Co wiesz o tak tajemniczej sztuce, jaką jest animacja, jej pochodzeniu i metodach? Każdy widział kreskówki, ale nie każdy wie, jak proste narysowane postacie ożywają i zyskują własny charakter i głos. Zanurzmy się w świat dzieciństwa i baśni, dowiedzmy się nieco więcej o animacji, jej różnych gatunkach, charakterystycznych dla różnych krajów.
Początków animacji można szukać m.in sztuki piękne, teatr, rzeźba, pantomima. Stanowi wyjątkową syntezę tych wielu sztuk, dzięki której postacie i fabuły z kreskówek stają się prawdziwe i ekscytujące. Kreskówka obraz artystyczny wieloaspektowy i dość złożony, ale jednocześnie prosty i zrozumiały.
Animacja jako forma sztuki filmowej zaczęła się rozwijać już na początku XX wieku w Europie i Ameryce. W latach czterdziestych podobne kreskówki pojawiły się w Związku Radzieckim. W tamtym czasie główną metodą animacji było filmowanie klatka po klatce faz ruchu postaci. Ta metoda jest obecnie mniej popularna, ale nadal nie traci na znaczeniu. Nadaje się zarówno do animacji graficznej, trójwymiarowej i ręcznie rysowanej, jak i animacji lalkowej. Nowoczesne metody grafika komputerowa umożliwia tworzenie animacji znacznie szybciej i przy mniejszych nakładach finansowych, znacznie poszerzając możliwości artystów-animatorów.
Niektóre kraje mają swoje własne, unikalne gatunki animacji. Na przykład w Japonii na początku lat 60. stworzyli gatunek zwany anime (twórca - legendarny Osama Tezuka). Młodzi ludzie uwielbiają teraz ten gatunek anime. Francja jest kolebką ręcznie rysowanej animacji, a Rosja jest kolebką animacji trójwymiarowej. Jeśli wcześniej postacie były rysowane płasko na papierze, teraz uzyskały realistyczną objętość. Animacja z plasteliny jest również bardziej typowa dla Rosji niż dla innych krajów.
W animacji rosyjskiej wiele uwagi poświęca się aspektom moralnym i etycznym, wewnętrzny świat postacie. Kreskówki są pełne znaczeń i wykonane w taki sposób, że mimowolnie stajesz się jednym z uczestników tej niesamowitej akcji na ekranie. Taka animacja z pogranicza rzeczywistości pozwala dziecku nauczyć się robić wybór moralny pomiędzy dobrem a złem, poszerz swoje horyzonty. A jeśli w wyszukiwaniu wpiszesz „rosyjski”, otrzymamy wiele przykładów wysoce artystyczna animacja, w której bohaterowie, ich problemy, decyzje moralne praktycznie nie różnią się od rzeczywistych. Amerykańskie kreskówki skupiają się na humorze i klaunowaniu.
Animacja to celebracja fikcji i oryginalności twórczości artystów, kompozytorów i reżyserów. I niech to święto zagości w nas na dłużej, dając radość dorosłym i dzieciom.
Wszyscy wychowaliśmy się na starym, dobrym Radzieckie karykatury. Ale widząc na ekranie Dunno, Funtika czy inne ulubione postacie, nikt nie pomyślał o tym, ile wysiłku włożono w stworzenie jednej minuty kreskówki. Gdzie zaczęła się jej historia? Animacja lalkowa i ręcznie rysowana – która jest starsza? Odpowiedzi na te pytania znajdziesz w tym artykule.
Co to jest animacja?
Animacja to zbiór techniki, które opierają się na tworzeniu ruchomych obrazów, a raczej iluzji ich ruchu, gdyż wykorzystuje się do tego wiele nieruchomych obrazów i scen. Zasadniczo jest to robienie zdjęć lub przedstawianie lalek indywidualne chwile ruchy. Animacja pojawiła się znacznie wcześniej niż wynaleziono kino. Współczesna animacja coraz częściej nazywana jest terminem „animacja”, od angielskiego „odrodzenie”. Animacja i animacja to pojęcia bliskie, ale nie identyczne. Ich związek można scharakteryzować w następujący sposób. Animacja to tworzenie animacji poprzez kręcenie klatka po klatce rysunków, scen, struktur papierowych itp.
Wynalazek animacji
Co to jest animacja? Część dzieciństwa wielu dzieci. Ale gdzie to się zaczęło?
