Igor Rasputin ocen: 3 ocen: 4 ocen: 2
Kaligula.
MGT pod kierownictwem S. Bezrukowa.
Reżyser-choreograf Siergiej Zemlyansky.
Prawie recenzja.
Dziś miałem szczęście dotrzeć do niesamowitego spektaklu „Kaliguli”, moskiewskiego teatru prowincjonalnego pod dyrekcją Siergieja Bezrukowa.
Powiedzieć, że jestem zachwycony, to nic nie mówić. Jestem zszokowany! Jestem zszokowany!
Miałem szczęście, siedziałem w pierwszym rzędzie. Wszystkie emocje widziałem na twarzach aktorów. Ale wszystko jest w porządku.
Sam początek. Pierwsza scena. Pożegnanie Kaliguli ze zmarłą siostrą Druzyllą.
Na scenie jest minimum scenerii, tylko tron i piedestał przed nią, na której leży martwa Drusilla.
Kaligulę gra Ilya Malakov. Aktor MGT pod kierunkiem Bezrukowa. Niesamowita artystka charyzmy. Nie tylko tańczy jak Chebukiani, ale jest także świetnym aktorem. Nie, wręcz przeciwnie, nie tylko jest wspaniały zawodowy aktor, więc tańczy też jak Chebukiani. Z tą samą pasją, energią i ekspresją. On jest całym bólem, rozpaczą i cierpieniem. Nie rozumiem, dlaczego mu się to przydarzyło. Wierzę mu i współczuję mu od pierwszych minut.
Ale moją uwagę cały czas przykuwają ręce zmarłej Drusilli, poruszające się w napiętym, określonym, powtarzającym się wzorze. jakby rozmawiał z Kaligulą
"Musisz objąć tron." "Musisz objąć tron."
Minutę później uświadamiam sobie, że ten rysunek rąk składa się podobno ze znaków dla osób niesłyszących i niemych, bo przed spektaklem dużo ich widziałem w foyer, a na stronie teatru przeczytałem, że aktorzy głusi i niemi będą również zaangażować się w tę produkcję. Zdumiewający. I ta rozmowa rąk jest świetna! Kocham to.
Następnie tym językiem reżyser posługuje się przez cały spektakl. I to jest zaskakujące, ale wcale mnie nie denerwuje, wręcz przeciwnie, jest w tym dla mnie jakiś mistycyzm. Tylko czasami myśl się wymyka, no cóż, dlaczego nie znam tego języka.
Ale wracając na scenę, Kaligula, w jakiejś nieświadomości, próbuje ożywić swoją ukochaną siostrę. Ale jej ciało nie jest już pod jego kontrolą.
Drusilli już nie ma.
Jej rolę gra, być może jedna z najbardziej współczesnych aktorek medialnych, jak mówią teraz, Katerina Shpitsa.
I to był dla mnie największy szok podczas tego występu.
Katia, którą znałem ze wspólnej pracy w Teatr Muzyczny Nazarova nagle otworzyła się przede mną ze strony, której wcale nie spodziewałem się jej zobaczyć.
Nie, nie w tej scenie, choć tutaj gra zmarłych bardzo przekonująco i strasznie, ale w innej, w tej, w której pojawia się we wspomnieniach Kaliguli.
Nigdy wcześniej nie widziałem w niej takich emocji, uczuć, ruchów ciała.
I jak tańczyła! Cholera, straciliśmy najbardziej utalentowaną baletnicę. Ale dlaczego przegrali, nie! Znaleźliśmy ją. A raczej został znaleziony, a raczej otwarty przez reżysera-choreografa tego spektaklu, Siergieja Zemlianskiego.
Sądząc po tej produkcji, niestety nie widziałem innych, utalentowanego choreografa i bardzo niezwykłego reżysera. Mogę sobie wyobrazić, jak cholernie trudno jest sprawić, by aktorzy dramatyczni poruszali się tak profesjonalnie i tak magicznie. Ale udało mu się! I jak to działało!
Nie mogłem sobie nawet wyobrazić, że Zoya Berber, znana wszystkim jako Lera, żona Kolyana z serialu „Prawdziwi chłopcy”, potrafi nie tylko zagrać żonę Mucjusza, zgwałconą przez Kaligulę, przeszywająco i boleśnie, aż do bólu w zaciśniętych pięści, ale też tak nietypowo i profesjonalnie ruszaj się, no nie ruszaj się, więc tańcz profesjonalnie.
A jednak tutaj jest tożsamością. Zemlyansky'emu udało się organicznie utkać w jeden węzeł taniec, pantomimę, aktorstwo, niezwykłą, urzekająco rytmiczną i natychmiast arytmiczną muzykę, oszałamiającą scenerię, oszałamiające kostiumy i ekscytujące, niepokojące światło. To prawda, dla mnie osobiście w niektórych scenach nie było wystarczającej ilości światła. Nie, nie w tych, w których jest specjalnie przytłumiony lub, jak mówią w teatrze, uporządkowany. I gdzie wydaje się, że jest, ale wydawało mi się to za mało, bo nawet z pierwszego rzędu nie mogłem wyraźnie zobaczyć twarzy aktorów w niektórych odcinkach. A co możemy powiedzieć o dwudziestym rzędzie. Być może jednak taka była intencja reżysera, bo w tym przedstawieniu głównym środki wyrazu stał się językiem ciała. I to jest jego prawo. Bo w tej pracy spotkałem się z niesamowitym utalentowany artysta, artysta z Wielka litera.
