Najlepsze musicale. Streszczenie Rozwój musicalu. Znani kompozytorzy i produkcje Tytuł i autorzy rosyjskich musicali

Musical jako odrębny gatunek sztuki powstał na scenach teatralnych Nowego Jorku. W latach 20. ubiegłego wieku stał się osobną gałęzią teatru. Dziś musicale to najbardziej widowiskowe i wysokobudżetowe produkcje. Trendsetterami są nadal hollywoodzcy reżyserzy i Brytyjczycy. W połowie ubiegłego wieku musicale przedostały się do kina i stały się megapopularne wśród publiczności, ponieważ hollywoodzkie gwiazdy wykonały kompozycje.

Najlepsze hollywoodzkie musicale ubiegłego wieku

Hollywoodzki reżyser Stanley Donen nakręcił niesamowite filmy muzyczne. Na szczycie listy znajduje się Deszczowa piosenka, jeden z jego najbardziej niesamowitych filmów, z udziałem Gene'a Kelly'ego, Donalda O'Connora i Debbie Reynolds.

West Side Story opowiada o Romeo i Julii. nowy sposób. Kompozycje wykonały gwiazdy amerykańskiego kina Natalie Wood i Richard Beymer.

Lista hollywoodzkich musicali została uzupełniona o kolejne arcydzieło - obraz „Dźwięki muzyki”. Film opowiada o życiu guwernantki Marii, która trafiła do rodziny oficera wdowca wychowującego siedmioro dzieci.

Na czwartej pozycji znajduje się melodramatyczny obraz „My wspaniała dama”, wydany na ekranach w 1964 roku. Historia kwiaciarki Elizy, która pod wpływem profesora Higginsa staje się prawdziwa pani. Główne partie wykonali Audrey Hepburn i Rex Harrison.

Grease to świetny musical Randola Kleisera. Film opowiada historię dwojga nastolatków, Danny'ego i Sandy'ego, którzy zakochani w sobie muszą odejść. Los sprzyja kochankom i odzyskują szczęście. Musical jest pełen ogromne ilości kompozycje i świetna choreografia. Ścieżka dźwiękowa do tego filmu została dwudziestokrotnie pokryta platyną.

Dyrektorzy okres sowiecki entuzjastycznie przyjął nowy gatunek kina. Wiele zostało sfilmowanych jasne zdjęcia. Oto lista musicali wyprodukowanych w ZSRR.

Na pierwszym etapie miniserialu z 1979 roku „D'Artagnan i trzej muszkieterowie”. Wspaniała opowieść o pałacowych intrygach, miłości, przyjaźni i odwadze. Maxim Dunayevsky stworzył nieśmiertelne hity, które zna każde pokolenie.

Najlepsze filmy okresu sowieckiego można nazwać filmami muzycznymi. Lista arcydzieł byłaby niepełna bez obrazu „Człowiek z bulwaru kapucynów”. Genialny hit Alli Surikovej ze świetnymi kompozycjami i legendarnymi aktorami.

Lista musicali produkcji krajowej została uzupełniona innym obrazem - „Wesele w Malinowce”. Opowieść dotyczy życia codziennego. wojna domowa na tle których rozgrywają się prawdziwe dramatyczne wydarzenia.

"Truffaldino z Bergamo" to komediowy obraz o bystrym słudze Truffaldino, który zostaje zatrudniony do służby dwóm panom jednocześnie i, nie wiedząc o tym, odpowiada ich losowi.

„Mary Poppins, do widzenia” – fantastyczny film Leonida Kvinikhidze, opowiada wszystkim znaną historię o magicznej niani, pani perfekcji. Obraz pełen jest magicznych kompozycji Maxima Dunaevsky'ego i mocnych wokali rodzimych wykonawców.

Pochodzenie musicalu

Prekursorami musicalu było wiele lekkich gatunków, w których mieszały się pokazy różnorodności, francuski balet i dramatyczne przerywniki. We wrześniu 1866 roku w Nowym Jorku wystawiono „Czarnego oszusta”, w którym przeplatały się romantyczny balet, melodramat i inne gatunki. To ona jest uważana za punkt wyjścia nowego gatunku. Angielski producent George Edwards określił jeden ze swoich przebojów „Chorus Girl” jako komedię muzyczną. Komedia muzyczna oznaczała lekki, zabawny występ, w którym najważniejsza była nie fabuła, ale popularne numery wokalne w wykonaniu idoli publiczności. Produkcje Edwardsa wygrały głośny sukces w Nowym Jorku i do początku XX wieku występy angielskie dyktowały modę w nowym gatunku.

Rozwój w Ameryce

Następnie „Arshin Mal Alan” został przetłumaczony na ponad 75 języków i wystawiony w 187 teatrach w 76 krajach: w 16 miastach Gruzji, w 17 miastach Bułgarii, 13 stanach USA, 17 miastach Polski (1500 razy). ), w 28 miastach Rosji, w 8 miastach Chin itp.

• „Onun Ureyi („Jego serce”)” – film fabularno-muzyczny (Bajkowo-muzyczny), reżyseria – Samira Kerimoglu. Związek Pracowników Teatru Azerbejdżanu był gospodarzem prezentacji filmu fabularno-muzycznego „Onun üreyi” (Jego Serce) w reżyserii Samira Kerimoglu, zaplanowanego na Dzień Dziecka.

Ukraińskie musicale

• "Feminizm po ukraińsku" (1998, wydanie drugie - 2008) - pierwszy narodowy musical ukraiński. Autor libretta, kompozytor, reżyser i scenograf – Aleksiej Kołomijcew.
• „Kitsin Dim” (2012) – pierwszy ukraiński musical dla dzieci(aktorzy 11-16 lat) Musical autorstwa gra o tej samej nazwie S.Ya. Marshak „Dom kota”. Autorzy libretta: Samuil Marshak, Konstantin Rogan, Vitaliy Kailo, kompozytor - N "Pongo, kierownik produkcji - Vladislav Mamatenko, choreograf - Sergey Bozhchuk, chórmistrz - Lusine Kocharyan, Konstantin Rogan, kostiumograf - Anna Czepiga, scenografia - Veronika Shova, make -up artysta - Ekaterina Kuzemka, premiera odbyła się w Kijowie 3 maja 2012 (muzyka w języku ukraińskim)
• "Bdzhilka" (2010) - Pierwszy ukraiński musical dla dzieci "Bdzhilka" (2010). Aktorzy (7-18 lat). Autorem pomysłu i tekstu jest autor tekstów Nikołaj Gnatiuk, kompozytorzy Wiktor Tymożyński, Wasilij Czepeluk, choreograf Łesia Kosakowskaja, dyrektor muzyczny Iya Yatsenko-Zhuk, scenografia Pavel Garbuz. Premiera odbyła się w Łucku 1 czerwca 2010 r. (muzyka w języku ukraińskim).

www.volyn.com.ua

Musicale religijne

• „Wierzymy w Chrystusa Zmartwychwstałego” (2009) – pierwszy kazachski musical on Motyw prawosławny. Stało się powszechne w prawosławnym świecie rosyjskojęzycznym. Scenariusz Tatiana Ryłowa, kompozytor - Arsenij Gorkin.