W 1877 roku inżynier samouk Emile Reynaud zaprojektował praksynoskop – mechaniczną zabawkę z lustrzanym obrotowym bębnem i taśmą, na której drukowane były zdjęcia. Ręcznie rysowana animacja wywodzi się z tego wynalazku. Później Reynaud ulepszył swoją jednostkę: teraz ręcznie malowane pantomimy trwały od 7 do 15 minut, choć trzeba przyznać, że to urządzenie do synchronizacji obrazu i dźwięku było prymitywne, ale nie na tamte czasy
Ruchome obrazki
Technologia animacji wygląda następująco: w każdej kolejnej klatce postać bohatera prezentowana jest w nieco innej fazie ruchu. Poszczególne zdjęcia są fotografowane jedno po drugim i wyświetlane na ekranie. Prędkość transmisji wynosi 24 klatki na sekundę.
Co to jest animacja? To dzieło twórcze, którego stworzenie wymaga dużo czasu i pracy setek ludzi. Producenci ustalają ogólną koncepcję filmu, scenarzyści pracują nad fabułą i piszą scenariusz, który następnie jest rozbijany na sceny i odcinki, ilustrowane serią szkiców. Następnie wszystko to trafia na biurko reżysera animatora, który rozdziela sceny pomiędzy artystów-animatorów: każdy z nich rysuje określoną pozycję bohaterów odcinka. Sceny pośrednie zostaną narysowane przez młodszych animatorów. Pozostali artyści zajmują się tworzeniem tła, na którym rozgrywa się akcja.
Następnie rysunki konturowe trzeba pomalować. Są one przenoszone na przezroczysty plastik, obrysowywane tuszem i malowane. Następnie operator fotografuje rysunki za pomocą specjalnego aparatu. Finałowy etap- synchronizacja obrazu i dźwięku.
Istnieje inna technika tworzenia kreskówek.
Animacja lalek
Rosja jest kolebką animacji lalkowej, czyli trójwymiarowej. Wraz z rozwojem tego typu kreskówek, Nowa technologia kręcenie filmów. Niemniej jednak proces tworzenia taśmy pozostał nie mniej pracochłonny.
Pierwszym etapem tworzenia kreskówki jest napisanie scenariusza i przemyślenie wizerunków bohaterów. Na podstawie szkiców postaci szyte są lalki, ich kostiumy i buty, które będą pasować do wizerunku każdej z postaci. Jest to najbardziej pracochłonny etap pracy, ponieważ każda lalka musi być ruchoma.
Drugi etap to sfilmowanie faz ruchu lalek zgodnie ze scenariuszem. Jeden odcinek można kręcić przez kilka dni, a nawet kilka miesięcy. Pełnometrażową kreskówkę lalkową można kręcić przez 3 lata lub nawet dłużej. Ale w zasadzie obszerna animacja trwa 5-15 minut, ale nawet to zajmuje kilka miesięcy.
Dlaczego to się dzieje? Na przykład, zgodnie ze scenariuszem kreskówki, bohater biegnie leśną ścieżką. Aby sfilmować tę scenę, lalkę postaci umieszcza się na tle ruchomego planu przedstawiającego drzewa, słońce, chmury, niebo i ptaki. Aby stworzyć efekt biegnącej postaci, animator ręcznie porusza nogami i ramionami bohatera oraz odwraca jego głowę. W ten sposób każda faza biegu bohatera jest stopniowo filmowana. Wraz z ciałem usuwane są również fazy ruchu odzieży i włosów. Tak więc w ciągu jednego dnia kręcenia kreskówki, kiedy wszystkie zdjęcia zostaną połączone w jedną sekwencję wideo, twórcy filmu kręcą tylko kilka sekund czasu ekranowego.
Kiedy do animacji wkroczyła technologia komputerowa, kreskówki lalkowe zaczęto tworzyć znacznie szybciej.
Animacja elektroniczna - animacja
Animacja elektroniczna, czyli animacja, tworzona jest za pomocą komputera: wcześniej przygotowane pliki graficzne układane są sekwencyjnie w formie pokazu slajdów. Animacja Flash jest nie mniej popularna, gdy kreskówka jest tworzona przy użyciu specjalnego programu Macromedia Flash. Jest łatwy w użyciu i konfiguracji, co wyjaśnia jego popularność.
