Художник Ерик Булатов- един от живите класици на руското изкуство от втората половина на ХХ век и един от онези, чието име е добре известно в целия свят от музейни куратори, колекционери и аукционери. Преди две години мащабна ретроспектива "Живея - виждам"в Манежа най-пълно показа своя път в изкуството. Сега в "Работилницата на Пьотр Фоменко", във фоайето Нова сценаДо средата на декември беше експонирана малка изложба от литографии на Булатов - художествено допълнение към спектаклите на любимия на московската публика театър.
Булатов е живял в Париж повече от двадесет години; голям късмет. Възползвайки се от възможността, ARTANDHOUSES разговаря с художника за важността на първото впечатление, социалното изкуство и социалната несвобода, руското изкуство на Запад и как да устоим на натиска на пазара.
След Третяковската галерия и Манежа изложба във фоайето на театър, дори толкова прекрасен като Работилницата на Пьотр Фоменко, изглежда необичайно. Какво Ви свързва с театъра и защо Ви е интересен този проект?
Ще започна театралната история отдалече. Имам необичаен и рядко име- Ерик. Обикновено се възприема като умалителна форма. Но факт е, че родителите ми бяха големи театрали и любимият им актьор беше Михаил Чехов. Най-много го харесаха в ролята на Ерик XIV в трагедията на Стриндберг. Така стана – Стриндберг, Чехов и в резултат аз съм Ерик.
Що се отнася до настоящата изложба, още като студент познавах добре Петя Фоменко – бяхме приятели. От това време са останали много спомени, така че за мен това не е един от театрите, а този, с който животът ми е пряко свързан. Когато ме помолиха да направя изложба във фоайето, с Наташа решихме, че ще е трудно да организираме сериозна изложба там - транспортирането на картини от Париж е скъпо и трудно, но можем да покажем литографии, направени по оригиналите на моите творби . Но най-важното е, че това беше повод за организиране на среща и разговор с актьорите и другите поканени. Ако има нужда да разкажа нещо, да обясня нещо за моята работа, аз не избягвам тази възможност, напротив, считам го за свой дълг.
ходиш ли на театър
В Париж - рядко, главно когато идват театри от Москва или Санкт Петербург на турне. И между другото видяхме всичко, което Театър Фоменко донесе в Париж. Когато е възможно, отиваме в Москва с удоволствие.
Критиците на изкуството имат страст да класифицират изкуството в стилове и движения и вашата работа често се класифицира като социално изкуство, но вие отричате всякаква връзка с него...
Отричам се, защото, първо, основата на социалното изкуство е иронията. Не съм против иронията като такава, просто в моите творби никога няма ирония. И второ, и това е може би най-важното, соц-арт артистите, следвайки майсторите на американския поп-арт (защото соц-артът по същество е поп-арт, базиран на съветски идеологически материал), твърдят, че онзи пласт от реалността, в който ние съществуваме е единствената истинска реалност, която имаме. Всичко останало - някакви реки, гори, облаци - е неясно и неясно. Когато вестникът напише, че е изсечена такава и такава гора, ще знаем, че е имало и е изсечена. Ако обявят по радиото, че е започнала война, значи война. И така, кой знае, може би в действителност няма нищо. Смисълът на моята работа винаги е бил, че това идеологически очертано пространство има граница, граница и моята работа като художник е да маркирам тази граница и да покажа, че е възможно да се премине, да се изскочи от това социално пространство. Тоест моята задача е точно противоположна на тази, която по един или друг начин беше изразена от Соц Арт, въпреки че материалът е същият.
„Залез или изгрев“
1989
А има и политика...
Това не е политика - това е нашият живот. Тя по един или друг начин беше очертана от идеологически стандарти и клишета. Те оформиха нашето съзнание и няма спасение от тях. За да изразя моето собствен животи животът, който виждах около себе си, трябваше да не се отвръщам, да не се преструвам, че не забелязвам съветските порядки, а по-скоро да работя с тях. Моята работа е да изразя съзнанието на хората от това време.
С течение на времето как се е променил смисълът, който влагате в работата си, и дали се е променил?
Нещо, разбира се, се промени. Съветската реалност приключи, живях в друга страна, макар и в социално пространство. Социалното пространство, както аз го разбирам, не може да бъде свободно - по един или друг начин някаква идеология го контролира. Нямаше комунистическа идеология, но имаше идеология на пазара, която също е нещо опасно за съзнанието на хората, макар и не толкова агресивно и нечовешко. От детството тя неволно привиква човек към факта, че целият смисъл на живота е в придобиването и удоволствието. Има съвсем разбираеми причини за това, но ако човек реши, че това е единствената причина да живее, тогава това е опасно. Така че за мен проблемът със свободата и несвободата остана и след напускането на СССР. Тя изглеждаше различно, но не изчезна. Постепенно този социален хоризонт се промени в съзнанието ми в екзистенциален хоризонт. Възможността за прескачане отвъд границите на социалното пространство вече беше очевидна, но тогава възниква екзистенциален хоризонт, който в крайна сметка поставя същите проблеми, но на по-несигурен и по- високо ниво. Предпочитам да не говоря за това, защото, както ми се струва, моята работа вече трябва да говори тук, във всеки случай се опитвам да постигна това.
Споменахте пазара. Когато напуснахте СССР, усетихте ли неговия натиск и нов вид несвобода?
Всичко се получи щастливо за мен - нямаше нужда да доказвам или да завоювам нещо, вече бях зрял артист и така ме поканиха. Просто продължих да си върша работата. Творбите ми веднага се продаваха добре и струваха доста. Наташа и аз живяхме в Америка една година и вече успяхме да си купим апартамент в Париж. Но имаше такъв момент. Първата ми изложба се състоя в Швейцария, в Kunsthalle Zurich, след това пътува из Европа, включително в Центъра Помпиду и във Франкфурт в Музея на университета Портикус, където беше организирана от Каспер Кьониг, важна фигура в света на изкуството ( през 2014 г. Каспер Кьониг беше куратор на Европейското биенале съвременно изкуствоМанифеста 10 в Санкт Петербург. -ARTANDHOUSES) . Имаше дискусия за работата ми със студенти и ме попитаха наистина ли правя две или три картини годишно. Отговорих, че да, това е вярно. Тогава Каспер Кьониг каза много грубо: „Това е, защото имате провинциално съзнание. Вие сте живели в провинцията, там това е възможно, но сега сте дошли у нас, а тук това не е възможно. Вижте, вашият приятел Кабаков веднага се ориентира, държа се коректно и колко добре всичко върви. И ти се нуждаеш от същото.” Оттогава минаха почти тридесет години, работих и работя и никой не ми казва, че това е провинциално. Може ли това да се счита за натиск? Може би да. Но от художника зависи как да реагира на този натиск.