Zobacz też

• Nagroda Krajowa i Festiwal "Muzyczne Serce Teatru"

Uwagi

Spinki do mankietów

Definicja „muzyki”

Co to jest musical?
Encyklopedia muzyczna odpowiada na to w ten sposób: „Muzyczny gatunek sceniczny, który wykorzystuje wyraziste środki muzyczne, dramatyczne, choreograficzne i sztuki operowe. Ich połączenie i wzajemne powiązanie nadało musicalowi szczególny dynamizm, cechą charakterystyczną wielu musicali było rozwiązywanie poważnych problemów dramaturgicznych prostymi środkami artystycznymi.
musical- musical lub, jak często piszą i mówią, musical - skrócona forma pojęć Komedia muzyczna (komedia muzyczna) i Spektakl muzyczny (zabawa muzyczna, przedstawienie muzyczne) -to dzieło sceniczne, w którym mieszają się pieśni i dialogi, muzyka i tańce. Musical to jeden z najmodniejszych gatunków współczesnego teatru muzycznego. Niektórzy uważają to za amerykańską odmianę operetki. Nie ma w tym wielkiego błędu. Gatunki sztuki mają tendencję do rozwoju, a operetka wielokrotnie zmieniała swój narodowy i specyfika gatunku. Operetki sentymentalne i melodramatyczne I. Kalmana i F. Lehara tak bardzo różniły się od operetki wiedeńskiej końca XIX wieku, a komedie muzyczne autorów radzieckich tak różniły się od produkcji zachodnich, że czasem dawały też powód, by mówić o nich jako o nowy gatunek. Słowa „to nie jest operetka” były dobrze znane wielu twórcom operetki XX wieku. Ale to w amerykańskim teatrze muzycznym nastąpił skok jakościowy, który pozwala wielu uważać musical za niezależny gatunek sceniczny, choć pozostaje on w ścisłym związku i ciągłości z operetką.
Początki tego gatunku to operetka, opera komiczna, wodewil, burleska. Fabuły musicali są często zaczerpnięte ze znanych dzieł literackich, ze światowych dramatów, takich jak „My Fair Lady” Bernarda Shawa, „Kiss Me, Kate!” Szekspira, „Człowiek z La Manchy” Cervantesa, „Oliver!” i „Noc Otwartego Domu” Dickensa. Musicale to jedna z najbardziej komercyjnych sztuk teatralnych. Wynika to z ich rozrywki i drogich efektów specjalnych.historie.

Pochodzenie musicalu. pochodzenie
Sztuka opowiadania historii za pomocą piosenek sięga niepamiętnych czasów. Starożytni Grecy włączyli muzykę i taniec do swoich spektakli teatralnych już w V wieku p.n.e. Niektórzy z nich pisali specjalne piosenki do każdego musicalu, inni wykorzystywali już istniejące. Spektakle te łączyły humor, satyrę polityczną i społeczną oraz wszystko, co mogłoby zabawiać masy. Za pomocą piosenek można było komentować działania, rozmawiać o tym, co się dzieje. Rzymianie skopiowali niemal wszystkie formy i tradycje teatru greckiego, ale dokonali też pewnych zmian. W szczególności zaczęli obijać buty metalem, aby lepiej słyszeć ruch tancerzy, co zaczęło podkreślać znaczenie efektów specjalnych.
Miejsce narodzin musicalu to słusznie Stany Zjednoczone Ameryki. Amerykański sposób rozwoju, w sferze politycznej czy kulturowej, jest uważany za szczególny. Historycy to nazywają "Amerykańska droga". Ze względu na dużą liczbę imigrantów i purytanów sztuka teatralna w Ameryce nie mogła rozwijać się tak, jak rozwijała się europejska.
Purytanie, którzy walczyli nie tylko o czystość wiary, ale także o czystość życia, narzucali ludziom opinię, że teatr to gatunek niski, obłudny. Byli pewni, że człowiek może osiągnąć rozwój duchowy tylko dzięki ascezie i intelektowi - ani jednego, ani drugiego, według purytan, nie było w teatrze. Mimo tak ciężkiej i nieznośnej opresji teatr amerykański nie zniknął, ale niektóre jego gatunki nigdy nie wyszły na jaw. Aż do XIX wieku teatr w Ameryce był zakazany, kwitły kontrkulturowe, tak surowe, uproszczone jego formy. Aktorzy byli w większości imigrantami z Europy lub „czarnymi Amerykanami”, dodawali swój folklor do przedstawień teatralnych. W ten sposób w drugiej połowie XIX wieku nastąpiła formacja. Przedstawienia w teatrze amerykańskim były głównie zabawne. Najpierw pojawia się rzecz, a potem osoba myśli, jak ją nazwać. Tak nazywają się te spektakle. „Ministrowski show”(sam termin pojawił się w 1837 r.) - sama nazwa mówi o ironii jego twórców. Pomimo tego, że tradycja przebierania się za Murzynów miała miejsce wśród domowych występów białych osadników w Ameryce jeszcze w roku koniec XVII Pokazy minstreli, jako integralna forma sztuki rozrywkowej, rozwinęły się pod koniec lat dwudziestych XIX wieku. w USA. Impulsem do popularności pokazu minstreli były występy Thomas Dartmouth Ryż, w szczególności jego numer "Jim Crow"- kompozycja muzyczna i taniec naśladujący styl murzyński. Popularność tego numeru była tak duża, że ​​Rice przyjął pseudonim „Jim Crow” i koncertował w Ameryce i Europie. Podążając jego śladami w latach 30. XIX wieku. zaczęły pojawiać się podobne zespoły instrumentalno-wokalne i wykonawcy solowi. W połowie lat 40. XIX wieku. pokazy minstreli, zwane także „etiopskimi” (które oprócz muzyki i tańca zawierały małe skecze komediowe z dialogami, skeczami itp.) stały się jedną z najpopularniejszych form rozrywki w USA, zwłaszcza w stanach północnych . Minstrele parodiowali życie i maniery Murzynów, często przedstawiając ich w najbardziej brzydki sposób jako leniwych, głupich i chełpliwych niewolników. Humor serialu był dosadny z użyciem gry słów. Często pojawiała się satyra na bieżącą politykę w imieniu wiejskiego niewolnika. Wśród minstreli praktycznie nie było Murzynów, tylko od połowy lat 50. XIX wieku. zaczęły pojawiać się pierwsze całkowicie murzyńskie trupy minstreli. Paradoksalnie też wymyślali twarze, przez co wyglądały jak teatralna maska. Pokazy murzyńskich minstreli również zgromadziły publiczność, która chciała zobaczyć występy prawdziwych Murzynów. Jednak pierwotnie rasistowski charakter pokazu minstreli utrudniał jego rozwój wśród czarnoskórych wykonawców (zwłaszcza na południu).
Wraz z coraz większymi tendencjami abolicjonistycznymi w społeczeństwie północnoamerykańskim pokazy minstreli były postrzegane w tym świetle jako kanał dla idei niewolnictwa. Jednocześnie w wielu stanach Południa pokazy minstreli były stopniowo zakazane, ponieważ kojarzyły się z rozrywką mieszkańców północy. Podczas wojny secesyjnej przemysł widowiskowy minstreli zaczął podupadać: w tym czasie podobne gatunki zyskiwały popularność. wariacje, wodewil i komedie muzyczne. Zwiedzanie małych trup minstreli przeniosło się dalej na peryferie. W tym samym czasie w Nowym Jorku gatunek minstreli przekształcił się w wielkie, bogato zdobione widowiska z udziałem zagranicznych akrobatów i innych elementów cyrkowych; wkrótce czarny makijaż nie był już obowiązkowy w takich przedstawieniach. W latach 70. XIX wieku w dział muzyczny Menstrel Show wszedł w duchowe pieśni murzyńskie, spirytualizm. W ta sprawa piosenki nie były imitowane, ale bezpośrednio zapożyczane od wędrownych czarnych muzyków.Źródłem Negro spirituals są duchowe hymny sprowadzone do Ameryki przez białych osadników. Tematem spirituals były biblijne opowieści starotestamentowe, które zostały dostosowane do specyficznych warunków życia codziennego i życia Murzynów oraz poddane obróbce folklorystycznej. Łączą charakterystyczne elementy afrykańskich tradycji wykonawczych (improwizacja zbiorowa, charakterystyczny rytm z wyraźnym polirytmem (polirytmem), glissandowe dźwięki, nietemperowane akordy, szczególna emocjonalność) z cechami stylistycznymi amerykańskich hymnów purytańskich, które powstały na gruncie anglo-celtyckim. Duchowni mają strukturę pytanie-odpowiedź (odpowiedzialną), która wyraża się w dialogu kaznodziei z parafianami.
Na początku XX wieku gatunek przedstawienia minstreli w końcu stał się przestarzały i nadal istniał tylko na obszarach wiejskich. Południowe stany. Do 1919 r. pozostały tylko trzy znaczące trupy minstreli.Taka fascynacja kulturą „czarnych”, choć początkowo żartobliwa, nie mogła nie mieć konsekwencji. Jego najbardziej niezwykłą konsekwencją były narodziny - jazz. Jazz był aktywnie wykorzystywany na scenie do inscenizacji burleski i występów w duchu farsowego wodewilu. Przedstawienia te były już wystawiane z udziałem aktorów i muzyków. Jazz stał się tak popularny, że na początku II wojny światowej trudno było znaleźć program rozrywkowy w całej Ameryce, który nie zawierałby elementów jazzowych. Z prymitywnej muzyki murzyńskiej jazz przekształcił się w muzykę, która opowiada o filozofii amerykańskiego życia, a co za tym idzie, zmienił się także dramatyczny gatunek wykonań. Jazz zjednoczył wszystkie dotychczas odmienne gatunki – tak narodził się musical.
W produkcjach musicalowych aktywnie wykorzystywane są różne efekty specjalne, tworzone są unikalne sztuczki, z których widz zapiera dech w piersiach!

