้นเสียง ประเทศต่างๆ ในยุโรปมีลักษณะเฉพาะในการตีความภาพที่โรแมนติก นี่เป็นเพราะแนวโน้มทางปรัชญาตลอดจนสถานการณ์ทางสังคมและการเมืองซึ่งศิลปะเป็นการตอบสนองที่มีชีวิตชีวา ภาพวาดก็ไม่มีข้อยกเว้น เยอรมนีไม่ได้ประสบกับความวุ่นวายทางสังคมที่รุนแรง โดยแบ่งออกเป็นอาณาเขตและขุนนางขนาดเล็ก ศิลปินไม่ได้สร้างผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่วาดภาพวีรบุรุษไททัน ที่นี่โลกฝ่ายวิญญาณที่ลึกล้ำของมนุษย์ ความงามและความยิ่งใหญ่ของเขา ภารกิจทางศีลธรรมได้กระตุ้นความสนใจ ดังนั้นความโรแมนติกในภาพวาดของเยอรมันจึงถูกนำเสนออย่างเต็มที่ที่สุดในภาพบุคคลและทิวทัศน์ ผลงานของ Otto Runge เป็นตัวอย่างคลาสสิกของประเภทนี้ ในภาพเหมือนของจิตรกร ผ่านการศึกษาอย่างละเอียดถึงลักษณะของใบหน้า ดวงตา ผ่านความแตกต่างของแสงและเงา ความปรารถนาของศิลปินในการแสดงความไม่สอดคล้องกันของบุคคล พลังและความรู้สึกลึกล้ำถูกถ่ายทอดออกมา . ศิลปินยังพยายามค้นหาความแตกต่างหลากหลายของบุคลิกภาพของมนุษย์ ความคล้ายคลึงกับธรรมชาติ ความหลากหลายและไม่รู้จักผ่านภูมิทัศน์ด้วยภาพต้นไม้ ดอกไม้ และนกที่เกินจริงเกินจริงเล็กน้อยที่น่าอัศจรรย์เล็กน้อยผ่านภูมิประเทศ ตัวแทนที่สดใสของแนวโรแมนติกในการวาดภาพคือศิลปินภูมิทัศน์ เค. ดี. ฟรีดริช ซึ่งให้ความสำคัญกับความแข็งแกร่งและพลังของธรรมชาติ ภูเขา ภูมิประเทศในทะเล และพยัญชนะของมนุษย์

ยวนใจในภาพวาดฝรั่งเศสพัฒนาตามหลักการอื่น ความวุ่นวายในการปฏิวัติชีวิตทางสังคมที่ปั่นป่วนปรากฏตัวในการวาดภาพโดยความโน้มถ่วงของศิลปินที่มีต่อการวาดภาพวิชาประวัติศาสตร์และที่ยอดเยี่ยมด้วยความน่าสมเพชและความตื่นเต้น "ประสาท" ซึ่งเกิดจากความแตกต่างของสีสดใสการแสดงออกของการเคลื่อนไหวการสุ่มบางอย่างเป็นธรรมชาติขององค์ประกอบ แนวคิดโรแมนติกที่สมบูรณ์และสดใสที่สุดนำเสนอในผลงานของ T. Gericault, E. Delacroix ศิลปินใช้สีและแสงอย่างเชี่ยวชาญ สร้างความรู้สึกที่ลุ่มลึกเป็นจังหวะ เป็นแรงกระตุ้นอันประเสริฐสำหรับการต่อสู้และเสรีภาพ

ยวนใจในภาพวาดรัสเซีย

ความคิดทางสังคมของรัสเซียตอบสนองต่อทิศทางและกระแสน้ำใหม่ๆ ที่เกิดขึ้นในยุโรปอย่างชัดเจน จากนั้นสงครามกับนโปเลียน - เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่สำคัญเหล่านั้นซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อการค้นหาเชิงปรัชญาและวัฒนธรรมของปัญญาชนชาวรัสเซีย แนวจินตนิยมในภาพวาดของรัสเซียนำเสนอในภูมิทัศน์หลักสามแห่ง ได้แก่ ศิลปะที่ยิ่งใหญ่ซึ่งอิทธิพลของลัทธิคลาสสิคนั้นแข็งแกร่งมากและความคิดที่โรแมนติกก็เกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับศีลทางวิชาการ

ในตอนต้นของศตวรรษที่สิบเก้าความสนใจมากขึ้นเรื่อย ๆ กับภาพลักษณ์ของปัญญาชนผู้สร้างสรรค์กวีและศิลปินของรัสเซียตลอดจนคนธรรมดาและชาวนา Kiprensky, Tropinin, Bryullov ด้วยความรักอันยิ่งใหญ่พยายามแสดงความลึกและความงามทั้งหมดของบุคลิกภาพของบุคคลผ่านรูปลักษณ์หันศีรษะรายละเอียดของเครื่องแต่งกายเพื่อสื่อการค้นหาทางจิตวิญญาณตัวละครที่รักอิสระของพวกเขา "โมเดล". ความสนใจอย่างมากในบุคลิกภาพของบุคคลซึ่งเป็นศูนย์กลางในงานศิลปะมีส่วนทำให้เกิดความเจริญรุ่งเรืองของประเภทภาพเหมือนตนเอง ยิ่งกว่านั้น ศิลปินไม่ได้วาดภาพเหมือนตนเองตามสั่ง มันเป็นแรงกระตุ้นที่สร้างสรรค์ เป็นการรายงานตนเองแบบหนึ่งต่อคนรุ่นเดียวกัน

ภูมิทัศน์ในผลงานของโรแมนติกก็โดดเด่นด้วยความคิดริเริ่มของพวกเขา ยวนใจในการวาดภาพสะท้อนและถ่ายทอดอารมณ์ของบุคคลภูมิทัศน์ต้องสอดคล้องกับเขา นั่นคือเหตุผลที่ศิลปินพยายามแสดงธรรมชาติที่ดื้อรั้น พลัง และความเป็นธรรมชาติของมัน ในทางกลับกัน Orlovsky, Shchedrin วาดภาพองค์ประกอบของทะเล, ต้นไม้ที่ทรงพลัง, สันเขา, ในทางกลับกัน, ถ่ายทอดความงามและหลากสีของภูมิทัศน์ที่แท้จริง, ในทางกลับกัน, สร้างอารมณ์ทางอารมณ์บางอย่าง

WORLD ART CULTURE: แนวคิด เนื้อหา และสัณฐานวิทยาของคอมเพล็กซ์มัลติมีเดียสำหรับโรงเรียนที่ครอบคลุม - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: Asterion, 2004. - 279 p.

	อายุของแนวโรแมนติก
	ลักษณะทั่วไป (V.E. เชอร์วา)
	อนุสาวรีย์หลัก (V.E. Cherva, M.N. Shemetova)
	ตัวอย่างลักษณะของอนุสาวรีย์ (V.E. เชอร์วา)
	ชีวประวัติของรายการสร้างสรรค์ (V.E. เชอร์วา)
	บรรณานุกรม (V.E. เชอร์วา)
	ตัวอย่างคำถามสำหรับการทดสอบการควบคุม (V.E. Cherva, Yu.v. Lobanova)

5.4. อายุโรแมนติก

5.4.1. ลักษณะทั่วไป

ยวนใจเป็นขบวนการทางอุดมการณ์และศิลปะในวัฒนธรรมยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - 1 ของศตวรรษที่ 19 นี่คือยุคแห่งการปฏิวัติของชนชั้นนายทุน ความวุ่นวายทางการเมืองและเศรษฐกิจในยุโรป โดยมีลักษณะวิพากษ์วิจารณ์เกี่ยวกับความเป็นจริงร่วมสมัย และในขณะเดียวกันก็สะท้อนถึงหลักการทางสังคมและการเมืองของศตวรรษที่ 18 ที่ผ่านพ้นไป (อายุของการตรัสรู้) ลัทธิจินตนิยมในฐานะมุมมองโลกทัศน์แบบพิเศษได้กลายเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันภายในที่สุดในประวัติศาสตร์วัฒนธรรม ความผิดหวังในอุดมคติแห่งการตรัสรู้ ซึ่งเป็นผลมาจากการปฏิวัติของชนชั้นนายทุนฝรั่งเศสในปี 1789 ได้กำหนดมุมมองในแง่ร้ายไว้ล่วงหน้าเกี่ยวกับการพัฒนาสังคม แนวความคิดของ "ความเศร้าโศกของโลก" ถูกรวมเข้าด้วยกันในแนวจินตนิยมกับความปรารถนาที่จะสามัคคีในระเบียบโลก อย่างไรก็ตาม การปฏิเสธเหตุผลนิยมและกลไกของการตรัสรู้ ชาวโรแมนติกยังคงรักษาแนวความคิดพื้นฐานของยุคก่อน: "มนุษย์ปุถุชน" มุมมองของธรรมชาติเป็นจุดเริ่มต้นที่ดี ความปรารถนาในความยุติธรรมและความเท่าเทียมกัน

ในวัฒนธรรมศิลปะ การล่มสลายของความหวังในเสรีภาพ โลกสากล และความเป็นอยู่ที่ดีของสังคมนำไปสู่แรงจูงใจหลักของช่วงเวลานั้น ซึ่งมีความสำคัญพื้นฐานสำหรับสุนทรียศาสตร์ของแนวโรแมนติก - "การล่มสลายของภาพลวงตา" แรงจูงใจที่สำคัญอีกประการของกิจกรรมศิลปะที่เกิดจากความไม่ลงรอยกันระหว่างอุดมคติกับความเป็นจริง ความเป็นไปไม่ได้ที่จะบรรลุอุดมคติคือ "สองโลก" กล่าวคือ หลีกหนีจากความเป็นจริงสู่โลกลวงตาของเวทย์มนต์ สมัยโบราณในอุดมคติ หรือประเทศที่ห่างไกลและแปลกใหม่สำหรับยุโรป ดังนั้นท่ามกลางความโรแมนติกความกลมกลืนของโลกจึงถูกทำลาย โลกแบ่งออกเป็นประเภทต่าง ๆ ที่ต่อต้านซึ่งกันและกัน: ชีวิตทางโลกและชีวิตนิรันดร์ พระเจ้าและมาร วีรบุรุษและฝูงชน ปัจจุบันและอดีตอันไกลโพ้น สวยงามและน่าเกลียด อุดมคติและชีวิตประจำวัน

ในการเชื่อมต่อกับมุมมองโลกใหม่ในยุคของแนวจินตนิยม ความเข้าใจของแต่ละบุคคล อัตราส่วนของความสำคัญของปัจเจกบุคคลและสังคมต่อวัฒนธรรมค่อยๆ เปลี่ยนไป ต่างจากความคลาสสิคที่เน้นความเป็นธรรมชาติ ความคล้ายคลึงทุกคน กล่าวคือ ความสำคัญของเรื่องทั่วไป ความโรแมนติกอยู่ที่ระดับแนวหน้าของปัจเจกบุคคล ความเป็นอื่น. ดังนั้นความเข้าใจของคนโรแมนติกว่าเป็นคนเหงา เข้าใจยาก ดื้อรั้น (ไม่ว่าจะเชิงรุกหรือเชิงรับ) กับทุกสิ่งและทุกสิ่ง เต็มไปด้วยความภาคภูมิใจ ท้าทายพระเจ้า สังคม ฝูงชน

ในวัฒนธรรมศิลปะ แนวโรแมนติกกลายเป็นปฏิกิริยาตอบสนองต่อสุนทรียศาสตร์ที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิคนิยม อย่างไรก็ตาม ไม่มีใครสามารถพูดได้ว่าความโรแมนติกในศิลปะจะปฏิเสธสิ่งที่ได้รับในศิลปะคลาสสิกอย่างสิ้นเชิง: แนวโรแมนติกทิ้งรากฐานโวหารของลัทธิคลาสสิคนิยม การทบทวนภาษาของรูปแบบศิลปะตลอดจนการวางแนวในอุดมคติของศิลปะ แม้จะมี "ขั้ว" ที่ชัดเจนของมุมมองของความคลาสสิคและความโรแมนติกเกี่ยวกับบุคคลและสถานที่ของเขาในโลก แต่แนวคิดเกี่ยวกับบุคลิกภาพของปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 มันหมายถึงการรวมกันของอุดมคติที่มีเหตุผลของบุคคลแห่งการตรัสรู้กับข้อมูลที่จำเป็นของทุกอย่างที่เป็นส่วนตัว, ส่วนตัวต่อนายพล, การกำกับดูแลและ "การจู่โจม" ที่โรแมนติก แนวคิดนี้แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในเนื้อเพลง ซึ่งเป็นวรรณกรรมเชิงอัตวิสัยที่สุด ซึ่งกลายมาเป็นโฆษกของแนวโรแมนติกในงานศิลปะ

ยวนใจในรูปแบบศิลปะปรากฏตัวครั้งแรกในวรรณคดีและในศิลปะรูปแบบอื่น ๆ แม้แต่แนวคิดเรื่อง "โรแมนติก" ก็มาจากวรรณคดีและมาจากฉายา "โรแมนติก" (เป็นครั้งแรกที่โนวาลิสแนะนำคำศัพท์วรรณกรรม) จนถึงศตวรรษที่ 18 ฉายานี้ชี้ให้เห็นคุณลักษณะบางอย่างของงานวรรณกรรมที่เขียนเป็นภาษาโรมาเนสก์ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ความบันเทิง การผจญภัยและกิจกรรมมากมาย ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบแปด “โรแมนติก” เป็นที่เข้าใจกันอย่างกว้างขวางมากขึ้น: ไม่เพียงแต่เป็นการผจญภัย, ความบันเทิงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงคนรุ่นเก่า, ดั้งเดิม, ห่างไกล, ไร้เดียงสา, มหัศจรรย์, สูงส่งทางวิญญาณ, น่ากลัว, และน่าพิศวง, น่าสยดสยอง นั่นคือเหตุผลที่ความรักมักทำให้ฝันถึงอดีต พยายามเติมชีวิตใหม่ให้กับตำนานและเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิล แฟนตาซีกลายเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับความเป็นจริง

นอกจากวรรณกรรม (โดยเฉพาะเนื้อร้อง) ศิลปะอีกรูปแบบหนึ่งที่มีแนวโน้มโรแมนติกเป็นตัวเป็นตนอย่างเต็มที่ก็คือดนตรี ปัจเจกนิยมซึ่งงอกขึ้นแม้ในอารมณ์อ่อนไหวในยุคโรแมนติกถึงสัดส่วนที่ไม่เคยมีมาก่อน ส่งผลให้สถานภาพบุคคลซึ่งเป็นศิลปิน-ครีเอทีฟได้เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว ชะตากรรมส่วนตัวละครส่วนตัวได้รับเสียงสากลดังนั้นในยุคของความโรแมนติกจึงทำงานร่วมกับแรงจูงใจสารภาพที่ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ดนตรีในลักษณะใด ๆ ของมันคือ "คำสารภาพของจิตวิญญาณ" ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ I.I. Sollertinsky เรียกดนตรีว่า "อัตชีวประวัติที่น่าฟัง", "บทเพลงไพเราะ, เสียงร้อง, เปียโนไดอารี่"

แนวโรแมนติกทางวรรณกรรมซึ่งปรากฏเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 แนวโรแมนติกทางดนตรีปรากฏเฉพาะในทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19 เท่านั้น เป็นสิ่งสำคัญที่คำว่า "เพลงโรแมนติก" เป็นของ E.T.A. Goffman นักเขียนและนักแต่งเพลง ซึ่งตัวเขาเองเป็นสัญลักษณ์ของการรวมตัวกันของวรรณกรรมและดนตรีซึ่งมีความสำคัญอย่างมากต่อสุนทรียศาสตร์อันโรแมนติกจากผลงานของเขา หากในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยารูปแบบหลักของศิลปะคือการวาดภาพ และแนวคิดหลักของการตรัสรู้นั้นสะท้อนให้เห็นในโรงละคร สุนทรียศาสตร์อันแสนโรแมนติกจะนำเสนอวรรณกรรมและดนตรีเป็นอันดับแรก ยิ่งกว่านั้นความโรแมนติกเองก็ไม่ได้ลงมติเป็นเอกฉันท์ว่าศิลปะประเภทนี้มีตำแหน่งที่สูงกว่าใน "ลำดับชั้น" ของศิลปะและแนวคิดเรื่องการรวมวรรณกรรมและดนตรีได้นำเสนอแนว "สังเคราะห์" ดังกล่าว เป็นโอเปร่า โปรแกรมเพลง และความโรแมนติกในตอนแรก -เพลง ในด้านดนตรีบรรเลง ไม่ค่อยอ่อนไหวต่อแนวความคิดแนวโรแมนติก สิ่งสำคัญที่สุดคือเปียโนย่อส่วน สามารถสร้างภาพร่างคร่าวๆ ของอารมณ์ ทิวทัศน์ และภาพที่มีลักษณะเฉพาะได้ ในการวาดภาพประเภทโรแมนติกหลักถือได้ว่าเป็นภาพเหมือนซึ่งหลักคือการระบุตัวละครที่สดใสความตึงเครียดของชีวิตฝ่ายวิญญาณการเคลื่อนไหวที่หายวับไปของความรู้สึกของมนุษย์ตลอดจนภาพเหมือนตนเองซึ่งแทบไม่เคยเห็น ในศตวรรษที่ 18 คุณสมบัติหลายอย่างที่มีอยู่ในภาพวาดโรแมนติกพบความต่อเนื่องในรูปแบบต่อมา เช่น เวทย์มนต์และสัญลักษณ์เปรียบเทียบที่ซับซ้อน สัญลักษณ์, เพิ่มอารมณ์และหุนหันพลันแล่น - ใน การแสดงออก.

Ivanov-Razumnik อธิบายถึงแนวโรแมนติกของยุโรปตะวันตกออกเป็น 3 แบบคือ เยอรมัน อังกฤษ และฝรั่งเศส โดยอธิบายตามลำดับว่าเป็นตรรกะหรือแนวโรแมนติกของความคิด หลักจริยธรรม หรือแนวโรแมนติกของเจตจำนง และสุนทรียศาสตร์หรือความรู้สึกแนวโรแมนติก

เยอรมนี เวลานั้นเป็นประเทศที่กระจัดกระจายที่ไม่สามารถมีส่วนร่วมในการล่าอาณานิคมของตะวันออกได้ แต่ไม่มีทรัพยากรเพียงพอที่จะทำสงครามในยุโรปโดยไม่ได้รับความช่วยเหลือใด ๆ อย่างไรก็ตาม ในประเทศเยอรมนีมีโรงเรียนและคำสอนทางปรัชญาหลายแห่งเกิดขึ้น - ไม่สามารถดำเนินการอย่างแข็งขันและเด็ดขาด แต่มีศักยภาพทางอุดมการณ์ที่ทรงพลัง แนวโรแมนติกของเยอรมันมีลักษณะเฉพาะด้วยความเศร้าโศก การไตร่ตรอง และอารมณ์ลี้ลับ แนวโรแมนติกของเยอรมันหมายถึงตำนาน ตำนาน ประเพณี และเรื่องเล่าของผู้คน ซึ่งสะท้อนให้เห็นในวรรณคดี ดนตรี และภาพวาดในยุคนี้ E.T.A. ฮอฟฟ์มันน์เขียนนิทานโดยใช้นิทานพื้นบ้านเยอรมันหลายเรื่อง โอเปร่าของเขายังหมายถึงตำนานพื้นบ้านอีกด้วย ผลงานของ Vagner R. Vagner เกือบจะสมบูรณ์เข้าไปในเทพนิยายของเยอรมัน มหากาพย์วีรบุรุษ (“LoEngrin”, “Parsifal”, “Nibelung Ring” เป็นต้น) และอดีตในตำนานของประเทศของเขา (“Flying Dutchman”, “Tangaizer) ” และอื่นๆ .) K.M. Weber (โอเปร่า "Free Shooter") ยังหมายถึงประเพณีของชาวเขา

ในตอนต้นของศตวรรษที่ XIX ออสเตรีย เป็นอาณาจักรขนาดใหญ่ที่รวมฮังการี สาธารณรัฐเช็ก อิตาลีทางเหนือ บาวาเรียตะวันออกเฉียงใต้ ดังนั้นองค์ประกอบของชาติจึงมีความหลากหลาย: เช็กและฮังการี สโลวักและโครแอต โรมาเนียและยูเครน โปแลนด์และอิตาลี และออสเตรียและเยอรมันรวมกันเป็นหนึ่ง ที่สามของประชากร ประเพณี ขนบธรรมเนียม คติชนวิทยา และคุณลักษณะของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะของแต่ละชนชาติเหล่านี้มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมออสเตรีย อย่างไรก็ตาม ชนชาติเหล่านี้ทั้งหมดรวมกันเป็นหนึ่งโดยราชวงศ์ฮับส์บูร์ก ต่างจากเยอรมนีที่ประชาชนที่มีวัฒนธรรมประจำชาติที่พัฒนาแล้วไม่มีรัฐเดียว ดังนั้นจึงพยายามสร้างรัฐชาติเพื่อเป็นหลักประกันในการอนุรักษ์วัฒนธรรมของพวกเขา ประชาชนของจักรวรรดิออสเตรียอาศัยอยู่ภายในกรอบของรัฐเดียวซึ่งก็คือ เกิดขึ้นนานก่อนการปฏิวัติอุตสาหกรรมตามหลักการของราชวงศ์และไม่ได้ระบุตัวตนกับคนใดคนหนึ่งภายใต้การปกครองของเขา เนื่องจากภาษาเยอรมันเป็นภาษาพื้นเมืองของสมาชิกของราชวงศ์ปกครอง จึงถือว่าพวกเขาเป็นภาษาราชการของประเทศและเป็นวิธีการสื่อสารระหว่างชาติพันธุ์ที่ต้องการมากที่สุดในหมู่ผู้อยู่อาศัย บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมคุณลักษณะหลายอย่างที่มีอยู่ในวัฒนธรรมศิลปะของเยอรมนีจึงเป็นลักษณะเฉพาะของออสเตรียด้วย Например, отношение к природе как прибежищу от бед цивилизации, утешению, исцелению мятущегося человека ярко отражены в произведениях Ф.Шуберта (например, вокальный цикл «Прекрасная мельничиха»), в творчестве которого душевные переживания личности тесно связаны с образами природы.

ต่างจากเยอรมนี อังกฤษ ในเวลานั้นเป็นประเทศที่ก้าวหน้าซึ่งมีประเพณีทางการเมืองและเศรษฐกิจที่ร่ำรวยและมีรูปแบบของรัฐบาลที่ยุโรปทั้งหมดเท่าเทียมกันโดยพิจารณาว่าเป็นประเทศที่ประสบความสำเร็จมากที่สุด (ราชาธิปไตยรัฐสภา) อย่างไรก็ตาม ตามประวัติศาสตร์ของศิลปะ ประเทศอังกฤษในยุคโรแมนติกไม่ได้สร้างดนตรีที่น่าสนใจใด ๆ และความสำเร็จของแนวโรแมนติกก็รวมอยู่ในศิลปะสองประเภท: วรรณกรรมและภาพวาด ประเด็นหลักของแนวโรแมนติกในอังกฤษคือการสะท้อนถึงบุคคลที่โรแมนติก วีรบุรุษแห่งยุคของเขา ตลอดจนคุณสมบัติทางศีลธรรมที่ฮีโร่ตัวนี้ควรมี (เช่น ในผลงานของ J.G. Byron "Childe Harold", "Don Juan" และใน "Endymion" J. Keats) ภาพวาดโรแมนติกของอังกฤษถูกครอบงำโดยภูมิทัศน์ว่าเป็นภาพสะท้อนของความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณและความเป็นไปได้อันยิ่งใหญ่ของ "มนุษย์ปุถุชน" (ตัวอย่างเช่น ทิวทัศน์ของ J. Constable)

ภาษาฝรั่งเศส แนวโรแมนติกเป็นภาพสะท้อนที่ชัดเจนของเหตุการณ์ในปี 1789 เช่น การปฏิวัติฝรั่งเศสที่ยิ่งใหญ่ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมความโรแมนติกในระดับภูมิภาคทั้งหมดจึงทำให้ภาษาฝรั่งเศสมีประสิทธิภาพและกระฉับกระเฉงที่สุดและมีความอิ่มตัวทางอารมณ์มากที่สุด เขาให้ชื่อมากมายในรูปแบบศิลปะต่างๆ ดังนั้นในวรรณคดีความโรแมนติกที่โดดเด่นที่สุดเรื่องหนึ่งซึ่งเป็นคนแรกที่กำหนดลักษณะสำคัญของแนวโรแมนติกของฝรั่งเศส (คำนำของละครเรื่อง "Cromwell") คือ V. Hugo อีกคนหนึ่ง - A. de Musset ซึ่งกลายเป็นที่รู้จัก คำสารภาพงานของเขา "คำสารภาพของบุตรแห่งศตวรรษ" ในวงการเพลง G. Berlioz กลายเป็นผู้ริเริ่มที่ยิ่งใหญ่ ซึ่งเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่สร้างแนวเพลงนี้ โปรแกรมซิมโฟนี(“Fantastic Symphony”) และปฏิรูปวิธีการแสดงออกทางดนตรี ศิลปินชาวฝรั่งเศสกำลังปฏิรูปวิธีการทางศิลปะและการแสดงออกด้วย: พวกเขาทำให้องค์ประกอบมีชีวิตชีวาโดยผสมผสานรูปแบบที่มีการเคลื่อนไหวที่รุนแรงโดยใช้สีที่สดใสและอิ่มตัวตามความแตกต่างของแสงและเงา โทนสีอบอุ่นและเย็น

อเมริกัน แนวโรแมนติกด้วยเหตุผลหลายประการไม่ได้นำเสนอภาพเดียว การไม่มีรากเหง้าของชาติอย่างลึกซึ้ง ความห่างไกลทางภูมิศาสตร์จากประเทศในแถบยุโรป ธรรมชาติของโมเสคของวัฒนธรรมที่สร้างขึ้นบนแผ่นดินใหญ่ใหม่ รวมถึงการหมกมุ่นอยู่กับการสร้างเอกราชจากยุโรป ได้กำหนดเส้นทางแนวโรแมนติกของอเมริกาไว้ล่วงหน้าแล้ว ประการแรกนี่คือความพยายามที่จะค้นหารากเหง้าของวัฒนธรรมของพวกเขาในลำไส้ของวัฒนธรรมของชาวพื้นเมือง - ชาวอินเดีย นั่นคือเหตุผลที่ศิลปินหลายคนโดยเฉพาะวรรณคดีหันไปใช้ชีวิตในอุดมคติของชาวอินเดียนแดงซึ่งเป็นภาพลักษณ์ของพวกเขา (F. Cooper, G. Longfellow) คนอื่นสนใจธรรมชาติของดินแดนที่อุดมสมบูรณ์นี้ ซึ่งหมายความว่าภูมิทัศน์กลายเป็นแนวโรแมนติกที่พบได้บ่อยที่สุดประเภทหนึ่ง

เป็นที่ทราบกันดีว่าแนวโรแมนติกของรัสเซียแตกต่างอย่างมากจากยุโรปตะวันตก รัสเซีย ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 ในการพัฒนาเศรษฐกิจ มันยังไม่ "ตาม" กับยุโรป ไม่รอดจากการปฏิวัติของชนชั้นนายทุน ดังนั้นวัฒนธรรมรัสเซียจึงต่างไปจากโศกนาฏกรรมและความสิ้นหวังของ "ความเศร้าโศกโลก", "การจากไป" สู่ยุคกลางในอุดมคติซึ่งเป็นลักษณะของเยอรมัน แนวโรแมนติกฝรั่งเศสและอังกฤษ เมื่อพูดถึงประเพณียุโรปตะวันตกในแนวโรแมนติกของรัสเซีย เราสังเกตว่าลักษณะทางอารมณ์ของยุโรปเมื่อสิ้นสุดศตวรรษที่ 18 มีความเกี่ยวข้องในรัสเซียซึ่งเกี่ยวข้องกับเหตุการณ์สองเหตุการณ์ในประวัติศาสตร์รัสเซีย - สงครามผู้รักชาติปี 1812 และการจลาจลผู้หลอกลวง สงครามรักชาติมีส่วนทำให้เกิดการเติบโตของเอกลักษณ์ประจำชาติ และการจลาจลของ Decembrists เป็นการแก้ปัญหาสถานการณ์การปฏิวัติที่คล้ายกับยุโรปตะวันตก นั่นคือเหตุผลที่แนวโรแมนติกรัสเซียยุคแรกซึ่งเฟื่องฟูในช่วงทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ XIX ซึ่งแตกต่างจากยุโรปตะวันตกคือ "มองโลกในแง่ดีปราดเปรียวและก้าวร้าว" (Gukovsky) วัฒนธรรมรัสเซียกำลังผ่านช่วงเวลาแห่งการปฏิวัติที่เพิ่มขึ้นในทุกด้านของวัฒนธรรม ความแตกต่างที่สำคัญอีกประการหนึ่งระหว่างความโรแมนติกของยุโรปตะวันตกและรัสเซียก็คือแรงผลักดันหลักในยุโรปคืออสังหาริมทรัพย์ที่สาม ในขณะที่ในรัสเซียนั้นเป็นชนชั้นสูง ซึ่งเป็นเหตุว่าทำไมแนวโรแมนติกของรัสเซียจึงมักถูกเรียกว่า "ขุนนาง" อันที่จริงปรากฏการณ์ที่สำคัญที่สุดในด้านวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เกิดขึ้นในสภาพแวดล้อมอันสูงส่ง แม้แต่การต่อสู้เพื่อขจัดความเป็นทาสก็ยังดำเนินการโดยขุนนางเป็นหลัก

ในเวลานั้นความขัดแย้งทางวัฒนธรรมระหว่างเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกทวีความรุนแรงขึ้นในจิตสำนึกสาธารณะของรัสเซีย จำได้ว่าในศตวรรษที่สิบแปด มอสโกตอบโต้นักปฏิกิริยาคลาสสิกเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กด้วยอารมณ์ความรู้สึกล้ำสมัยในขณะนั้น ในตอนต้นของศตวรรษที่ XIX มันอยู่ในมอสโกที่มีการยิงแนวโรแมนติกครั้งแรก ปรมาจารย์มอสโกส่วนใหญ่หันไปหาทิศทางที่ไม่โต้ตอบของแนวจินตนิยมซึ่งเป็นแนวคิดหลักที่ออกเดินทางสู่อุดมคติในขณะที่วัฒนธรรมเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กสะท้อนให้เห็นถึงการปฏิวัติ - การตรัสรู้, หลักการโดยรวม วัฒนธรรมของปีเตอร์สเบิร์กของพุชกินยังคงมีความสำคัญต่อความสำเร็จของการตรัสรู้ของยุโรปตะวันตกเช่น ตามหลักเก็งกำไรบางประการเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงของสังคม ในขณะที่อารมณ์อ่อนไหวของมอสโกกลายเป็นแนวโรแมนติก ทำให้คนที่มีความคิดสร้างสรรค์เป็นอันดับแรก

ความโรแมนติกเป็นครั้งสุดท้าย pan-Europeanสไตล์ในงานศิลปะ อย่างไรก็ตาม ควบคู่ไปกับคุณสมบัติทั่วไปแล้ว ควรสังเกตว่าแต่ละประเทศสร้างรสชาติโรแมนติกที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะของตัวเองขึ้นมา นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าภายในกรอบของแนวจินตนิยมซึ่งเริ่มต้นการเติบโตอย่างรวดเร็วของเอกลักษณ์ประจำชาติมีการสร้างโรงเรียนศิลปะระดับชาติจำนวนมากซึ่งแต่ละแห่งมีความคิดดั้งเดิม โครงเรื่อง ประเภทที่ชื่นชอบตลอดจน สไตล์ชาติพิเศษ

บทคัดย่อการสอบ

หัวข้อ: "ความโรแมนติกเป็นเทรนด์ศิลปะ"

ดำเนินการแล้ว นักเรียน 11 "B" ชั้นมัธยมศึกษาปีที่ 3

บอยแพรว อันนา

ครูศิลปะโลก

วัฒนธรรม Butsu T.N.

เบรสต์, 2002

1. บทนำ

2. สาเหตุของความโรแมนติก

3. คุณสมบัติหลักของความโรแมนติก

4. ฮีโร่โรแมนติก

5. ความโรแมนติกในรัสเซีย

ก) วรรณคดี

ข) จิตรกรรม

ค) ดนตรี

6. โรแมนติกยุโรปตะวันตก

ภาพวาด

ข) ดนตรี

7. บทสรุป

8. การอ้างอิง

1. บทนำ

หากคุณดูพจนานุกรมอธิบายภาษารัสเซียคุณจะพบความหมายหลายประการของคำว่า "โรแมนติก": 1. แนวโน้มในวรรณคดีและศิลปะในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยการทำให้เป็นอุดมคติของอดีตการแยกตัว จากความเป็นจริง ลัทธิของบุคลิกภาพและมนุษย์ 2. ทิศทางในวรรณคดีและศิลปะ อุดมด้วยการมองโลกในแง่ดีและความปรารถนาที่จะแสดงในภาพที่สดใสวัตถุประสงค์สูงของมนุษย์ ๓. สภาวะจิตที่เปี่ยมด้วยอุดมคติแห่งความเป็นจริง การไตร่ตรองอย่างเพ้อฝัน

ดังที่เห็นได้จากคำจำกัดความ ความโรแมนติกเป็นปรากฏการณ์ที่แสดงออกไม่เพียงแต่ในงานศิลปะ แต่ยังรวมถึงพฤติกรรม การแต่งกาย วิถีชีวิต จิตวิทยาของผู้คน และเกิดขึ้นในช่วงเวลาที่สำคัญในชีวิต ดังนั้น แนวโรแมนติกจึงยังคงมีความเกี่ยวข้องในปัจจุบัน เรามีชีวิตอยู่ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ เราอยู่ในขั้นเปลี่ยนผ่าน ในเรื่องนี้ ในสังคมมีความไม่เชื่อในอนาคต เกิดการหยุดชะงักในอุดมคติ มีความปรารถนาที่จะหนีจากความเป็นจริงโดยรอบไปสู่โลกแห่งประสบการณ์ของตัวเองและในขณะเดียวกันก็เข้าใจมัน เป็นคุณลักษณะเหล่านี้เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะโรแมนติก นั่นเป็นเหตุผลที่ฉันเลือกหัวข้อ "โรแมนติกเป็นกระแสในงานศิลปะ" เพื่อการวิจัย

ยวนใจเป็นงานศิลปะประเภทต่าง ๆ ที่มีขนาดใหญ่มาก จุดประสงค์ของงานของฉันคือเพื่อติดตามเงื่อนไขสำหรับการเกิดขึ้นและสาเหตุของการเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกในประเทศต่าง ๆ เพื่อตรวจสอบพัฒนาการของแนวโรแมนติกในรูปแบบศิลปะเช่นวรรณกรรม ภาพวาด และดนตรี และเพื่อเปรียบเทียบ งานหลักสำหรับฉันคือการเน้นคุณลักษณะหลักของแนวโรแมนติก ซึ่งเป็นลักษณะของศิลปะทุกประเภท เพื่อกำหนดว่าแนวโรแมนติกมีอิทธิพลต่อการพัฒนาแนวโน้มอื่นๆ ในงานศิลปะอย่างไร

ในการพัฒนาธีม ฉันใช้หนังสือเรียนเกี่ยวกับงานศิลปะ เช่น ผู้เขียน เช่น Filimonova, Vorotnikov และอื่นๆ สิ่งพิมพ์สารานุกรม เอกสารที่อุทิศให้กับผู้เขียนหลายคนในยุคของแนวโรแมนติก เนื้อหาเกี่ยวกับชีวประวัติของผู้แต่งเช่น Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova และอื่นๆ

2. เหตุผลในการกำเนิดของความโรแมนติก

ยิ่งเราเข้าใกล้ความทันสมัยมากเท่าไหร่ ช่วงเวลาของการครอบงำของรูปแบบหนึ่งหรือรูปแบบอื่นก็ยิ่งสั้นลงเท่านั้น ช่วงเวลาปลายศตวรรษที่ 18-1 ในสามของศตวรรษที่ 19 ถือว่าเป็นยุคแห่งแนวโรแมนติก (จาก French Romantique สิ่งลึกลับ แปลก ไม่จริง)

สิ่งที่มีอิทธิพลต่อการเกิดขึ้นของรูปแบบใหม่?

นี่คือเหตุการณ์หลักสามเหตุการณ์: การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่ สงครามนโปเลียน การเพิ่มขึ้นของขบวนการปลดปล่อยชาติในยุโรป

ฟ้าร้องของปารีสดังก้องไปทั่วยุโรป สโลแกน "เสรีภาพ ความเสมอภาค ภราดรภาพ!" เป็นที่ดึงดูดใจของชาวยุโรปอย่างมาก ด้วยการก่อตัวของสังคมชนชั้นนายทุน ชนชั้นแรงงานจึงเริ่มต่อต้านระบบศักดินาในฐานะกองกำลังอิสระ การต่อสู้ของชนชั้นทั้งสามที่เป็นปฏิปักษ์กัน - ชนชั้นสูง, ชนชั้นนายทุนและชนชั้นกรรมาชีพ - ก่อให้เกิดพื้นฐานของการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ของศตวรรษที่ 19

ชะตากรรมของนโปเลียนและบทบาทของเขาในประวัติศาสตร์ยุโรปเป็นเวลา 2 ทศวรรษ พ.ศ. 2339-2458 ครอบงำจิตใจของคนรุ่นเดียวกัน "ผู้ปกครองความคิด" - A.S. พูดถึงเขา พุชกิน.

สำหรับฝรั่งเศส ช่วงเวลาเหล่านี้เป็นปีแห่งความยิ่งใหญ่และรุ่งโรจน์ แม้ว่าจะต้องแลกด้วยชีวิตของชาวฝรั่งเศสหลายพันคน อิตาลีเห็นนโปเลียนเป็นผู้ปลดปล่อย ชาวโปแลนด์มีความหวังสูงสำหรับเขา

นโปเลียนทำหน้าที่เป็นผู้พิชิตที่ทำหน้าที่เพื่อผลประโยชน์ของชนชั้นนายทุนฝรั่งเศส สำหรับพระมหากษัตริย์ในยุโรป พระองค์ไม่เพียงแต่เป็นศัตรูทางทหารเท่านั้น แต่ยังเป็นตัวแทนของโลกมนุษย์ต่างดาวของชนชั้นนายทุนอีกด้วย พวกเขาเกลียดเขา ในช่วงเริ่มต้นของสงครามนโปเลียน มีผู้เข้าร่วมโดยตรงจำนวนมากในการปฏิวัติใน "กองทัพอันยิ่งใหญ่" ของเขา

บุคลิกของนโปเลียนเองก็เป็นปรากฎการณ์เช่นกัน ชายหนุ่ม Lermontov ตอบกลับวันครบรอบ 10 ปีของการเสียชีวิตของนโปเลียน:

เขาเป็นคนแปลกหน้าต่อโลก ทุกอย่างเกี่ยวกับเขาเป็นเรื่องลึกลับ

วันแห่งความสูงส่ง - และการล่มสลายของชั่วโมง!