„Лувър. Джоконда"
1997–1998 / 2004–2005
Защо рисуваш по две-три картини годишно – важно ли ти е да осъзнаеш какво влагаш в тях?
Не, винаги знам предварително какво искам. Просто не мога да го направя, това е всичко. трябва да направя много подготвителни чертежи, за да разбера как да изразя това, което искам и да намеря основната пространствена структура. И едва когато го намеря, мога да започна самото рисуване. Никога нищо не ми идва лесно, винаги е болезнено, с с голяма трудности завиждам на артисти с талант за артистичност без усилие. Но това, което не е дадено, не е дадено.
В изложбата в Манежа една от централните творби беше „Живопис и зрители“. Важно ли е за вас да бъдете разбрани?
Със сигурност. Не мисля, че някой би се интересувал. Но, знаете ли, работата е там, че аз не виждам разликата между себе си и зрителя. Разбирам себе си като зрителя, към когото се прицелвам. Ако от моя гледна точка нещо не е наред, тогава се опитвам да го направя добре. Разбира се, ако нещо, върху което съм работил, не се хареса на зрителите, това е много лошо за мен.
И тогава какво правиш?
Опитвам се да обясня. Художествената ни критика в тази област е много слаба. По принцип гледам да не чета какво пишат за работата ми, но ако го прочета, обикновено е много неподходящо. Едно е, когато преценката идва от факта, че зрителят разбира какво искате да направите, но вижда, че не сте успели да го направите - това е сериозна преценка и трябва да се вземе предвид. Но в повечето случаи преценките са съвсем различни - зрителят не вижда какво всъщност правя, а ми приписва нещо, което самият той си е представял, без наистина да е гледал картините ми. Не мога да взема под внимание такава преценка, но се опитвам да обясня какво имах предвид.
"СЛАВА НА КПСС"
1975
Можете ли да дадете конкретен пример?
Нека ви дам пример с картината „Слава на КПСС“. За мен тази картина е много важна, една от основните ми работи. съветска епоха. Това е формулата на съветската идеология, както аз я разбирам. На пръв поглед тази картина представлява политически плакат- букви, изписани по небето, без ирония, всичко е както е. Но всичките ми усилия бяха да създам пространство, разстояние между тези червени букви и облаците, така че буквите да не залепват за облаците, а да се появяват отделно. И щом се окаже, че не са свързани, веднага става ясно, че се противопоставят, защото буквите затварят небето от нас и не ни допускат, не ни дават възможност да влезем там. Това е смисълът на визуалния образ. Тези букви ужасно агресивно контролират цялото пространство между себе си и нас, но зад тях стои съвсем различен свят - пространството на свободата. Ако не виждате това, получавате напълно различна картина. Това е недоразумение, което постоянно възниква във връзка с моите творби. Пространственото взаимодействие, конфликтът между пространство и равнина, винаги е много важно за мен. Да не го забелязвам означава просто да не виждам картините си.
Разкажете ни за най-новите си големи произведения.
Най-важното скорошно произведение за мен е работата, която свърших във Франция, в Пиренеите, в изоставена железарска фабрика от 19-ти век. Пространството на завода ми направи огромно впечатление със своята трагедия и в същото време безнадеждност, защото, от една страна, това е изоставена сила, сила, енергия, а от друга страна, те се опитват да му дадат нов живот, откриване на територията Културен център. Струваше ми се, че това пространство е много подобно на това, което се случва в днешна Европа и Русия. Направих им работа, също от думи, това е фразата „Всичко не е толкова страшно“ - двуметрови стоманени букви с четири етажа, чак до покрива. Буквите са черни, дебели около половин метър, краищата са червени, а когато ги видим от ъгъл, се появяват червени проблясъци. На покрива има прозорци, през които влиза светлина и се получава невероятен ефект. Получи се много изразително - напрегната, драматична ситуация, образ на тревога, но в същото време не безнадежден. Видях реакцията на хората, които дойдоха на откриването – впечатлението беше силно.
Буквите там руски ли са?
Това ясно ли е на чужденците?
Това вечен въпрос. Няма значение дали чужденци или руснаци гледат картините ми, защото всъщност възприятието не започва с разбиране, то започва с мигновен емоционален контакт. Не е задължително да е наслада; напротив, може да бъде рязко, враждебно отхвърляне - това не е страшно. Сега, ако има пълно безразличие, ако човек гледа стената, никакво обяснение не може да го съживи. Този първи момент е решаващ. Но ако веднага се появи някакъв интерес, някаква реакция - недоумение, отрицание, въпрос, тогава следващият етап ще бъде разбирането. И тогава един чужденец ще прочете какво означава тази фраза и точно като руснак ще разбере всичко. За съжаление в моя случай точно с руските думи се получи обратното. съветско време. Тези думи бяха толкова „горещи“, свързани с настоящата ситуация, че след като прочетоха фразата „Слава на КПСС“ или „Добре дошли“, хората се обърнаха от снимката и си тръгнаха. Човекът реши, че това е политическо изказване и какво проникване в пространството има. Когато се опитах да обясня нещо, ми казаха, че е блъф. В този смисъл предимство имат чужденците. Съдбата ми беше такава, че първо моите творби получиха признание в чужбина, а след това и тук в Русия.
"Какво? Където? Кога?"
2006
Това обижда ли ви?
Не. Защо трябва да се обиждам от това? Сега в Русия се отнасят с мен много добре, обичат ме, поне в Москва. И това, че оттам започна... Тогава, разбира се, беше обидно.
Когато говорим за изкуството от втората половина на ХХ век, вие сте групирани с други художници от вашето поколение в групата на „неконформистите“ или „втория авангард“. Чувствате ли се част от това поколение?
Разбира се, бяхме свързани, но, от друга страна, всеки имаше свои собствени представи за изкуството и задачата си. Всички си представяхме себе си като артисти, които не искат да работят според инструкциите на началниците. Колкото кой какво иска, положителната програма беше различна.
Вие бяхте в Центъра Помпиду на скорошното откриване на изложбата. Хареса ли ви начина, по който беше представена работата?
Сложен въпрос. Не се обиждам, защото някои от основните ми творби са представени там, добре са показани, но не съм доволен от общата ситуация. Самият принцип на подбор, когато един музей получава това, което му е дадено, ми се струва съмнителен. Много рядко се случва колекционер да се раздели с най-хубавото, но един музей все пак трябва да има най-добрите работи. Има щастливи изключения - Семенихините всъщност дадоха моята важна работа„Слава на КПСС“, но като цяло не смятам, че това е правилният подход.
Изложба „Колекция! Съвременно изкуство в СССР и Русия 1950-2000 г.
Център Помпиду
Париж
Смятате ли, че този дар може да промени отношението към руското изкуство на Запад или това е нашата утопична мечта?