Gatunki związane z muzyką
Jak już wielokrotnie mówiono, jazz był ogromnym impulsem do rozwoju kultury muzycznej, więc występy jazzowe bez wątpienia będą dalekie, ale nadal spokrewnione z musicalem. Jeśli wyjdziemy z tego, że musical pochłonął wiele, co jest charakterystyczne dla produkcji dramatycznych – tj. teatralne, to pokrewne gatunki to:
- dramat
- melodramat
- komedia
- tragedia
- tragikomedia
- farsa
- wodewil farsowy

Rozwój muzyczny. Znani kompozytorzy i musicale. Styl muzyczny.
W latach poprzedzających I wojnę światową utalentowani emigranci Herbert, Friml, Romberg dali impuls do aktywnego rozwoju musicalu w Ameryce. W latach 20. i 30., wraz z pojawieniem się nowych amerykańskich kompozytorów Jerome'a ​​Kerna, George'a Gershwina, Col Portera, musical nabiera prawdziwie amerykańskiego smaku. Libretto stało się bardziej skomplikowane, w rytmach zauważalny stał się wpływ jazzu i ragtime, w utworach pojawiły się typowe amerykańskie zwroty. Wiele piosenek z musicali stało się muzycznymi klasykami. Umiejętności aktorskie śpiewaków znacznie wzrosły. Gershwin po raz pierwszy zdobył nagrodę Pulitzera w 1932 za pracę nad musicalem Of Thee I Sing (1931). Premiera to słynna opera Porgy and Bess miało miejsce w Nowym Jorku pod koniec 1935 roku i rzucać składał się z klasycznie wyszkolonych śpiewaków afroamerykańskich - odważny wybór artystyczny na tamte czasy.
Dzięki wspólnej pracy Rogersa i Hammersteina produkcje takie jak "Oklahoma!" (1943), ich pierwszy musical. Jej akcja toczy się w 1906 roku w Oklahomie, niedaleko miasta Claremore. Następnie na tzw. terytorium indyjskim powstało nowe państwo Oklahoma. Spektakl opiera się na idei przyjaźni i współpracy pomiędzy różnymi grupami ludności stanu: pomiędzy jego pierwotnymi mieszkańcami – hodowcami bydła i przybyszami z sąsiedniego stanu Missouri – rolnikami. W centrum fabuły znajduje się historia miłosna między kowbojem Curly MacLaine a młodą dziewczyną Lori Williams, która pracuje na własnej farmie. "Oklahoma!" może ubiegać się o tytuł pierwszego musicalu we współczesnym znaczeniu tego słowa. Po raz pierwszy wokale i układy taneczne zostały połączone w kompletną historię, opartą na poważnym scenariuszu dramatycznym opartym na sztuce The Lilacs Are Turning Green Lynn Riggs z 1931 roku. Wcześniej w komediach muzycznych piosenki były numerami wtyczek, które miały niewiele wspólnego z fabułą.
„Karuzela (1945), « Południowy Pacyfik », wyróżnia się wysokim poziomem dramaturgii. Odnieśli ogromny sukces wśród publiczności.
Musical "Południowy Pacyfik" stworzony przez Richarda Rogersa i Oscara Hammersteina, na podstawie powieści Jamesa Michenera A Pacific Story (1948). Libretto napisał Hammerstein we współpracy z Joshuą Loganem. W centrum fabuły znajduje się kwestia dyskryminacji rasowej. Premiera musicalu odbyła się na Broadwayu w 1949 roku. Południowy Pacyfik od razu stał się hitem i został nominowany do dziesięciu nagród Tony Awards i wygrał w każdej kategorii, w tym Tony Awards for najlepsza muzyka, za najlepszy musical i najlepsze libretto. Wiele piosenek stało się później bardzo sławne: "Bali Ha "i", "I" m Gonna Wash That Man Right Outta My Hair", "Some Enchanted Evening", "Happy Talk", "Younger than Springtime", "I" m in Miłość z cudownym facetem”. W latach 1950-1955 odbyła się krajowa trasa musicalu w Stanach Zjednoczonych, która w ciągu pięciu lat została wystawiona w 118 miastach. Rolę Nellie Forbush w tych produkcjach wcieliła amerykańska aktorka Janet Blair W 1958 roku nakręcono film o tej samej nazwie, role zagrali Rossano Brazzi i Mitzi Gaynor.