W swojej pracy wykorzystuję kilka technik rysunkowych. Ponieważ animacja obejmuje stylizowane przedstawienie obiektów żywych i nieożywionych, istnieje całkowita swoboda wyobraźni. Warto jednak omówić swoje fantazje dotyczące stylu wykonania z klientem już na samym początku pracy, aby fantazje stały się powszechne :) Czasami wybór konkretnej techniki zależy od jej pracochłonności. Na przykład łatwiej jest rysować ołówkiem niż bawić się pędzlem i liniami, które wymagają korekty, a to wymaga większej dokładności, a co za tym idzie, czasu na wykonanie.
Ze względu na charakter linii możemy sklasyfikować:
1. Jednorodny kontur– rysowane ołówkiem (Y), efektem są linie o tej samej grubości. Aby rysunek nie wyglądał zbyt monotonnie, można zastosować linie o różnej grubości, np. na krawędziach rysujemy grubszą kreskę, a mniejsze detale (np. elementy ubioru) rysujemy cieńszą linią. Ten kontur jest bardzo wygodny do szybkiego napełniania. 
2. Konspekt komiksu– wykonywane przy pomocy pędzla (B). Grubość linii zmienia się w zależności od nacisku wywieranego przez pisak. Taki kontur wygląda na bardziej żywy, ale jest bardziej pracochłonny pod względem wykonania: linie trzeba edytować ręcznie, aby nadać im wymagany formularz. Czasem trzeba się sporo nagimnastykować, żeby uzyskać świetny efekt.
Dotyczy to jednak obrazu statycznego - nie wymaga on tak szczegółowego rysowania konturów, dlatego uzasadnione jest stosowanie bardziej szorstkich, szkicowych linii, przy minimalnym stopniu obróbki. Na przykład pierwszą rzeczą, która przyszła mi do głowy, był pan Freeman))
3. Naszkicuj kontur Stroke Ragged – rodzaj jednolitego konturu ołówkiem. Wygląda jak poszarpany kontur:
4. Rysunek bezkonturowy– usuń kontur, pozostawiając jedynie wypełnienie. (dla tych, którzy nie znają tej małej sztuczki, przeczytaj -).
Ze względu na użycie cieni możemy wyróżnić:
1. Brak cienia– obiekty wyglądają płasko, jak na obrazku poniżej.
2. Używanie cieni– cienie podążają za kształtem ciała, a postać wygląda na bardziej obszerną, stopień jej rozwoju jest większy. 
Jeśli chodzi o użycie koloru i wypełnienia, tutaj zależy od Twojej wyobraźni :) Warto tylko zaznaczyć, że nie zawsze wypada zastosować je w grafice, która będzie później animowana. Dlatego w razie potrzeby staram się używać wypełnień gradientowych lub całkowicie się ich pozbyć.
Stylizacja w sztuce to proces dawania kreatywna praca cechy innego stylu. W sztuce plastycznej za pomocą tej techniki przedmioty lub figury uzyskują uproszczone formy. Jest również stosowany w muzyce i literaturze. Stylizacja sprawia, że obiekt sztuki staje się zrozumiały i jest obecnie szeroko stosowany także w projektowaniu wnętrz.
Co to jest
Najpierw zastanówmy się, jaki jest styl. Słowo to jest tłumaczone z języka greckiego jako „laska do pisania”. Z biegiem czasu nabrało innego znaczenia, związanego z indywidualnością cech ideowych i artystycznych osoby twórczej.
W szerokim znaczeniu pojęcie to kojarzone jest z różnymi nurtami w sztuce, z kulturą różnych czasów. Stylizacja to rodzaj imitacji, dekoracji. Na przykład w literaturze można zmienić wiersz, aby pasował do folkloru. Komicy i parodyści mogą zachowywać się tak, jak osoba parodiowana. Używaj jego mimiki i mowy. Metoda ta jest również szeroko stosowana w projektowaniu i fotografii. Na przykład, tworząc antyczny obraz, używając czcionek w określony sposób. Stylizacja kwiatów w celu włączenia ich do ozdoby również je zmienia wygląd do kultury danego kraju. Na przykład obraz niebieskie kwiaty w stylu pisania „Gżel”.
Rodzaje stylizacji
Technika ta występuje w dwóch rodzajach:
- stylizacja powierzchni zewnętrznych;
- dekoracyjny.