До известна степен може би, мисля. Процесът на овладяване на руски език изкуството идва, но засега много, много бавно. На Запад все още битува убеждението, че руско изкуство няма. Имаше малък епизод - авангардът от 20-те години, но това беше влиянието на френското изкуство, точно както руско изкуство 19 век е провинциален немски. Авангардът се оказа чужд на руското изкуство и нямаше нито предшественици, нито последователи - това се смята на Запад, с което аз напълно не съм съгласен и се опитвам да говоря и пиша за това. Разбира се, авангардните художници отричаха всякаква връзка с изкуството на 19 век, но това е характерно за всички новатори, не само за руснаците. Ако погледнем обективно на ситуацията, се оказва, че това не е така. Що се отнася до последователите, трябва да вземете предвид това политическа ситуация, в която попадна руското изкуство по времето на Сталин, когато се развиваше съвсем не по собствените си закони, а по указания свише. И да смята, че това е естественото му развитие е или глупаво, или подло. Затова тук можем да говорим само за моето поколение, за хора, които започнаха да се опитват да говорят на собствения си език. Всеволод Некрасов, когото смятам за най-великия ни поет от втората половина на ХХ век, нарече нашата епоха „ера на възражението“. И тук вече си личи влиянието на авангарда.
Няколко наши творци все още са признати на Запад, буквално двама-трима. Не го казвам от обида - няма от какво да се оплача. Кабаков, Комар и Меламид са признати, но това се възприема като личен успех и не засяга руското изкуство като цяло, което изглежда съществува. Между другото, в много отношения това е грешката на нашите теоретици, не само на художниците. Те не мислят за това, те не го правят. Въпреки това се появяват млади артисти, които работят в международен план. Така че рано или късно руското изкуство ще заеме мястото, на което има право. Надявах се, че моето поколение ще направи това. Но не се получи.
Чувствате ли се свързан с артисти от минали поколения?
Разбира се – и 19 век, и началото на 20, с конструктивистите, Малевич. Само погледнете картините ми, те сами ще разкажат за това.
Изкуствовед, наблюдател на пазара на изкуство. Завършил Московския държавен университет. М.В. Ломоносов (Исторически факултет, катедра История на изкуството). Редовен сътрудник на The Art Newspaper, списанията Snob и Robb Report. Тя е сътрудничила с много руски медии, включително радио Business FM, вестници Ведомости, RBC Daily, Независимая газета, списание Експерт и московския портал Култура. Автор на албуми за живота и творчеството на художниците от поредицата „Галерия на гении“ за издателство „Олма Медиа Груп“.
Ерик Булатов. Подскачане. 1994 г
Той е единственият руски художник, чиито творби са били излагани в Лувъра, Националния център за изкуство и култура „Помпиду“ и Музея за модерно изкуство в Париж. През 1988 г. Ерик Булатов е признат от ЮНЕСКО най-добрият художникна годината. Майсторът казва, че гледа на това състояние не без ирония; междувременно той остава автор на картини, които се радват на постоянен успех на водещи аукциони.
Ерик Владимирович Булатов е един от най-известните руски авангардни художници. Смятан е за един от основоположниците на т. нар. Соц арт. Роден в Свердловск през 1933 г. Завършил институт по изкустватакръстен на V.I.Surikov.
Ерик Булатов. Лувър. Джоконда. 2006 г
Картините на Булатов са разпознаваеми по целия свят. Това се случва благодарение на уникална техника. Соц члили поп арт на руски. Неговите картини винаги са изпълнени със символика, която в криптирана форма представя на зрителя своите наблюдения върху абсурда на съветската реалност, която на ръба на повратна точка се втурва от една страна на друга, търсейки изход, но там наоколо са само задънени улици, наоколо има само чиновници с техния пълен произвол и вездесъщата индустрия на Запада, която мощно пробива като клин отслабената черупка на културата на съветския народ.
Често това са думи и изречения, извадени от контекста на съветските плакати от онова време, насложени върху самата картина, потвърждаващи се, самоунижаващи се или допълващи се. Всичко това, като недоволство от реалността, като присмех, протест и революционно настроение, се отразява в изкуството на Ерик Булатов.
Ерик Булатов. Хоризонт. 1971-1972 г
В този смисъл художникът се оказа истински талант. Няма много художници в нашата страна, които в областта на авангарда успяха да спечелят такава популярност в целия свят. Тук въпросът дори не е в антисъветските настроения в някои страни по света, които намират подкрепа в картините му, а в самия талант на автора, в подхода му към живописта, към символизма, към новия жанр, който той подхранва и поставя краката си.
Е. Булатов започва да прави първите вложки през 1957 г. По това време изложбите се провеждаха изключително в Русия, които обаче бяха доста търсени поради факта, че обществото, по думите на Виктор Цой, „чакаше промяна“. От 1973 г. художникът започва да излага в чужбина. От 1992 г. живее в Париж. Смятан за един от най-скъпите руски художници. Неговата творба „Съветски космос“ беше продадена за 1,6 милиона долара на търг на Philips Auctions.
Ерик Булатов. ул. Красикова. 1977 г
„Исках да покажа съветски животтакъв, какъвто е, без да изразява отношение към него. В моята картина нямаше явен протест, нямах желание да убеждавам зрителя в каквото и да било: вижте колко е ужасно! Не бях герой на социалната борба като Оскар Рабин. Моята задача беше коренно различна: исках зрителят да види живота си такъв, какъвто е, но да го види сякаш отстрани."
„Исках да създам дистанция между тази реалност и съзнанието на зрителя. Това е, което картината работеше като дистанция, като пример за отделен поглед, изградих едно произведение на изкуството като инстанция между реалността и съзнанието .. Това беше важно за мен, за да си помисли зрителят: ето какъв е моят живот... За да възприеме моите картини не като учение, а сам да направи откритие.
Ерик Булатов. Исках да го направя преди да се стъмни, но нямах време. 2002 г
Ерик Булатов. Цялата тази пролет. 1998 г
Ерик Булатов. Снимка за спомен
Маргарет Рисмондо. Булевард Распай
Твърд
Есенен пейзаж
„Брежнев. Съветски космос" (1977)
Руски 20 век
Слава на КПСС
Характерен и разпознаваем творчески метод на Булатов е сблъсъкът на плакатен текст, взет от контекста на съветската действителност, с фигуративен (най-често пейзажен, заимстван от масовата преса) компонент. В резултат на това художникът успява да илюстрира по изключително достъпен начин абсурда на реалността, пренаситена със символиката на съветската пропаганда.
В допълнение към произведения на соц арт теми, дори и в техните ранни творбиах Булатов разработи теория за взаимодействието между живописта и пространството. В тези негови произведения се забелязва влиянието на Фалк. Силен, уникален етап от неговото творчество, неоценен в контекста на историята на изкуството.