Wersja The South z 2008 roku została uznana za najlepszą nową produkcję klasycznego musicalu i zdobyła nagrody dla najlepszego reżysera, głównego aktora, kostiumów, oświetlenia i dźwięku.
Aby napisać musical „Moja jasna dama” (1956) Frederick Lowe, kompozytor muzyki, oraz Alan Lerner, autor libretta i tekstów, inspirowali się dramatem Bernarda Shawa „Pigmalion”. Nic dziwnego, że ich fabuła wspólna kreatywność powtarza dramat Shawa, opowiadający o tym, jak główna bohaterka, będąc pierwotnie zwykłą dziewczyną-kwiaciarnią, staje się młodą, czarującą damą. Zgodnie z fabułą musicalu, podczas sporu między profesorem fonetyki a jego przyjacielem, językoznawcą, doszło do takiej przemiany. Eliza Doolittle wprowadziła się do domu naukowca, aby przejść przez trudną ścieżkę edukacji. W końcu na balu w ambasadzie dziewczyna z błyskotliwością zdaje trudny egzamin. Premiera musicalu odbyła się 15 marca 1956. W Londynie przedstawienie odbyło się dopiero w kwietniu 1958 roku. Rex Harrison był profesorem-nauczycielem, a Julie Andrews dostała rolę Elizy. Program natychmiast zyskał dziką popularność, bilety na niego zostały wyprzedane z sześciomiesięcznym wyprzedzeniem. Okazało się to prawdziwą niespodzianką dla twórców. W efekcie spektakl odbył się 2717 razy na Broadwayu, a 2281 razy w Londynie.Muzyk został przetłumaczony na jedenaście języków i grany w ponad dwudziestu krajach. „My Fair Lady” zdobyła nagrody Tony. W sumie sprzedano ponad 5 milionów nagrań musicalu z oryginalną obsadą na Broadwayu. W 1964 roku ukazał się film o tym samym tytule, a szefowie Warner Brothers zapłacili rekordową kwotę 5,5 miliona dolarów za prawo do nakręcenia musicalu. Elizę zagrała Audrey Hepburn, a jej partnerem został Rex Harrison, który przeniósł się ze sceny do kina. A sukces filmu był przytłaczający – był nominowany do 12 Oscarów i zdobył 8 z nich. Musical jest tak uwielbiany przez publiczność, że można go teraz oglądać w Londynie. Po II wojnie światowej fabuła musicali pogłębiła się, pojawiły się „West Side Story” (1957) Leonarda Bernsteina. Na podstawie tragedii Szekspira "Romeo i Julia", a akcja toczy się we współczesnym Nowym Jorku. Wyrazistość tańców wskazywała na rosnące znaczenie choreografii. Akcja rozgrywa się w Nowym Jorku w połowie lat 50., opowiadając o konfrontacji dwóch ulicznych gangów – „Rockets” („Jets”), potomków białych imigrantów oraz „Sharks” („Rekinów”), Portorykańczyków. Bohater, były członek Rocket Tony, zakochuje się w Marii, siostrze Bernardo, przywódcy rekinów. Dramat, muzyka relaksacyjna i poruszające ostre problemy społeczne, choć nie od razu, przyniosły światu muzycznemu sławę. Kompozycje muzyczne napisane przez Bernsteina do musicalu stały się bardzo popularne. W sumie w musicalu znalazło się 11 numerów muzycznych: „Something's Coming”, „Maria”, „America”, „Somewhere”, „Tonight”, „Jet Song”, „I Feel Pretty”, „A Boy Like That”, „ Jedna ręka, jedno serce”, „Ojej, oficer Krupke” i „Cool”. Oryginalna produkcja na Broadwayu z 1957 roku (w reżyserii i choreografii Harolda Robbinsa, a wyprodukowana przez Roberta Griffitha i Harolda Prince'a) była debiutem mało znanego librecisty Stephena Sondheima na Broadwayu. Premiera odbyła się 26 września na scenie teatru „Ogród zimowy”. Musical pokazano 732 razy przed wyruszeniem w światową trasę koncertową. Musical zdobył nagrodę Tony Award za choreografię w 1957 roku, ale przegrał z The Music Man za najlepszy musical. Produkcja zdobyła także Oscara w 10 z 11 nominacji.Nagrodzono także film o tym samym tytule z 1961 roku, oparty na scenariuszu muzycznym. Obecnie musical jest często wystawiany w placówkach oświatowych, teatrach regionalnych, a nawet światowej klasy teatrach operowych.

