D.Olderogge
Jasna i oryginalna sztuka ludów Afryki Tropikalnej rozwinęła się głównie w jej zachodniej części - w zachodnim Sudanie, na wybrzeżu Gwinei iw Kongo. Cała Afryka Subsaharyjska jest zamieszkana przez ludy antropologicznie przypisywane rasie murzyńskiej. Czasami sztuka tych ludów nazywana jest więc „sztuką murzyńską”, „sztuką murzyńską”. Ta nazwa jest również powszechna w literaturze zagranicznej. Stanowi jednak podstawę do nieporozumienie związek między sztuką a rasą. W końcu nie mówimy o sztuce ludów Dalekiego Wschodu, ludów należących do rasy mongoloidalnej, jak o sztuce mongolskiej. Dla nas to sztuka Chin, Korei, Japonii czy Indonezji. Tylko niewystarczająca znajomość sztuki ludów Afryki pozwala mówić o niej jako o czymś zjednoczonym. W rzeczywistości specjaliści od sztuki afrykańskiej wiedzą, że sztuka jest bardzo różnorodna. Tak więc sztuka ludów Nigerii różni się od twórczości artystycznej ludów Konga, dzieła mistrzów benińskich różnią się od sztuki ludów Luba itp. Można wyróżnić różne style sztuki afrykańskiej, każdy z których ma swoje własne cechy szczególne. Jednak w ramach tego krótkiego artykułu nie sposób omówić tego bardziej szczegółowo i musimy podać uogólniony opis całej sztuki ludów Afryki Tropikalnej.
Sztuka ludów Afryki ma długą i złożoną, prawie niezbadaną historię. Obecnie ludy Afryki, które przeżyły okres ucisku kolonialnego, z powodzeniem walczą o swoją niepodległość. Następuje burzliwy proces formowania się narodów, samoświadomości narodowej, rozwoju i tworzenia nowej, demokratycznej, zaawansowanej narodowej kultury artystycznej. O sztuce niepodległej Afryki omówimy w ostatnim tomie naszej publikacji poświęconej sztuce współczesnej. Ten rozdział zawiera: krótki opis dziedzictwo artystyczne powstałe w wyniku wcześniejszego rozwoju kultury ludów Afryki.
Należy wziąć pod uwagę, że na obecnym poziomie naszej wiedzy nie da się stworzyć prawdziwie rozbudowanej spójnej historii sztuki ludów Afryki. Krajowe kadry naukowe młodych niepodległych państw dopiero niedawno rozpoczęły dogłębne badanie swojego dziedzictwa artystycznego. sztuka europejska i akademia"odkrył" walory estetyczne sztuk pięknych Afryki, przede wszystkim rzeźby, dopiero w pierwszej dekadzie XX wieku. Jednak rozwijająca się w tamtych latach formalistyczna sztuka i historia sztuki jednostronnie oceniła wartość estetyczną rzeźby afrykańskiej, absolutyzując tkwiące w niej cechy umowności i stylizacji.
Artystyczne problemy sztuki, generowane przez plemienny i wczesnoklasowy etap rozwoju społecznego, arbitralnie zbliżały się do formalistycznego eksperymentowania kubizmu i innych antyrealistycznych ruchów artystycznych epoki imperialistycznej.
W rzeczywistości odcięta od żywej więzi z jej ludem, kulturą burżuazyjną XX wieku. nie miała nic wspólnego z błyskotliwą, wprost ludową sztuką ludów Afryki Tropikalnej, pełną ostrej świeżości poszukiwania życiowej ekspresji i realistycznej perswazji, realizowanej w ramach świadomości wciąż skrępowanej prymitywnymi poglądami animistycznymi i ideami magicznymi.
Poważniejszy charakter miała działalność burżuazyjnych etnografów. Ale ich badania, oczywiście, uważały sztukę ludów Gwinei i Konga głównie za jeden z elementów etnograficznego studium życia i życia tych ludów. Oczywiście stosunkowo mało interesowały ich kwestie o charakterze czysto historyczno-artystycznym.
W jej zachodniej części znajdują się główne ośrodki rozwoju sztuki ludów Afryki: Górna Gwinea, dorzecze Nigru, Kongo i Angola. To tutaj twórczość artystyczna ludów Afryki osiągnęła apogeum: rzeźby, malarstwa i architektury. Odmienny charakter ma sztuka ludów północnego pasa Sudanu i Afryki Wschodniej, czyli obszaru rozprzestrzeniania się islamu. Nie ma prawie żadnej rzeźby ani żadnego obrazu, co w dużej mierze wynika z wpływu islamu i jego zakazu wizerunku postaci ludzkiej.
W Sudanie już w pierwszym tysiącleciu naszej ery istniały duże półniewolnicze, półfeudalne państwa: Kanem - nad brzegiem jeziora Czad, Son-gai - w dolinie rzeki Niger, Ghana i Mali - w górnym biegu Nigru. Królowie i szlachta tych stanów handlowali złotem, niewolnikami i… kość słoniowa z krajami Afryki Północnej - Maghrebem i Egiptem. Chcąc wzmocnić swoją władzę, przeszli na islam, przyłączyli się do kultury arabskiej i wprowadzili na dworze muzułmańskie obyczaje.
To samo widzimy w Afryce Wschodniej, od dawna połączonej handlem morskim z Arabią, Indiami i innymi krajami Wschodu. Wiele wieków temu na wybrzeżu Oceanu Indyjskiego w Afryce rozwinęła się szczególna, lokalna kultura bantu-indo-arabska. Co prawda jego wpływ ograniczał się głównie do wąskiego pasa wybrzeża i nie wnikał w głąb lądu. Ta kultura jest związana z Iranem, Indiami i średniowiecznym światem arabskim. Jednak zarówno w północnej części Sudanu, jak i na wschodnim wybrzeżu twórczość artystyczna miejscowej ludności afrykańskiej również znalazła swój oryginalny wyraz – głównie w architektura ludowa oraz w dekorowaniu domów stiukowymi ornamentami geometrycznymi i kwiatowymi, które znajdują się również w snycerce. Tak więc w rzeczywistości afrykańska sztuka piękna, głównie rzeźba, jest sztuką Afryki Zachodniej i Środkowej.
W wyniku licznych badań archeologicznych stopniowo otwierają się przed nami karty odległej przeszłości kontynentu afrykańskiego i staje się jasne, że korzenie sztuki afrykańskiej sięgają daleko w głąb tysiącleci. Okazuje się, że sztuka afrykańska rozwijała się niegdyś nie tylko w Afryce Tropikalnej, ale także na wielu obszarach Afryki Południowej i Północnej, w tym na pozbawionych obecnie roślinności, obecnie pozbawionych roślinności pasmach górskich Sahary, które wtedy, siedem do ośmiu tysięcy lat temu, zamieszkiwana była ludność zajmująca się łowiectwem, hodowlą bydła i rolnictwem. Na Saharze znaleziono tysiące malowideł naskalnych oraz obrazów w różnych stylach i okresach. Najstarsze z nich pochodzą z V tysiąclecia p.n.e., późniejsze - z pierwszych wieków naszej ery. Jedno z najbardziej niezwykłych odkryć dokonano w Tassili-n-Ajer na północ od Fezzan. W 1939 roku, tuż przed wybuchem II wojny światowej, odnaleziono tam malowidła naskalne, które szczegółowo zbadano dopiero w latach 1956-1957. przez specjalną ekspedycję archeologiczną, która pracowała na pustyni przez szesnaście miesięcy. Okolica Tassili okazała się muzeum w pełnym tego słowa znaczeniu sztuka naskalna. Wśród murali znaleziono pojedyncze obrazy, które odzwierciedlają wpływy kultury starożytnego Egiptu, ale takich murali jest niewiele, a większość obrazów pod względem stylu i treści ma niewątpliwie charakter czysto afrykański. Tak więc na freskach w Tassili znaleziono wizerunki masek, podobne w kształcie do masek, które wciąż istnieją wśród niektórych ludów zachodniego Sudanu. Oddzielne szczegóły odzieży, biżuterii i fryzur, których wizerunki znaleziono na skałach Tassili, pozwalają nam dość dokładnie ustalić ich ścisły związek z kulturą materialną ludów Afryki Tropikalnej. To jest tak zwana „Biała Dama”. Niektóre z tych kompozycji, jak np. wizerunek siedzącego mężczyzny i kobiety, zadziwiają mistrzostwem przekazu ruchu i swoistą monumentalnością.
W RPA odkryto również zabytki starożytnej sztuki afrykańskiej. Tak więc w górach Matopo, w Rodezji, w latach 20-tych. zostały znalezione sztuka naskalna treść mitologiczna. Wśród tych obrazów znajdują się sceny obrzędów rolniczych, spuszczania deszczu, zabijania króla, żałoby, wstąpienia do nieba i wiele innych. itp., pokazując, że wszystkie te zabytki zostały stworzone przez ludy o wysokiej kulturze, zaznajomione już z rolnictwem - najprawdopodobniej przodkowie obecnych mieszkańców Rodezji.
Wreszcie, na skrajnym południu kontynentu afrykańskiego, w Górach Smoczych oraz w górzystych regionach południowo-zachodniej Afryki, odkryto liczne malowidła ścienne i rysunki. Te bardzo realistyczne i wysoce artystyczne obrazy zostały po raz pierwszy przypisane najstarszej rdzennej ludności Afryki Południowej - Buszmenom. Jednak szczegółowe badanie tych obrazów wykazało, że nie wszystkie zostały wykonane przez Buszmenów. Styl, fabuła i cały charakter obrazów są bardzo różne. Jest teraz jasne, że malowidła naskalne Afryki Południowej należą do różne epoki i są pomnikami twórczości artystycznej różnych narodów. Wśród najnowszych osiągnięć archeologicznych można wymienić odkrycie najciekawszej brązowej cywilizacji Sao na terenie jeziora Czad, a także szczegółowe badania znane od końca XIX wieku. ruiny kamiennej architektury RPA w regionie Zambezi-Limpopo, tzw. kultura Zimbabwe. Wykopaliska te potwierdziły lokalne afrykańskie pochodzenie architektury Zimbabwe i wyznaczyły datę wzniesienia najstarszych budowli z VI-VIII wieku. n. mi. Na szczególną uwagę zasługuje odkrycie w latach 40. XX wieku. powstała w IX wieku. pne mi. tak zwana kultura Nok (Nigeria), słynąca ze wspaniałych figurek z terakoty.
Niezwykłe znaczenie miało odkrycie w latach 30-tych. na terytorium zamieszkanym przez ludność Joruba, tzw. kultura Ife, której początki sięgają XII-XIV wieku. n. mi. i stworzył niezwykle wysoki poziom sztuki. Jednak te i wiele innych odkryć tylko uchyla zasłonę nad bogatą historią „czarnego kontynentu”, która wciąż jest nam nieznana.