Pierwszy typ opiera się na imitacji gotowych sampli, naśladowaniu maniery jakiegoś autora, gatunku, ruchu. Przykładem jest tworzenie nowoczesnych motywów za pomocą malarstwa Khokhloma.
Drugi typ zakłada obowiązkowe powiązanie elementów tworzonego dzieła z otoczeniem przestrzennym. Tutaj formy dekoracyjne przeważają nad realistycznym przekazem obrazów i rzeczywistości. Stylizacja formy może być tak pełna nierealistycznych szczegółów, że staje się abstrakcyjna. Te z kolei dzielą się na typy: posiadające model naturalny i fikcyjne.
Jakie cechy nadaje stylizacja?
Dzieci nazywane są najlepszymi stylistami. Potrafią uprościć każde złożony rysunek. Z łatwością mogą narysować osobę za pomocą „patyków” i „ogórka”.
W grafice tą metodą usuwa się niepotrzebne detale, odsłaniając jedynie istotę formy i charakteru.
Stylizacja to proces zdobienia, który można zastosować na wcześniej przygotowanym szkicu przedmiotu lub od razu naszkicować w określony sposób. W takim przypadku dzieło, w którym wykorzystano jej techniki, nabierze następujących cech:
- ogólność;
- geometryczność;
- symbolizm;
- ekscentryczność;
- barwistość;
- zmysłowość;
- prostota formy.
Metodę tę stosują projektanci do tworzenia lakonicznych logo.
Gdzie zacząć
Głównym celem stylizacji jest przekształcenie realistycznej transformacji w obiekt wyrazisty i emocjonalny. Dzieje się tak poprzez odzwierciedlenie istoty. Aby wystawić taki obiekt, trzeba skoncentrować się na tym, co w nim najważniejsze. Artysta musi także przeanalizować charakter kreacji swojej formy, usunąć wszelkie niepotrzebne detale, a nie posługiwać się jedynie linią i plamą. Aby nie kopiować natury, artyści powinni ją uwzględnić myślenie skojarzeniowe i odzyskać zapisane wrażenia z pamięci. Stylizacja to droga do awangardy, abstrakcjonizmu.
Początkującym zaleca się, aby sztukę rozpocząć od napisania najprostszych przekształconych rysunków roślin lub zwierząt. Na przykład słonecznik, gałąź drzewa, kiść winogron, ryba, kot - takie pierwsze szkice pomogą Ci zrozumieć ten proces. Trzeba jak najbardziej poczuć formę, zrozumieć, co jest ważne w tej roślinie lub zwierzęciu, co zasadniczo odróżnia je od innych. Za pomocą plam, linii i pociągnięć konieczne jest wyświetlenie tego obiektu. Po wyświetleniu nadawany jest mu kształt i kolor. Ostateczny projekt powinien przypominać tylko tę roślinę lub zwierzę.
Zastosowanie metody do sylwetki ludzkiej i portretu
Stylizacja osoby odbywa się kilkoma metodami. Jednym z nich jest wzrost rzeczywistego wzrostu człowieka. Zachowując jego proporcje, artysta zmienia długość kończyn i głównych części. Projektanci mody często korzystają z tej metody podczas szkicowania nowych szkiców odzieży.
Podczas korzystania z drugiej metody obwód talii i szyi modelki może się zmienić, a jej nogi mogą się wydłużyć. Jednocześnie zachowane są również podstawowe proporcje ciała. W ten sposób możesz się skupić indywidualne cechy konkretną osobę.
Bardzo dobry przykład stylizowane wizerunki osób to dzieła artystów piszących karykatury i karykatury.
Osoba na zdjęciu pozostaje całkowicie rozpoznawalna, chociaż może mieć nieproporcjonalne rysy twarzy. Może mieć niezwykle duże usta lub nos albo powiększone oczy i rzęsy. Profesjonalistom udaje się tak wiernie oddać postać i uchwycić indywidualne cechy ukazanej osoby, że nietrudno ustalić, na kim wzorowany był portret.
Stylizację kształtu ludzkiego ciała obserwujemy na starożytnych ikonach. Przedstawiają ludzi o wydłużonych sylwetkach. W animacji i rysowaniu kreskówek prawie zawsze używają jakiś technik stylizowania osoby.