I to są znaleziska jego reżysera, z wzburzonym czarnym tłem, rodzącym z głębi bohaterów spektaklu, z ogromnym, spadającym portretem i całą kaskadą niezwykłych decyzji.
Cofnijmy się jednak trochę.
Tak więc Katerina Spitz to Drusilla. Odtwarzany przez nią obraz jest tak organiczny, że wydaje się być napisany, a raczej nie napisany, ale stworzony specjalnie dla niej. Tutaj jest małą dziewczynką bawiącą się ze swoim bratem Sapozhokiem, ale jako dziecko dowiaduje się, co to znaczy być skorumpowanym przez swojego stryjecznego dziadka, cesarza Tyberiusza, który zabił jej rodziców. Do którego, pod koniec tej sceny, Drusilla eskortuje brat i miłośnik Kaliguli. I za to winny jest również Tyberiusz, na scenie żyje Grigorij Firsow. Tak, żyje, jest taki organiczny i przekonujący w tej roli.
Tak więc Spitzowi udało się zagrać całą rolę od początku do końca w tym samym duchu, ale z ogromne ilości odcienie i niuanse, zarówno w działaniu, jak i w sztuka taneczna. Brawo Katia. Myślę, że ta jej praca jest godna „Złotej Maski”.
Prawdę mówiąc, chcę o tym spektaklu mówić tylko entuzjastycznym tonem, tak mi się podobało.
Tutaj każdy ma swoje miejsce. Wyjątkowy projektant kostiumów i scenograf Maxim Obrezkov (który stworzył wiele pięknych scenografii i kostiumów w Teatrze Wachtangowa i nie tylko), który stworzył zapierające dech w piersiach kostiumy do tego spektaklu, kompozytor Pavel Akimkin (Pavel to nie tylko wspaniały i oryginalny kompozytor , ale także znakomitym zawodowym aktorem), odtwórcy ról, każdy z nich, również zasługuje na najwięcej miłe słowa, nawet nie słowa, raczej pochwały. W końcu udaje im się odgrywać nie tylko swoje role, ale także pracować z całych sił w zespole, który reprezentuje nas, potem mieszkańców Rzymu, potem hetery, a potem patrycjuszy i ich żony.
I oczywiście nie mogę przemilczeć Cezonii - żony Kaliguli, jej wizerunek stworzyła rosyjska baletnica Maria Aleksandrowa - gwiazda Teatr Bolszoj.
Jak subtelnie, jasno i czysto spełnia swoją rolę. Wydawało mi się, że reżyserka specjalnie skupiła się nie na jej genialnym tańcu, ale na aktorstwie. Dlatego całe przedstawienie nie rozpadło się na części składowe, takie jak Maria Alexandrova i inne, ale okazało się integralnym i pojedynczym płótnem.
Jej duet lub, jak mówią w balecie pas de deux z Kaligulą, wygląda jasno, zapada w pamięć, nietypowo i bardzo pięknie. Cóż, reinkarnuje się bardzo fajnie i, jak mówią teraz, bardzo fajnie tańczy.
Ogólnie rzecz biorąc, występ się powiódł, a nie tylko wyszedł, ale wyszedł bardzo dobrze.
Szukam jakichś wad i nie mogę znaleźć. Tak, małe karaluchy.
No cóż, prawdopodobnie wpuściłbym na przykład sceny, w których bezpośrednio w tańcu jest język migowy zrozumiały dla głuchoniemych widzów, tekst dla zwykli ludzie, głosem tego samego Siergieja Bezrukowa, który tak chłodno i niekonwencjonalnie na początku spektaklu wypowiedział zwyczajowy apel o wyłączenie telefonów komórkowych, co przerwało oklaski jeszcze przed rozpoczęciem akcji. A jeśli robi się to celowo, bo program mówi Wersja bez słów, to wpuść tłumacza języka migowego na scenę przed występem dla tych słów o telefonach. Żartuję.
Tak, to chyba wszystkie minusy, chociaż nie wiem, czy można to nazwać minusem. A może jest to tak celowo pomyślane, by nie niszczyć niesamowitego klimatu starożytny Rzym, w którą ja, zwykły widz, zanurzyłem się na samym początku tej niezapomnianej akcji.
Nawet w Rzymie, z którego wróciłem miesiąc temu, w antycznych ruinach Forum, nie mogłem doświadczyć uczuć, jakie wzbudził we mnie „Kaligula”. I to prawda.
23 grudnia 2016
Gal K ocen: 54 ocen: 55 ocen: 4
29 marca obejrzałem sztukę „Kaligula” wystawioną przez Siergieja Zemlianskiego w Moskiewskim Teatrze Państwowym.
Z kompozycją wszystko jest jakoś niejasne, ponieważ na stronie tego dnia Stanislav Bondarenko został ogłoszony jako wykonawca Caligula bvl, a Ilya Malakov została wskazana w programie. A z 11. rzędu nie można było zastanowić się, kto naprawdę był.
Wrażenia z przedstawienia są niejednoznaczne. Przedstawienie jest bardzo jasne. Wspaniałe kostiumy, oryginalna dekoracja w formie tła, na której widzimy albo Bóstwo, albo „daleko”, w które wchodzą zmarli rodzice i Druzylla, potem krwawy blask, który za sprawą Kaliguli spowija Rzym. Minimalizm, ale bardzo jasny i efektowny.