Obecnie wiemy, że na terytorium Afryki powstały i zniknęły liczne stosunkowo zaawansowane kultury wczesnych państw niewolniczych i feudalnych. Podczas podboju kontynentu afrykańskiego, który rozpoczął się już w XVI wieku, europejscy kolonialiści bezwzględnie pokonali niepodległe państwa „czarnej Afryki” i stłumili lub zniszczyli ich pierwotną kulturę. Koloniści nie zdołali jednak całkowicie zniszczyć ludowych podstaw lokalnej kultury i sztuki afrykańskiej.
Ten starożytny ludowa podstawa Kultura afrykańska okazała się nieporównywalnie bardziej wytrwała i żywotna niż kultura artystyczna wczesnych państw feudalnych Afryki, które nie miały czasu na pełny rozwój i wyparcie właściwej sztuki ludowej. Kultura ta najpełniej zachowała się w XIX wieku. w tych obszarach Afryki, które były mniej zaangażowane w strefę tego bezlitosnego i bezkrwawego handlu niewolnikami piratów, który w XVI-XVIII wieku. kierowane przez „cywilizowane” mocarstwa Europy.
Sztuka ludów Afryki ma długą i złożoną, prawie niezbadaną historię.
Sztuka afrykańska to ujednolicona nazwa działalności kulturalnej różnych grup etnicznych żyjących na kontynencie afrykańskim.
Właściwie sztuka afrykańska, głównie rzeźba, jest sztuką Afryki Zachodniej i Środkowej. W jej zachodniej części znajdują się główne ośrodki rozwoju sztuki ludów Afryki: Górna Gwinea, dorzecze Nigru, Kongo i Angola. To tutaj twórczość artystyczna ludów Afryki osiągnęła apogeum: rzeźby, malarstwa i architektury.
Według niektórych badaczy większość produktów „kultury afrykańskiej” charakteryzuje się wspólne cechy:
Ш w centrum uwagi znajduje się postać ludzka.
Abstrakcja dominuje nad realizmem.
Główną formą jest rzeźba. Wynika z tego kolejna cecha: dominacja przestrzeni trójwymiarowej nad przestrzenią dwuwymiarową.
Ш mocny, dramatyczny ekspresjonizm, brak naturalizmu i ostre, kanciaste formy.
Dominacja pewnego rodzaju akcjonizmu, w którym wykorzystuje się obiekty sztuki. W ten sposób obiekty sztuki ze statyki zamieniają się w „ruchome” (taką może być maska używana podczas ceremonii).
Skalowanie nieliniowe (zniekształcone proporcje), które Leopold Sédar Senghor nazwał „symetrią dynamiczną”.
Rzeźba afrykańska obejmuje maski i figurki używane do celów rytualnych. Ogólnie maski można podzielić na dwie główne grupy:
Maski o spokojnych twarzach, których oczy są zwykle zamknięte. Przedstawiały zmarłych krewnych i były używane podczas obrzędów pogrzebowych lub uroczystości.
Przerażające maski, w których rysy twarzy człowieka często łączą się z rysami bestii. Członkowie nosili je tajne stowarzyszenia podczas tradycyjnych festynów lub polowań zły duch. Tak więc mężczyzna w masce dał tymczasowe schronienie duchowi, którego ta maska przedstawiała.
Figurki afrykańskie w większości przypadków przedstawiają zmarłą osobę, będącą naczyniem dla jego duszy lub zwierzę, które było związane z totemicznym przodkiem grupy etnicznej, jak choćby figurka antylopy pospolitej wśród ludu Bamana w Mali.
Kultury kontynentu afrykańskiego wniosły znaczący wkład do skarbca kultury światowej. Przede wszystkim jazz, wywodzący się z tradycji afrykańskich, organicznie wszedł w kontekst kultury europejskiej.
Pojawienie się rzeźby afrykańskiej w Europie miało największe znaczenie dla światowej plastyczności artystycznej. Echo kultury Czarnej Afryki odnajdziemy w twórczości tak wielkich artystów XX wieku jak M. Vlaminck, A. Derain, G. Matisse, a przede wszystkim P. Encasso. Tym ostatnim udało się połączyć dwuwymiarową perspektywę przyjętą w malarstwie zachodnim z trzecim wymiarem reprezentowanym w formach rzeźby afrykańskiej.
To właśnie ta kombinacja doprowadziła do kubizmu. Artyści najbardziej awangardowych grup nasycili się kubistycznymi formami rzeźby afrykańskiej, a kubizm wszedł do historii kultury światowej jako jeden z najciekawszych nurtów artystycznych.
Rzeźba afrykańska była także źródłem inspiracji dla twórczości przedstawicieli niemieckiego ekspresjonizmu – E. Nolde, E. Hirchnera itp. Umiejętność syntezy, która charakteryzuje sztukę Czarnej Afryki, jest nadal jednym z obszarów artystycznych poszukiwań. kultura światowa.
Sztuki piękne i dekoracyjne w Afryce tropikalnej i Południowej
Starożytny bawół.
Petroglyph, góry Ksur.
Sahara Północna.
8 tysiąclecie p.n.e. mi.
Najstarszymi zabytkami sztuki w Afryce Tropikalnej są malowidła naskalne – petroglify i obrazy wykonane farbami z lokalnych minerałów i roślin, stworzone przez różne ludy około VIII tysiąclecia p.n.e. mi. Otwarte i studiowane od 2 połowa XIX wiek. Największa liczba rzeźby naskalne znaleziono w różnych regionach Sahary - Tassilin-Adzher, Tibesti, Fezzan, Ahaggar, Achenet, Ennedi, Borku, Aire, Adrar-Iforase. Kompleksy obrazów znaleziono również na terenie Angoli, Zairu, Zambii, Zimbabwe, Mali, Mozambiku, Namibii, Sudanu, Tanzanii, Etiopii, RPA (Góry Smocze). Przybliżone daty są oparte na stylistycznych i tematycznych badaniach nakładających się warstw obrazów, fauny, flory i danych klimatycznych. Najstarsze petroglify zostały odkryte w Saharze i Atlasie Sahary i należą do tzw. okresu polowań (VIII-VI tysiąclecie p.n.e.), kiedy pustynia pokryta była tropikalnymi lasami deszczowymi (są tam wizerunki słoni, nosorożców, krokodyli, żyraf , osiągając ogromne rozmiary ). Rysunki zwierząt (konturowe lub wyrzeźbione w całości w kamieniu) wyróżniają się anatomiczną dokładnością, zwięzłością rysunku, umiejętnością przekazania ich kilkoma pociągnięciami. cechy charakteru. Szczególnie interesujące są głęboko wyrzeźbione monumentalne konturowe wizerunki starożytnego bawoła, który na początku wymarł okres neolitu. Masywna postać zwierzęcia jest przedstawiona z profilu, rogi są z przodu, przednie i tylne kończyny są podwojone (petroglify w górach Ksur na Saharze Północnej). Oprócz pojedynczych postaci pojawiają się niekiedy rysunki zawierające elementy konstrukcji kompozycyjnej (rytmicznie zrównoważone sznury zwierząt tego samego gatunku – słoni, nosorożców, hipopotamów, żyraf, antylop), sparowane obrazy, które łączą się nie tylko formalnie, ale też mają powiązanie semantyczne: walka z bawołami (petroglify w El-Guiche, Afryka Północna), samiec i samica, samica z młodym, a także wizerunki osoby (petroglify w Ksar-Amar, w Tiut, Afryka Północna). Petroglify Południowej Afryki (prawdopodobnie związane z późniejszym okresem) mają nieco inny charakter, między rzekami Vaal i Orange oraz na sąsiednich obszarach. Są to małoformatowe wizerunki poszczególnych zwierząt, w których powierzchnia wewnątrz wytłoczonego lub wyciętego konturu rysunku jest wypełniona równoległymi pociągnięciami lub gęstą esencją małych wybojów, co umożliwia oddanie faktury, a czasem nawet kolorystyki tonalnej obiekt.
Bardzo starożytny obraz reprezentowane przez monochromatyczne rysunki konturowe. Później wprowadzany jest dodatkowy kolor, pojawia się polichromia (do 10 kolorów), powstają sceny wielopostaciowe z elementami perspektywy. Pod koniec okresu polowań, 6 tysiąclecia p.n.e. mi. (datowanie jest dyskusyjne), większość obrazów z RPA, w szczególności Buszmeni, należy (patrz).
Wraz z początkiem tzw. okresu pasterskiego (duszpasterskiego) na Saharze (ok. 6-2 tys. p.n.e.) odnotowano stopniowe zanikanie wizerunków dzikich zwierząt. Od zachodniej granicy Sahary po Etiopię i Tanzanię liczne skały pokryte są dużymi, starannie wykonanymi wizerunkami byków z wisiorkami i innymi oznakami udomowienia, podobnymi w stylu do petroglifów z późnego okresu polowań. Sztuka naskalna Sahary osiągnęła swój szczyt w połowie IV tysiąclecia p.n.e. e., kiedy jego centralne regiony były zamieszkane zarówno przez plemiona śródziemnomorskie, jak i negroidalne (malowidła Tassilin-Adjer, Ennedi). W malarstwie dominują wielopostaciowe, polichromowane kompozycje, różnorodne wątki narracyjne (jazda stadem, sceny polowań, tańce, bitwy, sceny z życia codziennego). Jasne konstrukcja kompozycyjna, konkretność i szczegółowość obrazów, genialna umiejętność przenoszenia ruchu są szczególnie widoczne w scenach bitew i tańców. Technika rysowania konturowego ostatecznie ustępuje miejsca malowaniu sylwetki, tworzonemu przez nałożenie gęstej warstwy farby wypełniającej całą powierzchnię rysunku, a także miękkiej i obraz wolumetryczny oddzielne kropki lub faliste linie. W późniejszych rysunkach pojawia się schematyzacja i umowność technik artystycznych (np. ludzie są przedstawiani jako dwa trójkąty połączone wierzchołkami). Petroglify z okresu pasterskiego są bardziej szczegółowe, cienkie i lekkie w wykonaniu, konstruktywną precyzyjną linię zastępuje gładka, pełna wdzięku. Powierzchnia wewnątrz konturu jest starannie obrobiona: tłoczone obszary imitują plamy na skórze zwierząt, inne sylwetki są całkowicie wypolerowane, niektóre są wycięte tak głęboko, że zbliżają się do reliefu.
W połowie II tysiąclecia p.n.e. mi. (tzw. okres konia), w malarstwie pojawiły się nowe tematy: konie zaprzęgnięte do rydwanów, postacie ludzi w tunikach, jeźdźcy z włóczniami i tarczami, w ozdobionych piórami nakryciach głowy. Wzrastają warunkowość i schematyzm, stopniowo traci się integralność i bezpośredniość widzenia, rysunek staje się mniej wyraźny. W petroglifach istnieje również wyraźne pragnienie schematyzmu. Technika obróbki kamienia staje się coraz bardziej skomplikowana, ale poziom artystyczny spada.
Późniejsze warstwy sztuki naskalnej (tzw. okres wielbłądów; pierwsze wieki n.e.) reprezentowane są głównie przez schematyczne wyobrażenia wielbłądów, byków, antylop, strusi, muflonów, liczne i różnorodne postacie ludzkie - od półnaturalistycznych po formy symboliczne (rysunki w Etiopii, Zairze, Tanzanii). Rzeźby naskalne Dogonów (w skałach Bandiagara, Mali) składają się z najprostszych kształtów geometrycznych (prostokąty, owale) i stylizowanych głowic maski „kanaga” („krzyż lotaryński” z wygiętymi poprzeczkami).