Произведенията на Булатов постоянно се излагат на търгове за съвременно изкуство. Така на търга на Philips работата „Съветското пространство“ отиде за около 1,6 милиона долара, още две платна на съветски теми, включително „Революция - Перестройка“, бяха продадени за един милион долара, което направи Булатов един от най-скъпите съвременни руски художници.
Ерик Булатов "Liberte" 1992 - тази картина се появи на плаката на изложбата "Контрапункт"
На 14 октомври 2010 г. в Лувъра беше открита изложбата „Контрапункт: руско съвременно изкуство“. Изложбата представя творби на повече от двадесет художници. Това са Ерик Булатов, Емилия и Иля Кабакови, Виталий Комар и Александър Меламид, Валери Кошляков, Алексей Калима, Владимир Дубосарски и Александър Виноградов, Андрей Монастирски, Вадим Захаров, Юрий Лейдерман, Юрий Алберт, Авдей Тер-Оганян, групата "Сините носове" и AES+F и други. В навечерието на вернисажа кореспондентът на Известия във Франция Юрий Коваленко се срещна с академик Ерик Булатов в неговата работилница в Париж.
новина: Нито един от руските художници не е излагал в Лувъра през живота си. И броят на западните майстори, които са получили такава чест, е малко и рядък. С една дума, да отидеш в Лувъра е готино!
Ерик Булатов: Наистина, Лувърът изглежда на всички ни нещо недостижимо. Но нашите изложбата ще се състоисякаш в подземията – в средновековния Лувър, където са изкопани основите на стените и кулите на двореца. Това място за изложба е абсолютно неподходящо. Там можете само да правите инсталации или да показвате видеоклипове. Наистина изложба, за която може да се говори сегашно състояниена нашето изкуство - особено по време на Годината на Русия във Франция - трябваше да се проведе другаде. Например в Националния център за изкуство и култура „Жорж Помпиду“.
и: Е, обиден ли си?
Булатов: Не се обиждам, но просто не искам да има еуфория, прекомерна наслада: „О, Лувър, Лувър!“ Но както и да е, за нас, руснаците, Лувърът е Свято място, към която се присъединяваме. Може би някъде в ъгъла, в пукнатина.
и: Провеждането на „Контрапункт” означава ли признание за съвременното ни изкуство? Или това е само едно от събитията в рамките на кръстосаната година на Русия и Франция?
Булатов: Задавам си този въпрос. Има признаци и на двете. От една страна, на Запад отдавна се смята, че руско изкуство просто няма, без да броим авангардните художници от 20-те години. Всичко останало – преди и след – е провинциално и второстепенно. Разбира се, трима-четирима наши художници бяха признати, но техният успех остана личен и не се пренесе в руското изкуство като цяло. От друга страна, процесът на утвърждаване на руското изкуство като единно цяло върви - макар и много бавно.
и: До каква степен настоящата изложба в Лувъра отразява съвременното руско изкуство?
Булатов: Основно се основава на концептуализма – посока, която ще бъде представена доста убедително в Лувъра. Но това не е цялото ни изкуство. Резултатът не е обективна картина, а някакъв фрагмент. Много художници, които ми се струват много важни, отсъстват от тази изложба. Мисля, че например Оскар Рабин трябваше да бъде поканен.
и: Изненади очакват обществеността. В деня на откриването в Лувъра художникът Юрий Лейдерман организира своето представление: две жени на руски национални носииСто кочана зеле ще бъдат накълцани пред очите на зрителите. От своя страна неговият колега Юрий Алберт ще разведе зрителите из Лувъра със завързани очи...
Булатов: Това е нашият концептуализъм.
и: На плаката на изложбата е възпроизведена вашата картина „Liberte” („Свобода”) – ехо от известната картина на Делакроа „Свобода на барикадите”.
Булатов: Изложени са две мои работи. В допълнение към това има и картината „Черна вечер - бял сняг“.
и: „Liberte” е картина от учебник във всеки смисъл. Заедно с другата ви творба – „Съветският космос” – тя беше включена дори в учебниците по френски език.
Булатов: Получих този орден през 1989 г., когато се подготвях голям празникпо случай 200-годишнината от революцията. Щяха да вдигнат във въздуха дирижабъл, който от едната страна трябваше да бъде нарисуван от руски художник, а от другата - от американски. И имах идея, свързана с нашата революционна ситуация 1980 г Тогава имаше много свободолюбиви илюзии.
и: Как западната публика възприема руското изкуство днес?
Булатов: Винаги с интерес. В това се убедих на изложбата "Руски пейзаж" в национална галерияв Лондон. Музеят е безплатен, но изложбата се заплаща. И хората стояха, за да стигнат до него. Същото внимание се обръща и на руските изложби в Париж. Проблемът възниква с критиката - тя не се интересува.
и: И на чия страна е истината?
Булатов: Истината не може да бъде на страната на тези, които се опитват да режисират изкуството. Също така е погрешно да се приеме, че тя е на страната на публиката. Масите, например, отиват при Глазунов или Шилов. Във всеки случай не може да се пренебрегне публиката или поне тези, които искат да разберат картината. Те трябва да се образоват, трябва да се работи с тях. Не просто обявяване на един художник за добър и друг за лош, а обясняване на нещата за основните принципи на изкуството.
и: Има френски израз „да тренираш окото“.
Булатов: Не само очите, но и главата. Окото, както каза моят учител Владимир Андреевич Фаворски, може да бъде измамено. Съзнанието е по-трудно за измама.
и: Фаворски беше не само художник, но и философ.
Булатов: Той беше философ на изкуството. Той беше свързан с Флоренски и с други наши религиозни философи. Аз не съм философ, просто художник. Просто се опитвам да разбера защо и защо го правя по този начин, а не по друг начин.
и: Дали кураторите, които тук се наричат комисари, не са взели твърде много власт в ръцете си? Художниците имат, според вас, някакъв помощен материал в ръцете си - бои и четки?
Булатов: Имам впечатлението, че общата ситуация сега се променя. Може би защото има смяна на поколенията сред кураторите.
и: Дали изкуството не е загубило голяма част от моралните си функции и не е станало част от развлекателната индустрия?
Булатов: Не можем обективно да съдим за днешното изкуство, защото съдим именно по това, което ни се показва. Не знам доколко това отговаря на случващото се в изкуството. Освен това се надявам, че това изобщо не е така. И ще научим какво е изкуство днес, може би след петдесет години.
и: Предстоящата победа на Запад на масовата буржоазна култура е предсказана от Херцен. Сега изглежда най-накрая взе надмощие в Русия.