Pod koniec lat 60. XX wieku, pod wpływem nowych stylów muzycznych, nadchodzi nowe rozumienie musicalu jako gatunku. W psychodelicznym musicalu „Włosy” (1967) odzwierciedlone wtedy modne pomysły hipis, zdobywając tym samym produkcję tytuł „Primitive American Lyrical Rock Musical”.Muzyka napisana przez Galta McDermota, teksty autorstwa Jamesa Rado i Jerome'a ​​Ranyi. Premiera odbyła się w Nowym Jorku 17 października 1967. W kwietniu 1968 przeniosła się na jedną ze scen Broadwayu, gdzie wystąpiła z 1873 przedstawieniami. W tym samym roku wystawiono go w Los Angeles i Londynie, a w listopadzie 1999 roku Moskiewski Teatr Variety pokazał amerykańską wersję musicalu, wystawioną przez reżysera Bo Crowella i producenta Michaela Butlera wraz z Moskiewskim Teatrem Muzycznym im. Dramat. Następnie spektakl doczekał się adaptacji iw styczniu 2000 roku w Teatrze Młodego Widza odbyła się premiera wersji rosyjskiej. Musical jest nadal z powodzeniem wystawiany w Moskiewskim Teatrze Muzyki i Dramatu im. Stasia Namina.
Od lat 70. liczba przedstawień została zmniejszona, ale dekoracje i kostiumy nowych musicali stają się bardziej luksusowe. Drastyczne zmiany w koncepcji musicalu przedstawiła produkcja "Jesus Christ Superstar" ("Jesus Christ Superstar" 1971) Muzykę do utworu napisał legendarny Andrew Lloyd Weber, a libretto stworzył Tim Rice. Początkowo planowano stworzyć pełnoprawną operę, wykorzystującą nowoczesny język muzyczny i wszystkie istotne tradycje - arie głównych bohaterów powinny być obecne. Różnica między tymi muzycznymi a tradycyjnymi polega na tym, że nie ma elementów dramatycznych, wszystko opiera się na recytatywach i wokalach. Tutaj muzyka rockowa łączy się z historią klasyczną, w tekstach używane jest współczesne słownictwo, a cała historia opowiedziana jest wyłącznie za pomocą piosenek. Wszystko to sprawiło, że „Jesus Christ Superstar” stał się super hitem. Opowieść opowiada o ostatnich siedmiu dniach życia Jezusa, które mijają przed oczami rozczarowanego naukami Chrystusa Judasza Iskarioty. Fabuła rozpoczyna się wjazdem Jezusa do Jerozolimy, a kończy egzekucją świętego. Opera została po raz pierwszy wykonana w formie albumu w 1970 roku, na której główną rolę wystąpił wokalista Głębokie pasma Fioletowy Iana Gillana. W rolę Judasza wcielił się Murray Head, a Marii Magdaleny podkładała Yvonne Elliman. W 1971 musical pojawił się na Broadwayu. Wielu zauważa, że ​​w produkcji Jezus jest przedstawiany jako pierwszy hipis na świecie. Spektakl trwał na scenie zaledwie półtora roku, ale w 1972 r. nabrał nowego oddechu w Londynie. Główną rolę zagrał Paweł Mikołaj, a Judasza wcielił się Stefan Tate. Ta wersja musicalu odniosła większy sukces, trwając całe osiem lat. Na podstawie tego dzieła, jak zwykle, nakręcił też film fabularny reżyser Norman Jewison. Oscar w 1973 roku za najlepszą muzykę trafił do tego konkretnego dzieła. Film jest interesujący nie tylko ze względu na znakomitą muzykę i wokale, ale także ze względu na niezwykłą interpretację tematu Jezusa, który pojawia się z alternatywnego, tradycyjnego punktu widzenia. Ten musical jest często określany jako rock opera, dzieło wzbudziło wiele kontrowersji i stało się kultem dla pokolenia hippisów. „Jesus Christ Superstar” jest nadal aktualny i został przetłumaczony na wiele języków. Od ponad 30 lat musical wystawiany jest na całym świecie - na scenach Australii, Japonii, Francji i Meksyku, Chile i Niemczech, Wielkiej Brytanii i USA.
Poważny temat musicalu "Evita" ("Evita", 1978) udowodnione Wielka droga, który przeszedł gatunek podczas jego rozwoju. Pomysł stworzenia musicalu pojawił się przypadkiem – w październiku 1973 roku Tim Rice usłyszał w samochodzie zakończenie audycji radiowej, którą zajmowała się Evita Peron. Kobieta była żoną argentyńskiego dyktatora Juana Perona, poetkę interesowała historia jej życia. Jego współautor, Lloyd Webber, początkowo nie był entuzjastycznie nastawiony do tej historii, ale ostatecznie zgodził się nad nią pracować. Rice dokładnie przestudiował historię swojego głównego bohatera, w tym celu spędzał dużo czasu w londyńskich bibliotekach, a nawet odwiedzał daleką Argentynę. To tam narodziła się główna część fabuły. Tim Rice wprowadził do musicalu narratora, niejakiego Che, którego pierwowzorem był Ernesto Che Guevara. Sama historia opowiada o Evie Duarte, która przybyła do Buenos Aires w wieku 15 lat i została najpierw słynną aktorką, a następnie żoną prezydenta kraju. Kobieta pomagała biednym, ale także przyczyniła się do panowania dyktatury w Argentynie. „Evita” łączyła różne style muzyczne, z motywami latynoamerykańskimi jako podstawą partytury. Pierwsze dema musicalu zostały zaprezentowane krytykom na pierwszym festiwalu w Sidmonton, a następnie w studiu olimpijskim rozpoczęto nagrywanie albumu. Evita była aktorką Julie Covington, a Che młodym piosenkarzem Colmem Wilkinsonem. Rola Perona trafiła do Paula Jonesa. Album odniósł wielki sukces – w ciągu trzech miesięcy sprzedano pół miliona egzemplarzy. Pomimo tego, że „Evita” została oficjalnie zakazana w Argentynie, zdobycie płyty uznano za kwestię prestiżową. Musical został wydany 21 czerwca 1978 w reżyserii Hala Prince'a. W jego produkcji rola Evity przypadła Elaine Page, a Che zagrał słynny piosenkarz rockowy David Essex. Spektakl odniósł tak wielki sukces, że został uznany za najlepszy musical 1978 roku. Sama główna aktorka otrzymała nagrodę za występ w Evita. Już pierwsze tygodnie po wydaniu nagrania musicalu na płycie uczyniły go złotym. 8 maja 1979 roku premiera „Evity” odbyła się w Ameryce, w Los Angeles, a cztery miesiące później przedstawienie trafiło na Broadway. O popularności "Evity" świadczy 7 otrzymanych przez nią nagród "Tony". Sukces musicalu pozwolił mu odwiedzić wiele krajów – Koreę, Węgry, Australię, Meksyk, Japonię, Izrael i inne. 20 lat po narodzinach musicalu postanowiono nakręcić na jego podstawie film. Wyreżyserowane przez Alana Parkera Wiodącą rolę, Evita Peron, grana przez Madonnę, rolę Che powierzono Antonio Banderasowi, Perona zagrał Jonathan Pryce. Film zawierał nową piosenkę Webbera i Rice, „You Must Love Me”, która zdobyła Oscara za najlepszą oryginalną piosenkę.
Twórczość Webbera „Koty” („Koty”, 1981). Podstawa tego popularny musical służył jako cykl wierszy dla dzieci T.S. Eliot's Old Possum's Book of Practical Cats, opublikowana w Anglii w 1939 roku. Kolekcja z ironią mówiła o zwyczajach i zwyczajach kotów, ale za tymi cechami łatwo było odgadnąć ludzkie cechy. Wiersze Elliota przypadły do ​​gustu Andy'emu Lloydowi Webberowi, który przez lata 70. powoli komponował dla nich muzykę. I tak do 1980 roku kompozytor zgromadził wystarczającą ilość materiału, by przekształcić go w musical. Ponieważ Brytyjczycy bardzo lubią koty, ich wystawa była skazana na sukces. Oprócz Webbera w zespole znaleźli się producent Cameron McIntosh, reżyser Trevor Nunn, artysta John Napier i choreograf Gillian Lynn. Ale podczas scenicznej realizacji utworów okazało się, że nie ma sensownej fabuły. Jednak dzięki wdowie po Eliocie odnaleziono szkice i listy od poety, z których autorzy musicalu mogli ułożyć w całość pomysły na ułożenie zarysu fabuły dramatu. W "Kotach" postawiono artystom specjalne wymagania - nie wystarczyło dobrze śpiewać i mówić wyraźnie, trzeba było też być bardzo plastycznym. Okazało się, że w samej Anglii zwerbowanie trupy składającej się z 20 takich aktorów było prawie niemożliwe, dlatego w obsadzie znaleźli się piosenkarz pop Paul Nicholas, aktorka Elaine Page, młoda tancerka i piosenkarka Sarah Brightman oraz gwiazda Royal Ballet Wayne Sleep. Teatr „Koty” został stworzony przez własnego projektanta – Johna Napiera, dzięki czemu w ogóle nie ma kurtyny, a scena i sala zlewają się w jedną przestrzeń. Akcja toczy się nie frontalnie, ale w całej głębi. Sama scena jest obramowana jako wysypisko – są na niej góry malowniczych śmieci, ale tak naprawdę sceneria wyposażona jest w wyszukany sprzęt. Aktorzy za pomocą złożonego wielowarstwowego makijażu pojawiają się w postaci pełnych wdzięku kotów. Ich body są ręcznie malowane, peruki z wełny jaka, ogony i kołnierze z wełny, noszą lśniące kołnierzyki. Musical po raz pierwszy pojawił się na oczach publiczności 11 maja 1981 roku w Londynie, a rok później trafił na Broadway. Dzięki temu „Koty” mogły stać się najdłużej wystawianą produkcją w historii brytyjskiego teatru, aż do jej zamknięcia 11 maja 2002 roku. Łącznie oddano 6400 przedstawień, produkcję obejrzało ponad 8 mln osób, a twórcom udało się zarobić ok. 136 mln funtów. A w Stanach musical pobił wszelkie możliwe rekordy. Już w 1997 roku liczba przedstawień przekroczyła 6100, co pozwoliło nazwać spektakl główną długą wątrobą Broadwayu. W rezultacie przez cały czas „Koty” były dostarczane ponad 40 razy, łączna liczba widzów w 30 krajach przekroczyła 50 milionów, utwory były wykonywane w 14 językach, a łączna kwota opłat wyniosła 2,2 miliarda dolarów. Musical otrzymał wiele nagród, wśród których najbardziej znane to Laurence Olivier Award, Evening Standard Award za najlepszy musical, 7 Tony Awards, Molière Award we Francji. Nagrania oryginalnych kompozycji z Broadwayu i Londynu otrzymały Grammy.
Innym popularnym dziełem Webbera był musical "Upiór w operze"(„Upiór w operze”), który łączy elementy detektywa i thrillera. Współpraca Sarah Brightman i Andrew Lloyda Webbera przy Cats doprowadziła do ich małżeństwa w 1984 roku. Dla swojej żony kompozytor stworzył „Requiem”, ale to dzieło nie mogło pokazać talentu śpiewaczki na dużą skalę. Webber postanowił więc stworzyć nowy musical, który stał się Upiorem w operze, oparty na powieści Francuza Gastona Leroux o tym samym tytule z 1910 roku. romantyczny ale mroczna historia opowiada o życiu w lochu pod Opera Paryska tajemnicza istota o nadprzyrodzonych mocach. Główna rola w produkcji, Christina Daae, przypadła oczywiście Sarah Brightman. Kontrahent męska impreza był Michael Crawford. W pierwszej części kochanka Christiny, Raoula, zagrał Steve Barton. Richard Stilgoe pracował nad librettem z Andrew Lloydem Webberem, a teksty napisał Charles Hart. Artystka teatralna Maria Bjornson podarowała Upiorowi słynną maskę i nalegała na decyzję o opuszczeniu niesławnego, spadającego żyrandola nie na scenie, ale bezpośrednio na widownię. Premiera Upiora w operze 9 października 1986 roku o godz Teatr Królewski uczestniczyli nawet członkowie rodziny Jej Królewskiej Mości. A w styczniu 1988 roku odbyła się pierwsza produkcja musicalu na Broadwayu, która odbyła się w nowojorskim Majestic Theatre. Upiór w operze stał się drugim najdłużej wystawianym musicalem w historii Broadwayu, po Kotach. W rezultacie w samym Nowym Jorku program obejrzało około 11 milionów ludzi. Musical wystawiono w 18 krajach, zagrano około 65 tysięcy przedstawień, obejrzało go tam ponad 58 milionów ludzi, a Łączna widzów na całym świecie przekroczyło już 80 milionów. W rezultacie - zasłużone nagrody i wyróżnienia, których jest ponad 50. Musical otrzymał trzy nagrody Laurence Olivier i 7 nagród Tony, 7 nagród Drama Desk i nagrodę Evening Standard. Całkowity dochód z Upiora w operze wyniósł 3,2 miliarda dolarów. Powieść zainspirowała reżyserów do stworzenia aż siedmiu filmów, ostatni z nich, nakręcony w 2004 roku, był trzykrotnie nominowany do Oscara, ten sam Webber był producentem i kompozytorem.