Sztuka naskalna istniała przez kilka tysiącleci, aw niektórych obszarach (na przykład wśród Buszmenów) zniknęła dopiero wraz z nadejściem Europejczyków. Jej tradycje są zachowane w malowidłach ściennych mieszkań, w sztuce zdobniczej i użytkowej, a także w dziełach współczesnych artystów afrykańskich.
Głównym rodzajem tradycyjnej rzeźby Afryki Tropikalnej jest plastik drewniany. Jest słabo zachowany w tropikach, dlatego najstarsze dzieła pochodzą z końca XVIII-XIX wieku. Próby zbadania historii rzeźby w Afryce Tropikalnej opierają się na analizie zachowanych poszczególnych zespołów antycznych (a czasem pojedynczych zabytków) z tworzyw z kości, kamienia, terakoty i brązu, wskazując na trwałość artystycznych form stylistycznych, a także oś elementy tradycyjnej rzeźby drewnianej, która rozwinęła się w starożytności i przekazywana z pokolenia na pokolenie przez wiele stuleci.
Najstarsze znane obecnie zabytki rzeźby w Afryce Zachodniej, odkryte w latach 30. - 40. XX wieku, należą do kultury (Nigeria), która rozkwitła w V-IV wieku. pne mi. - II wiek. n. mi. Szczególne miejsce wśród znalezisk zajmują głowy terakotowe o wyraźnym afrykańskim typie antropologicznym, które tworzą jedną grupę stylistyczną. Różnorodność plastycznych interpretacji obrazów (od realistycznych do skrajnie schematycznych, wręcz abstrakcyjnych), tożsamość znalezionej biżuterii oraz szereg innych cech pozwala porównać kulturę Nok z tradycyjną rzeźbą w drewnie. Inny znaczący i złożony kompleks – rzeźba – odkryto w połowie lat 20. XX wieku. w rejonie jeziora Czad (współczesne terytorium Czadu i północnego Kamerunu). Istniejąca od dawna, zachowała w niemal niezmienionym stanie bardzo starożytne formy zaginionej dziś rzeźby kultowej. To najwyraźniej wyjaśnia prymitywne, ale niezwykle ekspresyjne formy, w których cechy antropomorficzne i zoomorficzne są ściśle powiązane. Chociaż kultura Sao nazywana jest „gliną” (większość znalezionych rzeźb jest wykonana z wypalanej gliny), istnieją również przedmioty wykonane z brązu, żelaza, kości, rogu i masy perłowej. Rzeźba z terakoty znajduje się również na terytorium Mali (Djenne, Mopti; pochodzi z około XII wieku i jest podobna do rzeźby Nok i Sao), Zairu (regiony Kisale i Uele), w północnym Kamerunie (Djimon). W 1934 r., 65 km na północ od miasta Ife (Nigeria), w pobliżu wsi Eziye, znaleziono ponad 800 steatytu głów i figurek bliskich kulturze Ife. Ich datowanie i pochodzenie nie zostały ustalone. Zabytki rzeźby kamiennej, pochodzące z około XVI wieku, odnaleziono także w innych obszarach Afryki Tropikalnej, są to postacie ludzi i zwierząt w Gwinei oraz w Sierra Leone, w Zairze, na pograniczu Nigerii i Kamerunu.
w X- początek XIX wieki w różnych częściach Sudanu Zachodniego, na wybrzeżu Zatoki Gwinejskiej, w Afryce Środkowej występowały rozległe podmioty publiczne, o kulturze artystycznej, o której są jedynie fragmentaryczne informacje. Oddzielne rozproszone pomniki można wykorzystać do oceny sztuki stanów Aszanti (na przykład miniaturowe złote maski stylizowane ze skarbów władcy Kofi Kalkali, naczynia z brązu i złota - „kuduo”, maski pośmiertne z terakoty), Baule, Kuba (drewniane pamiątkowe portrety rzeźbiarskie władców, patrz artykuł ), Kongo (garncarstwo, biżuteria), Mali (artykuły gospodarstwa domowego). Mamy pełniejszy obraz sztuki dworskiej stanu Dahomej (Benin), gdzie zachowały się malowane gliniane płaskorzeźby oraz liczne aplikacje opowiadające o najważniejszych wydarzeniach historycznych kraju. Ale dopiero dzieła sztuki Ife, a zwłaszcza Beninu (oba na terytorium Nigerii) dostarczają obszernego materiału do analizy i zrozumienia sztuki wczesnoklasowych państw afrykańskich, tworzonej na dworach władców przez rzemieślników (jeszcze nie indywidualnych, ale już sztuka zawodowa). Rzeźby wykonywane były z reguły z trwałych i drogich materiałów (brąz, złoto, kość słoniowa) i miały na celu utrzymanie prestiżu władzy królewskiej i religijnej, zastraszenie poddanych oraz zademonstrowanie potęgi i bogactwa dworu. W nich jest chęć indywidualizacji obrazów przy zachowaniu pompatycznej dekoracyjności. Wysoka jakość artystyczna i doskonałość techniczna głów z terakoty i brązu Ife, powstałych na dworach władców jorubskich państw-miast (odkryta na początku XX wieku), posłużyła jako podstawa do przypisania ich etruskim, greckim, Indyjscy, portugalscy i inni mistrzowie. Jednak wyraźny typ antropologiczny, podobieństwo stylistyczne do kultury Nok, skaryfikacja, które występują u wielu ludów afrykańskich, otwory wokół ust i czoła do dekoracji naturalne włosy, charakterystyczne dla afrykańskiej drewnianej rzeźby i masek, świadczą o autochtonicznym pochodzeniu tej sztuki. Wraz z wyidealizowanymi portretami-głowami związanymi z personifikacją władzy powstały wielkie posągi z brązu, luksusowe naczynia rytualne, które służyły zarówno jako obiekty kultu, jak i elementy zdobnicze pałaców.
Następcę tradycji artystycznej Ife można uznać za sztukę Beninu w Nigerii (koniec XIII - koniec XIX wieku). Przypuszcza się, że pierwszego mistrza, który uczył Benińczyków sztuki odlewania brązu i późniejszej obróbki brązu, został wysłany na dwór beniński przez władcę Ife. Jednak rzeźba benińska z brązu (głowy zmarłych władców i władców, ozdobne płaskorzeźby, postacie zwierząt) początkowo wyróżniała się większą konwencjonalnością i stereotypowymi technikami artystycznymi, stylizacją poszczególnych detali i sztywnością modelowania. W połowie XVIII wieku. rzeźba została całkowicie kanonizowana zgodnie z wymogami potężnego dworu. W portrecie ceremonialnym żałobnym (uhuv-elao) dominuje zasada dekoracyjności, podobieństwo portretowe zastępuje zestaw symbolicznych wizerunków charakterystycznych dla każdego króla oraz wnikliwe studium nakryć głowy, biżuterii, wysokich kołnierzyków (stylizowany wizerunek królewskich regaliów) . Płaskorzeźby z brązu, rzeźbione kły słonia to prawdziwe kroniki czynów każdego władcy. Wyraziste wizerunki króla i jego dostojników w ceremonialnych strojach, sceny polowań, ale wizerunek człowieka w tych płaskorzeźbach to tylko jeden z detali podporządkowanych ogólnemu symbolicznemu rozwiązaniu dekoracyjnemu.
O ile rzeźba z brązu i terakoty koncentrowała się głównie na dworach władców, to tradycyjna drewniana sztuka plastyczna (związana głównie z kultami religijnymi różnych ludów) istniała niemal wszędzie, nawet na terenach pozostających pod wpływem islamu (prawie nigdy nie występuje tylko wśród ludów). prowadzący koczowniczy tryb życia, - Fulani, Tuareg i inni koczowniczy pasterze - mieszkańcy półpustyni i sawanny).
Sztuka tradycyjna odegrała ogromną rolę w życiu ludów afrykańskich. Służył jako uniwersalny kanał komunikacji między jednostką a społeczeństwem, między klanami w ramach grup etnicznych, między jednostkami Grupy etniczne. Najistotniejszą cechą sztuki tradycyjnej jest jej połączenie z mitologią, religią, rytuałami, czarami, medycyną ludową. Zoomorficzne i zooantropomorficzne maski przedstawiają różne duchy i mityczne postacie, antropomorficzne drewniane posągi służą jako siedlisko dusz zmarłych przodków; fetysze, małe figurki ludzi i zwierząt są używane jako narzędzia czarów, płaskorzeźby na drzwiach mieszkań i budynków gospodarczych, na sprzęcie domowym, a także różnego rodzaju biżuterię, amulety, magiczne znaczenie. Nieliczne zachowane starożytne zabytki rzeźby drewnianej świadczą o stopniowej zmianie stylu rzeźby tradycyjnej, na bazie której powstaje sztuka dworska: drewniane płaskorzeźby o tematyce historycznej w Senufo i Baule (zob. sztuka Baule), posągi przywódców Bamileke (patrz), tworzące ozdobne galerie, rzeźby Joruba, Kongo, Mangbetu (patrz), posągi władców sześcianu. Według cech stylistycznych można wyróżnić 4 duże regiony rzeźby tradycyjnej: Sudan Zachodni, wybrzeże Gwinei, dorzecze Konga, Afryka Wschodnia. W ramach każdej z nich wyodrębnionych jest kilka głównych szkół artystycznych, wokół których grupują się mniej znaczące. W Sudanie Zachodnim twórczość artystyczna ludów Bambara, Bobo, Dogon, Senufo jest najwyraźniej reprezentowana (patrz sztuka Bambara, sztuka Bobo,). Kultury artystyczne wybrzeża Gwinei są warunkowo podzielone na 3 grupy: „Zachodnia” (od Senegalu do zachodniej części Wybrzeża Kości Słoniowej) obejmuje sztukę ludów Baga, Bidyo, Mende (patrz sztuka Mende), Kisi, Dan, Gere itp .; „centralny” (od wschodniej części Wybrzeża Kości Słoniowej do Delty Nigru) - sztuka ludów Baule, Guro, Ashanti (patrz), Joruba, „wschodnia” (od Delty Nigru do Gabonu) - sztuka ludy Igbo, Ijo, Ibibio, Ekoy, bamum (patrz, sztuka Ekoy), bamileke itp. Główne grupy dorzecza Konga (Zair, Gabon, Kongo, północne regiony Angoli) obejmują tradycyjną sztukę ludy Kła, Kota (patrz, sztuka Kota), Kvele, Teke (patrz ), Kongo, Kuba, Luba (patrz), Mangbetu, Azande, Yaka, Lende, Bena Lulua, Chokwe, Songe, Rega (patrz) itp. W regionie wschodnim (Somalia, Zambia, Zimbabwe, Tanzania, Mozambik) sztuka tradycyjna reprezentowana jest głównie przez różne typy rzemiosło artystyczne- tkactwo, tkactwo, garncarstwo. Rzeźba znajduje się wśród Shilluk, Rotse, Shona, Zaramo, Nyamwezi. Szczególne miejsce zajmuje praca ludu Makonde (patrz).