Булатов: Тя не може да спечели напълно. Ние, разбира се, не живеем в Ренесанса, но изкуството не може да загине. Ако това се случи, човешкото съществуванеще стане безсмислено. Изкуството задава въпрос, който никой друг не задава: „За какво е човекът?“
и: Все още ходиш в Лувъра, за да учиш с класиците. Какво може да научи един утвърден, известен артист?
Булатов: Всъщност мога да направя много малко. Не мога да правя много неща.
и: Унижение, а не гордост?
Булатов: Не, вярно е. Всеки творец има път, който следва. И ако се спънете малко, веднага се озовавате в блато, в което изобщо не можете да се ориентирате. И всеки път нова работатрябва да започнеш от нулата, да решиш отново, защото в изкуството всички решения са еднократни.
и: Все още ли те измъчват творчески мъки?
Булатов: Заедно с Фаворски, Фалк беше мой учител. Като студент идвах да му показвам работата си. И той ме попита: "Какво мислиш за тях?" Тогава бях напълно отчаян от собствената си посредственост и му казах за това. Фалк ми отговори: „Така че сега си в много добро творческо състояние, ще ти кажа нещо, което няма да ти бъде утеха, но ще ти бъде полезно в бъдеще минава, това означава, че ти като художник приключи." Никога не съм се чувствал толкова безпомощен, както сега, на стари години, когато започвам нов натюрморт.
и: До творбите на кои велики художници в Третяковската галерия или в Лувъра бихте искали да изложите своята картина?
Булатов: В Лувъра - страшно е да се каже - с "Коронясването на Дева Мария" от Фра Анджелико и със "Селския концерт" на Тициан. В Третяковската галерия - с Александър Иванов или Левитан. Любимата ми картина на Левитан е „Езерото“, която се намира в Руския музей. Трябваше да се нарича "Рус", но Левитан се смути да даде това име, смятайки картината за неуспешна.
и: Защо репродукция на Джоконда виси във вашето московско студио?
Булатов: Написах статия за Джоконда. За мен е важно как е структурирана тази картина, как е показан проблемът за границата между изкуството и живота. Това е, върху което Леонардо работи повече от всеки друг.
и: Но животът все пак е по-важен от изкуството?
Булатов: Наистина не знам. От една страна това е така, но от друга животът е материал за изкуство.
и: След като сте живели около две десетилетия във Франция, смятате ли се за руски или европейски художник?
Булатов: По образование и обучение съм руски художник. Следователно аз съм европейски художник, като всички художници, живеещи във Франция, Германия или Италия.
и: Сред любимите ти майстори са Левитан и Саврасов. Не можете ли да ги разберете с ума си?
Булатов: Художниците влияят не на ума, а на чувствата. Тяхното изкуство или ви действа незабавно, или изобщо не действа. Убеден съм, че ако изложбата на руските пейзажи от 19 век е добре организирана, тя ще направи огромно впечатление.
и: Веднъж ми каза, че Левитан и Малевич не са антиподи.
Булат: Тъй като и двамата са вкоренени в руската култура, те, разбира се, не са антиподи. Те се опитаха да направят зрителя участник в това, което правят. За Левитан беше много важно, че зрителят, заобикаляйки картината, веднага се озова в неговия пейзаж, в брезова горичка.
и: Може ли днес да се появи нов пейзажист от нивото на Левитан?
Булатов: Има такъв пейзажист. Това е Олег Василиев (приятел и съюзник на Булатов, с когото са работили заедно дълги години книжна графика. - "Известия"). Той е забелязан, но все още е подценяван.
и: бразилецът Гил Висенте рисува дузина платна, изобразяващи въображаемите убийства на Джордж Буш, бразилския президент Лула да Силва и настоящия папа Бенедикт XVI. Всичко ли е позволено на артистите? Допустима ли е някаква цензура в изкуството?
Булатов: Външната цензура, разбира се, е фатална за изкуството. Трябва да има вътрешна цензура. Какво е? Кант го е казал най-добре: „Звездното небе е над нас и морален законвътре в нас." И всички сме длъжни да спазваме този закон.
Ерик Булатов. Свободата си е свобода, 1997-98
Съвместната Ви изложба с Владимир Логутов се открива в НЦСИ. Логутов е много млад художник, от поколението на 30-годишните. Усещате ли приемственост в това артистично поколение?
Чувствам, че в това поколение, поколението на 30-годишните, те се интересуват от мен. Поколението на 90-те, „Медгерменевти“, Анатолий Осмоловски, беше изцяло с ориентация на Кабаков - те не се нуждаеха от мен и съответно аз също не се нуждаех от тях. интерес по-младото поколениеУсещах го, когато изнасях публични лекции.
Случвало ли ви се е да видите работата на млад художник - руски или чуждестранен - и да усетите собствената си традиция в нея?
Знаеш ли, нещо подобно се случи. Макар и много рядко. Но не мога да кажа нищо определено: почти не помня фамилията. Но винаги се радвам, когато видя някаква близост с артист, а дали е млад или не, не е важно.
Ерик Булатов. Свободата е свобода II. 2000-200
Но по-младото поколение се отдалечава от рисуването към нови форми – инсталация, видеоарт, пърформанс. Същият Владимир Логутов прави видео арт. А ти упорито продължаваш да рисуваш.
Това сложен въпрос. Какво е картина? Този въпрос няма категоричен отговор. мисля много съвременни художнициработи с картината, просто без да го осъзнават, вярвайки, че са изоставили картината. Има много примери - Сай Туомбли, всеки наш конструктивист от 20-те години, цялото американско поп изкуство, немски художници- Рихтер, Базелец, Кифер. Картината е пространство в равнина. Но равнината е само основата, от която е изградено пространството - или от едната страна на тази равнина, или от другата. Това е всичко. Това пространство може да бъде изградено и от триизмерни обекти.
- Значи рисуването като метод на изкуство все още може да се развива?
Разбира се, той се развива и показва новите си възможности. Във филма се крие много потенциал и това е неговата сила. Много съм доволен от снимката. Вижте, какво е инсталация? Ако инсталацията е пространство, през което зрителят трябва да премине, то тя, разбира се, няма отношение към картината, тъй като картината преди всичко изисква човек да бъде във фиксирана позиция спрямо нея. Но ако инсталацията има граница: зрителят стои от едната страна, а от другата се развива определен процес; тогава защо това не е снимка? Като инсталацията на Кабаков „Човек, който излетя в космоса от стаята си“. Видео изкуството също е по същество живопис. Но имам свои проблеми над главата си, те ще ме продължат до края на дните ми, така че няма да се впускам в тази територия, да правя инсталации или видео арт. Всичките ми проблеми се решават доста добре чрез картини.
IN напоследък, струва ми се, че социалният елемент изчезва от вашите картини, въпреки че преди играеше голяма роля. Мнозина дори ви нарекоха основател на Соц Арт.
