Изпратете вашата добра работа в базата от знания е лесно. Използвайте формуляра по-долу
Студенти, специализанти, млади учени, които използват базата от знания в своето обучение и работа, ще Ви бъдат много благодарни.
публикувано на http://www.allbest.ru/
1. образователенреализъм
ПРОСВЕТЕЛСКИЯТ РЕАЛИЗЪМ е художествен метод в европейското изкуство и литература от 18-ти век, според който всички явления от обществения живот и действията на индивидите са оценявани като разумни или неразумни. Неговите създатели и теоретици са Дидро във Франция и Лесинг в Германия. Отличителни черти на просвещенския реализъм са по-нататъшното разширяване и демократизиране на темите в такива форми на художествена култура като литература, театър и живопис; появата на нов герой - представител на третото съсловие, обявен в духа на времето за носител на Разума или Природата; отхвърляне на нормативността, присъща на класицизма; изискване житейска истина, документирано точно разкриване на герои и „мнения“; назидание на разказа, свързано с желанието да се предадат на слушателя, зрителя, читателя, обществени или морални идеи. В същото време привържениците на този метод често допускаха конвенция в своите произведения. Следователно обстоятелствата в романа и драмата не са непременно типични. Те могат да бъдат условни, както в експеримента. Основното постижение на просвещенския реализъм е създаването на романа на Новата епоха - мощно средство за художествено познание на действителността. Счита се за негов основател Д. Дефо, инициатор на такива жанрови разновидности на романа като биографичен, приключенски, психологически, криминален, приключенски, образователен и алегоричен. Д. бързастава създател на жанра на сатиричния философски и политически роман. В ерата на зрялото Просвещение се появяват семейно-битов (С. Ричардсън) и социално-битов (Г. Филдинг) роман. Появата на нов герой доведе до появата на „дребнобуржоазна” драма („Лондонският търговец” от Д. Лило, „Коварство и любов” от Ф. Шилер, „Лош син” от Д. Дидро и др. ), образователна демократична (Р. Шеридан) и социално политическа (Г. Филдинг) комедия. Сценичният реализъм беше изцяло въплътен в творчеството на П. О. Бомарше.
Идеите на просвещението оказват влияние върху формирането реалистична живопис 18-ти век Художниците реалисти У. Хогарт, Дж. Б. Шарден влязоха в борбата за изкореняване на пороците на обществото, обърнаха се към ежедневните ситуации или да създадат картини „на модерно морални теми- област, която все още не е тествана в нито една страна ”(сатиричните цикли на У. Хогарт). Ж. Б. Шарден превърна натюрморта в независим жанррисуване.
2. СъздаванеУлямаХогарт
Раждането през първата половина на 18 век национално училищеживопис в Англия. Основателят на националното художествено училище и един от най-ярките му майстори е Уилям Хогарт. Със своята смела и оригинална работа той поставя основите на нов разцвет на английската живопис.
Творбите на Хогарт бяха истинско отражение на живота на различни слоеве на английското общество и бяха пропити с истински активни критически тенденции.
Картините и гравюрите на художника се отличават с високото си майсторство на драматичен разказ, новаторска оригиналност и оригиналност на художественото решение. Той активно се бори за утвърждаване на реализма и идеите за гражданство в изкуството. В своя теоретичен трактат „Анализ на красотата“ (1753 г.) художникът излага разпоредбите на демократичната естетика на реализма. Той остро осъди измамното ласкателство на стереотипни светски портрети, защити битово боядисваневъз основа на непосредствено наблюдение и разкриване на същността на жизнените явления.
Изкуството на Хогарт оказва значително влияние върху европейската ежедневна живопис от 19-ти век, то носи много от най-значимите характеристики по-нататъчно развитиеи беше предвестник на всичко, което е станало характерно за европееца изкуство XIXвек, по-специално критическият реализъм.
важна част творческо наследствоУилям Хогарт е съставен от негови произведения на битови и морални теми. Всеки негов цикъл е разширен драматичен разказ за човешки съдби, това е своеобразно предизвикателство към обществото, където Хогарт уместно и рязко показва социална средаи типични обстоятелства от английския живот.
Художник мисъл Какво основен задача "полезен" изкуство е съдебна зала по-горе живот а метод обслужва сатира. като към това като напреднал писатели Просвещение създадена нов Тип артистичен върши работа - домашни реалистичен роман, Хогарт създадена нов за неговата време жанр - серия сатиричен домакинство картини. Тези серия Прочети като романи и благодарение на яснота тях артистичен език са били на разположение много Повече ▼ широк кръгове от хора, как всякакви Книга.
Работата на Хогарт също до голяма степен е посветена на осмиването на пороците на съвременното общество; но разкривайки мрачни картини на жестокост, продажност, неморалност, духовна бедност и материална бедност, художникът никога не променя вярата си в човека. Художникът създава портрети. Неговите изображения говорят за здраве, умствена сила, вътрешна красотахора – чертите, които художникът може да види и които са в основата на неговото изкуство.
2. Първите стъпки на Хогарт в изкуството и формирането в творчеството му на независима оценка спрямо реалността
До 1730-те години в Англия се появява оригинален и невероятен художник - Уилям Хогарт.
У. Хогарт (1697-1764) е роден в семейството на селски учител, който се премества в Лондон. Баща му първо поддържа училище в своето село, после в Лондон, а по-късно работи като коректор, учи литература и оставя няколко творби с философски характер, които не му носят финансова сигурност.
От тези твърдения следва, че неговият метод е разработен от много ранна възраст. За него предмет на изкуството и единствен източник на художествени образи беше животът. Той вярваше, че трябва да се изучават не правилата на предшествениците и създадените от тях образи, а Светът. Безсмислено е да се копират обекти и фигури, необходимо е да се развива памет и да се записват наблюдения.
Гравирането се характеризира с прости техники на рисуване и ясен ритъм на композицията.
През 1726 г. Хогарт прави две серии от илюстрации за Goodibras: в първата, по молба на продавачите на книги, той се придържа доста тясно към методите на анонимните илюстрации на по-ранно издание на тази книга (1710 г.), но прави значителни промени. Втората серия може да се счита за независима работа на художника. Реалистичните илюстрации свидетелстват за зрелостта на рисунката му, за богатството творческа фантазия. Те се отличават с целостта на композицията, широк оригинален ритъм и изключителна наситеност с ежедневни детайли.
През 1729 г. Хогарт се жени за дъщерята на художника Торнхил, като се жени за нея тайно от родителите й. Родителите скоро простиха на Хогарт и младата двойка се установи с Торнхилс.
Художникът рисува от началото на 1720-те години, когато учи в Академията при Вандербанк, участвайки в стенописите на селска къща с учителя си Торнхил.
Хогарт доста бързо изчерпа възможностите на жанра на "разговорните" групови портрети, което го отведе в сферата на салонното изкуство. Все повече и повече той се увлича от темите за публичното озвучаване, които отговарят на идеалите на художника и особеностите на неговия талант. Но като сатирик и автор на злободневни теми той се разгръща в най-голяма степен през 1730-те години.
Така в първия период от своята дейност младият Хогарт се появява пред нас като личност с рано формиран мироглед, като майстор с голяма творческа решителност. Още в ранните си години той прави първите стъпки към постигане на целта на живота си – създаването на полезни за обществото произведения на изкуството. Младежките творби показват, че в листовете по актуални теми Хогарт до известна степен намира своите учители, своя жанр и установява контакт с публиката, към която се обръща. Той вземаше събития от живота като материални и ги тълкува сатирично, дава им оценка. Използвайки опита на своите предшественици, той продължава да развива собствен художествен език. просветителски реализъм изобразително изкуство
4. Серия "Моден брак"
През първата половина на 40-те години на 18 век Хогарт създава най-известната си поредица „Моден брак“ (шест картини, галерия Тейт, Лондон). Цикълът е съставен от отделни драматични сюжети. Заглавията на сцените разкриват замисъла на сериала. Хогарт многократно се наричаше не художник, а „автор“ на поредицата, като искаше да подчертае с това значението на литературния сюжет, залегнал в тях, и не напразно много съвременници го оценяват именно като автор. Т. Готие казва: „Хогарт е Аристофанът на четката, който рисува своите комедии, вместо да ги пише.“ [, - Krol A.E. Уилям Хогарт. Л.-М., 1965, с. 83-84.7] Текери, който посвети цял раздел на художника в лекциите си за комикси писатели от 18-ти век, подчертава професионалната писателска пълнота на сюжетните цикли на Хогарт.
Мисълта на автора става позната на зрителя, когато разпознае целия сериал. Художникът изобразява хора в момента на самото действие, героите му сякаш си говорят. Хогарт успява в това благодарение на точното предаване на израженията на лицето и жестовете.
Серията от картини на Хогарт беше широко популярна сред писателите, които ги използваха в драматични адаптации. Чарлз Ламб в статията си казва: "... Други картини, които разглеждаме - четем неговите гравюри." Трябва обаче да се каже, че сюжетите и героите, създадени от Хогарт, по правило са били обработвани от незначителни автори и само отделни епизоди.
Трудно е да се установи точната датировка на цикъла на модния брак. Има две тясно свързани серии от картини на тази тема. Единият, както беше споменато по-рано в галерия Тейт (Лондон), другият, който се различава от него в детайли и който се счита за скици на Хогарт, завършен от различна ръка, е в колекцията на H.R. Уилет. Има предположение, че известната поредица е написана между 1742 и 1745 г.
„Моднобрак"
беше третият сатиричен сериал на Хогарт. В картините от тази серия зрителят вижда остра социална сатира, излагаща обществения слой на подигравка. Изобразяване на сцени от живота висшето обществоХогарт показва не по-малко грозно и злобно, ужасно и забавно, отколкото в сцени от живота на скитници, крадци и проститутки. Героите, както и в предишната серия, придобиват портретна картина.
Сюжетът на Уилям Хогарт е брак по сметка. Това е история за брака на един съсипан син с дъщерята на богат търговец, много често срещано явление в Англия по времето на Хогарт, за гуляите на съпруга и за нищо, с изключение на любовна връзка, живота на жена не е запълнена. Тази история завършва с трагична развръзка – смъртта на графа, който е намушкан от любовника на графинята, който за това се озовава на бесилката, и самоубийството на графинята.
Първият епизод вече е изразителен - "Брак Договор"
която се сключва като търговска сделка. Заинтересованите страни се събраха. Те образуват две групи. Първата изобразява стар лорд с чистокръвно куфарче и величествена поза и седнал срещу бащата на булката с брачен договор в ръце, който гледа с ужас бъдещия роднина и пресмята колко ще му струва тази връзка. Другата група са младоженците, седнали със скучен поглед, олицетворяващ пасивно безразличие. На преден план са фигурки на животни, вързани с верига, символизиращи същия съюз, който се случва в тази стая.
Картината се отличава с изразителност, ясна, добре обмислена композиция, вълнообразна „змиевидна“ линия подчертава всички очертания, героите са умело групирани.
Хогарт показа в тази история често срещано явление в живота на английското общество. Алчни за пари и обществено положение бащи, лукави и алчни, заради собствената си изгода, влизат в съюз между децата си, които са за тях стока. Бащата на булката си купува място сред благородниците и не се страхува да плаща. Алчността, страхът, сервилността са въплътени в лицето и фигурата му. Един лукав поглед подчертава природата му. Старият лорд - бащата на младоженеца, оглеждайки се от висотата на величието, способен да поддържа арогантен поглед пред купувача, изпълва собствената си стойност. Всеки иска да грабне вкусна хапка. Нестабилността на тази сделка веднага се вижда от всеки зрител.
Във втората сцена ("Сутрин закуска. Скоро след сватби")
] И трите героя участват. Тази композиция изобразява утрото в къщата на младите. Преобърнати столове, лениво повдигнати от сънлив слуга, лежащ на пода карти за игра, музикални инструменти и тетрадка с ноти - всичко говори за вчерашния празник, завършил с честна вакханалия. Доста хубавата графиня небрежно се протяга, кани се да се прозяе и изразява пълно безразличие към съпруга си, който е нахлул в стаите, без да сваля шапката си, и се е строполил тежко в едно кресло. Управителят с пачка банкноти в ръка си тръгва, вдигайки ръце към небето.
Всичко, което се случва в картината – взаимоотношенията между персонажите, всяка физиономия, всеки жест – е описано изключително ясно и графично.
Трето сцена („U шарлатан") [Приложение ориз. 20] разказва за по-нататъшните приключения на съпруга си. Той дойде с приятелката си при един шарлатанин - лекар. Лекарят ги приема в ефектно украсен кабинет, където всяка вещ говори за „стипендията” на собственика. Млад гуляй разобличава шарлатана, размахвайки му бастуна. Бети Карлес, известна сватовница в Лондон, се застъпва за доктора. С помощта на жестове, погледи и общи действия художникът обедини доктора шарлатана и сводника в една група, която сякаш премахва фигурата на беззащитната, плаха фигура на младата жертва.
На следващата снимка - "Сутрин прием"
художникът разкрива същността на забавлението на младата графиня. Виждаме я в сутрешния тоалетна. Фризьор се суети около домакинята, известна певица в Лондон пее под акомпанимент на флейта, гостите си говорят оживено за нещо, а на дивана се излежава адвокат, който се държи като у дома. Подава на графинята билети за маскарада. Връзката между господарката на къщата и адвоката дава богата храна за размисъл за другите.
Меките хармонии на цветовете, розово и сребристо-сиво, или маслинено, розово и кафеникаво-златно, предават външното благополучие и елегантност на този живот, а композицията на картините, изпълнена с трескаво движение, съответства на вътрешната празнота и раздор в живота на героите на "Моден брак".
Следващите картини от поредицата „Моден брак“ доближават зрителя до развръзката. В петата сцена [App. ориз. 22] показва повратен момент: съпругът, ударен до смърт, пада, младата жена коленичи пред лежащия си съпруг, а любовникът убиец се крие в прозореца. Изразителността на една сцена се определя от нейната динамика. Хогарт прави смел опит да улови неуловимия момент както в движение, така и във вътрешността емоционални преживяваниягерои. Както и в други сцени, действието отново се развива в специфична обстановка с много реални детайли. Лицата и фигурите на сцената са показани в сянка.
шестосценанаситени с горчивина и драма. Графинята взема отрова. В краката й лежи лист с последни думиекзекутиран любовник. През отворения прозорец на мрачно старо жилище се разкрива красива гледка към широката Темза и Лондонския мост – като символ на живота се простира спокойно течаща река, въпреки всякакви житейски трагедии.
В поредицата „Моден брак“ Уилям Хогарт засегна важен социален въпрос, за който беше смятан за моралист – проповедник. Художникът не наказва злото. Алчният баща, който пожертва дъщеря си, и старият господар, който изгодно се ожени за сина му, не страдат. Децата им страдаха, ставайки пасивни жертви на безмилостните социални условия. Съдбата на героите се определя в сюжетите на Хогарт от социалната ситуация. Положителните герои в картините му са много редки, тъй като художникът вижда основното не в триумфалната добродетел и морал, а в утвърждаването на неизбежността на пороците и нещастията.
В средата на 1740-те години Хогарт прави опит да прокламира положителни ценности в живота. Той започва поредицата „Щастлив брак“ (1745). Но идеята на художника не беше доведена до край, от тази започната поредица са оцелели само шест епизода. Първата, четвъртата и петата картини са запазени в гравюри, в живописта - третата и шестата, и под формата на живописен фрагмент - втората.
Специално място в творчеството на Уилям Хогарт заема поредицата от гравюри „Старание и леност“ (1747-1748), в която художникът най-обширно развива своята положителна програма.
Хогарт беше син на своята епоха, той безмилостно изобличаваше пороците и в същото време споделяше онези илюзии, които проповядват писатели от Просвещението като Дефо. Такива илюзии включват идеята, че щастието и богатството са награда за човек за добродетел и честен труд. Дефо в романа "Робинзон Крузо" изобразява смел, упорит, трудолюбив герой, който изгради щастието със собствените си ръце, въпреки превратностите на съдбата. В дидактичната поредица Трудолюбие и бездействие Хогарт отдава почит на този идеал на времето.
Около 1750-1751 г. Хогарт създава още няколко графични произведения с поучителен характер: сюитата „Четири степени на жестокостта“ и два сдвоени офорти „Gin Street“ и „Beer Street“ [App. ориз. 30, 31]. В тях той следва същата програма, която изпълнява в голямата си дидактична поредица „Старание и мързел” [Прил. ориз. 32].
В гравюрите „Gin Street” и „Beer Street” художникът се обръща към хората. Хогарт пише: „Тъй като темите на тези гравюри са предназначени да действат върху някои общи пороци, присъщи на по-ниските класове, е по-безопасно за най-широкото разпространение на гравюри авторът да ги изпълни в най-евтината техника.“ [, - Krol A.E. Уилям Хогарт. Л.-М., 1965, с. 115.15]
Този път Хогарт се изявява като публична личност, бореща се срещу пиянството, което беше истинският бич на Англия по негово време. Това социално зло се засилва заедно с нарастването на бедността и болестите сред „нисшите“ класи. Разбира се, причината за бедността и смъртността на бедното население на Лондон не се корени само в пиянството, но Хогарт, подобно на прогресивните умове от онова време, не осъзнава какъв е източникът на злото. Затова художникът, заедно с други английски просветители, насочва цялата си сила на критиката си не към основите на обществения ред, а само към едно от съпътстващите ги явления.
Гравюрите "Gin Street" и "Beer Street" срещнаха незабавен отговор и през 1751 г. в парламента беше приет акт за забрана на незаконната продажба на джин.
Както пише Уилям Хогарт, листът на Джин Стрийт показва последствията от консумацията на тази напитка – „... безделие, бедност, бедност и отчаяние, водещи до лудост и смърт“.
Художникът разделя листа на две равнини по диагонал, минаващ от горния десен ъгъл до долния ляв ъгъл. Вдясно той изобразява няколко ключови епизода с няколко персонажа. Вляво са градски сгради и улици с тълпа от малки човешки фигури. Фонът на централните стени е обеднял Лондон с неговите претъпкани кораби и порутени къщи.
Безнадеждността на безизходицата, в която загиват жителите на Gin's Street, се подчертава от общите символи на Хогарт: знакът на кредитната кантора с три тежки топки и табелата на механата под формата на огромна кана с надпис „Royal Gin“ .
"Beer Street" осигурява контраст на "Gin Street". Сцената е пълна с весела анимация. Художникът изобразява улица с чисти, преустроени къщи. Минувачите вървят по улицата, художникът довършва табела, изобразяваща танцуващи селяни около купчина ечемик. На масите хората пият бира. Единствената изоставена къща е кредитната кантора, на стъпалата на която стои странствуващ търговец на бира.
Ако в предишния лист комиксът служи за подчертаване на трагичното, то Бирената улица е пропита с весел, мек хумор. По ирония на съдбата Хогарт изобразява пиячи на бира с огромни кореми, държащи пълни халби бира с буйна пяна. Знакът на кредитната кантора вече не изглежда зловещ.
Друга поредица с морализаторски характер е наречена от Хогарт "Четирите степени на жестокост". Тя изобразява жизнен пътчовек, който измъчва котки и кучета като дете, след това измъчва коне и накрая се превръща в убиец. Трупът на екзекутиран престъпник е законно предоставен на лекари, които го разчленяват на парчета.
Хогарт написа: " Тези листове са били гравиран в надежда в някои мярка промяна да се най-доброто варварски обжалване с животни, един изглед мъчение който прави нашите столици (Лондон) така плачевно за всеки чувствителен души. Ако те ще изведе Това действие и пречат жестокост, аз аз ще Повече ▼ Бъди горд теми Какво съм тях автор, как ако би се аз написа картони Рафаел."( Krol A.E. Уилям Хогарт. Л.-М., 1965, с. 117.18)
„Четирите степени на жестокост“, както и сериалите „Старателност и мързел“ като „Gin Street“ и „Beer Street“, пише Krol A.E., разкриват Хогарт като художник, който не преминава добре през социалните бедствия и не се опитва да разсмее публиката със снимки на бедност и невежество. В същото време Хогарт не остава обикновен моралист-проповедник, а гледа на света по-широко и по-обективно от повечето негови съвременници. Избирайки за герой граф или скитник, благородна дама или блудница, той осъжда в образите им онези тъмни черти, които са характерни не само за отделни хора, но и за цели социални групи. Хогарт адресира тези актуални епизоди към хората и те бяха популярни, но публиката, към която се обърна, понякога се възхищаваше на забавността на епизода, на комичните лица и не забелязваше дълбокия смисъл на неговите произведения.
Така работата на Хогарт играе важна роля в развитието на английското изкуство. Неговите творби бяха реалистично отражение модерен животразлични слоеве на английското общество и са пропити с активни критически мисли в духа на прогресивните идеи от онова време. Картините и гравюрите на Хогарт се отличават с високото си майсторство на драматично повествование, новаторска оригиналност и оригиналност на художественото решение. Той активно се бори за утвърждаването на реализма и идеите за гражданство в изкуството, защитавайки водещо мястоежедневен жанр в живописта.
3 . СъздаванеЖанбатистаСимеонШарден
джинсбатимулСимеомнChardeмн(1699-1779) - френски художник, един от най-известните художници от XVIIIвекове и един от най-добрите колористи в историята на живописта, известен с работата си в областта на натюрморта и жанровата живопис.
В творчеството си художникът умишлено избягва тържествените и пасторално-митологични сюжети, характерни за изкуството на своето време. Основната тема на неговите натюрморти и жанрови сцени, базирани изцяло на полеви наблюдения и по същество скрити портрети, е ежедневието на хората от т. нар. трето съсловие, предадено по спокоен, искрен и правдив начин. Шарден, чиято дейност като художник бележи разцвета на реализма през 18-ти век, продължава традициите на холандските и фламандските майстори на натюрморта и ежедневния жанр от 17-ти век, обогатявайки тази традиция и внасяйки нотка на изящество и естественост в своята работа.
Ученик на Пиер-Жак Каза и Ноел Койпел, Шарден е роден и прекарва целия си живот в парижкия квартал Сен Жермен де Пре. Няма доказателства той някога да е пътувал извън френската столица. Помагайки на Куапел да изпълнява аксесоари в картините си, той придобива необикновено изкуство да изобразява неодушевени предмети от всякакъв вид и решава да се посвети изключително на тяхното възпроизвеждане. В началото на самостоятелната си дейност той рисува плодове, зеленчуци, цветя, предмети за бита, ловни атрибути с такова умение, че любителите на изкуството сбъркаха картините му с произведенията на известните фламандци и Холандски художници, и едва от 1739 г. разширява обхвата на своите поданици със сцени от домашния живот бедните хораи портрети.
Рано става известен на парижката публика като отличен майстор на натюрморта. Това до голяма степен се дължи на парижката „изложба на дебютантите“, която се проведе на площад Дофин. И така, през 1728 г. той представя там няколко платна, сред които е натюрмортът "Наклон". Картината толкова впечатли Никола дьо Ларгилиер, почетен член на Френската академия по живопис и скулптура, че той покани младия художник да изложи творбите си в стените на академията. Впоследствие художникът настоя Шарден да се състезава за място в Академията. Още през септември кандидатурата му беше приета и той беше посочен като „изображение на цветя, плодове и жанрови сцени“.
Ежедневният жанр и натюрмортът са органично свързани в неговото изкуство като аспекти на цялостно и поетично дълбоко възприемане на действителността. След холандците, френският жанров художник успя да изрази очарованието на интериора и онези предмети от бита, които заобикалят човек. За своите композиции Шарден избира най-обикновени предмети - кухненски резервоар за вода, стари тенджери, зеленчуци, глинена кана, а само от време на време в натюрмортите му могат да се видят величествените атрибути на науките и изкуствата. Достойнството на тези картини не е в скъпоценността на нещата, които холандците са обичали толкова много, а в техния одухотворен поетичен живот, в баланса на конструкцията, създаващ образ на хармонично битие.
Перфектен в знанията цветови отношения, Шарден изтънчено усеща взаимовръзката на обектите и оригиналността на тяхната структура. Дидро се възхищава на умението, с което художникът ви кара да усетите движението на соковете под кожата на плода. В цвета на обекта Шарден видя много нюанси и ги предаде с малки щрихи. От подобни нюанси е изтъкан бял цвят. Сивите и кафявите тонове, които Шарден притежаваше, са необичайно многобройни. Прониквайки в платното, лъчите на светлината придават на обекта яснота и яснота.
През 1730-те години Шарден се обръща към жанровата живопис, към ежедневните семейни и домашни сцени, изпълнени с любов и мир, удивителна фигуративна и колористична цялост („Молитва преди вечеря“, 1744). В жанровите сцени Шарден пресъздава спокойния, премерен начин на ежедневие – ту в най-обикновени, но лирически възвишени моменти, ту в епизоди, които имат вътрешно нравствено значение.
Картините на жанровата живопис, отличаващи се със своята наивна простота на съдържанието, силата и хармонията на цветовете, мекотата и богатството на четката, дори повече от предишните творби на Шарден, го издигат от редица съвременни художници и подсилват един от изявените му места в историята на френската живопис. През 1728 г. е назначен в Парижката академия на изкуствата, през 1743 г. е избран за нейни съветници, през 1750 г. заема длъжността неин ковчежник; освен това от 1765 г. е член на Руанската академия на науките, литературата и изящните изкуства.
В произведения от различни години и различни жанрове, като перачка (1737), Буркан с маслини (1760) или Атрибути на изкуствата (1766), Шарден винаги остава отличен чертожник и колорист, художник " спокоен живот“, поетът на ежедневието; неговият поглед и нежен поглед одухотворяват най-светските предмети. AT последните годиниживотът Шарден се обръща към пастелите и създава няколко великолепни портрета (автопортрет, 1775), в които показва присъщата си емоционална тънкост, но и способност за психологически анализ.
Енциклопедистите направиха много за разпространението на славата на Шарден, който противопоставя своето „буржоазно” изкуство с придворни художници, „откъснати от народа” - майстори на еротични и пасторални винетки в духа на рококо. Дидро сравнява умението си с магьосничеството: „О, Шарден, това не е бяла, червена и черна боя, която стриваш върху палитрата си, а самата същност на предметите; вземаш въздух и светлина на върха на четката си и ги слагаш върху платното!”
4 . СъздаванеЖанЛуисДейвид
Жак-ЛуимДейвимд(30 август 1748, Париж - 29 декември 1825, Брюксел) - френски художник и учител, основен представителФренският неокласицизъм в живописта.
Жак-Луи Давид е роден на 30 август 1748 г. в семейството на търговец на едро на желязо Луи-Морис Давид и съпругата му Мари-Женевиев (по рождение Бурон) и е кръстен на същия ден в църквата Сен Жермен-l. Auxerroy. До 2 август 1757 г. - деня на смъртта на баща му, който може да е загинал в дуел, живее в пансиона на манастира Picpus. Благодарение на брата на майка си Франсоа Бюро, деветгодишният Жак- Луи, след като учи с преподавател, постъпва в Колежа на четирите нации за курс по реторика. След това майка му, оставяйки детето в Париж на грижите на брат си, тя отива в Евре.Жак-Франсоа Демезон, са архитекти, семейството също е свързано с художника Франсоа Буше. Забелязвайки способността на детето да рисува, е решено той да стане архитект, както и двамата му чичовци.
Давид взема уроци по рисуване в Академията на Свети Лука, през 1764 г. близките му го запознават с Франсоа Буше с надеждата, че той ще вземе Жак-Луи за свой ученик. Въпреки това, поради болестта на художника, това не се случи - въпреки това той препоръча на младия мъж да започне да учи при един от водещите майстори на историческата живопис на ранния неокласицизъм, Джоузеф Виен. Две години по-късно, през 1766 г., Дейвид постъпва в Кралската академия по живопис и скулптура, където започва да учи в работилницата на Виена. Педагогическа системапоследният, който прекарва няколко години в Италия и е очарован от античността, се основава на изучаването на древното изкуство, произведенията на Рафаело, братя Карачи, Микеланджело, изискването за постигане на „истина“ и „величие“ в живописта.
През 1775-1780 г. Давид учи във Френската академия в Рим, където изучава античното изкуство и творчеството на ренесансовите майстори.
През май 1782 г. се жени за Шарлот Пекул. Тя му роди четири деца.
През 1783 г. е избран за член на Академията по живопис.
Участва активно в революционното движение. През 1792 г. той е избран за член на Националния конгрес, където се присъединява към Монтанардите, водени от Марат и Робеспиер, гласуват за смъртта на крал Луи XVI. Той е член на Комитета за обществена сигурност, в което качество подписва заповеди за арест на „врагове на революцията“. Поради политически различия по това време той се разведе със съпругата си.
В опит да увековечи събитията от революцията, Дейвид рисува редица картини, посветени на революционерите: „Клетвата в балната зала“ (1791, незавършена), „Смъртта на Марат“ (1793, Музей за модерно изкуство, Брюксел). Също по това време той организира масови фолклорни фестивали и създава Националния музей в Лувъра.
През 1794 г., след Термидорския преврат, той е хвърлен в затвора за революционни възгледи.
През ноември 1796 г. се жени повторно за Шарлот.
През 1797 г. той става свидетел на тържественото влизане в Париж на Наполеон Бонапарт и оттогава се превръща в негов пламенен привърженик, а след идването му на власт - придворният "първи художник". Давид създава картини, посветени на преминаването на Наполеон през Алпите, неговата коронация, както и редица композиции и портрети на хора, близки до Наполеон. След поражението на Наполеон в битката при Ватерло през 1815 г. той бяга в Швейцария, след което се премества в Брюксел, където живее до края на живота си.
Погребан е в гробището на квартал Леополд в Сен Жозе-тен-Нод (през 1882 г. е препогребан в гробището в Брюксел в Евере), сърцето му е пренесено в Париж и погребано в гробището Пер Лашез.
5. СъздаванеЖанАнтоанХудън
Жан Антоан Худон (1741-1828) е известен скулптор класицист. Той създава уникална портретна енциклопедия на видни хора от епохата. Главният му герой е социален, благороден и силен характер, смела и безстрашна, креативна личност. Худън никога не се е интересувал от титлите и званията на онези, които изобразява в мрамор и бронз. В създадените от него образи майсторски са предадени не само външната, но и вътрешната прилика с оригинала, чертите на психологията на героя. Портрет на композитора Глюк, оратора Мирабо, комика Молиер, обществени личностиД. Дидро и Ж. Ж. Русо, американският президент Джордж Вашингтон - това са най-добрите творби на великия скулптор. Известно е, че Екатерина Велика е поръчала своя портрет от него, но Худън отказва да отиде в Русия. Той брилянтно изпълни статуята на руската императрица въз основа на множество портрети, без никога да е виждал оригинала.
Славата на ненадминатия майстор на скулптурния портрет, който Худън спечели приживе, е неоспорима и до днес. Това отчасти се дължи на личностите на неговите модели – великите хора от 18 век: Волтер, Ж. Ж. Русо, Д. Дидро, Б. Франклин, Дж. Вашингтон. Междувременно други скулптори създават портрети на тези знаменитости, но в съзнанието ни те упорито продължават да съществуват точно така, както ги е изобразил Худън. И това не е изненадващо. Творбите на майстора удивляват с лъхащото от тях усещане за живот. Един от съвременниците му коментира скулптурата му: „Тя щеше да проговори, ако монашеският устав не й беше предписал мълчание“. Тайната е, че в работата си Худън използва древното правило: трябва да зададете въпрос, да привлечете вниманието и да изобразите човек в момента, когато цялото лице оживява и отговорът е готов да се счупи от устните. Освен това той разработи една проста, но създаваща поразителен ефект, техника. Моделирайки очите и клепачите в съответствие с формата на природата, той направи вдлъбнатина за цялата ширина на ириса по такъв начин, че сянката, която го запълва, изглеждаше като част от обемната и изпъкнала повърхност на окото, а зеницата напълно черен. Лявата малка „висулка“ от бял мрамор създаде илюзията за лек отблясък, довеждайки впечатлението за обем до съвършенство. В резултат очите изглеждаха живи, прозрачни и леко влажни. Все още никой скулптор не е успял да постигне такава точност в предаването на израза на човешкия поглед.
Въпреки факта, че признаването на таланта дойде при майстора доста бързо, той, съдейки по оцелелите документи, остана прост и дори слабо образован човек. Целият му живот, не богат на зрелищни или драматични събития, се свеждаше до тежка ежедневна работа в работилницата и ежедневни ежедневни грижи. Въпреки това, на всичко, което се отнасяше до любимия му бизнес, Худън обърна най-голямо внимание, независимо дали е изучаването на структурата човешкото тялоили съперничество с други скулптори.
Жан Антоан е роден във Версай на 20 март 1741 г. в семейство, далеч от изкуството. Баща му Жак Худон е бил селянин.До момента на раждането на сина му той е работил като обикновен вратар във Версайската резиденция на граф Деламот, генерален инспектор на Кралските паркове. Бащата и братята на майката, Анна Рабаш, са били градинари в тези паркове, а от тримата сина и четирите дъщери на съпрузите Худон, само Жан Антоан. четвъртото дете, спечели славата на художника. Изглежда, че небето се е погрижило да даде възможност вроденият талант на момчето да се развие в истинско майсторство. След бащата, който е преместен в парижката къща на граф Деламот, семейството се премества в столицата, а през 1749 г. тази къща е отдадена под наем на френската корона под „Училище за избрани ученици“. Тоест онези ученици от Кралската академия по живопис и скулптура, които сред най-добрите от най-добрите се подготвяха за пътуване до Рим за допълнително образование за сметка на държавата. На Жак Худон е разрешено да остане като вратар в новото училище, а Жан Антоан е сред хората на изкуството от ранна възраст. Момчето с нетърпение поглъщаше самата атмосфера на творчество, която преобладаваше в училище, идваше в работилниците и, като молеше за глина, ентусиазирано изваяваше, имитирайки старейшините. Първо учениците, а след това и учителите, обърнаха внимание на способно дете, помогнаха му, дадоха съвети и накрая допринесоха за факта, че през 1756 г. младият Худън стана студент на академията. През същата година той получава сребърен медал за успех в изпълнението на етюди, а пет години по-късно за барелефа „Савската царица носи дарове на Соломон“ (1761 г.) е удостоен с първа награда - златен медал с право да учи във Френската академия в Рим - и се връща в родното си "Училище за избраните" вече като ученик. Негов основен учител е M. A. Slodts, но той научава и много полезни знания от други академици - J. B. Lemoine и J. B. Pigalle. Жан Антоан посвети следващите три години на овладяване на изкуството на обработката на мрамор, изучаване на история и митология, като в същото време посещава Анатомичния театър, директно се запознава с вътрешната структура на човек, както и Лувъра и други колекции, присъединявайки се към произведения на изкуството на други страни и велики майстори от миналото.
През 1764 г. Худън заминава за Рим. Според академичната образователна система, разпространена в цяла Европа, той е бил задължен да прави копия на скулптури по темите на класическата митология, а първата му работа в тази посока е малката Весталка (1767-1768) - доста свободно интерпретирано повторение на древна статуя. Освен това скулпторът непропорционално подобрява скучния елинистически оригинал, придавайки му нежността и женствеността, характерни за стила на рококо, като същевременно запазва специфично класическия дух. В бъдеще той често се връщаше към този образ, както и към много други, понякога просто копирайки работата си различни материали- мазилка, мрамор, теракота, бронз, - и понякога създаване на опции, които се различават в детайлите. Римският период на творчеството на Худон включва произведения като "Свети Бруно", "Свети Йоан Кръстител" (и двете през 1766--1767), "Жрец на Луперкалия" (1768) и други, както и добре познатата скулптура " Ecorshe ”(1766-1767) - човек с голи мускули, - отливки и копия от които са се превърнали в необходим атрибут на художествените школи в Европа и Америка до наши дни. Освен това дори лекарите са го използвали в обучението.
Интересното е, че този изключителен и може би най-обичаният анатомичен модел в историята на скулптурата в началото беше просто гипсова скица за Йоан Кръстител. Фигурата, създадена от задълбочено изследване на анатомията върху трупове в болницата на Сейнт Луис от Франция, е изобразена в забавен каданс с разперена благословия дясна ръкаи само по себе си е шедьовър на скулптурното майсторство. Тази поза е изцяло пренесена в първата, незапазена версия на „Йоан Кръстител”, изпълнена като „Свети Бруно”, с повече от почетна поръчка за начинаещ артист от ректора на църквата Санта Мария дельи Анджели. Много по-късно Худън създава друга, бронзова фигура "Екорчет" (1792 г.), като леко променя позицията на ръцете
През ноември 1768 г. Жан Антоан се завръща в Париж. Периодът на чиракуване приключи и сега младият скулптор беше изправен пред задачата да стане самостоятелен майстор, да постигне признание в родината си и в същото време да придобие това, което отговаря на неговите способности. финансова ситуация. През 1769 г., въз основа на произведенията, извършени в Италия, Худон е лесно включен в академията, което му дава правото да излага в академичните салони на два години и следователно да има възможност да показва своите произведения на публиката и още важното е за вероятно високите покровители. Оттогава скулпторът участва в почти всички подобни изложби до 1814 г.
Първото значимо произведение на Худон след завръщането му във Франция е портретен бюст на философа Д. Дидро (1771), който отваря цяла галерия от образи - както съвременници, така и велики хора от миналото: Молиер (1778), Ж. Ж. Русо ( вариации през 1778-1779), O. G. Mirabeau (1791) и др. След тази работа художникът получава заповеди от херцога на Сакско-Гота. малкото княжество, чието в Германия той посети предния ден, и руската императрица Екатерина II, която стана първата управляваща покровителка на скулптора. През 1773 г. майсторът прави мраморен бюст на Екатерина Велика, в който перфектно предава приликата с оригинала, не само външна, но и характерна. макар че в творчеството си е принуден да залага само на картини, рисунки или гравюри на френски автори. Портретът на императрицата напълно опровергава утвърденото убеждение, че Худън не би могъл да работи ефективно без жив модел пред себе си. Наистина майсторът често правеше внимателни измервания на изобразяваното лице, правеше гипсови отливки на главата и отделни части на фигурата, а понякога, както в случаите на Мирабо и Русо, дори сваляше смъртни маски. Но всички тези действия само улесниха работата на скулптора, но по никакъв начин не бяха решаващи. Доказателство за това могат да бъдат и портретите на отдавна починалите Молиер и Ж. дьо Лафонтен (ок. 1781), поразяващи с точното предаване на характерни черти.
Трябва да се отбележи, че въпреки отличната способност за обработка на мрамор, Houdon е предимно скулптор, а не резбар. Първо работи с глина, а след това прави гипсова калъпа, която се съхранява в работилницата и му позволява да повтаря творбите си от гипс, теракота, бронз или мрамор, докато има търсене за тях. Освен това, владеейки отлично техниките на леене, скулпторът лично участва в отливането на бронзови статуи, като прави окончателното усъвършенстване със скрепер и оставя повърхността грапава, а не внимателно полирана, както в по-късните, неавторски копия.
Въпреки че Худън влезе в историята предимно като скулптор на портрети, неговата творческа природа е по-впечатлена от теми, извлечени от историята, религията или митологията. Известно е, че той непрекъснато търси поръчки за мащабни творби и през целия си живот, говорейки за художествените си постижения, обикновено отделя статуи, като Свети Бруно, Екорче или Даяна (1776). Последното заслужава специално внимание. Темата за богинята-ловец датира от древността и е доста традиционна за изкуството още от Ренесанса. „Диана“ на Худън обаче имаше две отличителни черти – бързо движение и пълна голота. Майсторът постигна илюзията за бягане, като принуди богинята да поддържа равновесие, застанала на пръстите на единия крак. Само в мраморната версия от 1780 г. беше добавен тръстиков храст, за да създаде допълнителна опора. Статуята, която шокира правителствените служители, имаше такъв успех сред публиката, беше толкова възхвалявана от поети и възхвалявана от критици, като никое друго произведение на Худън. Скулпторът обаче все пак предпочете да не го излага в Салона, а желаещите можеха да се полюбуват на изчистената класическа елегантност на "Диана" в ателието на художника.
През 1777 г., намалена мраморна версия на "Морфей" - гипсова статуя с размерите на природата (1771 г.) - става състезателна работаХудън за титлата редовен член на Академията по живопис и скулптура. През същата година в Салона броят на неговите творби е равен на половината от всички изложени скулптури и от това време се определя ролята на майстора като ръководител на френската скулптурна школа.
Централно място в творчеството на Худон заемат най-добрите и значими негови творби - статуята на френския писател и философ-просветител Волтер, върху чийто образ скулпторът работи дълги години и създава редица прекрасни портрети. Сред тях заслужено се откроява образът на седналия Волтер (1781). Художникът облече мъдреца в древна тога, скривайки слабото му, слабо тяло. Но той не се отказа от истината и изобрази лицето на старец с хлътнали бузи, срутена уста. Неугасимият подигравателен ум на великия философ обаче живее в това лице толкова интензивно, че като цяло творбата се превръща в химн на човешкия интелект, провъзгласява победата на безсмъртния дух над слабото и смъртно тяло. Тези, които са видели тази скулптура, са наясно с нейното невероятно свойство - когато ъгълът на гледане се промени, изражението на лицето на Волтер се променя удивително. Плаче, подиграва се, гледа на света трагично и се задавя от смях. „В очите му той разгада душата“, каза друг велик френски скулптор, Роден, за Худон.
Наистина, в портретите на учени, философи, хора на изкуството, в женски образисъздадена от майстора, остротата и гъвкавостта на психологическите характеристики на модела излизат на преден план. Детските портрети също са забележителни от тази гледна точка. В тях художникът открива невероятна способност да предава свежестта и чистотата на детството без сантименталност. Неговите деца са мислещи личности със собствен вътрешен свят.
Не последната, макар и не основна роля в толкова точно пренасяне на човешкия характер изигра за скулптора пряко наблюдение и изучаване на природата. Така че, когато през 1785 г. Худън получава поръчка да направи мраморна статуя на генерал Дж. Вашингтон, той отива в чужбина, за да работи върху портретен бюст в непосредствена близост до модела. След завръщането си в Париж този бюст е използван от скулптора като скица. статуя в пълен ръст, изобразяващ генерала като генерал, е може би най-добрият съществуващ портрет на Вашингтон.
През лятото на 1786 г. четиридесет и пет годишният скулптор се жени за двадесетгодишната Мари-Анж-Сесил Ланглуа, дъщеря на служител на кралски предприятия. През 1787-1790г. имаха три дъщери. Г-жа Худън и момичетата послужиха като модели за някои от най-очарователните портрети на майстора.
През 1787 г. художникът купува къща, оборудва работилница в нея и монтира малки леярски пещи. Сега той има възможността да отлива от бронз почти всяка своя творба. В това му помагат асистенти и студенти, тъй като той като академик е трябвало да има ученици. От работилницата му обаче не излезе нито един значим скулптор. Очевидно Худън беше твърде зает, за да обърне внимание на преподаването. И само в последните години от живота си, особено след назначаването му през 1805 г. за професор в специални училища по живопис, скулптура и архитектура във Френския институт, който замени Кралската академия, той непременно изпълнява преподавателските си задължения и едва през 1823 г. напълно пенсиониран.
Френската революция 1789-1794 г лиши Houdon не само от по-голямата част от клиентите и утвърдената позиция на водещ скулптор, но и от творчески сили. От средата на 1790 г. изкуството му е в упадък. Въпреки това той продължава да работи, макар и в много по-малък мащаб, рисувайки портрети на членове на императорското семейство, маршали и генерали. През 1804 г. той получава поръчка за производството на гигант бронзова статуяНаполеон за монтаж върху колона в Булон – завършена е през 1812 г. и разрушена след падането на Империята. Най-новата работастарият майстор е бюст на император Александър I, изложен в Салона от 1814 г. След това няма данни за работата му. През 1823 г. г-жа Худън умира, а на 15 юли 1828 г. умира и самият скулптор.
Доколкото е възможно, работата на майстора се характеризира със собствените му думи: „Едно от най-красивите качества на толкова трудно изкуство на скулптурата е способността да се запазят чертите в цялата автентичност и да се направят образите на хора, създали славата или просперитет на родината им почти нетлен. Тази мисъл постоянно ме преследваше и насърчаваше в дългите ми трудове.
Волтер Худън, въпреки болезнената слабост и старческата слабост (скулпторът за първи път видя писателя малко преди смъртта му), е въплъщение на силата на духа, триумфираща над физическата слабост. Това произведение е не само най-високото постижение на самия скулптор, но и върхът на европейското изкуство от 18 век. Статуята на Волтер предизвика много ентусиазирани отзиви. Огюст Роден възкликна: „Какво невероятно нещо! Това е въплъщение на подигравка! Очите са малко настрани, сякаш чакат врага. Острият нос напомня на лисица: извива се навсякъде, надушва навсякъде обиди и повод за подигравки, буквално трепери. Жан Антоан Худон. Волтер. 1779-1781 Комеди Франсез, Париж.
Жан-Антоан Худон е френски скулптор. Жан-Антоан Худон е роден на 20 март 1741 г. във Версай (Франция). През 1756 г. той е приет в училището на Кралската академия по живопис и скулптура, получава трета награда по скулптура, а през 1761 г., на възраст от двадесет години, първата награда за барелефа „Царица от Сава носи подаръци на Соломон“. Учители на Худон са Мишел Слодц, Жан-Батист Лемоан и Жан-Батист Пигал. Осем години учи в училището и Академията и като един от най-добрите ученици през 1764 г. е изпратен в Рим. В Италия скулпторът остава четири години и през това време създава редица произведения, които правят името му известно. Това са статуята на "Весталката", "Екорше" - анатомично изследване, скулптури за украса на църквите "Св. Бруно" и "Св. Йоан Кръстител". В тези ранни скулптури, които по-късно майсторът многократно повтаря в други материали, той предпочита класическата интерпретация на образа, ясна, спокойна, балансирана, свързана с изучаването на античното наследство. Необходимостта да печели пари, търсенето на клиенти и покровители вероятно не му позволиха да удължи италианския пенсионен стаж, както направиха други.
През 1768 г. скулпторът се завръща в Париж. Тук той намира първия си покровител, немския херцог на Сакско-Гота, който е бил дълги години клиент на художника. Започвайки от 1769 г., когато Худън дебютира в Салона, и до края на века, нито един от откриващите салони не можеше без нещата на скулптора. В Салона от 1771 г. се появява един от най-известните бюстове на Худон - портрет на Дени Дидро. Самият философ, ценител и критик на изкуството, отбеляза изключителната прилика на портрета. Дидро често е изобразяван. Но сред портретите, създадени от Ван Лоо, Ан Мари Колот, Ж.-Б. Пигал и Л.-А.-Ж. Lecointe, портретът на Houdon се откроява със своята яркост и живост на характеристиките. Бюстът е без никакви аксесоари и орнаменти. Цялото внимание е насочено към лицето. Худън изобразява философа без перука, към когото таеше неприкрита омраза. Леко разрошена коса, Худън я интерпретира лесно и свободно, както във всички свои скулптури. Бюстът е подрязан високо, главата е обърната на три четвърти, устата е отворена, очите са широко отворени, погледът им е жив и директен, уловено е мимолетно изражение на лицето. Тази работа накара хората да говорят за млади таланти във Франция. Чрез Дидро и неговите близък приятелМелхиор Грим Худон скоро се сдобива с най-могъщия покровител - руската императрица Екатерина II, която може да поръча скъпи бронзи и мрамори от Худон. През 1770-те години скулпторът става известен като майстор на гробната скулптура. Сред най-известните му творби са надгробните паметници на фелдмаршал Михаил Голицин и сенатор А. Д. Голицин (те се намират в некропола на Донския манастир в Москва) и гробницата на граф д "Еннери. Според състава на надгробните плочи те датират обратно към типа на класическите надгробни стели на Древна Гърция. Худон изпълнява скулптури на митологични теми. За мраморната статуя „Морфей” е избран за академик през 1777 г. Една от най-известните скулптури на 18 век е неговата „Диана Ловците ". илюзия за бягане. Откровената чувствена интерпретация на изображението не противоречи на чисто класическата елегантност на статуята. Същите характеристики са присъщи и на друга популярна статуя на Худон - "Зима", която е олицетворена в образа на красивата половина -голо охладено момиче Много от творбите на Худън са добре познати в цял свят и защото ги е възпроизвеждал, повтаряйки ги многократно в евтина гипс и в по-скъп мрамор и бронз. Почитан скулптор от 18 век, който овладя техниката на леене на бронз. Той го обичаше особено през 1780-90-те години. Той пише: "Мога да играя в две роли - скулптор и леяр. В първата съм творец, във втората мога точно да възпроизвеждам други ..." Въпреки това Худън влезе в историята на скулптурата предимно като майстор на портрети . Характеризира се с аналитичен подход към природата, безмилостно търсене на истината на живота, образите му се отличават с дълбок и остър психологизъм. Броят на портретните му скулптури е голям. специална групаправи портрети на деца. Сред тях са отлични бюстове на Александър и Луиз Бронниарт, портрети на дъщерите на скулптора Сабина, Анна-Анж и Клодин и др. 18-ти век сякаш отново отваря света на детето. Houdon успя да предаде усещане за свежест и чистота на детството без нотка на сантименталност и игривост, характерни за рококо. В неговите творби децата са мислещи личности със собствен вътрешен свят.
Сред брилянтните портрети на френски театрални фигури, създадени от Худон, е посмъртен бюст на Молиер, поръчан от Comédie Française. Худон постига в него прилика със съществуващия живописен портрет на Молиер, който не успява да види в процеса на работа, но създава образ-персонификация на френския театър като цяло. Главата на Молиер, поставена в рамка от дълга, свободно пусната коса, е рязко обърната, необичайно жива поза предполага незабавно действие или движение. Погледът е пронизителен, устата е леко разтворена, сякаш в разговор. Широк шал е свободно вързан около врата. Изложен в сградата на Кралската библиотека, бюстът е възхитен от критиците, а Грим пише за него: „Погледът му (г-н Худън, може би единственият скулптор, който знае как да предаде очите) пронизва душата“. Худън прави портрети на много хора известни хораот своето време: Некер, Лафайет, Бейли, Франклин и Джордж Вашингтон и др. За серия от портрети на велики хора, замислени от д'Анживилие, той създава портрет на маршал дьо Турвил. Гражданските добродетели, както и заслугите в науката и изкуството са критериите за избор на лица за тази портретна галерия. Но портретите на вече споменатият Дени Дидро трябва да се счита за истинско продължение на поредицата.-А. д'Аламбер, Жан Жак Русо (направен е от смъртна маска) и най-известният от тях е портретът на Волтер. краткосрочен, работейки върху маската, която беше свалил, направи статуя на Волтер. Скулпторът представи Волтер, седнал във фотьойл, като антика, увит в мантия, много напомняща халата на философа. Широките гънки на мантията падат върху раменете и коленете, като очертават скритата под тях фигура и в същото време й придават ефектност. Превръзката на челото се оприличава на антична. Аксесоарите създават образа на поет-философ, принадлежност към светасъвременен и древен свят. Лицето на изобразяваното лице излъчва огромно жизнености висока духовност. Цялото богатство вътрешен животХудън предава в моментално схванат израз, който е труден за тълкуване. Това е изтънчен, точен и величествен портрет, в който епохата на Просвещението е намерила своето ярко въплъщение. Жан-Антоан Худон умира на 15 юли 1828 г. в Париж.
Подобни документи
Непрекъснато развитие, смесване и противопоставяне на стилове и тенденции в изящни изкуства. Анализ на особеностите на различните школи за представяне на формите в живописта и скулптурата. Класицизмът като естетическо течение в европейската литература и изкуство.
резюме, добавено на 10.08.2016
Франция като хегемон на духовния живот Европа XVIIIвек. Хронологична и териториална рамка на Просвещението. Еволюцията на философските идеи на просветителите и тяхното въплъщение в изобразителното изкуство. Влиянието на Просвещението върху развитието на театралното изкуство.
курсова работа, добавена на 31.03.2013
Обща характеристика на картините на З. Серебрякова и Н. Ярошенко. Разглеждане на автопортрет "Зад тоалетната". Запознаване с особеностите на изследването на образа на руската жена в изобразителното изкуство края на XIX-XXвек. Анализ кратка историяруска живопис.
курсова работа, добавена на 08.06.2014
Футуризъм - художествени авангардни движения 1910-1920 в литературата и изобразителното изкуство, възникнали в Италия и Русия като култ към бъдещето и дискриминация на миналото наред с настоящето; провъзгласяването на патоса на разрушението, взрива, обновлението.
презентация, добавена на 04.06.2012
Описание на основните тенденции във визуалните изкуства на ХХ век. Характеристики на развитие и типични характеристикивсеки от тях, особеностите на техниката на писане и концепцията за прехвърляне на изображения. Основните представители на художествените течения и техните изключителни картини.
презентация, добавена на 28.10.2013
Същността и значението на алегориите, използването му в литературата, режисирането на масови празненства, театрализацията, изобразителното изкуство. Характеристики на компютърното изкуство, дигиталната живопис и фотомонтажа, техните недостатъци. Изображения и символи на четирите елемента.
курсова работа, добавена на 20.04.2011
Направление в изкуството на 20-ти век, характеризиращо се с прекъсване на исторически опитхудожествено творчество, стремеж към утвърждаване на нови нетрадиционни начала в изкуството, обновяване на художествените форми. Конвенционална схематизация и абстрактен стил.
презентация, добавена на 22.06.2012
Началото на века на класиката в развитието европейска култураот класическата немска философия. „Златен” век на изкуството. Популярността на Жорж Санд и Дикенс. Представители на основните течения и направления на реализма в живописта, изкуството, литературата.
резюме, добавен на 28.06.2010
Реализмът като исторически специфична форма на художествено съзнание на новото време. Предпоставки за създаването и формирането на реализма в изкуството на Ренесанса. Сандро Ботичели, Леонардо да Винчи и Рафаел Санти. Творчеството на Албрехт Дюрер и Питер Брьогел.
резюме, добавено на 12.04.2009 г
Идентифициране на функциите, естетическата оригиналност и ролята на постмодернизма в художествено-естетическите процеси на съвременната култура. Постмодернизмът в изящните изкуства на Съединените американски щати и Европа. Мултимедийно изкуство и концептуализъм.
художествен метод в европейското изкуство и литература от 18 век, според който всички явления от обществения живот и действията на индивидите се оценяват като разумни или неразумни. Неговите създатели и теоретици са Дидро във Франция и Лесинг в Германия. Отличителни черти на просвещенския реализъм са по-нататъшното разширяване и демократизиране на темите в такива форми на художествена култура като литература, театър, живопис; появата на нов герой - представител на третото съсловие, обявен в духа на времето за носител на Разума или Природата; отхвърляне на нормативността, присъща на класицизма; търсенето на истината за живота, документирано точно разкриване на характери и "мнения"; назидание на разказа, свързано с желанието да се предадат на слушателя, зрителя, читателя, обществени или морални идеи. В същото време привържениците на този метод често допускаха конвенция в своите произведения. По този начин обстоятелствата в романтиката и драмата не са непременно типични. Те могат да бъдат условни, както в експеримента.
Основното постижение на просвещенския реализъм е създаването на романа на Новата епоха - мощно средство за художествено познание на действителността. Негов основател е Д. Дефо, инициатор на такива жанрови разновидности на романа като биографичен, приключенски, психологически, криминален, приключенски, образователен и алегоричен. Д. Суифт става създател на жанра на сатиричния философски и политически роман. В ерата на зрялото Просвещение се появяват семейно-битов (С. Ричардсън) и социално-битов (Г. Филдинг) роман. Появата на нов герой доведе до появата на „филистерска“ драма („Лондонският търговец“ от Д. Лило, „Коварство и любов“ от Ф. Шилер, „Бате син“ от Д. Дидро и др.), образователна демократична (Р. Шеридан) и обществено-политическа (Г. Филдинг) комедия. Сценичният реализъм беше изцяло въплътен в творчеството на П. О. Бомарше. Идеите на просвещението оказват влияние върху развитието на реалистичната живопис
18-ти век Художниците реалисти У. Хогарт, Дж. Б. Шарден влязоха в борбата за изкореняване на пороците на обществото, обърнаха се към ежедневните ситуации или към създаването на картини „на модерни морални теми - област, която все още не е изпробвана в никоя страна“ (сатиричните цикли на У. Хогарт) . Ж. Б. Шарден превърна натюрморта в самостоятелен жанр на живописта.
Критическият реализъм от 19 век заменя просвещенския реализъм от 18 век.
Рязко критично отношение към реалността. Постановка и отразяване в художественото творчество на остри обществени проблеми. Ориентация към образа на живота на социалните слоеве в неравностойно положение. Изучаване на социалните противоречия. Реалистите твърдят, че злото се корени не в човек (както направиха просветителите), а в обществото. Реалистите не се ограничават до критика на нравите и съвременното законодателство. Те поставят въпроса за нечовешката природа на самите основи на буржоазното и феодалното общество. Реализмът възниква във Франция и Англия в условията на триумфа на буржоазния ред, след което, преминавайки през два етапа (Ренесанс и Просвещение), преминава в критичния етап. Социалните антагонизми и недостатъци на капиталистическата система определят остро критичното отношение на писателите-реалисти към нея. Те осъдиха придобивката, социално неравенство, егоизъм, лицемерие. В своята идейна насоченост тя се превръща в критичен реализъм. Реалистично. героят не може да се разглежда извън обществото, извън средата. Писателите се фокусират върху мотивацията на действията, кат. обяснено с околната среда, произход и т.н. Те показаха влиянието на обществото върху човек. Просветете. Реализмът е пълен с вяра в разума, критичен е "изгубените илюзии"
ВЪПРОС 2. . Реализъм (от лат. realis- истински) - художествен метод в изкуството и литературата. Самата представа за реализъм се промени на различни етапихудожествено развитие, отразяващо настойчивото желание на художниците за истинско изобразяване на реалността. Фокусът на реализма не са само факти, събития, хора и неща, а онези модели, които действат в живота. В същото време, изобразявайки тези закономерности, реализмът не се откъсва от реалната почва, избира характеристиките, присъщи на живота с най-голяма пълнота и по този начин обогатява читателя със знания за живота, изпълнява познавателни задачи. От това следва естественият извод, че реализмът зависи преди всичко в своите особености от тези исторически условиякъдето се развива изкуството. Реализмът не е нещо веднъж завинаги дадено и неизменно. В историята на световната литература могат да се очертаят няколко основни типа на нейното развитие. Не в науката консенсусза началния период на реализма. Много историци на изкуството го приписват на много далечни епохи: те говорят за реализъм скални рисунки примитивни хора, за реализма на античната култура.
В историята на световната литература много черти на реализма се откриват в произведенията на древния свят и ранното средновековие (в народния епос, например в руските епоси, в хрониките)
Формирането обаче реализъмкато художествена системав европейските литератури е прието да се асоциира с епохата ренесанс(Възраждане). Новото разбиране за живота от човек, който отхвърля робското подчинение на църковната проповед, е отразен в лириката на Федерико Петрарка, романите на Франсоа Рабле („Гаргантюа и Пантагрюел“), в трагедиите и комедиите на Уилям Шекспир. След като средновековните църковници векове наред проповядват, че човекът е „съсъд на греха” и призовават към смирение, литературата и изкуството на Ренесанса прославят човека като най-висше творение на природата, стремят се да разкрият красотата на неговата физическа и духовна и душевна красота. . Ренесансът на Ренесанса се характеризира с мащаба на образите (Дон Кихот, Хамлет, Крал Лир), поетизирането на човешката личност, нейната способност да страхотно чувство(както в „Ромео и Жулиета”) и същевременно високата интензивност на трагичния конфликт, когато е изобразен сблъсъкът на личността с противопоставящите й се сили.
Следващият етап в развитието на реализма - образователен(Просвещение), когато западната литература се превръща в инструмент за пряка подготовка на буржоазно-демократичната революция. През 18 век в Европа т.нар просветителски реализъм,чиито теоретици са Дени Дидро (теоретичната работа „Он драматична литература") във Франция и Г. Лесинг ("Хамбургска драматургия") в Германия. Английски реалистичен роман, чийто основател е Даниел Дефо („Робинзон Крузо“, 1719). В литературата на Просвещението се появява демократичен герой (Фигаро в трилогията на П. Бомарше, образи на селяни от А. Н. Радишчев в „Пътуване от Санкт Петербург до Москва“). Просветителите оценяваха всички явления на обществения живот и действията на хората като разумни или неразумни (и виждаха неразумното преди всичко във всички стари феодални порядки и обичаи). От това те изхождаха в изобразяването на човешкия характер: положителните им характери са преди всичко олицетворение на разума, отрицателните са отклонение от нормата, продукт на неразумността и стария феодален ред. Реализмът на Просвещението често допуска условността на обстоятелствата, поведението на героите.
Нов тип реализъм се оформя през 19 век. Това е критичен реализъм.Тя се различава значително както от Ренесанса, така и от Просвещението. Неговият разцвет на Запад се свързва с имената на Стендал и О. Балзак във Франция, Ч. Дикенс, Текерей в Англия, в Русия - А. С. Пушкин („Дъщерята на капитана“), Н. В. „Инспектор“), И. С. Тургенев (“ Бележки на ловец“), Ф. М. Достоевски („Братя Карамазови“, „Престъпление и наказание“), Л. Н. Толстой („Неделя“, „Война и мир“), А. П. Чехов (разкази, пиеси).
Критическият реализъм изобразява връзката между човека и околната среда по нов начин. Човешкият характер се разкрива в органична връзкасъс социалните обстоятелства. Предмет на задълбочен социален анализ беше вътрешен святна човека следователно критическият реализъм става едновременно психологически. В подготовката на това качество на реализма важна роля изигра РОМАНТИЗМЪТ, стремящ се да проникне в тайните на човешкото „Аз“.
ВЪПРОС 3. Основната разлика между критическия реализъм и ренесанса и Просвещението е задълбочаването на познанието за живота и усложняването на картината на света. Но това не означава неговото абсолютно превъзходство над предишните етапи, защото мащабът на образите на Ренесанса е загубен. Уникален остава патосът на утвърждаването, характерен за просветителите, тяхната оптимистична вяра в победата на доброто над злото. Критическият реализъм улавя съвременната реалност много по-широко. Кробската модерност навлиза в творчеството на критичните реалисти не само като произвол на феодалите, но и като трагично състояние на народните маси – крепостните селяни, бедните градски хора. В произведенията на писателите от Просвещението човекът от средната класа е изобразяван главно като олицетворение на благородство, честност и по този начин се противопоставя на корумпираните нечестни аристократи. Той се разкрива само в сферата на своето високо нравствено съзнание. Неговото ежедневие с всичките му мъки, страдания и тревоги остава по същество извън повествованието, той се разглежда като индивид, чиито проблеми лежат само в самия него, независимо от средата, в която съществува. Критическият реализъм, от друга страна, изпълнява аналитична функция: показва социалната обусловеност на човек, показва социалните причини, принудили героя да се държи по един или друг начин. В основата на естетиката на критичния реализъм е ПРИНЦИПЪТ НА СОЦИАЛНОСТ. Реалистите твърдят, че злото се корени не в човека, а в обществото. Реалистите не се ограничават до критика на нравите и съвременното законодателство. Те поставят въпроса за нечовешката природа на самите основи на буржоазното и феодалното общество.
В трудовете на просветителите страхотно мястозаема образа на развратен аристократ, който не признава никакви ограничения за чувствените си желания. Покварата на владетелите е изобразена в просветителската литература като продукт на феодални отношения, в които аристократичното благородство не познава забрана за чувствата си. Делото на просветителите отразява липсата на права на хората, произвола на князете, които продават поданиците си на други страни. Писателите от 18-ти век остро критикуват религиозния фанатизъм („Монахинята“ от Дидро, „Натан Мъдрият“ от Лесиния), противопоставят се на праисторическите форми на управление, подкрепят борбата на народите за тяхната национална независимост („Дон Карлос“ от Шилер, „ Егмант” от Гьоте). Така в просветителската литература от 18 век критиката на феодалното общество протича предимно в идеологическа плоскост. Критичните реалисти разширяват тематичния обхват на изкуството на словото. Човек, независимо към какъв социален слой принадлежи, се характеризира с тях не само в сферата на моралното съзнание (тоест пороците не могат да бъдат причинени от аристократичния произход и феодалните порядки, насадени от раждането), той също е привлечен от ежедневната практика. дейност, в контекста на средата, която и там е майка на всичките му пороци, а не от аристократичен произход. Критическият реализъм характеризира личността универсално като специфична исторически формирана индивидуалност. Те изобразяват личността като социално същество, формирано под влияние на определени социално-исторически причини. Характеризирайки метода на Балзак, G.V. Плеханов отбелязва, че създателят на " човешка комедия» „взе“ страстите във формата, дадена им от съвременното буржоазно общество; той наблюдаваше с вниманието на натуралист как те растат и се развиват в дадена социална среда. Реалистичното изкуство обаче е нещо повече от възпроизвеждане на човек в обществените отношения. Реализмът се характеризира с образа на човек в единство с неговата среда, социалната и историческа конкретност на образа, конфликта, сюжета, широкото използване на такива жанрови структурикато роман, драма, новела, разказ. Критическият реализъм е белязан от безпрецедентно разпространение на епос и драматургия. Сред епичните жанрове романът придоби най-голяма популярност. Причината за успеха му е главно в това, че позволява на писателя-реалист да изпълни в най-голяма степен аналитичната функция на изкуството, да разобличи причините за възникването на социалното зло.
Положителни герои в творчеството на реалистите са търсачи на истината, хора, свързани с националноосвободителното или революционното движение (Карбонарите на Стендал, Невроните на Балзак) или активно съпротивляващи се на развращаващото внимание на индивидуалистичния морал (Дикенс).
етап в развитието на реализма, който се оформя през епохата на Просвещението. Характеризира се с етико-рационален подход към явленията на обществения живот и човешки действия; художествените образи са донякъде конвенционални.
Лица: Д. Дидро, П. Бомарше, Г. Лесинг, И.-В. Гьоте, Д. Дефо, Д. Фонвизин
„...През 18 век се оформя т. нар. просвещенски реализъм (в Европа), чиито теоретици са Дидро във Франция и Лесинг в Германия. Английският реалистичен роман, чийто основател е Д. Дефо, автор на Робинзон Крузо, придобил световно значение.. Просветителите оценяват всички явления на обществения живот и действията на хората като разумни или неразумни... От това те изхождат и в изобразяването на човешкия характер, техните положителни герои са преди всичко въплъщение на разума, негативните са отклонения от нормата, продукт на неразумност, варварство от предишни времена“ (Л. И. Тимофеев, С. В. Тураев).
Терминологичен речник-тезаурус по литературна критика. От алегория до ямб. - М.: Флинта, Наука. Н.Ю. Русова. 2004 г
Вижте какво е "просветителски реализъм" в други речници:
Реализъм- (от къснолат. realis realis, истински) в изкуството, истинско, обективно отразяване на действителността със специфични средства, присъщи на определен вид художествено творчество. В хода на развитието на изкуството, реализма ... ... Енциклопедия на изкуствата
РЕАЛИЗЪМ- в изкуството, 1) понятие, което характеризира познавателната функция на изкуството: истината за живота, въплътена от специфичните средства на изкуството, мярката на проникването му в реалността, дълбочината и пълнотата на неговото художествено познание. Толкова широко разбрано…… Съвременна енциклопедия
РЕАЛИЗЪМ- в изкуството 1) понятие, което характеризира познавателната функция на изкуството: истината за живота, въплътена от специфичните средства на изкуството, мярката на проникването му в реалността, дълбочината и пълнотата на неговото художествено познание. Така че, широко разбрано ...... Голям енциклопедичен речник
РЕАЛИЗЪМ (в изкуството)- РЕАЛИЗЪМ в изкуството, 1) понятие, което характеризира познавателната функция на изкуството: истината за живота, въплътена от специфичните средства на изкуството, мярката на проникването му в реалността, дълбочината и пълнотата на неговото художествено познание. Да, широк... енциклопедичен речник
реализъм (изкуство)- РЕАЛИЗЪМ в изкуството, 1) понятие, което характеризира познавателната функция на изкуството: истината за живота, въплътена от специфичните средства на изкуството, мярката на проникването му в реалността, дълбочината и пълнотата на неговото художествено познание. Толкова широко... Илюстрирано енциклопедичен речник
- (от лат. realis material) 1) художественият метод на новото време, чието начало е или от Ренесанса (ренесансов реализъм), или от Просвещението (просветителски реализъм), или от 30-те години. 19 век (правилен реализъм или критичен ... ...
реализъм- а; м. [от лат. realis real] 1. Истинно, обективно отразяване на действителността със средства, присъщи на определен вид художествено творчество; направление в изкуството и литературата, базирано на такъв дисплей ... ... енциклопедичен речник
Вижте просветителския реализъм... Терминологичен речник-тезаурус по литературна критика
Реализъм (в литературата и изкуството)- Реализъм в литературата и изкуството, правдиво, обективно отразяване на действителността със специфични средства, присъщи на един или друг вид художествено творчество. В хода на историческото развитие на изкуството Р. приема конкретни форми ... ...
Реализъм- I Реализмът (от късния латински realis real, реален) е идеалистично философско направление, което признава реалност, лежаща извън съзнанието, която се тълкува или като съществуване на идеални обекти (Платон, средновековни ... ... Голяма съветска енциклопедия
Книги
- Френски роман от 18 век. Френският разказ от 18 век е разнообразен по форма и съдържание, въплъщава всички литературни течения на епохата - просветителски реализъм, сантиментализъм, предромантизъм. В ... Купете за 260 рубли
- Чуждестранна литература. Наръчник за факултативен курс за ученици от VIII-X клас. Книгата обхваща широк кръг от явления в чуждестранната литература на Запада от античността до наши дни. Изборът на имената на писателите беше определен на първо място училищна програмаи програма...
Страница 11 от 27
Просвещенският реализъм като литературно движение: художествени принципи. Жанрова оригиналност
реализъм – поставя пред изкуството задачата за вярно възпроизвеждане на действителността.
Елементите на реализма възникват в руската литература между 1770 и 1790 г., едновременно в различни нейни части и по различни начини. Такава беше основната тенденция в развитието на руския естетически мироглед от онова време, подготвяйки го на първия етап - бъдещия етап на Пушкин. Той израсна от класицизма, взриви и принципите на класицизма.
Предшественикът на реализма, създаден от Пушкин, Фонвизин, направи повече от другите в тази посока – той за първи път постави въпроса за реализма като принцип, като система за разбиране на човека и обществото. Дълбоката постановка на проблема за реалистичното изобразяване на човек, възникнала въз основа на засилването на борбата на най-добрата част от руската благородна интелигенция с автократична тирания и диви форми на крепостничество, беше основната заслуга на Фонвизин и наистина голяма заслуга.
Относителното благополучие на светогледа на благородния либерализъм се срина по времето на въстанието на Пугачов. Преодоляването на този мироглед протича или по линията на изоставяне на дейността и оттегляне в сън, в живота на индивидуалното чувство, или по линията на разширяване и задълбочаване на протестната база. Всичко на света е лошо и е по-добре да бягаш от него, докато има къде да бягаш, - така решиха слабохарактерните. Политическото съществуване на Русия не е добро и е необходимо драстично да се промени в името на спасяването не само на благородството, но и на цялата страна, на целия народ и това трябва да се бори до последно - такова беше войнственото заключение на Фонвизин .
„Бригадир“. В комедията Ф. осмива варварството, глупостта, подлостта на благородството, непросветено от новата благородническа култура, освен това благородството на провинциалната и „фалшивата”, благородническа тълпа. Освен това комедията дискредитира модата за всичко западно, галомания, презрението на младите благородници към родината и езика си. По принцип задачата на комедията е възпитателна, Ф. се бори за култура, за „честта на своята класа“.
НО! Персонажите в комедиите на Ф. са схематизирани (черта на класицизма). В същото време задачата на художника е не толкова образът на отделните хора, а образът на обществените отношения, разбирани във връзка с идеалните норми на държавата, определящи съдържанието на личността само по критериите на това . Норми.
Радишчев. Той беше първият благороден революционер в Русия, който издигна глас в защита на потиснатите селяни и осъди крепостното право. То беше резултат от натрупването на силите на демократичната мисъл и се появи в зората на бъдещите революционни движения — декабристите, по възможно най-краткия път.
„Пътешествието от Санкт Петербург до Москва” е рупорът на народния протест и гняв, в най-малка степен пречупен през призмата на буржоазността поради специфичните руски условия.
Първата, основна задача на Пътешествието е борбата срещу крепостничеството: борбата срещу потисничеството на човека от човека като цяло. "П." - художествена творба, и Р. В редица изображения той се стреми да покаже грешността, ужаса, абсурда, варварството на крепостничеството. Именно призивът към народната поезия може да изиграе ролята на най-мощния импулс на реализма в изкуството; елементът на народното творчество, сближил писателя с народа, самата обективност на колективния опит, настанен във фолклора, реализмът на мирогледа и стила на фолклора, възникнал като истинско отражение на народния бит - всичко това даде на фолклора. изкуство силата на подкрепа и влияние, които биха могли да оплодят изкуството на "книгата" за начините за преодоляване на класицизма и в търсене на жизненост. Именно това разбиране за фолклора отличава Р. Създадените от него човешки образи са типологични не в рационалистично-класически смисъл, а в колективно социален, което не противоречи на индивидуалността на техните черти.