Wszędzie znajdują się okrągłe rzeźby (osobne figurki i sparowane figurki) oraz maski, które można podzielić na 3 główne typy (maska, hełm, nakrycie głowy) i 3 typy (zoomorficzne, zooantropomorficzne, antropomorficzne). Wyróżniające się wyjątkową różnorodnością form, prace plastyczne mają wspólny mianownik cechy artystyczne. Jedną z głównych cech charakterystycznych drewnianej rzeźby afrykańskiej jest naruszenie proporcjonalnych relacji poszczególnych części postaci ludzkiej: stosunek rozmiarów głowy, tułowia i nóg nie odpowiada prawdziwej postaci ludzkiej. uważany za zbiornik magicznych mocy, jest zwykle starannie opracowany, z warunkową interpretacją tułowia, podkreślone są oznaki płci, a także tatuaż wskazujący na przynależność do pewien rodzaj, ludzie lub ranga. Nogi są najczęściej grube, krótkie i prawie zawsze zgięte w kolanach, co daje wrażenie ciężkości i siły. Ubrania i biżuteria są rzadko przedstawiane. Wszystkie figury o zewnętrznym charakterze statycznym posiadają wewnętrzną dynamikę obrazu. Kolorystyka figurek jest powściągliwa i monochromatyczna (czarna, brązowa, czerwonawa), wzbogacona przecieraniem, wędzeniem, polerowaniem, użyciem szkła, metalu, muszli, włókien roślinnych, piór i kawałków tkaniny itp. Maski są wyjątkowo różnorodne . W tych samych ludziach, obok wiarygodnych, bliskich naturze obrazów, występują skrajnie schematyczne, warunkowe; Istnieje również wiele form pośrednich. Niektóre maski wyróżniają się dużą witalnością (maski chokwe), inne - niezwykłą lapidarnością form (rega), jeszcze inne - wyrazistymi zgeometryzowanymi rozwiązaniami odsłaniającymi anatomiczną budowę twarzy (piosenka). Przykładem formy, która osiągnęła granicę zwięzłości i oscyluje między artystycznym obrazem a znakiem, jest „kanaga” Dogonów.
Wraz z kupcami, podróżnikami, misjonarzami w Afryce Tropikalnej przeniknęły nowe idee i idee, nowe formy sztuki, które zostały na nowo przemyślane i dostosowane do lokalnych gustów. Kupcy północnoafrykańscy byli nie tylko nosicielami kultury bliskowschodniej, ale także pośrednikami między ośrodkami cywilizacji śródziemnomorskiej a najbardziej rozwiniętymi w kulturowo ludy zachodniej Afryki Tropikalnej. Od XV wieku szerzyły się także wpływy sztuki zachodnioeuropejskiej. Import tkanin ozdobnych, ozdób i broni wpłynął na rozwój technik rękodzielniczych i ewolucję kultury artystycznej. Wiele tutejszych zabytków to swego rodzaju fuzja sztuki orientalnej, europejskiej i afrykańskiej: niektóre rodzaje masek (np. w Sudanie) przybrały orientalny wystrój, pojawiły się statuetki przedstawiające kupców, lekarzy i misjonarzy, rozłożone nagrobki w postaci naturalistycznie malowanych posągów na terenach wpływów Kościoła katolickiego drewniane i miedziane krucyfiksy z postacią Chrystusa, która nie odbiega od tradycyjnych wizerunków przodków, obraz Matki Bożej połączył się z tradycyjnym obrazem macierzyństwa i płodności. Ekspansja mocarstw kolonialnych epoki kapitalizmu skomplikowała niezależny rozwój ludów afrykańskich i ich kultury.
V. B. Mirimanov.
Wraz z powstaniem ruchu narodowowyzwoleńczego rozpoczął się nowy etap w rozwoju kultury i sztuki afrykańskiej. Utworzony nowa kultura pojawiają się nowe formy sztuki. Wiele ludów Afryki, które weszły na drogę samodzielnego rozwoju, kontynuuje tradycje starożytnych cywilizacji afrykańskich. Dekompozycji tradycyjnego kompleksu synkretycznego, procesom desakralizacji sztuki towarzyszy różnicowanie się różnych rodzajów sztuk plastycznych, przezwyciężanie amorfizmu wewnątrzgatunkowego i gatunkowego. O wyginięciu sztuki tradycyjnej można jednak mówić tylko jako o ogólnym nurcie rozwoju historycznego. Odrębne ośrodki istnieją na wielu obszarach, gdzie 70-80% ludności mieszka na wsiach i gdzie zachowane są tradycyjne wierzenia i rytuały. Nowoczesna sztuka tradycyjna jest swoistym reliktem folklorystycznego etapu rozwoju i dlatego nie jest do końca identyczna z wersją klasyczną znaną z zabytków XVIII-XIX wieku. Już na przełomie XIX i XX wieku wyraźnie obniżyła się jakość artystyczna prac. Wysoki poziom tradycyjnej sztuki okresu klasycznego tłumaczy się nie tylko osobistym talentem mistrza, ale także samą tradycją, jej ugruntowanymi formami, udoskonalonymi przez wieki rozwoju. Rozpad tradycyjnego kompleksu kulturowego zniszczył to stabilne państwo. W sztuce na pierwszy plan wysunęła się indywidualność artysty.
Na tym krytycznym etapie historycznym pojawiają się liczne przejściowe i pośrednie formy sztuki. Znajdują się one w szerokim zakresie między sztuką folklorystyczną a profesjonalną i można je uznać za spontaniczny mechanizm ciągłości, który stwarza niezbędne warunki do przezwyciężenia głębokiej przepaści między sztuką tradycyjną i współczesną. Sztuka afrykańska musi przejść przez kilka etapów historycznych, pokonując stadialne zacofanie, jakby w skondensowanej, skondensowanej formie. Typowymi przykładami form pośrednich są malowidła ścienne z chat krajów wybrzeża Gwinei, malowana rzeźba z niewypalonej gliny („domy mbari” wśród Igbo), rzeźba drewniana Makonde (Mozambik i Tanzania), która jest rzadkością. przykład organicznego przejścia od form tradycyjnych do nowoczesnych. Znajdują się tu również dzieła sztuki pamiątkowej skupione na rynku turystycznym. Początkowo tworzony przez indywidualnych rzemieślników, szybko przeradza się w gałąź przemysłu artystycznego, nabiera charakteru masowej produkcji, ulega standaryzacji i niemal traci na znaczeniu artystycznym.
Na gruncie współczesnej kultury miejskiej powstają również inne formy przejściowe, na przykład dzieła pewnego rodzaju folkloru miejskiego (wszelkiego rodzaju szyldy, obrazy na ciężarówkach, amatorska reklama dla podróżujących grup muzycznych i teatralnych, malowanie na ścianach barów, kawiarni itp.). Wyróżnia się naiwnym realizmem i spontanicznością, czasem dążącym do narracji i podkreślanym iluzjonizmem, które jednak ustępują stereotypom, gdy tylko Afrykanie zaczynają świadomie pracować pod tradycyjnymi formami, starając się zadowolić gusta europejskich i amerykańskich turystów.
Z tym kierunkiem nieodłącznie wiąże się sztuka artystów samouków, amatorów i półprofesjonalnych. Część z nich przeszła wstępne szkolenie w różnych kręgach amatorskich m.in galerie sztuki i kluby („kluby Mbari” w wielu miastach w Nigerii), a także w szkołach otwartych przez Europejczyków („szkoły letnie” w Oshogbo w Nigerii). Niektórzy artyści stają się profesjonalistami, ale tutaj, jak w przypadku Sztuka tradycyjna między nimi nie da się narysować wyraźnej linii.
Pierwsi profesjonalni artyści afrykańscy (A. Onabolu, O. Ampofo, B. Enwonwu i inni) studiowali w Europie Zachodniej. W krajach afrykańskich system profesjonalnej edukacji artystycznej zaczął kształtować się dopiero w połowie XX wieku. Poprzedziły ją małe prywatne szkoły i pracownie, takie jak „Angar” P.R. Defosse (Zair), M. Trowell (Uganda), szkoła P. Lods (Kongo) itp., które zostały stworzone przez postępowych Europejczyków. Niektóre z nich stały się podstawą późniejszych wydziałów sztuki na afrykańskich uniwersytetach i uczelniach. Te same działy zostały otwarte w ramach nowo zorganizowanej wyższej instytucje edukacyjne(na przykład na uniwersytecie w Zarii w północnej Nigerii). Prawie wszystkie z nich skupiają się na kształceniu nauczycieli sztuki dla szkół podstawowych i średnich. Dlatego wielu artystów stara się ukończyć edukację zawodową w Europie i Ameryce.
Centralnym problemem rozwoju współczesnej sztuki afrykańskiej jest tworzenie narodowych szkół artystycznych. Proces ten, zapoczątkowany w połowie XX wieku, napotyka na wiele trudności, przede wszystkim z niekompletności procesów narodowych. Dlatego na obecny etap byłoby przedwczesne mówienie o istnieniu uznanych szkół narodowych. Proces ten przedstawiany jest jedynie jako trend wiodący.
Współczesna sztuka afrykańska przechodzi długą i trudną fazę przejściową, naznaczoną cechami eklektyzmu, choć niektórzy artyści zdobyli szerokie uznanie w innych krajach (Kofi Antubam, A. Tekle, B. Enwonwu i inni). Jej przyszłość wiąże się z rozwojem narodowych szkół artystycznych zdolnych do odzwierciedlenia nowej rzeczywistości Afryki w pełnokrwistych formach artystycznych.
N. E. Grigorowicz.
Rzemiosło artystyczne.
Kultura artystyczna Afryki znajduje swój wyraz w różnorodnych rzemiosłach, które są szeroko rozpowszechnione wśród wszystkich narodów. Wśród nich jedno z pierwszych miejsc zajmuje rzeźba w drewnie, której czasem nie da się odróżnić od rzeźby tradycyjnej. Ozdobne wizerunki masek, głów ludzkich, scen rodzajowych, religijnych i militarnych wyrzeźbiono na ościeżach i belkach drzwi, filarach nośnych wewnątrz chat w Kamerunie, Nigerii itp., ułożonych w ciągłe poziome lub pionowe rzędy. Misternie wzorzyste kompozycje postaci ludzi, zwierząt i ptaków zdobią meble (Angola, Zair, Nigeria), dzioby łodzi (Kamerun), wszelkiego rodzaju sprzęty gospodarstwa domowego (naczynia, moździerze, miski, kielichy, talerze, części siodeł, drzewce włóczni ), instrumenty muzyczne, zabawki dla dzieci, zagłówki, biżuteria damska. Arcydziełami snycerki są kubki w formie wyrazistych, misternie wykonanych ludzkich głów z Zairu, detale krosien z Wybrzeża Kości Słoniowej, naczynia do przechowywania farby z Kamerunu, miski z Zimbabwe. Niektóre ludy (Nigeria, Gambia) mają rzeźby na kości słoniowej (solniczki, kubki, łyżki, bransoletki), na łupinach orzecha kokosowego. Wszędzie robią naczynia z dyni - tykwa. Ozdabiając je rzeźbioną lub wypaloną geometrią, ornament ma znaczenie alegoryczne lub magiczne. Wśród ceramiki formowanej najciekawsze są gliniane fajki w formie wyrazistych ludzkich głów z Kamerunu, misternie ukształtowane naczynia wykonane bez koła garncarskiego z Nigerii i Ghany, naczynia zdobione postaciami ludzi i zwierząt z Zambii i Beninu, naczynia szkliwione z mocno wydłużona biała glina, a także garnki i płaskie patelnie z czerwonej gliny z Somalii, cienkie kieliszki z Ugandy.