ความลึกลับนี้ดึงดูดความสนใจของคู่รักเป็นพิเศษ

ในการเชื่อมต่อกับสงครามนโปเลียนและการพัฒนาความประหม่าของชาติ ช่วงเวลานี้มีลักษณะเฉพาะโดยการเพิ่มขึ้นของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติ เยอรมนี, ออสเตรีย, สเปนต่อสู้กับการยึดครองของนโปเลียน, อิตาลี - กับแอกออสเตรีย, กรีซ - กับตุรกี, ในโปแลนด์พวกเขาต่อสู้กับซาร์รัสเซีย, ไอร์แลนด์ - กับอังกฤษ

การเปลี่ยนแปลงที่น่าอัศจรรย์เกิดขึ้นต่อหน้าต่อตาของคนรุ่นหนึ่ง

ฝรั่งเศสเห็นพ้องต้องกันมากที่สุด: วันครบรอบปีที่ห้าอันวุ่นวายของการปฏิวัติฝรั่งเศส, การขึ้นและลงของ Robespierre, การรณรงค์ของนโปเลียน, การสละราชสมบัติครั้งแรกของนโปเลียน, การกลับมาจากเกาะเอลบา ("ร้อยวัน") และครั้งสุดท้าย

ความพ่ายแพ้ที่วอเตอร์ลู วันครบรอบ 15 ปีอันมืดมนของระบอบการฟื้นฟู การปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1860 การปฏิวัติเดือนกุมภาพันธ์ปี 1848 ในปารีส ซึ่งก่อให้เกิดกระแสการปฏิวัติในประเทศอื่นๆ

ในอังกฤษอันเป็นผลมาจากการปฏิวัติอุตสาหกรรมในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX การผลิตเครื่องจักรและความสัมพันธ์ทุนนิยมถูกจัดตั้งขึ้น การปฏิรูปรัฐสภาในปี พ.ศ. 2375 ได้เปิดทางให้ชนชั้นนายทุนมีอำนาจเหนือรัฐ

ในดินแดนของเยอรมนีและออสเตรีย ผู้ปกครองศักดินายังคงมีอำนาจ หลังจากการล่มสลายของนโปเลียน พวกเขาจัดการกับฝ่ายค้านอย่างรุนแรง แต่แม้กระทั่งบนดินเยอรมัน รถจักรไอน้ำที่นำมาจากอังกฤษในปี พ.ศ. 2374 ก็กลายเป็นปัจจัยในความก้าวหน้าของชนชั้นนายทุน

การปฏิวัติอุตสาหกรรม การปฏิวัติทางการเมือง เปลี่ยนโฉมหน้าของยุโรป มาร์กซ์และเองเกลส์นักวิทยาศาสตร์ชาวเยอรมันกล่าวว่า “ชนชั้นนายทุนซึ่งอยู่ภายใต้การปกครองแบบชนชั้นน้อยกว่าร้อยปี ได้สร้างกองกำลังการผลิตจำนวนมากและยิ่งใหญ่กว่าคนรุ่นก่อนๆ ทั้งหมด” มาร์กซ์และเองเกลส์นักวิทยาศาสตร์ชาวเยอรมันเขียนไว้

ดังนั้น การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่ (ค.ศ. 1789-1794) จึงเป็นก้าวสำคัญที่แยกยุคใหม่ออกจากยุคแห่งการตรัสรู้ ไม่เพียงแต่รูปแบบของรัฐ โครงสร้างทางสังคมของสังคม การจัดตำแหน่งของชนชั้นก็เปลี่ยนไปด้วย ระบบความคิดทั้งระบบซึ่งสว่างไสวมานานหลายศตวรรษสั่นสะเทือน ผู้รู้แจ้งเตรียมการปฏิวัติตามอุดมการณ์ แต่พวกเขาไม่สามารถมองเห็นผลที่ตามมาทั้งหมดได้ "อาณาจักรแห่งเหตุผล" ไม่ได้เกิดขึ้น การปฏิวัติซึ่งประกาศอิสรภาพของแต่ละบุคคล ก่อให้เกิดระเบียบของชนชั้นนายทุน จิตวิญญาณแห่งการแสวงหา และความเห็นแก่ตัว นั่นคือพื้นฐานทางประวัติศาสตร์สำหรับการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะซึ่งนำเสนอทิศทางใหม่ - แนวโรแมนติก

3. คุณสมบัติหลักของโรแมนติก

ยวนใจเป็นวิธีการและทิศทางในวัฒนธรรมศิลปะเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและเป็นที่ถกเถียงกัน ในทุกประเทศเขามีการแสดงออกระดับชาติที่สดใส ไม่ใช่เรื่องง่ายที่จะหาคุณลักษณะในวรรณคดี ดนตรี ภาพวาด และโรงละครที่รวม Chateaubriand และ Delacroix, Mickiewicz และ Chopin, Lermontov และ Kiprensky เข้าด้วยกัน

โรแมนติกครอบครองตำแหน่งทางสังคมและการเมืองต่างๆในสังคม พวกเขาทั้งหมดกบฏต่อผลลัพธ์ของการปฏิวัติชนชั้นนายทุน แต่พวกเขากลับก่อกบฏในรูปแบบต่างๆ เนื่องจากแต่ละคนมีอุดมคติของตนเอง แต่ด้วยใบหน้าและความหลากหลายที่หลากหลาย ความโรแมนติกจึงมีลักษณะที่มั่นคง

ความผิดหวังในยุคปัจจุบันทำให้เกิดความพิเศษขึ้น ความสนใจในอดีต: การก่อตัวทางสังคมก่อนชนชั้นนายทุน, จนถึงยุคปิตาธิปไตย. ความโรแมนติกมากมายมีลักษณะเฉพาะด้วยแนวคิดที่ว่าความแปลกใหม่ที่งดงามของประเทศทางใต้และตะวันออก - อิตาลี, สเปน, กรีซ, ตุรกี - เป็นบทกวีที่ตรงกันข้ามกับชีวิตประจำวันของชนชั้นนายทุนที่น่าเบื่อ ในประเทศเหล่านี้ ซึ่งยังคงได้รับผลกระทบจากอารยธรรมเพียงเล็กน้อย คนโรแมนติกกำลังมองหาตัวละครที่สดใส แข็งแกร่ง วิถีชีวิตดั้งเดิมและมีสีสัน ความสนใจในอดีตชาติก่อให้เกิดผลงานทางประวัติศาสตร์จำนวนมาก

ในความพยายามที่จะอยู่เหนือกว่าร้อยแก้วของการเป็น เพื่อปลดปล่อยความสามารถที่หลากหลายของแต่ละบุคคล เพื่อให้เข้าใจตนเองในความคิดสร้างสรรค์ในท้ายที่สุด ความโรแมนติกต่อต้านการทำให้ศิลปะเป็นแบบแผนและแนวทางที่รอบคอบตรงไปตรงมา ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของลัทธิคลาสสิก พวกเขาทั้งหมดมาจาก การปฏิเสธการตรัสรู้และศีลที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิคซึ่งผูกมัดความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของศิลปินและหากความคลาสสิกแบ่งทุกอย่างเป็นเส้นตรง ไม่ดี และ ดี เป็นขาวดำ ความโรแมนติกจะไม่แบ่งอะไรเป็นเส้นตรง คลาสสิกเป็นระบบ แต่ความโรแมนติกไม่ใช่ ลัทธิจินตนิยมก้าวหน้าความก้าวหน้าของยุคสมัยใหม่จากลัทธิคลาสสิคไปสู่ความซาบซึ้งซึ่งแสดงให้เห็นถึงชีวิตภายในของบุคคลที่กลมกลืนกับโลกอันกว้างใหญ่ และแนวโรแมนติกต่อต้านความสามัคคีกับโลกภายใน เป็นเรื่องแนวโรแมนติกที่จิตวิทยาที่แท้จริงเริ่มปรากฏขึ้น

งานหลักของแนวโรแมนติกคือ ภาพของโลกชั้นใน, ชีวิตฝ่ายวิญญาณ และสิ่งนี้สามารถทำได้บนเนื้อหาของเรื่องราว ไสยศาสตร์ ฯลฯ จำเป็นต้องแสดงความขัดแย้งของชีวิตภายในนี้ ความไร้เหตุผลของมัน

ในจินตนาการของพวกเขา ความโรแมนติกเปลี่ยนความเป็นจริงที่ไม่สวยงามหรือเข้าสู่โลกแห่งประสบการณ์ของพวกเขา ช่องว่างระหว่างความฝันและความเป็นจริง ความขัดแย้งของนิยายที่สวยงามกับความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์ อยู่ที่หัวใจของการเคลื่อนไหวที่โรแมนติกทั้งหมด

ยวนใจเป็นครั้งแรกก่อให้เกิดปัญหาภาษาศิลปะ “ศิลปะเป็นภาษาที่แตกต่างจากธรรมชาติมาก แต่มันก็มีพลังมหัศจรรย์เช่นเดียวกันกับที่ส่งผลกระทบต่อจิตวิญญาณมนุษย์อย่างลับๆและไม่สามารถเข้าใจได้” (Wackenroder และ Tieck) ศิลปินเป็นนักแปลของภาษาธรรมชาติ เป็นตัวกลางระหว่างโลกแห่งจิตวิญญาณกับผู้คน “ต้องขอบคุณศิลปิน มนุษยชาติจึงกลายเป็นปัจเจกบุคคลทั้งหมด ศิลปินที่มีความทันสมัยผสมผสานโลกอดีตกับโลกแห่งอนาคต พวกเขาเป็นอวัยวะทางจิตวิญญาณสูงสุดที่กองกำลังสำคัญของมนุษยชาติภายนอกของพวกเขามาบรรจบกัน และเป็นที่ซึ่งมนุษยชาติภายในปรากฏตัวเป็นอันดับแรก” (F. Schlegel)

อย่างไรก็ตาม แนวโรแมนติกไม่ใช่แนวโน้มที่เป็นเนื้อเดียวกัน: การพัฒนาทางอุดมการณ์ของมันไปในทิศทางที่ต่างกัน ในบรรดาแนวโรแมนติกนั้นมีนักเขียนปฏิกิริยา สมัครพรรคพวกของระบอบเก่า ซึ่งร้องเพลงเกี่ยวกับสถาบันกษัตริย์ศักดินาและศาสนาคริสต์ ในทางกลับกัน ความโรแมนติกที่มีมุมมองก้าวหน้าได้แสดงออกถึงการประท้วงประชาธิปไตยต่อศักดินาและการกดขี่ทุกรูปแบบ ซึ่งสะท้อนถึงแรงกระตุ้นปฏิวัติของประชาชนเพื่ออนาคตที่ดีกว่า

ยวนใจทิ้งยุคทั้งโลกในวัฒนธรรมศิลปะโลกตัวแทนคือ: ในวรรณคดี V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz และอื่น ๆ ; ในวิจิตรศิลป์ของ E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky และคนอื่น ๆ ; ในเพลงของ F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin และคนอื่น ๆ พวกเขาค้นพบและพัฒนาแนวเพลงใหม่ให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับชะตากรรมของบุคลิกภาพของมนุษย์เผยให้เห็น ภาษาถิ่นของความดีและความชั่ว เปิดเผยกิเลสตัณหาของมนุษย์อย่างเชี่ยวชาญ ฯลฯ

รูปแบบศิลปะมีความเท่าเทียมกันในความสำคัญและก่อให้เกิดผลงานศิลปะที่งดงาม แม้ว่าความโรแมนติกจะให้ความสำคัญกับดนตรีในขั้นบันไดของศิลปะ

4. ฮีโร่สุดโรแมนติก

ใครคือฮีโร่โรแมนติกและเขาชอบอะไร?

นี่คือนักปัจเจก ซูเปอร์แมนผู้ผ่านสองขั้นตอน: ก่อนชนกับความเป็นจริง เขาอยู่ในสถานะ 'สีชมพู' เขาถูกครอบงำโดยความปรารถนาเพื่อความสำเร็จ การเปลี่ยนแปลงของโลก หลังจากการปะทะกับความเป็นจริง เขายังคงพิจารณาโลกนี้ทั้งหยาบคายและน่าเบื่อ แต่เขาไม่ได้กลายเป็นคนขี้ระแวงและมองโลกในแง่ร้าย ด้วยความเข้าใจที่ชัดเจนว่าไม่มีอะไรเปลี่ยนแปลงได้ ความปรารถนาในความสำเร็จกลับกลายเป็นความปรารถนาในอันตราย

ความโรแมนติกสามารถให้คุณค่าแก่ทุกสิ่งที่เป็นนิรันดร์และยั่งยืนแก่ทุกสิ่ง ให้กับทุกข้อเท็จจริงที่เป็นรูปธรรม แก่ทุกสิ่งที่เป็นเอกพจน์ โจเซฟ เดอ เมสเตรเรียกมันว่า "วิถีแห่งพรอวิเดนซ์" เจอร์เมน เดอ สตาเอล - "อ้อมอกแห่งจักรวาลอมตะ" Chateaubriand ใน "Genius of Christianity" ในหนังสือที่อุทิศให้กับประวัติศาสตร์ชี้ตรงไปที่พระเจ้าว่าเป็นจุดเริ่มต้นของเวลาทางประวัติศาสตร์ สังคมปรากฏเป็นสายสัมพันธ์ที่ไม่สั่นคลอน "สายใยแห่งชีวิตที่เชื่อมโยงเรากับบรรพบุรุษของเราและเราต้องขยายไปสู่ลูกหลานของเรา" มีเพียงหัวใจของบุคคลเท่านั้น ที่ไม่ใช่จิตใจ เท่านั้นที่สามารถเข้าใจและได้ยินเสียงของพระผู้สร้าง ผ่านความงามของธรรมชาติ ผ่านความรู้สึกลึกล้ำ ธรรมชาติเป็นสิ่งศักดิ์สิทธิ์ เป็นแหล่งของความสามัคคีและพลังสร้างสรรค์ คำอุปมาอุปมัยมักถูกถ่ายทอดโดยความรักไปสู่ศัพท์ทางการเมือง สำหรับความโรแมนติก ต้นไม้กลายเป็นสัญลักษณ์ของครอบครัว พัฒนาการที่เกิดขึ้นเองตามธรรมชาติ การรับรู้ถึงน้ำผลไม้ของแผ่นดินแม่ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความสามัคคีของชาติ ยิ่งธรรมชาติของบุคคลไร้เดียงสาและอ่อนไหวมากเท่าไร เขาก็ยิ่งได้ยินเสียงของพระผู้เป็นเจ้าง่ายขึ้นเท่านั้น เด็ก ผู้หญิง เยาวชนผู้สูงศักดิ์มักมองเห็นความเป็นอมตะของจิตวิญญาณและคุณค่าของชีวิตนิรันดร์มากกว่าคนอื่นๆ ความกระหายในความสุขของคนโรแมนติกไม่ได้จำกัดอยู่เพียงความปรารถนาในอุดมคติสำหรับอาณาจักรของพระเจ้าหลังความตาย

นอกจากความรักอันลี้ลับต่อพระเจ้าแล้ว บุคคลนั้นต้องการความรักที่แท้จริงบนแผ่นดินโลก ไม่สามารถครอบครองวัตถุแห่งความรักของเขาได้ฮีโร่โรแมนติกกลายเป็นผู้พลีชีพนิรันดร์ถึงวาระที่จะรอพบกับคนรักของเขาในชีวิตหลังความตาย "สำหรับความรักอันยิ่งใหญ่มีค่าเป็นอมตะเมื่อต้องเสียชีวิตบุคคล"

สถานที่พิเศษในงานโรแมนติกถูกครอบครองโดยปัญหาการพัฒนาและการศึกษาของแต่ละบุคคล วัยเด็กปราศจากกฎหมาย แรงกระตุ้นชั่วขณะของมันเป็นการละเมิดศีลธรรมอันดีของประชาชน ปฏิบัติตามกฎการเล่นแบบเด็กๆ ของตัวเอง ในผู้ใหญ่ ปฏิกิริยาที่คล้ายคลึงกันนำไปสู่ความตาย ไปสู่การประณามวิญญาณ ในการค้นหาอาณาจักรสวรรค์ บุคคลต้องเข้าใจกฎแห่งหน้าที่และศีลธรรม จากนั้นจึงจะสามารถหวังชีวิตนิรันดร์ได้ เนื่องจากหน้าที่ถูกกำหนดให้เป็นคนโรแมนติกด้วยความปรารถนาที่จะได้รับชีวิตนิรันดร์ การปฏิบัติหน้าที่ให้สำเร็จจึงให้ความสุขส่วนตัวในการสำแดงที่ลึกที่สุดและทรงพลังที่สุด หน้าที่ทางศีลธรรมจะเพิ่มหน้าที่ของความรู้สึกลึกล้ำและผลประโยชน์อันสูงส่ง โดยปราศจากการผสมผสานคุณธรรมของเพศต่าง ๆ ความโรแมนติกสนับสนุนความเท่าเทียมกันของการพัฒนาทางจิตวิญญาณของชายและหญิง ในทำนองเดียวกัน ความรักต่อพระเจ้าและสถาบันของพระองค์กำหนดหน้าที่พลเมือง การดิ้นรนส่วนตัวพบความสมบูรณ์ในสาเหตุทั่วไป ในการดิ้นรนของทั้งชาติ ของมวลมนุษยชาติ ของทั้งโลก

ทุกวัฒนธรรมมีฮีโร่โรแมนติกของตัวเอง แต่ Byron ในผลงานของเขา Charld Harold ได้นำเสนอฮีโร่โรแมนติกตามแบบฉบับ เขาสวมหน้ากากของฮีโร่ของเขา (เขาบอกว่าไม่มีระยะห่างระหว่างฮีโร่กับผู้เขียน) และจัดการเพื่อให้สอดคล้องกับศีลที่โรแมนติก

งานโรแมนติกทั้งหมดมีลักษณะเฉพาะ:

ประการแรกในงานโรแมนติกทุกครั้งไม่มีระยะห่างระหว่างฮีโร่กับผู้เขียน

ประการที่สอง ผู้เขียนฮีโร่ไม่ได้ตัดสิน แต่ถึงแม้จะพูดเรื่องไม่ดีเกี่ยวกับตัวเขา โครงเรื่องก็ถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่พระเอกไม่ต้องโทษ พล็อตในงานโรแมนติกมักจะโรแมนติก คนโรแมนติกยังสร้างความสัมพันธ์พิเศษกับธรรมชาติ เช่น พายุ พายุฝนฟ้าคะนอง ภัยพิบัติ

5. ความโรแมนติกในรัสเซีย

ลัทธิจินตนิยมในรัสเซียแตกต่างจากยุโรปตะวันตกในบริบททางประวัติศาสตร์และประเพณีวัฒนธรรมที่แตกต่างกัน การปฏิวัติฝรั่งเศสไม่สามารถนับเป็นหนึ่งในสาเหตุของการเกิดขึ้นได้ ผู้คนในวงแคบมากมีความหวังสำหรับการเปลี่ยนแปลงในทางของมัน และผลลัพธ์ของการปฏิวัติก็น่าผิดหวังอย่างยิ่ง คำถามเกี่ยวกับระบบทุนนิยมในรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ไม่ได้ยืน ดังนั้นจึงไม่มีเหตุผลดังกล่าว เหตุผลที่แท้จริงคือสงครามรักชาติในปี ค.ศ. 1812 ซึ่งแสดงพลังทั้งหมดของความคิดริเริ่มของประชาชน แต่หลังสงคราม ประชาชนไม่ได้รับความประสงค์ ขุนนางที่ดีที่สุดซึ่งไม่พอใจกับความเป็นจริงไปที่จัตุรัสวุฒิสภาในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2368 การกระทำนี้ยังทิ้งร่องรอยไว้บนปัญญาประดิษฐ์ที่สร้างสรรค์ ปีหลังสงครามที่ปั่นป่วนกลายเป็นสภาพแวดล้อมที่แนวโรแมนติกของรัสเซียก่อตัวขึ้น

ยวนใจและยิ่งกว่านั้นรัสเซียของเราพัฒนาและหล่อหลอมให้เป็นรูปแบบดั้งเดิมของเรา แนวโรแมนติกไม่ใช่วรรณกรรมที่เรียบง่าย แต่เป็นปรากฏการณ์ชีวิต ยุคทั้งหมดของการพัฒนาศีลธรรม ยุคที่มีสีพิเศษของตัวเอง ดำเนินการพิเศษ มุมมองในชีวิต ... ปล่อยให้กระแสโรแมนติกมาจากภายนอกจากชีวิตตะวันตกและวรรณกรรมตะวันตกซึ่งพบในธรรมชาติของรัสเซียดินพร้อมสำหรับการรับรู้ดังนั้นจึงสะท้อนให้เห็นในปรากฏการณ์ดั้งเดิมอย่างสมบูรณ์ในฐานะกวีและนักวิจารณ์ Apollon Grigoriev ประเมิน - นี่เป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมที่ไม่เหมือนใครและลักษณะของมันแสดงให้เห็นถึงความซับซ้อนที่สำคัญของแนวโรแมนติก จากลำไส้ที่โกกอลหนุ่มออกมาและผู้ที่เขาเกี่ยวข้องไม่เพียง แต่ในตอนเริ่มต้นอาชีพการเขียนของเขา แต่ตลอดชีวิตของเขา

Apollon Grigoriev ยังกำหนดธรรมชาติของผลกระทบของโรงเรียนโรแมนติกเกี่ยวกับวรรณกรรมและชีวิตอย่างแม่นยำรวมถึงร้อยแก้วของเวลานั้นไม่ใช่อิทธิพลหรือการยืมอย่างง่าย แต่เป็นชีวิตที่มีลักษณะเฉพาะและทรงพลังและแนวโน้มวรรณกรรมที่ให้ปรากฏการณ์ดั้งเดิมอย่างสมบูรณ์ในวรรณคดีรัสเซียรุ่นเยาว์ .

ก) วรรณคดี

แนวโรแมนติกของรัสเซียมักจะแบ่งออกเป็นหลายช่วงเวลา: เริ่มต้น (1801-1815), สุก (1815-1825) และช่วงเวลาของการพัฒนาหลังเดือนธันวาคม อย่างไรก็ตาม เมื่อเทียบกับช่วงแรก ความธรรมดาของโครงการนี้โดดเด่นมาก สำหรับรุ่งอรุณของแนวโรแมนติกของรัสเซียนั้นเกี่ยวข้องกับชื่อของ Zhukovsky และ Batyushkov กวีที่มีงานและโลกทัศน์ยากที่จะนำมาเคียงข้างกันและเปรียบเทียบในช่วงเวลาเดียวกันเป้าหมายแรงบันดาลใจอารมณ์แตกต่างกันมาก ในบทกวีของกวีทั้งสองยังคงรู้สึกถึงอิทธิพลของอดีตยุคแห่งอารมณ์อ่อนไหว แต่ถ้า Zhukovsky ยังคงหยั่งรากลึกอยู่ในนั้น Batyushkov ก็ใกล้ชิดกับแนวโน้มใหม่มากขึ้น

Belinsky ตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้องว่างานของ Zhukovsky มีลักษณะเป็น "การร้องเรียนเกี่ยวกับความหวังที่ไม่สมบูรณ์ซึ่งไม่มีชื่อ ความโศกเศร้าสำหรับความสุขที่หายไป ซึ่งพระเจ้ารู้ว่ามันประกอบด้วยอะไร" แท้จริงแล้วในบุคลิกของ Zhukovsky ความโรแมนติกยังคงทำตามขั้นตอนแรกขี้อายโดยจ่ายส่วยให้กับความปรารถนาทางอารมณ์และเศร้าโศกความโหยหาหัวใจที่คลุมเครือแทบจะมองไม่เห็นในคำพูดถึงความรู้สึกที่ซับซ้อนซึ่งในการวิจารณ์ของรัสเซียคือ เรียกว่า "ความโรแมนติกของยุคกลาง"

บรรยากาศที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงในบทกวีของ Batyushkov: ความสุขของการเป็นราคะที่ตรงไปตรงมาเพลงสวดเพื่อความเพลิดเพลิน

Zhukovsky ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นตัวแทนที่โดดเด่นของมนุษยนิยมด้านสุนทรียศาสตร์ของรัสเซีย Zhukovsky ที่ต่างจากความหลงใหลอย่างแรงกล้า พึงพอใจและอ่อนโยนอยู่ภายใต้อิทธิพลของความคิดของรุสโซและแนวโรแมนติกของชาวเยอรมัน ต่อมาท่านได้ให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับด้านสุนทรียภาพในศาสนา ศีลธรรม และความสัมพันธ์ทางสังคม ศิลปะได้รับความหมายทางศาสนาจาก Zhukovsky เขาพยายามที่จะเห็น "การเปิดเผย" ของความจริงที่สูงขึ้นในงานศิลปะมันเป็น "สิ่งศักดิ์สิทธิ์" สำหรับเขา เป็นเรื่องปกติสำหรับคู่รักชาวเยอรมันที่จะระบุบทกวีและศาสนา เราพบสิ่งเดียวกันใน Zhukovsky ผู้เขียนว่า: "บทกวีคือพระเจ้าในความฝันอันศักดิ์สิทธิ์ของโลก" ในแนวโรแมนติกของเยอรมัน เขาใกล้ชิดเป็นพิเศษกับสิ่งดึงดูดใจสำหรับทุกสิ่งที่อยู่นอกเหนือ "ด้านกลางคืนของจิตวิญญาณ" ไปจนถึง "สิ่งที่อธิบายไม่ได้" ในธรรมชาติและในมนุษย์ ธรรมชาติในกวีนิพนธ์ของ Zhukovsky ถูกห้อมล้อมด้วยความลึกลับ ภูมิประเทศของเขาดูน่ากลัวและแทบไม่มีจริง เหมือนภาพสะท้อนในน้ำ:

ธูปถูกรวมเข้ากับความเย็นของพืช!

ช่างหอมหวานในความเงียบที่สาดกระเซ็นที่ชายฝั่ง!

ลมของมาร์ชเมลโลว์บนผืนน้ำช่างเงียบงันเพียงใด

และหลิวกระพือปีกยืดหยุ่น!

วิญญาณที่ละเอียดอ่อน อ่อนโยน และชวนฝันของ Zhukovsky ดูเหมือนจะเยือกแข็งอย่างอ่อนหวานบนธรณีประตูของ "แสงลึกลับนี้" กวีผู้นี้แสดงออกอย่างเหมาะสมของเบลินสกี้ “รักและยอมทนทุกข์ทรมาน” แต่ความทุกข์ทรมานนี้ไม่ได้แทงใจเขาด้วยบาดแผลอันโหดร้าย เพราะแม้ในความปวดร้าวและความโศกเศร้า ชีวิตภายในของเขาก็ยังเงียบสงบ ดังนั้นเมื่ออยู่ในข้อความถึง Batyushkov "บุตรแห่งความสุขและความสนุกสนาน" เขาเรียกกวี Epicurean ว่า "สัมพันธ์กับ Muse" เป็นเรื่องยากที่จะเชื่อในความสัมพันธ์นี้ แต่เราเชื่อว่า Zhukovsky ผู้มีคุณธรรมซึ่งเป็นมิตรแนะนำนักร้องแห่งความสุขทางโลก: "ปฏิเสธความยั่วยวนความฝันเป็นอันตรายถึงชีวิต!"

Batyushkov เป็นร่างในทุกสิ่งที่ตรงข้ามกับ Zhukovsky เขาเป็นคนที่มีความปรารถนาอย่างแรงกล้า และชีวิตที่สร้างสรรค์ของเขาถูกตัดให้สั้นกว่าการมีอยู่จริงของเขา 35 ปี เมื่อตอนเป็นชายหนุ่ม เขาจมดิ่งสู่ขุมนรกแห่งความบ้าคลั่ง เขาอุทิศตนด้วยพลังและความหลงใหลที่เท่าเทียมกันทั้งความสุขและความเศร้า: ในชีวิตเช่นเดียวกับความเข้าใจในบทกวีเขา - ต่างจาก Zhukovsky - เป็นคนต่างด้าวกับ "ค่าเฉลี่ยสีทอง" แม้ว่าบทกวีของเขาจะโดดเด่นด้วยการยกย่องมิตรภาพที่บริสุทธิ์ แต่ความสุขของ "มุมต่ำต้อย" แต่ไอดีลของเขาไม่ได้เจียมเนื้อเจียมตัวและเงียบสงบเพราะ Batyushkov ไม่สามารถจินตนาการได้หากปราศจากความสุขอันเร่าร้อนของความหลงใหลและความมึนเมากับชีวิต บางครั้งกวีก็หลงใหลในความปิติยินดีจนเขาพร้อมที่จะปฏิเสธภูมิปัญญาทางวิทยาศาสตร์ที่กดขี่โดยประมาท:

มันอยู่ในความจริงของความเศร้า

สโตอิกที่มืดมนและปราชญ์ที่น่าเบื่อ

นั่งในชุดศพ

ระหว่างเศษหินกับโลงศพ

เราจะพบความหวานในชีวิตของเราหรือไม่?

จากพวกเขาฉันเห็นความสุข

มันบินเหมือนผีเสื้อจากพุ่มไม้หนาม

สำหรับพวกเขาไม่มีเสน่ห์ในเสน่ห์ของธรรมชาติ

หญิงสาวไม่ร้องเพลงให้พวกเขาเต้นรำเป็นวงกลม

สำหรับพวกเขา คนตาบอด

ฤดูใบไม้ผลิโดยไม่มีความสุขและฤดูร้อนไม่มีดอกไม้

โศกนาฏกรรมของแท้ไม่ค่อยฟังในบทกวีของเขา เฉพาะในตอนท้ายของชีวิตสร้างสรรค์ของเขาเมื่อเขาเริ่มแสดงอาการป่วยทางจิตบทกวีสุดท้ายของเขาถูกบันทึกภายใต้การเขียนตามคำบอกซึ่งลวดลายของความไร้ประโยชน์ของการดำรงอยู่ทางโลกนั้นชัดเจน:

จำที่พูดได้มั้ย

กล่าวคำอำลากับชีวิต Melchizedek ผมสีเทา?

ผู้ชายเกิดเป็นทาส

จะนอนลงอย่างทาสในหลุมศพ

และความตายแทบจะไม่บอกเขา

ทำไมเขาถึงเดินผ่านหุบเขาแห่งน้ำตาที่มหัศจรรย์

ได้รับความเดือดร้อนร้องไห้อดทน

ในรัสเซีย แนวโรแมนติกเป็นแนววรรณกรรมที่พัฒนาขึ้นโดยศตวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่สิบเก้า ต้นกำเนิดของมันคือกวี นักเขียนร้อยแก้ว นักเขียน และพวกเขาสร้างแนวโรแมนติกของรัสเซีย ซึ่งแตกต่างจาก "ยุโรปตะวันตก" ในลักษณะดั้งเดิมของชาติ แนวโรแมนติกของรัสเซียได้รับการพัฒนาโดยกวีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่สิบเก้าและกวีแต่ละคนก็นำสิ่งใหม่มา แนวโรแมนติกของรัสเซียได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางได้รับคุณลักษณะเฉพาะและกลายเป็นกระแสอิสระในวรรณคดี ใน "Ruslan และ Lyudmila" A.S. พุชกินมีบรรทัด: "มีวิญญาณรัสเซียมีกลิ่นของรัสเซีย" อาจกล่าวได้เช่นเดียวกันเกี่ยวกับแนวโรแมนติกของรัสเซีย วีรบุรุษแห่งงานโรแมนติกคือจิตวิญญาณแห่งบทกวีที่มุ่งมั่นเพื่อ "สูง" และสวยงาม แต่มีโลกที่เป็นศัตรูที่ไม่อนุญาตให้คุณรู้สึกอิสระซึ่งทำให้วิญญาณเหล่านี้เข้าใจยาก โลกนี้ช่างหยาบกระด้าง จิตวิญญาณแห่งกวีจึงหนีไปที่อื่น ที่ซึ่งมีอุดมคติอยู่ ก็มุ่งมั่นเพื่อ "นิรันดร์" แนวโรแมนติกขึ้นอยู่กับความขัดแย้งนี้ แต่กวีมีปฏิกิริยาแตกต่างไปจากสถานการณ์นี้ Zhukovsky, Pushkin, Lermontov ดำเนินการจากสิ่งหนึ่งสร้างความสัมพันธ์ของฮีโร่และโลกรอบตัวพวกเขาในรูปแบบที่แตกต่างกันดังนั้นฮีโร่ของพวกเขาจึงมีเส้นทางสู่อุดมคติที่แตกต่างกัน

ความเป็นจริงนั้นแย่มาก หยาบคาย หยิ่งทะนง และเห็นแก่ตัว ไม่มีที่สำหรับความรู้สึก ความฝัน และความปรารถนาของกวี วีรบุรุษของเขา "ความจริง" และนิรันดร์ - ในอีกโลกหนึ่ง ดังนั้นแนวความคิดของสองโลก กวีจึงพยายามหาหนึ่งในโลกเหล่านี้เพื่อค้นหาอุดมคติ

ตำแหน่งของ Zhukovsky ไม่ใช่ตำแหน่งของบุคคลที่ต่อสู้กับโลกภายนอกที่ท้าทายเขา เป็นเส้นทางผ่านความเป็นหนึ่งเดียวกับธรรมชาติ เป็นเส้นทางที่กลมกลืนกับธรรมชาติ ในโลกอันเป็นนิรันดร์และสวยงาม Zhukovsky ในความเห็นของนักวิจัยหลายคน (รวมถึง Yu.V. Mann) เป็นการแสดงออกถึงความเข้าใจของเขาเกี่ยวกับกระบวนการแห่งความสามัคคีใน The Inexpressible ความสามัคคีคือการบินของจิตวิญญาณ ความงามที่รายล้อมคุณเติมเต็มจิตวิญญาณของคุณ อยู่ในตัวคุณ และคุณอยู่ในนั้น วิญญาณโบยบิน ไม่มีเวลาหรือที่ว่าง แต่คุณมีอยู่จริงในธรรมชาติ และขณะนี้ คุณมีชีวิตอยู่ คุณต้องการร้องเพลงเกี่ยวกับความงามนี้ แต่ไม่มีคำพูดใดที่จะแสดงสถานะของคุณ มีเพียงความรู้สึกปรองดองเท่านั้น คุณไม่ถูกรบกวนจากผู้คนรอบตัวคุณ จิตใจที่น่าเบื่อ เปิดให้คุณมากขึ้น คุณมีอิสระ

Pushkin และ Lermontov เข้าหาปัญหาแนวโรแมนติกนี้แตกต่างกัน ไม่ต้องสงสัยเลยว่าอิทธิพลของ Zhukovsky ที่มีต่อพุชกินไม่สามารถสะท้อนออกมาในผลงานของยุคหลังได้ งานแรกของพุชกินมีลักษณะเป็นแนวโรแมนติก "พลเรือน" ภายใต้อิทธิพลของ "นักร้องในค่ายนักรบรัสเซีย" Zhukovsky และผลงานของ Griboyedov พุชกินเขียนบทกวีถึง "Liberty", "To Chaadaev" ในระยะหลังเขาเรียก:

"เพื่อนของฉัน! ให้เราอุทิศจิตวิญญาณของเราให้กับปิตุภูมิด้วยแรงกระตุ้นที่ยอดเยี่ยม ... " นี่คือความปรารถนาเดียวกันสำหรับอุดมคติที่ Zhukovsky มี มีเพียงพุชกินเท่านั้นที่เข้าใจอุดมคติในแบบของเขา ดังนั้นเส้นทางสู่อุดมคติจึงแตกต่างออกไปสำหรับกวี เขาไม่ต้องการและไม่สามารถต่อสู้เพื่ออุดมคติเพียงอย่างเดียวได้ กวีเรียกร้องหาเขา พุชกินมองความเป็นจริงและอุดมคติต่างกัน คุณไม่สามารถเรียกมันว่ากบฏได้ นี่เป็นภาพสะท้อนขององค์ประกอบที่ดื้อรั้น สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในบทกวี "ทะเล" นี่คือความแข็งแกร่งและพลังของทะเล ทะเลที่เป็นอิสระ มันมาถึงอุดมคติแล้ว มนุษย์จะต้องเป็นอิสระวิญญาณของเขาจะต้องเป็นอิสระ

การค้นหาอุดมคติเป็นคุณลักษณะหลักของความโรแมนติก มันแสดงออกในผลงานของ Zhukovsky และ Pushkin และ Lermontov กวีทั้งสามต่างมองหาอิสรภาพ แต่พวกเขามองหามันด้วยวิธีที่ต่างกัน พวกเขาเข้าใจมันต่างกัน Zhukovsky กำลังมองหาอิสรภาพที่ "ผู้สร้าง" ส่งมา เมื่อพบความสามัคคีบุคคลก็จะกลายเป็นอิสระ สำหรับพุชกิน อิสรภาพทางจิตวิญญาณเป็นสิ่งสำคัญ ซึ่งควรแสดงออกในตัวบุคคล สำหรับ Lermontov มีเพียงฮีโร่ที่ดื้อรั้นเท่านั้น กบฏเพื่ออิสรภาพ อะไรจะสวยงามไปกว่านี้? ทัศนคติต่ออุดมคตินี้ยังคงอยู่ในเนื้อเพลงรักของกวี ในความคิดของฉันความสัมพันธ์นี้เกิดจากเวลา แม้ว่าพวกเขาจะทำงานเกือบจะในช่วงเวลาเดียวกัน แต่เวลาทำงานของพวกเขาแตกต่างกัน เหตุการณ์ก็พัฒนาขึ้นด้วยความเร็วที่ไม่ธรรมดา ตัวละครของกวีก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อความสัมพันธ์ของพวกเขา ความสงบ Zhukovsky และ Lermontov ที่ดื้อรั้นตรงกันข้ามอย่างสิ้นเชิง แต่แนวโรแมนติกของรัสเซียพัฒนาขึ้นอย่างแม่นยำเพราะลักษณะของกวีเหล่านี้แตกต่างกัน พวกเขาแนะนำแนวคิดใหม่ ตัวละครใหม่ อุดมการณ์ใหม่ ให้ภาพที่สมบูรณ์ว่าอิสรภาพคืออะไร ชีวิตจริงคืออะไร แต่ละคนแสดงถึงเส้นทางสู่อุดมคติซึ่งเป็นสิทธิของแต่ละคน

การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกเป็นเรื่องที่น่ารำคาญมาก ความเป็นปัจเจกของมนุษย์ตอนนี้ยืนอยู่ที่ศูนย์กลางของโลกทั้งใบ มนุษย์ "ฉัน" เริ่มถูกตีความว่าเป็นพื้นฐานและความหมายของการดำรงอยู่ทั้งหมด ชีวิตมนุษย์เริ่มถูกมองว่าเป็นงานศิลปะ ศิลปะ แนวจินตนิยมแพร่หลายมากในศตวรรษที่ 19 แต่ไม่ใช่กวีทุกคนที่เรียกตัวเองว่าโรแมนติกถ่ายทอดแก่นแท้ของแนวโน้มนี้

ตอนปลายศตวรรษที่ 20 เราสามารถจำแนกความโรแมนติกของศตวรรษที่ผ่านมาบนพื้นฐานนี้ได้เป็นสองกลุ่ม กลุ่มหนึ่งและน่าจะเป็นกลุ่มที่กว้างขวางที่สุดคือกลุ่มที่รวมเอาความโรแมนติกที่ "เป็นทางการ" เข้าไว้ด้วยกัน เป็นการยากที่จะสงสัยว่าพวกเขาไม่จริงใจ ตรงกันข้าม พวกเขาถ่ายทอดความรู้สึกได้อย่างแม่นยำมาก ในหมู่พวกเขามี Dmitry Venevitinov (1805-1827) และ Alexander Polezhaev (1804-1838) กวีเหล่านี้ใช้รูปแบบโรแมนติกโดยพิจารณาว่าเหมาะสมที่สุดสำหรับการบรรลุเป้าหมายทางศิลปะ ดังนั้น D. Venevitinov เขียน:

ฉันรู้สึกว่ามันไหม้ในตัวฉัน

เปลวไฟศักดิ์สิทธิ์แห่งแรงบันดาลใจ

แต่วิญญาณลอยไปสู่เป้าหมายที่มืดมิด ...

ฉันจะพบหน้าผาที่เชื่อถือได้หรือไม่

ฉันจะพักเท้าที่มั่นคงได้ที่ไหน

นี่เป็นบทกวีโรแมนติกทั่วไป ใช้คำศัพท์โรแมนติกแบบดั้งเดิม - นี่คือทั้ง "เปลวไฟแห่งแรงบันดาลใจ" และ "จิตวิญญาณที่ทะยาน" ดังนั้นกวีอธิบายความรู้สึกของเขา แต่ไม่มีอีกแล้ว กวีถูกผูกมัดโดยกรอบของความโรแมนติก "รูปลักษณ์ทางวาจา" ทุกอย่างง่ายขึ้นสำหรับแสตมป์บางส่วน

ตัวแทนของกลุ่มโรแมนติกอีกกลุ่มหนึ่งในศตวรรษที่ 19 คือ A.S. Pushkin และ M. Lermontov ในทางกลับกันกวีเหล่านี้เต็มไปด้วยเนื้อหาของตัวเองในรูปแบบโรแมนติก ช่วงเวลาโรแมนติกในชีวิตของ A. Pushkin นั้นสั้นดังนั้นเขาจึงมีงานโรแมนติกเล็กน้อย “นักโทษแห่งคอเคซัส” (1820-1821) เป็นหนึ่งในบทกวีโรแมนติกที่เก่าแก่ที่สุดของ A.S. พุชกิน. ก่อนที่เราจะเป็นงานโรแมนติกแบบคลาสสิก ผู้เขียนไม่ได้ให้ภาพฮีโร่ของเขาแก่เรา เราไม่รู้จักชื่อของเขาด้วยซ้ำ และไม่น่าแปลกใจเลย - ฮีโร่โรแมนติกทุกคนมีความคล้ายคลึงกัน พวกเขายังเด็กสวย ... และไม่มีความสุข พล็อตของงานก็โรแมนติกคลาสสิก นักโทษชาวรัสเซียกับ Circassians หญิงสาว Circassian หนุ่มตกหลุมรักเขาและช่วยเขาหลบหนี แต่เขารักอีกคนหนึ่งอย่างไร้ความหวัง ... บทกวีจบลงอย่างน่าเศร้า - Circassian ขว้างตัวเองลงไปในน้ำและตายและรัสเซียเป็นอิสระจากการถูกจองจำ "ทางกายภาพ" ตกอยู่ในความเจ็บปวดที่เจ็บปวดยิ่งขึ้น - การถูกจองจำของวิญญาณ เรารู้อะไรเกี่ยวกับอดีตของฮีโร่?

หนทางยาวไกลสู่รัสเซีย...

.....................................

ที่พระองค์ทรงโอบรับความทุกข์ทรมานอันน่าสะพรึงกลัว

ที่ที่ชีวิตวุ่นวายพังทลาย

ความหวังความสุขและความปรารถนา

เขามาที่บริภาษเพื่อค้นหาอิสรภาพพยายามหนีจากชีวิตที่ผ่านมา และตอนนี้เมื่อความสุขดูใกล้เข้ามา เขาก็ต้องวิ่งอีกครั้ง แต่ที่ไหน? กลับสู่โลกที่เขา

คนทรยศของแสง เพื่อนของธรรมชาติ

เขาละทิ้งแผ่นดินเกิดของเขา

และบินไปยังดินแดนอันไกลโพ้น

ด้วยภูติผีปิศาจแห่งอิสรภาพที่ร่าเริง

แต่ "ผีแห่งอิสรภาพ" ยังคงเป็นแค่ผี เขาจะหลอกหลอนฮีโร่โรแมนติกตลอดไป บทกวีโรแมนติกอีกเรื่องคือ "ยิปซี" ในนั้นผู้เขียนไม่ได้ให้ภาพของฮีโร่แก่ผู้อ่านอีกครั้งเรารู้แค่ชื่อของเขา - Aleko เขามาที่ค่ายเพื่อรับรู้ถึงความสุขที่แท้จริง อิสรภาพที่แท้จริง เพื่อเห็นแก่เธอ เขาละทิ้งทุกสิ่งที่เคยอยู่รอบตัวเขา เขาเป็นอิสระและมีความสุขหรือไม่? ดูเหมือนว่า Aleko จะรัก แต่ด้วยความรู้สึกนี้ความโชคร้ายและการดูถูกเท่านั้นที่มาหาเขา Aleko ผู้ซึ่งปรารถนาอิสรภาพมากจนไม่สามารถรับรู้เจตจำนงของคนอื่นได้ ในบทกวีนี้ ลักษณะพิเศษอีกอย่างหนึ่งของมุมมองโลกทัศน์ของฮีโร่โรแมนติกได้แสดงให้เห็น - ความเห็นแก่ตัวและความไม่ลงรอยกันอย่างสมบูรณ์กับโลกภายนอก Aleko ไม่ได้ถูกลงโทษด้วยความตาย แต่แย่กว่านั้น - ด้วยความเหงาและการโต้เถียง เขาอยู่คนเดียวในโลกที่เขาหนีไป แต่ในอีกโลกหนึ่ง เป็นที่ต้องการอย่างมาก เขาถูกทิ้งให้อยู่ตามลำพังอีกครั้ง

ก่อนที่จะเขียน The Prisoner of the Caucasus พุชกินเคยกล่าวไว้ว่า: "ฉันไม่เหมาะที่จะเป็นวีรบุรุษของบทกวีโรแมนติก"; อย่างไรก็ตามในเวลาเดียวกันในปี พ.ศ. 2363 พุชกินได้เขียนบทกวีของเขาว่า "แสงแห่งวันออกไป ... " ในนั้นคุณจะพบคำศัพท์ทั้งหมดที่มีอยู่ในแนวโรแมนติก นี่คือ "ชายฝั่งที่ห่างไกล" และ "มหาสมุทรที่มืดมน" และ "ความตื่นเต้นและความปรารถนา" ซึ่งทำให้ผู้เขียนทรมาน ละเว้นวิ่งตลอดทั้งบทกวี:

คลื่นใต้ฉันมหาสมุทรบูดบึ้ง

มันมีอยู่ไม่เพียง แต่ในคำอธิบายของธรรมชาติ แต่ยังอยู่ในคำอธิบายของความรู้สึกของฮีโร่

...แต่อดีตแผลใจ

บาดแผลแห่งความรักที่ลึกล้ำ ไม่มีอะไรจะเยียวยา ...

เสียงดัง, เสียงดัง, เรือเชื่อฟัง,

กังวลอยู่ใต้ทะเลที่มืดมน...

นั่นคือธรรมชาติกลายเป็นอีกตัวละครหนึ่งซึ่งเป็นวีรบุรุษผู้โคลงสั้น ๆ ของบทกวี ต่อมาในปี พ.ศ. 2367 พุชกินได้เขียนบทกวี "To the Sea" ฮีโร่โรแมนติกในนั้นเช่นใน "แสงแห่งวันออกไป ... " กลายเป็นผู้เขียนเองอีกครั้ง ที่นี่พุชกินหมายถึงทะเลเป็นสัญลักษณ์แห่งอิสรภาพแบบดั้งเดิม ทะเลเป็นองค์ประกอบซึ่งหมายถึงอิสรภาพและความสุข อย่างไรก็ตาม พุชกินสร้างบทกวีนี้โดยไม่คาดคิด:

คุณรอ คุณโทรมา... ฉันถูกล่ามโซ่

ที่นี่วิญญาณของฉันถูกฉีกขาด:

หลงเสน่ห์แรงกล้าอย่างแรงกล้า

ฉันพักบนชายฝั่ง...