Anglo-amerykański monopol na musicale zakończył się w 1985 roku, kiedy na londyńskiej scenie miała premierę francuska produkcja. „Nędznicy” („Nędznicy”) Kompozytor Claude-Michel Schonberg i librecista Alain Boublil urodzili już klasyczne Les Misérables Victora Hugo. Prace nad stworzeniem musicalu trwały dwa lata. W rezultacie powstał dwugodzinny szkic, który został następnie przekształcony w album koncepcyjny o nakładzie 260 000 egzemplarzy. Osobliwy karta telefoniczna musical był rycinem przedstawiającym małą Cosette. Wersja sceniczna została zaprezentowana 17 września 1980 roku w Palais des Sports w Paryżu. W efekcie spektakl obejrzało ponad pół miliona osób. Rolę Jeana Valjeana zagrał Maurice Barrier, Javerta Jacques Mercier, Fantine Rose Laurence i Cosette Fabienne Guyon. Album koncepcyjny „Les Misérables” spodobał się młodemu reżyserowi Peterowi Ferago, który przyciągnął do pracy angielskiego producenta Camerona Mackintosha. Umożliwiło to stworzenie programu naprawdę wysokiej klasy. Nad produkcją pracował profesjonalny zespół – reżyserzy Trevor Nunn i John Caed, dostosowując tekst do: język angielski Herbert Kretzmer z pomocą twórców musicalu. Efektem tego była premiera spektaklu pod auspicjami Royal Shakespeare Company w Teatrze Barbican 8 października 1985 roku. Do tej pory Les Misérables pokazywano najczęściej w londyńskim Palace Theatre, gdzie odbywało się ponad 6000 przedstawień musicalu. W 1987 roku „Les Miserables” pojawiły się na Broadwayu, więc rozpoczęła się ich procesja na całym świecie. Choć spektakl ma już ponad dwadzieścia lat, wciąż pojawia się na scenach światowych teatrów. Les Misérables zostało przetłumaczone na wiele języków, w tym egzotyczne, takie jak japoński, mauretański i kreolski. W sumie ten musical był wystawiany w 32 krajach na całym świecie. Twórczość Schonberga i Boublila w końcu obejrzało ponad 20 milionów ludzi. Świadczy o tym wysoki poziom musicalu jako gatunku „Miss Sajgon” („Miss Sajgon”), unowocześniona wersja Madama Butterfly Pucciniego.Na początku XX wieku Puccini urzekł publiczność swoją romantyczną operą Madama Butterfly. W ostatnim ćwierćwieczu minionego stulecia historia miłosna dziewczyny ze Wschodu i żołnierza z Zachodu otrzymała nowe wcielenie. W 1975 roku wraz z upadkiem Sajgonu zakończyła się wojna wietnamska, a czternaście lat później Miss Saigon została koronowana na londyńskiej scenie muzycznej.
Pomysł stworzenia musicalu o tragicznej miłości zrodzonej podczas wojny wietnamskiej zrodził się przypadkiem. W 1985 roku uwagę Schonberga przyciągnęła fotografia opublikowana w jednym z magazynów - przedstawiała Wietnamkę z córeczką na lotnisku w Ho Che Min (dawniej Sajgon). Dziewczyna musiała wsiąść do samolotu i polecieć do Stanów Zjednoczonych, gdzie czekał na nią jej ojciec, były amerykański żołnierz. Matka postanowiła rozstać się z córką w nadziei, że ojciec zapewni jej lepszą przyszłość. Schoenberg wspomina, jak uderzył go cichy żal kobiety: była straszniejsza niż najbardziej gorzkie łzy. Poświęcenie szczęścia, by dać szczęście swojemu dziecku, to według kompozytora „najwyższa ofiara”. Podobną ofiarę złożyła bohaterka słynnej opery Giacomo Pucciniego Madama Butterfly, która zabiła się w imię szczęścia syna. "Miss Saigon” to według słów Alaina Boublila „przede wszystkim tragiczna historia miłość, a nie opowieść o wojnie w Wietnamie”, ale motyw zderzenia różnych kultur, religii i ras, które przerodziło się w bezsensowny rozlew krwi, nadaje tej opowieści epicki wymiar.
W definicji musicalu jako gatunku istnieje punkt, zgodnie z którym musical łączy w sobie teatr i taniec, czyli balet, choreografia popowa i choreografia współczesna będą elementami musicalu. W musicalach ostatniej dekady rozpowszechnił się plastikowy pasek: elementy lekkiej erotyki plus klasyczny balet. Po raz pierwszy coś podobnego pokazano na scenie wiele lat temu w musicalu „Chicago”. Tam za pomocą plastikowych taśm pokazano ostatnią, pożegnalną rozmowę dwojga kochanków, z których jeden tego wieczoru skazany jest na śmierć z rąk drugiego. Balet w swojej najczystszej postaci jest obecnie rzadko spotykany we współczesnych musicalach, ale elementy szkoły baletowej są zawsze obecne. Na przykład taniec kotów ulicznych w musicalu „Koty” o tej samej nazwie to nic innego jak kobieca część baletowa. Ciekawe podejście do definicji gatunków związanych z musicalem przyjęli radzieccy krytycy muzyczni. Musical był uważany za rodzaj operetki. Cytat do refleksji: „Dziś musical, jako gatunek operetki niskiej, reprezentowany jest przez zespoły dwojakiego rodzaju: są to przede wszystkim teatry na Broadwayu jednego spektaklu, tworzone w celu promocji i eksploatacji jednego dzieła, a inny typ to koncertujące grupy operowe. Powstają z myślą o pokazaniu na prowincji serii prostych przedstawień scenicznych. Bez względu na to, jak głupie może się to wydawać, współczesna krytyka muzyczna również uznaje, że opera i operetka to dwa… gatunek muzyczny, które można i należy uznać za związane z musicalem.
Trzy główne elementy musicalu- muzyka, teksty i libretto. Libretto musicalu nawiązuje do „sztuki” lub opowieści o spektaklu, a właściwie do jego wypowiedzianej (nie wokalnej) linii. Jednak „libretto” może również odnosić się do dialogu i tekstu razem, jak libretto w operze. Muzyka i tekst razem tworzą partyturę muzyczną. Interpretacja musicalu przez zespół kreatywny ma duży wpływ na sposób prezentacji musicalu. W skład zespołu kreatywnego wchodzi reżyser, dyrektor muzyczny i zazwyczaj choreograf. Produkcja musicali jest również twórczo nacechowana aspektami technicznymi, takimi jak dekoracje, kostiumy,
itp.................