Никога не съм бил соцарт художник. Разбира се, моите картини като „Хоризонт“ изиграха голяма роля в оформянето на тази посока, това е вярно. Но артистите на Соц Арт имат фундаментални разлики с мен. Смисълът е съвсем друг. Моите картини са конфронтация между идеологическа реалност и природна реалност. Две реалности се изправят една срещу друга и нашето съзнание е напълно блокирано от това идеологическо пространство. Това е същото. И никой освен мен не се занимаваше с този конфликт. След това започнаха да учат кога съветски съюзвече е рухнал.
Струва ми се, че в съвременното руско, дори московско изкуство, социалното и формалното често се разделят. Някои художници говорят само за социалното, други го забравят напълно, избирайки „уединението на рецепцията“, като Логутов.
Не трябва да има такава празнина. В крайна сметка пространството на изкуството трябва да бъде свързано с пространството на нашето съществуване, което, разбира се, включва и социалното пространство. В крайна сметка какво трябва да прави изкуството? Изследване на природата на пространството, в което се намираме, изследване на нашето възприятие за това пространство. Изкуството се опитва да изрази света, в който съществуваме, който всъщност не е описан или разпознат. В крайна сметка светът е нов всеки път и ние трябва да намерим име и образ за него. Това е въпрос на изкуство. Това свързва изкуството с живота и ми се струва, че точно това е целият смисъл на изкуството. Това е моето убеждение. Социалното пространство играе роля в този свят, но е само част и, както съм убеден, не най-важната.
- Хората на Запад, например в Париж, интересуват ли се от съвременното руско изкуство?
Не точно. Просто на Запад твърдо знаят, че той не съществува, така че тук няма какво да се интересува. Има руска музика, има руска литература, може би руски театър, но руско изкуство е имало и няма.
- Защо се случва това?
Би било интересно да знам отговора на този въпрос, но не е моя работа. Това се случи през 20-те и 30-те години и продължава и днес. Когато името на Шагал гръмна тук, в Париж, това се възприе като негов личен успех. И така е с всички: един руски художник може да стане успешен на Запад, но този успех никога няма да се пренесе върху цялото руско изкуство. Шагал имаше огромен успех, а близките Ларионов и Гончарова умираха от глад, защото никой не се интересуваше от тях. Между другото, няколко съвременни руски художници тук също знаят как да успеят и не мога да се оплача.
В тази липса на внимание към руското изкуство има арогантност, но в много отношения сме виновни самите ние, защото руските изложби, които се провеждат тук, са нещо ужасно. Те не могат да докажат нищо, освен че наистина няма руско изкуство. Това е тъжно. Струваше ми се, че задачата на моето поколение е да въведе руското изкуство в едно глобално пространство на изкуството. За съжаление не успяхме: отново само отделни имена. Надявам се, че следващите поколения ще могат да направят това. Все пак процесът не стои неподвижен.
- Ами руският авангард?
Знаете ли, в Париж руският авангард се възприема като навлизане на френското изкуство в руското изкуство. Нашият 19 век се смята за провинциален клон немско изкуство, а след това и френския десант, който дава неочакван резултат. Тогава парашутистите бяха разстреляни и всичко свърши. Въпреки че това е изключително несправедливо. Смятам, че 19 век също заслужава специално внимание - това определено не е провинциален клон, въпреки че със сигурност е имало немски влияния.
Виждате ли, важно е нашите руски теоретици и историци на изкуството най-накрая да започнат сериозно да се занимават с тези въпроси. Вижте, в нашата изкуствоведска критика руското изкуство на 19-ти век се оказа между два полюса: или е дявол знае какво (както смятат на Запад някои наши водещи личности като Катя Дегот), или е нещо необикновено, най-красивият и най-великият, създаван някога - или по-добър от всеки друг в света. Всъщност и двете позиции са вредни. Не просто погрешно, но и вредно. Трябва внимателно да разгледате как се различава от изкуството на други страни и школи, каква е същността му, какви са неговите недостатъци и предимства. Просто брандиране или възхваляване е пътят към никъде.
Отново, ако говорим за руското изкуство като такова, тогава трябва да разберем каква е връзката различни епохии жанрове. Наистина ли руски XIXвек и руският авангард - две противоположни неща ли са, които се изключват? Ако и двете са руско изкуство, тогава има някакъв вид общо основание, нещо обединено. Но никой не анализира тези явления. Защо тогава искаме другите да си мислят, че имаме изкуство? В крайна сметка ние самите не можем да кажем нищо за него.
Казвате, че може би следващото поколение художници ще успеят да откроят руското изкуство на световната сцена. Но сега има процес на глобализация, когато различията между изкуството на различните страни все повече се заличават. Може би сега тази селекция от руско изкуство няма смисъл?
Ще ви кажа, че глобализацията е само мит, всъщност тя не съществува. Разбира се, и Кифер, и Базелиц са изцяло немски художници; невъзможно е да си представим французин като Базелиц. Или Анди Уорхол. Може ли да е европеец? Разбира се, че не. Друго нещо е, че има ярки личности, а има и скучни. А ярките много добре изразяват националната си основа. защото национална основа- това е вид съзнание, това не е техника или природа на изображението. Те могат да бъдат всякакви - от фигуративни до абстрактни. Типът съзнание не може да бъде отменен. Той е оформен от всичко национална култура- музика, литература и философия.
Руското изкуство в този смисъл не се различава от другите: видът на съзнанието остава, той е най-малко гъвкав. То диктува своите особености за националното възприемане на изкуството. И руското изкуство в този смисъл по някакъв начин е специфично различно от френското. Това, което нашият зрител иска от изкуството, не е това, което искат французите.
- А какво иска нашият зрител?
Виж, френско изкуствофундаментално херметически затворен. Тя няма нужда от зрител, защото сама отстоява своята значимост и не зависи от отношението на зрителя към нея. Това е много важен момент. Това не е нито лошо, нито добро, просто е много характерно за френското съзнание. "Ти не харесваш? Добре, махай се! Изкуството няма да загуби нищо от това, но вие ще го направите. А нашето изкуство изисква зрител, то не може да съществува без зрител. Никое изкуство не се нуждае от зрител в такава степен, както руското изкуство. Това важи за всяка една епоха – 19 век, Малевич, Татлин, нашите концептуалисти, който искаш. Това е в основата на нашето съзнание.
Диагонал. Разрез
Може би затова изкуството ни не се възприема на Запад? В крайна сметка, ако изкуството има нужда от зрител, то е непълноценно.
Така се опитват да го тълкуват, както и вие сега. Но това няма нищо общо с полезността на самото изкуство. Просто вид съзнание.
Материалът е подготвен от Елена Ищенко.