เราสามารถพูดได้ว่าบทกวีนี้เติมเต็มช่วงเวลาโรแมนติกในชีวิตของพุชกิน มันถูกเขียนขึ้นโดยผู้ชายคนหนึ่งที่รู้ว่าหลังจากได้รับอิสรภาพที่เรียกว่า "ทางกายภาพ" แล้ว ฮีโร่ที่โรแมนติกก็ไม่มีความสุข

ในป่า ในทะเลทราย เงียบงัน

ฉันจะถ่ายโอนเต็มไปด้วยคุณ

โขดหินอ่าวของคุณ ...

ในเวลานี้ พุชกินได้ข้อสรุปว่าเสรีภาพที่แท้จริงสามารถมีได้ภายในบุคคลเท่านั้น และมีเพียงสิ่งนี้เท่านั้นที่สามารถทำให้เขามีความสุขอย่างแท้จริง

ความโรแมนติกของ Byron นั้นอาศัยและสัมผัสได้ในงานของเขาเป็นครั้งแรกในวัฒนธรรมรัสเซีย Pushkin จากนั้น Lermontov พุชกินมีพรสวรรค์ในการให้ความสนใจกับผู้คน แต่บทกวีโรแมนติกที่สุดในผลงานของกวีและนักเขียนร้อยแก้วผู้ยิ่งใหญ่ก็คือน้ำพุแห่งบัคชิซาไรอย่างไม่ต้องสงสัย

บทกวี "The Fountain of Bakhchisaray" ยังคงดำเนินต่อไปในการค้นหาของพุชกินในรูปแบบของบทกวีโรแมนติก และแน่นอนว่าการเสียชีวิตของนักเขียนชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ได้ขัดขวางสิ่งนี้

ธีมโรแมนติกในงานของพุชกินได้รับสองตัวเลือกที่แตกต่างกัน: มีฮีโร่โรแมนติกที่กล้าหาญ ("เชลย", "โจร", "ผู้ลี้ภัย") ซึ่งโดดเด่นด้วยเจตจำนงที่มั่นคงซึ่งผ่านการทดสอบความรุนแรงที่โหดร้าย และมีวีรบุรุษผู้ทุกข์ทรมานซึ่งประสบการณ์ทางวิญญาณบางอย่างไม่สอดคล้องกับความโหดร้ายของโลกภายนอก ("พลัดถิ่น", "นักโทษ") การเริ่มต้นแบบพาสซีฟในตัวละครโรแมนติกตอนนี้ได้กลายเป็นหน้ากากของผู้หญิงในพุชกิน Fountain of Bakhchisaray พัฒนาแง่มุมนี้ของฮีโร่โรแมนติกอย่างแม่นยำ

ใน "นักโทษแห่งคอเคซัส" ความสนใจทั้งหมดถูกจ่ายให้กับ "นักโทษ" และน้อยมากสำหรับ "Circassian" ตรงกันข้าม - Khan Girey ไม่มีอะไรมากไปกว่าร่างที่ไม่น่าทึ่งและแน่นอนว่าตัวละครหลักคือผู้หญิง แม้แต่สองคน - Zarema และ Maria วิธีแก้ปัญหาของความเป็นคู่ของฮีโร่ที่พบในบทกวีก่อนหน้า (ผ่านภาพของพี่น้องที่ถูกล่ามโซ่) ยังใช้โดยพุชกินที่นี่: จุดเริ่มต้นแบบพาสซีฟนั้นปรากฎต่อหน้าตัวละครสองตัว - ความหึงหวง, หลงใหลในความรัก Zarema และเศร้า หมดหวังและรักแมรี่ ทั้งคู่เป็นอารมณ์โรแมนติกที่ขัดแย้งกันสองอย่าง: ความผิดหวัง, ความสิ้นหวัง, ความสิ้นหวังและในเวลาเดียวกันความกระตือรือร้นทางวิญญาณ, ความรุนแรงของความรู้สึก; ความขัดแย้งได้รับการแก้ไขอย่างน่าเศร้าในบทกวี - การตายของแมรี่ไม่ได้นำความสุขมาสู่ซาเรมาเช่นกันเนื่องจากพวกเขาเชื่อมโยงกันด้วยความสัมพันธ์ที่ลึกลับ ดังนั้นใน The Robber Brothers การตายของพี่น้องคนหนึ่งได้บดบังชีวิตของอีกคนไปตลอดกาล

อย่างไรก็ตาม B.V. Tomashevsky ตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้องว่า“ การแยกบทกวีของบทกวียังพิจารณาถึงความยากจนของเนื้อหา ... ชัยชนะทางศีลธรรมเหนือ Zarema ไม่ได้นำไปสู่ข้อสรุปและการสะท้อนเพิ่มเติม ... “ นักโทษแห่งคอเคซัส” มีความต่อเนื่องที่ชัดเจน ในงานของพุชกิน: ทั้ง Aleko และ Eugene Onegin อนุญาต ... คำถามที่ถูกโพสต์ในบทกวีภาคใต้เล่มแรก “ น้ำพุแห่ง Bakhchisarai” ไม่มีความต่อเนื่องดังกล่าว ... "

พุชกินคลำหาและระบุจุดที่เปราะบางที่สุดในตำแหน่งที่โรแมนติกของบุคคล: เขาต้องการทุกอย่างเพื่อตัวเองเท่านั้น

บทกวีของ Lermontov "Mtsyri" ไม่ได้สะท้อนถึงลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติกอย่างเต็มที่

มีวีรบุรุษโรแมนติกสองคนในบทกวีนี้ดังนั้นถ้านี่เป็นบทกวีโรแมนติกมันก็แปลกมาก: ประการแรกฮีโร่คนที่สองจะถูกสื่อโดยผู้เขียนผ่าน Epigraph; ประการที่สองผู้เขียนไม่ได้เชื่อมต่อกับ MTSYRI ฮีโร่แก้ปัญหาความตั้งใจของตัวเองในแบบของเขาเองและ Lermontov ตลอดบทกวีคิดเกี่ยวกับการแก้ปัญหานี้เท่านั้น เขาไม่ได้ตัดสินฮีโร่ของเขา แต่เขาไม่ตัดสินมันด้วย แต่เขารับตำแหน่งที่แน่นอน - ความเข้าใจ ปรากฎว่าความโรแมนติกในวัฒนธรรมรัสเซียกลายเป็นภาพสะท้อน ปรากฎว่าโรแมนติกในแง่ของความสมจริง

อาจกล่าวได้ว่า Pushkin และ Lermontov ไม่ได้กลายเป็นโรแมนติก (แม้ว่า Lermontov เคยจัดการเพื่อให้สอดคล้องกับกฎหมายโรแมนติก - ในละคร 'Masquerade') จากการทดลองของพวกเขา กวีได้แสดงให้เห็นว่าในอังกฤษ ตำแหน่งของนักปัจเจกบุคคลอาจมีผล แต่ไม่ใช่ในรัสเซีย แม้ว่า Pushkin และ Lermontov จะไม่กลายเป็นคู่รัก แต่พวกเขาก็ปูทางไปสู่การพัฒนาความสมจริง ในปี ค.ศ. 1825 ผลงานที่เหมือนจริงชิ้นแรกได้รับการตีพิมพ์: "Boris Godunov" จากนั้น "The Captain's Daughter", "Eugene Onegin", "A Hero of Our Time" และอื่น ๆ อีกมากมาย

ข) จิตรกรรม

ในทัศนศิลป์ ความโรแมนติกแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในการวาดภาพและกราฟิก ไม่แสดงออกอย่างชัดเจนในประติมากรรมและสถาปัตยกรรม จิตรกรโรแมนติกชาวรัสเซียเป็นตัวแทนของความโรแมนติกในทัศนศิลป์ พวกเขาแสดงจิตวิญญาณแห่งความรักในอิสรภาพ การกระทำที่กระตือรือร้น ดึงดูดใจและดึงดูดใจต่อการสำแดงของมนุษยนิยมในภาพวาด ภาพเขียนประจำวันของจิตรกรชาวรัสเซียมีความโดดเด่นด้วยความเกี่ยวข้องและจิตวิทยาการแสดงออกที่ไม่เคยมีมาก่อน ภูมิประเทศที่เศร้าโศกและเศร้าโศกเป็นความพยายามแบบเดียวกันกับโรแมนติกที่จะเจาะเข้าสู่โลกมนุษย์เพื่อแสดงให้เห็นว่าบุคคลนั้นมีชีวิตอยู่และความฝันในโลก sublunar ได้อย่างไร ภาพวาดโรแมนติกของรัสเซียนั้นแตกต่างจากต่างประเทศ สิ่งนี้ถูกกำหนดโดยสถานการณ์และประเพณีทางประวัติศาสตร์

คุณสมบัติของภาพวาดโรแมนติกรัสเซีย:

อุดมการณ์การตรัสรู้อ่อนแอลงแต่ไม่ล่มสลายเหมือนในยุโรป ดังนั้นความโรแมนติกจึงไม่เด่นชัด

แนวจินตนิยมพัฒนาควบคู่ไปกับความคลาสสิคซึ่งมักจะเกี่ยวพันกับมัน

ภาพวาดเชิงวิชาการในรัสเซียยังไม่หมดแรง

ลัทธิจินตนิยมในรัสเซียไม่ใช่ปรากฏการณ์ที่มั่นคง ในช่วงกลางศตวรรษที่ XIX ประเพณีโรแมนติกเกือบจะตายไปแล้ว

งานที่เกี่ยวข้องกับความโรแมนติกเริ่มปรากฏในรัสเซียแล้วในยุค 1790 (ผลงานของ Feodosy Yanenko "นักเดินทางที่ติดพายุ" (1796), "ภาพตัวเองในหมวกกันน็อก" (1792) Rosa เป็นที่นิยมอย่างมากในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18 และ 19 ต่อมาอิทธิพลของศิลปินโปรโต-โรแมนติกคนนี้จะสังเกตเห็นได้ชัดเจนในผลงานของ Alexander Orlovsky โจร ฉากแคมป์ไฟ การต่อสู้มาพร้อมกับอาชีพทั้งหมดของเขา เช่นเดียวกับในประเทศอื่นๆ ศิลปินที่อยู่ในแนวโรแมนติกของรัสเซียได้แนะนำภาพบุคคล ทิวทัศน์ และฉากประเภทต่าง ๆ ให้เข้ากับอารมณ์ความรู้สึกใหม่อย่างสมบูรณ์

ในรัสเซียความโรแมนติกเริ่มปรากฏตัวครั้งแรกใน วาดภาพเหมือน. ในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 19 ส่วนใหญ่เธอขาดการติดต่อกับขุนนางระดับสูง สถานที่สำคัญเริ่มถูกครอบครองโดยภาพเหมือนของกวี, ศิลปิน, ผู้อุปถัมภ์ศิลปะ, ภาพลักษณ์ของชาวนาธรรมดา แนวโน้มนี้เด่นชัดโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการทำงานของ O.A Kiprensky (1782 - 1836) และ V.A. Tropinin (1776 - 1857)

Vasily Andreevich Tropinin พยายามสร้างบุคลิกที่มีชีวิตชีวาและผ่อนคลายของบุคคลที่แสดงออกผ่านภาพเหมือนของเขา Portrait of A Son (1818), "Portrait of A.S. Pushkin" (1827), "ภาพตัวเอง" (1846) ไม่น่าประหลาดใจด้วยภาพบุคคลที่คล้ายคลึงกับต้นฉบับ แต่มีการเจาะลึกลงไปในโลกภายในของบุคคล

ภาพของลูกชาย- Arsenia Tropinina เป็นหนึ่งในงานที่ดีที่สุดในการทำงานของอาจารย์ สีทองอ่อนวิจิตรงดงามชวนให้นึกถึงภาพวาดวาเลอรีแห่งศตวรรษที่สิบแปด อย่างไรก็ตามเมื่อเปรียบเทียบกับภาพเหมือนของเด็กทั่วไปในแนวโรแมนติกของศตวรรษที่สิบแปด ที่นี่การออกแบบที่เป็นกลางนั้นโดดเด่น - เด็กคนนี้โพสท่าในระดับเล็กน้อย Arseny จ้องมองผ่านผู้ชม เขาแต่งตัวสบายๆ ประตูราวกับถูกเปิดออกโดยไม่ได้ตั้งใจ การขาดความเป็นตัวแทนอยู่ในการกระจายตัวขององค์ประกอบที่ไม่ธรรมดา: หัวเติมพื้นผิวเกือบทั้งหมดของผืนผ้าใบรูปภาพถูกตัดไปที่กระดูกไหปลาร้าและใบหน้าของเด็กชายจะเคลื่อนเข้าหาผู้ชมโดยอัตโนมัติ

ประวัติศาสตร์การสร้างที่น่าสนใจเป็นพิเศษ "Portrait of Pushkin"ตามปกติสำหรับการรู้จักกับพุชกินครั้งแรก Tropinin มาที่บ้านของ Sobolevsky บนสนามเด็กเล่นสำหรับสุนัขซึ่งกวีอาศัยอยู่ ศิลปินพบว่าเขาอยู่ในออฟฟิศเล่นซอกับลูกสุนัข ในเวลาเดียวกันเห็นได้ชัดว่ามันถูกเขียนขึ้นตามความประทับใจแรกซึ่ง Tropinin ชื่นชมอย่างมากซึ่งเป็นภาพร่างเล็ก ๆ เป็นเวลานานที่เขายังคงมองเห็นผู้ติดตามของเขา เพียงเกือบหนึ่งร้อยปีต่อมาในปี 1914 มันถูกตีพิมพ์โดย P.M. Shchekotov ผู้เขียนภาพบุคคลทั้งหมดของ Alexander Sergeevich เขา "ส่วนใหญ่สื่อถึงลักษณะของเขา ... ดวงตาสีฟ้าของกวีเต็มไปด้วยความสามารถพิเศษที่นี่การหันศีรษะอย่างรวดเร็วและใบหน้าก็แสดงออกและเคลื่อนไหวได้ . ไม่ต้องสงสัยเลยว่านี่คือการจับภาพลักษณะที่แท้จริงของใบหน้าของพุชกินซึ่งเราพบเป็นรายบุคคลในภาพบุคคลหนึ่งหรือหลายภาพที่ลงมาหาเรา มันยังคงงงงวย” Shchekotov กล่าวเสริม“ ทำไมภาพร่างที่มีเสน่ห์นี้ไม่ได้รับความสนใจจากผู้จัดพิมพ์และผู้ชื่นชอบกวี” นี่คือการอธิบายโดยคุณสมบัติของภาพร่างเล็ก ๆ : ไม่มีความฉลาดของสีหรือความงามของ brushstroke หรือเขียน "วงเวียน" อย่างเชี่ยวชาญ และ Pushkin ที่นี่ไม่ใช่ "Vitia" ที่ได้รับความนิยมไม่ใช่ "อัจฉริยะ" แต่เหนือสิ่งอื่นใดผู้ชาย และมันแทบจะไม่ให้ยืมตัวเองเพื่อวิเคราะห์ว่าทำไมเนื้อหาของมนุษย์ที่ยอดเยี่ยมจึงมีอยู่ในระดับสีเทา-กรีนสีเทา-กรีน, มะกอก, ในการเร่งรีบราวกับว่าจังหวะแบบสุ่มของแปรงของ Etude ที่ดูไม่มีความคิดเกือบ เมื่อผ่านไปในความทรงจำตลอดชีวิตและการถ่ายภาพบุคคลที่ตามมาของพุชคินภาพร่างนี้ในแง่ของความแข็งแกร่งของมนุษยชาติสามารถวางไว้ถัดจากร่างของพุชกินได้แกะสลักโดยช่างแกะสลักโซเวียต A. Matveev แต่นี่ไม่ใช่งานที่ Tropinin ตั้งตัวเองนี่ไม่ใช่ประเภทของพุชกินที่เพื่อนของเขาอยากเห็นแม้ว่าเขาจะสั่งให้แสดงบทกวีในรูปแบบที่เรียบง่ายและอบอุ่น

ในการประเมินของศิลปิน Pushkin คือ "The Tsar-Poet" แต่เขาก็เป็นกวีชาวบ้านเขาเป็นของตัวเองและใกล้ชิดกับทุกคน “ความคล้ายคลึงของภาพเหมือนกับต้นฉบับนั้นน่าทึ่ง” โพลวอยเขียนไว้ท้ายภาพ แม้ว่าเขาจะสังเกตเห็นว่าขาด "ความรวดเร็วในการมองเห็น" และ "การแสดงออกทางสีหน้าอย่างมีชีวิตชีวา" ซึ่งเปลี่ยนและชุบชีวิตพุชกินด้วยความประทับใจครั้งใหม่ทุกครั้ง .

ในภาพเหมือน ทุกสิ่งทุกอย่างถูกคิดออกมาและผ่านการตรวจสอบในรายละเอียดที่เล็กที่สุด และในขณะเดียวกันก็ไม่มีสิ่งใดที่จงใจ ไม่มีอะไรแนะนำโดยศิลปิน แม้แต่แหวนที่ประดับด้วยนิ้วของกวีก็ถูกเน้นย้ำถึงขนาดที่พุชกินเองก็ให้ความสำคัญกับพวกเขาในชีวิต ในบรรดาการเปิดเผยที่งดงามของ Tropinin ภาพเหมือนของพุชกินก็กระทบกับความดังของช่วง

ความโรแมนติกของ Tropinin ได้แสดงถึงต้นกำเนิดทางอารมณ์อย่างชัดเจน มันคือ Tropinin ซึ่งเป็นผู้ก่อตั้งประเภทซึ่งเป็นภาพเหมือนในอุดมคติของผู้ชายจากผู้คน (“The Lacemaker” (1823)) “ ทั้งนักเลงและไม่ใช่นักเลง” Svinin เขียนเกี่ยวกับ "ช่างทำลูกไม้" --มาชมภาพนี้ซึ่งเชื่อมโยงความงามทั้งหมดของศิลปะภาพอย่างแท้จริง: ความรื่นรมย์ของพู่กัน, แสงที่ถูกต้อง, ความสุข, สีสันสดใส, เป็นธรรมชาติ, ยิ่งกว่านั้นภาพนี้เผยให้เห็นจิตวิญญาณของความงามและสิ่งนั้น รูปลักษณ์ของความอยากรู้อยากเห็นที่เธอขว้างใส่คนที่เข้ามาในขณะนั้น แขนของเธอแยกที่ข้อศอกหยุดด้วยการจ้องมองของเธองานหยุดงานถอนหายใจออกจากเต้านมบริสุทธิ์ของเธอปกคลุมไปด้วยผ้าพันคอมัสลิน - และทั้งหมดนี้เป็นภาพที่มีความจริงและความเรียบง่ายที่ภาพนี้สามารถเข้าใจผิดได้ง่ายมาก สำหรับงานที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของความฝันอันรุ่งโรจน์ สิ่งของรอง เช่น หมอนลูกไม้และผ้าเช็ดตัว ถูกจัดเรียงด้วยงานศิลปะที่ยอดเยี่ยมและจบลงด้วยดี ... ”

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 Tver เป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรมที่สำคัญของรัสเซีย คนที่โดดเด่นของมอสโกทั้งหมดมาที่นี่เพื่อตอนเย็นวรรณกรรม ที่นี่ Orest Kiprensky พบกับ A.S. Pushkin ซึ่งเป็นภาพวาดในภายหลังกลายเป็นไข่มุกแห่งศิลปะภาพวาดโลกและ A.S. Pushkin จะอุทิศบทกวีให้เขาซึ่งเขาจะเรียกเขาว่า ภาพเหมือนของพุชกินแปรงของ O. Kiprensky เป็นตัวตนที่มีชีวิตของอัจฉริยะบทกวี ในการหันศีรษะอย่างแน่วแน่ในอ้อมแขนที่โอบกอดหน้าอกอย่างแรงรูปลักษณ์ทั้งหมดของกวีเผยให้เห็นความรู้สึกของความเป็นอิสระและเสรีภาพ มันเกี่ยวกับเขาที่พุชกินพูดว่า:“ ฉันเห็นตัวเองเหมือนอยู่ในกระจก แต่กระจกนี้ทำให้ฉันแบน” ในงานเกี่ยวกับภาพเหมือนของพุชกิน Tropinin และ Kiprensky พบกันเป็นครั้งสุดท้ายแม้ว่าการประชุมครั้งนี้ไม่ได้เกิดขึ้นโดยตรง แต่หลายปีต่อมาในประวัติศาสตร์ศิลปะซึ่งตามกฎแล้วภาพสองภาพของกวีชาวรัสเซียที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ถูกเปรียบเทียบสร้างขึ้นพร้อมกัน แต่ในสถานที่ต่าง ๆ - หนึ่งในมอสโก อีกแห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ตอนนี้นี่คือการประชุมของอาจารย์ที่ยอดเยี่ยมอย่างเท่าเทียมกันในความสำคัญของพวกเขาสำหรับศิลปะรัสเซีย แม้ว่าผู้ชื่นชมของ Kiprensky จะอ้างว่าข้อดีทางศิลปะอยู่ด้านข้างของภาพเหมือนโรแมนติกของเขาซึ่งกวีถูกนำเสนอหมกมุ่นอยู่กับความคิดของเขาเองโดยลำพังด้วยรำพึง สัญชาติและประชาธิปไตยของภาพนั้นอยู่ด้านข้างของ Pushkin ของ Tropininsky

ดังนั้น ภาพบุคคลทั้งสองนี้จึงสะท้อนถึงศิลปะสองด้านของรัสเซีย กระจุกตัวอยู่ในเมืองหลวงสองแห่ง และต่อมานักวิจารณ์จะเขียนว่า Tropinin มีไว้สำหรับมอสโก สิ่งที่ Kiprensky สำหรับเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กคือ

ลักษณะเด่นของภาพเหมือนของ Kiprensky คือการแสดงเสน่ห์ทางจิตวิญญาณและความสูงส่งภายในของบุคคล ภาพเหมือนของวีรบุรุษผู้กล้าหาญและเข้มแข็งควรรวบรวมอารมณ์ที่น่าสมเพชของความรักชาติและความรักชาติของคนรัสเซียขั้นสูง

ข้างหน้า “ Portrait of E.V. Davydov”(1809) แสดงให้เห็นถึงร่างของเจ้าหน้าที่ที่แสดงออกโดยตรงการแสดงออกของลัทธิของบุคลิกที่แข็งแกร่งและกล้าหาญซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับความโรแมนติกในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ภูมิทัศน์ที่แสดงอย่างแยกส่วนซึ่งแสงของแสงต่อสู้กับความมืดบอกใบ้ถึงความวิตกกังวลทางจิตวิญญาณของฮีโร่ แต่บนใบหน้าของเขามีภาพสะท้อนของความไวในฝัน Kiprensky กำลังมองหา "มนุษย์" ในตัวบุคคลและอุดมคติไม่ได้ปิดบังลักษณะส่วนบุคคลของตัวละครของนางแบบจากเขา

ภาพเหมือนของ Kiprensky หากคุณมองด้วยสายตาแสดงความมั่งคั่งทางวิญญาณและธรรมชาติของบุคคลความแข็งแกร่งทางปัญญาของเขา ใช่เขามีอุดมคติของบุคลิกที่กลมกลืนกันในขณะที่โคตรของเขาพูดถึง แต่ Kiprensky ไม่ได้พยายามที่จะฉายภาพอุดมคตินี้ไปสู่ภาพศิลปะอย่างแท้จริง ในการสร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะ เขาไปจากธรรมชาติราวกับว่ากำลังวัดว่าอุดมคตินั้นอยู่ไกลหรือใกล้แค่ไหน ในความเป็นจริงหลายคนที่ปรากฎโดยเขาอยู่ในช่วงอุดมคติมุ่งตรงไปยังมันในขณะที่อุดมคติของตัวเองตามความคิดของสุนทรียศาสตร์โรแมนติกแทบจะไม่สามารถทำได้และศิลปะโรแมนติกทั้งหมดเป็นเพียงเส้นทางของมัน

การสังเกตความขัดแย้งในจิตวิญญาณของฮีโร่ของเขาแสดงให้พวกเขาเห็นในช่วงเวลาที่วิตกกังวลของชีวิตเมื่อการเปลี่ยนแปลงชะตากรรมความคิดเก่า ๆ พังทลายออกมาเยาวชน ฯลฯ Kiprensky ดูเหมือนจะประสบกับแบบจำลองของเขา ดังนั้นการมีส่วนร่วมเป็นพิเศษของจิตรกรภาพเหมือนในการตีความภาพศิลปะ ซึ่งทำให้ภาพเหมือนมีความใกล้ชิด

ในช่วงเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์ใน Kiprensky คุณจะไม่เห็นใบหน้าที่ติดเชื้อความสงสัย การวิเคราะห์ที่กัดกร่อนจิตวิญญาณ สิ่งนี้จะเกิดขึ้นในภายหลังเมื่อเวลาที่โรแมนติกจะอยู่รอดในฤดูใบไม้ร่วงของมันทำให้เกิดอารมณ์และความรู้สึกอื่น ๆ เมื่อหวังว่าจะได้ชัยชนะในอุดมคติของการล่มสลายของบุคลิกภาพที่กลมกลืนกัน ในภาพบุคคลทั้งหมดในยุค 1800 และภาพบุคคลที่ดำเนินการในตเวียร์ Kiprensky จะแสดงพู่กันตัวหนา สร้างแบบฟอร์มได้อย่างง่ายดายและอิสระ ความซับซ้อนของเทคนิค ลักษณะของรูป เปลี่ยนจากงานเป็นงาน

เป็นที่น่าสังเกตว่าคุณจะไม่เห็นความร่าเริงร่าเริงบนใบหน้าของฮีโร่ของเขา ในทางกลับกัน ใบหน้าส่วนใหญ่ค่อนข้างเศร้า พวกเขาหมกมุ่นอยู่กับการสะท้อน ดูเหมือนว่าคนเหล่านี้กังวลเกี่ยวกับชะตากรรมของรัสเซีย พวกเขาคิดถึงอนาคตมากกว่าปัจจุบัน ในภาพผู้หญิงที่เป็นตัวแทนของภรรยา พี่สาวน้องสาวของผู้เข้าร่วมในเหตุการณ์สำคัญ Kiprensky ยังไม่ได้พยายามแสดงความกระตือรือร้นอย่างกล้าหาญ ความรู้สึกของความสะดวกสบายความเป็นธรรมชาติมีชัย ในเวลาเดียวกันในการถ่ายภาพบุคคลทั้งหมดมีขุนนางชั้นสูงที่แท้จริงของวิญญาณ ภาพของผู้หญิงดึงดูดด้วยศักดิ์ศรีที่เรียบง่ายความสมบูรณ์ของธรรมชาติ ในใบหน้าของผู้ชายเราสามารถเดาความคิดที่อยากรู้อยากเห็นได้ความพร้อมสำหรับการบำเพ็ญตบะ ภาพเหล่านี้ใกล้เคียงกับความคิดด้านจริยธรรมและความงามที่ครบกำหนดของ Decembrists ความคิดและแรงบันดาลใจของพวกเขาถูกแบ่งปันโดยหลาย ๆ คน (การสร้างสมาคมลับที่มีโปรแกรมทางสังคมและการเมืองบางอย่างเกิดขึ้นในช่วงปีพ. ค.ศ. 1812-1814 ภาพชาวนา สร้างขึ้นในปีเดียวกัน - เป็นศิลปะแนวเดียวกับแนวความคิดที่เกิดขึ้นใหม่ของการหลอกลวง

ตราประทับที่สดใสของอุดมคติโรแมนติกถูกทำเครื่องหมายไว้ “ ภาพเหมือนของ V.A. Zhukovsky”(1816). ศิลปินที่สร้างภาพเหมือนที่ได้รับมอบหมายจาก S.S. Uvarov ตัดสินใจที่จะแสดงให้คนรุ่นก่อนของเขาไม่เพียง แต่ภาพของกวีซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีในแวดวงวรรณกรรม แต่ยังแสดงให้เห็นถึงความเข้าใจในบุคลิกภาพของกวีโรแมนติกด้วย ก่อนหน้านี้เราเป็นกวีประเภทหนึ่งที่แสดงแนวโน้มเชิงปรัชญาและความฝันของลัทธิโรแมนติกของรัสเซีย Kiprensky แนะนำ Zhukovsky ในช่วงเวลาของแรงบันดาลใจที่สร้างสรรค์ ลมพัดผมของกวีจนพันกัน ต้นไม้แตกกิ่งก้านอย่างไม่สบายใจในตอนกลางคืน ซากปรักหักพังของอาคารโบราณแทบมองไม่เห็น นี่คือวิธีที่ผู้สร้างเพลงบัลลาดแสนโรแมนติกควรมีลักษณะ สีเข้มทำให้บรรยากาศของความลึกลับแย่ลง ตามคำแนะนำของ Uvarov Kiprensky ยังไม่ได้วาดภาพชิ้นส่วนของภาพบุคคลเพื่อให้“ ความสมบูรณ์ที่มากเกินไป” ไม่ได้ดับวิญญาณอารมณ์และอารมณ์

ภาพบุคคลจำนวนมากถูกวาดโดย Kiprensky ใน Tver ยิ่งกว่านั้น เมื่อเขาวาดภาพ Ivan Petrovich Vulf เจ้าของที่ดินจากตเวียร์ เขามองด้วยอารมณ์ที่หญิงสาวที่ยืนอยู่ข้างหน้าเขา หลานสาวของเขา อนาคต Anna Petrovna Kern ซึ่งอุทิศให้กับงานโคลงสั้น ๆ ที่น่ารักที่สุดชิ้นหนึ่ง - A.S. Pushkin's บทกวี“ ฉันจำช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยมได้ ... การรวมตัวของกวี ศิลปิน นักดนตรี ได้กลายเป็นกระแสใหม่ของศิลปะ - แนวโรแมนติก

“ Young Gardener” (1817) โดย Kiprensky,“ อิตาลีเที่ยง” (1827) โดย Bryullov,“ reapers” หรือ“ Reaper” (1820s) โดย Venetsianov เป็นผลงานของซีรีย์ประเภทเดียวกันพวกเขามุ่งเน้นไปที่ธรรมชาติ อย่างไรก็ตาม งานของศิลปินแต่ละคน - เพื่อรวบรวมความงามที่สมบูรณ์แบบของธรรมชาติที่เรียบง่าย - นำไปสู่อุดมคติบางอย่างของการปรากฏตัว, เสื้อผ้า, สถานการณ์เพื่อประโยชน์ในการสร้างภาพอุปมา การสังเกตชีวิตธรรมชาติศิลปินคิดใหม่ กวีที่มองเห็นได้ ในคุณภาพที่ผสมผสานกันระหว่างธรรมชาติและจินตนาการใหม่นี้กับประสบการณ์ของปรมาจารย์ในสมัยโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทำให้เกิดภาพที่ไม่เคยมีศิลปะมาก่อนและเป็นคุณลักษณะหนึ่งของความโรแมนติกในช่วงครึ่งแรกของปี 19 ศตวรรษ ลักษณะเชิงเปรียบเทียบซึ่งโดยทั่วไปมีลักษณะเฉพาะของงานเหล่านี้โดย Venetsianov และ Bryullov เป็นหนึ่งในลักษณะที่สำคัญที่สุดของความโรแมนติกเมื่อศิลปินชาวรัสเซียยังไม่ค่อยคุ้นเคยกับภาพวาดโรแมนติกของยุโรปตะวันตก . "Portrait of a Father (A. K. Schwalbe)"(1804) เขียนโดย Orest Kiprensky แห่งศิลปะและประเภทภาพเหมือนโดยเฉพาะ

ความสำเร็จที่สำคัญที่สุดของแนวโรแมนติกของรัสเซียคือผลงานในแนวแนวตั้ง ตัวอย่างที่สว่างที่สุดและดีที่สุดของแนวโรแมนติกมาจากยุคแรกๆ ก่อนที่เขาจะเดินทางไปอิตาลีในปี พ.ศ. 2359 Kiprensky ซึ่งพร้อมสำหรับการจุติชาติที่โรแมนติกได้เห็นภาพวาดของเจ้านายเก่าด้วยตาใหม่ สีเข้ม ร่างที่เน้นด้วยแสง สีที่ไหม้เกรียม การแสดงละครที่เข้มข้นมีผลกระทบต่อเขาอย่างมาก "ภาพเหมือนของพ่อ" ถูกสร้างขึ้นอย่างไม่ต้องสงสัยภายใต้ความประทับใจของแรมแบรนดท์ แต่ศิลปินชาวรัสเซียใช้เทคนิคภายนอกจากชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่เท่านั้น "Portrait of a Father" เป็นงานอิสระอย่างแท้จริง มีพลังงานภายในและพลังในการแสดงออกทางศิลปะ ลักษณะเด่นของภาพพอร์ตเทรตแนวนอนคือความมีชีวิตชีวาของการแสดง ไม่มีความงดงามใด ๆ ที่นี่ การถ่ายโอนสิ่งที่เขาเห็นไปยังกระดาษในทันทีทำให้เกิดความสดของการแสดงออกทางกราฟิกที่ไม่เหมือนใคร ดังนั้นคนที่ปรากฎในภาพวาดจึงดูใกล้ชิดและเข้าใจเราได้

ชาวต่างชาติเรียกว่า Kiprensky the Russian Van Dyck ภาพเหมือนของเขาอยู่ในพิพิธภัณฑ์หลายแห่งทั่วโลก ผู้สืบทอดงานของ Levitsky และ Borovikovsky บรรพบุรุษของ L. Ivanov และ K. Bryullov, Kiprensky กับงานของเขาทำให้โรงเรียนศิลปะรัสเซียมีชื่อเสียงในยุโรป ในคำพูดของ Alexander Ivanov "เขาเป็นคนแรกที่นำชื่อรัสเซียไปยังยุโรป ... "

ความสนใจที่เพิ่มขึ้นในบุคลิกภาพของบุคคลซึ่งเป็นลักษณะของแนวโรแมนติกได้กำหนดไว้ล่วงหน้าว่าการออกดอกของประเภทภาพเหมือนในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซึ่งภาพเหมือนตนเองกลายเป็นลักษณะเด่น ตามกฎแล้วการสร้างภาพตัวเองไม่ใช่ตอนแบบสุ่ม ศิลปินวาดภาพและระบายสีตัวเองซ้ำแล้วซ้ำเล่า และงานเหล่านี้กลายเป็นไดอารี่ชนิดหนึ่งที่สะท้อนสภาวะจิตใจและช่วงชีวิตที่หลากหลาย และในขณะเดียวกัน พวกเขาก็เป็นแถลงการณ์ที่ส่งถึงคนร่วมสมัย ภาพเหมือนไม่ใช่ประเภทที่กำหนดเองศิลปินเขียนเพื่อตัวเองและที่นี่อย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนเขากลายเป็นอิสระในการแสดงออก ในศตวรรษที่ 18 ศิลปินชาวรัสเซียแทบไม่เคยวาดภาพต้นฉบับ มีเพียงแนวโรแมนติกที่มีลัทธิเฉพาะบุคคลเท่านั้นที่มีส่วนช่วยให้ประเภทนี้เพิ่มขึ้น ความหลากหลายของภาพเหมือนตนเองสะท้อนการรับรู้ของศิลปินเกี่ยวกับตนเองว่าเป็นบุคคลที่มีบุคลิกที่หลากหลายและหลากหลาย พวกเขาอาจปรากฏในบทบาทปกติและเป็นธรรมชาติของผู้สร้าง ("ภาพเหมือนตนเองในหมวกเบเร่ต์กำมะหยี่" โดย A. G. Varnek, 1810s) จากนั้นพวกเขาก็จมดิ่งสู่อดีตราวกับว่ากำลังลองด้วยตัวเอง ("ภาพเหมือนตนเองในหมวกนิรภัย และชุดเกราะ” โดย F. I. Yanenko , 1792) หรือส่วนใหญ่มักจะปรากฏขึ้นโดยไม่มีคุณสมบัติทางวิชาชีพใด ๆ ยืนยันความสำคัญและคุณค่าในตนเองของแต่ละคนเป็นอิสระและเปิดกว้างสู่โลกค้นหาและเร่งรีบเช่น F. A. Bruni และ O. A. Orlovsky ในภาพตัวเองในยุค 1810 ความพร้อมสำหรับการเจรจาและการเปิดกว้าง ลักษณะของการแก้ปัญหาที่เป็นรูปเป็นร่างของผลงานในยุค 1810-1820 ค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยความเหนื่อยล้าและความผิดหวัง การแช่ตัว การถอนตัวในตัวเอง ("ภาพเหมือนตนเอง" โดย M. I. Terebenev) แนวโน้มนี้สะท้อนให้เห็นในการพัฒนาประเภทภาพบุคคลโดยรวม

ภาพเหมือนตนเองของ Kiprensky ปรากฏขึ้นซึ่งน่าสังเกตในช่วงเวลาที่สำคัญของชีวิตพวกเขาเป็นพยานถึงความแข็งแกร่งทางจิตใจที่เพิ่มขึ้นหรือลดลง ศิลปินของเขามองตัวเองผ่านศิลปะของเขา อย่างไรก็ตามเขาไม่ได้ใช้เหมือนจิตรกรส่วนใหญ่กระจก เขาวาดภาพตัวเองตามความคิดของเขาเป็นหลัก เขาต้องการแสดงจิตวิญญาณของเขา แต่ไม่ใช่รูปลักษณ์ของเขา

“ ภาพตัวเองด้วยแปรงหลังหู”สร้างขึ้นจากการปฏิเสธและการสาธิตอย่างชัดเจนในการสรรเสริญภายนอกของภาพบรรทัดฐานคลาสสิกและการก่อสร้างในอุดมคติ โดยทั่วไปแล้วลักษณะใบหน้าจะระบุไว้โดยประมาณ ไฟด้านข้างตกที่ใบหน้า เน้นเฉพาะส่วนด้านข้างเท่านั้น ภาพสะท้อนของแสงที่แยกออกจากกันบนร่างของศิลปินดับลงบนผ้าม่านที่มองไม่เห็นแทบจะไม่แสดงพื้นหลังของภาพบุคคล ทุกอย่างที่นี่อยู่ภายใต้การแสดงออกของชีวิตความรู้สึกอารมณ์ นี่คือการชมศิลปะโรแมนติกผ่านศิลปะการวาดภาพเหมือนตนเอง การมีส่วนร่วมของศิลปินในความลับของความคิดสร้างสรรค์นั้นแสดงออกมาใน "sfumato แห่งศตวรรษที่ 19" ที่โรแมนติกลึกลับ โทนสีเขียวที่แปลกประหลาดสร้างบรรยากาศพิเศษของโลกศิลปะซึ่งเป็นศูนย์กลางของศิลปินเอง

เกือบจะพร้อมกันกับภาพเหมือนตนเองนี้และเขียน “ ภาพตัวเองในเสื้อคลุมสีชมพู”, где воплощается другой образ. โดยไม่มีการระบุถึงอาชีพจิตรกรโดยตรง สร้างภาพลักษณ์ของชายหนุ่มขึ้นใหม่ รู้สึกสบาย เป็นธรรมชาติ อิสระ พื้นผิวภาพของผืนผ้าใบถูกสร้างขึ้นอย่างประณีต แปรงของศิลปินใช้สีอย่างมั่นใจ ปล่อยให้จังหวะใหญ่และเล็ก สีได้รับการพัฒนาอย่างยอดเยี่ยม สีไม่สว่าง ผสมผสานกันอย่างกลมกลืน แสงไฟสงบ: แสงจะสาดส่องลงบนใบหน้าของชายหนุ่มอย่างอ่อนโยน ร่างลักษณะของเขา โดยไม่มีการแสดงออกที่ไม่จำเป็นและการเสียรูป

จิตรกรที่โดดเด่นอีกคนคือเวเนเซียนอฟ ในปี ค.ศ. 1811 เขาได้รับตำแหน่งนักวิชาการที่ได้รับการแต่งตั้งจาก "Self-portrait" และ "Portrait of K.I. Golovachevsky พร้อมลูกศิษย์สามคนของ Academy of Arts" เหล่านี้เป็นผลงานที่ไม่ธรรมดา

Venetsianov ประกาศตัวเองว่าเป็นผู้เชี่ยวชาญอย่างแท้จริงใน "ภาพเหมือน"พ.ศ. 2354 มันถูกเขียนแตกต่างจากศิลปินคนอื่น ๆ ที่เขียนเองในเวลานั้น - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek และแม้แต่ข้าแผ่นดิน V. Tropinin เป็นเรื่องปกติที่ทุกคนจะจินตนาการว่าตัวเองอยู่ในรัศมีที่โรแมนติก ภาพเหมือนตนเองเป็นการเผชิญหน้ากันทางกวีที่เกี่ยวข้องกับสิ่งแวดล้อม ความพิเศษเฉพาะตัวของธรรมชาติทางศิลปะนั้นแสดงออกมาในรูปท่าทาง ท่าทาง และความพิเศษของเครื่องแต่งกายที่คิดขึ้นเป็นพิเศษ ใน "ภาพเหมือนตนเอง" โดย Venetsianov นักวิจัยตั้งข้อสังเกตก่อนอื่นการแสดงออกที่เข้มงวดและเข้มข้นของคนไม่ว่าง ... ประสิทธิภาพที่ถูกต้องซึ่งแตกต่างจาก "ความประมาทเลินเล่อทางศิลปะ" ที่โอ้อวดซึ่งแสดงโดยเสื้อคลุมหรือเสื้อคลุม เปลี่ยนหมวกของศิลปินอื่น Venitsianov มองตัวเองอย่างเงียบ ๆ ศิลปะสำหรับเขาไม่ใช่แรงบันดาลใจ แต่เหนือสิ่งอื่นใดคือต้องมีสมาธิและความสนใจ มีขนาดเล็กเกือบเป็นเอกรงค์ในโทนสีมะกอก เขียนได้แม่นยำอย่างยิ่ง เรียบง่ายและซับซ้อนในเวลาเดียวกัน ไม่ดึงดูดด้วยด้านนอกของภาพวาดเขาหยุดด้วยการจ้องมองของเขา ขอบบาง ๆ ของกรอบแว่นตาสีทองบาง ๆ ไม่ซ่อน แต่เน้นความคมชัดของดวงตาไม่เน้นไปที่ธรรมชาติมากนัก (ศิลปินวาดภาพตัวเองด้วยจานสีและแปรงในมือ) แต่ใน ส่วนลึกของความคิดของเขาเอง หน้าผากกว้างขนาดใหญ่ทางด้านขวาของใบหน้าส่องสว่างด้วยแสงโดยตรงและด้านหน้าเสื้อเชิ้ตสีขาวสร้างรูปสามเหลี่ยมแสงก่อนอื่นดึงดูดสายตาของผู้ดูซึ่งในเวลาต่อมาตามการเคลื่อนไหวของทางขวา มือถือแปรงบาง ๆ เลื่อนลงไปที่จานสี ผมหยักศก, กรอบเป็นมัน, มัดหลวม ๆ ที่คอ, เส้นไหล่ที่อ่อนนุ่มและในที่สุดรูปครึ่งวงกลมกว้างของจานสีทำให้เกิดระบบการเคลื่อนที่ของเส้นที่ไหลลื่นไหลซึ่งภายในมีสามจุดหลัก : แสงจ้าเล็ก ๆ ของรูม่านตาและปลายแหลมของด้านหน้าเสื้อเกือบปิดด้วยจานสีและแปรง การคำนวณทางคณิตศาสตร์เกือบจะในการสร้างองค์ประกอบของภาพเหมือนทำให้ภาพมีความสงบภายในบางส่วนและให้เหตุผลที่จะถือว่าผู้เขียนมีความคิดเชิงวิเคราะห์ซึ่งมีแนวโน้มไปสู่การคิดทางวิทยาศาสตร์ ใน "ภาพเหมือนตนเอง" ไม่มีร่องรอยของแนวโรแมนติกใด ๆ ซึ่งบ่อยครั้งมากในการพรรณนาถึงตัวศิลปินเอง นี่คือภาพลักษณ์ตนเองของนักวิจัยศิลปินนักคิดศิลปินและคนทำงานหนัก