Transformacja roślin i kwiatów
Stylizacja roślin powstała przy wytwarzaniu różnorodnych dekoracji i przedmiotów artystycznych. Wizerunki roślin i kwiatów imitowane są na wzór ich artystycznych przedstawień, stosowanych w ozdobach różnych krajów. Uogólniając formę, artyści przekazali ogólne zarysy kwiatu lub rośliny, jej liści. Stylizację kwiatów osiąga się na przykład za pomocą figury geometryczne: prostokąt, trójkąt, okrąg, pięciokąt. Za pomocą różnych środków graficznych artyści oddają indywidualne cechy kwiatu, a nawet całej rośliny. Mogą być również rozpoznawalne, ale zdobądź nowe dekoracyjny obraz. Takie szkice są szeroko stosowane w dekorowaniu naczyń, przyborów gospodarstwa domowego i twórcach biżuterii.
Ornament
Stylizowany ornament można znaleźć w kulturach starożytny Rzym, Starożytna Grecja, Starożytny Egipt i Persja.
Pracę należy rozpocząć od skupienia się na perspektywie przedstawianego obiektu. Może to być obracanie elementów w różnych kierunkach, przedstawianie ich z góry lub z boku. Podczas tworzenia ozdoby często wykorzystuje się stylizację kwiatową. Zwierzęta w ozdobach ukazane są dość konwencjonalnie. Są one rozmieszczone tak, aby nie zakłócać integralności całej sylwetki i nie komplikować ogólne wrażenie ze składu. Jeśli obraz ma kształt wolumetryczno-przestrzenny, wówczas zostaje przekształcony w płaski.
Każdy człowiek używa go inaczej ozdoby kwiatowe. Za ich pomocą archeolodzy ustalają obecnie miejsca, w których pojawiły się znalezione przedmioty i sprzęty gospodarstwa domowego.
Stylizacja zwierzęca
Stylizacja to proces dekoracyjny, dzięki któremu zwykłe zwierzęta mogą na przykład stać się jasne, kolorowe i postacie z bajek. Tutaj znowu na ratunek przychodzą fantazja, wyobraźnia i improwizacja. Dekoracja ma pewne granice. Jeśli konieczne jest przedstawienie lisa, wilka lub ryby, wszystkie te obiekty muszą być rozpoznawalne. Stylizację wykorzystuje się zazwyczaj w animacji, dekoracji pomieszczeń i ilustrowaniu bajek.
Martwa natura w stylizacji
W martwej naturze kilka obiektów jest połączonych w jedną grupę. Artysta koncentruje swoją uwagę na strukturze przedmiotów, ich relacji i powierzchni. Kolor, linia i faktura powierzchni wynikają z jednego projektu. W stylizowanej martwej naturze konieczne jest podkreślenie jednego głównego obiektu, wokół którego rozmieszczone są pozostałe elementy. Obiekty zostają uproszczone, przekształcając je w symbole i sylwetki. Możesz zastosować odwrotną technikę, nasycając ją szczegółami. Stylizacja roślin w martwej naturze opiera się na tych samych zasadach. Podano ich kształty ostre rogi, dodaj jasne kontrasty.
Obraz krajobrazu
Ten się liczy największa liczba style i kierunki. Krajobraz jest przedstawiany na obrazach o różnej tematyce znany artysta ostatnie stulecia. Stylizowany pejzaż można zobaczyć na malowidłach na ścianach wbudowanych budynków Starożytna Ruś. Później tę metodę zastosowano w sztuka dekoracyjna. Japoński pejzaż jest doskonałym przykładem stylizowanego rysunku w tym gatunku. Na takich rysunkach nie ma powietrza i perspektywa liniowa. Wszystkie elementy mają tę samą przejrzystość. W stylizacji krajobrazu dopuszcza się zmianę ilości obiektów. Schemat kolorów może być rzeczywisty lub zmieniony według uznania artysty.
Oddawanie barw w stylizacji
Kolor jest ważne narzędzie tę technikę. Przekształcony obraz dowolnego gatunku musi za pomocą koloru wywoływać niezbędne wrażenie i wyrażać intencję autora. Dekoracyjną stylizację charakteryzuje rozmycie relacje kolorów, kolor jest używany lokalnie i kontrastowo. Potrafi znakomicie podkreślić pożądany efekt. Jednocześnie można nawet stylizować osobę w nietypowych dla niego kolorach. Dotyczy to wszystkich przedstawionych obiektów.