Художникът Ерик Булатов се смята за основател на няколко нови стила в световното изкуство. От неговата четка идват творбите, които дават началото на жанровете на руския поп арт, фотореализма, социалистическото изкуство и московския концептуализъм. Произведенията на майстора са сред най-много скъпи картинив света. Булатов, въпреки че живее в две къщи – руска и френска, често признава, че се радва да се върне в родината си, за да се зареди с вдъхновение и нови идеи.
Детство и младост
Бъдещият художник е роден на 5 септември 1933 г. в Свердловск (сега град Екатеринбург). Малкият Ерик рано остава без баща - загива на фронта през 1944 г. Майката на момчето е емигрант от Полша и работи като стенографка. В интервю Булатов по-късно призна: баща му не се съмняваше, че синът му ще стане художник. И, както се оказа по-късно, той беше прав.
Ерик Булатов не се съмняваше в избора си на професия и след като завършва училище, влезе в Института по изкуствата на името на. Завършва през 1958г образователна институция. Любимите му художници в този момент бяха и - именно тяхната работа до голяма степен повлия на стила на ранните творби на Булатов.
През 1959 г. амбициозният майстор на четката получава работа в издателството за детска литература "Детгиз", където Олег Василиев става негов колега-илюстратор, който по-късно, като самия Булатов, напуска страната.
Техните дизайни за Малката русалка, Спящата красавица и Пепеляшка продължават да радват както деца, така и възрастни. От 1957 г. Ерик Владимирович започва да организира първите си лични изложби. От същия период е прието да се броят професионалните му произведения.
Рисуване
Отличителна черта на оригиналния стил на художника е хармоничното съчетание на жанра на плаката, популярен в съветските времена, и компонента на живописта. Лозунгите в картините на Ерик Владимирович съжителстват с пейзажи и портрети. С тази техника, според критиците, Булатов подчерта абсурдността на заобикалящата го реалност, нейното пренасищане с претенциозни изказвания и пропаганда.
Подобно социално изкуство в творчеството на Ерик Булатов беше в съседство с картини, в които ясно се вижда влиянието на стила на Робърт Фалк. За съжаление, този период в артистичната кариера на Булатов не спечели голяма популярност сред критиците и изкуствоведите. Самият художник признава, че Фалк наистина е повлиял на професионалното му развитие по много начини.
В средата на 60-те години Булатов експериментира със стилове, комбинирайки илюстрационни техники в едно платно, акварелна живопис, както и графики. Художникът обърна специално внимание на начините за предаване на светлина и пространство.
За съжаление, произведенията на Ерик Владимирович в СССР бяха подложени на цензура и той можеше само да мечтае за пълноценни изложби. Едва през 1965 и 1968 г. Ерик Булатов успя да постигне краткосрочни изложби на своите картини в Института Игор Курчатов и в московско кафене, наречено „Синята птица“.
От 70-те години на миналия век в творчеството на Булатов започват да доминират мащабни платна, в които авторът се обръща към социални теми и образи, които изпълват масмедиите от онова време. През 1972 г. художникът рисува „Хоризонт” - един от най- известни картини. В този момент произведението се възприема като пародия.
Същият период в кариерата на Ерик Владимирович бе белязан от множество чуждестранни изложби, които доведоха майстора международно признание: Картините на Булатов посетиха Цюрих, Париж, Венеция и други европейски градове, навсякъде срещайки благоволението на любителите на изкуството.
Постепенно Ерик Владимирович придобива репутация на „художник на перестройката“, а през 1988 г. дори е признат за майстор на годината от Венецианското биенале. Година по-късно Булатов и семейството му се преместват в Ню Йорк, а след това през 1992 г. заминава за Париж, който става негов втори дом.
В началото на 90-те години художникът постепенно се отдалечава от политическите теми: работата на Булатова се отваря нова страницаабстрактни изображения и графични изображения. И след известно време майсторът се интересува от керамиката, давайки на света редица талантливи рисунки върху съдове.
През 2003 г. Ерик Владимирович организира изложба в Москва - за първи път след преместването. Изложбата, представена в столичната Третяковска галерия, получи ентусиазирани отзиви в родината на майстора.
Друга мащабна изложба се състоя десет години по-късно, когато творбите на художника му дадоха титлата лауреат на конкурса за иновации. И през 2015 г. Булатов беше поканен на откриването на музея "Гараж", както и на музея на името на. Специално за това събитие Ерик Владимирович създаде платното „Свобода“.
Картините на Булатов постепенно донесоха на майстора славата на един от най-скъпите и търсени художници на нашето време. Платно „Брежнев. Съветският космос” беше продадена на търг за 1,6 милиона долара, а редица картини на съветска тематика струваха на новите собственици по 1 милион долара всяка. На този моментповечето известни произведенияМайсторите, в допълнение към изброените, могат да се нарекат платната „Не се облягай“, „Слава на КПСС“, „Небе - циел“.
Личен живот
Ерик Булатов предпочита да не споделя подробности от личния си живот. Известно е, че художникът има съпруга. Съпругата на господаря се казва Наталия.
Според Ерик Владимирович тя го подкрепя и му помага да създава. Любимият на Булатова обгради съпруга си с внимание и до голяма степен го освободи от мисли за ежедневните задължения, които биха могли да отнемат време от творчеството.
Ерик Булатов сега
Сега Ерик Булатов живее в две къщи - художникът, по собствено признание, се чувства добре както в родната си Русия, така и във Франция. През 2018 г. Анатолий Малкин подготви документалния филм „Живея и виждам“, в който под формата на интервю той разкри интересни подробности от биографията на Ерик Владимирович. В този филм Булатов призна, че поради възрастта си вече не може да отделя толкова време за творчество, колкото преди, но все още е отдаден на любимата си работа.
Документален филм„Живея и виждам“ за Ерик БулатовВ допълнение, книги на руски и чуждестранни историци на изкуството са посветени на творчеството и биографията на художника. Творбите на Булатов могат да се видят в музея Жорж Помпиду в Париж, както и в галерии в Ню Джърси, Кьолн и Базел. В Русия картините на Ерик Владимирович са представени в Третяковската галерия и Руския музей.
Върши работа
- 1972 - "Хоризонт"
- 1975 - „Слава на КПСС“
- 1977 - „Брежнев. съветско пространство"
- 1987 - „Не се облягай“
- 1989 - "Перестройка"
- 2010 - “Sky - ciel”
- 2011 - „Нагоре - Надолу“
- 2015 - "Свобода"
МОСКВА, 14 юни – РИА Новости, Виктория Салникова.Ерик Булатов е един от най-известните съвременни руски художници, чиито картини вероятно са виждали всички. Булатов често е наричан основател на Соц Арт. Неговите платна са лесно разпознаваеми: те са ярки плакатни надписи на фона на пейзажи.
Една от последните и емблематични творби на художника беше дарена на колекцията на 13 юни Третяковска галерия. Платно за рисуване„Картината и зрителите” е дарение на музея Благотворителна фондацияВладимир Потанин.