งานอื่นๆ - ภาพเหมือนของ Golovachevsky- คิดว่าเป็นองค์ประกอบของโครงเรื่อง: อาจารย์รุ่นเก่าของ Academy ในบุคคลของผู้ตรวจการเก่าให้คำแนะนำเกี่ยวกับพรสวรรค์ที่กำลังเติบโต: จิตรกร (พร้อมโฟลเดอร์ภาพวาด สถาปนิกและประติมากร แต่ Venetsianov ไม่ได้ ให้แม้แต่เงาของการปลอมแปลงหรือการสอนใด ๆ ในภาพนี้: ชายชราที่ดี Golovachevsky เป็นมิตรตีความให้วัยรุ่นอ่านบางหน้าในหนังสือ ความจริงใจของการแสดงออกพบการสนับสนุนในโครงสร้างที่งดงามของภาพ: สงบลงอย่างละเอียดและกลมกลืนกันอย่างสวยงาม โทนสีสร้างความรู้สึกสงบและจริงจัง ใบหน้าถูกวาดอย่างสวยงาม เต็มไปด้วยความหมายภายใน ภาพเหมือนเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของการวาดภาพคนรัสเซีย

และในการทำงานของ Orlovsky ในยุค 1800 งานแนวตั้งจะปรากฏขึ้นส่วนใหญ่อยู่ในรูปแบบของภาพวาด ในปี ค.ศ. 1809 แผ่นภาพเหมือนอารมณ์ที่เต็มไปด้วยอารมณ์เป็น "ภาพเหมือน". "ภาพเหมือนตนเอง" ของ Orlovsky ดำเนินการด้วยจังหวะที่ร่าเริงและถ่านอย่างอิสระ (พร้อมไฮไลท์ด้วยชอล์ก) ดึงดูดด้วยความสมบูรณ์ทางศิลปะ ลักษณะของภาพ และศิลปะแห่งการประหารชีวิต ในขณะเดียวกันก็อนุญาตให้คนหนึ่งมองเห็นแง่มุมที่แปลกประหลาดของงานศิลปะของ Orlovsky แน่นอนว่า "ภาพเหมือนตนเอง" ออร์ลอฟสกีไม่ได้มุ่งหวังที่จะสร้างรูปลักษณ์ตามแบบฉบับของศิลปินในยุคนั้นอย่างแม่นยำ ก่อนหน้าเรา - ในหลาย ๆ ด้านโดยเจตนา การปรากฏตัวของ "ศิลปิน" ที่เกินจริงซึ่งต่อต้าน "ฉัน" ของเขากับความเป็นจริงโดยรอบเขาไม่ได้กังวลเกี่ยวกับ "ความเหมาะสม" ของรูปลักษณ์ของเขา: หวีและแปรงไม่ได้สัมผัสผมอันเขียวชอุ่มของเขาบนไหล่ของเขา เสื้อกันฝนตาหมากรุกอยู่เหนือเสื้อเชิ้ตที่บ้านพร้อมคอเปิด การหันศีรษะที่เฉียบคมด้วยรูปลักษณ์ที่ "มืดมน" จากใต้คิ้วที่ขยับซึ่งเป็นภาพระยะใกล้ซึ่งแสดงใบหน้าในระยะใกล้และแสงที่ตัดกัน - ทั้งหมดนี้มีจุดมุ่งหมายเพื่อให้บรรลุผลหลักของการต่อต้าน บุคคลที่ปรากฎต่อสิ่งแวดล้อม (และทำให้ผู้ชม)

สิ่งที่น่าสมเพชของการยืนยันความเป็นปัจเจก - หนึ่งในคุณสมบัติที่ก้าวหน้าที่สุดในศิลปะในเวลานั้น - ก่อให้เกิดน้ำเสียงทางอุดมการณ์และอารมณ์หลักของภาพเหมือน แต่ปรากฏในลักษณะแปลก ๆ ที่แทบไม่เคยพบในศิลปะรัสเซียในยุคนั้น การยืนยันบุคลิกภาพไม่ได้เกิดขึ้นมากนักโดยการเปิดเผยความร่ำรวยของโลกภายใน แต่ด้วยวิธีการภายนอกในการปฏิเสธทุกสิ่งที่อยู่รอบตัว แน่นอนว่าภาพในเวลาเดียวกันดูหมดลง จำกัด

วิธีแก้ปัญหาดังกล่าวหาได้ยากในงานศิลปะภาพเหมือนของรัสเซียในเวลานั้นซึ่งในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 แรงจูงใจของพลเมืองและความเห็นอกเห็นใจได้ดังขึ้นและบุคลิกภาพของบุคคลนั้นไม่เคยทำลายความสัมพันธ์อันแน่นแฟ้นกับสิ่งแวดล้อม ฝันถึงระเบียบทางสังคมที่ดีกว่าและเป็นประชาธิปไตย คนที่ดีที่สุดของรัสเซียในยุคนั้นไม่เคยแยกออกจากความเป็นจริง พวกเขาปฏิเสธลัทธิปัจเจกนิยมของ "เสรีภาพส่วนบุคคล" ที่เจริญรุ่งเรืองบนดินของยุโรปตะวันตกที่หลุดพ้นจากการปฏิวัติของชนชั้นนายทุน . สิ่งนี้เห็นได้ชัดว่าเป็นภาพสะท้อนของปัจจัยที่แท้จริงในงานศิลปะภาพเหมือนของรัสเซีย หนึ่งมีเพียงการเปรียบเทียบ "ภาพตัวเอง" ของ Orlovsky กับสิ่งที่เกิดขึ้นพร้อมกัน "ภาพเหมือน" Kiprensky (เช่น 1809) เพื่อให้ความแตกต่างภายในที่ร้ายแรงระหว่างจิตรกรภาพบุคคลทั้งสองดึงดูดสายตาทันที

Kiprensky ยัง "Heroics" บุคลิกของบุคคล แต่เขาแสดงคุณค่าภายในที่แท้จริง ในการเผชิญหน้าของศิลปิน ผู้ชมจะแยกแยะลักษณะของจิตใจที่เข้มแข็ง อุปนิสัย ความบริสุทธิ์ทางศีลธรรม

รูปลักษณ์ทั้งหมดของ Kiprensky ถูกปกคลุมไปด้วยขุนนางและมนุษยชาติที่น่าทึ่ง เขาสามารถแยกแยะระหว่าง "ความดี" กับ "ความชั่ว" ในโลกรอบข้าง และปฏิเสธสิ่งที่สอง รักและชื่นชมคนแรก รักและชื่นชมคนที่มีความคิดเหมือนกัน ในเวลาเดียวกัน ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเรามีบุคลิกลักษณะที่แข็งแกร่ง ภูมิใจในความสำนึกในคุณค่าของคุณสมบัติส่วนตัวของเขาอย่างไม่ต้องสงสัย แนวความคิดเดียวกันของภาพพอร์ตเทรตนั้นสนับสนุนภาพเหมือนวีรบุรุษที่รู้จักกันดีของ D. Davydov โดย Kiprensky

Orlovsky เมื่อเปรียบเทียบกับ Kiprensky เช่นเดียวกับจิตรกรภาพเหมือนชาวรัสเซียคนอื่น ๆ ในสมัยนั้น จำกัดมากกว่า ตรงไปตรงมาและแก้ไขภาพลักษณ์ของ "บุคลิกภาพที่แข็งแกร่ง" ในขณะที่เน้นไปที่ศิลปะของชนชั้นกลางในฝรั่งเศสอย่างชัดเจน เมื่อคุณดู "ภาพเหมือนตนเอง" ของเขา ภาพเหมือนของ A. Gro, Gericault จะนึกถึงโดยไม่ตั้งใจ โปรไฟล์ "ภาพเหมือนตนเอง" ของ Orlovsky ในปี พ.ศ. 2353 โดยมีลัทธิของ "ความแข็งแกร่งภายใน" ที่เป็นปัจเจกบุคคลนั้นไม่มีรูปแบบ "ร่าง" ที่คมชัดของ "ภาพเหมือนตนเอง" ในปี พ.ศ. 2352 หรือ "ภาพเหมือนของ Duport"ในระยะหลัง ออร์ลอฟสกี เช่นเดียวกับใน Self-Portrait ใช้ท่า "วีรชน" ที่งดงามตระการตาด้วยการเคลื่อนไหวที่เฉียบขาดของศีรษะและไหล่ เขาเน้นโครงสร้างที่ไม่สม่ำเสมอของใบหน้าของ Duport ผมที่ยุ่งเหยิงของเขา โดยมีเป้าหมายเพื่อสร้างภาพพอร์ตเทรตที่มีความพอเพียงในตัวละครแบบสุ่มที่ไม่เหมือนใคร

"ภูมิทัศน์ควรเป็นภาพบุคคล" K. N. Batyushkov เขียน ศิลปินส่วนใหญ่ที่หันไปใช้แนวเพลงที่ยึดติดกับการตั้งค่านี้ในงานของพวกเขา ภูมิประเทศ.ในบรรดาข้อยกเว้นที่เห็นได้ชัดคือ A. O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("ดูในสภาพแวดล้อมของกรุงโรม", 1809); P. V. Basin ("The Sky at Sunset ในเขตชานเมืองของกรุงโรม", "ภูมิทัศน์ยามเย็น" ทั้งคู่ - 1820s) การสร้างประเภทเฉพาะ พวกเขายังคงความฉับไวของความรู้สึก ความสมบูรณ์ทางอารมณ์ ได้เสียงที่หนักแน่นด้วยเทคนิคการแต่งเพลง

Young Orlrovsky เห็นกองกำลังไททานิคในธรรมชาติซึ่งไม่อยู่ภายใต้เจตจำนงของมนุษย์สามารถก่อให้เกิดภัยพิบัติภัยพิบัติได้ การต่อสู้ของชายผู้มีธาตุแห่งท้องทะเลเป็นหนึ่งในธีมโปรดของศิลปินในยุคโรแมนติกที่ "ดื้อรั้น" ของเขา มันกลายเป็นเนื้อหาของภาพวาดสีน้ำและภาพวาดสีน้ำมันของเขาในปี 1809-1810 ฉากโศกนาฏกรรมแสดงอยู่ในภาพ "ซากเรืออัปปาง"(1809(?)). ในความมืดมิดที่ตกลงสู่พื้น ท่ามกลางคลื่นที่โหมกระหน่ำ ชาวประมงที่จมน้ำตายปีนขึ้นไปบนโขดหินชายฝั่งที่เรือของพวกเขาชนกันอย่างเมามัน ยั่งยืนในโทนสีแดงรุนแรงสีช่วยเพิ่มความรู้สึกวิตกกังวล Грозны набеги могучих волн, предвещающих шторм, и в другой картине – "ที่ริมทะเล"(1809). В ней также огромную эмоциональную роль играет грозовое небо, которое занимает большую часть композиции. แม้ว่า Orlovsky จะไม่ได้เชี่ยวชาญศิลปะแห่งมุมมองทางอากาศ แต่การเปลี่ยนแปลงแบบค่อยเป็นค่อยไปของแผนได้รับการแก้ไขที่นี่อย่างกลมกลืนและนุ่มนวลกว่า สีกลายเป็นสีจางลง Красиво играют на рыжевато-коричневом фоне красные пятна одежды рыбаков. ธาตุทะเลกระสับกระส่ายและวิตกกังวลในสีน้ำ "เรือใบ"(ок.1812). และถึงแม้ลมจะไม่พัดใบเรือและไม่กระเพื่อมผิวน้ำเหมือนสีน้ำ “Морской пейзаж с кораблями”(ค. 1810) ผู้ดูไม่ทิ้งลางสังหรณ์ว่าพายุจะตามมาด้วยความสงบ

ด้วยละครและอารมณ์ความรู้สึกทั้งหมด ภาพทะเลของ Orlovsky ไม่ได้เป็นผลจากการสังเกตปรากฏการณ์ในบรรยากาศของเขามากนัก แต่เป็นผลมาจากการเลียนแบบงานศิลปะคลาสสิกโดยตรง В частности Ж. Верне.

ภูมิประเทศของ S. F. Shchedrin มีลักษณะที่แตกต่างกัน พวกเขาเต็มไปด้วยความสามัคคีของการอยู่ร่วมกันของมนุษย์และธรรมชาติ ("Terrace on the seashore. Cappuccini near Sorrento", 1827) มุมมองมากมายของเนเปิลส์และบริเวณโดยรอบของพู่กันของเขาประสบความสำเร็จและเป็นที่นิยมอย่างมาก

การสร้างภาพที่โรแมนติกของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในภาพวาดรัสเซียนั้นเกี่ยวข้องกับงานของ M. N. Vorobyov บนผืนผ้าใบ เมืองถูกปกคลุมไปด้วยหมอกลึกลับของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก หมอกสีขาวนวลในยามค่ำคืน และบรรยากาศที่อิ่มตัวด้วยความชื้นของทะเล ที่ซึ่งรูปทรงของอาคารถูกลบทิ้ง และแสงจันทร์ทำให้พิธีศีลระลึกสมบูรณ์ จุดเริ่มต้นโคลงสั้น ๆ เดียวกันทำให้มุมมองของสภาพแวดล้อมของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแตกต่างไปจากเขา ("พระอาทิตย์ตกในเขตชานเมืองเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก", 2375) แต่เมืองหลวงทางตอนเหนือก็ถูกมองโดยศิลปินด้วยวิธีการที่แตกต่างและน่าทึ่งในฐานะเวทีสำหรับการปะทะและการต่อสู้ขององค์ประกอบทางธรรมชาติ (V. E. Raev, Alexander Column ระหว่างพายุฝนฟ้าคะนอง, 1834)

ภาพวาดที่ยอดเยี่ยมของ I. K. Aivazovsky ได้รวบรวมอุดมคติโรแมนติกของความมึนเมาด้วยการต่อสู้และพลังของพลังธรรมชาติความแข็งแกร่งของจิตวิญญาณมนุษย์และความสามารถในการต่อสู้จนถึงที่สุด อย่างไรก็ตาม พื้นที่ขนาดใหญ่ในมรดกของปรมาจารย์ถูกครอบครองโดยทิวทัศน์ท้องทะเลยามค่ำคืนที่อุทิศให้กับสถานที่เฉพาะที่พายุพัดพาความมหัศจรรย์แห่งราตรีกาลออกไป ช่วงเวลาที่ตามมุมมองของคู่รักนั้นเต็มไปด้วยชีวิตภายในที่ลึกลับ และตำแหน่งที่การค้นหารูปภาพของศิลปินมุ่งไปที่การแยกเอฟเฟกต์แสงที่ไม่ธรรมดา ( "มุมมองของโอเดสซาในคืนเดือนหงาย", "มุมมองของกรุงคอนสแตนติโนเปิลในแสงจันทร์" ทั้งคู่ - พ.ศ. 2389)

ศิลปินในยุค 1800-1850 ตีความธีมขององค์ประกอบทางธรรมชาติและผู้ชายด้วยความประหลาดใจ ซึ่งเป็นธีมโปรดของศิลปะโรแมนติก งานนี้อิงจากเหตุการณ์จริง แต่ความหมายของภาพไม่ได้อยู่ในการบอกเล่าวัตถุประสงค์ ตัวอย่างทั่วไปคือภาพวาดโดย Pyotr Basin "แผ่นดินไหวใน Rocca di Papa ใกล้กรุงโรม"(1830). ไม่ได้อุทิศให้กับคำอธิบายของเหตุการณ์เฉพาะเจาะจงมากนักเกี่ยวกับการพรรณนาถึงความกลัวและความสยดสยองของบุคคลที่ต้องเผชิญกับการปรากฏตัวขององค์ประกอบ

ผู้ทรงคุณวุฒิของภาพวาดรัสเซียในยุคนี้คือ K.P. Bryullov (1799-1852) และ A.A อีวานอฟ (1806 - 1858) จิตรกรและนักเขียนแบบชาวรัสเซีย K.P. Bryullov ในขณะที่ยังคงเป็นนักเรียนของ Academy of Arts ได้เชี่ยวชาญทักษะการวาดภาพที่หาที่เปรียบมิได้ งานของ Bryullov มักจะแบ่งออกเป็นก่อน "วันสุดท้ายของ Pompeii" และหลังจากนั้น สร้างอะไรมาก่อน ....?!

“Italian Morning” (1823), “Ermilia with the Shepherds” (1824) จากบทกวีของ Torquatto Tasso เรื่อง “The Liberation of Jerusalem”, “Italian Noon” (“Italian Woman Harvesting Grapes”, 1827), “Horsewoman” (1830) ,“ Bathsheba” (1832) - ภาพวาดทั้งหมดเหล่านี้เต็มไปด้วยความสุขที่สดใสและไม่เปิดเผยของชีวิต งานดังกล่าวสอดคล้องกับบทกวี Epicurean ยุคแรกของ Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig แบบเก่าที่อิงจากการเลียนแบบของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ไม่ได้ทำให้ Bryullov พอใจและเขาเขียนว่า "Italian Morning", "Italian Noon", "Bathsheba" ในที่โล่ง

ในขณะที่ทำงานกับภาพบุคคล Bryullov วาดเฉพาะศีรษะจากชีวิต ทุกสิ่งทุกอย่างมักถูกกระตุ้นด้วยจินตนาการของเขา ผลของการปรับตัวสร้างสรรค์ฟรีเช่นนี้คือ "ผู้ขี่".สิ่งสำคัญในภาพเหมือนคือความเปรียบต่างของสัตว์ที่ร้อนระอุ ทะยานด้วยจมูกบานและดวงตาเป็นประกาย และนักขี่ม้าผู้สง่างามที่ควบคุมพลังอันบ้าคลั่งของม้าอย่างสงบ (สัตว์ฝึกหัดเป็นธีมที่ชื่นชอบของประติมากรคลาสสิก Bryullov แก้ไขมันในภาพวาด) .

ที่ “บัทเชบา”ศิลปินใช้เรื่องราวในพระคัมภีร์เป็นข้ออ้างในการแสดงร่างเปลือยเปล่าในที่โล่งและถ่ายทอดการเล่นของแสงและปฏิกิริยาตอบสนองบนผิวขาว ใน "Bathsheba" เขาสร้างภาพลักษณ์ของหญิงสาวที่เต็มไปด้วยความสุขและความสุข ร่างกายที่เปลือยเปล่าเปล่งประกายและเปล่งประกายล้อมรอบด้วยสีเขียวมะกอก เสื้อผ้าเชอร์รี่ อ่างเก็บน้ำโปร่งใส รูปร่างที่ยืดหยุ่นของร่างกายที่อ่อนนุ่มนั้นผสมผสานกันอย่างสวยงามกับผ้าฟอกสีฟันและสีช็อคโกแลตของหญิงสาวชาวอาหรับที่ให้บริการบัทเชบา เส้นที่ไหลลื่นของร่างกาย สระน้ำ และเนื้อผ้าทำให้องค์ประกอบของภาพมีจังหวะที่ราบรื่น

ภาพวาดได้กลายเป็นคำใหม่ในการวาดภาพ "วันสุดท้ายของปอมเปอี"(1827-1833) เธอสร้างชื่อของศิลปินอมตะและมีชื่อเสียงมากในช่วงชีวิตของเขา

เห็นได้ชัดว่าโครงเรื่องได้รับเลือกภายใต้อิทธิพลของอเล็กซานเดอร์น้องชายของเขาซึ่งศึกษาซากปรักหักพังของปอมเปอีอย่างเข้มข้น แต่เหตุผลในการเขียนภาพนั้นลึกซึ้งยิ่งขึ้น โกกอลสังเกตเห็นสิ่งนี้และเฮอร์เซนกล่าวโดยตรงว่าในวันสุดท้ายของปอมเปอีพวกเขาพบสถานที่ของพวกเขาบางทีอาจเป็นภาพสะท้อนของความคิดและความรู้สึกของศิลปินโดยไม่รู้ตัวซึ่งเกิดจากการพ่ายแพ้ของการจลาจลผู้หลอกลวงในรัสเซีย ไม่มีเหตุผลในบรรดาผู้ที่ตกเป็นเหยื่อขององค์ประกอบที่โกรธแค้นใน Pompeii ที่กำลังจะตาย Bryullov วางภาพตัวเองของเขาและให้คุณสมบัติของคนรู้จักรัสเซียกับตัวละครอื่น ๆ ในภาพ

Entourage ชาวอิตาลีของ Bryullov มีบทบาทซึ่งสามารถบอกเขาเกี่ยวกับพายุปฏิวัติที่พัดผ่านอิตาลีในปีที่ผ่านมาเกี่ยวกับชะตากรรมที่น่าเศร้าของ Carbonari ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา

ภาพอันยิ่งใหญ่ของการสิ้นพระชนม์ของปอมเปอีเต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งลัทธิประวัติศาสตร์ ซึ่งแสดงให้เห็นการเปลี่ยนแปลงของยุคประวัติศาสตร์หนึ่งไปสู่อีกยุคหนึ่ง การปราบปรามลัทธินอกรีตในสมัยโบราณ และการเริ่มต้นของศาสนาคริสต์ใหม่

ศิลปินรับรู้ถึงวิถีแห่งประวัติศาสตร์อย่างมากการเปลี่ยนแปลงของยุคสมัยนั้นทำให้เกิดความตกใจต่อมนุษยชาติ ในใจกลางขององค์ประกอบผู้หญิงคนหนึ่งที่ตกลงมาจากรถม้าและถูกทุบจนตายเป็นตัวเป็นตนเห็นได้ชัดว่าเป็นความตายของโลกยุคโบราณ แต่ใกล้ร่างของแม่ศิลปินวางทารกที่มีชีวิต ศิลปินแสดงภาพเด็กและผู้ปกครอง ชายหนุ่มและแม่แก่ ลูกชาย และพ่อที่ชราภาพ ศิลปินแสดงภาพคนรุ่นก่อน ๆ ที่จางหายไปในประวัติศาสตร์และคนรุ่นใหม่กำลังจะเข้ามาแทนที่ การเกิดยุคใหม่บนซากปรักหักพังของโลกเก่าที่พังทลายเป็นธีมที่แท้จริงของภาพวาดของ Bryullov ไม่ว่าประวัติศาสตร์จะเปลี่ยนแปลงอะไร การดำรงอยู่ของมนุษยชาติไม่หยุด และความกระหายในการใช้ชีวิตยังคงไม่เสื่อมคลาย นี่คือแนวคิดหลักเบื้องหลังวันสุดท้ายของปอมเปอี ภาพนี้เป็นเพลงสรรเสริญความงามของมนุษยชาติซึ่งยังคงเป็นอมตะในทุกวัฏจักรของประวัติศาสตร์

ผ้าใบถูกจัดแสดงในปี พ.ศ. 2376 ที่งานนิทรรศการศิลปะมิลาน ซึ่งทำให้เกิดการตอบสนองอย่างกระตือรือร้น ผุกร่อนอิตาลีถูกพิชิต นักเรียนของ Bryullov G. G. Gagarin เป็นพยาน:“ งานที่ยอดเยี่ยมนี้กระตุ้นความกระตือรือร้นอย่างไร้ขอบเขตในอิตาลี เมืองที่มีการจัดแสดงภาพวาดจัดงานเลี้ยงรับรองอย่างเคร่งขรึมสำหรับศิลปินบทกวีอุทิศให้กับเขาเขาถูกพาไปตามถนนด้วยดนตรีดอกไม้และคบเพลิง ... ทุกที่ที่เขาได้รับอย่างมีเกียรติในฐานะอัจฉริยะที่มีชื่อเสียงและมีชัยชนะ ทุกคนเข้าใจและชื่นชม

นักเขียนชาวอังกฤษ Walter Scott (ตัวแทนวรรณกรรมโรแมนติกที่มีชื่อเสียงในนวนิยายอิงประวัติศาสตร์ของเขา) ใช้เวลาหนึ่งชั่วโมงในสตูดิโอของ Bryullov ซึ่งเขากล่าวว่านี่ไม่ใช่ภาพ แต่เป็นบทกวีทั้งหมด สถาบันศิลปะแห่งมิลาน ฟลอเรนซ์ โบโลญญา และปาร์มา เลือกจิตรกรชาวรัสเซียให้เป็นสมาชิกกิตติมศักดิ์

ผืนผ้าใบของ Bryullov ทำให้เกิดการตอบสนองอย่างกระตือรือร้นจาก Pushkin และ Gogol

Vesuvius zev ถูกเปิดออก - ควันพวยพุ่งในคลับเปลวเพลิง

พัฒนาอย่างกว้างขวางเหมือนธงรบ

โลกเป็นห่วง - จากเสาที่ส่าย

ไอดอลตกชั้น!..

พุชกินเขียนภายใต้ความประทับใจของภาพ

เริ่มต้นด้วย Bryullov จุดหักเหในประวัติศาสตร์กลายเป็นหัวข้อหลักของภาพวาดประวัติศาสตร์รัสเซียซึ่งแสดงถึงฉากพื้นบ้านที่ยิ่งใหญ่ซึ่งแต่ละคนเป็นผู้มีส่วนร่วมในละครประวัติศาสตร์ซึ่งไม่มีเรื่องหลักและเรื่องรอง

โดยทั่วไปแล้ว "ปอมเปอี" เป็นของคลาสสิก ศิลปินเปิดเผยความเป็นพลาสติกของร่างกายมนุษย์บนผืนผ้าใบอย่างชำนาญ การเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณของผู้คนทั้งหมดถูกส่งโดย Bryullov ซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาษาของความเป็นพลาสติก ร่างแยกจากกันในการเคลื่อนไหวที่มีพายุถูกรวบรวมเป็นกลุ่มที่สมดุลและเยือกแข็ง แสงวาบจะเน้นรูปร่างของร่างกายและไม่สร้างเอฟเฟ็กต์ภาพที่ชัดเจน อย่างไรก็ตาม องค์ประกอบของภาพวาดซึ่งมีความก้าวหน้าอย่างมากในจุดศูนย์กลางในเชิงลึก ซึ่งแสดงถึงเหตุการณ์ที่ไม่ธรรมดาในชีวิตของปอมเปอี ได้รับแรงบันดาลใจจากความโรแมนติก

แนวจินตนิยมในฐานะโลกทัศน์มีอยู่ในรัสเซียในช่วงคลื่นลูกแรกตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 จนถึงช่วงทศวรรษ 1850 แนวโรแมนติกในศิลปะรัสเซียไม่ได้หยุดลงในช่วงทศวรรษ 1850 ธีมของความเป็นอยู่ซึ่งค้นพบโดย Romantics for art ได้รับการพัฒนาโดยศิลปินของ Blue Rose ทายาทสายตรงของ Romantics คือ Symbolists อย่างไม่ต้องสงสัย ธีมโรแมนติก, ลวดลาย, อุปกรณ์แสดงอารมณ์เข้าสู่ศิลปะของสไตล์, ทิศทาง, ความสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์ โลกทัศน์ที่โรแมนติกหรือโลกทัศน์กลายเป็นสิ่งที่มีชีวิตชีวา หวงแหน และมีผลมากที่สุด

ความโรแมนติกในฐานะทัศนคติทั่วไปลักษณะส่วนใหญ่ของคนหนุ่มสาวเป็นความปรารถนาในอิสรภาพในอุดมคติและสร้างสรรค์ยังคงอาศัยอยู่ในศิลปะโลกอยู่ตลอดเวลา

ค) ดนตรี

แนวโรแมนติกในรูปแบบที่บริสุทธิ์ที่สุดคือปรากฏการณ์ของศิลปะยุโรปตะวันตก ดนตรีรัสเซียในศตวรรษที่ 19 จาก Glinka ถึง Tchaikovsky คุณสมบัติของความคลาสสิคถูกรวมเข้ากับคุณสมบัติของความโรแมนติกองค์ประกอบชั้นนำคือหลักการแห่งชาติที่สดใสและดั้งเดิม แนวจินตนิยมในรัสเซียได้เพิ่มขึ้นอย่างไม่คาดฝันเมื่อแนวโน้มนี้ดูเหมือนจะกลายเป็นอดีตไปแล้ว นักแต่งเพลงสองคนของศตวรรษที่ 20 Scriabin และ Rachmaninov ฟื้นคืนชีพคุณลักษณะของความโรแมนติกเช่นเที่ยวบินที่ไม่เต็มใจของแฟนตาซีและความมีชีวิตชีวาของเนื้อเพลง ดังนั้นศตวรรษที่ 19 называют веком музыкальной классики.

เวลา (1812 การจลาจล Decembrist ปฏิกิริยาที่ตามมา) ทิ้งร่องรอยไว้ในเพลง ไม่ว่าจะเป็นแนวโรแมนติก โอเปร่า บัลเลต์ แชมเบอร์มิวสิค ทุกที่ที่นักแต่งเพลงชาวรัสเซียพูดคำใหม่ของพวกเขา

ดนตรีของรัสเซียที่มีความสง่างามของซาลอนและการยึดมั่นอย่างเคร่งครัดกับประเพณีการเขียนบรรเลงอย่างมืออาชีพ รวมถึงการเขียนโซนาตา-ซิมโฟนิก มีพื้นฐานมาจากการใช้สีที่เป็นโมดอลและโครงสร้างจังหวะของนิทานพื้นบ้านรัสเซีย Одни - широко опирается на бытовую песню, другие - на оригинальные формы музицирования, а третьи – на старинную модальность древнерусских крестьянских ладов.

ต้นศตวรรษที่ 19 - นี่คือปีแห่งการออกดอกครั้งแรกและสดใสของแนวโรแมนติก เนื้อเพลงที่จริงใจเจียมเนื้อเจียมตัวยังคงฟังและทำให้ผู้ฟังพอใจ Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851)เขาเขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ให้กับบทกวีของกวีหลายคน แต่อมตะคือ "นกไนติงเกล"ถึงโองการของ Delvig "Winter Road", "ฉันรักคุณ"เกี่ยวกับบทกวีของพุชกิน

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848)เขียนเพลงสำหรับการแสดงละคร แต่เรารู้จักเขามากขึ้นจากเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ที่มีชื่อเสียง “ Sundress สีแดง”,“ อย่าปลุกฉันในตอนเช้า”,“ เรือใบโดดเดี่ยวเปลี่ยนเป็นสีขาว”

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- นักแต่งเพลง นักเปียโน นักไวโอลิน และครู เขาเป็นเจ้าของความรักเช่น “เสียงระฆังดังซ้ำซากจำเจ”, “ในยามรุ่งอรุณของเยาวชนที่มีหมอกหนา”และอื่น ๆ.

สถานที่ที่โดดเด่นที่สุดที่นี่ถูกครอบครองโดยความรักของ Glinka ยังไม่มีใครประสบความสำเร็จในการผสมผสานดนตรีอย่างเป็นธรรมชาติกับบทกวีของ Pushkin, Zhukovsky

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- ร่วมสมัยของพุชกิน (อายุน้อยกว่า Alexander Sergeevich 5 ปี) ซึ่งเป็นวรรณกรรมคลาสสิกของรัสเซียกลายเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีคลาสสิก งานของเขาเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของวัฒนธรรมดนตรีรัสเซียและโลก มันผสมผสานความร่ำรวยของดนตรีพื้นบ้านและความสำเร็จสูงสุดของทักษะของนักแต่งเพลงอย่างกลมกลืน ผลงานพื้นบ้านที่สมจริงของ Glinka สะท้อนให้เห็นถึงความรุ่งเรืองของวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซึ่งเกี่ยวข้องกับสงครามผู้รักชาติในปี 1812 และขบวนการ Decembrist แสง ตัวละครที่ยืนยันชีวิต ความกลมกลืนของรูปแบบ ความงามของท่วงทำนองที่ไพเราะและไพเราะ ความหลากหลาย ความสดใส และความกลมกลืนเป็นคุณสมบัติที่มีค่าที่สุดของดนตรีของ Glinka ณ โรงอุปรากรชื่อดัง "อีวาน ซูซานนิน"(1836) ได้รับการแสดงออกที่ยอดเยี่ยมของแนวคิดเรื่องความรักชาติที่เป็นที่นิยม ความยิ่งใหญ่ทางศีลธรรมของชาวรัสเซียก็ยังได้รับการยกย่องในโอเปร่าเทพนิยาย” รุสลันและลุดมิลา”. Orchestral Works โดย Glinka: “Fantasy Waltz”, “กลางคืนในมาดริด”และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง "คามารินสกายา"เป็นพื้นฐานของซิมโฟนิซึมคลาสสิกของรัสเซีย โดดเด่นในแง่ของพลังการแสดงละครและความสดใสของลักษณะดนตรีสำหรับโศกนาฏกรรม "เจ้าชายโคล์มสกี้"เนื้อเพลงเสียงร้องของ Glinka (Romances “ฉันจำช่วงเวลาที่วิเศษได้”, “สงสัย”) เป็นศูนย์รวมของบทกวีรัสเซียในด้านดนตรีที่ไม่มีใครเทียบได้

6. โรแมนติกยุโรปตะวันตก

ภาพวาด

ถ้าฝรั่งเศสเป็นบรรพบุรุษของลัทธิคลาสสิค ดังนั้น "เพื่อค้นหารากเหง้าของ ... โรงเรียนโรแมนติก" หนึ่งในโคตรของเขาเขียนว่า "เราควรไปเยอรมนี เธอเกิดที่นั่นและโรแมนติกอิตาลีและฝรั่งเศสสมัยใหม่ก็สร้างรสนิยมของพวกเขา

บด เยอรมนีไม่ทราบว่าการปฏิวัติขึ้น โรแมนติกเยอรมันหลายคนเป็นมนุษย์ต่างดาวที่น่าสมเพชของความคิดทางสังคมขั้นสูง พวกเขาเป็นอุดมคติในยุคกลาง พวกเขาได้รับแรงกระตุ้นทางจิตวิญญาณที่ไม่สามารถนับได้พูดคุยเกี่ยวกับการละทิ้งชีวิตมนุษย์ ศิลปะของพวกเขาหลายคนเป็นแบบพาสซีฟและครุ่นคิด พวกเขาสร้างผลงานที่ดีที่สุดในด้านการวาดภาพบุคคลและภูมิทัศน์

จิตรกรภาพบุคคลที่โดดเด่นคือ Otto Runge (1777-1810) ภาพของอาจารย์คนนี้ด้วยความสงบภายนอกประหลาดใจกับชีวิตภายในที่รุนแรงและรุนแรง

รุงเงอิน .เห็นภาพกวีโรแมนติก "ภาพเหมือน".เขาตรวจสอบตัวเองอย่างรอบคอบและเห็นชายหนุ่มผมสีเข้ม ตาดำ จริงจัง เต็มไปด้วยพลัง ครุ่นคิด ครุ่นคิด และมีความมุ่งมั่น ศิลปินโรแมนติกต้องการรู้จักตัวเอง ลักษณะการทำงานของภาพเหมือนนั้นรวดเร็วและกว้างใหญ่ราวกับว่าพลังงานทางจิตวิญญาณของผู้สร้างควรจะถ่ายทอดไปแล้วในเนื้อสัมผัสของงาน ในช่วงที่มีสีสันเข้ม ความแตกต่างของแสงและความมืดปรากฏขึ้น ความคมชัดเป็นเทคนิคการถ่ายภาพที่เป็นลักษณะเฉพาะของปรมาจารย์ที่โรแมนติก

ศิลปินในโกดังแสนโรแมนติกจะพยายามจับอารมณ์ที่เปลี่ยนแปลงไปของบุคคล มองเข้าไปในจิตวิญญาณของเขา และในแง่นี้ภาพบุคคลของเด็กจะทำหน้าที่เป็นวัสดุที่อุดมสมบูรณ์สำหรับเขา ที่ ภาพเด็กHülsenbeck(1805) Runge ไม่เพียงแต่สื่อถึงความมีชีวิตชีวาและความเป็นธรรมชาติของตัวละครเด็กเท่านั้น แต่ยังพบกับการต้อนรับเป็นพิเศษสำหรับอารมณ์ที่สดใสที่สร้างความสุขให้กับช่องเปิดโล่งของชั้น 2 ศตวรรษที่ 19 พื้นหลังในภาพเป็นภูมิทัศน์ ซึ่งไม่เพียงแต่เป็นเครื่องยืนยันถึงของขวัญที่มีสีสันของศิลปินเท่านั้น ทัศนคติที่น่าชื่นชมต่อธรรมชาติ แต่ยังรวมถึงการเกิดขึ้นของปัญหาใหม่ในการสร้างความสัมพันธ์เชิงพื้นที่อย่างเชี่ยวชาญ เฉดสีอ่อนของวัตถุในที่โล่ง ปรมาจารย์ด้านความโรแมนติกที่ต้องการรวม "ฉัน" ของเขาเข้ากับพื้นที่กว้างใหญ่ของจักรวาล พยายามจับภาพธรรมชาติที่จับต้องได้ แต่ด้วยความเย้ายวนของภาพ เขาชอบที่จะเห็นสัญลักษณ์ของโลกใบใหญ่ "ความคิดของศิลปิน"

Runge หนึ่งในศิลปินแนวโรแมนติกกลุ่มแรกๆ ที่มีภารกิจในการสังเคราะห์งานศิลปะ: จิตรกรรม ประติมากรรม สถาปัตยกรรม ดนตรี เสียงของศิลปะทั้งมวลควรแสดงถึงความสามัคคีของพลังอันศักดิ์สิทธิ์ของโลกซึ่งแต่ละอนุภาคเป็นสัญลักษณ์ของจักรวาลโดยรวม ศิลปินเพ้อฝันเสริมแนวคิดทางปรัชญาของเขาด้วยแนวคิดของนักคิดชาวเยอรมันผู้โด่งดังในชั้น 1 ศตวรรษที่ 17 เจคอบ โบห์เม. โลกเป็นสิ่งที่ลึกลับทั้งหมดอนุภาคแต่ละอนุภาคที่แสดงออกทั้งหมด แนวคิดนี้เกี่ยวข้องกับความโรแมนติกของทวีปยุโรปทั้งหมด ในรูปแบบบทกวี กวีและจิตรกรชาวอังกฤษ วิลเลียม เบลก กล่าวดังนี้:

ดูชั่วนิรันดร์ในชั่วขณะหนึ่ง

โลกขนาดใหญ่ - ในกระจกแห่งทราย

ในกำมือเดียว - อินฟินิตี้

และท้องฟ้าอยู่ในถ้วยดอกไม้

The Runge cycle หรือที่เขาเรียกว่า "บทกวีดนตรีที่ยอดเยี่ยม" "ช่วงเวลาของวัน"- เช้า เที่ยง เย็น - การแสดงออกของแนวคิดนี้ เขาทิ้งไว้ในบทกวีและร้อยแก้วคำอธิบายเกี่ยวกับรูปแบบแนวคิดของโลก ภาพบุคคล ทิวทัศน์ แสง และสี เป็นสัญลักษณ์ของวัฏจักรธรรมชาติและชีวิตมนุษย์ที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลา

แคสปาร์ เดวิด ฟรีดริช จิตรกรโรแมนติกชาวเยอรมันผู้โดดเด่นอีกคนหนึ่ง (พ.ศ. 2317-2483) ชอบภูมิทัศน์มากกว่าแนวอื่น ๆ ทั้งหมด และวาดภาพธรรมชาติเพียงภาพเดียวในช่วงอายุเจ็ดสิบปีของเขา แรงจูงใจหลักของงานของฟรีดริชคือความคิดของความเป็นเอกภาพของมนุษย์และธรรมชาติ

“ ฟังเสียงของธรรมชาติที่พูดภายในตัวเรา” ศิลปินสั่งให้นักเรียนของเขา โลกภายในของบุคคลแสดงถึงความไม่มีที่สิ้นสุดของจักรวาลดังนั้นเมื่อได้ยินตัวเองแล้วบุคคลก็สามารถเข้าใจส่วนลึกทางวิญญาณของโลกได้

ตำแหน่งการฟังกำหนดรูปแบบหลักของ "การสื่อสาร" ของบุคคลที่มีธรรมชาติและภาพลักษณ์ นี่คือความยิ่งใหญ่ความลึกลับหรือการตรัสรู้ของธรรมชาติและสภาวะที่มีสติของผู้สังเกตการณ์ จริงอยู่บ่อยครั้งฟรีดริชไม่อนุญาตให้ร่าง "เข้าสู่" พื้นที่แนวนอนของภาพวาดของเขา แต่ในการแทรกซึมที่ละเอียดอ่อนของโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของพื้นที่กว้างใหญ่ที่แผ่กิ่งก้านสาขาการมีอยู่ของความรู้สึกประสบการณ์ของบุคคล ลัทธิอัตวิสัยในการพรรณนาภูมิทัศน์มาสู่งานศิลปะด้วยงานโรแมนติกเท่านั้นโดยบอกล่วงหน้าถึงการเปิดเผยโคลงสั้น ๆ ของธรรมชาติโดยผู้เชี่ยวชาญของชั้น 2 ศตวรรษที่ 19 นักวิจัยตั้งข้อสังเกตในงานของเฟรเดอริคว่า "การขยายละคร" ของลวดลายภูมิทัศน์ ผู้เขียนสนใจทะเล ภูเขา ป่าไม้ และธรรมชาติหลากหลายเฉดสีในช่วงเวลาต่างๆ ของปีและวัน

ค.ศ. 1811-1812 โดดเด่นด้วยการสร้างชุดทิวทัศน์ภูเขาอันเป็นผลมาจากการเดินทางสู่ภูเขาของศิลปิน ” เช้าในภูเขา”แสดงถึงความเป็นจริงทางธรรมชาติใหม่ที่งดงามซึ่งถือกำเนิดขึ้นท่ามกลางแสงตะวันที่ขึ้น โทนสีชมพูอมม่วงจะห่อหุ้มและกีดกันพวกเขาจากปริมาตรและแรงโน้มถ่วงของวัสดุ ปีแห่งการต่อสู้กับนโปเลียน (ค.ศ. 1812-1813) ทำให้ฟรีดริชกลายเป็นธีมเกี่ยวกับความรักชาติ เขาเขียนภาพประกอบซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากละครของ Kleist "หลุมฝังศพของอาร์มิเนียส"- ภูมิประเทศที่มีหลุมศพของวีรบุรุษเยอรมันโบราณ

ฟรีดริชเป็นเจ้าแห่งท้องทะเลที่ละเอียดอ่อน: "ยุค", "ดวงจันทร์เหนือทะเล", "ความตายของ "นาเดซดา" ในน้ำแข็ง"