Musical zawsze pozostawia przyjemny posmak i choć sceptycy twierdzą, że to, co najlepsze w tym gatunku, to przeszłość, współczesne musicale są równie niesamowite. Oldschoolowe musicale to niezapomniane Swing Time (1936), Amerykanin w Paryżu (1951), Deszczowy śpiew (1952), Parasole z Cherbourga (1964), Dźwięki muzyki (1965), Oliver!” (1968), Cały ten jazz (1979), Bal (1982), Victor/Victoria (1982).

Mniej lub bardziej współczesna - okroshka ze starych hitów „Moulin Rouge” i „Around the Universe”, animowany „Król lew”, biograficzny (Cole Porter i „The Pet”, Bobby Darrin i „By the Sea”) oraz musicale manga . Niestety nie sposób napisać o nich wszystkich, oto najlepsze z nich. A cyniczny Staś i romantyczna Polina będą krytykować (lub podziwiać) najlepsze musicale.

Kiedy jesteś na Manhattanie i jakiś niegodny zaufania, przebiegły mężczyzna sprzedaje bilety Cats za tanio, nie zapomnij go kupić. Ale tylko na pamiątkę, bo musicalu nie pokazywano od dziesięciu lat. Tę długoletnią produkcję obejrzało ponad 50 milionów widzów w trzydziestu krajach. Program pokonał to, co wyobrażalne i nie do pomyślenia dokumentacja: zebrał 7 medali Tony, nagrodę Laurence Olivier Award, Evening Standard i francuskiego Moliera. „Koty” zostało przetłumaczone na 14 języków.