Спомнихме си основните картини на Булатов - от съветски периоддо наши дни.
„Чудното пътешествие на Нилс с дивите гъски“, 1979 г
Книги, проектирани от Ерик Булатов, вероятно са били в ръцете на всяко дете. Илюстрации към приказката " Прекрасно пътуванеНилс с диви гъски" от Селма Лагерльоф стана канонична. Подобно на много съветски художници, успоредно с голямото изкуство, Булатов се занимава с "малко" изкуство - дизайн на детски книги.
"Слава на КПСС", 1975-2005 г
© Снимка: предоставена от Благотворителната фондация V. PotaninЕрик Булатов, "Слава на КПСС", 2003-2005 Маслени бои върху платно, 200 х 200 см. Подарък на Владимир и Екатерина Семинихин
© Снимка: предоставена от Благотворителната фондация V. Potanin
Картината "Слава на КПСС" беше включена във всички художествени енциклопедии. В началото на 70-те години Ерик Булатов започва да се развива нов стил: наслагва реалистични пейзажи с ярки надписи, заимствани от идеологически плакати. В същото време той се интересува от експерименти с космоса.
Платното "Брежнев. Съветски космос" може да се сбърка с истински идеологически плакат. Въпреки това работата беше забранена. „В картините няма политическа критика - само необходимостта да се покаже ненормалността на живота, възприеман от нашето съзнание като нормален“, -
Ретроспективата на Ерик Булатов "ЖИВЕЯ - ВИЖДАМ" беше открита в ЦК "Манеж". Мащабът на изложбата е впечатляващ: събрани са над 100 творби. Решихме да разкажем за изложбата с помощта на пет картини известен художник
Автопортрет. 1968 г
Автопортретите са идеалният начин да опознаете художник. Мащабът на Фрида Кало в този жанр не може да бъде надминат от никого, но по един или друг начин автопортретът заема важно място в творчеството на художници от всички времена и народи - от Тициан до Салвадор Дали. Ерик Булатов за дълги годинисъздадени произведения няколко автопортрета. Парчето от 1973 г. демонстрира млад художникна фона на „пълзящата линия” - „Забранено влизане”. Автопортретът от 2011 г. прилича на религиозен образ: фигурата на художника сякаш свети отвътре. Автопортретът от 1968 г. е една от ранните творби на Булатов. Само мързеливите не биха разпознали „здравей“ от Рене Магрит върху платното - повтарящите се лица на художника са вписани в черния силует на мъж с бомбе. Сюрреализмът не се вкорени в творчеството на Булатов, но концепцията за „картина в картината“ го направи.
"Руският XX век I"
Ерик Булатов събира крайни противоположности в пространството на една картина: спокойствие и безпокойство, пълна свобода и затворнически решетки, реалистична живописи съветски плакат. Картините от поредицата „Руски 20-ти век” изобразяват идиличен руски пейзаж, над който заплашително се извисява графичната римска цифра ХХ. Пейзажът е въплъщение на спокойствието на руския живот, зачеркнат от 20-ти век: издига се древна църква, ниски къщи и колиби наоколо, а на заден план се вие река. Двадесети век нахлува безцеремонно и символично. В картина номер I числата приличат на лъчите на прожектор от компанията 20th Century FOX на фона на ужасно червено небе. Водата в реката също е кървава на цвят - идиомът, на който съответства изображението, не изисква обяснение. В произведение № II Булатов действа по-лаконично и схематично: огромни червени цифри зачеркват патриархалния пейзаж.
"Слава на КПСС"
Принадлежността на Булатов към което и да е движение е трудно да се диагностицира: през 60-те години художникът се занимава с абстракция, емблематичните му творби са класифицирани като социално изкуство, някои картини са близки до американския реализъм в духа на Едуард Хопър. Визиткахудожникът - лаконични надписи, минаващи през повечето от най-известните му творби. Учебникът "Слава на КПСС" - ясен пример. Съответната червена фраза беше отпечатана върху синьото небе с пухкави облаци. Небето е символ на естествената свобода на човека. Съветският лозунг очевидно символизира твърдата ръка на тоталитарната власт. Небето живее и се променя: облаците могат да се появяват и изчезват, а „Слава на КПСС“ е безсмислено вечно, поне докато ръждата не разяде многобройните пропагандни билбордове в цялата страна, пълни със съветски лозунги. Коварният план на художника, въплътен в привидно патриотичен формат, беше толкова очевиден, че дори неопитните в очарованието на авангарда съветска властмисъл" културен код„и забрани картините на Булатов.
"Лувър. Мона Лиза"
Естествено, проблемите на картините на Булатов не се изчерпват с политика и протест, без които един достоен художник в Страната на Съветите не би могъл. "Лувър. Джоконда" е визуална рефлексия върху диалога между изкуство и зрител. Основното нещо, което интересува художника в платното на да Винчи, е привлекателността на картината към зрителя. Хипотетичните посетители на Лувъра в творчеството на Булатов нахлуват като пурпурна маса в залите на музея и замъгляват всичко и всички – видима остава само тайнствената, леко саркастична усмивка на Мона Лиза. Тълпата прилича на снимка от стар съветски вестник, незнайно защо отпечатана с алено мастило, а музейните зали са реализъм, непоклатим в своята вечност. Възможно ли е да се възприема изкуството в условия на шумен, агресивен, като червения цвят, медиен хаос? Въпросът е риторичен.
„Картината и зрителите” е поредната творба на тази тема. Платното възпроизвежда известното „Явяване на Христос пред хората“ от Александър Иванов, около което посетителите се тълпят с водач (между другото, съпругата на Булатов) начело. Можете наистина да оцените работата, като я погледнете зад гърбовете на други посетители - тогава вашите колеги от тълпата стават част от работата и картината магически се превръща в инсталация.
"Откъде да знам къде"
„Трамваят ми тръгва“, „Черна вечер, бял сняг“, „Докато облаците вървят“, „Това е“ - наборът от фрази, използвани от Булатов, е разнообразен и трудно изброим. Някои думи минават през изображението: „Свобода“ през синьото небе, „Влак“ през релсите. „Трамваят ми тръгва“ се втурва след закъснял човек - удивително е как наклонът и разположението на буквите могат да предадат бързо движение. Поредицата „Тук“ е може би най-лаконичната в творчеството на Булатов. Творбите са от плът и кръв на по-ранните „Слава на КПСС“ и „Живея, виждам“. „Героите” на картините са само думи, без които картините биха се превърнали в аскетична черно-бяла абстракция. Когато си задавате екзистенциални въпроси, декорациите са излишни. "Откъде да знам къде" - житейски сценариймного модерни хора. Остава само да си го признаем.
Където:Централна изложбена зала "Манеж", Площад Манежная, 1