ผลงานล่าสุดของศิลปิน - "พักผ่อนบนสนาม", "บึงใหญ่" และ "ระลึกถึงภูเขายักษ์", "ภูเขายักษ์" - ชุดของเทือกเขาและหินที่อยู่เบื้องหน้ามืดลง เห็นได้ชัดว่านี่เป็นการหวนคืนสู่ความรู้สึกที่มีประสบการณ์ของชัยชนะของบุคคลเหนือตัวเองความสุขของการขึ้นสู่ "จุดสูงสุดของโลก" ความปรารถนาในความสูงที่ไม่มีใครเอาชนะได้ ความรู้สึกของศิลปินในรูปแบบพิเศษประกอบมวลภูเขาเหล่านี้และอ่านการเคลื่อนไหวจากความมืดของขั้นตอนแรกสู่แสงในอนาคตอีกครั้ง ยอดเขาที่อยู่ด้านหลังถูกเน้นให้เป็นศูนย์กลางของแรงบันดาลใจทางจิตวิญญาณของอาจารย์ รูปภาพมีความเชื่อมโยงกันมาก เช่นเดียวกับงานโรแมนติกอื่นๆ และเกี่ยวข้องกับระดับการอ่านและการตีความที่แตกต่างกัน

ฟรีดริชมีความแม่นยำมากในการวาดภาพ มีความกลมกลืนทางดนตรีในการสร้างภาพวาดของเขาเป็นจังหวะ ซึ่งเขาพยายามพูดผ่านอารมณ์ของสีและเอฟเฟกต์แสง “หลายคนให้น้อย น้อยคนให้มาก ทุกคนเปิดจิตวิญญาณแห่งธรรมชาติด้วยวิธีที่ต่างออกไป ดังนั้นจึงไม่มีใครกล้าถ่ายทอดประสบการณ์และกฎเกณฑ์ของเขาให้ผู้อื่นเป็นกฎหมายที่ไม่มีเงื่อนไขผูกพัน ไม่มีใครเป็นตัววัดทั้งหมด ทุกคนมีมาตรการในตัวเองเท่านั้นสำหรับตัวเขาเองและสำหรับธรรมชาติที่เป็นญาติกับเขาไม่มากก็น้อย” ภาพสะท้อนของอาจารย์นี้พิสูจน์ความสมบูรณ์ที่น่าอัศจรรย์ของชีวิตภายในและความคิดสร้างสรรค์ของเขา เอกลักษณ์ของศิลปินนั้นชัดเจนในเสรีภาพในการทำงานของเขาเท่านั้น - ฟรีดริชที่โรแมนติกยืนหยัดบนสิ่งนี้

ดูเหมือนว่าเป็นทางการมากขึ้นคือการปลดจากศิลปิน - "คลาสสิก" - ตัวแทนของศิลปะคลาสสิกของสาขาอื่นของการวาดภาพโรแมนติกในเยอรมนี - Nazarenes ก่อตั้งขึ้นในกรุงเวียนนาและตั้งรกรากในกรุงโรม (ค.ศ. 1809-1810) "สหภาพเซนต์ลุค" ได้รวมเอาผู้เชี่ยวชาญเข้ากับแนวคิดในการฟื้นฟูศิลปะที่ยิ่งใหญ่ของประเด็นทางศาสนา ยุคกลางเป็นช่วงเวลาที่โปรดปรานของประวัติศาสตร์สำหรับพวกโรแมนติก แต่ในการแสวงหาศิลปะของพวกเขา ชาวนาซารีนหันไปใช้ประเพณีการวาดภาพยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุคแรกในอิตาลีและเยอรมนี Overbeck และ Geforr เป็นผู้ริเริ่มพันธมิตรใหม่ ซึ่งต่อมาได้เข้าร่วมโดย Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich

การเคลื่อนไหวของพวกนาซารีนนี้สอดคล้องกับรูปแบบของการต่อต้านนักวิชาการคลาสสิกในฝรั่งเศส อิตาลี และอังกฤษ ตัวอย่างเช่น ในฝรั่งเศส ศิลปินที่เรียกว่า "ดึกดำบรรพ์" โผล่ออกมาจากห้องทำงานของเดวิด และในอังกฤษ กลุ่มศิลปินยุคก่อนราฟาเอล ในจิตวิญญาณของประเพณีโรแมนติกพวกเขาถือว่าศิลปะเป็น "การแสดงออกของเวลา" ซึ่งเป็น "จิตวิญญาณของผู้คน" แต่ความชอบเฉพาะเรื่องหรือเป็นทางการซึ่งในตอนแรกฟังดูเหมือนสโลแกนของความสามัคคีหลังจากผ่านไปครู่หนึ่ง ไปในหลักคำสอนเดียวกันกับของสถาบันซึ่งพวกเขาปฏิเสธ

ศิลปะแห่งความโรแมนติก ในประเทศฝรั่งเศสพัฒนาในลักษณะเฉพาะ สิ่งแรกที่ทำให้แตกต่างจากการเคลื่อนไหวที่คล้ายคลึงกันในประเทศอื่น ๆ คือตัวละครที่ก้าวร้าว ("ปฏิวัติ") กวี นักเขียน นักดนตรี ศิลปิน ไม่เพียงแต่ปกป้องตำแหน่งของพวกเขาด้วยการสร้างผลงานใหม่ๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการมีส่วนร่วมในการโต้เถียงในนิตยสารและหนังสือพิมพ์ด้วย ซึ่งนักวิจัยมองว่าเป็น "การต่อสู้อันแสนโรแมนติก" วี. ฮูโก้, สเตนดาล, จอร์จ แซนด์, แบร์ลิออซ และนักเขียน นักประพันธ์เพลง และนักข่าวชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ ได้ "ขัดเกลาขนนก" ในการโต้เถียงที่โรแมนติก

ภาพวาดโรแมนติกในฝรั่งเศสเกิดขึ้นจากการต่อต้านโรงเรียนคลาสสิกของ David ซึ่งเป็นศิลปะเชิงวิชาการที่เรียกกันว่า "โรงเรียน" โดยทั่วไป แต่สิ่งนี้ต้องเข้าใจในความหมายที่กว้างกว่า นั่นคือเป็นการต่อต้านอุดมการณ์อย่างเป็นทางการของยุคปฏิกิริยา ซึ่งเป็นการประท้วงต่อต้านข้อจำกัดเล็กๆ น้อยๆ ของชนชั้นนายทุน ดังนั้นลักษณะที่น่าสมเพชของงานโรแมนติก ความตื่นเต้นเร้าใจ แรงดึงดูดของลวดลายแปลกตา โครงเรื่องประวัติศาสตร์และวรรณกรรม ไปจนถึงทุกสิ่งที่สามารถนำพาให้ห่างจาก "ชีวิตประจำวันที่มืดมน" ได้ ดังนั้นการเล่นแห่งจินตนาการนี้ และบางครั้งกลับตรงกันข้าม ความเพ้อฝันและขาดกิจกรรมอย่างสมบูรณ์

ตัวแทนของ "โรงเรียน" นักวิชาการได้กบฏต่อภาษาของความรักเป็นหลัก: การระบายสีที่ร้อนแรงของพวกเขาการสร้างแบบจำลองของแบบฟอร์มไม่ใช่คนที่คุ้นเคยกับ "คลาสสิก" รูปปั้น - พลาสติก แต่สร้างขึ้นจากความแตกต่างอย่างมาก ของจุดสี การออกแบบที่แสดงออกโดยเจตนาปฏิเสธความแม่นยำและความคลาสสิค องค์ประกอบที่กล้าหาญและวุ่นวายบางครั้งปราศจากความสง่างามและความสงบที่ไม่สั่นคลอน Ingres ศัตรูตัวฉกาจของความโรแมนติกจนกระทั่งถึงจุดจบของชีวิตของเขากล่าวว่า Delacroix "เขียนด้วยไม้กวาดบ้า" และ Delacroix กล่าวหา Ingres และศิลปินทั้งหมดของ "โรงเรียน" เกี่ยวกับความเยือกเย็นความมีเหตุมีผลขาดการเคลื่อนไหวที่พวกเขา อย่าเขียน แต่ "ทาสี" ภาพวาดของพวกเขา แต่นี่ไม่ใช่การปะทะกันง่ายๆ ระหว่างสองบุคลิกที่สดใสและแตกต่างอย่างสิ้นเชิง แต่เป็นการต่อสู้ระหว่างโลกทัศน์ทางศิลปะที่แตกต่างกันสองแห่ง

การต่อสู้นี้กินเวลาเกือบครึ่งศตวรรษ ความโรแมนติกในงานศิลปะไม่ได้ชนะอย่างง่ายดายและไม่ใช่ในทันที และศิลปินคนแรกของเทรนด์นี้คือ Theodore Gericault (1791-1824) - ต้นแบบของรูปแบบอนุสาวรีย์ที่กล้าหาญซึ่งผสมผสานในงานของเขาทั้งแบบคลาสสิก ลักษณะและลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติกและในที่สุดก็เป็นจุดเริ่มต้นที่สมจริงที่ทรงพลังซึ่งส่งผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะแห่งความสมจริงในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 แต่ในช่วงชีวิตของเขา เขาได้รับการชื่นชมจากเพื่อนสนิทเพียงไม่กี่คนเท่านั้น

ชื่อของ Theodore Zhariko เกี่ยวข้องกับความสำเร็จที่ยอดเยี่ยมครั้งแรกของความโรแมนติก ในภาพวาดแรก ๆ ของเขา (ภาพเหมือนของทหาร, รูปม้า) อุดมคติโบราณได้ลดระดับลงก่อนที่จะรับรู้ถึงชีวิตโดยตรง

ในร้านเสริมสวยในปี พ.ศ. 2355 Géricaultแสดงภาพ “เจ้าหน้าที่พรานม้าของจักรวรรดิระหว่างการโจมตี”มันเป็นปีแห่งความสง่างามแห่งความรุ่งโรจน์ของนโปเลียนและอำนาจทางทหารของฝรั่งเศส

องค์ประกอบของภาพนำเสนอผู้ขี่ในมุมมองที่ผิดปกติของช่วงเวลาที่ "กะทันหัน" เมื่อม้ายกขึ้น และผู้ขับขี่ซึ่งถือตำแหน่งม้าเกือบในแนวตั้งหันไปทางผู้ชม ภาพของช่วงเวลาแห่งความไม่มั่นคง ความเป็นไปไม่ได้ของท่าทางช่วยเพิ่มเอฟเฟกต์ของการเคลื่อนไหว ม้ามีจุดหนุนอยู่หนึ่งจุด มันต้องล้มลงกับพื้น กรูเข้าต่อสู้ที่นำมันมาสู่สภาพเช่นนั้น มาบรรจบกันมากในงานนี้: ศรัทธาที่ไม่มีเงื่อนไขของ Gericault ในความเป็นไปได้ของบุคคลที่เป็นเจ้าของพลังของตัวเอง ความรักที่เร่าร้อนในการวาดม้าและความกล้าหาญของอาจารย์สามเณรในการแสดงสิ่งที่มีเพียงดนตรีหรือภาษาของกวีนิพนธ์เท่านั้นที่สามารถสื่อได้ก่อนหน้านี้ - ความตื่นเต้นของ การต่อสู้ จุดเริ่มต้นของการโจมตี สายพันธุ์สุดท้ายของสิ่งมีชีวิต นักเขียนรุ่นเยาว์สร้างภาพลักษณ์ของเขาจากการถ่ายทอดพลวัตของการเคลื่อนไหว และเป็นสิ่งสำคัญสำหรับเขาที่จะตั้งค่าผู้ดูให้พร้อมสำหรับ "การคิด" การวาดภาพด้วย "วิสัยทัศน์ภายใน" และความรู้สึกของสิ่งที่เขาต้องการพรรณนา

ประเพณีของพลวัตของการบรรยายเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ที่งดงามในฝรั่งเศสนั้นแทบไม่มีเลย ยกเว้นในการตกแต่งวัดแบบโกธิก เพราะเมื่อ Geriko มาถึงอิตาลีเป็นครั้งแรก เขาตกตะลึงกับพลังที่ซ่อนอยู่ของผลงานประพันธ์ของมีเกลันเจโล “ฉันตัวสั่น” เขาเขียน “ฉันสงสัยในตัวเองและไม่สามารถฟื้นจากประสบการณ์นี้ได้เป็นเวลานาน” แต่สเตนดาลชี้ว่าไมเคิลแองเจโลเป็นผู้บุกเบิกเทรนด์โวหารใหม่ในงานศิลปะก่อนหน้านี้ในบทความเชิงโต้แย้งของเขา

ภาพวาดของ Gericault ไม่เพียงประกาศการกำเนิดของพรสวรรค์ทางศิลปะใหม่เท่านั้น แต่ยังเป็นการยกย่องความหลงใหลและความผิดหวังของผู้เขียนด้วยแนวคิดของนโปเลียน มีงานอื่น ๆ ที่เกี่ยวข้องกับหัวข้อนี้: เจ้าหน้าที่ Carabinieri”, “เจ้าหน้าที่ Cuirassier ก่อนการโจมตี”, “ภาพเหมือนของ carabinieri”, “เสื้อเกราะที่ได้รับบาดเจ็บ”

ในบทความเรื่อง "การสะท้อนถึงสภาพของภาพวาดในฝรั่งเศส" เขาเขียนว่า "ความหรูหราและศิลปะได้กลายเป็น ... ความจำเป็นและเป็นอาหารสำหรับจินตนาการซึ่งเป็นชีวิตที่สองของบุคคลที่มีอารยะธรรม . .. ไม่ใช่เรื่องของความจำเป็นอย่างยิ่ง ศิลปะจะปรากฏก็ต่อเมื่อความต้องการที่จำเป็นนั้นได้รับการตอบสนองและเมื่อความอุดมสมบูรณ์มาถึงเท่านั้น ชายผู้หนึ่งซึ่งเป็นอิสระจากความกังวลในชีวิตประจำวัน เริ่มแสวงหาความสุขเพื่อขจัดความเบื่อหน่าย ซึ่งจะแซงหน้าเขาท่ามกลางความพอใจอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้

ความเข้าใจในบทบาทการศึกษาและมนุษยนิยมดังกล่าวแสดงให้เห็นโดย Gerico หลังจากกลับมาจากอิตาลีในปี 1818 - เขาเริ่มมีส่วนร่วมในการพิมพ์หินโดยทำซ้ำหัวข้อต่าง ๆ รวมถึงความพ่ายแพ้ของนโปเลียน ( “ กลับมาจากรัสเซีย”).

ในเวลาเดียวกัน ศิลปินหันไปมองภาพการจมของเรือรบเมดูซ่านอกชายฝั่งแอฟริกา ซึ่งทำให้สังคมในสมัยนั้นตื่นเต้น ภัยพิบัติเกิดขึ้นจากความผิดพลาดของกัปตันที่ไม่มีประสบการณ์ซึ่งได้รับการแต่งตั้งให้ดำรงตำแหน่งภายใต้การอุปถัมภ์ ผู้โดยสารที่รอดตายของเรือ ศัลยแพทย์ Savigny และวิศวกร Correar ได้พูดถึงรายละเอียดเกี่ยวกับอุบัติเหตุครั้งนี้

เรือที่กำลังจะตายพยายามที่จะหลุดออกจากแพซึ่งมีคนช่วยเหลือไม่กี่คน สิบสองวันพวกเขาถูกพาไปตามทะเลที่โหมกระหน่ำจนกระทั่งพวกเขาได้พบกับความรอด - เรือ "อาร์กัส"

Gericault สนใจในสถานการณ์ตึงเครียดขั้นสุดท้ายของความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณและร่างกายของมนุษย์ ภาพวาดแสดงให้เห็นถึงผู้โดยสาร 15 คนที่รอดชีวิตบนแพเมื่อพวกเขาเห็นอาร์กัสบนขอบฟ้า “ แพของเมดูซ่า”เป็นผลจากการเตรียมงานอันยาวนานของศิลปิน เขาสร้างภาพร่างของท้องทะเลที่โหมกระหน่ำ เป็นภาพคนที่ได้รับการช่วยเหลือในโรงพยาบาล ในตอนแรก Gericault ต้องการแสดงการต่อสู้ของผู้คนบนแพด้วยกัน แต่แล้วเขาก็ตกลงกับพฤติกรรมที่กล้าหาญของผู้ชนะของธาตุทะเลและความประมาทเลินเล่อของรัฐ ผู้คนอดทนต่อความโชคร้ายอย่างกล้าหาญและความหวังในความรอดไม่ได้ทิ้งพวกเขาไว้: แต่ละกลุ่มบนแพมีลักษณะของตัวเอง ในการสร้างองค์ประกอบ Gericault เลือกมุมมองจากด้านบน ซึ่งทำให้เขาสามารถรวมการครอบคลุมพื้นที่แบบพาโนรามา (มองเห็นระยะห่างของทะเลได้) และวาดภาพ โดยนำชาวแพทั้งหมดมาไว้ใกล้เบื้องหน้ามาก การเคลื่อนไหวนี้สร้างขึ้นจากความแตกต่างของร่างที่วางอยู่เบื้องหน้าอย่างช่วยไม่ได้ และกลุ่มคนใจร้อนที่ส่งสัญญาณไปยังเรือที่แล่นผ่าน ความชัดเจนของจังหวะการเจริญเติบโตของไดนามิกจากกลุ่มหนึ่งไปยังอีกกลุ่มหนึ่ง ความงามของร่างกายที่เปลือยเปล่า สีเข้มของภาพกำหนดข้อสังเกตบางประการเกี่ยวกับความธรรมดาของภาพ แต่นี่ไม่ใช่สาระสำคัญของเรื่องนี้สำหรับผู้ชมที่รับรู้ซึ่งความธรรมดาของภาษายังช่วยให้เข้าใจและรู้สึกถึงสิ่งสำคัญ: ความสามารถของบุคคลในการต่อสู้และชนะ เสียงคำรามของมหาสมุทร เรือใบกำลังคร่ำครวญ เชือกกำลังดัง เสียงแพแตก ลมพัดคลื่นและฉีกเมฆสีดำให้เป็นชิ้นเล็กชิ้นน้อย

ไม่ใช่ฝรั่งเศสเองหรือที่ขับเคลื่อนโดยพายุแห่งประวัติศาสตร์? Eugene Delacroix คิดขณะยืนอยู่ข้างภาพวาด “ แพของเมดูซ่าทำให้เดลาครัวซ์ตกใจ เขาร้องไห้และกระโดดออกจากห้องทำงานของเจอริโคต์เหมือนคนบ้า ซึ่งเขามักจะไปเยี่ยม

ความสนใจดังกล่าวไม่รู้จักศิลปะของดาวิด

แต่ชีวิตของ Gericault จบลงอย่างน่าสลดใจ (เขาป่วยหนักหลังจากตกจากหลังม้า) และแผนหลายอย่างของเขายังไม่เสร็จ

นวัตกรรมของ Géricault เปิดโอกาสใหม่ๆ ในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวที่ทำให้คนรู้สึกกังวล ความรู้สึกที่ซ่อนอยู่ของบุคคล

ทายาทของ Géricault ในภารกิจของเขาคือ Eugene Delacroix จริงอยู่ เดลาครัวซ์ได้รับอนุญาตสองเท่าของอายุขัยของเขา และเขาไม่เพียงแต่พิสูจน์ความถูกต้องของแนวโรแมนติกเท่านั้น แต่ยังให้พรทิศทางใหม่ในการวาดภาพบนชั้น 2 อีกด้วย ศตวรรษที่ 19 - อิมเพรสชั่นนิสม์

ก่อนที่จะเริ่มเขียนด้วยตัวเอง Eugene เรียนที่โรงเรียน Lerain: เขาวาดภาพจากชีวิตคัดลอก Rubens ผู้ยิ่งใหญ่ Rembrandt Veronese Titian ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ... ศิลปินหนุ่มทำงาน 10-12 ชั่วโมงต่อวัน เขาจำคำพูดของไมเคิลแองเจโลผู้ยิ่งใหญ่ได้: “ภาพวาดเป็นนายหญิงที่ขี้หึง ต้องการคนทั้งตัว…”

หลังจากการแสดงสาธิตของ Géricault เดอลาครัวซ์ทราบดีว่าช่วงเวลาแห่งความวุ่นวายทางอารมณ์ที่รุนแรงได้มาถึงงานศิลปะแล้ว ประการแรก เขาพยายามทำความเข้าใจยุคใหม่สำหรับเขาผ่านโครงเรื่องทางวรรณกรรมที่มีชื่อเสียง ภาพวาดของเขา "Dante and Virgil"ที่นำเสนอในร้านเสริมสวยในปี 2365 เป็นความพยายามผ่านภาพเชื่อมโยงทางประวัติศาสตร์ของกวีสองคน: สมัยโบราณ - Virgil และ Renaissance - Dante - เพื่อดูหม้อต้ม "นรก" แห่งยุคสมัยใหม่ ครั้งหนึ่งใน "Divine Comedy" ของเขา ดันเต้ยึดดินแดนของเวอร์จิลเพื่อคุ้มกันในทุกด้าน (สวรรค์ นรก นรก) ในงานของ Dante โลกยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาใหม่เกิดขึ้นจากการประสบกับความทรงจำของสมัยโบราณในยุคกลาง สัญลักษณ์ของความโรแมนติกในฐานะการสังเคราะห์ของสมัยโบราณ, ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและยุคกลางเกิดขึ้นใน "ความสยองขวัญ" ของนิมิตของ Dante และ Virgil แต่อุปมานิทัศน์เชิงปรัชญาที่ซับซ้อนกลับกลายเป็นภาพประกอบทางอารมณ์ที่ดีของยุคก่อนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและวรรณกรรมชิ้นเอกที่เป็นอมตะ

Delacroix จะพยายามค้นหาการตอบสนองโดยตรงในหัวใจของคนรุ่นเดียวกันผ่านความโศกเศร้าของเขาเอง คนหนุ่มสาวในสมัยนั้นเผาไหม้ด้วยเสรีภาพและความเกลียดชังต่อผู้กดขี่ เห็นอกเห็นใจกับสงครามปลดปล่อยกรีซ กวีสุดโรแมนติกแห่งอังกฤษ ไบรอน กำลังไปที่นั่นเพื่อต่อสู้ Delacroix มองเห็นความหมายของยุคใหม่ในการพรรณนาถึงเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้น นั่นคือการต่อสู้และความทุกข์ทรมานของกรีซผู้รักอิสระ เขาอาศัยอยู่ในแผนการการตายของประชากรของเกาะ Chios ของกรีกซึ่งถูกพวกเติร์กจับ ที่ Salon of 1824 Delacroix แสดงภาพวาด "การสังหารหมู่บนเกาะชิโอ"กับฉากหลังของภูมิประเทศที่เป็นเนินเขากว้างใหญ่ไม่มีที่สิ้นสุด ซึ่งยังคงกรีดร้องจากควันไฟและการต่อสู้ที่ไม่หยุดหย่อน ศิลปินแสดงกลุ่มผู้หญิงและเด็กที่บาดเจ็บ หมดแรง และเหนื่อยล้า พวกเขามีเสรีภาพในนาทีสุดท้ายก่อนที่ศัตรูจะเข้ามาใกล้ ชาวเติร์กบนหลังม้าด้านขวาดูเหมือนจะแขวนอยู่เหนือพื้นหน้าทั้งหมดและผู้ประสบภัยจำนวนมากที่อยู่ที่นั่น ร่างกายที่สวยงาม ใบหน้าของคนที่หลงใหล โดยวิธีการที่ Delacroix จะเขียนในภายหลังว่าประติมากรรมกรีกถูกเปลี่ยนโดยศิลปินเป็นอักษรอียิปต์โบราณที่ซ่อนความงามที่แท้จริงของกรีกของใบหน้าและรูปร่าง แต่ด้วยการเปิดเผย "ความงามของจิตวิญญาณ" ต่อหน้าชาวกรีกผู้พ่ายแพ้ จิตรกรจึงแสดงเหตุการณ์ต่างๆ มากมายจนทำให้เขาต้องปรับมุมของภาพให้เสียรูป “ข้อผิดพลาด” เหล่านี้ได้ “แก้ไข” โดยงานของ Gericault แล้ว แต่ Delacroix ได้แสดงให้เห็นถึงความเชื่อที่โรแมนติกอีกครั้งว่าภาพวาดนั้น “ไม่ใช่ความจริงของสถานการณ์ แต่เป็นความจริงของความรู้สึก”

ในปี 1824 Delacroix สูญเสีย Géricault เพื่อนและครูของเขา และเขาก็กลายเป็นผู้นำของภาพวาดใหม่

หลายปีผ่านไป ทีละภาพปรากฏ: “กรีซบนซากปรักหักพังของมิสซาลังกา”, “ความตายของซาร์ดานาปาลุส”และอื่น ๆ ศิลปินกลายเป็นผู้ถูกขับไล่ในแวดวงการวาดภาพอย่างเป็นทางการ แต่การปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1830 ได้เปลี่ยนสถานการณ์ เธอจุดประกายศิลปินด้วยความโรแมนติกของชัยชนะและความสำเร็จ เขาวาดภาพ "เสรีภาพบนเครื่องกีดขวาง".

ในปี 1831 ที่ Paris Salon ชาวฝรั่งเศสได้เห็นภาพวาดของ Eugene Delacroix "Freedom on the Barricades" เป็นครั้งแรกซึ่งอุทิศให้กับ "สามวันอันรุ่งโรจน์" ของการปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1830 ผืนผ้าใบสร้างความประทับใจให้กับผู้ร่วมสมัยด้วยอำนาจ ประชาธิปไตย และความกล้าหาญของการตัดสินใจทางศิลปะ ตามตำนาน ชนชั้นนายทุนผู้น่านับถือคนหนึ่งอุทานว่า: “เจ้าพูดหรือ - หัวหน้าโรงเรียน? บอกฉันดีกว่า - หัวหน้ากบฏ! หลังจากซาลอนปิดตัวลง รัฐบาลที่หวาดกลัวกับคำอุทธรณ์ที่คุกคามและสร้างแรงบันดาลใจที่เล็ดลอดออกมาจากภาพ จึงรีบส่งคืนให้ผู้เขียน ระหว่างการปฏิวัติในปี ค.ศ. 1848 พระราชวังลักเซมเบิร์กได้รับการจัดแสดงต่อสาธารณะอีกครั้ง และกลับมาหาศิลปินอีกครั้ง หลังจากที่ผ้าใบถูกจัดแสดงที่งานนิทรรศการโลกในปารีสในปี พ.ศ. 2398 ก็จบลงที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ หนึ่งในการสร้างสรรค์แนวโรแมนติกที่ดีที่สุดของฝรั่งเศสยังคงอยู่ที่นี่มาจนถึงทุกวันนี้ - เรื่องราวที่ได้รับแรงบันดาลใจจากผู้เห็นเหตุการณ์และเป็นอนุสาวรีย์นิรันดร์สำหรับการต่อสู้ของประชาชนเพื่ออิสรภาพ

ภาษาศิลปะแบบใดที่หนุ่มสาวชาวฝรั่งเศสโรแมนติกพบเพื่อรวมหลักการทั้งสองที่ดูเหมือนตรงกันข้ามเข้าด้วยกัน - ลักษณะทั่วไปที่กว้างและครอบคลุมทั้งหมดและความเป็นจริงที่เป็นรูปธรรมโหดร้ายในความเปลือยเปล่า

ปารีสในเดือนกรกฎาคม ค.ศ. 1830 อากาศอิ่มตัวด้วยควันสีเทาและฝุ่นละออง เมืองที่สวยงามตระหง่าน หายวับไปกับผงแป้ง ในระยะไกลนั้นแทบจะสังเกตไม่เห็น แต่ทำให้หอคอยของมหาวิหารนอเทรอดามสูงขึ้นอย่างภาคภูมิใจซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของประวัติศาสตร์ วัฒนธรรม และจิตวิญญาณของชาวฝรั่งเศส จากที่นั่น จากเมืองที่มีควัน เหนือซากปรักหักพังของรั้วกั้น เหนือศพของสหายที่ตายแล้ว พวกก่อความไม่สงบออกมาข้างหน้าอย่างดื้อรั้นและเด็ดเดี่ยว พวกเขาแต่ละคนสามารถตายได้ แต่ขั้นตอนของกลุ่มกบฏนั้นไม่สั่นคลอน พวกเขาได้รับแรงบันดาลใจจากความตั้งใจที่จะชนะ สู่อิสรภาพ

พลังที่สร้างแรงบันดาลใจนี้รวมอยู่ในภาพลักษณ์ของหญิงสาวสวย ในการเรียกร้องหาเธออย่างแรงกล้า ด้วยพละกำลังที่ไม่รู้จักเหนื่อย เคลื่อนไหวอย่างอิสระและอ่อนเยาว์ เธอเปรียบเสมือนเทพธิดากรีก

นิคชนะ. รูปร่างที่แข็งแรงของเธอสวมชุดชีฟอง ใบหน้าของเธอสมบูรณ์แบบด้วยดวงตาที่เร่าร้อนหันไปทางฝ่ายกบฏ ในมือข้างหนึ่งเธอถือธรณีธรัญแห่งฝรั่งเศสในอีกด้านหนึ่ง - ปืน บนหัวเป็นหมวก Phrygian - สัญลักษณ์โบราณของการปลดปล่อยจากการเป็นทาส ก้าวของเธอนั้นรวดเร็วและเบา - นี่คือขั้นตอนของเทพธิดา ในเวลาเดียวกันภาพลักษณ์ของผู้หญิงเป็นของจริง - เธอเป็นลูกสาวของคนฝรั่งเศส เธอเป็นกองกำลังชี้นำที่อยู่เบื้องหลังการเคลื่อนไหวของกลุ่มบนเครื่องกีดขวาง จากมันในฐานะแหล่งกำเนิดแสงในใจกลางของพลังงานรังสีจะแผ่ซ่านไปด้วยความกระหายและความปรารถนาที่จะชนะ คนที่อยู่ใกล้กัน แสดงออกในทางของตนเอง แสดงความเกี่ยวข้องกับการเรียกที่สร้างแรงบันดาลใจและสร้างแรงบันดาลใจนี้

ทางขวามือเป็นเด็กผู้ชาย เป็นชาวปารีส ถือปืนกวัดแกว่ง เขาใกล้ชิดกับอิสรภาพมากที่สุดและอย่างที่มันเป็นมาโดยความกระตือรือร้นและความสุขของเธอจากแรงกระตุ้นฟรี ในการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วและใจร้อนอย่างรวดเร็วเขายังอยู่ข้างหน้าเล็กน้อยของแรงบันดาลใจของเขา นี่คือบรรพบุรุษของ Gavroche ในตำนาน ซึ่งแสดงโดย Victor Hugo ในอีกยี่สิบปีต่อมาในนวนิยาย Les Misérables: “Gavroche เต็มไปด้วยแรงบันดาลใจ สดใส รับหน้าที่ในการทำให้ทุกอย่างเคลื่อนไหว เขารีบวิ่งไปขึ้นเขาลงไป

ลง ลุกขึ้นอีกครั้ง เสียงกรอบแกรบ ส่องประกายด้วยความปิติยินดี ดูเหมือนว่าเขามาที่นี่เพื่อให้กำลังใจทุกคน เขามีแรงจูงใจในเรื่องนี้หรือไม่? ใช่ แน่นอน ความยากจนของเขา เขามีปีกหรือไม่? ใช่ แน่นอน ความร่าเริงของเขา มันเป็นลมกรดชนิดหนึ่ง ดูเหมือนว่าจะเติมอากาศด้วยตัวมันเองมีอยู่ทุกที่ในเวลาเดียวกัน ... เครื่องกีดขวางขนาดใหญ่รู้สึกได้ถึงกระดูกสันหลัง

Gavroche ในภาพวาดของ Delacroix เป็นตัวตนของเยาวชน "แรงกระตุ้นที่สวยงาม" การยอมรับอย่างสนุกสนานในความคิดอันสดใสของเสรีภาพ สองภาพ - Gavroche และ Liberty - ดูเหมือนจะเสริมซึ่งกันและกัน: หนึ่งคือไฟและอีกอันเป็นคบเพลิงที่จุดจากมัน Heinrich Heine บอกว่าการตอบสนองที่มีชีวิตชีวาของ Gavroche ปรากฏตัวในหมู่ชาวปารีส "นรก! คนขายของชำอุทาน “เด็กพวกนั้นสู้เหมือนยักษ์!”

ซ้ายมือเป็นนักเรียนถือปืน ก่อนหน้านี้ถูกมองว่าเป็นภาพเหมือนตนเองของศิลปิน กบฏคนนี้ไม่เร็วเท่ากาฟรอช การเคลื่อนไหวของเขาถูก จำกัด มากขึ้นมีสมาธิและมีความหมายมากขึ้น มือบีบปากกระบอกปืนอย่างมั่นใจ ใบหน้าแสดงออกถึงความกล้าหาญ ตั้งใจแน่วแน่ที่จะยืนหยัดจนถึงที่สุด นี่เป็นภาพที่น่าเศร้าอย่างสุดซึ้ง นักเรียนตระหนักถึงความสูญเสียที่พวกกบฏจะต้องเผชิญอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ แต่ผู้ที่ตกเป็นเหยื่อไม่ได้ทำให้เขากลัว - ความตั้งใจที่จะเป็นอิสระนั้นแข็งแกร่งกว่า ข้างหลังเขาเป็นคนงานที่กล้าหาญและเด็ดเดี่ยวพร้อมดาบ ได้รับบาดเจ็บที่เท้าของเสรีภาพ เขาลุกขึ้นด้วยความยากลำบากในการมองขึ้นไปที่ Freedom อีกครั้ง เพื่อดูและสัมผัสด้วยสุดใจว่าความงามที่เขากำลังจะตาย รูปนี้นำมาซึ่งการเริ่มต้นที่น่าทึ่งอย่างมากไปสู่เสียงของผ้าใบของ Delacroix หากภาพของ Gavroche, Liberty, นักเรียน, คนงาน - เกือบจะเป็นสัญลักษณ์, ศูนย์รวมของเจตจำนงที่ไม่หยุดยั้งของนักสู้เพื่ออิสรภาพ - สร้างแรงบันดาลใจและเรียกผู้ชมจากนั้นชายที่ได้รับบาดเจ็บก็เรียกร้องความเห็นอกเห็นใจ มนุษย์บอกลาอิสรภาพ บอกลาชีวิต เขายังคงเป็นแรงกระตุ้น เป็นการเคลื่อนไหว แต่เป็นแรงกระตุ้นที่จางหายไปแล้ว

ร่างของเขาเป็นช่วงเปลี่ยนผ่าน สายตาของผู้ชมที่ยังคงหลงใหลและถูกพัดพาไปโดยการตัดสินใจที่ปฏิวัติของกลุ่มกบฏ ลงมายังตีนของสิ่งกีดขวางที่ปกคลุมไปด้วยศพของทหารผู้รุ่งโรจน์ ความตายถูกนำเสนอโดยศิลปินในความเปลือยเปล่าและหลักฐานของความจริง เราเห็นใบหน้าสีฟ้าของคนตาย ร่างกายที่เปลือยเปล่าของพวกเขา: การต่อสู้นั้นไร้ความปราณี และความตายก็เป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ที่สหายของกลุ่มกบฏในฐานะผู้สร้างแรงบันดาลใจที่สวยงามอย่างอิสระ

แต่ไม่เหมือนกัน! จากภาพอันน่าสยดสยองที่ขอบล่างของภาพ เราลืมตาขึ้นอีกครั้งและเห็นร่างเล็กที่สวยงาม - ไม่! ชีวิตชนะ! แนวคิดเรื่องเสรีภาพที่แสดงออกอย่างชัดเจนและจับต้องได้ มุ่งเน้นไปที่อนาคตที่ความตายในนามนั้นไม่น่ากลัว

ศิลปินแสดงให้เห็นเพียงกลุ่มกบฏกลุ่มเล็ก ๆ ที่มีชีวิตและความตาย แต่ผู้พิทักษ์สิ่งกีดขวางนั้นดูมีมากมายผิดปกติ องค์ประกอบถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่กลุ่มนักสู้ไม่ จำกัด ไม่ปิดตัวเอง เธอเป็นเพียงส่วนหนึ่งของผู้คนมากมาย ศิลปินให้ชิ้นส่วนของกลุ่มตามที่เป็นอยู่: กรอบรูปตัดร่างจากด้านซ้ายขวาและด้านล่าง

โดยปกติสีในผลงานของ Delacroix จะได้รับเสียงทางอารมณ์มีบทบาทสำคัญในการสร้างเอฟเฟกต์ที่น่าทึ่ง สีสัน บางครั้งก็โหมกระหน่ำ บางครั้งก็ซีดจาง อู้อี้ สร้างบรรยากาศตึงเครียด ใน Liberty at the Barricades Delacroix ออกจากหลักการนี้ แม่นยำมาก เลือกสีได้ไม่ผิดเพี้ยน ทาด้วยสโตรกกว้างๆ ศิลปินถ่ายทอดบรรยากาศของการต่อสู้

แต่ช่วงของสีถูกจำกัด Delacroix มุ่งเน้นไปที่การสร้างแบบจำลองบรรเทาทุกข์ของแบบฟอร์ม นี่เป็นสิ่งจำเป็นโดยการแก้ปัญหาที่เป็นรูปเป็นร่างของรูปภาพ ท้ายที่สุดการแสดงเหตุการณ์เฉพาะเมื่อวานนี้ศิลปินก็สร้างอนุสาวรีย์ให้กับเหตุการณ์นี้ ดังนั้นตัวเลขจึงเกือบจะเป็นประติมากรรม ดังนั้น อักขระแต่ละตัวซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของภาพทั้งภาพจึงประกอบขึ้นเป็นบางสิ่งที่ปิดอยู่ในตัวมันเอง แสดงถึงสัญลักษณ์ที่หล่อหลอมให้อยู่ในรูปแบบที่สมบูรณ์ ดังนั้นสีไม่เพียง แต่ส่งผลกระทบต่อความรู้สึกของผู้ชมเท่านั้น แต่ยังมีภาระที่เป็นสัญลักษณ์ ที่นั่นและที่นั่น ธงสีแดง น้ำเงิน และขาวสว่างวาบในพื้นที่สีน้ำตาลเทา - สีของธงการปฏิวัติฝรั่งเศสปี 1789 การทำซ้ำของสีเหล่านี้สนับสนุนคอร์ดอันทรงพลังของธงไตรรงค์ที่ลอยอยู่เหนือเครื่องกีดขวาง

ภาพวาดของ Delacroix "Freedom on the Barricades" เป็นงานที่ซับซ้อนและยิ่งใหญ่ในขอบเขตของมัน ที่นี่ความถูกต้องของความจริงที่เห็นโดยตรงและสัญลักษณ์ของภาพรวมกัน; ความสมจริง เข้าถึงธรรมชาติที่โหดร้าย และความงามในอุดมคติ หยาบ น่ากลัว และประเสริฐ บริสุทธิ์

ภาพวาด“ เสรีภาพที่เครื่องกีดขวาง” รวมชัยชนะของความโรแมนติกในภาพวาดฝรั่งเศส В 30-е годы еще две исторические картины: "การต่อสู้ของปัวติเยร์"และ "การลอบสังหารบิชอปแห่งลีแอช"

ในปี ค.ศ. 1822 ศิลปินได้ไปเยือนแอฟริกาเหนือ โมร็อกโก แอลจีเรีย การเดินทางครั้งนี้ทำให้เขาประทับใจไม่รู้ลืม ในยุค 50 ภาพวาดปรากฏในงานของเขาซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากความทรงจำของการเดินทางครั้งนี้: “ตามล่าสิงโต”, “โมร็อกโกขี่ม้า”และอื่น ๆ สีที่ตัดกันสดใสสร้างเสียงโรแมนติกให้กับภาพวาดเหล่านี้ ในนั้นเทคนิคของจังหวะกว้างปรากฏขึ้น

Delacroix เป็นคนโรแมนติกบันทึกสภาพของจิตวิญญาณของเขาไม่เพียง แต่ในภาษาของภาพ แต่ยังอยู่ในรูปแบบวรรณกรรมของความคิดของเขา เขาได้อธิบายกระบวนการสร้างสรรค์ผลงานของศิลปินโรแมนติกเป็นอย่างดี การทดลองเรื่องสี การสะท้อนความสัมพันธ์ระหว่างดนตรีกับศิลปะรูปแบบอื่นๆ ไดอารี่ของเขากลายเป็นเรื่องโปรดสำหรับศิลปินรุ่นต่อๆ มา

โรงเรียนโรแมนติกของฝรั่งเศสมีความคืบหน้าอย่างมีนัยสำคัญในด้านประติมากรรม (Rud และ Marseillaise Relief ของเขา) ภาพวาดภูมิทัศน์ (Camille Corot พร้อมภาพแสงอากาศของธรรมชาติของฝรั่งเศส)

ขอบคุณแนวโรแมนติกวิสัยทัศน์ส่วนตัวของศิลปินอยู่ในรูปแบบของกฎหมาย อิมเพรสชั่นนิสม์จะทำลายกำแพงกั้นระหว่างศิลปินกับธรรมชาติโดยสมบูรณ์ โดยประกาศว่าศิลปะคือความประทับใจ โรแมนติกพูดถึงจินตนาการของศิลปิน "เสียงแห่งความรู้สึกของเขา" ซึ่งทำให้เขาหยุดงานเมื่ออาจารย์เห็นว่าจำเป็นและไม่จำเป็นตามมาตรฐานการศึกษาที่สมบูรณ์

หากจินตนาการของ Gericault มุ่งเน้นไปที่การถ่ายทอดการเคลื่อนไหว Delacroix เกี่ยวกับพลังเวทย์มนตร์ของสีและชาวเยอรมันก็เพิ่ม "จิตวิญญาณแห่งการวาดภาพ" ลงในสิ่งนี้ испанскиеความโรแมนติกในบุคลิกของ Francisco Goya (1746-1828) แสดงให้เห็นถึงต้นกำเนิดของสไตล์พื้นบ้านลักษณะที่แปลกประหลาดและแปลกประหลาด โกยาและผลงานของเขาดูห่างไกลจากกรอบรูปแบบใด ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อศิลปินต้องปฏิบัติตามกฎหมายของวัสดุการแสดงบ่อยครั้งมาก (เช่นเมื่อเขาสร้างภาพวาดสำหรับพรมทอตาข่าย) หรือความต้องการของลูกค้า

ภาพหลอนของเขาปรากฏให้เห็นในซีรีส์การแกะสลัก “Капричос” (1797-1799),“Бедствия войны” (1810-1820),“Диспарантес (“Безумства”)(1815-1820) ภาพจิตรกรรมฝาผนังของ "House of the Deaf" และ Church of San Antonio de la Florida ในกรุงมาดริด (1798) Тяжелая болезнь в 1792г. นำไปสู่ความหูหนวกอย่างสมบูรณ์ของศิลปิน ศิลปะของปรมาจารย์หลังจากประสบบาดแผลทางร่างกายและจิตใจจะมีสมาธิ ครุ่นคิด และมีพลังภายในมากขึ้น โลกภายนอกที่ปิดลงเพราะหูหนวก ได้กระตุ้นชีวิตฝ่ายวิญญาณภายในของโกยา

В офортах “Капричос”โกยาบรรลุความแข็งแกร่งเป็นพิเศษในการถ่ายโอนปฏิกิริยาทันทีความรู้สึกที่เร่งรีบ การแสดงภาพขาวดำด้วยจุดขนาดใหญ่ที่ผสมผสานกันอย่างลงตัว ทำให้ขาดคุณสมบัติความเป็นเส้นตรงของกราฟิก ทำให้ได้คุณสมบัติทั้งหมดของภาพวาด

ภาพจิตรกรรมฝาผนังของโบสถ์เซนต์แอนโธนีในมาดริด Goya สร้างขึ้นในลมหายใจเดียว อารมณ์ของจังหวะ, ความสั้นขององค์ประกอบ, การแสดงออกของลักษณะของตัวละครที่ Goya นำประเภทโดยตรงจากฝูงชนนั้นน่าทึ่ง ศิลปินวาดภาพปาฏิหาริย์ของแอนโธนีแห่งฟลอริดา ที่ทำให้ชายที่ถูกฆาตกรรมฟื้นคืนชีพและพูดได้ ซึ่งตั้งชื่อฆาตกรและด้วยเหตุนี้จึงช่วยชีวิตผู้ถูกประณามอย่างไร้เดียงสาจากการประหารชีวิต พลังของฝูงชนที่ตอบสนองอย่างสดใสนั้นถ่ายทอดโดย Goya ทั้งในท่าทางและการแสดงออกทางสีหน้าของใบหน้าที่ปรากฎ ในรูปแบบการจัดองค์ประกอบของการกระจายภาพเขียนในพื้นที่ของโบสถ์จิตรกรติดตาม Tiepolo แต่ปฏิกิริยาที่เขากระตุ้นในตัวผู้ชมไม่ใช่แบบบาโรก แต่โรแมนติกอย่างหมดจดซึ่งส่งผลต่อความรู้สึกของผู้ชมแต่ละคนเรียกร้องให้เขาหันไปหา ตัวเขาเอง.