Muzyka, szalenie ciężka, ale wchodząca w historię o 200%. Wydawałoby się, że wszystko się udało. I faktycznie udało się, prawie wszystko. Obrazy są bardzo wyraźne i rozpoznawalne. Osobiście nawet Scypion od samego początku był dla mnie rozpoznawalny właśnie po kostiumie z maską niewolnika. Z jakiegoś powodu ze spektaklu Scypion był tak postrzegany przeze mnie - równy z urodzenia, ale nie mogący wznieść się ponad zależność od Kaliguli. Niezdolny do nienawiści i pomszczenia śmierci rodziców. To jest zarówno jego siła, jak i jego słabość. A przywiązanie do Kaliguli jest na granicy niewolnika.
Obrazy Kherei i Helikonu były bardzo wyraźne. Trudne, rozumiem, gdzie iść dalej. W ciągłej konfrontacji. Za to Kaligula szanował ich, wiedząc nawet, że Kherea przyniesie mu śmierć.
Libretto jest bardzo dobrze napisane w programie spektaklu, ale tak się złożyło, że przeczytałam je po spektaklu, przed spektaklem po prostu nie miałam czasu. Ale nie potrzebowałem tego, bo z zabawą Albert Camus znajomy i wszystko było bardzo jasne w produkcji. Ale może dla tych, którzy nie znają tekstu sztuki, libretto musi zostać przeczytane. Jednak historia nie jest prosta, wystarczy zrozumieć, co i jak.
Moim zdaniem zawiódł plastik. Tu panuje kakofonia dźwięków, a często kakofonia ruchów. W niektórych miejscach nie było to jasne – takie niezdarne ruchy są wymyślane czy aktor zawiódł? Jak na przekór tej choreografii, sztuka „Otello” w Teatrze Wachtangowa była stale wspominana. Jak przejrzysty jest plastik! Ani jednego przypadkowego ruchu, wszystko jest weryfikowane i podporządkowane historii. Było też wiele prostych zestawów jakiegoś rodzaju huśtawek, gestów. I niepokoił mnie język migowy (lub jego podobieństwo). Wydajność bez słów! W takim wyrażeniu nie są więc potrzebne żadne słowa. IMHO to była przesada.
A najważniejszą rzeczą, która mi się nie podobała, były staranne i szczegółowe sceny z orgii. Były długie, bezpośrednio delektowane przez twórców sztuki. Ale ta sama scena uwiedzenia żony Mucjusza przez Camusa idzie łatwo wskazówka. Tutaj akcja ta trwała dość długo, ze szczegółowym rozbieraniem i dość rozpoznawalnymi, jednoznacznie zinterpretowanymi gestami i ruchami. A ta scena nie była jedyna. Nie jestem hipokrytą i jestem spokojny nawet o nagość na scenie, jeśli jest uzasadniona i dobrze wyreżyserowana. W "Caliguli" czułem się bardzo niekomfortowo w tych scenach. I dlatego na tle tak szczegółowych ilustracji rozpusty finał wygląda jeszcze dziwniej - skąpy i zupełnie nienapisany. To byłoby logiczne i spodziewałem się, że scena morderstwa Kaliguli będzie jasna. Niestety... Nie było. Ale jest kluczowa fraza prawie martwego bohatera - "Jeszcze żyję!"
Czy wizerunek głównego bohatera Kaliguli stał się wyraźniejszy? Tak, to ma. Dobrą decyzją było włączenie do narracji nie tylko sztuki Camusa, ale także „knebla” w postaci opowieści o jego dorastaniu, śmierci rodziców. To daje zrozumienie, dlaczego stał się takim, jakim się stał. Morderstwo rodziców, uwiedzenie, śmierć ukochanej siostry... Jest mało prawdopodobne, żeby ktokolwiek mógł w takiej sytuacji zachować życzliwość, sprawiedliwość iw zasadzie normalność.
Spektakl mogę polecić miłośnikom plastiku, którzy potrafią je zrozumieć. I dla tych, którzy w zasadzie interesują się takimi historiami, ponieważ historia jest trudna.
Irina Ogurtsova ocen: 27 ocen: 27 ocen: 1
Kaligula (wersja bez słów). Teatr Wojewódzki im. 29.03.2018.
Tańczący aktorzy dramatyczni.
Dla tych, którzy znają tekst sztuki A. Camusa, obejrzenie tego spektaklu jest łatwe i przyjemne.
Dla tych, którzy patrzą czysta karta”, To spektakularna, piękna, ale nie zawsze zrozumiała akcja. (Ciekawe, czy w programie jest libretto? Wbiegliśmy tuż przed startem i nie zdążyliśmy go kupić).
Jednak nawet dla tych, którzy kierują się w działaniu, jest w tym wiele nieoczekiwanych rzeczy. Bo tam, gdzie Camus napisał coś jasnego i spektakularnego, co dobrze przenosi się na ruch sceniczny, elementy są łatwo rozpoznawalne. Oto Kaligula działająca jako Wenus. Tutaj popełnia cudzołóstwo z młodą żoną senatora i praktycznie zostaje przez to zabity… ale trwa. Tutaj odcięte głowy toczą się zza zasłon, Kaligula bawi się nimi jak piłkami, a ci wokół nich porządkują szczątki swoich krewnych i przyjaciół, nadal jednak pochylają się przed katem w ukłonie od pasa ...
Ale tam, gdzie filozofia autora góruje nad rozrywką (którą może można tańczyć… ale i tak trudno), autorzy dodali spektakularny gag. Pojawił się nawet pewien koń - najwyraźniej ten, który „przyniósł Kaligulę do Senatu”.
Jednak nie powiedziałbym, że było źle. Poza tym wiedzieliśmy, w co się pakujemy: w „wersji bez słów” np. rywalizacja poetów jest niemożliwa… a wiersze o „harmonii ziemskiej i wiecznej” są niemożliwe.
Jednak w spektaklu była cicha rozmowa Kaliguli i Scypiona (którego ja, ze względu na dziwny, ostro odmienny strój, początkowo pomyliłem z Helikonem), rozmowa przyjaciół = wrogów, ludzi o bliskich duszach, którzy się nienawidzą. ...
Główną ozdobą jest duże koło. Księżyc, o którym marzy Kaligula (?) - a na jego niebieskawym tle pojawiają się zmarli rodzice bohatera, a potem Drusilla tam, w dal, leci. Księżyc, który zmienia kolor na czerwony od krwi, a potem staje się czarny... Księżyc, który pokazuje obrazy... Księżyc, do którego możesz sięgnąć i oderwać rękami.
We wszystkich głównych rolach ogłaszanych jest dwóch artystów. Cóż, skoro jesteśmy bez programu, nie mogę nikogo szczególnie pochwalić.
Ale na nikogo nie było żadnych skarg, wszyscy są dobrzy, plastikowi, spektakularni, piękni.
Chociaż ostatni krzyk Kaliguli: „Wciąż żyję!” Nie miałem dość w tej cichej wersji...
Tradycyjne podziękowania za zaproszenie na spektakl społeczności LiveJournal Moskultura. .
No i oczywiście Moskiewski Teatr Wojewódzki (tak drugi spektakl oglądałem; oba razy - nie bez przyjemności).
Tekst: Natalia Gusiewa
Zdjęcie:
23 i 24 grudnia na scenie Moskiewskiego Teatru Prowincjonalnego odbędzie się premiera spektaklu „Kaligula” według sztuki Alberta Camusa w reżyserii choreografa Siergieja Zemlanskiego. Na plakacie znajduje się adnotacja – „wersja bez słów”. Autorzy spektaklu porzucili tekst jako podstawę teatru dramatycznego i próbowali znaleźć inne środki artystyczne wyrażanie swoich myśli, uczuć i emocji.
- Być może wybór tego materiału na inscenizację w naszych czasach spowoduje zaskoczenie. Wydawałoby się, że jesteśmy w historii cesarza rzymskiego Gajusza Juliusza Cezara, zwanego Kaligulą? klasyczne pytanie Czym jest dla nas Hekuba? Ale przecież nie ma nic ważniejszego i ciekawszego niż poznawanie natury człowieka, jego pasji, wzlotów i upadków – „życia ludzkiego ducha”, o którym mówił Stanisławski. Jak tyran wyrasta z bezbronnego młodego człowieka, którego okrucieństwo było legendarne, co się z nim dzieje? Sergey Zemlyansky jest utalentowanym reżyserem ze swoim niezwykłym językiem teatralnym i myślę, że dla naszych aktorów bardzo ważna jest współpraca z nim, próbowanie siebie w nowym gatunku. przydatne doświadczenie, - mówi Siergiej Bezrukow, dyrektor artystyczny Moskiewski Teatr Prowincjonalny.
To drugie wspólne dzieło reżysera-choreografa z zespołem: ostatnio odbyła się premiera spektaklu Anny Gorushkiny na podstawie sztuki Arthura Millera „Widok z mostu”, w którym Siergiej Zemlianski pełnił funkcję reżysera plastycznego. Teraz do swojego spektaklu Siergiej wybrał nie mniej trudny materiał – tragedię Alberta Camusa „Caligula”, bo „Caligula” to historia nie na czasie. Ten niezwykły obraz historyczny Od ponad dekady zaniepokojone są postacie teatralne, zarówno reżyserzy, jak i aktorzy.
- Pomysł na wystawienie „Kaliguli” zrodził się dawno temu. Będziemy pracować w sposób niewerbalny, który jest już dla nas tradycyjny, pozbawiając bohaterów „słów”. W spektaklu wezmą udział artyści słabosłyszący. Interesujące wydaje nam się używanie znanego im języka migowego, do którego forma sztuki.Ta wspólna filozofia sprawi, że praca będzie jeszcze bardziej wszechstronna! Produkcja opiera się nie tylko na fabule gra o tej samej nazwie Albert Camus, ale także materiały historyczne, fabuły dzieła sztuki inni autorzy. Nie chcemy ograniczać się do jednej historii. Interesuje nas fantazjowanie, komponowanie spektaklu wspólnie z aktorami, kreowanie świata bohatera, motywów jego działań i pragnień. Nie interesuje nas, kto jest dobry, a kto zły. Badamy powody, dla których człowiek jest okrutny i dlaczego ludzie wciąż pragną takich władców. Co wywołuje strach i chęć posłuszeństwa? Cholera lub pojedyncza forma istnienie? Siergiej Zemlianski przyznał.
Spektakl „Kaligula” jest na styku trzech gatunków teatralnych: spektaklu dramatycznego, teatru tańca i ekspresyjnych emocji pantomimy. Autorzy spektaklu porzucili tekst jako podstawę teatru dramatycznego i szukali innych artystycznych środków wyrażania swoich myśli, uczuć i emocji. W tym samym czasie stworzenie obraz artystyczny odbywa się nie tylko za pomocą plastyczności ciała i jasnych akcentów muzycznych, ale także z wykorzystaniem charakterystycznych elementów tanecznych.
Język „Bez słów” jest zrozumiały i bliski każdemu, bez względu na płeć, wiek i narodowość. Jest to mowa ciała, która ma absolutną szczerość i swobodę przenikania każdego serca. Libretto Władimira Motaszniewa, napisane specjalnie do spektaklu „Kaligula”, przyczynia się do głębszego zrozumienia materiału dramatycznego. Piękny kostiumy historyczne aktorzy i scenografia, które stworzyli Maxim Obrezkov, pozwoliły przenieść widza w minioną epokę Rzymian i okrutnego cesarza.
W spektaklu biorą udział zarówno aktorzy dramatyczni, jak i osoby niedosłyszące. Uczestniczą profesjonalni tancerze. Wszyscy artyści wielogatunkowi, wielopoziomowi i w różnym wieku zebrali się w jednym wielkim przedstawieniu.
Jaka jest główna wartość reżysera „plastikowego dramatu” Siergiej Zemlyansky powiedział.
- Nie wiem jak to jest cenne. szeroki zasięg widzowie - ktoś się tego boi, ktoś myśli, że to balet lub jakiś niezrozumiały taniec. Tak naprawdę bardzo interesuje mnie praca z artystami dramatycznymi – nie zawsze jest dla mnie ważne, jak uniesiona jest noga, jak wyprostowane jest kolano, istotna jest tutaj istota – szczególnie jeśli pracuje się z dramaturgią, istotą doświadczenia tej lub innej postaci są ważne. I tu potrzebna jest umiejętność uzyskania przez artystę dramatu takiej cielesnej formy, by była wyrazista, przemawiająca i konkretna, by scena nie ugięła się, by mógł przekazać widzowi tę czy inną emocję, stan bohater. Artyści dramatyczni, rozumiejący, co robią i potrafiący to robić w kategoriach przekazywania dramatu, niekończącej się nieskończonej miłości lub nienawiści, różniących się jednym lub drugim Stany emocjonalne, używając ekspresji cielesnej, w której im pomagam, osiągają w sensie globalnym nieskończoną wartość z punktu widzenia artysty.
Twardy, wyraźny rytm, szczera i jasna gra aktorów, sprężysta prężność spektaklu – wszystko to zdeterminowało oblicze spektaklu.
Albert Camus tak opisał istotę aktorstwa: „Aktor wdziera się w duszę, zdejmuje z niej czar, a na scenę zalewają nieskrępowane uczucia. Namiętności przemawiają w każdym geście, ale to, co mówią - krzyczą. Aby zaprezentować je na scenie, aktor wydaje się odtwarzać swoje postacie. Przedstawia je, rzeźbi je, wtapia w formy stworzone przez jego wyobraźnię i oddaje duchom żywą krew.
Wiodąca męska rola w różne kompozycje grają młodzi artyści Ilya Malakov i Stanislav Bondarenko.
Ich Kaligula to postać z obsesją na punkcie maniakalno-depresyjnego pomysłu. Wierzy, że jest w stanie wyjść poza ludzkie możliwości. Jak kameleon, zmienia jedną maskę na drugą, ale zostaje pokonany. Kaligula płaci za niego zarówno cudzą, jak i własną śmiercią.
Dziennikarz naszego portalu zapytał aktorów, jak przyzwyczaili się do roli tak silnej i żywej postaci historycznej.
„Kaligula to niezwykła postać” – potwierdził Stanislav Bondarenko. – I oczywiście nie popieram jego metod. Większość z nich jest dla mnie nie do zaakceptowania. Dlatego starałem się zrozumieć istotę Kaliguli.
„Tak, naszym celem było zrozumienie i usprawiedliwienie Kaliguli”, Ilya Malakov podejmuje rozmowę, „zrozumienie tragedii i jego wewnętrzny świat. Dlaczego tak się zachowywał. W końcu zawód aktora polega na zrozumieniu i usprawiedliwieniu swojego charakteru. To rola, którą można studiować w nieskończoność.
Jak trudno jest grać „bez słów”?
- Siergiej natychmiast nam poradził, poszukaj tego, co pomoże ci przyzwyczaić się do roli. Generalnie jest ciężko i na początku powiedzieliśmy frazę, co chcemy zrobić, a dopiero potem ją usuwamy i zastępujemy gestami. I dopiero wtedy Seryozha udoskonala go, aby wyglądał bardziej wyraziście - mówi Ilya.
„I to są gesty, które są ciekawsze, bardziej zrozumiałe dla publiczności, która przyjdzie obejrzeć przedstawienie” – zgodził się Stanislav ze swoim kolegą. - Zrozumieją fabułę bez słów.
Rolę Cesonii objął Ravshan Kurkova i prima Teatru Bolszoj Maria Alexandrova, a Drusilla - Katerina Spitz i Maria Bogdanovich (baletnica Teatru Bolszoj).
„Od dawna nie miałam takiego teatru”, powiedziała Katerina Shpitsa, „Oczywiście wychodzę na scenę, ale to mój pierwszy raz w takim przedstawieniu. Widziałem pracę Siergieja, a dokładniej jego spektakl „Demon”, więc chętnie zgodziłem się na udział. Mamy doskonałe relacje z zespołem.
Nasz dziennikarz zapytał również aktorkę o jej stosunek do historycznej postaci Kaliguli.
- Jak możesz go leczyć? Zdecydowanie niejednoznaczne. Wszelkie zaległe postać historyczna zarośnięty legendami, fikcjami, mitami. Każdy próbuje przeanalizować tę osobowość, mija Nowa era, nowi ludzie, którzy próbują przemyśleć historię i wnieść swoje przemyślenia. Myślę, że Kaligula, jako postać historyczna, jeśli pominiemy politykę, to oczywiście bardzo doskonały przykład, jak ciemna strona osobowość znajduje wyjście, podczas gdy ludzie wokół niego cierpią. Ale do jakiego stopnia ta dokumentalna prawda, nie wiemy. Gram Drusillę, siostrę Kaliguli, w której był zakochany. Według naszej wersji, jej śmierć doprowadziła do jego szaleństwa, posłużyła jako bodziec do uwolnienia się od niego wszystkiego, co ciemne. Obraz jest oczywiście bardzo symboliczny i alegoryczny, ponieważ w każdym mężczyźnie jest też żeńska część duszy, która odpowiada za uczucia i emocje oraz duchowość, podobnie jak kobieta jest część męska, która szybko podejmuje pewne decyzje . To głos rozsądku. To w Kaliguli widzimy, jak część męska miesza się z żeńską. I tak zaczyna tracić granice rozsądku - odpowiedziała Katerina.
Spektakl okazał się monumentalny, wyrazisty i spektakularny, a jednocześnie głęboki i dramatyczny. Słowa naprawdę nie są tutaj potrzebne, wystarczy zobaczyć i poczuć samą grę aktorów. Od 23 grudnia spektakl będzie można zobaczyć na scenie Moskiewskiego Teatru Prowincjonalnego.
Kategorie: Kaligula" url="https://diletant.media/history_in_culture/cal/review/36879755/">30 maja 1990 roku w Teatrze Mossovet na scenie „Pod dachem” odbyła się premiera sztuki „Kaligula” Piotra Fomenko. Oleg Mienszykow zagrał w produkcji sztuki Alberta Camusa Wiodącą rolę- szalony starożytny cesarz rzymski.
Niewielu widziało Kaligulę. W środowisku teatralnym wciąż krążą na jego temat mity. W dniu 25-lecia legendarny występ z Olegiem Mieńszikowem zapraszamy do zanurzenia się we wspomnieniach odzwierciedlonych w recenzjach teatralnych z początku lat dziewięćdziesiątych.
Wyjątkowe nagranie z próby spektaklu „Caligula”, w którym można zobaczyć, jak powstała ta legendarna produkcja oparta na sztuce Alberta Camusa o tym samym tytule. Twórcze poszukiwania reżysera Fomenko i intensywna praca aktorska Mienszykowa - główna wartość ten film.
„Śmiejemy się, żeby nie zwariować” – napisał Mark Twain. Te, żeby nie zwariować, grały. Mieńszikow i Kaligula mają takiego - nie władcę-kata, ale Mały Książę, oczarowany złymi zaklęciami i zamieniony w diabła. Hamlet grający Klaudiusza w jakiejś brzydkiej produkcji, tak przypominającej rzeczywistość. Nie można oderwać od niego wzroku, od tego chłopca kłócącego się z bogami, a zapomniany, dopiero w teatrze powraca do widza uczucie zachwytu ze spotkania z Aktorem. Dokładnie. Wszędzie jest gorzej, na nosie - głodny i Mroźna zima, a pod samym dachem w budynku na Majakowce - szczęście. Bardzo rosyjski”. Play, Prince! N.A., Moscow News, nr 1, 06 stycznia 1991
Na „Scenie pod Dachem” grana jest sztuka „Kaligula”. W Teatrze Rady Miejskiej Moskwy jest taki pokój, tylko sama scena, nie ma w niej scen. Widzowie i aktorzy są w pobliżu: wstań, wyciągnij rękę i możesz dotknąć ubrań wykonawców, a w każdym razie zajrzeć im w twarze, wyzywająco nie ukryte pod makijażem. Gra jest włączona 2 godziny 20 minut bez przerwy, a Mieńszykow jest zawsze na planie. I nawet gdy znika na minutę lub dwie, jego obecność jest nadal odczuwalna. Ku przerażeniu tych, którzy są w pobliżu i dziwnemu uczuciu, które sprawia, że widzowie doświadczają, wciągając ich wbrew ich woli w koszmar tego, co się dzieje. Trudno pozbyć się tego uczucia, ci, którzy go doświadczyli, zapamiętają je.” Łatwiej jest żyć niż udawać. Natela Lordkipanidze, „Ekran i scena”, nr 8, luty 1992
„Fomenko dokonał trafnego wyboru – Gajusz Juliusz Cezar, nazywany Kaligulą (but), gra młody aktor Oleg Mieńszikow, gra z tak wysokim poziomem ekspresji, że nie sposób oderwać od niego wzroku. Jego zdesperowany bohater wznieca demoniczny bunt przeciwko niesprawiedliwej strukturze życia, zdając sobie sprawę, że będzie musiał ponieść śmierć zarówno cudzą, jak i własną. Nie, Mieńszykow w ogóle nie gra „opętanego Führera”. Jego Kaligula jest osobą mającą obsesję na punkcie maniakalnego pomysłu. Wierzy, że jego wolność rządzenia jest transcendentna, że jest w stanie wyjść poza granice swojej ludzkiej jaźni. Ale ziemskie życie potyka go na każdym kroku. Próbując przechytrzyć „wieczny węzeł” ludzkości, przezwyciężyć absurd ziemskiej egzystencji, Kaligula poddaje się temu absurdowi. Jak kameleon zmienia jedną maskę na drugą. Wszystko na próżno. Za każdą maską prześwituje własna twarz Kaliguli, której nigdy nie udaje się poznać Niemożliwego.
Teatr nie żyje! Niech żyje teatr! M. Stroeva, Izwiestia, nr 188, 06.07.1990 r.
Aby dziś krzyczeć do publiczności „Do kradzieży potrzebna jest władza”, scena nie jest już potrzebna. Jest napisany na wszystkich ogrodzeniach.
Trzeba było wystawić coś nie z własnymi aktorami, żeby nagle dowiedzieć się, że Nyakroshus bez nich nie będzie istniał. Bez swoich aktorów. Jakby mieli coś, czego nie ma w Teatrze Narodów i chyba we wszystkich innych miejscach, tak samo – nie. Co więcej, okazuje się, że jego aktorzy nie różnią się niczym osobno - czy to mówiącą plastycznością ciała i twarzy, czy zdolnością całego ich biologicznego bytu do pozostania w wymyślonym pomyśle do końca, do kurtyny i trzymania nas w ich fikcja. Ale jest więcej. I tak przyszliśmy i usiedliśmy, zmarznięci i czekając na cud. Jesteśmy przygotowaną publicznością. Wiemy, że trafiliśmy do teatru, w którym są talenty, a dziś reżyserem jest ten, który zawsze mówi o bardzo ważnych rzeczach.
Ale prawie natychmiast coś jest nie tak. I wydaje się, jak zawsze, są ubrani w ciemną, cienką, powiewną koszulkę, ale dlaczego na nich ten kolor ziemi i gliny, który jest już znany Nyakroszowi, teraz wygląda na znoszony i zgniły. I wydaje się, że oni też mają za zadanie przekazać jakąś myśl czy atmosferę ruchem, ale tutaj – po prostu łamiemy sobie ręce, jeśli cierpimy, trzy whisky – w końcu wariujemy, długo i pusto dręczymy innego przyjaciela, dlatego. W końcu nienawidzimy naszych rywali. I nawet nie uderzamy miękko, gdy musimy rozbić się na strzępy – dbamy o siebie i nie boimy się łatwego fałszu.
Posłuchaj aktorów wystawionych przez Nyakroshusa język ojczysty- rzadkie szczęście! Ale nie są słyszani.
I ciągle pozwalają sobie na poślizgnięcia i poślizgnięcia. Czy oni naprawdę nie zdają sobie sprawy, że to nas powala, tak jak przewracają ich telefony „Jestem w Tatrach!” i świetliki z wiadomości tekstowych w ciemnym pokoju. Powala cię i wyrywa ze świata, w którym tak bardzo starałeś się zanurzyć, próbując na krześle widza, wewnątrz siebie grać i przeżywać to, czego oni tam nie robią, na scenie, kiedy czujesz i oddychaj zamiast nich.
A czasami w ogóle ich nie słyszysz. A ci, którzy nie mają biletów na stragany, powinni przeczytać przed spektaklem sztukę Camusa, w przeciwnym razie nie będzie możliwości usłyszenia sensu tekstu i humoru, prawie angielskiego (bo w frazie zawsze jest sprzeczność), przejrzystego , subtelny humor i okazał się tak przejrzysty, że w tej produkcji nie tylko go nie widać, ale i nie słychać. Wszystko jest ponure. Sceneria jest zakurzona (dachy łupkowe przy każdej pogodzie są przygnębiające, a w pozycji pionowej w ogóle powodują odrzucenie). Światło jest przygaszone, księżyc celowy, a czerwona sutanna papieża na rzymskim cesarzu nie pozwala zapomnieć, kto tu rządzi. Samo powietrze jest ponure lub matowe, nie da się od razu rozróżnić. Nie chodzą do Nyakroshus dla zabawy.
Jeśli wsłuchasz się uważnie, zrozumiesz, że czasami muzyka też brzmi - tak powstaje lepka cisza w formie akompaniament muzyczny Richard Wagner / ala Lars-von-Trier-Melancholy, mimo że nie zbliża się katastrofa. Wręcz przeciwnie, spektakl zaczyna się od katastrofy, a wszystko, co dzieje się dalej, to niemożność pogodzenia się z nią, tortura życia z tą osobą, aktywną, ciekawską i obdarzoną nieograniczoną mocą. I dzieli tę torturę, nie żałując ani wściekłości, ani fantazji. Beznamiętność aktora/bohatera jest beznadziejna i jedyny raz, kiedy krzyczy z pogardą, rozumiesz, dlaczego widzimy tę konkretną osobę w tej roli. Pogarda jest czymś, co Mironovowi wyraźnie daje się bez trudu.
Hasło „wolność – zawsze czyimś kosztem” wypowiadane jest od niechcenia i plecami do widza. Ale to już jest - na moje osobiste zniewagi. Być może ja sam uważam to zdanie za kluczowe, ci aktorzy nie są w tej samej kulturze, w której istnieje reżyser, a ta inscenizacja jest niczym.
Wersja bez słów
Na podstawie sztuki A. Camus
Wizerunek słynnego cesarza rzymskiego Gajusza Juliusza Cezara, zwanego Kaligulą, wciąż żyje, odradzając się od stuleci w literaturze, kinie i spektakle teatralne.
Spektakl Siergieja Zemlianskiego opiera się nie tylko na fabule sztuki Alberta Camusa o tym samym tytule, ale także na materiałach historycznych, wątkach dzieł sztuki innych autorów. Spektakl został wystawiony w gatunku "dramat plastyczny" - bez słów. Kreowanie wizerunku artystycznego następuje w tym przypadku nie tylko za pomocą plastyczności ciała i jasnych akcentów muzycznych, ale także za pomocą charakterystycznych elementów tanecznych.Teatr eksploruje wewnętrzny świat bohatera, przyczyny jego działań i pragnienia . Co właściwie czyni człowieka okrutnym i dlaczego ludzie wciąż tęsknią za takimi władcami? Co wywołuje strach i chęć posłuszeństwa? Czy to przekleństwo czy jedyna forma istnienia?
Sergei Zemlyansky tworzy spektakle plastyczne z artystami dramatycznymi i w rzeczywistości jest twórcą nowego kierunku w teatr dramatyczny- "dramat plastyczny". Kierunek ten pojawił się na przecięciu trzech gatunków teatralnych: spektaklu dramatycznego, teatru tańca i ekspresyjnych emocji pantomimy. Podstawą stylu bezsłownego, jak określa go sam reżyser, było stworzenie artystycznego wizerunku nie tylko za pomocą plastyczności ciała i jasnych akcentów muzycznych, ale także z wykorzystaniem charakterystycznych elementów tanecznych. Spektakle Siergieja Zemlianskiego wyróżniają się świetną ekspresją, groteskową prezentacją postaci, wykorzystaniem wizualnych i efekty muzyczne. Tworząc spektakle plastyczne z artystami dramatycznymi, wierzy, że „nic nie może ujawnić i przekazać wszystkich aspektów, zakamarków i zakamarków kompleksu ludzka dusza tak precyzyjny i potężny jak mowa ciała”.
Wartość nowego stylu „Plastikowy dramat” polega na tym, że jest to tłumaczenie dzieła dramatyczne na język rozumiany w dowolnym kraju na świecie. W końcu emocje są zrozumiałe dla wszystkich. Tylko najbardziej głębokie znaczenie oczyszczona z fałszu słów. Pozbawiając aktora dramatycznego jego najważniejszych narzędzi – tekstu i głosu, Zemlyansky odnajduje nowe narzędzia wyrazu. Przychodzi z pomocą muzyki, scenografii, efektów wizualnych.
To dzieło reżysera-choreografa będzie drugim wspólnym dziełem z zespołem Teatru Prowincjonalnego: ostatnio odbyła się premiera spektaklu Anny Goruszkiny na podstawie sztuki Arthura Millera „Widok z mostu”, w którym wystąpił Siergiej Zemlansky dyrektor plastiku.
Ponadto Kaligula będzie nadal rozwijał kierunek obrany przez Moskwę Teatr prowincjonalny, - być „teatrem dostępnym dla wszystkich”. W swoim repertuarze ma już spektakle z komentarzem dźwiękowym, dostępne dla widzów z dysfunkcją wzroku. A w „Kaliguli” oprócz dramaturgów zatrudnieni będą aktorzy słabosłyszący.
Sergei Zemlyansky: „Pomysł na wystawienie Kaliguli powstał dawno temu. Bardzo historyczna postać Gajusza Juliusza Cezara wciąż żyje, odradzając się z wieków na wieki w literaturze, kinie i przedstawieniach teatralnych. Będziemy pracować w tradycyjny dla nas sposób niewerbalny, pozbawiając bohaterów „słów”, w spektaklu wezmą udział artyści słabosłyszący. Interesujące wydaje nam się użycie znanego im języka migowego, któremu zdradzona zostanie forma sztuki. Ta wspólna filozofia sprawi, że praca będzie jeszcze bardziej wieloaspektowa!
Produkcja opiera się nie tylko na fabule sztuki Alberta Camusa o tym samym tytule, ale także na materiałach historycznych, wątkach dzieł sztuki innych autorów. Nie chcemy ograniczać się do jednej historii. Interesuje nas fantazjowanie, komponowanie spektaklu wspólnie z aktorami, kreowanie świata bohatera, motywów jego działań i pragnień. Nie interesuje nas, kto jest dobry, a kto zły. Badamy powody, dla których człowiek jest okrutny i dlaczego ludzie wciąż pragną takich władców. Co wywołuje strach i chęć posłuszeństwa? Czy to przekleństwo czy jedyna forma istnienia?
Sergey Bezrukov, dyrektor artystyczny
„Być może wybór tego materiału na inscenizację w naszych czasach spowoduje zaskoczenie. Wydawałoby się, że jesteśmy w historii cesarza rzymskiego Gajusza Juliusza Cezara, zwanego Kaligulą? Klasyczne pytanie brzmi: czym jest dla nas Hekuba? Ale przecież nie ma nic ważniejszego i bardziej interesującego niż poznawanie natury człowieka, jego pasji, wzlotów i upadków – „życia ludzkiego ducha”, o którym mówił Stanisławski. Jak tyran wyrasta z bezbronnego młodego człowieka, którego okrucieństwo było legendarne, co się z nim dzieje? Sergey Zemlyansky jest utalentowanym reżyserem z własnym niezwykłym językiem teatralnym i myślę, że praca z nim jest bardzo pożytecznym doświadczeniem dla naszych aktorów, aby spróbować swoich sił w nowym gatunku”.
Informacje reżysera:
Sergey Zemlyansky urodził się w mieście Czelabińsk w 1980 roku. W 2002 roku ukończył Czelabińsk Akademia Państwowa kultura i sztuka (kierunek choreografia). Studiował na kursach mistrzowskich europejskich i amerykańskich nauczycieli i choreografów. W latach 2001-2005 był tancerzem w Prowincjonalnym Teatrze Tańców (Jekaterynburg) pod dyrekcją Tatiany Baganowej. Pracował przy spektaklach „W drodze” choreografa J. Schlemera (Niemcy) oraz „STAU” holenderskiej choreografki Anouk Van Dyck (projekt zrealizowany w lipcu 2004 w Moskwie). Od 2006 roku współpracuje ze studiem SoundDrama, z którym wystawił ponad 15 spektakli w Rosji i za granicą.