Stylizacja obrazu fotograficznego
Bardzo często konieczna jest stylizacja zdjęcia na wzór obrazu. Artyści w pełni naśladują pożądany styl, dostosowując i retuszując oryginalny obraz.
Dzięki nowoczesnej technologii komputerowej takich zmian dokonuje się za pomocą zdjęć cyfrowych. Programy są w stanie dostosować styl obrazu do własnych potrzeb zdjęcie artystyczne bardzo szybko i niedrogo. W takim przypadku klient może wybrać najlepszą opcję spośród zaproponowanych przez fotografa.
Stylizacja osoby na zdjęciu obejmuje wykorzystanie metod obróbki artystycznej, takich jak retusz, prostowanie, dodawanie ostrości, kontrastu, dodawanie efektów, wykorzystanie światłocienia do korekt, kolorowanie i inne. Dotyczy to wszystkich zdjęć, niezależnie od ich treści.
Możesz stylizować fotografię na wzór rysunku wykonanego akwarelą, olejem lub tuszem. Możesz go przetworzyć, dodając żywe kolory lub przekształć go w czarno-biały.
Bardzo często w Ostatnio ludzie zamawiają stylizowane obrazy olejne. Jednocześnie za pomocą kilku fotografii mistrz może przenieść klienta w dowolny zakątek Ziemi, w dowolną przestrzeń czasową i scenerię. Zdjęcia wychodzą bardzo realistyczne. Obrazy drukowane są na płótnie, akwareli i jedwabiu. Możesz wybrać dowolny styl „pisania” takiego płótna.
Przez całe swoje istnienie człowiek starał się odzwierciedlić ruch w swojej sztuce. Pierwsze próby oddania ruchu na rysunku datuje się na około 2000 rok p.n.e. (Egipt).
Inny przykład ruchu znaleziono w jaskiniach północnej Hiszpanii: jest to rysunek dzika o ośmiu nogach.
Dziś przeniesienie ruchu można zrealizować za pomocą animacji.
Animacja zwane sztuczną reprezentacją ruchu w filmie, telewizji lub Grafika komputerowa poprzez wyświetlanie sekwencji obrazów lub klatek z częstotliwością zapewniającą całościową wizualną percepcję obrazów.
Animacja, w odróżnieniu od wideo wykorzystującego ciągły ruch, wykorzystuje wiele niezależnych rysunków.
Synonimy do słowa „animacja” – "animacja"- bardzo rozpowszechniony w naszym kraju. Animacja i animacja to po prostu różne definicje tej samej formy sztuki.
Bardziej nam znany termin pochodzi od łacińskiego słowa „multi” - wiele i odpowiada tradycyjnej technologii reprodukcji rysunków, ponieważ aby bohater „ożył”, trzeba wielokrotnie powtarzać jego ruch: od 10 do 30 rysowanych klatek na sekundę.
Międzynarodowa definicja zawodowa "animacja"(przetłumaczone z łacińskiego „anima” - dusza, „animacja” - odrodzenie, animacja) najdokładniej odzwierciedla wszystkie współczesne możliwości techniczne i artystyczne kina animowanego, ponieważ mistrzowie animacji nie tylko ożywiają swoje postacie, ale wkładają kawałek swojej duszy w ich tworzenie.
Z historii animacji
Animacja jak każda inna forma sztuki, ma swoją historię. Zasadę bezwładności percepcji wzrokowej leżącą u podstaw animacji po raz pierwszy zademonstrował w 1828 roku Francuz Paul Roget. Obiektem demonstracji był dysk z wizerunkiem ptaka po jednej stronie i klatką po drugiej. Gdy dysk się obracał, widzowie mieli złudzenie ptaka w klatce.
Pierwszy prawdziwy praktyczny sposób animacja powstała w wyniku stworzenia kamery i projektora przez Thomasa A. Edisona.
Już w 1906 roku Steward Blakton stworzył film krótkometrażowy „Funny Expressions of Funny Faces” (Humorous Phases of Funny Faces). Autor rysował na tablicy, fotografował, wymazywał, a potem rysował ponownie, fotografował i wymazywał...
Prawdziwej rewolucji w świecie animacji dokonał WALT DISNEY (1901-1966), amerykański reżyser, artysta i producent.
To jest dalekie od pełna historia animacja, mała dygresja od materiału wykładowego. Więcej szczegółów od niesamowitego i ciekawa historia animacje, z którymi możesz się zapoznać.
Technologie animacji
Obecnie istnieje różne technologie tworzenie animacji:
Klasyczna (tradycyjna) animacja reprezentuje naprzemienną zmianę rysunków, z których każdy jest rysowany osobno. Jest to bardzo pracochłonny proces, gdyż animatorzy muszą tworzyć każdą klatkę osobno.
Animacja poklatkowa (marionetkowa).. Obiekty umieszczone w przestrzeni są unieruchamiane przez ramę, po czym ich położenie ulega zmianie i zostaje ponownie utrwalone.
Animacja Sprite'a realizowane przy użyciu języka programowania.
Morfowanie– przekształcenie jednego obiektu w drugi poprzez wygenerowanie określonej liczby ramek pośrednich.
Animacja kolorów– wraz z nim zmienia się tylko kolor, a nie położenie przedmiotu.
3 D-animacja utworzone przy użyciu specjalnych programów (na przykład 3D MAX). Obrazy uzyskuje się poprzez wizualizację sceny, a każda scena to zbiór obiektów, źródeł światła, tekstur.
Przechwytywanie ruchu (RuchSchwytać) – pierwszy kierunek animacji, który umożliwia przekazywanie naturalnych, realistycznych ruchów w czasie rzeczywistym. Czujniki mocuje się do żywego aktora w miejscach, które będą zrównane z punktami kontrolnymi modelu komputera do wprowadzania i digitalizacji ruchu. Współrzędne aktora i orientacja w przestrzeni przekazywane są do stacji graficznej, a modele animacji ożywają.
Zasady animacji
Podczas tworzenia filmów animowanych niektórzy ogólne zasady. Większość z nich jest przeznaczona do animacji Disneya i pierwotnie stosowana do kreskówek wykonanych w tradycyjnych technikach animacji, ale prawie wszystkie mają zastosowanie w innych technologiach.
Oto główne:
„Kompresja i rozciąganie”(squash i rozciąganie). Zasada ta zrewolucjonizowała świat animacji. Istotą tej zasady jest to, że żywe ciało zawsze kurczy się i rozciąga podczas ruchu. Przed skokiem postać jest ściskana jak sprężyna, podczas skoku wręcz przeciwnie, rozciągana. Główną zasadą w tym przypadku jest stała objętość - jeśli postać jest rozciągnięta (rozciągnięcie - odkształcenie w osi Y), to należy ją ścisnąć, aby utrzymać objętość swojego ciała (squash - odkształcenie w osi X).
„Akcja przygotowawcza” (Oczekiwanie). W prawdziwe życie Aby wykonać jakąkolwiek czynność, osoba często musi wykonywać ruchy przygotowawcze. Na przykład przed skokiem należy usiąść, aby coś rzucić, należy cofnąć rękę. Takie działania nazywane są ruchami odmowy, ponieważ zanim coś zrobi, postać wydaje się odmawiać wykonania tej akcji. Ruch ten przygotowuje widza na dalsze działania bohatera i nadaje ruchom bezwładność.
Występ na scenie(inscenizacja). Dla prawidłowe postrzeganie postać przez publiczność, wszystkie jego ruchy, pozy i mimika powinny być niezwykle proste i wyraziste. Zasada ta opiera się na głównej zasadzie teatru. Kamerę należy ustawić tak, aby widz mógł widzieć wszystkie ruchy postaci.
„Kluczowe klatki” (Poza do pozy). Przed odkryciem tej zasady rysowano ruchy, dlatego wynik był trudny do przewidzenia, ponieważ sam artysta nie wiedział jeszcze, co narysuje. Zasada ta zakłada wstępną kompozycję ruchów – artysta rysuje główne punkty i umieszcza postać na scenie, a dopiero potem asystenci rysują wszystkie kadry ruchu. Takie podejście radykalnie zwiększyło produktywność, ponieważ... Wszystkie ruchy zostały zaplanowane z wyprzedzeniem, a wynik był dokładnie taki, jak zamierzono. Aby jednak stworzyć konkretny ruch, konieczne było dokładne opracowanie każdego „elementu”. W opracowaniu wyrazistych póz artysta wkłada w to cały swój kunszt, dzięki czemu te momenty powinny być dłużej widoczne dla widza. Aby to zrobić, asystenci wykonują ruchy tak, aby większość klatek znalazła się obok kluczowych póz. W tym przypadku postać wydaje się przesuwać z jednego układu do drugiego, powoli wychodząc z pozy i zwalniając w innej.