เหนือสิ่งอื่นใด เป้าหมายนี้ประสบความสำเร็จในภาพวาด Conto del Sordo (“House of the Deaf”) ซึ่ง Goya อาศัยอยู่ตั้งแต่ปี 1819 ผนังห้องถูกปกคลุมด้วยองค์ประกอบสิบห้าองค์ประกอบที่มีลักษณะเชิงเปรียบเทียบและน่าอัศจรรย์ Восприятие их требует углубленного сопереживания. ภาพเกิดขึ้นเป็นนิมิตบางอย่างของเมือง ผู้หญิง ผู้ชาย ฯลฯ สี แวบวับ ดึงร่างหนึ่งออกแล้วอีกร่างหนึ่ง การวาดภาพโดยรวมนั้นมืดโดยมีจุดสีขาวสีเหลืองสีแดงอมชมพูวาบของความรู้สึกที่รบกวน การแกะสลักของซีรีส์ "ผู้คน" .

Goya ใช้เวลา 4 ปีที่ผ่านมาในฝรั่งเศส ไม่น่าเป็นไปได้ที่เขาจะรู้ว่า Delacroix ไม่ได้มีส่วนร่วมกับ "Caprichos" ของเขา และเขาไม่สามารถคาดการณ์ได้ว่าการแกะสลักเหล่านี้ของ Hugo และ Baudelaire จะเป็นอย่างไร อิทธิพลมหาศาลของภาพวาดของเขาที่มีต่อ Manet จะเป็นอย่างไร และในยุค 80 ของศตวรรษที่ XIX จะเป็นอย่างไร V. Stasov จะเชิญศิลปินรัสเซียให้ศึกษา "ภัยพิบัติแห่งสงคราม" ของเขา

แต่ด้วยเหตุนี้ เราจึงทราบดีว่างานศิลปะ "ไร้สไตล์" ที่ "ไร้สไตล์" ของนักสัจนิยมที่กล้าหาญและโรแมนติกที่ได้รับแรงบันดาลใจส่งผลกระทบอย่างใหญ่หลวงต่อวัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 19 และ 20

โลกแห่งความฝันอันน่าอัศจรรย์ยังถูกรับรู้ในผลงานของเขาโดยศิลปินโรแมนติกชาวอังกฤษ William Blake (1757-1827) อังกฤษเป็นประเทศวรรณกรรมโรแมนติกคลาสสิก ไบรอน เชลลีย์กลายเป็นธงของขบวนการนี้ไปไกลกว่า "อัลเบียนหมอก" ในฝรั่งเศสในการวิจารณ์นิตยสารเกี่ยวกับช่วงเวลาของ "การต่อสู้อันแสนโรแมนติก" พวกโรแมนติกถูกเรียกว่า "เชคสเปียร์" คุณสมบัติหลักของการวาดภาพอังกฤษมักเป็นที่สนใจในบุคลิกภาพของมนุษย์มาโดยตลอด ซึ่งทำให้ประเภทภาพเหมือนได้รับการพัฒนาอย่างมีประสิทธิผล ยวนใจในการวาดภาพมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับอารมณ์อ่อนไหว ความสนใจของพวกโรแมนติกในยุคกลางทำให้เกิดวรรณกรรมทางประวัติศาสตร์ขนาดใหญ่ อาจารย์ที่ได้รับการยอมรับคือ V. Scott ในการวาดภาพ ธีมของยุคกลางกำหนดลักษณะของสิ่งที่เรียกว่า Peraphaelites

William Blake เป็นคนโรแมนติกที่น่าทึ่งในฉากวัฒนธรรมอังกฤษ เขาเขียนบทกวี อธิบายหนังสือของเขาเองและเล่มอื่นๆ พรสวรรค์ของเขาพยายามที่จะโอบกอดและแสดงโลกในความสามัคคีแบบองค์รวม ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือภาพประกอบสำหรับ "Book of Job" ในพระคัมภีร์ไบเบิล, "The Divine Comedy" โดย Dante, "Paradise Lost" โดย Milton เขาเติมองค์ประกอบของเขาด้วยร่างวีรบุรุษของไททานิคซึ่งสอดคล้องกับสภาพแวดล้อมของโลกที่ตรัสรู้หรือโลกแห่งความฝันที่ไม่เป็นจริง ความรู้สึกของความภาคภูมิใจหรือความสามัคคีที่ดื้อรั้น ยากที่จะสร้างขึ้นจากความไม่ลงรอยกัน ครอบงำภาพประกอบของเขา

การแกะสลักภูมิทัศน์สำหรับ "ศิษยาภิบาล" ของกวีชาวโรมันชื่อ Virgil นั้นดูแตกต่างไปบ้าง - พวกมันดูโรแมนติกกว่างานก่อน ๆ ของพวกเขา

ความโรแมนติกของเบลคพยายามค้นหาสูตรศิลปะและรูปแบบการดำรงอยู่ของโลก

วิลเลียม เบลก ใช้ชีวิตอย่างยากจนข้นแค้นและมืดมน หลังจากการตายของเขาได้รับการจัดอันดับให้เป็นหนึ่งในงานศิลปะคลาสสิกของอังกฤษ

ในผลงานของจิตรกรภูมิทัศน์ชาวอังกฤษในต้นศตวรรษที่ XIX งานอดิเรกโรแมนติกรวมกับมุมมองที่เป็นกลางและมีสติมากขึ้นของธรรมชาติ

ภูมิทัศน์ที่ยกระดับอย่างโรแมนติกถูกสร้างขึ้นโดย William Turner (1775-1851) เขาชอบพรรณนาถึงพายุฝนฟ้าคะนอง ฝนที่ตกลงมา พายุในทะเล พระอาทิตย์ตกที่สว่างจ้าและร้อนแรง เทิร์นเนอร์มักจะพูดเกินจริงถึงเอฟเฟกต์ของแสงและทำให้เสียงของสีดูเข้มข้นขึ้น แม้ว่าเขาจะทาสีในสภาพที่สงบของธรรมชาติก็ตาม เพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่ดียิ่งขึ้น เขาใช้เทคนิคสีน้ำและสีน้ำมันในชั้นบางๆ และทาสีลงบนพื้นโดยตรง เพื่อให้ได้สีรุ้งที่ล้น ตัวอย่างคือรูปภาพ “ ฝนไอน้ำและความเร็ว”(1844). แต่แม้แต่นักวิจารณ์ที่มีชื่อเสียงในสมัยนั้น แธกเกอร์เรย์ ก็ยังไม่เข้าใจ บางทีอาจจะเป็นภาพที่ล้ำสมัยที่สุดทั้งในด้านการออกแบบและการใช้งาน เขาเขียนว่า “ฝนบ่งบอกถึงคราบสกปรก” เขาเขียน “มีดจานสีสาดส่องลงบนผ้าใบ แสงแดดที่มีแสงระยิบระยับทึบส่องทะลุผ่านก้อนโครเมียมสีเหลืองสกปรกที่หนามาก เงาถูกถ่ายทอดด้วยเฉดสีเย็นของกระปลาสีแดงเข้มและจุดชาดของโทนสีที่ไม่ออกเสียง และถึงแม้ไฟในเตาหัวรถจักรจะดูเป็นสีแดง แต่ฉันไม่คิดว่าจะทาสีด้วยสีคาบัลต์หรือสีถั่ว นักวิจารณ์อีกคนที่พบใน Turner กำลังระบายสี "ไข่คนและผักโขม" สีของ Turner ตอนปลายโดยทั่วไปดูเหมือนจะคิดไม่ถึงและยอดเยี่ยมสำหรับคนรุ่นเดียวกัน ต้องใช้เวลามากกว่าหนึ่งศตวรรษในการมองเห็นเม็ดการสังเกตที่แท้จริงในตัวพวกเขา แต่เช่นเดียวกับในกรณีอื่นๆ มันอยู่ที่นี่ เรื่องราวที่น่าสงสัยของผู้เห็นเหตุการณ์หรือพยานการกำเนิดของ "ฝน ไอน้ำ และความเร็ว" ได้รับการเก็บรักษาไว้ คุณนายซีโมนบางคนกำลังขี่อยู่ในห้องโดยสารของ Western Express โดยมีสุภาพบุรุษสูงอายุคนหนึ่งนั่งอยู่ตรงข้ามกับเธอ เขาขออนุญาตเปิดหน้าต่าง ยื่นศีรษะออกไปท่ามกลางสายฝนที่โปรยปราย และอยู่ในตำแหน่งนั้นเป็นเวลานาน เมื่อเขาปิดหน้าต่างลงในที่สุด น้ำหยดจากเขาในลำธาร แต่เขาหลับตาอย่างมีความสุขและเอนหลัง เพลิดเพลินกับสิ่งที่เขาเพิ่งเห็นอย่างชัดเจน หญิงสาวผู้อยากรู้อยากเห็นตัดสินใจสัมผัสความรู้สึกของตัวเอง เธอยังก้มหน้าออกไปนอกหน้าต่างด้วย ก็เปียกไปด้วย Но получила незабываемое впечатление. ลองนึกภาพความประหลาดใจของเธอเมื่อหนึ่งปีต่อมา ที่นิทรรศการในลอนดอน เธอเห็น Rain, Steam และ Speed มีคนข้างหลังเธอวิจารณ์ว่า “เป็นแบบอย่างของ Turner อย่างมากใช่ไหม ไม่มีใครเคยเห็นความไร้สาระปะปนกันเช่นนี้มาก่อน” และเธอไม่สามารถยับยั้งตัวเองได้กล่าวว่า: "ฉันเห็นแล้ว"

บางทีนี่อาจเป็นภาพแรกของรถไฟในการวาดภาพ มุมมองถูกนำมาจากที่ใดที่หนึ่งด้านบนซึ่งทำให้สามารถให้ความคุ้มครองแบบพาโนรามาได้กว้าง Western Express บินข้ามสะพานด้วยความเร็วที่ยอดเยี่ยมมากสำหรับช่วงเวลานั้น (เกิน 150 กม. ต่อชั่วโมง) นอกจากนี้ นี่อาจเป็นความพยายามครั้งแรกในการแสดงแสงผ่านสายฝน

Английское искусство середины XIX в. พัฒนาไปในทิศทางที่แตกต่างไปจากภาพวาดของเทิร์นเนอร์อย่างสิ้นเชิง แม้ว่าทักษะของเขาจะเป็นที่รู้จักโดยทั่วไป แต่ไม่มีเยาวชนคนใดติดตามเขา

เทิร์นเนอร์ได้รับการพิจารณาว่าเป็นบรรพบุรุษของอิมเพรสชั่นนิสม์มานานแล้ว ดูเหมือนว่าศิลปินชาวฝรั่งเศสควรจะพัฒนาการค้นหาสีจากแสงต่อไป แต่นั่นไม่ใช่กรณีเลย โดยพื้นฐานแล้วอิทธิพลของ Turner ที่มีต่ออิมเพรสชั่นนิสต์ย้อนกลับไปที่ From Delacroix to Neo-Impressionism ของ Paul Signac ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1899 ซึ่งเขาอธิบายว่า "ในปี 1871 ระหว่างที่พวกเขาพำนักอยู่ในลอนดอนเป็นเวลานาน Claude Manet และ Camille Pissarro ได้ค้นพบ Turner พวกเขาประหลาดใจกับคุณภาพของสีที่มั่นใจและมหัศจรรย์ พวกเขาศึกษางานของเขา วิเคราะห์เทคนิคของเขา ตอนแรกพวกเขาประหลาดใจกับภาพหิมะและน้ำแข็งของเขา ตกใจกับวิธีที่เขาสามารถถ่ายทอดความรู้สึกถึงความขาวของหิมะ ซึ่งพวกเขาทำไม่ได้ ด้วยแผ่นสีขาวสีเงินขนาดใหญ่วางราบด้วยแปรงกว้างๆ . พวกเขาเห็นว่าความประทับใจนี้ไม่ประสบความสำเร็จด้วยการล้างบาปเพียงอย่างเดียว และจังหวะหลายสี ติดกับอีกคนหนึ่งซึ่งสร้างความประทับใจนี้ถ้าคุณมองพวกเขาจากระยะไกล

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Signac กำลังมองหาทุกที่เพื่อยืนยันทฤษฎีของเขาเกี่ยวกับ Pointillism แต่ในภาพวาดของ Turner ไม่มีภาพที่ศิลปินชาวฝรั่งเศสเห็นในหอศิลป์แห่งชาติในปี 1871 มีเทคนิคของ Pointillism ที่ Signac อธิบายและไม่มี "จุดสีขาวกว้าง" เลย อันที่จริงอิทธิพลของ Turner ที่มีต่อชาวฝรั่งเศสนั้นไม่ได้แข็งแกร่งกว่า ในปี 1870 -e และในปี 1890

เทิร์นเนอร์ได้รับการศึกษาอย่างรอบคอบที่สุดโดย Paul Signac ไม่เพียงแต่เป็นผู้บุกเบิกของอิมเพรสชั่นนิสม์ ซึ่งเขาเขียนถึงในหนังสือของเขา แต่ยังเป็นศิลปินที่มีนวัตกรรมที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย เกี่ยวกับภาพวาดปลายสายของ Turner เรื่อง "Rain, Steam and Speed", "Exile", "Morning" และ "Evening of the Flood", Signac เขียนถึง Angrand เพื่อนของเขา: ความรู้สึกที่สวยงามของคำนี้"

การประเมินอย่างกระตือรือร้นของ Signac เป็นจุดเริ่มต้นของความเข้าใจสมัยใหม่เกี่ยวกับการค้นหาภาพของเทิร์นเนอร์ แต่ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมามันเกิดขึ้นบางครั้งพวกเขาไม่ได้คำนึงถึงคำบรรยายและความซับซ้อนของทิศทางของการค้นหาการเลือกตัวอย่างจาก“ submellines” ที่ยังไม่เสร็จจริง ๆ กำลังพยายามเปิดสารตั้งต้นของอิมเพรสชั่น

ในบรรดาศิลปินใหม่ล่าสุด ทุกสิ่งโดยธรรมชาติแสดงให้เห็นการเปรียบเทียบกับ Monet ซึ่งตัวเขาเองรับรู้ถึงอิทธิพลของ Turner ที่มีต่อเขา มีแม้แต่แปลงเดียวที่คล้ายคลึงกันทั้งสองอย่าง นั่นคือ ประตูทางทิศตะวันตกของอาสนวิหารรูอ็อง แต่ถ้า Monet ให้การศึกษาเกี่ยวกับแสงจากแสงอาทิตย์ของอาคารแก่เรา เขาไม่ได้ให้เราแบบโกธิก แต่เป็นนางแบบเปลือยบางประเภท Turner เข้าใจว่าทำไมศิลปินจึงสนใจในหัวข้อนี้ซึ่งซึมซับธรรมชาติอย่างสมบูรณ์ - ในภาพของเขา เป็นการผสมผสานอย่างลงตัวระหว่างความยิ่งใหญ่ที่ท่วมท้นของส่วนรวมและความไม่มีที่สิ้นสุดที่กระทบกับรายละเอียดต่างๆ ที่ทำให้การสร้างสรรค์ศิลปะแบบโกธิกใกล้ชิดกับผลงานของธรรมชาติมากขึ้น

ลักษณะพิเศษของวัฒนธรรมอังกฤษและศิลปะโรแมนติกเปิดโอกาสให้เกิดศิลปิน plein air คนแรกที่วางรากฐานสำหรับภาพลักษณ์ของธรรมชาติในอากาศในศตวรรษที่ 19 John Constable (1776-1837) ตำรวจอังกฤษเลือกภูมิทัศน์เป็นประเภทหลักของภาพวาดของเขา: “โลกนี้ยิ่งใหญ่ не бывает двух похожих дней и даже двух похожих часов; นับตั้งแต่การสร้างโลก ต้นไม้ต้นเดียวไม่มีใบที่เหมือนกันสองใบ และงานศิลปะของแท้ทั้งหมด เหมือนกับการสร้างสรรค์ของธรรมชาติ ต่างกัน” เขากล่าว

ตำรวจวาดภาพสีน้ำมันขนาดใหญ่ในที่โล่งโดยสังเกตจากสภาพธรรมชาติต่างๆ อย่างละเอียด ในนั้น เขาสามารถถ่ายทอดความซับซ้อนของชีวิตภายในของธรรมชาติและชีวิตประจำวันของมันได้ (“Вид на Хайгет с Хемпстедских холмов”, ตกลง. พ.ศ. 2377; "รถเข็นหญ้าแห้ง"พ.ศ. 2364; “Detham Valley”, ca. 1828) ประสบความสำเร็จด้วยเทคนิคการเขียน เขาวาดด้วยจังหวะที่เคลื่อนไหว บางครั้งหนาและหยาบ บางครั้งเรียบขึ้นและโปร่งใสมากขึ้น К этому придут импрессионисты лишь в конце века. นวัตกรรมภาพวาดของ Constable มีอิทธิพลต่อผลงานของ Delacroix เช่นเดียวกับการพัฒนาภูมิทัศน์ของฝรั่งเศสทั้งหมด

ศิลปะของ Constable รวมถึงผลงานของ Gericault ในหลาย ๆ ด้านแสดงให้เห็นถึงแนวโน้มที่เป็นจริงในศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 19 ซึ่งเริ่มแรกพัฒนาควบคู่ไปกับแนวโรแมนติก ต่อมาเส้นทางของพวกเขาแยกจากกัน

โรแมนติกเปิดโลกของจิตวิญญาณมนุษย์ ปัจเจก ไม่เหมือนใคร แต่จริงใจและใกล้เคียงกับวิสัยทัศน์ที่เย้ายวนทั้งหมดของโลก ความรวดเร็วของภาพในการวาดภาพตามที่ Gelacroix กล่าวและไม่ใช่ความสม่ำเสมอในการแสดงทางวรรณกรรม ได้กำหนดจุดสนใจของศิลปินในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนที่สุด เพื่อหาวิธีแก้ปัญหาที่เป็นทางการและสีสันใหม่ ๆ Романтизм оставил в наследство второй половине XIX в. ปัญหาทั้งหมดเหล่านี้และความเป็นเอกเทศทางศิลปะได้รับการปลดปล่อยจากกฎเกณฑ์ของนักวิชาการ สัญลักษณ์ซึ่งในหมู่ชาวโรแมนติกควรจะแสดงถึงการผสมผสานที่สำคัญของความคิดและชีวิตในงานศิลปะของครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 หลอมรวมเข้ากับภาพศิลปะ จับภาพความคิดที่หลากหลายและโลกรอบข้าง

ข) ดนตรี

แนวคิดของการสังเคราะห์งานศิลปะพบการแสดงออกในอุดมการณ์และแนวปฏิบัติเกี่ยวกับแนวโรแมนติก แนวโรแมนติกในดนตรีก่อตัวขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 19 ภายใต้อิทธิพลของวรรณกรรมแนวโรแมนติกและพัฒนาอย่างใกล้ชิดกับมัน กับวรรณกรรมโดยทั่วไป การอุทธรณ์ไปยังโลกภายในของบุคคลซึ่งเป็นลักษณะของแนวโรแมนติกนั้นแสดงออกในลัทธิอัตนัยความต้องการอารมณ์ที่รุนแรงซึ่งกำหนดความเป็นอันดับหนึ่งของดนตรีและเนื้อเพลงในแนวโรแมนติก

ดนตรีในครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 พัฒนาไปอย่างรวดเร็ว ภาษาดนตรีใหม่เกิดขึ้น ในดนตรีบรรเลงและแชมเบอร์แชมเบอร์มินิได้รับสถานที่พิเศษ วงออเคสตราฟังด้วยสีสันที่หลากหลาย ความเป็นไปได้ของเปียโนและไวโอลินถูกเปิดเผยในรูปแบบใหม่ เพลงโรแมนติกเป็นอัจฉริยะมาก

ความโรแมนติกทางดนตรีปรากฏออกมาในสาขาต่างๆ ที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมประจำชาติที่แตกต่างกันและการเคลื่อนไหวทางสังคมที่แตกต่างกัน ตัวอย่างเช่นสไตล์โรแมนติกที่ใกล้ชิดและเป็นโคลงสั้น ๆ ของ German Romantics และความน่าสมเพชของพลเมือง "วาทศิลป์" ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของงานของคีตกวีชาวฝรั่งเศสแตกต่างกันอย่างมาก ในทางกลับกันตัวแทนของโรงเรียนแห่งชาติใหม่ที่เกิดขึ้นบนพื้นฐานของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติในวงกว้าง (โชแปง, โมนิอุซโก, ดโวรัค, สเมทาน่า, เกรียก) รวมถึงตัวแทนของโรงเรียนโอเปร่าอิตาลีที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับขบวนการริซอร์จิเมนโต (แวร์ดี Bellini) ในหลาย ๆ ด้านแตกต่างจากโคตรในเยอรมนี ออสเตรีย หรือฝรั่งเศส โดยเฉพาะอย่างยิ่ง แนวโน้มที่จะรักษาขนบธรรมเนียมประเพณีดั้งเดิม

อย่างไรก็ตาม สิ่งเหล่านี้ล้วนโดดเด่นด้วยหลักการทางศิลปะทั่วไปบางประการที่ทำให้เราสามารถพูดถึงโครงสร้างทางความคิดที่โรแมนติกเพียงเรื่องเดียว

ต้องขอบคุณความสามารถพิเศษของดนตรีในการเปิดเผยโลกแห่งประสบการณ์ของมนุษย์อย่างลึกซึ้งและเจาะลึก สุนทรียศาสตร์อันแสนโรแมนติกจึงกลายเป็นที่หนึ่งในบรรดาศิลปะอื่นๆ ความโรแมนติกหลายคนเน้นไปที่การเริ่มต้นดนตรีโดยสัญชาตญาณ เนื่องมาจากคุณสมบัติของการแสดงคำว่า "ไม่รู้" งานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกที่โดดเด่นมีพื้นฐานที่สมจริงอย่างมาก ความสนใจในชีวิตของคนทั่วไป ความสมบูรณ์ของชีวิต และความจริงของความรู้สึก การพึ่งพาดนตรีในชีวิตประจำวัน กำหนดความสมจริงของงานของตัวแทนที่ดีที่สุดของแนวโรแมนติกทางดนตรี แนวโน้มปฏิกิริยา (เวทย์มนต์ การหนีจากความเป็นจริง) มีอยู่ในผลงานเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ เพียงเล็กน้อยเท่านั้น พวกเขาปรากฏตัวในบางส่วนในโอเปร่า Euryanta โดย Weber (1823) ในละครเพลงบางเรื่องโดย Wagner, oratorio Christ โดย Liszt (1862) เป็นต้น

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 การศึกษาพื้นฐานของคติชน ประวัติศาสตร์ วรรณกรรมโบราณปรากฏขึ้น ตำนานยุคกลาง ศิลปะแบบโกธิก และวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่ถูกลืมเลือนได้ถูกฟื้นคืนชีพ ในเวลานี้โรงเรียนระดับชาติหลายแห่งในประเภทพิเศษพัฒนาขึ้นในงานของนักแต่งเพลงในยุโรปซึ่งถูกกำหนดให้ขยายขอบเขตของวัฒนธรรมยุโรปทั่วไปอย่างมีนัยสำคัญ รัสเซียซึ่งในไม่ช้าถ้าไม่ใช่คนแรกก็เป็นหนึ่งในสถานที่แรกในความคิดสร้างสรรค์ทางวัฒนธรรมของโลก (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), โปแลนด์ (Chopin, Moniuszko), เช็ก (Sour Cream, Dvorak), ฮังการี ( รายการ) จากนั้นนอร์เวย์ (Grieg), สเปน (Pedrel), ฟินแลนด์ (Sibelius), อังกฤษ (Elgar) - ทั้งหมดรวมกันเป็นกระแสหลักทั่วไปของงานนักแต่งเพลงชาวยุโรปไม่มีทางต่อต้านประเพณีโบราณที่จัดตั้งขึ้น ภาพวงเวียนใหม่ปรากฏขึ้น แสดงถึงลักษณะเฉพาะของชาติของวัฒนธรรมประจำชาติที่ผู้แต่งเป็นสมาชิกอยู่ โครงสร้างน้ำเสียงของงานช่วยให้คุณรับรู้ได้ทันทีโดยหูที่เป็นของโรงเรียนแห่งชาติแห่งหนึ่ง

คีตกวีมีส่วนร่วมในภาษาดนตรียุโรปทั่วไปซึ่งเป็นการพลิกกลับของนิทานพื้นบ้านเก่าซึ่งส่วนใหญ่เป็นชาวนาในประเทศของตน พวกเขาทำความสะอาดเพลงพื้นบ้านรัสเซียจากโอเปร่าเคลือบเงาพวกเขานำเข้าสู่ระบบน้ำเสียงสากลของเพลงเปลี่ยนแนวเพลงพื้นบ้านในศตวรรษที่ 18 ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นที่สุดในดนตรีแนวโรแมนติกซึ่งถูกรับรู้อย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเปรียบเทียบกับทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่างของลัทธิคลาสสิคคือการครอบงำของหลักการโคลงสั้น ๆ ทางจิตวิทยา แน่นอนว่าลักษณะเด่นของศิลปะดนตรีโดยทั่วไปคือการหักเหของปรากฏการณ์ใดๆ ผ่านขอบเขตของความรู้สึก ดนตรีทุกยุคทุกสมัยอยู่ภายใต้รูปแบบนี้ แต่ความโรแมนติกเหนือกว่ารุ่นก่อนทั้งหมดในแง่ของคุณค่าของการเริ่มต้นในบทเพลงของพวกเขาในความแข็งแกร่งและความสมบูรณ์แบบในการถ่ายทอดความลึกของโลกภายในของบุคคลซึ่งเป็นเฉดสีของอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนที่สุด

แก่นเรื่องของความรักครอบครองสถานที่ที่โดดเด่นในนั้นเพราะเป็นสภาวะของจิตใจที่สะท้อนถึงความลึกและความแตกต่างของจิตใจมนุษย์อย่างครอบคลุมและครบถ้วนที่สุด แต่ลักษณะเด่นนี้ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงแรงจูงใจของความรักในความหมายที่แท้จริงของคำเท่านั้น แต่ยังระบุด้วยปรากฏการณ์ที่หลากหลายที่สุด ประสบการณ์เชิงโคลงสั้น ๆ ของตัวละครล้วนถูกเปิดเผยโดยมีฉากหลังเป็นภาพพาโนรามาทางประวัติศาสตร์อันกว้างใหญ่ ความรักที่บุคคลมีต่อบ้านของเขา เพื่อบ้านเกิดเมืองนอน ต่อประชาชนของเขาเป็นเหมือนเส้นด้ายผ่านงานของนักประพันธ์เพลงที่โรแมนติกทุกคน

สถานที่ขนาดใหญ่มอบให้ในงานดนตรีที่มีรูปแบบขนาดเล็กและขนาดใหญ่เพื่อภาพลักษณ์ของธรรมชาติซึ่งเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดและแยกไม่ออกกับธีมของการสารภาพเชิงโคลงสั้น ๆ เช่นเดียวกับภาพแห่งความรัก ภาพลักษณ์ของธรรมชาติเป็นตัวกำหนดสภาพจิตใจของฮีโร่ ซึ่งมักถูกแต่งแต้มด้วยความรู้สึกไม่ลงรอยกับความเป็นจริง

แนวแฟนตาซีมักจะแข่งขันกับภาพธรรมชาติซึ่งอาจเกิดจากความปรารถนาที่จะหลบหนีจากการถูกจองจำในชีวิตจริง แบบฉบับของความโรแมนติกคือการค้นหาสิ่งมหัศจรรย์ที่ส่องประกายด้วยสีสันของโลก ตรงข้ามกับชีวิตประจำวันสีเทา ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาวรรณกรรมเต็มไปด้วยนิทานเพลงบัลลาดของนักเขียนชาวรัสเซีย ในบรรดานักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติก ภาพที่ยอดเยี่ยมและน่าอัศจรรย์ได้รับสีที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะของชาติ เพลงบัลลาดได้รับแรงบันดาลใจจากนักเขียนชาวรัสเซีย และด้วยเหตุนี้ ผลงานของแผนพิลึกพิศวงจึงถูกสร้างขึ้น ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความเชื่อผิดๆ ที่พยายามจะย้อนกลับความคิดเกี่ยวกับความกลัวต่อพลังแห่งความชั่วร้าย

นักแต่งเพลงโรแมนติกหลายคนยังทำหน้าที่เป็นนักเขียนและนักวิจารณ์เพลง (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt เป็นต้น) งานเชิงทฤษฎีของตัวแทนของแนวโรแมนติกที่ก้าวหน้ามีส่วนสำคัญอย่างมากต่อการพัฒนาประเด็นที่สำคัญที่สุดของศิลปะดนตรี โรแมนติกยังพบการแสดงออกในศิลปะการแสดง (นักไวโอลิน Paganini นักร้อง A. Nurri และอื่น ๆ )

ความหมายที่ก้าวหน้าของแนวโรแมนติกในช่วงเวลานี้ส่วนใหญ่อยู่ในกิจกรรม Franz Liszt. งานของ Liszt แม้ว่าโลกทัศน์จะขัดแย้งกัน แต่โดยพื้นฐานแล้วมีความก้าวหน้าและสมจริง หนึ่งในผู้ก่อตั้งและความคลาสสิกของดนตรีฮังการีซึ่งเป็นศิลปินระดับชาติที่โดดเด่น

ผลงานของ Liszt หลายชิ้นสะท้อนถึงธีมประจำชาติของฮังการีอย่างกว้างขวาง การประพันธ์เพลงที่โรแมนติกของ Liszt ได้ขยายความเป็นไปได้ทางเทคนิคและการแสดงออกของการเล่นเปียโน (concertos, sonatas) สิ่งสำคัญคือการเชื่อมต่อของ Liszt กับตัวแทนของดนตรีรัสเซียซึ่งเขาได้รับการเลื่อนตำแหน่งอย่างแข็งขัน

ในเวลาเดียวกัน Liszt มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาศิลปะดนตรีโลก หลังจาก Liszt “ทุกอย่างเป็นไปได้สำหรับเปียโนฟอร์เต” คุณสมบัติที่โดดเด่นของดนตรีของเขาคือการปรับตัวความอิ่มเอมใจของความรู้สึกโรแมนติก Liszt มีคุณค่าในฐานะนักแต่งเพลงนักแสดงและนักดนตรี ผลงานที่ใหญ่ที่สุดของนักแต่งเพลง: Opera " Don Sancho หรือ Castle of Love” (1825), 13 บทกวีไพเราะ” ตัสโซ ”, ” โพรมีธีอุส ”, “แฮมเล็ต” และคนอื่น ๆ ทำงานให้กับวงออเคสตร้า 2 คอนเสิร์ตสำหรับเปียโนและวงออเคสตร้า 75 รักนักร้องประสานเสียงและผลงานอื่น ๆ ที่รู้จักกันดี

การแสดงแนวโรแมนติกครั้งแรกทางดนตรีอย่างหนึ่งคือความคิดสร้างสรรค์ ฟรานซ์ ชูเบิร์ต(พ.ศ. 2340-2571) ชูเบิร์ตเข้าสู่ประวัติศาสตร์ดนตรีในฐานะผู้ก่อตั้งดนตรีแนวโรแมนติกที่ใหญ่ที่สุดและเป็นผู้สร้างแนวเพลงใหม่มากมาย: ซิมโฟนีโรแมนติก, เปียโนจิ๋ว, เพลงโรแมนติก (โรแมนติก) สิ่งที่สำคัญที่สุดในงานของเขาคือ เพลง,ซึ่งเขาได้แสดงให้เห็นแนวโน้มที่เป็นนวัตกรรมมากมายโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ในเพลงของชูเบิร์ตโลกภายในของบุคคลนั้นถูกเปิดเผยอย่างลึกซึ้งที่สุดการเชื่อมต่อลักษณะของเขากับดนตรีพื้นบ้านนั้นสังเกตได้ชัดเจนที่สุดหนึ่งในคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของความสามารถของเขาเป็นที่ประจักษ์มากที่สุด - ความหลากหลายที่น่าทึ่งความงามเสน่ห์ของท่วงทำนอง เพลงที่ดีที่สุดของยุคแรกคือ “ Margarita ที่ล้อหมุน ”(1814) , “ราชาแห่งป่า". ทั้งสองเพลงเขียนถึงคำพูดของเกอเธ่ ในตอนแรกหญิงสาวที่ถูกทอดทิ้งจำคนรักของเธอได้ เธอโดดเดี่ยวและทุกข์ทรมานอย่างสุดซึ้ง เพลงของเธอเศร้า ท่วงทำนองที่เรียบง่ายและจริงใจสะท้อนเพียงเสียงครวญครางของสายลมเท่านั้น "ราชาแห่งป่า" เป็นงานที่ซับซ้อน นี่ไม่ใช่เพลง แต่เป็นฉากละครที่มีตัวละครสามตัวปรากฏตัวต่อหน้าเรา: พ่อขี่ม้าผ่านป่า เด็กป่วยที่เขาอุ้มไปด้วย และราชาป่าที่น่าเกรงขามซึ่งปรากฏตัวต่อเด็กผู้ชายที่มีอาการเพ้อเป็นไข้ แต่ละคนมีภาษาไพเราะของตัวเอง เพลงของชูเบิร์ต "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" มีชื่อเสียงและเป็นที่รักไม่น้อย เพลงเหล่านี้แต่งขึ้นในปีต่อๆ มา มีความโดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่เรียบง่ายและแสดงออกอย่างน่าประหลาดใจ และสีสันที่สดใส

ชูเบิร์ตยังเขียนเพลงสองรอบ -“ มิลเลอร์คนสวย"(1823) และ" เส้นทางฤดูหนาว” (1872) - ตามคำพูดของกวีชาวเยอรมัน Wilhelm Müller ในแต่ละเพลงจะรวมกันเป็นหนึ่งพล็อต เพลงของวงจร "The Beautiful Miller's Woman" เล่าเกี่ยวกับเด็กหนุ่ม ตามกระแสน้ำ เขาออกเดินทางเพื่อแสวงหาความสุข เพลงส่วนใหญ่ของรอบนี้สดใส อารมณ์ของวงจร "Winter Way" แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ชายหนุ่มที่ยากจนถูกเจ้าสาวที่ร่ำรวยปฏิเสธ ด้วยความสิ้นหวัง เขาออกจากเมืองบ้านเกิดและเดินทางไปทั่วโลก สหายของเขาคือลม พายุหิมะ อีกาที่ส่งเสียงคำรามอย่างน่ากลัว

ตัวอย่างบางส่วนที่ให้ไว้ที่นี่ช่วยให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับคุณลักษณะของการแต่งเพลงของชูเบิร์ตได้

ชูเบิร์ตชอบเขียน เพลงเปียโน. สำหรับเครื่องดนตรีชิ้นนี้ เขาเขียนผลงานจำนวนมาก เช่นเดียวกับเพลง งานเปียโนของเขาใกล้เคียงกับดนตรีในชีวิตประจำวันและเรียบง่ายและเข้าใจได้ง่าย แนวเพลงที่เขาชื่นชอบคือการเต้นรำ การเดินขบวน และในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต - อย่างกะทันหัน

วอลซ์และการเต้นรำอื่นๆ มักปรากฏบนลูกบอลของชูเบิร์ต ในการเดินเล่นในชนบท ที่นั่นพระองค์ทรงด้นสดและบันทึกไว้ที่บ้าน

หากเราเปรียบเทียบเปียโนของชูเบิร์ตกับเพลงของเขา เราจะพบความคล้ายคลึงกันมากมาย ประการแรก มันคือความไพเราะที่ไพเราะ ความสง่างาม การตีคู่กันอย่างมีสีสันของทั้งรายใหญ่และรายย่อย

ที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่ง ภาษาฝรั่งเศส นักแต่งเพลงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 Georges Bizet, ผู้สร้างการสร้างสรรค์อมตะสำหรับโรงละครดนตรี - โอเปร่า “คาร์เมน”และเพลงประกอบละครยอดเยี่ยมโดย Alphonse Daudet” Arlesian ”.

งานของ Bizet โดดเด่นด้วยความถูกต้องและความชัดเจนของความคิด ความแปลกใหม่ และความสดใหม่ของวิธีการแสดง ความสมบูรณ์และความสง่างามของรูปแบบ Bizet โดดเด่นด้วยความคมชัดของการวิเคราะห์ทางจิตวิทยาในการทำความเข้าใจความรู้สึกและการกระทำของมนุษย์ซึ่งเป็นลักษณะของผลงานของเพื่อนร่วมชาติที่ยิ่งใหญ่ของนักแต่งเพลง - นักเขียน Balzac, Flaubert, Maupassant ศูนย์กลางในผลงานของ Bizet ซึ่งมีหลากหลายแนวเพลงเป็นของโอเปร่า ศิลปะโอเปร่าของนักแต่งเพลงเกิดขึ้นบนดินแห่งชาติและได้รับการเลี้ยงดูจากประเพณีของบ้านโอเปร่าฝรั่งเศส Bizet พิจารณางานแรกในงานของเขาที่จะเอาชนะข้อ จำกัด ด้านประเภทที่มีอยู่ในโอเปร่าฝรั่งเศสซึ่งขัดขวางการพัฒนา โอเปร่า "ใหญ่" ดูเหมือนจะเป็นประเภทที่ตายไปแล้ว โอเปร่าเนื้อเพลงทำให้หงุดหงิดด้วยความน้ำตาไหลและความใจแคบของชนชั้นนายทุนน้อย การ์ตูนสมควรได้รับความสนใจมากกว่าเรื่องอื่นๆ เป็นครั้งแรกในฉากโอเปร่าของ Bizet ความฉ่ำและมีชีวิตชีวาในประเทศและฉากมวลชนปรากฏขึ้นโดยคาดการณ์ว่าจะมีชีวิตและฉากที่สดใส

เพลงของ Bizet สำหรับละครของ Alphonse Daudet “อาร์เลเซียน” เป็นที่รู้จักกันดีสำหรับห้องแสดงคอนเสิร์ตสองห้องที่ประกอบด้วยตัวเลขที่ดีที่สุดของเธอ Bizet ใช้ท่วงทำนองโปรวองซ์แท้ๆ : “เดือนมีนาคมสามกษัตริย์”และ "การเต้นรำของม้าขี้เล่น".

โอเปร่าของ Bizet คาร์เมน” เป็นละครเพลงที่แสดงต่อหน้าผู้ชมด้วยความจริงที่น่าเชื่อถือและด้วยพลังทางศิลปะที่น่าดึงดูดใจ เรื่องราวของความรักและความตายของวีรบุรุษ: ทหารโฮเซ่และคาร์เมนยิปซี Opera Carmen ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของประเพณีของโรงละครดนตรีฝรั่งเศส แต่ในขณะเดียวกันก็มีการแนะนำสิ่งใหม่มากมาย จากความสำเร็จที่ดีที่สุดของโอเปร่าแห่งชาติและการปฏิรูปองค์ประกอบที่สำคัญที่สุด Bizet ได้สร้างประเภทใหม่ - ละครเพลงที่สมจริง

ในประวัติศาสตร์ของโรงละครโอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 19 โอเปร่าคาร์เมนครอบครองหนึ่งในสถานที่แรก ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2419 ขบวนพาเหรดชัยชนะของเธอเริ่มขึ้นในขั้นตอนของโรงละครโอเปร่าของเวียนนาบรัสเซลส์และลอนดอน

การแสดงของความสัมพันธ์ส่วนตัวกับสิ่งแวดล้อมนั้นแสดงออกโดยกวีและนักดนตรี ประการแรก ด้วยความฉับไว "การเปิดกว้าง" ทางอารมณ์ และความหลงใหลในการแสดงออก ด้วยความพยายามที่จะโน้มน้าวผู้ฟังด้วยความช่วยเหลือจากน้ำเสียงที่เข้มข้นไม่หยุดหย่อน การรับรู้หรือสารภาพ

กระแสศิลปะใหม่เหล่านี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการเกิดขึ้น บทกวีโอเปร่า. มันเกิดขึ้นเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามของ "แกรนด์" และโอเปร่าการ์ตูน แต่ไม่สามารถผ่านชัยชนะและความสำเร็จของพวกเขาในด้านการแสดงละครโอเปร่าและวิธีการแสดงออกทางดนตรี

คุณลักษณะที่โดดเด่นของประเภทโอเปร่าใหม่คือการตีความเชิงโคลงสั้น ๆ ของโครงเรื่องวรรณกรรมใด ๆ - ในรูปแบบประวัติศาสตร์ปรัชญาหรือสมัยใหม่ วีรบุรุษของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ มีคุณสมบัติของคนธรรมดาปราศจากความพิเศษและการพูดเกินจริงซึ่งเป็นลักษณะของโอเปร่าโรแมนติก ศิลปินที่สำคัญที่สุดในด้านการประพันธ์เนื้อร้องคือ ชาร์ลส์ กูน็อด.