W wielu krajach tkanie z włókien palmowych z rafii (maty, torby w Zairze, parawany, dywany, maty w Rwandzie), liści palmowych (kosze w Zairze), słomy (worki, wachlarze, maty, kosze w Gwinei, Angoli, Tanzanii, Ugandzie ) są uprawiane i inne kraje), rzadziej - trawa, gałązki. Wiklina jest ozdobiona geometrycznymi wzorami, a każdy kraj, a nawet region ma swoją ulubioną paletę kolorów i symboliczne wzory, których znaczenie często gubi się dla samych wykonawców i powtarzają je jako tradycyjny motyw. Czasami w geometryczny wzór wplecione są schematyczne wizerunki zwierząt i ptaków.
Tkactwo otrzymało nie mniej rozwoju. rzemieślnicy ludowi tworzą niezliczone warianty wzorzystej tkaniny, z której wykonuje się narzuty lub ozdobne draperie do dekoracji wnętrza mieszkania, ubrania, w tym stroje narodowe „boo-boo”, szyte z oddzielnych cienkich wstążek koloru niebieskiego, zdobione haftem (kraje Afryki Zachodniej), „kente” z eleganckiej tkaniny z tkanymi ornamentami (Ghana), haftowane w kwiaty lub postacie zwierząt, odzież w formie togi (Kamerun) itp. skórki (futra „karossa” w Ghanie, okrągłe kilimy w Lesotho i Gwinei), wykonane ze skóry, m.in. siodła, uprzęże, tarcze, torby ozdobione muszlami kauri (Somalia), aplikacja (Nigeria), malowanie (Kenia), wytłoczony wzór ze skóry w innym kolorze (Somalia ). Ze złota, srebra, brązu, miedzi wykonuje się różne wyroby jubilerskie, wśród których najciekawsze są biżuteria srebrna w połączeniu z karneolem, skorupki strusich jaj (Czad), złoto i kość słoniowa (Gambia), biżuteria ze złota filigranowego (Senegal).
Literatura:
Sztuka krajów i narodów świata, t. 1-5, M., 1962-81;
Ogólna historia architektury, t. 8, 10-11, M., 1969-73;
Sztuka ludów Afryki, M., 1975;
Kaptereva T. P., O problematyce sztuki krajów rozwijających się (nowoczesny Maghreb), w zbiorach: radziecka historia sztuki 77, ok. 201 2, M., 1978;
ona, Sztuka krajów Maghrebu. Świat starożytny, M., 1980;
Sidorova N.A., Chubova A.P., Sztuka Afryki rzymskiej, M., 1979;
Markov V. (V.I. Matvey), Sztuka Murzynów, P., 1919;
Olderogge D. A., Sztuka Afryki Zachodniej w muzeach ZSRR, L.-M., 1958;
Aliman A., Afryka prehistoryczna, przeł. z francuskiego, Moskwa, 1960;
Sztuka Afryki Tropikalnej w zbiorach ZSRR. [Album]. Aut.-stat. G. Czernowa, M., 1967;
Sztuka Afryki, wyd. Pod redakcją N. E. Grigorovicha, Moskwa, 1967.
Mirimanov V.B., Afryka. Sztuka, M., 1967;
jego, Główne nurty rozwoju sztuk pięknych w dobie formowania się klasowego, w zbiorze: radziecka historia sztuki’79, c. 1, M., 1980;
Voronina V.L., Architektura nowoczesna kraje Afryki Tropikalnej, M., 1973;
Gromyko An. A., Maski i rzeźby Afryki Tropikalnej, M., 1984;
Schweinfurth G., Artes africanae, Lpz.-L, 1975;
Einstein C., Negerplastik, 2 Aufl., Munch., 1920;
Flamand G.-B.-M., Les ecerres ecrites (Hadjrat-Mektoubat), P., 1921;
Griaule M., Arts de l'Afrique noire, P., ;
Wingert P., Rzeźba Afryki murzyńskiej, Nowy Jork, 1951;
Lavachery H., Statuaire de l'Afrique noire, Brux., 1954;
Paulme D., Les sculptures de l'Afrique noire, P., 1956;
Segy L., Rzeźba afrykańska, Nowy Jork, 1958;
Maquet J., Les civilisations noires, ;
Fagg W., Merveilles de l'art nigerien, P., 1963;
jego, Rzeźby africaines, v. 1-2, P., ;
Korabiewicz W., L'art de l'Afrique noire dans les collections polonaises, Warszawa 1966;
L'art Negre, P., 1966;
Laude J., Les arts de l'Afrique noire, P., 1979;
Delange J., Arts et peuples de l'Afrique noire, P., 1967;
Gabus J., Art Negre. Recherche de ses fonctions et wymiary, ;
Leiris M., Delange J., Afryka noire. La creation plastique, P., 1967;
Meauze P., L'art negre, rzeźba, P., 1967;
Beier U., Sztuka współczesna w Afryce, L., 1968;
Bodrogi T., Sztuka w Afryce, N.Y., ;
Wassing R.S., L'art de l'Afrique noire, P., 1969;
Leuzinger E., Die Kunst von Schwarz-Afrika, Z., 1970;
Góra MW, sztuka afrykańska. Lata od 1920, Newton Abbot, 1973;
Mveng E., L'art de l'Afrique noire. Jaunde, 1974;
Frobenius L., Und Afrika sprach, Bd 1-3, B., 1912-13;
jego, Das unbekannte Afrika, Munch., 1923;
L'urbanisme aux colonies et dans les pays tropicaux, cz. 1, 1932;
Foyle AM, Architektura w Afryce Zachodniej, "Afryka Południowa", 1959, v. 3, nr 3;
Gutkind E.A., Jak mieszkają i budują inne narody. 4 - Rdzenne domy Afryki, „Projekt architektoniczny”, 1953, v. 23, nr 5;
Gluck J.K., Afrikanische Architektur. Tribus…, Bd 6. 1956, ;
Engeström T., Notes sur les mode de construction du Soudan, Stockh., 1957;
jego, Pochodzenie architektury przedislamskiej w Afryce Zachodniej, „Ethnos”, 1969, v. 24, s. 64-69;
Kultermann U., Neues Bauen w Afryce, Tybinga. 1963;
jego, Der Schlussel zur Architektur von Heute, W., 1963;
Mauny R., Tableau Geographique de l'Ouest Africa in au moyen Sge…, Dakar, 1961;
Lawrens A. W., Zamki handlowe i forty Afryki Zachodniej, Stanford, 1964;
Garlake PS, Wczesna islamska architektura wybrzeża Afryki Wschodniej, Nairobi-L., 1966;
Andersen K. Bl., Afrykańska architektura tradycyjna, Nairobi, 1977;
Picard G. Ch., Civilization de l'Afrique Romaine, P., 1959;
Hill D., Golvin L., Architektura islamska w Afryce Północnej, L., 1976
Święty baran.
Petroglif.
Sahara.
IV tysiąclecie p.n.e. mi.
Postacie męskie i żeńskie.
Malarstwo Buszmenów.
Afryka Południowa.
"Biała Dama".
Malowidło naskalne w Jaskini Maak, Góry Brandberg.
Środek II tysiąclecia p.n.e. mi.
Sztuka Afryki Tropikalnej stała się znana Europejczykom dopiero pod koniec XIX wieku. Ale doskonałość tej sztuki była niesamowita.
Oryginalna sztuka ludów Afryki Tropikalnej rozwinęła się głównie w jej zachodniej części: w zachodnim Sudanie, na wybrzeżu Gwinei iw Kongu.
Oczywiście sztuka Afryki jest bardzo zróżnicowana, można wyróżnić różne style sztuki afrykańskiej z własnymi cechami szczególnymi. Ale w ramach jednego małego artykułu nie ma możliwości bardziej szczegółowego rozważenia tego tematu, dlatego podajemy tylko uogólniony opis całej sztuki ludów Afryki Tropikalnej.
Sztuka i kultura Afryki wciąż nie jest w pełni zrozumiała, wciąż kryje się w tej kwestii wiele tajemnic i luk. Chociaż odkrycia dokonywane są cały czas. Archeolodzy są pewni, że sztuka afrykańska rozwinęła się nie tylko w Afryce Tropikalnej, ale także na wielu obszarach Afryki Południowej i Północnej, w tym na Saharze, który 7-8 tys. lat temu był zamieszkany przez ludy zajmujące się łowiectwem, hodowlą bydła i rolnictwem. Na Saharze znaleziono tysiące malowideł naskalnych oraz obrazów w różnych stylach i okresach. Najstarsze z nich pochodzą z V tysiąclecia p.n.e., późniejsze - z pierwszych wieków naszej ery.
Istnienie prehistorycznych malowideł na Saharze było znane od dawna, ale dopiero po wyprawie francuskiego naukowca A. Lota w 1957 roku stało się to powszechnie znane: przywiózł on do Paryża ponad 800 kopii malowideł naskalnych z regionu pasma górskiego Tassilin. A obecnie rzeźby naskalne znaleziono prawie w całej Afryce.
Krajobraz Tassilin-Adjer
Ogromny pustynny płaskowyż Tassilin-Adjer (o powierzchni 72 tys. km²) znajduje się na Centralnej Saharze, w południowo-wschodniej Algierii. Powierzchnię Tassilin-Adjer przecinają kaniony, koryta wyschniętych starożytnych rzek. W skałach Tassili znajduje się wiele grot i jaskiń, a także gorące źródła wulkaniczne.
Starożytni mieszkańcy Tassilin-Adjer pozostawili ponad 15 tysięcy malowideł naskalnych i płaskorzeźb pochodzących z VII tysiąclecia p.n.e. mi. do VII wieku n. mi. To jeden z największych zabytków sztuki naskalnej na Saharze, wpisany na Listę Światowego Dziedzictwa UNESCO. Rysunki odnoszą się do różnych okresów. Najwcześniejsze są petroglify, wykonane w stylu naturalistycznym i pochodzą z lat 6000-2000 p.n.e. mi.
scena polowania
Są to głównie sceny polowań i wizerunki zwierząt z „etiopskiej” fauny: słoni, nosorożców, żyraf, hipopotamów, krokodyli, strusi, antylop, wymarłego gatunku bawołów itp.
bawoły
Zwierzęta są przedstawione bardzo realistycznie. Jest kilka rysunków wykonanych później - ich styl jest już inny. Przedstawieni tu ludzie są tak zwanego „typu Bushmana”. To ludzie w maskach, z łukami i strzałami. Henri Lot, który studiował rysunki w latach 1956-1957, nazwał ich „ludźmi okrągłogłowymi”.
Późniejsze rysunki z końca 3000-1000 pne. mi. wykonane farbami i przedstawiają zwierzęta domowe: owce, kozy, bydło. Są też wizerunki koni, psów, muflonów, słoni i żyraf. Rysunki są bardziej konwencjonalne niż w poprzedniej grupie. Ludzie są zwykle zamaskowani, z łukami i strzałami, rzutkami, toporami i krzywymi kijami. Mężczyźni ubrani są w krótkie, szerokie płaszcze, kobiety w spódnice w kształcie dzwonu.
wielbłądy
Odnaleziono również wizerunki koni i wozów z kołami z połowy II tysiąclecia p.n.e. e. - początek naszej ery.
Pojawienie się wielbłąda na rysunkach (200-700 AD) oznacza „okres wielbłąda”.
Wśród skał znaleziono również wiele grotów strzał, skrobaków, kości, młynków do ziarna, noży kamiennych i innych narzędzi ludzkich.
W epoce neolitu obszar ten był bogaty w wodę i rosły tu różne gatunki drzew liściastych i iglastych, oleander, mirt, dąb, cytrusy i drzewa oliwne. W tych miejscach, gdzie teraz widać doliny pokryte piaskiem, płynęły pełne rzeki. Było w nich dużo ryb i dużych zwierząt rzecznych: hipopotamy, krokodyle - świadczą o tym zachowane kości.
Petroglify Fezzana
Petroglify z Fezzana są uważane za szczyt sztuka prymitywna. Obszar, na którym znajdują się te obrazy, to obecnie martwa pustynia. Na skałach wyraźnie widoczne są wizerunki słoni, hipopotamów, nosorożców, żyraf, byków, antylop, strusi i innych zwierząt, a także postaci łuczników, myśliwych z rzutkami itp. Rozmiary figur sięgają kilku metrów.
W IV tysiącleciu pne. mi. Z rzeźb naskalnych pozostały żyrafy, strusie, antylopy, ale pojawiają się wizerunki drapieżników i pierwsze postacie byków. Głównym obiektem obrazu stają się byki w różnych pozach i pod różnymi kątami, czasem z długimi, czasem krótkimi rogami, z rogami wygiętymi do tyłu lub wygiętymi w formie liry.
Około połowy IV tysiąclecia pne. mi. Plemiona hodowców bydła osiedlają się w Tassilin, więc pojawiają się duże malowidła naskalne przedstawiające zaganianie bydła, sceny wojny, polowań i zbierania zbóż.
Starożytni artyści rzeźbili swoje dzieła w skałach lub malowali je farbami mineralnymi z przewagą odcieni żółtych, brązowych, niebieskich i czerwonawych. Jako spoiwo użyto białka jaja kurzego. Farby nakładano ręcznie, pędzlami i piórami.
Kultura Nok
Nok obszar życia
najstarszy znany kultura afrykańska została otwarta w 1944 roku w miejscowości Knock (Nigeria), pomiędzy rzekami Niger i Benue. W kopalniach cyny znajdowano portrety rzeźbiarskie i detale postaci wykonane z wypalonej gliny niemal naturalnej wielkości. Ta kultura została nazwana kulturą Nok. Od tego czasu znaleziono wiele obiektów tej kultury. Datowano je metodą węgla radioaktywnego. Cywilizacja Nok powstała w Nigerii około 900 rpne. mi. i tajemniczo zniknął w 200 rne. mi. (koniec neolitu (epoka kamienia) i początek epoki żelaza). Uważa się, że cywilizacja Nok jako pierwsza w regionie subsaharyjskim wykonała figurki z terakoty.
Statuetka kobiety. Wzrost 48 cm Wiek: 900 do 1500 lat
Rzeźba z terakoty Nok
Cywilizacja Nok znana jest również z rozprzestrzeniania się metalurgii żelaza w Afryce subsaharyjskiej. Do ich kultury należą również rzeźby z brązu. Zostały wykonane „metodą traconego wosku”. Szorstka gliniana półfabrykat posmarowano grubą warstwą wosku, z którego uformowano model. Następnie ponownie pokryto go gliną i roztopiony metal wlano do specjalnie lewego otworu. Gdy wosk wypłynął, model został wysuszony, zewnętrzna warstwa gliny została rozbita, a powstała figurka z brązu została starannie wypolerowana. Ta metoda była znana w starożytnym Egipcie, ale nie ma przekonujących dowodów na związek między starożytnym Egiptem a Nok.
Doskonałość rzeźbienia i wypalania sugeruje, że kultura Nok rozwijała się przez długi czas. Być może poprzedziła go jakaś inna, jeszcze bardziej starożytna kultura.
Sao ludzie
Do dziś przetrwały legendy o tajemniczych ludach Sao, którzy zamieszkiwali okolice jeziora Czad. Ta kultura archeologiczna istniała w X-XIX wieku. n. mi. w dolnym biegu rzek Shari i Logone (terytorium współczesnej Republiki Czadu). Według legendy lud Sao przybył do regionu jeziora Czad z oazy Bilma na Saharze. Ludność zajmowała się łowiectwem, rybołówstwem i rolnictwem, znała metalurgię żelaza, miedzi i brązu; rozwinięto różne rzemiosła. Wykopaliska przeprowadzone w połowie lat dwudziestych XX wiek zbadano pozostałości licznych osad. Odkryto ruiny murów miejskich i domy z cegły, wiele wyrobów glinianych (rzeźby, urny pogrzebowe, zabawki dla dzieci, biżuterię, duże naczynia do przechowywania zboża), metale, kości, rogi, macicę perłową. Do najciekawszych dzieł rzeźby w glinie (głównie z X wieku) należą głowy i posągi, uderzające groteskową deformacją rysów twarzy.
rzeźba sao
Istnieje legenda o ludziach Sao - byli to olbrzymy, które jedną ręką blokowały rzeki, robiły łuki z pni palmowych iz łatwością nosiły na ramionach słonie i hipopotamy. Znaleziska archeologów potwierdziły to rzeczywiście w X-XVI wieku. mieszkali tu ludzie, którzy stworzyli własną kulturę.
Sao budowali duże miasta otoczone murami z cegły o wysokości 10 metrów, tworzyli rzeźby z gliny i brązu, które zazwyczaj łączyły cechy człowieka i zwierzęcia.
Poza dziełami rzeźbiarskimi, trafiły do nas również płaskorzeźby z brązu o różnej tematyce, które zdobiły filary i ściany pałacowych krużganków. Benińscy rzemieślnicy tworzyli również dzieła z kości słoniowej i drewna: wisiorki, różdżki, solniczki itp.
Sztuka naskalna (Rodezja Południowa)
W RPA odkryto również zabytki starożytnej sztuki afrykańskiej. W latach 20. 19 wiek w górach Matopo znaleziono rzeźby skalne o treści mitologicznej. Wśród tych obrazów znajdują się sceny obrzędów rolniczych, spuszczania deszczu, zabijania króla, żałoby, wznoszenia się do nieba.
Ulga (Rodezja Południowa)
drewniana rzeźba
Najbardziej rozpowszechnioną formą sztuki w Afryce Tropikalnej była rzeźba ludowa wykonana z drewna. Został stworzony przez prawie wszystkie ludy od Sahary po Afrykę Południową, z wyjątkiem wschodnich regionów, gdzie islam był szeroko rozpowszechniony. Chociaż wiek najstarszych dzieł, które do nas spływały, nie przekracza 150-200 lat, uważa się, że drewniana rzeźba istnieje w Tropikalnej Afryce od dawna, ale w wilgotnym tropikalnym klimacie drzewo bardzo szybko zniszczony.
Rzeźba ludowa to dwa duże grupy: rzeczywista rzeźba i maski. Rzeźba była przez większą część kult (wizerunki różnych duchów, przodków) oraz maski były używane podczas obrzędów inicjacji młodych mężczyzn i kobiet w członków gminy, a także podczas różnych uroczystości, świąt, maskarad itp.
Każdy naród afrykański miał swój oryginalny styl rzeźby, ale istnieje wiele wspólnych cech. Był on zwykle rzeźbiony ze świeżego, nieutwardzonego miękkiego drewna, malowany trzema kolorami - białym, czarnym i czerwono-brązowym, czasem zielonym i niebieskim. Afrykańscy mistrzowie znacznie przesadzili z wielkością głowy, podczas gdy reszta postaci pozostała nieproporcjonalnie mała. Maski często łączyły w sobie cechy człowieka i zwierzęcia.
Na terenach, które rozkwitły w XVI-XVIII wieku, zachowały się bogate oryginalne tradycje artystyczne. w głębi lasów równikowych stanu Bushongo (w górnym biegu rzeki Kassay, dopływu Konga).
W wielu częściach Afryki Tropikalnej sztuka rzeźby w drewnie istnieje do dziś.
Sztuka średniowiecznej Afryki
Kultura Ife
Ife to miasto w południowo-zachodniej Nigerii. To jeden z najważniejszych ośrodków starożytnej cywilizacji w Afryce Zachodniej. W XII-XIX wieku. Ife było miastem-państwem ludu Joruba. W Ife znaleziono terakotowe głowy, monumentalne brązowe głowy bogów i władców, wyraziste półfigury z brązu pokryte ornamentalną dekoracją (najprawdopodobniej byli to królowie Ife).
Rzeźba z brązu Ife miała wielki wpływ na rozwój kultury artystycznej Beninu, państwa, które istniało do końca XIX wieku. na terytorium Nigerii. Jorubowie nadal uważają Ife za swój rodzinny dom.
Kiedy w wyniku wypraw z 1910 i 1938 r. znaleziono tu rzeźby z brązu i terakoty, które nie ustępowały najlepszym przykładom sztuki antycznej, te znaleziska zadziwiły Europę. Trudno ustalić czas wykonania tych figur, ale wstępnie jest to XII-XIV wiek.
Rzeźby portretowe z Ife są prawie naturalnej wielkości. Wyróżniają się proporcjonalnością i harmonią - ucieleśnionym ideałem ludzkiego piękna tamtych czasów. Ponadto odlew z brązu tych postaci był równie doskonały jak formy.
Według legendy sztuka odlewania brązu była w XIII wieku. sprowadzony z Ife do miasta-państwa Benin. Tutaj, podobnie jak w Ife, służył królom – obu. Mistrzowie odlewni mieszkali w specjalnej dzielnicy miasta i urzędnicy specjalniściśle przestrzegano zachowania tajemnicy odlewania brązu.
Miasto zostało zniszczone podczas angielskiej ekspedycji karnej w 1897 roku, a wiele dzieł sztuki zginęło w pożarze.
Brązowe płaskorzeźby Ife
Poza dziełami rzeźbiarskimi, trafiły do nas również płaskorzeźby z brązu o różnej tematyce, które zdobiły filary i ściany pałacowych krużganków. Benińscy rzemieślnicy tworzyli również dzieła z kości słoniowej i drewna: wisiorki, różdżki, solniczki itp.