„Przez ruch uliczny i przytłoczenie”(kontynuuj / Nakładające się działania).
Istotą tej zasady jest to, że ruch nigdy nie powinien się zatrzymywać. Są takie elementy jak uszy, ogony, ubrania, które muszą być w ciągłym ruchu. „Poprzez ruch” zapewnia ciągłość ruchu i płynne przechodzenie faz np. z biegu do chodzenia i odwrotnie. Ruch poszczególnych elementów ciała, gdy ciało już się nie porusza, nazywa się nakładaniem. Przytłoczenie wyraża się w scenach zmieniających się faz ruchu. Jeżeli postać po biegu nagle hamuje, miękkie części ciała nie mogą się zatrzymać wraz z twardymi i następuje lekkie nakładanie się na siebie (włosy, uszy, ogony itp.). Podczas chodzenia ruch zaczyna się od bioder, a następnie rozciąga się na kostki. W ten sposób wszystkie ruchy postaci łączą się w oddzielny łańcuch i możliwe staje się ścisłe opisanie zasad, według których się ona porusza. Ruch, w którym jeden element następuje po drugim, nazywany jest ruchem.
„Ruchy po łukach” (łuki). Organizmy żywe zawsze poruszają się po łukowatych trajektoriach. Wcześniej stosowano metodę ruchu prostoliniowego, dlatego też ruchy wyglądały mechanicznie – podobnie jak u robotów. Charakter trajektorii zależy z reguły od prędkości ruchu. Jeśli postać porusza się gwałtownie, trajektoria się prostuje, ale jeśli porusza się powoli, trajektoria wygina się jeszcze bardziej.
Drobne działania (Działania drugorzędne). Często stosuje się ruchy wtórne, aby nadać postaci większą wyrazistość. Służą do skupienia uwagi na czymś. Na przykład postać pogrążona w żałobie może często wydmuchać nos w chusteczkę, podczas gdy postać zaskoczona może drgać ramionami. Działania wtórne stały się powszechne w animacji światowej. Dzięki ich zastosowaniu postacie stają się bardziej żywe i emocjonalne.
wyczucie czasu(Wyczucie czasu). Zasada ta pozwala nadać postaci wagę i nastrój. Jak widz ocenia wagę postaci? Na wagę postaci składają się takie czynniki, jak prędkość ruchu i bezwładność. Aby postać poruszała się zgodnie ze swoją wagą, artysta oblicza ruch i czas nakładania się każdej postaci. Przy obliczaniu czasu bierze się pod uwagę wagę, bezwładność, objętość i stan emocjonalny bohatera. Nastrój oddaje także szybkość ruchów postaci. Zatem postać przygnębiona porusza się bardzo powoli, podczas gdy postać natchniona porusza się dość energicznie.
Przesada (Przesadzanie i karykatura). Walt Disney zawsze wymagał od swoich pracowników więcej realizmu, w rzeczywistości dążąc bardziej do „realizmu kreskówkowego”. Jeśli postać miała być smutna, żądał, aby była ponura, ale szczęśliwa musiała być olśniewająco jasna. Zwiększa się poprzez przesadę wpływ emocjonalny dla widzów postać ta nabiera jednak karykaturalnego charakteru.
Profesjonalny rysunek. Rysunek to podstawa wszystkiego. W Disney Studios dość często można spotkać napisy typu: „Czy Twój rysunek ma wagę, głębokość i równowagę?” Zasada profesjonalnego rysowania zabrania również rysowania „bliźniaków”. „Bliźniaki” to dowolne elementy rysunku, które powtarzają się dwukrotnie lub są symetryczne. „Bliźniaki” bardzo często pojawiają się wbrew woli artysty, nie zauważając tego, rysuje on dwie ręce w tej samej pozycji.
Atrakcyjność (Odwołanie). Atrakcyjność postaci jest kluczem do sukcesu całego filmu. Jak rozpoznać, że postać jest atrakcyjna? Każdy przedmiot może być atrakcyjny, jeśli spojrzysz na niego z przyjemnością, odkrywając w nim prostotę, urok, dobry design, urok i magnetyzm. Nie sposób oderwać wzroku od atrakcyjnej postaci. Nawet najpaskudniejsza postać filmowa musi być atrakcyjna, aby widz był przyklejony do ekranu.