ในบรรดามรดกทางโอเปร่าที่ค่อนข้างมากมายของ Gounod โอเปร่า " เฟาสท์"ตรงบริเวณพิเศษและอาจกล่าวได้ว่าเป็นสถานที่พิเศษ ชื่อเสียงและความนิยมไปทั่วโลกของเธอนั้นไม่มีใครเทียบได้กับโอเปร่าเรื่องอื่นๆ ของกูน็อด ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของโอเปร่าเฟาสท์นั้นยิ่งใหญ่เป็นพิเศษเพราะไม่เพียง แต่ดีที่สุดเท่านั้น แต่ในสาระสำคัญเป็นครั้งแรกในบรรดาโอเปร่าของทิศทางใหม่ซึ่งไชคอฟสกีเขียนว่า:“ เป็นไปไม่ได้ที่จะปฏิเสธว่าเฟาสท์ถูกเขียนขึ้นถ้าไม่ใช่ด้วย อัจฉริยะแล้วมีทักษะพิเศษและไม่มีตัวตนที่สำคัญ” ในภาพของเฟาสท์ ความไม่สอดคล้องกันที่คมชัดและ "การแยกส่วน" ของจิตสำนึกของเขา ความไม่พอใจชั่วนิรันดร์ที่เกิดจากความปรารถนาที่จะรู้จักโลกจะเรียบขึ้น Gounod ไม่สามารถถ่ายทอดความเก่งกาจและความซับซ้อนของภาพลักษณ์ของหัวหน้าปีศาจของเกอเธ่ซึ่งรวบรวมจิตวิญญาณแห่งการวิพากษ์วิจารณ์สงครามในยุคนั้น

เหตุผลหลักประการหนึ่งสำหรับความนิยมของ "เฟาสต์" ก็คือมันได้รวมเอาคุณสมบัติใหม่ที่ดีที่สุดและเป็นพื้นฐานของประเภทของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ รุ่นใหม่: การถ่ายโอนโดยตรงทางอารมณ์และชัดเจนของโลกภายในของตัวละครโอเปร่า ความหมายเชิงปรัชญาที่ลึกซึ้งของเฟาสท์ของเกอเธ่ ซึ่งพยายามเปิดเผยชะตากรรมทางประวัติศาสตร์และสังคมของมวลมนุษยชาติในตัวอย่างความขัดแย้งของตัวละครหลัก โกน็อดเป็นตัวเป็นตนในรูปแบบของละครโคลงสั้นที่มีมนุษยธรรมของมาร์เกอริตและเฟาสท์

นักแต่งเพลง วาทยกร นักวิจารณ์เพลงชาวฝรั่งเศส เฮคเตอร์ แบร์ลิออซเข้าสู่ประวัติศาสตร์ของดนตรีในฐานะนักประพันธ์เพลงโรแมนติกที่ใหญ่ที่สุด ผู้สร้างรายการซิมโฟนี ผู้ริเริ่มในด้านรูปแบบดนตรี ความกลมกลืน และโดยเฉพาะอย่างยิ่งเครื่องมือวัด ในงานของเขา พวกเขาพบรูปลักษณ์ที่ชัดเจนของคุณลักษณะที่น่าสมเพชของการปฏิวัติและความกล้าหาญ Berlioz คุ้นเคยกับ M. Glinka ซึ่งเขาชื่นชมดนตรีเป็นอย่างมาก เขาเป็นมิตรกับผู้นำของ "กำมืออันทรงพลัง" ซึ่งยอมรับงานเขียนและหลักการสร้างสรรค์ของเขาอย่างกระตือรือร้น

ทรงสร้างสรรค์ผลงานละครเวที 5 เรื่อง ได้แก่ โอเปร่า “ เบนเวนูโต ซิลลินี ”(1838), “ โทรจัน ”,”เบียทริซและเบเนดิกต์(อิงจากหนังตลกของเช็คสเปียร์ Much Ado About Nothing, 1862); ผลงานเสียงร้องและไพเราะ 23 เรื่อง, เรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ 31 เรื่อง, คณะนักร้องประสานเสียง เขาเขียนหนังสือเรื่อง “Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration” (1844), “Evenings in the Orchestra” (1853), “Through Songs” (1862), “Musical Curiosities” ( 1859), “ความทรงจำ” (1870), บทความ, บทวิจารณ์

Deutsch นักแต่งเพลง, วาทยกร, นักเขียนบทละคร, นักประชาสัมพันธ์ Richard Wagnerเข้าสู่ประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมดนตรีโลกในฐานะหนึ่งในผู้สร้างดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและนักปฏิรูปศิลปะโอเปร่ารายใหญ่ เป้าหมายของการปฏิรูปของเขาคือการสร้างงานร้องเพลงประสานเสียงเชิงโปรแกรมที่ยิ่งใหญ่ในรูปแบบที่น่าทึ่ง ออกแบบมาเพื่อแทนที่โอเปร่าและดนตรีไพเราะทุกประเภท งานดังกล่าวเป็นละครเพลงซึ่งดนตรีไหลเป็นกระแสต่อเนื่อง ผสมผสานความเชื่อมโยงอันน่าทึ่งทั้งหมดเข้าด้วยกัน วากเนอร์ปฏิเสธการร้องเพลงที่เสร็จสิ้น แว็กเนอร์แทนที่พวกเขาด้วยบทสวดที่เปี่ยมด้วยอารมณ์ สถานที่ขนาดใหญ่ในโอเปร่าของ Wagner ถูกครอบครองโดยตอนของวงออร์เคสตราอิสระ ซึ่งเป็นผลงานที่มีคุณค่าต่อดนตรีไพเราะระดับโลก

มือของแว็กเนอร์เป็นของโอเปร่า 13 ตัว:“ The Flying Dutchman”(1843),”Tannhäuser”(1845),“Tristan and Isolde”(1865), “Gold of the Rhine”(1869)และอื่น ๆ.; นักร้องประสานเสียง เปียโน โรแมนติก

นักแต่งเพลง วาทยกร นักเปียโน ครู และนักดนตรีชาวเยอรมันที่โดดเด่นอีกคนหนึ่งคือ เฟลิกซ์ เมนเดลโซห์น-บาร์โธลดี. ตั้งแต่อายุ 9 ขวบเขาเริ่มแสดงเป็นนักเปียโนตอนอายุ 17 เขาได้สร้างผลงานชิ้นเอกชิ้นหนึ่ง - ทาบทามให้เป็นเรื่องตลก " ค เขาอยู่ในคืนฤดูร้อน"เช็คสเปียร์ ในปี ค.ศ. 1843 เขาได้ก่อตั้งเรือนกระจกแห่งแรกในเยอรมนีในเมืองไลพ์ซิก ในผลงานของ Mendelssohn "ความคลาสสิกท่ามกลางคู่รัก" คุณลักษณะที่โรแมนติกผสมผสานกับระบบการคิดแบบคลาสสิก ดนตรีของเขาโดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่สดใส, การแสดงออกในระบอบประชาธิปไตย, ความพอประมาณของความรู้สึก, ความสงบของความคิด, ความเด่นของอารมณ์ที่สดใส, อารมณ์ที่ไพเราะ, ไม่ใช่โดยปราศจากการสัมผัสเล็กน้อยของอารมณ์ความรู้สึก, รูปแบบที่ไร้ที่ติ, ฝีมือที่ยอดเยี่ยม R. Schumann เรียกเขาว่า "Mozart of the 19th", G. Heine - "ปาฏิหาริย์ทางดนตรี"

ผู้เขียนแนวโรแมนติกซิมโฟนี (“สก๊อตแลนด์”, “อิตาลี”), รายการคอนเสิร์ตทาบทาม, คอนแชร์โตไวโอลินยอดนิยม, วงจรของชิ้นส่วนสำหรับเปียโนฟอร์เต "เพลงที่ไม่มีคำพูด"; โอเปร่า Camacho's Marriage เขาเขียนเพลงสำหรับละคร Antigone (1841), Oedipus in Colon (1845) โดย Sophocles, Atalia โดย Racine (1845), Shakespeare's A Midsummer Night's Dream (1843) และอื่น ๆ oratorios "พอล" (1836), "เอลียาห์" (1846); 2 คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและ 2 สำหรับไวโอลิน

ที่ ภาษาอิตาลีวัฒนธรรมดนตรีสถานที่พิเศษเป็นของ Giuseppe Verdi - นักแต่งเพลงที่โดดเด่นผู้ควบคุมวงออร์แกนิก งานหลักของ Verdi คือโอเปร่า เขาทำหน้าที่ส่วนใหญ่เป็นโฆษกของความรู้สึกที่กล้าหาญและความคิดการปลดปล่อยแห่งชาติของชาวอิตาลี ในปีต่อมา เขาให้ความสนใจกับความขัดแย้งอันน่าทึ่งที่เกิดจากความไม่เท่าเทียมกันทางสังคม ความรุนแรง การกดขี่ และการประณามความชั่วร้ายในโอเปร่าของเขา ลักษณะเฉพาะของงานของ Verdi: ดนตรีพื้นบ้าน, อารมณ์รุนแรง, ความสว่างไพเราะ, ความเข้าใจกฎของเวที

เขาเขียนโอเปร่า 26 เรื่อง: “ Nabucco”, “Macbeth”, “Troubadour”, “La Traviata”, “Othello”, “Aida”" และอื่น ๆ . , 20 โรมานซ์, แกนนำวงดนตรี .

หนุ่มสาว ภาษานอร์เวย์ นักแต่งเพลง เอ็ดวาร์ด กรีก (ค.ศ. 1843-1907)มุ่งหวังที่จะพัฒนาดนตรีชาติ สิ่งนี้แสดงออกไม่เพียง แต่ในงานของเขา แต่ยังรวมถึงการส่งเสริมดนตรีนอร์เวย์ด้วย

ในช่วงหลายปีของเขาในโคเปนเฮเกน Grieg ได้เขียนเพลงมากมาย: “ ภาพกวี”และ "อารมณ์ขัน",โซนาต้าสำหรับเปียโนและโซนาต้าไวโอลินตัวแรกเพลง ผลงานใหม่แต่ละชิ้นทำให้ภาพลักษณ์ของ Grieg ในฐานะนักแต่งเพลงชาวนอร์เวย์ปรากฏชัดเจนยิ่งขึ้น ใน "Poetic Pictures" ที่ไพเราะเล็กน้อย (1863) คุณสมบัติระดับชาติยังคงบุกรุกผ่าน จังหวะนี้มักพบในดนตรีพื้นบ้านของนอร์เวย์ มันกลายเป็นลักษณะเฉพาะของท่วงทำนองของ Grieg มากมาย

งานของ Grieg นั้นกว้างใหญ่และหลากหลาย Grieg เขียนผลงานประเภทต่างๆ เปียโนคอนแชร์โต้และบัลลาด สามโซนาตาสำหรับไวโอลินและเปียโน และโซนาตาสำหรับเชลโลและเปียโน วงทั้งสี่เป็นพยานถึงความปรารถนาอย่างต่อเนื่องของ Grieg สำหรับรูปร่างขนาดใหญ่ ในเวลาเดียวกัน ความสนใจของผู้แต่งในเครื่องดนตรีจิ๋วยังคงไม่เปลี่ยนแปลง ในระดับเดียวกับเปียโนนักแต่งเพลงได้รับความสนใจจากหอการค้าจิ๋ว - โรแมนติกเพลง อย่าเป็นหลักที่มี Grieg, Field of Symphonic Creativity ถูกทำเครื่องหมายด้วยผลงานชิ้นเอกเช่นห้องสวีท " ต่อ กูน็อด ”, “ตั้งแต่สมัยโฮลเบิร์ก". ลักษณะเฉพาะอย่างหนึ่งของงานของ Grieg คือการประมวลผลเพลงพื้นบ้านและการเต้นรำ: ในรูปแบบของเปียโนธรรมดา วงจรสวีทสำหรับเปียโนสี่มือ

ภาษาดนตรีของ Grieg เป็นต้นฉบับที่สดใส ความแตกต่างของสไตล์นักแต่งเพลงส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยการเชื่อมต่อที่ลึกซึ้งของเขากับดนตรีพื้นบ้านนอร์เวย์ Grieg ใช้ประโยชน์จากคุณสมบัติประเภทอย่างกว้างขวางโครงสร้างน้ำเสียงสูตรจังหวะของเพลงพื้นบ้านและท่วงทำนองการเต้นรำ

ความเชี่ยวชาญที่โดดเด่นของ Grieg ในการพัฒนาทำนองเพลงที่แปรผันและแปรผันนั้นมีรากฐานมาจากประเพณีพื้นบ้านของการทำซ้ำท่วงทำนองซ้ำ ๆ ด้วยการเปลี่ยนแปลง “ฉันบันทึกเพลงลูกทุ่งในประเทศของฉัน” เบื้องหลังคำพูดเหล่านี้คือทัศนคติที่เคารพนับถือของ Grieg ต่อศิลปะพื้นบ้านและการยอมรับบทบาทชี้ขาดของความคิดสร้างสรรค์ของเขาเอง

7. บทสรุป

จากข้อมูลข้างต้นสามารถสรุปได้ดังต่อไปนี้:

การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกได้รับอิทธิพลจากเหตุการณ์หลักสามเหตุการณ์: การปฏิวัติฝรั่งเศส สงครามนโปเลียน การเกิดขึ้นของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติในยุโรป

ยวนใจเป็นวิธีการและทิศทางในวัฒนธรรมศิลปะเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและเป็นที่ถกเถียงกัน ในทุกประเทศเขามีการแสดงออกระดับชาติที่สดใส โรแมนติกครอบครองตำแหน่งทางสังคมและการเมืองต่างๆในสังคม พวกเขาทั้งหมดกบฏต่อผลลัพธ์ของการปฏิวัติชนชั้นนายทุน แต่พวกเขากลับก่อกบฏในรูปแบบต่างๆ เนื่องจากแต่ละคนมีอุดมคติของตนเอง แต่ด้วยใบหน้าและความหลากหลายที่หลากหลาย ความโรแมนติกจึงมีลักษณะที่มั่นคง:

ทั้งหมดมาจากการปฏิเสธการตรัสรู้และศีลที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิคซึ่งผูกมัดความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของศิลปิน

พวกเขาค้นพบหลักการของลัทธิประวัติศาสตร์ (ผู้รู้แจ้งตัดสินว่าอดีตต่อต้านประวัติศาสตร์สำหรับพวกเขาว่า "มีเหตุผล" และ "ไม่มีเหตุผล") เราเห็นตัวละครมนุษย์ในอดีต หล่อหลอมตามเวลาของพวกเขา ความสนใจในอดีตชาติก่อให้เกิดผลงานทางประวัติศาสตร์จำนวนมาก

ความสนใจในบุคลิกที่แข็งแกร่งที่ต่อต้านตัวเองกับโลกทั้งใบรอบตัวเขาและพึ่งพาตัวเองเท่านั้น

ให้ความสนใจกับโลกภายในของมนุษย์

แนวโรแมนติกได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางทั้งในประเทศยุโรปตะวันตกและในรัสเซีย อย่างไรก็ตาม แนวโรแมนติกในรัสเซียแตกต่างจากยุโรปตะวันตกโดยชอบสถานที่ทางประวัติศาสตร์และประเพณีวัฒนธรรมที่แตกต่างกัน เหตุผลที่แท้จริงสำหรับการเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกในรัสเซียคือสงครามรักชาติในปี ค.ศ. 1812 ซึ่งแสดงพลังของการริเริ่มที่เป็นที่นิยมทั้งหมด

คุณสมบัติของแนวโรแมนติกของรัสเซีย:

แนวโรแมนติกไม่ได้ต่อต้านการตรัสรู้ อุดมการณ์การตรัสรู้อ่อนแอลง แต่ก็ไม่ล่มสลายเหมือนในยุโรป อุดมคติของราชาผู้รู้แจ้งยังไม่หมดสิ้นไป

แนวจินตนิยมพัฒนาควบคู่ไปกับความคลาสสิคซึ่งมักจะเกี่ยวพันกับมัน

ยวนใจในรัสเซียแสดงออกในรูปแบบต่างๆในงานศิลปะประเภทต่างๆ ในสถาปัตยกรรมนั้นไม่ได้อ่านเลย ในภาพวาด มันแห้งไปกลางศตวรรษที่ 19 เขาปรากฏตัวเพียงบางส่วนในดนตรี บางทีความโรแมนติกในวรรณคดีเท่านั้นที่แสดงออกอย่างสม่ำเสมอ

ในทัศนศิลป์ ความโรแมนติกแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในการวาดภาพและกราฟิก ไม่แสดงออกอย่างชัดเจนในประติมากรรมและสถาปัตยกรรม

โรแมนติกเปิดโลกของจิตวิญญาณมนุษย์ ปัจเจก ไม่เหมือนใคร แต่จริงใจและใกล้เคียงกับวิสัยทัศน์ที่เย้ายวนทั้งหมดของโลก ความรวดเร็วของภาพในการวาดภาพ ดังที่ Delacroix กล่าวและไม่ใช่ความสม่ำเสมอในการแสดงทางวรรณกรรม ได้กำหนดจุดสนใจของศิลปินในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนที่สุด เพื่อหาแนวทางแก้ไขที่เป็นทางการและสีสันใหม่ ๆ ยวนใจทิ้งมรดกไว้ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX ปัญหาทั้งหมดเหล่านี้และความเป็นเอกเทศทางศิลปะได้รับการปลดปล่อยจากกฎเกณฑ์ของนักวิชาการ สัญลักษณ์ซึ่งในหมู่ชาวโรแมนติกควรจะแสดงถึงการผสมผสานที่สำคัญของความคิดและชีวิตในงานศิลปะของครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 หลอมรวมเข้ากับภาพศิลปะ จับภาพความคิดที่หลากหลายและโลกรอบข้าง ยวนใจในการวาดภาพมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับอารมณ์อ่อนไหว

ขอบคุณแนวโรแมนติกวิสัยทัศน์ส่วนตัวของศิลปินอยู่ในรูปแบบของกฎหมาย อิมเพรสชั่นนิสม์จะทำลายกำแพงกั้นระหว่างศิลปินกับธรรมชาติโดยสมบูรณ์ โดยประกาศว่าศิลปะคือความประทับใจ โรแมนติกพูดถึงจินตนาการของศิลปิน "เสียงแห่งความรู้สึกของเขา" ซึ่งทำให้เขาหยุดงานเมื่ออาจารย์เห็นว่าจำเป็นและไม่จำเป็นตามมาตรฐานการศึกษาที่สมบูรณ์

ยวนใจทิ้งยุคทั้งโลกในวัฒนธรรมศิลปะโลกตัวแทนคือ: ในวรรณคดีรัสเซีย Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov และคนอื่น ๆ ; ในวิจิตรศิลป์ E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin และคนอื่น ๆ ; ในเพลงของ F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin และคนอื่น ๆ พวกเขาค้นพบและพัฒนาแนวเพลงใหม่ให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับชะตากรรมของบุคลิกภาพของมนุษย์เผยให้เห็น ภาษาถิ่นของความดีและความชั่ว เปิดเผยกิเลสตัณหาของมนุษย์อย่างเชี่ยวชาญ ฯลฯ

รูปแบบศิลปะมีความเท่าเทียมกันในความสำคัญและก่อให้เกิดผลงานศิลปะที่งดงาม แม้ว่าความโรแมนติกจะให้ความสำคัญกับดนตรีในขั้นบันไดของศิลปะ

แนวจินตนิยมในฐานะโลกทัศน์มีอยู่ในรัสเซียในช่วงคลื่นลูกแรกตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 จนถึงช่วงทศวรรษ 1850 แนวโรแมนติกในศิลปะรัสเซียไม่ได้หยุดลงในช่วงทศวรรษ 1850 ธีมของความเป็นอยู่ซึ่งค้นพบโดย Romantics for art ได้รับการพัฒนาโดยศิลปินของ Blue Rose ทายาทสายตรงของ Romantics คือ Symbolists อย่างไม่ต้องสงสัย ธีมโรแมนติก, ลวดลาย, อุปกรณ์แสดงอารมณ์เข้าสู่ศิลปะของสไตล์, ทิศทาง, ความสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์ โลกทัศน์ที่โรแมนติกหรือโลกทัศน์กลายเป็นสิ่งที่มีชีวิตชีวา หวงแหน และมีผลมากที่สุด

ความโรแมนติกในฐานะทัศนคติทั่วไปลักษณะส่วนใหญ่ของคนหนุ่มสาวเป็นความปรารถนาในอิสรภาพในอุดมคติและสร้างสรรค์ยังคงอาศัยอยู่ในศิลปะโลกอยู่ตลอดเวลา

8. ข้อมูลอ้างอิง

1. Amminskaya A.M. Alexey Gavrilovich Vnetsianov - M: ความรู้, 1980

2. Atsarkina E.N. Alexander Osipovich Orlovsky - M: Art, 1971

3. เบลินสกี้ วี.จี. ผลงาน. ก. พุชกิน. - ม: 1976.

4. สารานุกรมโซเวียตที่ยิ่งใหญ่ (หัวหน้าบรรณาธิการ Prokhorov A.M. )- M: สารานุกรมโซเวียต, 1977

5. Vainkop Yu., Gusin I. พจนานุกรมชีวประวัติโดยย่อของนักแต่งเพลง - L: ดนตรี, 1983

6. Vasily Andreevich Tropiin (ภายใต้กองบรรณาธิการของ M.M. Rakovskaya). - M: ทัศนศิลป์ 2525

7. Vorotnikov A.A. , Gorshkovoz O.D. , Yorkina O.A. ประวัติศาสตร์ศิลปะ. - MN: วรรณกรรม, 1997

8. ซีเมนโก้ วี. Alexander Osipovich Orlovsky -- M: สำนักพิมพ์แห่งรัฐวิจิตรศิลป์, 2494.

9. Ivanov S.V. M.Yu.Lermontov. ชีวิตและการสร้าง - ม: 1989.

10. วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ (ภายใต้บรรณาธิการของ B. Levik)- M: ดนตรี, 1984

11. Nekrasova E.A. เทิร์นเนอร์. -- ม: วิจิตรศิลป์, 2519.

12. Ozhegov S.I. พจนานุกรมภาษารัสเซีย - M: สำนักพิมพ์แห่งพจนานุกรมต่างประเทศและรัสเซีย พ.ศ. 2496

13. ออร์โลวา เอ็ม เจ. ตำรวจ. -- ม: ศิลปะ 2489.

14. ศิลปินรัสเซีย เอ.จี. เวเนเซียนอฟ - ม: สำนักพิมพ์รัฐวิจิตรศิลป์, 2506.

15. Sokolov A.N. ประวัติความเป็นมาของวรรณคดีรัสเซียในศตวรรษที่ 19 (ครึ่งแรก) - ม: โรงเรียนมัธยม, 2519.

16. Turchin V.S. โอเรสต์ คิเพรนสกี้ -- ม: ความรู้, 1982.

17. Turchin V.S. ธีโอดอร์ เจริโคต์. -- ม: ทัศนศิลป์ พ.ศ. 2525

18. Filimonova S.V. ประวัติความเป็นมาของวัฒนธรรมศิลปะโลก- Mozyr: White Wind, 1997

แนวโรแมนติกเป็นกระแสในการวาดภาพเกิดขึ้นในยุโรปตะวันตกเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 ลัทธิจินตนิยมถึงจุดสูงสุดในงานศิลปะของประเทศยุโรปตะวันตกส่วนใหญ่ในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 1930 ศตวรรษที่ 19.

คำว่า "โรแมนติก" นั้นมีต้นกำเนิดมาจากคำว่า "นวนิยาย" (ในศตวรรษที่ 17 งานวรรณกรรมที่เขียนไม่ใช่ภาษาละติน แต่ในภาษาที่ได้มาจากมัน - ฝรั่งเศสอังกฤษ ฯลฯ ) เรียกว่านวนิยาย ต่อมาทุกสิ่งที่เข้าใจยากและลึกลับเริ่มถูกเรียกว่าโรแมนติก

ในฐานะปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรม ความโรแมนติกเกิดขึ้นจากโลกทัศน์พิเศษที่เกิดจากการปฏิวัติฝรั่งเศส เมื่อไม่แยแสกับอุดมคติแห่งการตรัสรู้ คนโรแมนติกที่มุ่งมั่นเพื่อความกลมกลืนและสมบูรณ์ ได้สร้างอุดมคติด้านสุนทรียะและคุณค่าทางศิลปะใหม่ เป้าหมายหลักของความสนใจคือตัวละครที่โดดเด่นซึ่งมีประสบการณ์และความปรารถนาในอิสรภาพ ฮีโร่ของงานโรแมนติกคือบุคคลที่โดดเด่นซึ่งตามเจตจำนงแห่งโชคชะตาพบว่าตัวเองอยู่ในสถานการณ์ชีวิตที่ยากลำบาก

แม้ว่าแนวโรแมนติกจะเกิดขึ้นเพื่อประท้วงศิลปะของลัทธิคลาสสิค แต่ก็ใกล้เคียงกันในหลาย ๆ ด้าน โรแมนติกเป็นส่วนหนึ่งของความคลาสสิคเช่น N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres

ความโรแมนติกถูกนำมาใช้ในการวาดภาพลักษณะประจำชาติดั้งเดิมนั่นคือสิ่งที่ขาดหายไปในศิลปะของนักคลาสสิก
ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของแนวโรแมนติกของฝรั่งเศสคือ T. Gericault

Theodore Géricault

Theodore Gericault จิตรกร ประติมากร และกราฟิกชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ เกิดในปี 1791 ในเมือง Rouen ในครอบครัวที่ร่ำรวย ความสามารถของศิลปินแสดงออกในตัวเขาค่อนข้างเร็ว บ่อยครั้ง แทนที่จะไปเรียนที่โรงเรียน Géricault นั่งอยู่ในคอกม้าและขี่ม้า ถึงอย่างนั้น เขาไม่เพียงแต่พยายามถ่ายทอดลักษณะภายนอกของสัตว์ไปยังกระดาษเท่านั้น แต่ยังต้องการถ่ายทอดอารมณ์และอุปนิสัยของพวกมันด้วย

หลังจากจบการศึกษาจาก Lyceum ในปี 1808 Géricault ได้กลายเป็นนักเรียนของ Carl Vernet จิตรกรชื่อดังในขณะนั้น ซึ่งมีชื่อเสียงในด้านความสามารถในการวาดภาพม้าบนผ้าใบ อย่างไรก็ตามศิลปินหนุ่มไม่ชอบสไตล์ของ Vernet ในไม่ช้าเขาก็ออกจากการประชุมเชิงปฏิบัติการและไปเรียนกับจิตรกรที่มีพรสวรรค์ไม่น้อยไปกว่า Vernet, P. N. Guerin ในขณะที่เรียนกับศิลปินชื่อดังสองคน Gericault ยังคงไม่สานต่อประเพณีการวาดภาพ J.A. Gros และ J.L. David น่าจะเป็นครูที่แท้จริงของเขา

งานแรกของ Gericault มีความโดดเด่นด้วยความจริงที่ว่าพวกเขามีความใกล้ชิดกับชีวิตมากที่สุด ภาพวาดดังกล่าวมีความหมายผิดปกติและน่าสมเพช พวกเขาแสดงอารมณ์ที่กระตือรือร้นของผู้เขียนเมื่อประเมินโลกรอบตัวเขา ตัวอย่างคือภาพวาดที่เรียกว่า “เจ้าหน้าที่ของ Imperial Horse Rangers ระหว่างการโจมตี” ซึ่งสร้างขึ้นในปี 1812 ผืนผ้าใบนี้ถูกพบเห็นครั้งแรกโดยผู้เข้าชม Paris Salon พวกเขายอมรับผลงานของศิลปินรุ่นเยาว์ด้วยความชื่นชมชื่นชมในความสามารถของนายน้อย

งานนี้สร้างขึ้นในช่วงเวลานั้นของประวัติศาสตร์ฝรั่งเศส เมื่อนโปเลียนอยู่ในจุดสุดยอดแห่งความรุ่งโรจน์ของเขา ผู้ร่วมสมัยยกย่องเขาจักรพรรดิผู้ยิ่งใหญ่ที่สามารถพิชิตยุโรปส่วนใหญ่ได้ ด้วยอารมณ์เช่นนี้ภายใต้ความประทับใจของชัยชนะของกองทัพนโปเลียนที่วาดภาพ ผืนผ้าใบแสดงให้เห็นว่าทหารควบม้าบนม้า ใบหน้าของเขาแสดงถึงความมุ่งมั่น ความกล้าหาญ และความกล้าหาญในการเผชิญกับความตาย องค์ประกอบทั้งหมด
แบบไดนามิกและอารมณ์ผิดปกติ ผู้ชมรู้สึกว่าตัวเขาเองกลายเป็นผู้มีส่วนร่วมอย่างแท้จริงในเหตุการณ์ที่ปรากฎบนผืนผ้าใบ

ร่างของทหารผู้กล้าหาญจะปรากฏในผลงานของ Géricault มากกว่าหนึ่งครั้ง ในบรรดาภาพดังกล่าว สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือวีรบุรุษของภาพเขียน "Officer of the Carabinieri", "Officer of the Cuirassier before the attack", "Portrait of a Carabinieri", "Wounded Cuirassier" ซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2355-1814 ผลงานชิ้นสุดท้ายมีความโดดเด่นตรงที่มันถูกนำเสนอในนิทรรศการครั้งต่อไปที่จัดขึ้นที่ Salon ในปีเดียวกัน อย่างไรก็ตามนี่ไม่ใช่ข้อได้เปรียบหลักขององค์ประกอบ ที่สำคัญกว่านั้น มันแสดงให้เห็นการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในสไตล์การสร้างสรรค์ของศิลปิน หากความรู้สึกรักชาติที่จริงใจสะท้อนให้เห็นในภาพแรกของเขา แล้วในผลงานย้อนหลังไปถึงปี 1814 ความน่าสมเพชในการพรรณนาถึงวีรบุรุษก็ถูกแทนที่ด้วยละคร

การเปลี่ยนแปลงอารมณ์ของศิลปินที่คล้ายคลึงกันนั้นเกี่ยวข้องกับเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในเวลานั้นในฝรั่งเศสอีกครั้ง ในปี ค.ศ. 1812 นโปเลียนพ่ายแพ้ในรัสเซียโดยเกี่ยวข้องกับการที่เขาซึ่งเคยเป็นวีรบุรุษที่เก่งกาจได้รับเกียรติจากผู้นำทางทหารที่ไม่ประสบความสำเร็จและชายผู้หยิ่งผยองจากโคตรของเขา Géricault รวบรวมความผิดหวังของเขาไว้ในอุดมคติในภาพวาด "The Wounded Cuirassier" บนผืนผ้าใบแสดงให้เห็นนักรบที่ได้รับบาดเจ็บซึ่งพยายามจะออกจากสนามรบโดยเร็วที่สุด เขาพิงกระบี่ - อาวุธที่บางทีเมื่อไม่กี่นาทีก่อนเขาถือมันไว้สูง

มันเป็นความไม่พอใจของ Géricault ต่อนโยบายของนโปเลียนที่บงการของเขาในการเข้ารับราชการของ Louis XVIII ซึ่งขึ้นครองบัลลังก์ฝรั่งเศสในปี 1814 ความจริงที่ว่าหลังจากการยึดอำนาจครั้งที่สองในฝรั่งเศสโดยนโปเลียน (สมัยร้อยวัน) ศิลปินหนุ่มออกจากเขา ประเทศบ้านเกิดร่วมกับ Bourbons แต่ที่นี่เช่นกันความผิดหวังรอเขาอยู่เช่นกัน ชายหนุ่มไม่สามารถดูได้อย่างสงบว่ากษัตริย์ทำลายทุกสิ่งที่ทำได้ในสมัยของนโปเลียนอย่างไร นอกจากนี้ ภายใต้พระเจ้าหลุยส์ที่ 18 ปฏิกิริยาศักดินา-คาทอลิกทวีความรุนแรงขึ้น ประเทศกลับคืนสู่สภาพเดิมอย่างรวดเร็วและเร็วขึ้น สิ่งนี้ไม่สามารถยอมรับได้โดยคนหนุ่มสาวที่มีความคิดแบบก้าวหน้า ในไม่ช้า ชายหนุ่มผู้สูญเสียศรัทธาในอุดมคติของเขา ออกจากกองทัพที่นำโดยหลุยส์ที่ 18 และหยิบพู่กันและระบายสีอีกครั้ง ปีเหล่านี้ไม่สามารถเรียกได้ว่าสดใสและไม่มีอะไรโดดเด่นในผลงานของศิลปิน

ในปี 1816 Gericault เดินทางไปอิตาลี เมื่อได้ไปเยือนกรุงโรมและฟลอเรนซ์และได้ศึกษาผลงานชิ้นเอกของปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงแล้ว ศิลปินก็ชื่นชอบภาพวาดที่เป็นอนุสรณ์ จิตรกรรมฝาผนังของ Michelangelo ซึ่งประดับประดาโบสถ์ Sistine โดยเฉพาะอย่างยิ่งดึงดูดความสนใจของเขา ในเวลานี้ ผลงานต่างๆ ถูกสร้างขึ้นโดย Géricault ในขนาดและความสง่างาม ในหลาย ๆ ด้านที่ชวนให้นึกถึงผืนผ้าใบของจิตรกรยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูง ในหมู่พวกเขา สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือ "The Abduction of the Nymph by the Centaur" และ "The Man Throwing the Bull"

ลักษณะแบบเดียวกันของปรมาจารย์ผู้เฒ่ายังปรากฏให้เห็นในภาพวาด "การวิ่งของม้าอิสระในกรุงโรม" ซึ่งวาดเมื่อราวปี พ.ศ. 2360 และเป็นตัวแทนของการแข่งขันของพลม้าที่หนึ่งในงานคาร์นิวัลที่จัดขึ้นในกรุงโรม คุณลักษณะขององค์ประกอบนี้คือศิลปินรวบรวมจากภาพวาดธรรมชาติที่ทำไว้ก่อนหน้านี้ นอกจากนี้ ลักษณะของภาพสเก็ตช์ยังแตกต่างไปจากสไตล์ของงานทั้งหมดอย่างชัดเจน หากอดีตเป็นฉากที่อธิบายชีวิตของชาวโรมัน - ผู้ร่วมสมัยของศิลปินแล้วในองค์ประกอบโดยรวมจะมีภาพของวีรบุรุษโบราณผู้กล้าหาญราวกับว่าพวกเขาออกมาจากเรื่องเล่าโบราณ ในเรื่องนี้ Gericault เดินตามเส้นทางของ J. L. David ผู้ซึ่งสวมชุดฮีโร่ของเขาในรูปแบบโบราณเพื่อให้ภาพลักษณ์ของวีรบุรุษที่น่าสมเพช

ไม่นานหลังจากวาดภาพนี้ Gericault กลับมายังฝรั่งเศส ที่ซึ่งเขากลายเป็นสมาชิกของกลุ่มต่อต้านที่ก่อตัวขึ้นรอบๆ Horace Vernet จิตรกร เมื่อมาถึงปารีส ศิลปินสนใจงานกราฟิกเป็นพิเศษ ในปี ค.ศ. 1818 เขาได้สร้างชุดภาพพิมพ์หินในธีมทางการทหาร ซึ่งที่สำคัญที่สุดคือ "การกลับมาจากรัสเซีย" ภาพพิมพ์หินแสดงถึงทหารที่พ่ายแพ้ของกองทัพฝรั่งเศสที่เดินผ่านทุ่งที่ปกคลุมไปด้วยหิมะ ร่างของคนง่อยและอ่อนล้าจากสงครามถูกพรรณนาในรูปแบบที่เหมือนจริงและเป็นความจริง ไม่มีสิ่งที่น่าสมเพชและวีรบุรุษที่น่าสมเพชในการจัดองค์ประกอบ ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับงานแรกของ Gericault ศิลปินพยายามที่จะสะท้อนสภาพที่แท้จริงของสิ่งต่าง ๆ ภัยพิบัติทั้งหมดที่ทหารฝรั่งเศสทิ้งโดยผู้บัญชาการของพวกเขาต้องทนในต่างแดน

ในงาน "กลับมาจากรัสเซีย" เป็นครั้งแรกที่ได้ยินหัวข้อการต่อสู้กับความตายของมนุษย์ อย่างไรก็ตาม แรงจูงใจนี้ยังไม่แสดงออกอย่างชัดเจนเหมือนในผลงานช่วงหลังของ Géricault ตัวอย่างของผืนผ้าใบดังกล่าวอาจเป็นภาพวาดที่เรียกว่า "The Raft of the Medusa" เขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2362 และจัดแสดงที่ Paris Salon ในปีเดียวกัน ผืนผ้าใบแสดงให้เห็นผู้คนที่กำลังดิ้นรนกับธาตุน้ำที่บ้าคลั่ง ศิลปินไม่เพียงแสดงความทุกข์ทรมานและการทรมานเท่านั้น แต่ยังแสดงความปรารถนาที่จะได้รับชัยชนะในการต่อสู้กับความตายในทุกวิถีทาง

โครงเรื่องขององค์ประกอบถูกกำหนดโดยเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในฤดูร้อนปี 1816 และทำให้ฝรั่งเศสทั้งหมดตื่นเต้น เรือรบ "เมดูซ่า" ที่มีชื่อเสียงในขณะนั้นวิ่งเข้าไปในแนวปะการังและจมลงนอกชายฝั่งแอฟริกา จาก 149 คนที่อยู่บนเรือ มีเพียง 15 คนเท่านั้นที่สามารถหลบหนีได้ ในจำนวนนี้มีศัลยแพทย์ Savigny และวิศวกร Correard เมื่อมาถึงบ้านเกิด พวกเขาได้ตีพิมพ์หนังสือเล่มเล็กที่เล่าถึงการผจญภัยและการช่วยเหลืออย่างมีความสุข จากความทรงจำเหล่านี้ชาวฝรั่งเศสได้เรียนรู้ว่าความโชคร้ายเกิดขึ้นจากความผิดพลาดของกัปตันเรือที่ไม่มีประสบการณ์ซึ่งได้ขึ้นเรือด้วยความอุปถัมภ์ของเพื่อนผู้สูงศักดิ์

ภาพที่สร้างขึ้นโดย Gericault นั้นมีความไดนามิก เป็นพลาสติก และแสดงออกอย่างไม่ธรรมดา ซึ่งศิลปินได้บรรลุผ่านการทำงานที่ยาวนานและอุตสาหะ เพื่อถ่ายทอดเหตุการณ์เลวร้ายบนผืนผ้าใบอย่างแท้จริงเพื่อถ่ายทอดความรู้สึกของผู้คนที่กำลังจะตายในทะเลศิลปินได้พบกับผู้เห็นเหตุการณ์ของโศกนาฏกรรมเป็นเวลานานเขาศึกษาใบหน้าของผู้ป่วยผอมแห้งที่กำลังรับการรักษาในโรงพยาบาลแห่งหนึ่ง ในปารีสเช่นเดียวกับลูกเรือที่หลบหนีจากซากเรืออับปาง ในเวลานี้ จิตรกรได้สร้างผลงานภาพเหมือนจำนวนมาก

ทะเลที่โหมกระหน่ำยังเปี่ยมด้วยความหมายที่ลึกซึ้ง ราวกับพยายามกลืนแพไม้ที่เปราะบางไปพร้อมกับผู้คน ภาพนี้แสดงออกและมีพลังผิดปกติ มันเหมือนกับร่างของผู้คนที่ดึงมาจากธรรมชาติ: ศิลปินสร้างภาพร่างหลายภาพเกี่ยวกับทะเลในช่วงที่มีพายุ Gericault ทำงานเกี่ยวกับการจัดองค์ประกอบภาพที่ยิ่งใหญ่ซ้ำแล้วซ้ำเล่าไปยังภาพร่างที่เตรียมไว้ก่อนหน้านี้เพื่อสะท้อนธรรมชาติขององค์ประกอบต่างๆ อย่างเต็มที่ นั่นคือเหตุผลที่ภาพสร้างความประทับใจอย่างมากให้กับผู้ชม โน้มน้าวเขาถึงความสมจริงและความจริงของสิ่งที่เกิดขึ้น

"The Raft of the Medusa" นำเสนอ Géricault เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการจัดองค์ประกอบภาพที่โดดเด่น เป็นเวลานานที่ศิลปินคิดเกี่ยวกับวิธีการจัดเรียงตัวเลขในภาพเพื่อแสดงเจตนาของผู้เขียนอย่างเต็มที่ มีการเปลี่ยนแปลงหลายอย่างระหว่างการทำงาน ภาพสเก็ตช์ก่อนหน้าภาพวาดระบุว่าในขั้นต้น Gericault ต้องการพรรณนาการต่อสู้ของผู้คนบนแพด้วยกัน แต่ต่อมาก็ละทิ้งการตีความเหตุการณ์ดังกล่าว ในเวอร์ชันสุดท้าย ผืนผ้าใบแสดงถึงช่วงเวลาที่ผู้คนที่สิ้นหวังเห็นเรือ Argus อยู่ที่ขอบฟ้าและยื่นมือออกไป ภาพสุดท้ายที่เพิ่มเข้ามาคือร่างมนุษย์ที่วางไว้ด้านล่างทางด้านขวาของผืนผ้าใบ เธอคือผู้ที่สัมผัสสุดท้ายขององค์ประกอบซึ่งหลังจากนั้นก็กลายเป็นตัวละครที่น่าเศร้าอย่างสุดซึ้ง เป็นที่น่าสังเกตว่าการเปลี่ยนแปลงนี้เกิดขึ้นเมื่อมีการแสดงภาพวาดที่ซาลอนแล้ว

ด้วยความยิ่งใหญ่และอารมณ์ความรู้สึกที่เพิ่มขึ้น ภาพวาดของ Gericault ในหลาย ๆ ด้านชวนให้นึกถึงงานของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง (ส่วนใหญ่เป็น The Last Judgement ของ Michelangelo) ซึ่งศิลปินพบขณะเดินทางในอิตาลี

ภาพวาด "The Raft of the Medusa" ซึ่งกลายเป็นผลงานชิ้นเอกของภาพวาดฝรั่งเศส ประสบความสำเร็จอย่างมากในแวดวงฝ่ายค้าน ซึ่งมองว่าเป็นภาพสะท้อนของอุดมคติแห่งการปฏิวัติ ด้วยเหตุผลเดียวกัน งานนี้จึงไม่ได้รับการยอมรับในหมู่ขุนนางและตัวแทนอย่างเป็นทางการของวิจิตรศิลป์ของฝรั่งเศส นั่นคือเหตุผลที่รัฐไม่ได้ซื้อผ้าใบจากผู้เขียนในเวลานั้น

Gericault เดินทางไปอังกฤษด้วยความผิดหวังจากการต้อนรับที่มอบให้กับผลงานของเขาที่บ้าน ซึ่งเขานำเสนอผลงานที่เขาโปรดปรานต่อศาลของอังกฤษ ในลอนดอน ผู้ชื่นชอบศิลปะได้รับผืนผ้าใบที่มีชื่อเสียงด้วยความกระตือรือร้นอย่างมาก

Gericault เข้าหาศิลปินชาวอังกฤษที่ชนะใจเขาด้วยความสามารถในการพรรณนาความเป็นจริงอย่างจริงใจและตามความเป็นจริง Géricault อุทิศวงจรการพิมพ์หินให้กับชีวิตและชีวิตของเมืองหลวงของอังกฤษ ซึ่งผลงานเรื่อง “The Great English Suite” (1821) และ “The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery” (1821) เป็นผลงานของ ความสนใจมากที่สุด ในระยะหลัง ศิลปินวาดภาพคนจรจัดในลอนดอน ซึ่งสะท้อนถึงความประทับใจที่จิตรกรได้รับในกระบวนการศึกษาชีวิตของผู้คนในย่านชนชั้นแรงงานของเมือง

วัฏจักรเดียวกันนี้รวมถึงภาพพิมพ์หินเช่น "The Flanders Smith" และ "At the Gates of the Adelphin Shipyard" ซึ่งนำเสนอภาพชีวิตของคนธรรมดาในลอนดอนแก่ผู้ชม สิ่งที่น่าสนใจในงานเหล่านี้คือภาพม้าที่หนักและมีน้ำหนักเกิน พวกมันแตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากสัตว์ที่สง่างามและสง่างามที่วาดโดยศิลปินคนอื่น - โคตรของGéricault

เมื่ออยู่ในเมืองหลวงของอังกฤษ Gericault มีส่วนร่วมในการสร้างภาพพิมพ์หินไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพวาดด้วย ผลงานที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งของช่วงนี้คือผ้าใบ "Race at Epsom" ซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2364 ในภาพศิลปินวาดภาพม้าที่วิ่งด้วยความเร็วเต็มที่และขาของพวกเขาไม่แตะพื้นเลย เทคนิคอันชาญฉลาดนี้ (ภาพถ่ายพิสูจน์ว่าม้าไม่สามารถมีตำแหน่งขาได้ในระหว่างการวิ่ง นี่คือจินตนาการของศิลปิน) อาจารย์ใช้เพื่อให้องค์ประกอบไดนามิกเพื่อให้ผู้ชมได้รับความประทับใจอย่างรวดเร็ว การเคลื่อนไหวของม้า ความรู้สึกนี้ได้รับการปรับปรุงโดยการถ่ายโอนที่ถูกต้องของปั้น (ท่าทางท่าทาง) ของร่างมนุษย์ตลอดจนการใช้การผสมสีที่สดใสและสมบูรณ์ (สีแดง อ่าว ม้าขาว สีน้ำเงินเข้ม สีแดงเข้ม สีขาวสีน้ำเงิน และสีทอง จ๊อกกี้เสื้อเหลือง) .