Utalentowana osoba może zrobić cukierki ze wszystkiego. Andrew Lloyd Webber został zainspirowany „Popularną nauką o kotach napisaną przez starego oposa” T.S. Elliota

Francuski autor kryminałów Gaston Leroux, jak nikt inny, rozumiał zainteresowanie czytelnika wszystkim, co tajemnicze i niewytłumaczalne. Pisarz stworzył szereg dzieł mistycznych, między innymi: „Zaczarowane krzesło”, „Człowiek, który widział diabła”, „Tajemniczy król” oraz "Upiór w operze". Ostatnie informacje istota nadprzyrodzona mieszka w lochu pod budynkiem Opery Paryskiej.

Fabuła zawiera dramatyczny trójkąt miłosny. W produkcji opery Faust, młoda dublerka-kaskaderka, Christina Dayet, otrzymuje główną rolę dzięki przewodnictwu tajemniczego Upiora. Do teatru przychodzi wicehrabia Raoul de Chagny, który zna dziewczynę od dzieciństwa.

Bernard Show, który skromnie odrzucił Literacką Nagrodę Nobla, napisał własną interpretację greckiego mitu Pigmaliona i Galatei. Zgodnie z jego fabułą, wielki znawca fonetyki, profesor Higgins, odważnie podejmuje się uczyć każdego pospolitego, tak bardzo, że nie można go odróżnić od osoby świeckiej. Wybór pada na wulgarną dziewczynę bez miary Eliza Doolittle, która faktycznie zamienia się w uroczą damę z nienagannym akcentem.

Wariacje na temat klasyki są często udane, a serial stał się szalenie popularny natychmiast po premierze na Broadwayu 15 marca 1956 roku. Dwa lata później premiera odbyła się w Londynie, gdzie w rolę Higginsa wcielił się

Apetyt ludzi na chleb i cyrki nie jest zjawiskiem nowym. W 1924 roku młoda dziennikarka Chicago Tribune, Maureen Dallas Watkins, napisała artykuł o aktorce z zespołu baletowego, która zabiła swojego chłopaka, a następnie opowieść o zamężnej kobiecie, która zastrzeliła swojego kochanka. Oba artykuły cieszyły się dużym zainteresowaniem. Kiedy Maureen studiowała dramat w Yale, napisała sztukę. "Chicago". Później pojawiły się różne przedstawienia sceniczne i kilka adaptacji filmowych, w tym „Roxy Hart” z genialną Ginger Rogers w roli tytułowej.

Kiedy słynny choreograf i reżyser Bobby Floss zwrócił uwagę na fabułę, pojawiła się bardzo bliska nam stylizacja na lata 20-te.

Wielu artystów otrzymało nagrody na Eurowizji, ale po pewnym czasie nie ma o kim pamiętać. Prawie. Bo pierwsze kroki na drodze do sławy na międzynarodowym konkursie postawiły Kanadyjki Celine Dion i szwedzki kwartet ABBA.

Abbamania lata 80-te całkowicie unikalne zjawisko: nawet jeśli osoba z tego pokolenia w ogóle nie rozumie muzyki, nazwa grupy natychmiast budzi falę wspomnień. Bezpretensjonalne melodie z przyjemnymi tekstami tak lubią te hity "Zwycięzca bierze wszystko","Królowa tańca", "Daj mi daj mi daj mi", „S.O.S.” wciąż śpiewają na całym świecie, a liryczny "Szczęśliwego Nowego Roku" stał się hymnem

Lato nie pamiętam w którym roku, piosenka zepsuła wielu Piękność. Brzmiał z każdego wejścia i był ponownie śpiewany przez mniej lub bardziej dźwięczną osobę. Czytałem gdzieś, że Julius Kim był odpowiedzialny za teksty rosyjskojęzyczne (uwaga na poetów lat sześćdziesiątych!). Nie wszyscy, którzy przeżyli, leczyli swoje rany.

Tworzenie musicalu rozpoczęło się w 1993 roku: Luc Plamondon przywiózł kompozytorowi Riccardo Coccante około trzech tuzinów piosenek. Blanki Coccante stały się następnie hitami Piękność, „Le temps des Cathedrales” oraz „Taniec mon Esmeralda”. Zręcznym płótnem była powieść Victora Hugo "Katedra Notre Dame".

Projekt się udało

Naprawdę nie chcę rozmawiać o tym, co jest teraz na scenie. Z niektórych tekstów z magicznymi zwrotami „dobro jest beznadziejne / a zło jest tak niezawodne” lub tak drogie Stasiowi Michajłowowi „dla ciebie / dla ciebie / dla ciebie”, chcesz iść do zaimki i nigdy nie wracać. W Związku Radzieckim nie było ciasta, ale były musicale. Nazywano je inaczej, ale istota jest taka sama - „Orfeusz i Eurydyka”, „Książę i nędzarz”, "Penelopa", tutaj taśmy muzyczne „Świnia i Pasterz», „Kierowcy ciągników”, „Śmieszni chłopcy”, „Wołga-Wołga”, „Cyrk”, „Wiosna”.

Ostatnio musical „Juno i Avos” skończył 30 lat. Być może takie rzadkie szczęście zdarza się raz na

"Czarnoksiężnik z Krainy Oz" napisany przez Franka Bauma. Trochę przepraszam zachodnich czytelników, interpretacja sowieckiego pisarza Aleksandra Wołkowa "Czarnoksiężnik z krainy Oz", napisany w 1939 roku, wydaje mi się o wiele ciekawszy i bardziej dynamiczny. Opinia jest jednak stronnicza, w końcu ulubiona książka dzieciństwa. Ale Ameryka nadrabiała to mnóstwem adaptacji, spin-offów, przeróbek, piosenek i wielu innych, w tym musicalu. "Oczarowany".

Teatr Muzyczny przygotowuje przełomową premierę - rock opera "", poświęcona 150. rocznicy wydania powieści. Ale to dzieło bynajmniej nie jest "duńskie" - libretto napisał w latach 70. Andriej Konczałowski, a Eduard Artemiew pracował nad partyturą przez 30 lat. Nagrany w 2007 roku album studyjny, ale nikt nie odważył się przenieść na scenę tego, co jest najbardziej złożone pod względem materiału muzycznego i treści filozoficznej. Teatr Michaiła Shvydkoya, który rozpoczął się od lekkiej nostalgicznej rewii i otrzymał siedem nominacji do „Maski” za oryginalny musical „All About Cinderella”, zdecydował, że jest już gotowy do podjęcia tego „ciężkiego ciężaru”.

"Zbrodnia i kara"

Podstawa: powieść Fiodora Dostojewskiego
Gdzie patrzeć: