Характеристики на европейската култура XVIIIвек
XVIII епохата обикновено се нарича епоха на абсолютната монархия, епохата на Просвещението, Галантната епоха. Всички тези имена са различни страни на един и същ културен процес, отразяващ формирането и развитието на буржоазната класа и процеса на секуларизация на европейската култура, започнал с Ренесанса.
В Европа това време се свързва с формирането на нови обществено-политически идеали. Франция най-накрая става законодател на модата, придворния етикет, стиловете в изкуството. Където е Париж, там има живот. Външна красота, красота - най-важният елемент на френската култура XVIII век. Развитието на модата, изкуството, всички аспекти на политическия и ежедневния живот на Франция е подчинено на желанието за красота. Въпреки факта, че в началото XVIII век международният престиж на Франция намаля значително, ролята й на законодател на модата остава непроменена. Наблюдава се забележимо разслоение на аристокрацията и буржоазията, които са основната крепост на френската монархия. Аристокрацията престава да участва в икономическия живот на страната и накрая се изражда в празна придворна каста. Френският двор се къпеше в атмосфера на придворни интриги, любовни афери, галантни тържества; чиято душа била мадам дьо Помпадур, любимката на краля. Моралът стана откровено разпуснат, вкусовете - причудливи, формите - леки и капризни. Тази среда всъщност издигна стила рококо в ранг, но всъщност тя подхвана и адаптира към своите вкусове това, което се носеше във въздуха на Европа. XVIII век. Франция се сбогуваше със своите класово-патриархални илюзии и стилът рококо се оказа достойна рамка за последния век от триумфа на френския абсолютизъм.
Рококо си е спечелил репутацията на лек стил в историята на изкуството. Външно подобна идея за това е съвсем естествена. Причудливо съчетава хедонизъм, ситост, откровена лекомислие, влечение към екзотичното, презрение към всичко разумно, градивно, естествено. Този стил обаче се характеризира и с изтънченост и изобретателност. Основната творческа сила на рококо е търсенето на нови пътища за повратна точка. Дори когато рококо изглежда като фантастична игра, вътрешно тя не нарушава здравия разум. Едно от най-големите постижения на рококо е установяването на жив контакт с публиката. Този несериозен, изискан, аристократичен стил постави началото на демократичната епоха на Просвещението. С отхвърлянето на патоса и героизма рококо даде тласък за развитието на едно ново изкуство, по-интимно и камерно, а следователно и по-лично, искрено. Изкуството се приближаваше към ежедневието, неговата мярка вече не беше героична изключителност, а обичайната човешка норма. Рококо доведе до нови естетически завоевания.
Това може да се види особено лесно в приложното изкуство. По своята същност рококо трябваше да намери в този свят на миниатюрни форми, толкова тясно свързани с ежедневието, елемента, от който се нуждаеше. Всичко, което заобикаля човек - мебели, съдове, декоративни тъкани, бронз, порцелан - сякаш е заразено с безгрижно и игриво настроение, което се създава от светлина и ярки цветове, лекота на формите, ажурни шарки на орнаменти, покриващи всичко и проникващи навсякъде.
В живописта рококо светлите нюанси на тона са фиксирани и изолирани като самостоятелни цветове. Те получават име в духа на "галантния" стил: "цветът на бедрото на уплашена нимфа", "цветът на изгубеното време". Произведенията на приложното изкуство, които заемат важно място в културата на рококо, също са оцветени с най-изтънчени цветове. Например художникът Ф. Баучер работи много в областта на декоративната живопис, прави скици за гоблени, за рисуване върху порцелан. Картините на Баучер вече не се подчиняват на законите на станковата живопис. Те стават предимно декоративни панели, интериорни декорации. Затова авторът се грижи не толкова за художествената цялост на платното, а за неговата външна ефектност и колоритност. Баучер успя да внесе в живописта всичко, което вкусът на публиката му изискваше: грация, чувственост, небрежна лекота, често хумор и винаги усещане за постоянен празник.
Ярък представител на стила рококо в живописта е А. Вато. Работата му най-добре показва какви човешки открития са били скрити в това уж „молец“ изкуство. Картините на Вато винаги са подчертано театрални. Пейзажът в тях наподобява декорация, а героите са разположени така, сякаш играят някаква мизансцена в пиеса. Основната тема на творчеството на Watteau е играта на любовта, елегантния флирт, театралното кокетство, работата за публиката. Тук няма шекспирови страсти, но има трогателна тъга, копнежът по отминаващото време присъства във фините, женствени образи на А. Вато, познавач на човешките души. Неговите картини, изобразяващи галантни тържества, звучат като елегия към отминалата епоха на съдебните излишни украшения.
Стилът рококо не заобиколи и архитектурата. Рококо замъците във въздуха бяха изкуствени и крехки, макар и много красиви. Аристократичният "бунт" срещу грубата реалност се отрази във факта, че естествената тектоника, свойствата на материалите и пропорциите бяха предпочитани атектоничност, различни от природата, пропорциите, законите на гравитацията бяха отхвърлени. В оформлението на сградите и външния вид на фасадите стилът на рококо не се появи много, тук линията на развитие от барок към класицизъм продължи, а влиянието на рококо е, че ордерните форми стават по-леки, грациозни, с нотки на интимност. Пример е Petit Trianon във Версай – малък дворец в дълбините на парка. Изцяло в духа на рококо са построени само павилиони, беседки и като цяло развлекателни и декоративни структури. И основната сфера на рококо в архитектурата беше подреждането на интериора. Много често сгради със строг ред на фасадите, като имението Субиз в Париж, се оказват царството на старинния рокайл вътре.
Френският абсолютизъм създава специални форми на придворен ритуал, церемониалност, уважение към етикета, галантност (от френското „gala“ – тържествен, великолепен). Тези форми са получили широко разпространение в различни сфери на живота, включително в отношенията между мъж и жена. Имаше предизвикателно уважително отношение към дамата с някои еротични нюанси. Той се превърна в мода, символ на добрия вкус, култивиран в различни кръгове на френското благородство и буржоазия.
Трудно е да се надцени влиянието на рококо върху модата. AT XVIII век идеалът за мъжка и женска красота се формира под влиянието на законите на рокайла. Всичко губи величие, става грациозно, кокетно и грациозно. Еволюцията върви в посока на все по-голяма финес, изтънченост и мъжът губи чертите на мъжествеността, става женствен. Слага елегантни ръкавици на ръцете си, избелва зъбите си, изчервява лицето си. Мъжът ходи и се вози в инвалидна количка възможно най-малко, яде лека храна, обича удобните столове. Не искайки да изостава от една жена в нищо, той използва фин плат и дантела, обесва се с часовници, украсява пръстите си с пръстени.
Жената рококо е пикантна, крехка и грациозна. Тя трябва да има външен вид като кукла; върху лицето се нанася слой бяло и руж, косата се поръсва с пудра, черните мухи открояват белотата на кожата, талията се стяга до невъобразими размери и контрастира с огромния блясък на полите. Жената стои на високи токчета и се движи много внимателно. Тя се превръща в някакво капризно изтънчено същество, екзотично цвете. За да се създаде такъв външен вид, се разработва специална походка и жестове. В такъв костюм могат да се танцуват само определени танци, специално създадени за тази цел. И затова менуетът се превръща в любимия официален танц на епохата. Мястото на красивото и възвишеното е заето от очарователното, превръщайки се в новия идол на епохата. В крайна сметка красивото може да бъде величествено, очарователното – никога.
Основният атрибут на онова време русата перука е нарочно изкуствена - не имитира естествен косъм, рамкира лицето, като рамка за картина, като маска - лицето на актьор. В бели перуки, напудрени и изрусени, всички изглеждат изключително млад. Придворният стил на рококо предизвикателно пренебрегва старостта. Само младостта се естетизира, дори детството, всичко младо се привлича. Появява се нов идеал за красота, свързан с изискано чувствено удоволствие. Голотата на жената отстъпва място на пикантна полуголота, пораждаща мистерия и мрачни фантазии.
Флиртът е най-популярното забавление на празната аристокрация. Моралът става все по-свободен, а добродетелта, вярността, целомъдрието изглеждат скучни и предизвикват подигравки. Порокът е идеализиран в духа на култа към удоволствието. Всички груби, опасни, силни и дълбоки чувства, включително ревността, се елиминират съзнателно. Сред атрибутите на любовните игри са мухи, ветрила, маски, шалове. Вентилаторът, например, се превръща в постоянен спътник на жена, в най-важния предмет на светската употреба. Той й позволява или да скрие чувствата и настроението си, или специално да ги подчертае. Вентилаторът служи като "галантна броня", без него жената се чувства беззащитна. В салоните от онова време флиртува публично, открито. Флиртът е органично включен в ежедневието. Законите на рицарството изискват способността да се намират невинни изрази, когато се обсъждат най-неприличните теми, а висшето общество се забавлява с тези разговори.
Институцията на брака не беше свързана с прокламирания култ към удоволствието. Бракът е бизнес начинание, бизнес сделка. Това се доказва и от обичайната практика на ранни бракове за благородниците и върховете на буржоазията. Момиче, което е навършило 15 години, вече е булка, а често и съпруга. Булката и младоженецът се срещнаха за първи път малко преди сватбата или дори предния ден. Преди брака момичетата се държаха и отглеждаха в някаква образователна институция, като правило, в манастир. Те са взети от там точно преди сватбата. Разорението на благородството поражда ново явление – мизалианс, неравен брак между представители на благородството и паричния капитал.
Рококо донесе със себе си не само сладост и причудливост. Освободи се от риторичната бомба и отчасти реабилитира естествените чувства, макар и в балетно и маскарадно облекло. Рококо е по-нататъшно движение на европейската култура към реализъм, въплъщаващо естественото човешко желание за красота и комфорт, за състоянието на влюбеност.
Рококо обаче не беше единственият стил XVIII век. Един от най-ярките художници от онова време - Ж.-Б. Шарден. Неговото творчество се различава от творбите на майсторите на рококо както по стил, така и по съдържание. Работи върху натюрморти, битови сцени – жанрове, базирани на наблюдения и директна работа с природата. Шарден с право се смята за създател на нов жанр, базиран на сцени от ежедневието на скромно буржоазно семейство. Основните характеристики на този жанр са автентичност и простота. Художникът внася в домашните сцени интимна лирика, спонтанност, свободна грация, неограничена простота – всичко, което се смята за откритие. XVIII век. Героите на Шарден са добродетелни и благочестиви хора („Молитва преди вечеря“, „Завърнал се от пазара“). От 50-те години на миналия век натюрмортът се превръща в основен жанр на Шарден. Натюрмортът с атрибутите на изкуството (1766) съдържа аксесоарите на художника от Просвещението: палитра с четки, хартия, измервателни уреди, книги (художникът трябва постоянно да се учи), копие на скулптурата от Ж.-Б. . Пигаля. Всичко това създава представа за художника от онова време, живеещ в свят на високи идеали и в същото време способен да отразява реалния свят.
Истинско обновяване на портретния жанр извършва М.-К. Латур. Той не само не се чувства аристократ, но се държи независимо и смело с тях. Единственото важно за него е истинското чувство за живот и точността на характеристиката. Неговите герои почти никога не остават сами със себе си, не издават тайните си настроения и мисли. Те се харесват на зрителя, но винаги остават далеч от него. Не искат да му признаят нищо. Но с всичко това те са безкрайно по-слаби, по-интелигентни, по-многостранни от онези лица, които изглеждат от портретите на Ф. Баучер.
Появата във Франция на живопис от такива новатори като Латур или Шарден не може да бъде разбрана, без да се позовават на промените, настъпващи в духовния живот на френското общество. Този период и мощните движението на мисълта е наречено Просвещение. Беше нареченокъм живота като нарастващ раздор между цялата социална структура на Франция, която продължава да поддържа монархически, феодални, религиозни традиции и онези спонтанни исторически процеси, които водят страната напред. Старият режим, неговите закони, култура и нрави са изправени пред широко разпространена обществена съпротива.
Теоретичната основа на философията на просвещението е положена от английския философ Ф. Бейкън. Той създава нова теория на познанието, според която знанието възниква от наблюдение и опит. Той твърди, че чрез наблюдения и експерименти, както и философските обобщения, произтичащи от тях, човек може да натрупа полезни знания. За да направите това, е необходимо да се отървете от догмите, предразсъдъците и други идоли на средновековната феодална култура по метода на "систематично съмнение". Р. Декарт прави „метода на съмнението“ отправната точка на познанието. Той оприличи съзнанието на празна дъска, върху която познаващият субект записва понятия, проверени от собствения му ум. В този смисъл Декарт е основателят на съвременния рационализъм. Третият предшественик на Просвещението е английският лекар Д. Лок. Той също така твърди, че съзнанието е празен лист.
Но именно във Франция Просвещението получава най-пълното и радикално изражение. Освен това Просвещението често се определя като феномен на френското национално съзнание. Просветителите излагат идеята за еманципация на личността. Те се придържаха към теорията за рационалния егоизъм, егоизма (Холбах, Хелвеций, Дидро). Можем да кажем, че те първи поставиха проблема за човека в съвременния смисъл: проблема за човека като личност, която осъзнава собствената си особеност.
Подлагайки всичко на критика, просветителите търсеха абсолютно, непоклатимо начало. Те намират такава опора в човешката природа, стояща над историята. Всичко се променя, но остава същото. Идеалът на Волтер е красива, интелигентна, цивилизована природа. Този идеал е един и същ за всички времена и народи, въпреки разликата в обичаите, законите и обичаите. Единни и универсални морални принципи Волтер нарича "естествени закони". Волтер се стреми към просветена монархия. Като цяло Волтер е една от най-важните, ключови фигури на френското Просвещение. Той не беше атеист като Дидро. Въпреки това Волтер признава Бог по-скоро като морална сила, способна да смекчи морала и да задържи масите в рамките на обществения морал. През 60-те години, наред с идеята за просветена монархия, Волтер излага идеала за републиката като най-разумната форма на управление („Републиканска идея“).
Волтер, подобно на повечето просветители, въплъщава своите философски идеи в художествена форма. Той вижда в изкуството средство за преобразуване на света, като подчертава неговата дидактическа насоченост. От негова гледна точка изкуството е продукт на цивилизацията, която просветителите разбират като противоположност на невежеството и варварството, творение на човешкия дух. Волтер смята, че източникът на красотата е формата, в която е въплътена волята на художника. При видима свободна воля формата предполага строга система от правила под формата на даден ритъм, рима, лексикални, стилистични и други норми. В художника Волтер оценява артистичността, виртуозността и умението. Оттук и желанието на Волтер за категорията вкус като особено естетическо чувство. Лошият вкус възниква там, където е нарушен балансът между природата и културата. Съответно, лошият вкус възниква в епоха на упадък, в цивилизация, която се е отдалечила от природата. Волтер оценява класицизма, който връща чувството за пропорция на изкуството. Идеалът на Волтер е разумна, цивилизована природа.
Волтер отрежда специална роля на театъра, в който вижда платформа за насърчаване на нови идеи, мощно средство за образование, училище за морал. Всъщност Волтер е дал на театъра важната роля, която е играл в древността. Говорейки за идеалния театър, от който се нуждаят съвременниците, Волтер призовава за съчетаване на принципите на английския с култа към страстите на Шекспир и френския театър с неговия култ към разума и чувството за мярка. Една от най-важните категории на естетиката на Волтер е правдоподобността: изобразеното трябва да отговаря на естествения здрав разум, на универсалните закони на разума. Но изискването за правдоподобност - тоест само подобието на истината, видимостта й - включва създаването на художествена илюзия, която Волтер разбира по-широко от Дидро, който предполага, че всичко, което разказва, не е измислица, а истина история. За Волтер илюзията е в самата природа на изкуството, е задължително условие за красота. Условието на красотата е комбинацията от взаимно изключващи се неща: впечатлението за лекота и свобода при стриктно спазване на правилата.
Д. Дидро е следващият голям представител на Просвещението. Той излага идеята за самодвижението на природата, което не се нуждае от създател. Всъщност това е идеята за спонтанно зараждане на живот. Дидро, за разлика от Волтер, категорично не признава религията и по етични причини. За разлика от християнската етика, той отстоява естествен морал, основан на хармонията на лични и обществени интереси.
Поставяйки идеята за отношенията като основа на теорията за красотата, Дидро разширява обхвата на изкуството. От тази гледна точка не само творението на човека, но и всяко явление на природата може да стане предмет на художествен образ, при условие че е осмислено в отношението си към цялото, че събужда в човека образа на това цяло. .
Дидро определя красивото в изкуството като съответствие между образа и обекта, но това съответствие винаги е условно, защото е субективно. Ако напълно копирате темата, смисълът на творчеството се губи. Следователно, от гледна точка на Дидро, велик човек не е този, който казва истината, а този, който умее да съвместява истината с художествената фантазия. Нека си припомним великия Сократ, който изобразяваше хората в своите трагедии такива, каквито трябва да бъдат. Дидро също така подчерта, че пълната и пряка имитация на природата поражда нещо изключително конвенционално, далеч от естествения прототип. За да създадете илюзията за реалност, вече не се нуждаете от гений, а от наличието на вкус, умението да се отвърнете от реалността във времето. Противопоставянето на вкус и гений е очертано още от Волтер, който отрежда водещата роля в художественото творчество изобщо на вкуса. В крайна сметка вкусът е резултат от труда и опита на много поколения, от една страна, и прякото усещане, идеала, от друга. Въпреки това Дидро се стреми към хармонията на вкуса и гения, културата и природата, традицията и иновацията. Изкуството трябва да отразява природата и в същото време да се откроява от нея, това е магията на изкуството, способна да превърне най-отвратителния предмет в нещо красиво.
Изкуството, от гледна точка на Дидро и френските просветители като цяло, е призвано да възпитава свободен просветен човек, подобно на древногръцката трагедия, следователно той има специална, съдбовна роля. В крайна сметка природата не е нито добра, нито зла, тя е лишена от човешка субективност. В изкуството, напротив, властва разумната воля на художника, основана на присъщата му система от ценности. Въз основа на гореизложеното Дидро смята, че трагедията трябва да бъде заменена от жанра на дребнобуржоазната драма, връзката между автора и публиката трябва да стане подобна на връзката между учител и ученик.
J.-J. Русо е най-радикалният френски просветител. В първия си трактат „Дискурс за това дали развитието на науките и изкуствата е допринесло за пречистването на морала?“ Русо отбелязва пагубното влияние на културата върху нравствения живот на човечеството. Цивилизацията е отучила човека да чувства искрено, доведе до падане на гражданската доблест. Негов идеал е аскетичната Спарта. Според Русо човечеството чрез кървави изпитания ще стигне до истината и щастието.Учението на Русо за естествения и чист морал тогава е много популярно и то не само сред третото съсловие, но и сред аристократите. Неговият морален и естетически идеал е въплътен в романа "Нова Елоиза" - ярък пример за сантиментална проза XVIII век. Книгата на Русо е манифест на свободата на чувствата, която не се определя от социалното положение на човека. Силно е влиянието на възгледите на Русо върху Н. М. Карамзин, А. Н. Радишчев, Пушкин, Ф. М. Достоевски, Л. Н. Толстой.
Просветителите смятали разума и общото просвещение за предпоставка за постигане на щастлива общност. Техните идеи подготвят френската буржоазна революция, но известните лозунги „Свобода, равенство, братство“ така и не се материализират. Епохата на разума приключи и в предстоящата духовна криза се появиха нови доминанти. Романтизмът, който замени класицизма, провъзгласи приоритета на чувството.
Дълбоките промени в обществено-политическия и духовния живот на Европа, свързани с възникването и развитието на буржоазните икономически отношения, определят основните доминанти на културата на 18 век. Специалното място на тази историческа епоха се отразява и в епитетите, които получава: „епохата на разума“, „епохата на Просвещението“. Секуларизацията на общественото съзнание, разпространението на идеалите на протестантството, бързото развитие на естествените науки, нарастващият интерес към научното и философското познание извън кабинетите и лабораториите на учените – това са само някои от най-значимите признаци на времето. 18-ти век гръмко се заявява, предлагайки ново разбиране за основните доминанти на човешкото съществуване: отношението към Бога, обществото, държавата, другите хора и в крайна сметка ново разбиране за самия Човек.
Епохата на Просвещението с право може да се нарече „златният век на утопията“. Просвещението включва предимно вяра в способността да се промени човек към по-добро, "рационално" трансформиране на политическите и социалните основи. Приписвайки всички свойства на човешката природа на влиянието на околните обстоятелства или околната среда (политически институции, образователни системи, закони), философията на тази епоха подтикна към размисъл върху такива условия на съществуване, които биха допринесли за триумфа на добродетелта и всеобщото щастие. Никога досега европейската култура не е създавала толкова много романи и трактати, описващи идеалните общества, начините на тяхното изграждане и установяване. Дори в най-прагматичните писания от онова време се виждат чертите на утопията. Например, известната „Декларация за независимост“ включва следното твърдение: „Всички хора са създадени равни и са надарени от Създателя с определени неотменими права, включително правото на живот, свобода, стремеж към щастие“.
Ръководството за създателите на утопии от 18-ти век е „естественото” или „естественото” състояние на общество, което не познава частната собственост и потисничеството, разделението на имения, не се удавя в лукс и не е обременено от бедност, не е засегнато от пороци, живеещи в съответствие с разума, а не по „изкуствени” закони. Това беше изключително измислен, спекулативен тип общество, което според видния философ и писател на Просвещението Жан Жак Русо може би никога не е съществувало и което най-вероятно никога няма да съществува в действителност. Идеалът за социална структура, предложен от мислителите от 18-ти век, е използван за смачкване на съществуващия ред на нещата.
Видимото въплъщение на „по-добрите светове“ за хората от Просвещението са градините и парковете. Както в утопии, те изграждат свят, който е алтернативен на съществуващия, съответстващ на тогавашните идеи за етичните идеали, щастлив живот, хармонията на природата и човека, хората помежду си, свободата и самодостатъчността на човешка личност. Особеното място на природата в културната парадигма на 18 век се свързва с провъзгласяването й за източник на истината и главен учител на обществото и всеки човек. Подобно на природата като цяло, градината или паркът се превръщат в място на философски разговори и размишления, култивиращи вяра в силата на разума и възпитаване на възвишени чувства. Паркът на Просвещението е създаден с възвишената и благородна цел - да създаде перфектна среда за перфектен човек. „Вдъхновявайки любовта към нивите, ние вдъхновяваме добродетелта” (Делил Дж. Сади. -Л., 1987. С. 6). Често като допълнение към парка са били включени утилитарни сгради (например млечни ферми), които обаче изпълняват съвсем различни функции. Най-важният морален и етичен постулат на Просвещението – задължението за труд – намира видимо и реално въплъщение, тъй като представители на управляващите къщи, аристокрацията и интелектуалния елит се отдават на грижите за градините в Европа.
Парковете на Просвещението не бяха идентични с природата. Техните дизайнери подбраха и сглобиха елементите на истинския пейзаж, които им се струваха най-съвършени, като в много случаи го променяха изцяло в съответствие с техния план. В същото време една от основните задачи беше да се запази "впечатлението за естественост", усещането за "дива природа". Композицията на паркове и градини включваше библиотеки, художествени галерии, музеи, театри, храмове, посветени не само на боговете, но и на човешките чувства - любов, приятелство, меланхолия. Всичко това осигури прилагането на просветителските идеи за щастието като „естествено състояние“ на „естествен човек“, чието основно условие беше завръщането към природата.
Като цяло художествената култура на 18-ти век може да се разглежда като период на разбиване на грандиозната художествена система, изградена през вековете, в съответствие с която изкуството създава специална идеална среда, модел на живот, по-значим от истински, земен живот на човек. Този модел превръща човека в част от по-висш свят на тържествен героизъм и висши религиозни, идеологически и етични ценности. Ренесансът замени религиозния ритуал със светски, издигна човек на героичен пиедестал, но все пак изкуството му диктува свои собствени стандарти. През 18 век цялата тази система е преразгледана. Ироничното и скептично отношение към всичко, което се е смятало за избрано и възвишено преди, превръщането на възвишените категории в академични модели премахна ореола на изключителността на феномените, почитани като примери от векове. За първи път пред художника се открива възможността за безпрецедентна свобода на наблюдение и творчество. Изкуството на Просвещението използва старите стилистични форми на класицизма, отразявайки с тяхна помощ съвсем различно съдържание.
Европейското изкуство от 18-ти век съчетава два различни антагонистични принципа. Класицизмът означаваше подчинение на човек на социалната система, развиващият се романтизъм се стреми към максимално укрепване на индивидуалния, личен принцип. Класицизмът на 18-ти век обаче се променя значително в сравнение с класицизма от 17-ти век, отхвърляйки в някои случаи една от най-характерните черти на стила - древните класически форми. В допълнение, "новият" класицизъм на Просвещението, в самото си ядро, не беше чужд на романтизма. В изкуството на различни страни и народи класицизмът и романтизмът понякога образуват един вид синтез, понякога съществуват във всякакви комбинации и смеси.
Важно ново начало в изкуството на 18-ти век е появата на тенденции, които нямат собствена стилистична форма и не изпитват нужда да я развиват. Такова основно културологично направление беше преди всичко сантиментализмът, който напълно отразяваше просветителските идеи за изначалната чистота и доброта на човешката природа, изгубени заедно с първоначалното „естествено състояние” на обществото, неговото отдалечаване от природата. Сантиментализмът беше насочен предимно към вътрешния, личния, интимен свят на човешките чувства и мисли и следователно не изискваше специален стилистичен дизайн. Сентиментализмът е изключително близък до романтизма, възпятият от него „естествен” човек неизбежно преживява трагедията на сблъсък с природни и социални елементи, със самия живот, който подготвя големи катаклизми, предчувствието на които изпълва цялата култура на 18 век. .
Една от най-важните характеристики на културата на Просвещението е процесът на изместване на религиозните принципи на изкуството от светски. Светската архитектура през 18 век за първи път взема предимство пред църковната в почти цяла Европа. Очевидно е нахлуването на светския принцип в религиозната живопис на онези страни, където преди това е играл основна роля - Италия, Австрия, Германия. Жанровата живопис, отразяваща ежедневните наблюдения на художника върху реалния живот на реални хора, става широко разпространена в почти всички европейски страни, като понякога се стреми да заеме основното място в изкуството. Церемониалният портрет, толкова популярен в миналото, отстъпва място на интимен портрет, а в пейзажната живопис се появява и разпространява в различни страни т. нар. „пейзаж на настроението“ (Уато, Гейнсбъро, Гуарди).
Характерна особеност на живописта от XVIII век е повишеното внимание към скицата не само сред самите художници, но и сред ценителите на произведенията на изкуството. Личното, индивидуално възприятие, настроение, отразени в скицата, понякога се оказват по-интересни и предизвикват по-голямо емоционално и естетическо въздействие от готовата работа. Рисунката и гравирането се ценят повече от картините, защото установяват по-пряка връзка между зрителите и художника. Вкусовете и изискванията на епохата също промениха изискванията за цвета на картините. В произведенията на художниците от 18-ти век декоративното разбиране за цвета се засилва, картината трябва не само да изразява и отразява нещо, но и да украсява мястото, където се намира. Ето защо, наред с финеса на полутоновете и деликатността на цветовата схема, художниците се стремят към многоцветност и дори пъстрота.
Продуктът на една чисто светска култура на Просвещението е стилът рококо, който получава най-съвършеното въплъщение в областта на приложното изкуство. То се проявява и в други области, където художникът трябва да решава декоративни и дизайнерски задачи: в архитектурата - в планирането и декорирането на интериора, в живописта - в декоративните пана, стенописи, паравани и др. Архитектурата и живописта на рококо са фокусирани предимно върху създаването комфорт и благодат за човека, който ще съзерцава и се наслаждава на техните творения. Малките стаи не изглеждат тесни благодарение на илюзията за „пространство за игра“, създадена от архитекти и художници, които умело използват различни художествени средства за това: орнамент, огледала, пана, специални цветове и др. Новият стил се превърна на първо място в стилът на бедните къщи, в който с няколко трика той внесе духа на уюта и комфорта без подчертан лукс и помпозност. Осемнадесети век въвежда много предмети от бита, които носят комфорт и спокойствие на човек, предупреждавайки неговите желания, правейки ги в същото време предмети на истинско изкуство.
Привличането на визуалните изкуства към забавното, повествователното и литературното обяснява сближаването му с театъра. 18-ти век често се нарича „златният век на театъра“. Имената на Мариво, Бомарше, Шеридан, Филдинг, Гоци, Голдони представляват една от най-ярките страници в историята на световната драма. Театърът се оказа близък до самия дух на епохата. Самият живот отиде на среща с него, предлагайки интересни сюжети и конфликти, изпълвайки старите форми с ново съдържание. Секуларизацията на обществения живот, лишаването на църковния и придворния ритуал от предишната му святост и помпозност доведоха до тяхното своеобразно „театрализация”. Неслучайно именно през епохата на Просвещението известният венециански карнавал става не просто празник, а именно начин на живот, форма на живот.
Понятието „театър”, „театралност” също се свързва с понятието „публичност”. През епохата на Просвещението в Европа се организират първите публични изложби – салони, които представляват нов вид връзка между изкуството и обществото. Във Франция салоните играят изключително важна роля не само в живота на интелектуалния елит, художниците и зрителите, ценителите на произведенията на изкуството, но и се превръщат в място за спорове по най-сериозните въпроси на държавната система. Дени Дидро - изключителен мислител от XVIII век - на практика въвежда нов жанр на литературата - критични прегледи на салони. В тях той не само описва определени произведения на изкуството, стилове и тенденции, но и, изразявайки собственото си мнение, стига до интересни естетически и философски открития. Толкова талантлив, безкомпромисен критик, който играе ролята на „активен зрител“, посредник между художника и обществото, понякога дори диктуващ определен „социален ред“ на изкуството, е продукт на времето и отражение на самото същността на просветителските идеи.
Музиката заема важно място в йерархията на духовните ценности през 18 век. Ако изящните изкуства на рококо се стремят преди всичко да украсяват живота, театърът - да изобличава и забавлява, то музиката на Просвещението поразява човек с мащаба и дълбочината на анализ на най-скритите кътчета на човешката душа. Променя се и отношението към музиката, която през 17 век е била само приложен инструмент за влияние както в светската, така и в религиозната сфера на културата. Във Франция и Италия през втората половина на века процъфтява нов светски вид музика – операта. В Германия и Австрия се развиват най-"сериозните" форми на музикални произведения - ораторията и литургията (в църковната култура) и концертната (в светската култура). Върхът на музикалната култура на Просвещението, без съмнение, е дело на Бах и Моцарт.
Не, няма да забравите, векът е луд и мъдър! ..
A.N. Радишчев
В поредица от векове на европейската история 18 век заема специално място. Имаше времена на по-грандиозни постижения, но нямаше епоха по-завършена като стил, повече, така да се каже, „цяла“. Известният изкуствовед Н. Дмитриева го нарича последния век на господство на аристократичната култура. Оттук и нейното изтънченост и тази „стилност“, понякога в ущърб на дълбочината. И в същото време това е ерата на установяване на нови ценности в живота на европейците, ценности, които са живи и днес и които всъщност определят сегашното лице на европейската цивилизация.
Под мелодичните звънци на клавесини и арфи се случиха няколко революции едновременно в живота, главите и сърцата на европейците, от които само две обикновено наричаме истински „революции“: Великата френска революция и войната за независимост на Съединените щати. Америка. Междувременно те поставят само точки в изреченията, които миришеха на кръв и барут, които Европа усърдно пишеше през целия 18 век.
И така, първо малко за революциите.
Революция на масите
Основното постижение на "XVIII век" е, че той по същество сложи край на глада в основните страни на Европа. Нека „хлебните бунтове“ в Париж не ни притесняват наистина: по-често те се бунтуваха заради липсата или високата цена на вече познатия бял хляб. Така че лекомислената фраза на Мария Антоанета („Ако хората нямат хляб, нека ядат сладкиши“) донякъде не е толкова несериозна. Да, имаше прекъсвания в доставките на хляб в големите градове, но по отношение на абсолютен глад Европа се отдръпна напълно в самото начало на 18-ти век, когато по време на неуспех на реколтата на масата дори се сервира черен хляб на мадам Ментенон.
През 18-ти век европейското меню се промени драстично. Старата триада (хляб - месо - вино) се допълва от нови продукти: картофи, царевица, спанак, зелен грах, чай, кафе и шоколад (които стават все по-популярни деликатеси). Да, и бившите три "кита" от европейската диета значително променят "лицето си". От средата на 18-ти век във Франция ръженият хляб е заменен с пшеничен хляб в мляко (известните „френски кабини“ са донесени в Европа на своите щикове от войниците на Наполеон).
С подобряването на животновъдството пазарът на месо постепенно се насища, изключително ограничен от мощното нарастване на населението през предходните три века. Разбира се, за повечето европейци месото все още не се предлага в най-полезната форма: под формата на солонина и всякакви пушени меса. С рибата обаче беше още по-трудно: казаха, че бедните могат да се насладят само на аромата на прясна риба.
И накрая, климатът и вкусовите предпочитания също определят характеристиките на консумацията на алкохолни напитки. Юг и югозапад на Европа избраха вино, север и северозапад - бира, а най-смелият и студен североизток - разбира се, водка.
Притокът на захар (най-общо казано, макар и много скъп) направи възможно събирането на плодове и плодове (и витамини за зимата) за бъдещето. Вярно е, че в началото на 18-ти век сладкото все още беше толкова рядък и ценен продукт, че парижаните например го подариха на Петър Велики.
Всички тези на пръв поглед чисто кулинарни иновации направиха истинска революция. Достатъчно е да се каже, че Великобритания, която не е познавала недостига на месни продукти, дължи много на този мощен прираст на населението през 18-ти век – без който всъщност Британската империя нямаше да се случи. А любовта на американските колонисти към чая доведе до възмущението им от повишаването на митата върху чая, въведени от английските официални лица (т.нар. „Бостънско чаено парти“). Образно казано, Съединените американски щати са родени от чаша разлят чай.
Революцията на масите придвижи напред развитието на обществото. Без него Европа и Северна Америка нямаше да станат хегемон на останалия свят през 19 век.
(Между другото, 18-ти век се сблъсква с поднасянето на европейската трапеза, което е значително улеснено от производството на порцелан, гурмето вместо лакомия и повишаването на хигиенните стандарти. Правилата за поведение на масата, ястията и приборите за хранене дойдоха при нас (поне на нивото на банкети в посолства и ресторанти) от там - от "XVIII век").
Революция в ума
18-ти век обикновено се нарича епохата на Просвещението, въпреки че самата тази дума е твърде бавна и приблизително определя процесите, протичали в съзнанието на европейците между 1700 и 1804 г. (посочвам годината на смъртта на И. Кант).
Европейските мислители скъсват с теологията и разграничават сферата на собствената философия от естествените науки. Според Нютоновата механистична картина на света Бог е необходим само като този, който даде първия тласък на развитието на природата, а след това светът се отдръпна от него съвсем отделно.
18-ти век е векът на практикуващите, поради което мислителите не се задоволяват с празни схоластични спекулации. Критерият за истината е опитът. Всеки патос и реторика изглеждат неуместни при всякакви обстоятелства. Умирайки от рак, маркизата, на която Русо е служил, отделя газове, заявява, че жена, способна на такова нещо, все още ще живее и дава душата си на Бог, може да се каже, с дръзка небрежна усмивка.
Философите се възхищават на съвършенството на света (Лайбниц) и безмилостно го критикуват (енциклопедисти), възпяват възхвала на разума и прогреса на цивилизацията (Волтер) и обявяват прогреса и разума за врагове на естествените права на човека (Русо). Но всички тези теории сега, на разстояние от години, не изглеждат взаимно изключващи се. Всички те се въртят около човек, неговата способност да разбира света около себе си и да го трансформира в съответствие с неговите нужди и представи за „най-доброто“.
В същото време много дълго време философите са убедени, че човек е разумен и добър по природа, че само „обстоятелствата” са виновни за неговите нещастия. Грамотността и картофите се садят от самите монарси. Общото настроение на европейската философия от 18 век може да се нарече „предпазлив оптимизъм“, а лозунгът й е призива на Волтер към всеки „отглеждайте своя градина“.
Уви, кървавите ужаси на Френската революция ще принудят благосклонната заблуда на философите да бъде радикално преразгледана - но това ще стане още през следващия век. Но чисто европейската идея за индивидуалните права ще се утвърди тогава, през 18 век, като най-основна ценност.
Революция в сърцата
„Епохата на разума“ не би се състояла в целия си блясък без революция в сърцата. Човекът постепенно се еманципира, осъзнава вътрешния си свят като важен и ценен. Емоционалният живот на европейците става все по-богат и по-изискан.
Безсмъртно доказателство за това е великата музика от 18-ти век, може би едно от най-високите постижения в историята на човечеството.
Забележителният френски композитор от началото на 18 век Ж.Ф. Рамо е първият, който формулира присъщо ценната роля на музиката, която преди се е смятала само за помощно средство за словото. Той пише: „За да се насладим истински на музиката, трябва напълно да се разтворим в нея” (цит. по: G. Koenigsberger, стр. 248).
Музиката изразяваше емоциите на времето много по-точно и по-фино от цензурираната дума, скована от конвенции. За образования европеец това се превърна в спешна нужда. В библиотеките на чешки и австрийски замъци, наред с книгите, по рафтовете се тълпят музикални папки: музикалните новости се четат тук от листа, като вестници - и също толкова нетърпеливо!
Музиката от 18-ти век все още е пълна с маса от условности, дадени формули. Именно присъствието на тези общи места позволява на композиторите да бъдат толкова плодотворни (над 40 опери от Г. Ф. Хендел, повече от 200 концерта за цигулка от А. Вивалди, повече от 100 симфонии от И. Хайдн!) В същото време е все още толкова демократично, че дори дава шанс и аматьори: Ж.Ж. Русо композира опера, която има успех в двора, а самият крал, ужасно ненастроен, пее от там любимата си ариета.
Музиката на 18 век е тясно свързана с бита и ежедневието. Бах се надяваше, че неговата свещена музика може да бъде изпълнена от хора на енориашите в църквата, а най-обичаният домашен танц, менуетът, се превърна в неразделна част от всяка симфония до ерата на Бетовен.
Всяка страна през 18-ти век осъзнава своята идентичност чрез музиката. немски G.F. Хендел донесе великолепната италианска оперна серия в мъгливия Лондон. Но древните истории изглеждаха на британската публика твърде абстрактни и безжизнени. Практически без да променя музикалната форма, Хендел пристъпва към създаване на оратории - които са като че ли едни и същи опери, но само в концертно изпълнение, докато са написани на истории от Библията, които слушателите са преживели страстно. И най-широката публика отговаря с ентусиазъм на това - духовните оратории на Хендел се превръщат в национално богатство, тяхното изпълнение се превръща в патриотични прояви.
Резултатът от музикалното развитие на 18-ти век е работата на V.A. Моцарт. Блестящият австриец въвежда нова тема в музиката – темата за съдбата на своя създател, тоест представя личността на съвременника с неговите прости и неотложни желания, радости и страхове. „По принцип човекът е Божие създание“ благодарение на това в музиката той се превръща в човек от определена епоха, придобива чертите на истинска личност и съдба
Революция в маниерите
Едно строго йерархично феодално общество винаги обръща специално внимание на етикета. Това е средство за подчертаване на статута (подреденото неравенство) на социалната позиция.
Разбира се, етикетът продължава да доминира в отношенията между хората през 18 век. Посланиците забавят представянето на акредитивните писма, ако документите не пристигнат навреме, за да потвърдят, че благородството им датира поне от 14-ти век. В противен случай по време на церемонията по представянето във Версай кралят няма да може да прегърне и целуне жената на посланика, а само да я поздрави! Етикетът господства в умовете на придворните до такава степен, че някои от тях съвсем сериозно уверяват, че Френската революция е избухнала, защото Некер, генералният инспектор на финансите, се яви на краля с обувки с лъкове, а не с катарами!
Самите монарси обаче вече са доста уморени от всички тези условности. Луи Петнадесети се крие от оковите на етикета в будоарите на своята любима Екатерина Велика в нейния Ермитаж, а Мария Антоанета не може да глътне дори парче на традиционната публична кралска трапеза и се насища след това, вече сама.
Съдът се противопоставя на салона, аристократичен и буржоазен, където собствениците и гостите общуват накратко. Тонът се задава от най-авторитетните личности. Регентът на Франция Филип д'Орлеански-младши провъзгласява по време на оргиите си: "Тук е забранено всичко освен удоволствието!"
Но ледника на феодалния етикет се топи бавно и неравномерно. През далечната 1726 г. лакеите на благороден лорд могат да бият с тояги модния автор дьо Волтер за дързък отговор на своя господар. Още през 1730 г. църквата може да откаже да погребе известната актриса Адриен Лекуврьор (въпреки факта, че е била любовница на маршала на Франция), тъй като приживе тя се е занимавала с „срамния занаят на лицемер“.
Но двадесет години по-късно, в същата Франция, статутът на художника се променя - художникът буквално ще принуди краля да уважава човешкото си достойнство. И беше така. Обиден от Луи Петнадесети, известният майстор на пастелния портрет Латур дълго време отказва да увековечи маркиза дьо Помпадур. Когато успяла да убеди капризните, художникът се съблече пред нея почти до ризата. По време на сесията царят влезе. — Как, мадам, вие ми се заклехте, че няма да ни безпокоят! Латур извика и се втурна да събира пастелите. Кралят и господарят му едва убедиха пастелния виртуоз да продължи сеанса.
Разбира се, във феодалното общество всичко се определя от ранга, а не от таланта. Моцарт пише, че на масата на Залцбургския архиепископ неговото място е по-високо от лакей, но по-ниско от готвач. Но по това време вече буржоазна Англия погребва „актьора“, големия актьор Д. Гарик, в Уестминстърското абатство!
Кризата на феодалното общество поражда нова представа за човека. Сега идеалът не е феодал или придворен благородник, а частно лице, "добър човек" във Франция, джентълмен в Англия. До края на века в тези страни не благородството, а успехът, талантът и богатството определят статуса на индивида в обществото.
Ето един типичен анекдот по темата. Наполеон мразеше композитора Керубини. Веднъж, на прием в двореца, след представянето на всички присъстващи, императорът отново предизвикателно попитал за името на „този господин“. — Все още Керубини, сър! - остро му отговори маестрото.
В други страни еманципацията на индивида ще отнеме почти половината от следващия век.
Петър открива Европа
През 18 век на европейската политическа сцена излиза друга велика сила - Русия. „Представянето” на новия политически гигант става през пролетта и лятото на 1717 г., когато посолството на все още загадъчните, но вече леко европеизирани „московчани” посещава редица европейски столици.
Уви, нито в Париж, нито в Берлин са очаровани от руските юнаци, водени от цар Петър.
А сега подробностите.
В края на април същата година руснаците се появяват на френската граница. Версай изпрати един от най-елегантните си придворни, маркиз дьо Майи-Несле, да ги посрещне. Маркизът завари руснаците... естествено, в механа, хъркащи и повръщащи. Само Петър говореше с езика си.
"Културата на Европа през XVII-XVIII век"
1. Духовен живот
В историята на Европа 17 век е белязан от триумфа на новия бароков стил в изкуството и скептицизма в духовния живот на обществото. След изпълнени с ентусиазъм и вяра в способностите на ренесансов човек, идват разочарованието, отчаянието и трагичният раздор на индивида с външния свят. Човек, свикнал още от Средновековието да се чувства в центъра на Вселената, внезапно се оказа изгубен на огромна планета, чийто размер му стана известен. Звездното небе над главата престана да бъде надежден купол и се превърна в символ на безкрайността на космоса, който примамваше и в същото време отблъскваше и плашеше. Европейците трябваше да преоткрият себе си и да се адаптират към силно променения свят около тях.
В началото на 18 век в континентална Европа скептицизмът и рационализмът на барока е заменен от епохата на Просвещението и изкуството на рококо. Основната идея на Просвещението е оптимизмът и твърдата вяра, че човечеството може да бъде променено чрез повишаване на образованието си (оттук и името на това движение). Просвещението се заражда във Франция, която въздъхна с облекчение след смъртта на Луи XIV и погледна към бъдещето с надежда.
Огромна роля в разпространението на идеите на Просвещението изигра тайното общество на масоните - масони. Произходът на масонството все още е загадка. Самите масони се смятат за наследници на рицарите тамплиери, оцелели от клането в началото на XIV век, чиито членове основават първата ложа – тайната секция. Учените смятат, че масоните като политическа организация възникват в началото на 18 век на основата на занаятчийските съюзи на строителите. Членовете на масонските ложи се застъпваха за изграждането на нов свят на основата на всеобщо равенство и братство и се бориха срещу католическата църква, за което многократно бяха анатемосани.
2. Бароково и рококо изкуство
В края на 16-ти век маниеризмът постепенно започва да отстъпва място на барока, високият стил на установената абсолютна власт на монарси, оцелели от кризата на католицизма и защитаващи правото на съществуване за протестантството. Най-високият разцвет на барока идва през 2-ра половина на 17-ти век, когато Европа успешно преодолява катаклизмите на религиозните войни.
Бароковата архитектура се характеризираше с буйни декоративни покрития с много детайли, многоцветно леене, изобилие от позлата, дърворезби, скулптури и живописни плафони, които създават илюзията за издигащи се сводове. Това е времето на господството на извивките, сложно извити линии, преливащи една в друга, тържествени фасади на сгради и величествени архитектурни ансамбли. В живописта доминира церемониалният портрет, платната са изпълнени с алегории и виртуозни декоративни композиции.
Въпреки доминирането на барока, тази епоха не е единна по отношение на стила. Във Франция, където тенденциите на строгия класицизъм бяха силни, те се опитаха да следват антични модели. В Холандия те бяха по-склонни към натуралистичен стил.
Барокът като стил произхожда от Италия, откъдето е трябвало да внесе светлината на възродения католицизъм в Европа. Лоренцо Бернини е един от най-видните архитекти на барока. Назначен е за главен архитект на катедралата Свети Павел – главната католическа църква в Рим. По негов проект през 1623-1624 г. над олтара на катедралата е построен огромен бронзов балдахин, като материал, за който по заповед на папа Урбан VIII е използван античният покрив на Пантеона. Също през 1656-1665 г. Бернини построява грандиозна овална колонада пред фасадата на катедралата. През 1658 г. архитектът издига църквата Sant'Andrea al Quirinale, през 1663-1666 г. - "Кралското стълбище" във Ватикана. Блестящото умение на Бернини се проявява в изграждането на прочутите римски фонтани – фонтана Тритон и фонтана на четирите реки. Освен блестяща архитектурна дарба, Бернини притежаваше блестящи способности като скулптор. Автор е на гробниците на папа Урбан VIII и Александър VII в катедралата "Св. Петър", скулптури "Давид" (1623), "Аполон и Дафна" (1622-1625), множество бюстове. По-специално, по време на пътуване до Франция през 1665 г., Бернини създава бюст на Луи XIV.
Основната живописна школа в Италия от епохата на барока е Болонската школа, основана от трима художници: Аодовико Карачи и неговите братовчеди Анибале и Агостино. През 1585 г. те основават работилница в Болоня, наречена "Академията на тези, които са влезли в правия път", в която развиват основните принципи на бароковата живопис. През 1597 г. Анибале и Агостино се преместват в Рим, където получават поръчка да изрисуват галерията на Палацо Фарнезе. Според Карачи реалността е твърде груба, така че трябва да се облагороди чрез създаване на идеални образи върху платното.
Друг виден италиански бароков художник Караваджо Микеланджело, напротив, се стреми към максимален реализъм. Създавайки картини на библейски теми, художникът специално се опита да ги направи възможно най-демократични и прости. Това са неговите платна "Обръщането на Саул" (1600-1601), "Погребението" (1602 - 1604) , „Смъртта на Мария“ (1606 г.). Освен това той превърна натюрморта в самостоятелен жанр на живописта.
Бароковият стил в Испания превърна 17-ти век в "златния век" на националната култура на тази страна. Крал Филип IV покровителства художниците по всякакъв възможен начин, създавайки най-добрите условия за тях и щедро плаща за работата им.
Хусепе Рибера се смята за първия голям испански бароков художник, въпреки факта, че заминава за Италия като млад, където живее до края на живота си. Работата му е повлияна от Караваджо и художникът се опитва да направи героите си възможно най-реалистични. Най-известните произведения на Рибера са "Свети Йероним" (1626), "Мъката на св. Вартоломей" (1630), "Куците" (1642).
Най-великият художник на Испания от 17 век е Диего де Силва Веласкес, от 1623 г. - придворният художник на Филип IV. Маниерът на Веласкес се отличава с подчертан реализъм, известна твърдост на писането и поразителна истина за живота. В по-младите си години той създава цяла галерия от ярки фолклорни типове, в зрелите си години, живеейки в двора, предпочита аристократи, членове на кралското семейство, както и митологични сюжети. Това са Бакхус (1628-1629), Венера с огледало (1651), Менини (1656).
Испанският барок оказва дълбоко влияние върху Фландрия, където същият стил се налага. Върхът на фламандския барок е дело на художника Питър Пол Рубенс. Подобно на много други художници, в младостта си Рубенс пътува до Италия, където изучава паметниците на античността и творчеството на ренесансовите майстори. Завръщайки се в родината си, той създава класическия образ на монументалния бароков олтарен образ – „Въздвижение на Кръста“ и „Слизане от кръста“ (1610-1614). Рубенс се характеризира с мощни и великолепни човешки тела, пълни с жизненост, голям декоративен мащаб. Темата на картините му са митологични и библейски сюжети, исторически сцени. Той става създател на церемониалния бароков портрет. Най-известните картини на Рубенс са: "Отвличането на дъщерите на Левкип" (1619-1620), "Персей и Андромеда" (1621), "Витсавея" (1636), "Шуба" (1638).
Ученик на Рубенс е художникът Антъни ван Дайк, придворният художник на Чарлз I. Продължител на идеите на фламандската школа, Ван Дайк работи дълго време в Генуа, Антверпен, а през 1631 г. се мести за постоянно в Лондон. Там той става любим портретист на кралското семейство и получава такъв брой поръчки, че е принуден да разпределя работа сред учениците си, създавайки нещо като художествена мануфактура. Към четките му принадлежат портрети: "Карл I на лов" (1633), "Семеен портрет" (1621).
Във Франция, където класическата традиция се конкурира с барока, най-видният представител на националната живописна школа е Никола Пусен. Пусен смята за своите учители Рафаел и Тициан, чието творчество изучава по време на посещение в Италия. Художникът предпочиташе да изобразява митологични и библейски сцени, използвайки голям брой герои и алегории. Ярки примери за класицизъм са картините му „Вдъхновение на поета“ (1629-1635), „Царството на Флора“ (1632), „Изнасилването на сабинянките“ (1633), „Вакханалия“.
Управлението на Луи XIV е цяла епоха в развитието на френското изкуство. Художници и архитекти бяха обединени в Академията по живопис и скулптура и Академията по архитектура. Те бяха призовани да прославят величието на "Краля-слънце" и чрез съвместни усилия, въз основа на компромис между барок и класицизъм, създават нова тенденция, която се нарича стилът на Луи XIV. Грандиозните дворци и паркови ансамбли трябваше да въплъщават визуално идеята за всемогъществото на абсолютния монарх и силата на френската нация.
Воден от тези принципи, архитектът Клод Перо през 1667 г. започва изграждането на източната фасада на Лувъра, т. нар. "Колонада". По проект на либерала Брюант и Жул Хардуен-Мансарт е построен Домът на инвалидите - общежитие за ветерани от войните и катедрала. Върхът на френската архитектура от тази епоха е изграждането на Версай (1668-1689). Строителството на двореца Версай и парковия ансамбъл се ръководи от архитектите Луи Лево и Жул Хардуен-Мансарт. Във Версай строгостта на линиите на сградата на двореца, характерна за класицизма, се съчетава с великолепната барокова декорация на залите. Освен това самият парк, украсен с множество фонтани, е продукт на бароковия стил.
За разлика от Италия, Испания, Англия и Франция, където художниците получават огромни суми за своите платна, в Холандия на художниците се плаща много малко. Добър пейзаж можеше да се купи за няколко гулдена, добър портрет например струваше само 60 гулдена, а Рембранд, който беше на върха на славата си, получи само 1600 гулдена за Нощната стража. За сравнение, хонорарите на Рубенс възлизат на десетки хиляди франка. Холандските майстори живееха в много скромен просперитет, понякога в бедност в малки работилници. Тяхното изкуство отразяваше ежедневния живот на страната и не беше насочено към прославяне на монархията или славата на Господ, а към разкриване на психологията на обикновения човек.
Първият велик майстор на холандската живописна школа е Франс Халс. По-голямата част от картините му са портрети. Той имаше голяма работилница, имаше 12 деца, които след баща си станаха художници, много ученици, водеха бохемски начин на живот, беше обременен с многобройни дългове и умря в пълна бедност.
Най-значимите произведения на ранната холандска живопис са груповите портрети на Халс. Клиентите бяха членове на гилдиите, които поискаха да ги изобразят по време на празник или среща. Това са „Офицерите от стрелковата рота на Свети Георги“ (1616), „Стрелите на гилдията на Свети Адриан в Харлем“ (1627). Изкуството на Халс е лишено от дълбока концентрация и психологически сблъсъци. В картините му, които отразяват характера на самия художник, хората почти винаги се смеят. Халс създаде галерия от прости холандци, малко груби, но откровени в чувствата си - "Циганка", "Мале Бабе", "Момче-рибар", "Шут".
Ученик на Халс, художникът Адриан ван Остаде работи в домашния жанр. Неговите сцени от селския и градския живот са пропити с хумор и добродушна усмивка. Така ти си "Борба", "В селска механа", "Работилница на художника". Ян ван Гойен става класик на холандския пейзаж, който използва принципите на въздушната перспектива в своите творби. Най-доброто му платно е „Изглед към Дордрехт“ (1648).
Вторият велик художник на Холандия, чието творчество е наравно с Халс, е Ян Вермеер от Делфт. Предпочита ежедневните лирически композиции, изобразяващи една или две жени вкъщи – „Момиче, четещо писмо“, „Жена на прозореца“, „Жена пробва огърлица“, „Чаша вино“, „Дантелачка“. Вермеер успя да покаже личния живот на гражданите, както и човек в единство с околната среда, с голяма емоционална сила. Той успя да предаде невероятно правдиво сребристата дневна светлина, която играе върху платната му с много акценти.
Върхът на холандската школа е дело на Рембранд Харменс ван Рейн, с неговия дълбок психологизъм и уникални златистокафяви нюанси. Подобно на Халс, Рембранд преживява период на популярност, но след това фалира и завършва живота си в ужасяваща бедност.
Рембранд рисува предимно портрети, индивидуални и групови, както и картини на митологични и библейски сюжети. Художникът е бил майстор на светотини, а героите му сякаш са изтръгнати от мрака от лъч светлина. Неговите платна "Даная", "Светото семейство", "Завръщането на блудния син" с право се считат за ненадминати шедьоври. От груповите портрети най-известни са Урокът по анатомия на доктор Лале и Нощен страж. Духовност и удивителна емоционална дълбочина отличава „Портрет на старец в червено“.
От Италия бароковата архитектура се разпространява не само на север, но и на изток. След края на Тридесетгодишната война в Южна Германия под ръководството на италиански майстори са издигнати множество барокови сгради. В края на 17 век в германските земи се появяват свои майстори, които работят в бароков стил.
Пруският архитект Андреас Шлютер построява Кралския дворец и сградата на арсенала в Берлин. Ако Шлутер се ръководи от италианския скулптор Лоренцо Бернини и френски модели, то работата на Даниел Пепелман е напълно оригинална. По негов проект в Дрезден е издигнат известният дворцов комплекс Цвингер за Август II Силни. Също така, по заповед от август, архитектът Пепелман издигна Кралския дворец в Гродно.
Разпространението на бароковия стил в Британската общност е причинено от проникването на йезуитите в страната. Първият бароков паметник в Беларус и изобщо в Европа извън Италия е йезуитската църква, построена в края на 16 век от италианския архитект Бернардони за княз Радзивил в Несвиж. Този стил достига своя истински разцвет през 2-ра половина на 17-ти век, когато, придобивайки национални черти, се оформя в беларуския или виленския барок. Множество църкви и градски сгради във Вилна, Гродно, Минск, Могилев, Брест, Слоним, Пинск, Полоцка Софийска катедрала, възстановени след експлозията, манастири в Голипани, Баруни, Березвече, дворцови комплекси в Несвиж и Ружани са класически примери за беларуския барок.
В края на 17 век барокът прониква от Беларус в Русия, където за първи път е наречен стил Наришкин. Пример за тази тенденция е църквата Покров във Фили и църквата Знамение в Дубровици. С началото на реформите на Петър I барокът най-накрая триумфира в руската архитектура, което се проявява предимно по време на строителството на Санкт Петербург. Върхът на развитието на барока в Русия е дело на италианския архитект Бартоломео Франческо Растрели. Той възстановява дворците в Петерхоф и Царско село, построява комплекса на Смолния манастир и известния Зимен дворец в столицата.
В началото на 18 век във Франция се заражда нов стил на изкуството – рококо. За разлика от барока, който е бил изключително придворен стил, рококо е изкуството на аристокрацията и висшите слоеве на буржоазията. Сега основната цел на майстора не беше прославянето на някого или нещо, а удобството и удоволствието на конкретен човек. Ако барокът гледаше високо, то рококото се спускаше от небесните висоти към грешната земя и насочваше поглед към хората, стоящи наоколо. Понякога стилът рококо се нарича изкуство заради изкуството. Би било по-правилно да наречем този стил изкуство за човек.
Архитектите от рококо започнаха да се грижат за човешкия комфорт. Те изоставиха помпозността на величествените барокови сгради и се опитаха да заобиколят човек с атмосфера на удобство и изящество. Рисуването също изостави „великите идеи“ и стана просто красиво. Освободени от бурните емоции на барока, картините бяха изпълнени със студена светлина и фини полутонове. Рококо е може би първият почти изцяло светски стил в историята на европейското изкуство. Подобно на философията на Просвещението, така и рококо изкуството се отдели от църквата, изтласквайки религиозните теми далеч на заден план. Оттук нататък и живописта, и архитектурата трябваше да бъдат леки и приятни. Галантното общество от 18-ти век беше уморено от морализаторство и проповядване, хората искаха да се наслаждават на живота, извличайки максимума от него.
Най-големият майстор на рококо е Франсоа Буше, който превръща картините си в декоративни пана за украса на стената. Такива са платната "Къпането на Даяна", "Триумфът на Венера", "Овчарска сцена".
Морис-Кантер Ларут успя да създаде портретния жанр рококо. Хората, изобразени в картините му, в пълно съответствие с изискванията на века, любезно и галантно гледат на зрителя, опитвайки се да събудят у него не възхищение, а чувство на съчувствие. Истинските характери на героите са скрити под маската на светската учтивост.
Картините на Оноре Фрагонар са изпълнени с искрено усещане за пълнотата на живота, който протича в безгрижна наслада. Пример за това е платното "Люлка" (1766), "Целувай се скришом" (1780).
Стилът рококо идва в Германия през 30-те години на 18-ти век и остава на север, тъй като барокът царува в южногерманските земи до края на века.
През 1745 г. пруският архитект Георг Кнобелсдорф започва изграждането на двореца и парковия ансамбъл Сансуси близо до Потсдам. Самото му име (в превод от френски като „без притеснения“) отразява духа на епохата на рококо. По заповед на Фридрих II на терасата с грозде е построен скромен едноетажен дворец. Въпреки това, доста скоро рококо е изместен от нарастващата сила на класицизма.
Английското изкуство от 18-ти век е толкова своеобразно, че се противопоставя на класификациите, приети в континентална Европа. Има странно преплитане на всички стилове и тенденции, сред които класицизмът постепенно заема първо място.
Уилям Хогарт става основател на националната английска школа по живопис. В пълно съответствие с духа на английското общество от онова време той посвещава работата си на политическата и социална сатира. Серията картини "Кариера на Мот", "Моден брак", "Избори" донесе истинска слава на художника. За да представи работата си на възможно най-много зрители, самият Хогарт прави гравюри на всички свои произведения с маслени бои и ги разпространява в големи количества.
Художникът Джошуа Рейнолдс влезе в историята като теоретик на изкуството, първият президент на Кралската (Лондонската) академия по изкуствата и изключителен портретист. Неговите портрети са изпълнени с патоса на прославяне на героите, които са станали достойни да бъдат отпечатани завинаги върху платното.
Ако Рейнолдс се отличаваше с рационален подход към рисуването, тогава работата на Томас Гейнсбъро беше по-емоционална. Неговите портрети се отличават с поетично възприемане на човешката природа.
Културата на Западна Европа през 17 век
16 век за Европа това беше време на борба между феодализма и нарастващия капитализъм, икономически промени. Производствената индустрия, търговията се развива, икономическите нужди се увеличават - всичко това допринася за активизирането на точните и природни науки. Това време се характеризира с големи открития. Галилео Галилей (италиански учен) положи основите на съвременната механика, направи телескоп с 32-кратно увеличение. Германският астроном Йоханес Кеплер съставил планетарни таблици, установил законите за движението на планетите и положил основите на теорията за затъмненията.
Готфрид Лайбниц създаде диференциално смятане, изпревари принципите на съвременната математическа логика. Английският математик Исак Нютон открива дисперсията на светлината, закона за всемирното притегляне, хроматичната аберация, създава основите на небесната механика, теорията на светлината. Кристиан Хюйгенс създава вълновата теория на светлината, часовник с махало със задействащ механизъм, установява законите за трептене на физическо махало, открива пръстена около Сатурн. През този период се наблюдава мощен растеж на философската мисъл. Светогледите на Франсис Бейкън, Джон Лок, Томас Хобс в Англия, Бенедикт Спиноза в Холандия, Рене Декарт във Франция имат огромен принос за формирането на водещи социални идеи, утвърждаването на материализма. През 17 век художествената литература се отличава с огромно разнообразие от жанрове, например разказ, ежедневна комедия, висока трагедия, епична драма, ода, роман, сатира и др. Творчеството на Сервантес и Шекспир се свързва с началото на века и Джон Милтън ("Изгубеният рай") в Англия, Педро Калдерой де ла Барка ("Животът е сън") в Испания и Пиер Корней ("Сид"), Жан Расин ("Федра"), Молиер ("Дон Жуан") във Франция. В съответствие с формирането на национални държави в Западна Европа се формират национални художествени школи. Най-високите постижения на западноевропейското изкуство от това време принадлежат на изкуството на Фландрия, Холандия, Италия, Франция, Испания и Италия.
През 17 век се появяват различни видове портрети, развиват се жанрове, които отразяват средата на човек, дава се отчетливо социално оцветяване на изображенията. Имаше пряка връзка с природата. Образите и явленията се предаваха в движение. Разнообразието от форми на художествено отразяване на действителността доведе до факта, че през XVII век. възникна проблемът със стила. Имаше две стилистични системи: класицизъм и барок, независимо от това се развива реалистична тенденция в изкуството. Бароковият стил се характеризира с патетичен характер на образите и емоционална възбуда. За постигането на това се използват стенни криви, фронтони, пиластри, различни форми на архитектурна декорация, статуи, стенописи, мазилка, бронзова и мраморна декорация.
През този период се създават методи на градско планиране, цялостен градски ансамбъл, дворцови и паркови комплекси. В архитектурата най-яркият представител на този стил е Лоренцо Бернини, в живописта този стил е последван от братята Карачи, Гуидо, Гуерчино, Рени, Пиетро да Нортон и др. В епохата на Луи IV класицизмът заема доминиращо място във Франция. Този стил се характеризира с логика, хармония на композицията, простота и строгост. Във визуалните изкуства една от основните теми бяха дългът, героизмът и доблестта. Този стил не позволява преувеличена емоционална изразителност. Най-известните художници от този стил са Пусен и Клод Ролин (пейзаж), Шарл Лебрен (стенописи), Риго (церемониален портрет). Паралелно с класицизма и барока през XVII век. в живописта се появява „реализъм”. В този стил изображенията се свързват с реалността. От художниците могат да се откроят Веласкес, Рембранд, Франс Халс. Възникват нови жанрове на изобразителното изкуство: различни форми на пейзаж, ежедневен жанр, натюрморт.
Културата на Западна Европа през 18 век
18-ти век - последният исторически етап от прехода от феодализъм към капитализъм. Развитието на културата през този период във всички европейски страни протича под знака на идеите на Просвещението.
През този век в Германия се развива школа на класическата немска идеалистическа философия. Във Франция се формира най-голямата чета от просветители, оттам идеите на Просвещението се разпространяват в цяла Европа. В своите произведения („Персийски писма“ и „За духа на законите“) Шарл Луи Монтескьо се изказва срещу неограничената монархия и феодализма. Волтер е изключителен лидер на френското Просвещение. Той пише красиви литературни, философски и исторически произведения, които изразяват омразата към религиозния фанатизъм и феодалната държава. Дейността на Жан Жак Русо се превръща в нов етап в развитието на френското Просвещение. Произведенията му съдържаха омраза към потисниците, критика към държавната система, социално неравенство. Основателят на материалистичната школа е Жулиен Офрет Ла Метри, автор на медицински и философски трудове. Дейността му предизвиква яростта на светските и църковните реакционери. По-нататъшната съдба на френския материализъм е свързана с имената на Дени Дидро, Етиен Боно Кондилак, Пол Холбах. 50-60-те години 18-ти век - разцвет на дейността на френските материалисти. Този период се характеризира с едновременното развитие на науката и технологиите. Благодарение на Адам Смит и френските физиократи политическата икономия се превръща в научна дисциплина. Науката се развива бързо, тя беше пряко свързана с технологията и производството. През XVIII век. литературата и музиката стават все по-значими, постепенно излизат на преден план сред всички видове изкуства. Прозата се развива като жанр, в който се показва съдбата на индивида в социалната среда от онова време („Куцият дявол” от Льо Сейж, „Вилхелм Майстер” от Гьоте и др.). Особено плодотворно се развива жанрът на романа, който описва универсалната картина на света. В края на XVII-XVIII век. този музикален език започва да се оформя, на който тогава ще говори цяла Европа. Първите бяха Й. С. Бах и Г. Ф. Хендел. И. Хайдн, В. Моцарт, Л. ван Бетовен оказват огромно влияние върху музикалното изкуство. Големи резултати постигат театралното изкуство, драматургията, която има реалистичен и предромантичен характер.
Отличителна черта на това време е изучаването на основните въпроси на естетиката на театъра, естеството на актьорската игра. 18-ти век често се нарича „златният век на театъра“. Най-великият драматург П. О. Бомарше го смята за „гигант, който смъртоносно наранява всеки, към когото насочи ударите си“. Най-големите драматурзи са: Р. Шеридан (Англия), К. Голдони (Венеция), П. Бомарше (Франция), Г. Лесинг, И. Гьоте (Германия). -
Водещият жанр на живописта на XVIII век. беше портрет.
Сред художниците от това време могат да се откроят Гейнсборо, Латур, Худон, Шарден, Вато, Гуарди. Живопис не отразява универсалната пълнота на духовния живот на човек, кактова беше по-рано. В различните страни формирането на ново изкуство е неравномерно. Живопис и скулптура в стил рококо имаха декоративен характер.
Изкуство от 18 век завършва с великолепната творба на испанския художник Франсиско Гоя. Културно наследство от XVIII век. все още удивлява с изключителното си разнообразие, богатството на жанрове и стилове, дълбочината на разбиране на човешките страсти, най-големия оптимизъм и вяра в човека и неговия ум. Епохата на Просвещението е ерата на великите открития и великите заблуди. Неслучайно краят на тази ера пада върху началото на Френската революция. Тя унищожи вярата на просветителите в „златния век” на ненасилствения прогрес. Това засили позицията на критиците на неговите цели и идеали.
Културата на Западна Европа преди 19 век
Културата на Западна Европа XVII-XIX век. характеризира се с формирането на буржоазни обществени отношения, формирането на рационалистично мислене - явления, оставили своя отпечатък върху развитието на културния живот на страните. Началото на 17 век свързани с имената на Шекспир и Сервантес. Художествената литература отбелязва разнообразие от жанрови форми: висока трагедия и романтика, ежедневна комедия и разказ, епична драма и лирически сюжет, ода и сатира. В следващото поколение създават Милтън в Англия, Калдера в Испания и великите френски драматурзи Корней, Расин и Молиер. Музиката постепенно се освобождава от култовите форми. Оформят се нови музикални жанрове; опера, оратория. Последният исторически етап от преходната епоха от феодализъм към капитализъм и формирането на прогресивната идеология на просветителите е 18 век. - епохата на разума, ерата на просвещението, ерата на философите, социолозите, икономистите. Развитието на културата по това време протича по един или друг начин под знака на идеите на Просвещението. Идеите на Просвещението се разпространяват в цяла Европа именно от Франция, където се формира най-големият отряд от талантливи просветители: Монтескьо, Волтер, Русо, Дидро, Кондилак, Холбах.
През XVIII век. науката и технологиите се развиват едновременно. Литературата и музиката постепенно се превръщат във водещи форми на изкуството, задоволявайки потребностите на времето в естетическото осъзнаване на живота, неговото движение и формиране. Съдбата на индивида в неговото сложно развитие във времето е отразена в жанра на прозата: Куц демон от Лесаж, Манон Леско от Прево, Кандид от Волтер, Скръбта на младия Вертер и Вилхелм Майстер от Гьоте. Музиката се развива като самостоятелна форма на изкуство. Бах, Моцарт, Глук, Хайдн създават музикални форми като фуга, симфония, соната. Театралното изкуство се отдалечава от традициите на класицизма към реалистичните и предромантичните тенденции. 18-ти век - възрастта на портрета. Laturne, Gainsborough, Houdon създават портрети, художествена черта, която е елегантна интимност, сдържан лиризъм. Галантни празненства и жанрови сцени от Вато, Фрагонар, скромните ежедневни мотиви на Шарден, градските пейзажи на Гуарди предават най-фините нюанси на настроението. В началото на XVIII век. във Франция Вато се откроява сред художниците, в края на века Давид създава революционни патосни платна. Младият испански художник Гоя очаква прехода на изобразителното изкуство към реалистичния романтизъм на 19 век. Архитектурата е в стил късен барок. Класицистическото направление също търпи по-нататъшно развитие. Появява се нов стил – рококо.
В архитектурата тя се прояви в областта на декора - плосък, лек, причудлив, причудлив, изискан. 19 век - епохата на установените буржоазни отношения. Културата отразява вътрешните противоречия на буржоазното общество. Ето защо се появяват такива разнородни явления: романтизъм, критически реализъм, символизъм, натурализъм, позитивизъм и др. Класическата немска философия, диалектическата материалистическа философия и философията на позитивизма са три определящи направления във философията на 19 век. Романтизмът и реализмът са основните направления в литературата на XIX в.,които са се образували и функционирали в пряка връзка помежду си (Ф. Шлегел, Новалис). Изключителни представители на романтизма в живописта са френските художници Е. Делакроа, Т. Жерико, английските художници Ж., Констебъл, Дж. Търнър, Р. Бенингтън. Реализмът е тясно свързан с пейзажната живопис на Франция, с т. нар. Барбизонска школа, която включва творчеството на Т. Русо, Ж. Дюпре, К. Добини и др. Близки до тях са К. Коро и Ж. Миле в условия на предмета. Ръководител на реалистичното направление е Г. Курбе. Основателят на импресионизма е Едуар Мане, но Клод Моне става наречен лидер. Сред импресионистите могат да се откроят О. Реноар, Е. Дега, А. Спели, К. Писаро, сред по-късните - П. Сезан, В. Ван Гог, както и скулптора О. Роден.