W niektórych rzeźbionych głowach Ife widać podobieństwa.
Brązowa figura króla
Do XV wieku stan Benin zaczął dominować wśród ludu Joruba. Ożywiony handel z Beninem był prowadzony przez Portugalczyków (XVII-XVIII wiek), więc istnieje opis tego stanu, jego wspaniałych pałaców. Francuski podróżnik Landolf porównał nawet Benin z głównymi francuskimi miastami tamtych czasów. O dawnej świetności jego pałaców opowiadają brązowe płaskorzeźby, głowy i rzeźbione kły słoni, przechowywane obecnie w muzeach w Europie i Ameryce.
Benin brąz
Duże głowy z brązu przedstawiają głównie królów Beninu. Do tej pory w każdym domu w Beninie znajduje się ołtarz, na którym składane są ofiary przodkom, a przede wszystkim zmarłemu ojcu. Na ołtarzach zwykle umieszczane są rzeźbione drewniane głowy, możliwie najdokładniej oddające portretowe podobieństwo do zmarłego.
Według legendy w połowie XIII wieku. (za panowania króla Oguli) z miasta Ife, mistrz odlewniczy Igwe-Iga został wysłany do Beninu, uczył innych mistrzów, którzy mieszkali w specjalnej dzielnicy w pobliżu pałacu królewskiego. Sztuka odlewania brązu była utrzymywana w tajemnicy.
Płaskorzeźby z brązu zdobiły sale pałaców i krużganków. Przedstawiały różne sceny z życia, a także królów, dworzan itp.
Kultura Ife i Beninu wpłynęła na kultury prawie wszystkich narodów wybrzeża Gwinei.
Na przykład odlewnicy w Ghanie wykonali miniaturowe odlewy z brązu odważników do ważenia złota. Odlewanie złota było bardzo powszechne wśród ludów Baule. Ich złote maski wyróżnia wdzięk. Noszono je na szyi lub w pasie. Być może przedstawiały głowy martwych wrogów. Maski Baule są zróżnicowane, ale mają też wspólne cechy: owalna twarz, zamknięte oczy w kształcie migdałów, długi, cienki nos, włosy w postaci skręconych koków itp.
Maska Baule
Sztuka starożytnych i średniowiecznych państw Afryki Tropikalnej sugeruje, że ludy Afryki osiągnęły wysoki poziom i stworzyły oryginalną, wysoce artystyczną kulturę.
Figura strażnika na arce "Kot", Gabon XIX w., drewno rzeźbione, pokryte miedzianymi i mosiężnymi łuskami i płytami, 55 cm, Muzeum Człowieka Paryż.
W Afryce sztukę można spotkać wszędzie, bo dosłownie wszystko wokół jest niesamowicie udekorowane: przedmioty gospodarstwa domowego, wspaniałe stroje, broń, a ściany mieszkań są czasem pokryte prawdziwymi freskami. Afrykańska rzeźba z drewna jest słabo zachowana w gorącym i wilgotnym klimacie. Dlatego zachowało się bardzo niewiele przykładów rzeźby antycznej powstałej przed końcem XIX wieku, zwłaszcza że do niedawna nikt jej nie kolekcjonował. Tak więc historia sztuki afrykańskiej jest prawie nieznana, a geografia bardzo niedokładna. Nie zawsze można zrozumieć wagę, jaką Afrykanie przywiązują do swoich rzeźb, zwłaszcza że różne kraje mają dla nich różne znaczenia. Maski kłów w Gabonie (Afryka Zachodnia) noszone są podczas rytualnych tańców, z którymi spotykają się z kosmitami. Maski Batek w Kongo towarzyszą ważnym wydarzeniom w życie publiczne. Niektóre figurki kojarzą się z rytuałami pogrzebowymi, takimi jak „kocie” arki (w Gabonie); inne - z magią i przepowiedniami (figurki „mumui” w Nigerii).
Rzeźba wykonana z drewna, gliny i metalu
Rzeźba wykonana z drewna i metalu.
Techniki stosowane przez sztukę afrykańską, a także jej funkcje są niezwykle zróżnicowane. Niektóre maski stworzone do tańców rytualnych są wyrzucane lub łamane po zakończeniu ceremonii, tak jak zmywa się koloryt tancerki. Te rzeczy nie zawsze można nazwać pracami zawodowymi. Inne wręcz przeciwnie, wymagają wysokiego poziomu kunsztu, a ich produkcji ufają tylko profesjonalni rzeźbiarze: rzeźba w drewnie nie pozostawia miejsca na błąd, ponieważ wióry drzewne po ścięciu nie mogą wrócić na swoje miejsce. Czasami rzeźbiarz stosuje kilka technik, z których każda jest zdeterminowana materiałem: gliną, drewnem, metalem. Na przykład maski bateke są wyrzeźbione z drewna i pokryte kolorową gliną. A figurki-strażnicy na „kocich” arkach, również wykonanych z drewna, pokryte są mosiężnymi płytami i miedzianymi łuskami. Funkcja sztuką wszystkich ludów Afryki jest ścisłe przestrzeganie kanonów: każdy rzeźbiarz należy do własnego plemienia i musi dokładnie odtworzyć wszystkie cechy i szczegóły posągów i masek opracowanych przez pokolenia przodków, dozwolone są tylko niewielkie zmiany. Afrykański artysta jest więc przede wszystkim rzemieślnikiem.
Brąz z Beninu W XVI wieku nawiązano kontakty między portugalskimi żeglarzami a królestwem Beninu, położonym na zachodnim wybrzeżu Afryki: Portugalczycy zaczęli importować metal i kupować niewolników. W tym czasie pałac królewski w Beninie ozdobiono płaskorzeźbami z brązu przedstawiającymi żołnierzy uzbrojonych w broń europejską. Mimo to kontakt kultur pozostał ograniczony: na przykład nic w tej płaskorzeźbie nie przypomina sztuki renesansu, która już rozwijała się w Europie.
Reakcje na artykuł
Podobała Ci się nasza strona? Dołączyć lub zapisz się (otrzymasz powiadomienia o nowych tematach drogą mailową) na nasz kanał w Mirtesen!
Wrażenia: 1 Zasięg: 0 Czyta: 0
Uwagi
Pokaż poprzednie komentarze (pokazuje %s z %s)
Kultura artystyczna Beninu była jednym z ośrodków profesjonalnej sztuki dworskiej w Afryce Tropikalnej. Wyroby z brązu powstały metodą odlewania „wosku traconego” (na podstawie modeli woskowych). W sztuce Beninu wyróżnia się trzy okresy charakteryzujące się odmiennością rzeźby. Z pierwszego pochodziły portrety głów królów Beninu, związane z kultem przodków, umieszczano je na ołtarzu. Mają pewną umowność i zwięzłość. Drugi okres uważany jest za okres rozkwitu sztuki benińskiej i charakteryzuje się miękkością i precyzją wykonania. Z wyjątkiem dobrze słynne głowy i płaskorzeźby (z postaciami władców, szlachty, wojowników, muzykantów), rzeźbę reprezentują stylizowane postacie ryb, ptaków, drapieżników i ludzi (wojowników, muzyków, dworzan) wykonane z brązu, kości słoniowej i żelaza. Dzieła sztuki z Beninu były pierwszymi dziełami sztuki afrykańskiej, na które narażeni byli Europejczycy; wiele prac z tzw. „brązu benińskiego” jest eksponowanych w: główne muzea pokój. Tekst ukryty
Reakcje na komentarz
KRÓTKA HISTORIA BENINA
BENIN (Benin), średniowieczne państwo, które istniało w XIII-XIX wieku. w południowej części współczesnej Nigerii, na zachód od rzeki. Niger. W okresie świetności (14-17 wieków) Benin był dużym imperium, rozciągającym się od miasta Onich po zaplecze współczesnego Beninu na zachodzie. Stolicą Beninu był Wielki Benin, położony na terenie nowoczesnego miasta Benin City. Benińscy królowie nosili tytuł „obaj” („obaj Benin” lub „obaj Benin”). Wraz z obydwoma najwięksi dygnitarze odgrywali ważną rolę w administracji państwowej.
Według miejscowej legendy lud Edo, który mieszkał w Beninie, zaprosił władcę Oranmyan z Ife (jednego ze stanów Joruba), aby pozbył się rządów plemienia Osigo. Syn Oranmyana, Ewek I został pierwszym z obu Beninów. W XV wieku, za panowania Oba Ewuare Wielkiego, cała najwyższa władza w królestwie przeszła w ręce Oba, Wielki Benin zamienił się w ufortyfikowaną fortecę otoczoną murami i wieżami. Portugalczycy byli pierwszymi Europejczykami, którzy dotarli do brzegów Beninu w 1485 roku. Wkrótce między Portugalią a Beninem nawiązano szerokie stosunki handlowe, portugalscy kupcy eksportowali z Beninu produkty tropikalne, a następnie importowano głównie niewolników, europejskie towary i broń palną. Na początku. 16 wiek Z rozkazu Oba do Lizbony wysłano ambasadora Beninu, a król Portugalii wysłał chrześcijańskich misjonarzy do Beninu. W kon. 19 wiek niektórzy ludzie w Beninie nadal mówili lokalnym dialektem portugalskiego.
Pierwsza angielska wyprawa do Beninu odbyła się w 1553 roku, handlując z Wielką Brytanią w oparciu o eksport kości słoniowej, oleju palmowego i pieprzu. Odwiedził Benin w XVI i XVII wieku. Brytyjczycy przywieźli do Europy legendy „Wielkiego Beninu”, bajeczne miasto z bogatymi domami i potężnym królem. Bogactwo i potęga Beninu rosły w XVI i XVII wieku. poprzez handel niewolnikami z Europą. Niewolników z wrogich stanów śródlądowych sprzedawano i transportowano do Ameryki na statkach holenderskich i portugalskich. Wkrótce część wybrzeża Beninu została nazwana „Wybrzeżem Niewolników”. Po 1700 r. państwo, a wraz z nim jego stolica, zaczęło podupadać. Jednak w XIX wieku Benin znów przeżywa boom, tym razem dzięki handlowi olejem palmowym. W latach 80. i 90. XIX wieku Benin wielokrotnie odmawiał podpisania traktatu protektoratu z Wielką Brytanią. Jednak po śmierci ośmiu brytyjskich przedstawicieli, w 1897 r. zorganizowano ekspedycję karną, podczas której wojska brytyjskie dowodzone przez admirała Harry'ego Rawsona zniszczyły i spaliły Wielki Benin, niszcząc większość dzieł sztuki stworzonych przez mistrzów Beninu. Następnie Benin stał się częścią angielskiej kolonii Nigerii. W 1975 roku Republika Dahomeju (była kolonia francuska), granicząc od zachodu z historycznym Beninem, przywłaszczyła sobie nazwę Benin. Tekst ukryty
Reakcje na komentarz
Sztuka Państwo afrykańskie Benin, powstały pod bezpośrednim wpływem more starożytna kultura Ife, w XV-XVII wieku osiągnął swój szczyt. Do tego czasu (1400) królestwo Beninu, które wcześniej uznało władzę najwyższych królów plemienia Joruba, uzyskało niezależność polityczną i stało się najpotężniejszą potęgą na całym wybrzeżu Zatoki Gwinejskiej.
Jego bogactwo opierało się na handlu kością słoniową, pieprzem, olejem palmowym i niesławnym handlu niewolnikami. Od końca XV wieku pędzili tu portugalscy kupcy, a holenderscy i francuscy podróżnicy, którzy odwiedzili Benin w XVII wieku, ze zdziwieniem mówili wówczas o gęsto zaludnionym kraju i jego stolicy, która nie ustępowała rozmiarami europejskim miastom. Podziwiali przepych królewskiego pałacu, jego wspaniałą dekorację i luksus, a także wysokie umiejętności benińskich rzemieślników.
Historia Beninu, obejmująca prawie całe tysiąclecie, zakończyła się tragicznie pod koniec XIX wieku. Potem wybuchła walka między głównymi potęgami kolonialnymi Europy o podział Afryki, a wojska brytyjskie sprowokowały krwawy incydent. W 1897 r. wicekonsul brytyjski ogłosił zamiar złożenia oficjalnej wizyty „obbe” – władcy Beninu.
W odpowiedzi "obba" powiedział, że nie może przyjąć wicekonsula w wyznaczonym dniu, ponieważ będzie uczestniczył w bardzo ważnej lokalnej uroczystości. Jednak władze brytyjskie nadal nalegały na wizytę. Wiele osób towarzyszących wicekonsulowi zginęło po drodze i choć „obba” nie ponosił za to żadnej odpowiedzialności, Brytyjczycy wysłali do Beninu ekspedycję karną. Ciężko zbombardowali Benin i zniszczyli jego stolicę. Płomień ognia zgasł, a pałac władcy, ponad 2000 barbarzyńsko zniszczonych dzieła sztuki, który obejmował rzeźby z brązu, kości słoniowej i drewna. Zniknęło około 1000 prostokątnych, odlanych z brązu płyt (z płaskorzeźbami), na których przedstawiono licznych odwiedzających pałac (w tym Portugalczyków), a także odlane w częściach duże węże z brązu, które następnie przymocowano do wież pałacu.
Brązowe głowy i niektóre płaskorzeźby, które przetrwały w ruinach pałacu, stały się łupem żołnierzy angielskich, którzy przywieźli je do Anglii. Tam te dzieła sztuki zrobiły prawdziwą furorę, niektóre z nich trafiły później w ręce antykwariuszy i wzbogaciły kolekcje wielu muzea europejskie. Z kilkoma wyjątkami cudowne kościane przedmioty, duma benińskich rzemieślników, zniknęły bez śladu, a teraz można je oceniać tylko po przypadkowo zachowanych próbkach.
Wśród nich znajduje się głowa wyrzeźbiona z kawałka kła słonia (jego wysokość to 24,4 centymetra), która służyła jako pektorał (dekoracja z rudy) szlacheckiej arystokraty. Rzeźbiarz z Beninu bardzo umiejętnie wyrzeźbił wyrazistą twarz z szerokim Otwórz oczy, podkreślając w nim cechy typowo murzyńskie. Dwie pionowe blizny na czole, w które zaostrzono żelazne paski, to znak rozpoznawczy tradycyjnego tatuażu. Wysadzane żelazem źrenice nadają spojrzeniu szczególnego napięcia; Ozdobną ramę maski stanowi naszyjnik utkany z drogocennych korali wokół szyi, ozdobne loki włosów i diadem wieńczący uczesanie ze stylizowanymi wizerunkami brodatych głów Europejczyków (podobno uderzające w wyobraźnię mistrza).
Nawet w czasach starożytnych mistrzowie Beninu zapożyczyli techniki artystycznej obróbki metalu od ludu Joruba. Legenda głosi, że w 1280 roku doświadczony kuter Igwe-Iga został wysłany przez króla Ife do Beninu, gdzie uczył swojej sztuki miejscowych mistrzów i gdzie później powstała pierwotna szkoła toreutyki. Benińscy rzemieślnicy opanowali złożoną technikę odlewania przedmiotów z brązu do takiej perfekcji, że byli w stanie wykonać odlew o grubości ścianki nie większej niż 2-3 milimetry. Europejscy casterzy nie znali takiego wirtuozowskiego dzieła nawet w XV wieku. Nic dziwnego, że w 1914 roku reżyser Muzeum Berlińskie mówił o wyrobach wykwalifikowanych mistrzów benińskich: „Ani Benvenuto Cellini, ani nikt inny nie mógł lepiej odlać tych rzeźb”.
Produkcja wyrobów z brązu była uważana w Beninie za przywilej króla, więc sztuka odlewania była utrzymywana w ścisłej tajemnicy, a osama - rzemieślnicy z brązu - mieszkali i pracowali w specjalnej dzielnicy obok pałacu królewskiego i pod czujnym okiem nadzór jednego z królewskich powierników. Warsztaty te produkowały brązowe głowy zmarłych królów, płaskorzeźby panelowe do licowania pałacowych galerii, różne figurki szlachty, wojowników, muzyków...
Zabytki średniowiecznej rzeźby Beninu są ściśle związane z religijnym i magicznym światopoglądem Beninu. Oni, podobnie jak wiele ludów Afryki w ogóle, mieli szeroko rozpowszechniony kult przodków. W umysłach Beninów otaczający świat był wypełniony wieloma duchami ludzi, którzy kiedyś żyli. I choć już umarli, niewidocznie pozostają członkami społeczności plemiennej i mają ogromny wpływ na życie swoich potomków. W każdym benińskim domu znajdował się ołtarz, na którym członkowie rodziny składali hojne prezenty dziadkom, a przede wszystkim zmarłemu ojcu.
Królewscy przodkowie Beninu, deifikowani panowie Beninu, cieszyli się szczególną czcią. Ich kult miał znaczenie narodowe, a ołtarz w pałacu królewskim uważany był za główne miejsce kultu przodków całego kraju. Na ich pamiątkę corocznie uroczyste ceremonie towarzyszyły setki ludzkich ofiar.
W takich ceremoniach ważną rolę odgrywały święte głowy przodków króla. W przeciwieństwie do zwykłego uhuv-elao, święte głowy zostały odlane z brązu i zwieńczone rzeźbionymi kłami słonia.
Obok wizerunku męskich głów wśród benińskich przedmiotów z brązu znajdują się również głowy królowej matki, która zajmowała uprzywilejowaną pozycję na dworze królewskim. Zgodnie z przyjętym w Beninie kanonem pojawia się zawsze pod postacią młodej kobiety o wyrazistych rysach murzyńskich.
Jedna z tych głów (jej wysokość to 40 centymetrów) jest obecnie przechowywana w Brytyjskim Muzeum Narodowym. Jej wysokie nakrycie głowy w kształcie stożka z wisiorkami imituje oryginalny strój królowej. Utkany jest z różowych i niebieskich korali, które w Beninie były cenione bardziej niż złoto. Stworzyli również niezwykle duży naszyjnik, który jak stojący kołnierz otula szyję królowej Beninu i ma magiczne moce.
Starożytny rzeźbiarz, który stworzył tę głowę, umiejętnie wypolerował brąz, tworząc efektowną grę refleksów świetlnych. Pionowymi liniami zaznaczył linie tatuażu na czole i stylizował rysunek uszu, zamieniając je w ozdobne loki. Brązowa głowa królowej matki należy do prawdziwych arcydzieł sztuki benińskiej. Tekst ukryty
Reakcje na komentarz
KULTURA BENIN JEST UZNAWANA ZA OFFLINE KULTURY IFE, która powstała wcześniej, w XII-XIV wieku. w południowo-zachodnim Sudanie na podstawie potężnej formacji państwowej, która rozwinęła się wśród czterech milionów ludzi Joruba.
W XIX wieku. Europejscy podróżnicy byli zaskoczeni, gdy „odkryli” na tym terenie duże, kwitnące miasta, liczące kilkadziesiąt tysięcy ludzi (Ibadan, Ilorin itp.) – Architektura tych miast – domów z dziedzińcami i basenami – przypominała, zdaniem niektórych podróżnicy, domy starożytnego Rzymu i ich charakterystyczne impluvium.
Jorubowie osiągnęli wielki sukces w wytopie metali, rozwoju rękodzieła i stworzyli złożony panteon charakterystyczny dla ludów, które weszły w klasowy etap swojego rozwoju. Okres rozkwitu kultury artystycznej joruba w stanie Ife sięga XII-XIV wieku. Wystarczające pojęcie o poziomie osiągniętym w tym czasie przez sztukę dały, wraz z niektórymi wcześniejszymi znaleziskami, wykopaliska rozpoczęte w 1938 roku w świętym mieście Ife w Jorubie. Znaleziska te obejmują w szczególności serię głów z tarrakoty, które zdobiły ołtarze ofiarne i przedstawiały, być może, władców przodków. Te głowy zadziwiają wspaniałym mistrzostwem realistycznego tworzywa sztucznego, bliskiego starożytnemu realizmowi (zdj. 359 6). Doskonała identyfikacja plastycznych brył, uogólniona, a zarazem soczyście realistyczna interpretacja formy, wyróżnia nieznana nam umiejętność rzeźbiarzy. W niektórych z tych głów wyraźnie ucieleśnia się poszukiwanie harmonijnego obrazu w zakresie jego proporcjonalnych relacji - rodzaj doskonałego, a zarazem specyficznego dla życia ludzkiego piękna. Terakotowe głowy z Ife to jedno z najjaśniejszych osiągnięć sztuki światowej. Nie mniej znaczące są monumentalne głowy bogów i władców Ife z brązu, nieco odmienne stylistycznie od głów z terakoty.
Podkreśloną monumentalnością wyróżniają się spiżowa głowa, podobno przedstawiająca boga morza Olokun, znaleziona jeszcze przed I wojną światową przez słynnego niemieckiego etnografa i badacza kultury Afryki Frobeniusa, czy też wspaniała spiżowa głowa króla Ob-lufona uogólnionych brył rzeźbiarskich, swoiste połączenie precyzyjnego i mocnego modelowania plastycznego z rytmiczno - ozdobnym graficznym studium powierzchni formy w celu oddania fryzury, pasków nakładanych na twarz, tatuaży itp. (zdj. 360).
Na niektórych głowach z brązu wykonano okrągłe otwory wokół ust lub czoła, przeznaczone do mocowania wąsów, loków, biżuterii. W niektórych głowach Ife widać też cechy przeniesienia podobieństwa portretowego, które jednak nie burzą harmonii tworzonego wizerunku typowego człowieka.
Jednym z najbardziej znaczących artystycznie zabytków tego kręgu są wykonane z brązu półpostaci jednego z Oni – deifikowanego króla – przodka panującej dynastii. Frontalna powaga pozy, wolna jednak od hieratycznego bezruchu, bogactwo zdobień noszonych na proporcjonalnie smukłej postaci króla, powściągliwa dynamika elastycznie gładkiego konturu całej kompozycji tworzą obraz uderzający estetyczną doskonałością . Tekst ukryty