ธีมของการแข่งม้าซึ่งดึงดูดความสนใจของจิตรกรด้วยการแสดงออกที่พิเศษมาช้านาน ได้รับการทำซ้ำมากกว่าหนึ่งครั้งในงานที่สร้างโดยGéricaultหลังจากเสร็จสิ้นการทำงานในการแข่งม้าที่ Epsom

ในปี ค.ศ. 1822 ศิลปินออกจากอังกฤษและกลับไปฝรั่งเศสบ้านเกิดของเขา ที่นี่เขามีส่วนร่วมในการสร้างผืนผ้าใบขนาดใหญ่ซึ่งคล้ายกับผลงานของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในหมู่พวกเขาคือ "การค้านิโกร", "เปิดประตูคุกแห่งการสืบสวนในสเปน" ภาพวาดเหล่านี้ยังไม่เสร็จ - ความตายทำให้ Gericault ไม่สามารถทำงานให้เสร็จได้

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือภาพถ่ายบุคคล ซึ่งนักประวัติศาสตร์ศิลปะเชื่อว่าเป็นช่วงเวลาตั้งแต่ปี 1822 ถึง 1823 ประวัติงานเขียนของพวกเขาสมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ความจริงก็คือภาพเหล่านี้ได้รับมอบหมายจากเพื่อนของศิลปินซึ่งทำงานเป็นจิตแพทย์ในคลินิกแห่งหนึ่งในปารีส พวกเขาควรจะเป็นภาพประกอบที่แสดงให้เห็นถึงความเจ็บป่วยทางจิตต่างๆของบุคคล ดังนั้นภาพวาด "หญิงชราบ้า", "บ้า", "บ้าจินตนาการว่าตัวเองเป็นผู้บัญชาการ" ถูกทาสี สำหรับปรมาจารย์ด้านการวาดภาพ การแสดงอาการและอาการแสดงภายนอกของโรคไม่ใช่เรื่องสำคัญมากนัก แต่เพื่อถ่ายทอดสภาพจิตใจภายในของผู้ป่วย ภาพที่น่าเศร้าของผู้คนปรากฏบนผืนผ้าใบต่อหน้าผู้ชมซึ่งดวงตาเต็มไปด้วยความเจ็บปวดและความเศร้าโศก

ในบรรดาภาพวาดของ Géricault มีสถานที่พิเศษที่ถูกครอบครองโดยภาพเหมือนของพวกนิโกร ซึ่งปัจจุบันอยู่ในคอลเล็กชันของพิพิธภัณฑ์ Rouen คนที่มุ่งมั่นและมีความมุ่งมั่นมองผู้ชมจากผืนผ้าใบ พร้อมที่จะต่อสู้จนถึงที่สุดด้วยกองกำลังที่เป็นศัตรูกับเขา ภาพดูสว่าง อารมณ์ และแสดงออกอย่างผิดปกติ ชายในภาพนี้คล้ายกับวีรบุรุษผู้มุ่งมั่นซึ่ง Gericault ได้แสดงไว้ก่อนหน้านี้ในองค์ประกอบขนาดใหญ่ (เช่น บนผืนผ้าใบ "The Raft of the Medusa")

Gericault ไม่เพียง แต่เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังเป็นประติมากรที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย ผลงานของเขาในรูปแบบศิลปะนี้เมื่อต้นศตวรรษที่ 19 เป็นตัวอย่างแรกของประติมากรรมแนวโรแมนติก ในบรรดางานดังกล่าวองค์ประกอบที่แสดงออกอย่างผิดปกติ "Nymph and Satyr" นั้นเป็นที่สนใจเป็นพิเศษ ภาพที่หยุดนิ่งในการเคลื่อนไหวสื่อถึงความเป็นพลาสติกของร่างกายมนุษย์ได้อย่างแม่นยำ

Théodore Gericault เสียชีวิตอย่างน่าสลดใจในปี 1824 ที่ปารีส โดยตกจากหลังม้า การเสียชีวิตก่อนวัยอันควรของเขาเป็นเรื่องน่าประหลาดใจสำหรับศิลปินร่วมสมัยทุกคน

ผลงานของ Gericault เป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาภาพวาดไม่เพียง แต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปะโลกด้วย - ช่วงเวลาแห่งความโรแมนติก ในผลงานของเขา อาจารย์สามารถเอาชนะอิทธิพลของประเพณีดั้งเดิมได้ ผลงานของเขามีสีสันแปลกตาและสะท้อนถึงความหลากหลายของโลกธรรมชาติ ศิลปินพยายามที่จะเปิดเผยประสบการณ์ภายในและอารมณ์ของบุคคลโดยการแนะนำร่างมนุษย์ในองค์ประกอบภาพ ศิลปินพยายามเปิดเผยประสบการณ์ภายในและอารมณ์ของบุคคลอย่างเต็มที่และเต็มตาที่สุด

หลังจากการเสียชีวิตของ Gericault E. Delacroix ศิลปินร่วมสมัยที่อายุน้อยกว่าของศิลปินได้หยิบเอาประเพณีศิลปะโรแมนติกของเขามาใช้

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix ศิลปินและศิลปินกราฟิกชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงผู้สืบทอดของประเพณีของความโรแมนติกที่พัฒนาขึ้นในงานของGéricaultเกิดในปี 1798 โดยไม่จบการศึกษาจาก Imperial Lyceum ในปี 1815 Delacroix ไปศึกษากับอาจารย์ที่มีชื่อเสียงที่มีชื่อเสียง Guerin อย่างไรก็ตาม วิธีการทางศิลปะของจิตรกรหนุ่มไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของครู ดังนั้นหลังจากเจ็ดปีชายหนุ่มก็จากเขาไป

การเรียนกับ Guerin นั้น Delacroix อุทิศเวลาให้กับการศึกษางานของ David และปรมาจารย์ด้านการวาดภาพของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขาถือว่าวัฒนธรรมสมัยโบราณ ซึ่งเป็นประเพณีที่เดวิดปฏิบัติตามด้วย เป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาศิลปะของโลก ดังนั้นอุดมคติทางสุนทรียะสำหรับ Delacroix จึงเป็นผลงานของกวีและนักคิดของกรีกโบราณ ในหมู่พวกเขา ศิลปินชื่นชมผลงานของ Homer, Horace และ Marcus Aurelius โดยเฉพาะ

งานแรกของ Delacroix เป็นผืนผ้าใบที่ยังไม่เสร็จซึ่งจิตรกรหนุ่มพยายามสะท้อนการต่อสู้ของชาวกรีกกับพวกเติร์ก อย่างไรก็ตาม ศิลปินยังขาดทักษะและประสบการณ์ในการสร้างภาพที่แสดงออก

ในปี ค.ศ. 1822 Delacroix ได้จัดแสดงผลงานของเขาที่ Paris Salon ภายใต้ชื่อ Dante และ Virgil ผืนผ้าใบนี้มีสีสันที่สดใสและสะเทือนอารมณ์อย่างผิดปกติ ในหลาย ๆ ด้านคล้ายกับงานของ Géricault "The Raft of the Medusa"

สองปีต่อมา ภาพวาดอีกชิ้นของ Delacroix, The Massacre at Chios ถูกนำเสนอต่อผู้ชมของ Salon มันอยู่ในนั้นที่แผนอันยาวนานของศิลปินเป็นตัวเป็นตนเพื่อแสดงการต่อสู้ของชาวกรีกกับพวกเติร์ก องค์ประกอบโดยรวมของรูปภาพประกอบด้วยหลายส่วน ซึ่งจัดเป็นกลุ่มคนแยกจากกัน โดยแต่ละส่วนมีความขัดแย้งกันอย่างมาก โดยทั่วไปแล้วงานจะให้ความประทับใจกับโศกนาฏกรรมที่ลึกซึ้ง ความรู้สึกของความตึงเครียดและไดนามิกเพิ่มขึ้นด้วยการผสมผสานของเส้นที่เรียบและคมชัดที่สร้างร่างของตัวละครซึ่งนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงในสัดส่วนของบุคคลที่วาดโดยศิลปิน อย่างไรก็ตาม เป็นเพราะเหตุนี้เองที่ทำให้ภาพได้รับตัวละครที่สมจริงและความน่าเชื่อถือในชีวิต

วิธีการที่สร้างสรรค์ของ Delacroix ซึ่งแสดงออกอย่างเต็มที่ใน "การสังหารหมู่แห่ง Chios" นั้นอยู่ไกลจากรูปแบบคลาสสิกที่เป็นที่ยอมรับในแวดวงทางการของฝรั่งเศสและในหมู่ตัวแทนของวิจิตรศิลป์ ดังนั้นภาพของศิลปินหนุ่มจึงถูกวิจารณ์อย่างเฉียบขาดในซาลอน

แม้จะมีความล้มเหลว แต่จิตรกรยังคงเป็นจริงในอุดมคติของเขา ในปี ค.ศ. 1827 มีงานอีกชิ้นหนึ่งที่อุทิศให้กับหัวข้อการต่อสู้ของชาวกรีกเพื่ออิสรภาพ - "กรีซบนซากปรักหักพังของมิสโซลองกี" ร่างของหญิงชาวกรีกที่แน่วแน่และหยิ่งทะนงบนผืนผ้าใบแสดงถึงตัวตนของกรีซที่ไม่มีใครพิชิตได้ที่นี่

ในปี ค.ศ. 1827 Delacroix ได้แสดงผลงานสองชิ้นที่สะท้อนถึงการค้นหาอย่างสร้างสรรค์ของอาจารย์ในด้านวิธีการและวิธีการแสดงออกทางศิลปะ นี่คือภาพวาด "ความตายของซาร์ดานาปาลุส" และ "มาริโน ฟาลิเอโร" ในตอนแรกโศกนาฏกรรมของสถานการณ์ถูกถ่ายทอดในการเคลื่อนไหวของร่างมนุษย์ มีเพียงภาพพจน์ของศรดานาปาลเท่านั้นที่นิ่งและสงบที่นี่ ในองค์ประกอบของ "Marino Faliero" มีเพียงร่างของตัวละครหลักเท่านั้นที่เป็นแบบไดนามิก ฮีโร่ที่เหลือดูเหมือนจะหยุดนิ่งด้วยความสยดสยองเมื่อคิดว่าจะเกิดอะไรขึ้น

ในยุค 20. ศตวรรษที่ 19 Delacroix แสดงผลงานจำนวนหนึ่งซึ่งพล็อตที่นำมาจากงานวรรณกรรมที่มีชื่อเสียง ในปี พ.ศ. 2368 ศิลปินได้ไปเยือนอังกฤษซึ่งเป็นบ้านเกิดของวิลเลียมเชกสเปียร์ ในปีเดียวกันนั้น ภายใต้ความประทับใจของการเดินทางครั้งนี้และโศกนาฏกรรมของนักเขียนบทละครชื่อดัง Delacroix จึงได้สร้างภาพพิมพ์หิน "Macbeth" ในช่วงระหว่างปี ค.ศ. 1827 ถึง ค.ศ. 1828 เขาได้สร้างภาพพิมพ์ "เฟาสท์" ซึ่งอุทิศให้กับงานที่มีชื่อเดียวกันโดยเกอเธ่

ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2373 เดอลาครัวซ์ได้วาดภาพ "เสรีภาพผู้นำ" การปฏิวัติฝรั่งเศสนำเสนอในรูปของหญิงสาวที่แข็งแกร่งความเป็นคนที่มีความสำคัญและเป็นอิสระนำฝูงชนอย่างกล้าหาญซึ่งตัวเลขของคนงานนักเรียนทหารที่ได้รับบาดเจ็บนักเล่นเกมชาวปารีสโดดเด่น (ภาพที่คาดการณ์ไว้ Gavroche ซึ่งปรากฏตัวในภายหลังใน Les Misérables โดย V. Hugo ).

งานนี้แตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากผลงานที่คล้ายคลึงกันของศิลปินคนอื่นๆ ที่สนใจเพียงการถ่ายทอดเหตุการณ์ตามความจริงเท่านั้น ผืนผ้าใบที่สร้างโดย Delacroix มีลักษณะเฉพาะด้วยความน่าสมเพชที่กล้าหาญสูง ภาพเหล่านี้เป็นสัญลักษณ์ทั่วไปของเสรีภาพและความเป็นอิสระของชาวฝรั่งเศส

ด้วยการขึ้นสู่อำนาจของหลุยส์ ฟิลิปป์ - ความกล้าหาญของกษัตริย์ชนชั้นนายทุนและความรู้สึกอันสูงส่งที่เดลาครัวซ์เทศนา จึงไม่มีชีวิตสมัยใหม่ ในปี พ.ศ. 2374 ศิลปินได้เดินทางไปประเทศแอฟริกา เขาเดินทางไปแทนเจียร์ เมคเนส โอรัน และแอลเจียร์ ในเวลาเดียวกัน Delacroix ไปสเปน ชีวิตของตะวันออกนั้นดึงดูดใจศิลปินด้วยการไหลอย่างรวดเร็ว เขาสร้างภาพร่าง ภาพวาด และผลงานสีน้ำจำนวนหนึ่ง

เมื่อไปเยือนโมร็อกโกแล้ว Delacroix ได้วาดภาพผืนผ้าใบที่อุทิศให้กับตะวันออก ภาพวาดที่ศิลปินแสดงการแข่งม้าหรือการต่อสู้ของทุ่งนั้นมีพลังและแสดงออกอย่างผิดปกติ เมื่อเทียบกับพวกเขา องค์ประกอบ "ผู้หญิงแอลจีเรียในห้องของพวกเขา" ซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2377 ดูเหมือนจะสงบและนิ่ง ไม่มีพลวัตและความตึงเครียดที่หุนหันพลันแล่นที่มีอยู่ในผลงานก่อนหน้าของศิลปิน Delacroix ปรากฏที่นี่ในฐานะเจ้าแห่งสีสัน โทนสีที่จิตรกรใช้อย่างครบถ้วนสะท้อนให้เห็นถึงความหลากหลายที่สดใสของจานสีซึ่งผู้ชมเชื่อมโยงกับสีสันของตะวันออก

ผืนผ้าใบ “งานแต่งงานของชาวยิวในโมร็อกโก” ซึ่งเขียนขึ้นเมื่อประมาณปี ค.ศ. 1841 มีลักษณะที่เชื่องช้าและวัดได้เหมือนกันหมด บรรยากาศแบบตะวันออกที่ลึกลับถูกสร้างขึ้นที่นี่ด้วยการแสดงที่แม่นยำของศิลปินเกี่ยวกับการตกแต่งภายในของชาติ องค์ประกอบดูมีชีวิตชีวาอย่างน่าประหลาดใจ: จิตรกรแสดงให้เห็นว่าผู้คนเดินขึ้นบันไดและเข้าไปในห้องอย่างไร แสงที่ส่องเข้ามาในห้องทำให้ภาพดูสมจริงและน่าเชื่อ

ลวดลายตะวันออกยังคงมีอยู่ในผลงานของ Delacroix มาเป็นเวลานาน ดังนั้นในงานนิทรรศการที่จัดขึ้นในซาลอนในปี พ.ศ. 2390 จากผลงานหกชิ้นที่เขานำเสนอมีห้าชิ้นที่อุทิศให้กับชีวิตและชีวิตของตะวันออก

ในยุค 30-40 ในศตวรรษที่ 19 ธีมใหม่ปรากฏในผลงานของเดลาครัวซ์ ในเวลานี้อาจารย์สร้างผลงานในรูปแบบประวัติศาสตร์ ในหมู่พวกเขา ภาพวาด "การประท้วงของ Mirabeau ต่อการล่มสลายของนายพลแห่งรัฐ" และ "Boissy d'Angles" สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ภาพร่างของหลังซึ่งแสดงในปี พ.ศ. 2374 ที่ Salon เป็นตัวอย่างที่ชัดเจนของการแต่งเพลงในหัวข้อการจลาจลที่เป็นที่นิยม

ภาพวาด "The Battle of Poitiers" (1830) และ "The Battle of Taybur" (1837) อุทิศให้กับภาพลักษณ์ของผู้คน ด้วยความสมจริงทั้งหมด พลวัตของการต่อสู้ การเคลื่อนไหวของผู้คน ความโกรธเกรี้ยว ความโกรธ และความทุกข์ทรมานของพวกเขาได้แสดงไว้ที่นี่ ศิลปินพยายามที่จะถ่ายทอดอารมณ์และความหลงใหลของบุคคลที่ถูกยึดครองด้วยความปรารถนาที่จะชนะในทุกวิถีทาง เป็นร่างของผู้คนที่เป็นตัวหลักในการถ่ายทอดธรรมชาติอันน่าทึ่งของงาน

บ่อยครั้งในผลงานของ Delacroix ผู้ชนะและผู้พิชิตถูกต่อต้านอย่างรุนแรง สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งบนผืนผ้าใบ“ การจับกุมของคอนสแตนติโนเปิลโดยพวกครูเซด” เขียนในปี 1840 กลุ่มคนที่เอาชนะด้วยความเศร้าโศกแสดงอยู่เบื้องหน้า เบื้องหลังพวกเขาคือภูมิทัศน์ที่น่ารื่นรมย์และมีเสน่ห์พร้อมความงาม ร่างของนักบิดที่ได้รับชัยชนะก็ถูกวางไว้ที่นี่เช่นกัน ซึ่งมีเงาที่น่าเกรงขามตัดกับร่างที่โศกเศร้าที่อยู่เบื้องหน้า

"การยึดกรุงคอนสแตนติโนเปิลโดยพวกครูเซด" นำเสนอเดลาครัวซ์ในฐานะนักวาดภาพสีที่โดดเด่น อย่างไรก็ตาม สีสันที่สดใสและอิ่มตัวไม่ได้ทำให้จุดเริ่มต้นที่น่าเศร้าเพิ่มขึ้น ซึ่งแสดงโดยบุคคลโศกเศร้าที่อยู่ใกล้ผู้ดู ในทางตรงกันข้าม จานสีที่เข้มข้นจะสร้างความรู้สึกของวันหยุดที่จัดขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่ผู้ชนะ

องค์ประกอบที่มีสีสันไม่น้อยคือ "ความยุติธรรมของ Trajan" ซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2383 เดียวกัน ผู้ร่วมสมัยของศิลปินยอมรับว่าภาพนี้เป็นหนึ่งในภาพที่ดีที่สุดในบรรดาผืนผ้าใบของจิตรกรทั้งหมด สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือในระหว่างการทำงาน ต้นแบบของการทดลองในด้านสี แม้แต่เงาก็ยังใช้เฉดสีที่หลากหลายจากเขา สีขององค์ประกอบทั้งหมดสอดคล้องกับธรรมชาติ การดำเนินงานนำหน้าด้วยการสังเกตของจิตรกรเป็นเวลานานถึงการเปลี่ยนแปลงของเฉดสีในธรรมชาติ ศิลปินเข้ามาในไดอารี่ของเขา จากนั้นตามบันทึกย่อนักวิทยาศาสตร์ยืนยันว่าการค้นพบที่ทำโดย Delacroix ในด้านโทนเสียงนั้นสอดคล้องกับหลักคำสอนของสีที่เกิดในเวลานั้นผู้ก่อตั้งคือ E. Chevreul นอกจากนี้ ศิลปินยังเปรียบเทียบการค้นพบของเขากับจานสีที่โรงเรียนเวนิสใช้ ซึ่งเป็นตัวอย่างทักษะการวาดภาพสำหรับเขา

ภาพเหมือนครอบครองสถานที่พิเศษท่ามกลางภาพวาดของ Delacroix อาจารย์ไม่ค่อยหันไปหาแนวนี้ เขาวาดเฉพาะคนที่เขารู้จักมาเป็นเวลานานซึ่งมีการพัฒนาทางจิตวิญญาณต่อหน้าศิลปิน ดังนั้นภาพในพอร์ตเทรตจึงมีความชัดเจนและลึกซึ้งมาก นี่คือภาพเหมือนของโชแปงและจอร์จ แซนด์ ผืนผ้าใบที่อุทิศให้กับนักเขียนชื่อดัง (1834) แสดงให้เห็นสตรีผู้สูงศักดิ์และเอาแต่ใจที่พอใจกับผู้ร่วมสมัยของเธอ ภาพเหมือนของโชแปงซึ่งวาดขึ้นเมื่อสี่ปีต่อมาในปี พ.ศ. 2381 แสดงถึงภาพบทกวีและจิตวิญญาณของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่

ภาพเหมือนของนักไวโอลินและนักประพันธ์เพลงชื่อดังอย่างปากานินีที่น่าสนใจและแสดงออกอย่างผิดปกติ ซึ่งวาดโดยเดลาครัวซ์ราวปี ค.ศ. 1831 สไตล์ดนตรีของปากานินีคล้ายกับวิธีการวาดภาพของศิลปินในหลายๆ ด้าน งานของปากานินีมีลักษณะเฉพาะด้วยการแสดงออกที่เหมือนกันและอารมณ์ความรู้สึกที่รุนแรงซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานของจิตรกร

ภูมิทัศน์ครอบครองสถานที่เล็ก ๆ ในการทำงานของ Delacroix อย่างไรก็ตาม สิ่งเหล่านี้มีความสำคัญมากสำหรับการพัฒนาภาพวาดฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ภูมิทัศน์ของ Delacroix โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะถ่ายทอดแสงธรรมชาติและชีวิตที่เข้าใจยากได้อย่างแม่นยำ ตัวอย่างที่ชัดเจนของเรื่องนี้คือภาพวาด "ท้องฟ้า" ซึ่งมีการสร้างความรู้สึกของพลวัตด้วยเมฆสีขาวหิมะที่ลอยอยู่บนท้องฟ้าและ "ทะเลที่มองเห็นได้จากชายฝั่งของ Dieppe" (1854) สื่อถึงการร่อนของเรือใบเบา ๆ บนพื้นผิวทะเล

ในปี พ.ศ. 2376 ศิลปินได้รับคำสั่งจากกษัตริย์ฝรั่งเศสให้ทาสีห้องโถงในพระราชวังบูร์บง งานสร้างสรรค์งานชิ้นใหญ่กินเวลานานถึงสี่ปี เมื่อปฏิบัติตามคำสั่ง จิตรกรได้รับคำแนะนำหลักจากข้อเท็จจริงที่ว่าภาพนั้นเรียบง่ายและรัดกุมอย่างยิ่ง ผู้ชมสามารถเข้าใจได้
งานสุดท้ายของ Delacroix คือภาพวาดของโบสถ์ของ Holy Angels ในโบสถ์ Saint-Sulpice ในปารีส มันถูกสร้างขึ้นในช่วงปี 1849 ถึง 1861 โดยใช้สีสันสดใส (สีชมพู, สีน้ำเงินสดใส, ไลแลควางอยู่บนพื้นหลังแอชสีฟ้าและสีน้ำตาลเหลือง) ศิลปินสร้างอารมณ์ที่สนุกสนานในการแต่งเพลงทำให้ผู้ชม ให้รู้สึกปลาบปลื้มยินดี ภูมิทัศน์ที่รวมอยู่ในภาพวาด "The Expulsion of Iliodor from the Temple" เป็นพื้นหลังช่วยเพิ่มพื้นที่ขององค์ประกอบและสถานที่ของโบสถ์ด้วยสายตา ในอีกทางหนึ่ง ราวกับกำลังพยายามเน้นความโดดเดี่ยวของพื้นที่ Delacroix แนะนำบันไดและลูกกรงเข้าไปในองค์ประกอบ ร่างของคนที่อยู่ข้างหลังดูเหมือนจะเป็นเงาแบนเกือบ

Eugene Delacroix เสียชีวิตในปี 2406 ในปารีส

Delacroix เป็นจิตรกรที่มีการศึกษามากที่สุดในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ภาพวาดของเขาหลายเรื่องนำมาจากงานวรรณกรรมของปรมาจารย์ปากกาที่มีชื่อเสียง ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจคือบ่อยครั้งที่ศิลปินวาดภาพตัวละครของเขาโดยไม่ใช้แบบจำลอง นี่คือสิ่งที่เขาต้องการสอนผู้ติดตามของเขา จากข้อมูลของ Delacroix การวาดภาพเป็นสิ่งที่ซับซ้อนกว่าการคัดลอกเส้นแบบดั้งเดิม ศิลปินเชื่อว่าศิลปะส่วนใหญ่อยู่ในความสามารถในการแสดงอารมณ์และเจตนาสร้างสรรค์ของอาจารย์

Delacroix เป็นผู้เขียนผลงานเชิงทฤษฎีหลายเรื่องเกี่ยวกับสีวิธีการและสไตล์ของศิลปิน งานเหล่านี้เป็นสัญญาณสำหรับจิตรกรรุ่นต่อ ๆ ไปในการค้นหาวิธีการทางศิลปะของตนเองที่ใช้ในการสร้างองค์ประกอบ

แนวจินตนิยม - (fr. romantism จากยุคกลาง fr. romant - นวนิยาย) - ทิศทางในงานศิลปะที่เกิดขึ้นภายในกรอบของขบวนการวรรณกรรมทั่วไปในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 ในประเทศเยอรมนี เป็นที่แพร่หลายในทุกประเทศในยุโรปและอเมริกา จุดสูงสุดของแนวโรแมนติกอยู่ที่ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19

คำว่าโรมานติสเมในภาษาฝรั่งเศส ย้อนกลับไปถึงความโรแมนติกของสเปน (ในยุคกลาง โรมานซ์ของสเปนถูกเรียกเช่นนั้น และจากนั้นก็โรแมนติกแบบอัศวิน) โรแมนติกแบบอังกฤษซึ่งกลายเป็นศตวรรษที่ 18 ในภาษาโรแมนติกแล้วหมายถึง "แปลก", "ยอดเยี่ยม", "งดงาม" ในตอนต้นของศตวรรษที่ XIX แนวโรแมนติกกลายเป็นการกำหนดทิศทางใหม่ตรงข้ามกับความคลาสสิค

เมื่อเข้าสู่สิ่งที่ตรงกันข้ามของ "คลาสสิก" - "โรแมนติก" ทิศทางถือว่าตรงกันข้ามกับข้อกำหนดคลาสสิกของกฎไปสู่อิสรภาพที่โรแมนติกจากกฎ ศูนย์กลางของระบบศิลปะแนวโรแมนติกคือปัจเจก และความขัดแย้งหลักคือปัจเจกและสังคม ข้อกำหนดเบื้องต้นที่เด็ดขาดสำหรับการพัฒนาแนวโรแมนติกคือเหตุการณ์ของการปฏิวัติฝรั่งเศส การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกเกี่ยวข้องกับขบวนการต่อต้านการตรัสรู้ สาเหตุที่อยู่ในความผิดหวังในอารยธรรม ในความก้าวหน้าทางสังคม อุตสาหกรรม การเมือง และวิทยาศาสตร์ ซึ่งส่งผลให้เกิดความแตกต่างและความขัดแย้งใหม่ ๆ การปรับระดับและการทำลายล้างทางจิตวิญญาณของแต่ละบุคคล

การตรัสรู้เทศนาสังคมใหม่ว่าเป็น "ธรรมชาติ" และ "มีเหตุผล" มากที่สุด จิตใจที่ดีที่สุดของยุโรปยืนยันและคาดเดาสังคมแห่งอนาคตนี้ แต่ความจริงกลับกลายเป็นว่าอยู่นอกเหนือการควบคุมของ "เหตุผล" อนาคต - คาดเดาไม่ได้ไร้เหตุผลและระเบียบทางสังคมสมัยใหม่เริ่มคุกคามธรรมชาติของมนุษย์และส่วนตัวของเขา เสรีภาพ. การปฏิเสธสังคมนี้ การประท้วงต่อต้านการขาดจิตวิญญาณและความเห็นแก่ตัวได้สะท้อนให้เห็นแล้วในอารมณ์อ่อนไหวและก่อนโรแมนติก ยวนใจเป็นการแสดงออกถึงการปฏิเสธนี้อย่างเฉียบขาดที่สุด ความโรแมนติกยังต่อต้านการตรัสรู้ในระดับด้วยวาจา: ภาษาของงานโรแมนติกพยายามที่จะเป็นธรรมชาติ "เรียบง่าย" ผู้อ่านทุกคนสามารถเข้าถึงได้เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับคลาสสิกที่มีธีม "ประเสริฐ" สำหรับโศกนาฏกรรมคลาสสิก

ท่ามกลางความโรแมนติกของยุโรปตะวันตกในภายหลัง การมองโลกในแง่ร้ายเกี่ยวกับสังคมได้รับสัดส่วนจักรวาลกลายเป็น "โรคแห่งศตวรรษ" วีรบุรุษของผลงานโรแมนติกมากมายมีลักษณะเป็นอารมณ์สิ้นหวังความสิ้นหวังซึ่งมีลักษณะที่เป็นสากล ความสมบูรณ์แบบสูญหายไปตลอดกาล โลกถูกปกครองโดยปีศาจ ความโกลาหลในสมัยโบราณกำลังฟื้นคืนชีพ ธีมของ "โลกที่น่ากลัว" ซึ่งเป็นลักษณะของวรรณคดีโรแมนติกทั้งหมดเป็นตัวเป็นตนที่ชัดเจนที่สุดในสิ่งที่เรียกว่า "ประเภทดำ" (ใน "นวนิยายกอธิค" ก่อนโรแมนติก - A. Radcliffe, C. Maturin ใน " ละครร็อค" หรือ "โศกนาฏกรรมของร็อค", - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer) เช่นเดียวกับในผลงานของ Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe และ N. Hawthorne

ในเวลาเดียวกัน ความโรแมนติกขึ้นอยู่กับความคิดที่ท้าทาย "โลกที่เลวร้าย" - แนวคิดเรื่องเสรีภาพเป็นหลัก ความผิดหวังของแนวโรแมนติกคือความผิดหวังในความเป็นจริง แต่ความก้าวหน้าและอารยธรรมเป็นเพียงด้านเดียว การปฏิเสธด้านนี้ การขาดศรัทธาในความเป็นไปได้ของอารยธรรมทำให้เกิดอีกเส้นทางหนึ่ง เส้นทางสู่อุดมคติ สู่นิรันดร์ สู่สัมบูรณ์ เส้นทางนี้ต้องแก้ไขความขัดแย้งทั้งหมดเปลี่ยนชีวิตอย่างสมบูรณ์ นี่คือเส้นทางสู่ความสมบูรณ์แบบ "สู่เป้าหมาย คำอธิบายที่ต้องค้นหาในอีกฟากหนึ่งของสิ่งที่มองเห็นได้" (A. De Vigny) สำหรับคู่รักบางคน โลกถูกครอบงำด้วยพลังลึกลับที่เข้าใจยากซึ่งต้องเชื่อฟังและไม่พยายามเปลี่ยนชะตากรรม (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky) สำหรับคนอื่น ๆ "ความชั่วร้ายระดับโลก" กระตุ้นการประท้วงเรียกร้องการแก้แค้นการต่อสู้ (ก่อน A.S. Pushkin) สิ่งที่พบได้ทั่วไปคือพวกเขาทั้งหมดเห็นตัวตนเดียวในมนุษย์ ซึ่งงานดังกล่าวไม่ได้ลดเหลือเพียงการแก้ปัญหาธรรมดาๆ เลย ในทางตรงกันข้าม โดยไม่ปฏิเสธชีวิตประจำวัน ความโรแมนติกพยายามที่จะไขความลึกลับของการดำรงอยู่ของมนุษย์ หันไปหาธรรมชาติ ไว้วางใจความรู้สึกทางศาสนาและกวีของพวกเขา

ฮีโร่โรแมนติกเป็นคนที่ซับซ้อนและหลงใหลซึ่งโลกภายในนั้นลึกล้ำอย่างผิดปกติไม่รู้จบ มันเป็นทั้งจักรวาลที่เต็มไปด้วยความขัดแย้ง คนโรแมนติกสนใจในความหลงใหลทั้งหมดทั้งสูงและต่ำซึ่งตรงข้ามกัน ความหลงใหลสูง - ความรักในทุกรูปแบบ, ความโลภต่ำ, ความทะเยอทะยาน, ความอิจฉาริษยา ความโรแมนติกทางวัตถุที่ต่ำต้อยขัดต่อชีวิตของจิตวิญญาณ โดยเฉพาะอย่างยิ่งศาสนา ศิลปะ และปรัชญา ความสนใจในความรู้สึกที่แข็งแกร่งและสดใส, ความสนใจที่สิ้นเปลือง, ในการเคลื่อนไหวที่เป็นความลับของจิตวิญญาณเป็นลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติก

คุณสามารถพูดคุยเกี่ยวกับความโรแมนติกในฐานะบุคลิกภาพแบบพิเศษ - บุคคลที่มีความปรารถนาแรงกล้าและมีแรงบันดาลใจสูงซึ่งเข้ากันไม่ได้กับโลกในชีวิตประจำวัน สถานการณ์พิเศษที่มาพร้อมกับลักษณะนี้ แฟนตาซี, ดนตรีพื้นบ้าน, กวีนิพนธ์, ตำนานกลายเป็นสิ่งดึงดูดใจสำหรับคู่รัก - ทุกสิ่งที่ถือว่าเป็นประเภทรองลงมาเป็นเวลาหนึ่งศตวรรษครึ่งซึ่งไม่สมควรได้รับความสนใจ ลัทธิจินตนิยมมีลักษณะโดยการยืนยันเสรีภาพ อำนาจอธิปไตยของแต่ละบุคคล เพิ่มความสนใจไปที่ปัจเจก มีเอกลักษณ์ในมนุษย์ ลัทธิของปัจเจกบุคคล ความมั่นใจในคุณค่าของตนเองกลายเป็นการประท้วงต่อต้านชะตากรรมของประวัติศาสตร์ บ่อยครั้งที่ฮีโร่ของงานโรแมนติกกลายเป็นศิลปินที่สามารถรับรู้ความเป็นจริงอย่างสร้างสรรค์ "การเลียนแบบธรรมชาติ" แบบคลาสสิกนั้นตรงกันข้ามกับพลังสร้างสรรค์ของศิลปินที่เปลี่ยนความเป็นจริง มันสร้างโลกของตัวเองที่พิเศษสวยงามและเป็นจริงมากกว่าความเป็นจริงที่สังเกตได้ เป็นความคิดสร้างสรรค์ที่มีความหมายถึงการดำรงอยู่ซึ่งแสดงถึงคุณค่าสูงสุดของจักรวาล โรแมนติกปกป้องเสรีภาพในการสร้างสรรค์ของศิลปินอย่างหลงใหลจินตนาการของเขาโดยเชื่อว่าอัจฉริยะของศิลปินไม่ปฏิบัติตามกฎ แต่สร้างขึ้น

โรแมนติกหันไปสู่ยุคประวัติศาสตร์ที่แตกต่างกันพวกเขาถูกดึงดูดด้วยความคิดริเริ่มดึงดูดจากประเทศและสถานการณ์ที่แปลกใหม่และลึกลับ ความสนใจในประวัติศาสตร์กลายเป็นหนึ่งในชัยชนะที่ยั่งยืนของระบบศิลปะแนวโรแมนติก มันถูกแสดงออกในการสร้างประเภทของนวนิยายอิงประวัติศาสตร์ซึ่งผู้ก่อตั้งคือ W. Scott และโดยทั่วไปแล้วนวนิยายซึ่งได้รับตำแหน่งผู้นำในยุคที่อยู่ภายใต้การพิจารณา โรแมนติกอย่างถูกต้องและถูกต้องทำซ้ำรายละเอียดทางประวัติศาสตร์พื้นหลังสีของยุคสมัยเฉพาะ แต่ตัวละครโรแมนติกจะได้รับนอกประวัติศาสตร์พวกเขาตามกฎแล้วอยู่เหนือสถานการณ์และไม่ได้ขึ้นอยู่กับพวกเขา ในเวลาเดียวกัน ความโรแมนติกรับรู้ว่านวนิยายเป็นวิธีการทำความเข้าใจประวัติศาสตร์และจากประวัติศาสตร์พวกเขาไปเจาะเข้าไปในความลับของจิตวิทยาและความทันสมัย ความสนใจในประวัติศาสตร์ยังสะท้อนให้เห็นในผลงานของนักประวัติศาสตร์ของโรงเรียนโรแมนติกฝรั่งเศส (O. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier)

มันอยู่ในยุคของยวนใจที่มีการค้นพบวัฒนธรรมของยุคกลางและความชื่นชมในสมัยโบราณซึ่งเป็นลักษณะของยุคที่ผ่านมาก็ไม่ลดลงเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 ศตวรรษที่ 19 ความหลากหลายของลักษณะประจำชาติ ประวัติศาสตร์ และอัตลักษณ์ส่วนบุคคลก็มีความหมายทางปรัชญาเช่นกัน ความมั่งคั่งของโลกทั้งใบประกอบด้วยคุณลักษณะทั้งหมดเหล่านี้ทั้งหมด และการศึกษาประวัติศาสตร์ของแต่ละคนแยกจากกันทำให้สามารถติดตามได้ในคำพูด ของ Burke ชีวิตที่ไม่ขาดตอนผ่านคนรุ่นใหม่ที่ติดตามกัน

ยุคของความโรแมนติกถูกทำเครื่องหมายด้วยความเจริญรุ่งเรืองของวรรณกรรมซึ่งเป็นหนึ่งในคุณสมบัติที่โดดเด่นซึ่งเป็นความหลงใหลในปัญหาทางสังคมและการเมือง พยายามที่จะเข้าใจบทบาทของบุคคลในเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์อย่างต่อเนื่องนักเขียนโรแมนติกมุ่งมั่นต่อความถูกต้องความเป็นรูปธรรมและความน่าเชื่อถือ ในเวลาเดียวกัน ผลงานของพวกเขามักจะเผยออกมาในสภาพแวดล้อมที่ไม่ปกติสำหรับชาวยุโรป - ตัวอย่างเช่น ในภาคตะวันออกและอเมริกา หรือสำหรับรัสเซีย ในคอเคซัส หรือในแหลมไครเมีย ดังนั้นกวีโรแมนติกจึงเป็นผู้แต่งเนื้อร้องและกวีแห่งธรรมชาติเป็นหลัก ดังนั้นในงานของพวกเขา (แต่เช่นเดียวกับนักเขียนร้อยแก้วหลายคน) ภูมิทัศน์จึงเป็นสถานที่สำคัญ - ประการแรกคือ ทะเล ภูเขา ท้องฟ้า องค์ประกอบที่มีพายุ ฮีโร่มีความสัมพันธ์ที่ซับซ้อน ธรรมชาติอาจคล้ายกับธรรมชาติที่หลงใหลของฮีโร่โรแมนติก แต่มันก็สามารถต้านทานเขาได้กลายเป็นพลังที่เป็นศัตรูที่เขาถูกบังคับให้ต่อสู้

ภาพที่แปลกตาและสดใสของธรรมชาติ ชีวิต ชีวิต และขนบธรรมเนียมของประเทศที่ห่างไกลและผู้คนต่างเป็นแรงบันดาลใจให้เกิดความโรแมนติก พวกเขากำลังมองหาคุณลักษณะที่เป็นพื้นฐานของจิตวิญญาณของชาติ เอกลักษณ์ประจำชาติเป็นที่ประจักษ์ในศิลปะพื้นบ้านปากเปล่าเป็นหลัก ดังนั้นความสนใจในนิทานพื้นบ้าน การแปรรูปงานนิทานพื้นบ้าน การสร้างสรรค์ผลงานของตนเองบนพื้นฐานของศิลปะพื้นบ้าน

การพัฒนาประเภทของนวนิยายอิงประวัติศาสตร์ เรื่องแฟนตาซี บทกวีมหากาพย์ บัลลาดเป็นบุญของความโรแมนติก นวัตกรรมของพวกเขายังปรากฏอยู่ในเนื้อเพลง โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ในการใช้ polysemy ของคำ การพัฒนาการเชื่อมโยง การอุปมา การค้นพบในด้านการตรวจสอบความถูกต้อง มิเตอร์ และจังหวะ

ยวนใจมีลักษณะโดยการสังเคราะห์จำพวกและประเภทการแทรกซึมของพวกเขา ระบบศิลปะโรแมนติกมีพื้นฐานมาจากการสังเคราะห์ศิลปะ ปรัชญา และศาสนา ตัวอย่างเช่น สำหรับนักคิดอย่าง Herder การวิจัยทางภาษาศาสตร์ หลักคำสอนเชิงปรัชญา และบันทึกการเดินทางใช้เพื่อค้นหาวิธีการปฏิวัติการต่ออายุวัฒนธรรม ความสำเร็จของแนวโรแมนติกส่วนใหญ่สืบทอดมาจากสัจนิยมในศตวรรษที่สิบเก้า - ชอบแฟนตาซี พิลึก ผสมผสานระหว่างสูงและต่ำ โศกนาฏกรรม และการ์ตูน การค้นพบ "อัตนัย"

ในยุคของความโรแมนติกไม่เพียง แต่วรรณกรรมที่เจริญรุ่งเรือง แต่ยังมีวิทยาศาสตร์มากมาย: สังคมวิทยาประวัติศาสตร์รัฐศาสตร์เคมีชีววิทยาหลักคำสอนวิวัฒนาการปรัชญา (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, ปรัชญาธรรมชาติ ซึ่งสะท้อนให้เห็นความจริงที่ว่า ธรรมชาติ - หนึ่งในอาภรณ์ของพระเจ้า "อาภรณ์ที่มีชีวิตของเทพ")

ยวนใจเป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมในยุโรปและอเมริกา ในประเทศต่าง ๆ ชะตากรรมของเขามีลักษณะเป็นของตัวเอง