Czajkowski dał się ponieść emocjom i postanowił napisać Koncert skrzypcowy dla swojego przyjaciela. Nierówne relacje z Kotkiem, ciągłe zmiany nastrojów sprawiły, że Czajkowski zaczął wątpić, komu ten koncert zadedykować i zaproponować do wykonania. Kompozytor wolał od Kotka słynnego skrzypka L. Auera.
Koncert początkowo dedykowany był Leopoldowi Siemionowiczowi Auerowi, ale nie odważył się wykonać tego utworu ze względu na jego złożoność wykonawczą.
W Europie, a następnie w Rosji wykonawcą i propagandystą koncertu został skrzypek A. Brodski. I prawie jak pierwszy koncert fortepianowy nastąpiła zmiana inicjacji. Chociaż nawet część pierwszej edycji koncertu zdołała wyjść z dedykacją dla L. Auera. Później wszystkie publikacje ukazały się z dedykacją dla A. Brodskiego.
Koncert po raz pierwszy wykonał z orkiestrą 4 grudnia 1881 r. w Wiedniu przez Adolfa Dawidowicza Brodskiego, który został promotorem koncertu w Europie, a następnie w Rosji. Czajkowski, doceniając, że skrzypek grał to wirtuozowskie dzieło w Europie, gdzie twórczość Czajkowskiego była wówczas mało znana, zmienił swoje poprzednie dedykację na dedykację dla Adolfa Davidovicha Brodskiego.
Koncert na skrzypce i orkiestrę - jeden z najlepsze prace Rosyjski sztuka muzyczna. Obecnie ten koncert jest obowiązkowym utworem do wykonania na Międzynarodowy Konkurs imię Czajkowski.
Koncert skrzypcowy D-dur op. 35
Wiktor Tretiakow, skrzypce
Orkiestra Symfoniczna Radia Moskiewskiego
Dyrygent - Władimir Fedosejew
Koncert skrzypcowy (1878), powstały w czasach wielkiego entuzjazmu twórczego, tuż po zakończeniu Eugeniusza Oniegina i IV Symfonii, nie ustępuje I Koncertowi fortepianowemu pod względem jasności materiału i mistrzostwa jego opracowania , ale to bardziej „klasyczne”, harmonijne i harmonijnie wyważone kompozycje. Bogactwo i odwaga twórcza fantazja są posłuszni silnej, konstruktywnej woli i wpisują się w ramy ściśle racjonalnie zorganizowanych form, które jednak nie ograniczają wolności i bezpośredniości wypowiedzi.
Fragment partii solowej z koncertu
Koncert skrzypcowy Czajkowskiego to utwór przepełniony najwyższą duchową harmonią. Poetycka głębia muzyki, błyskotliwe wykorzystanie możliwości skrzypiec stawiają ją na równi z wzorcowymi dziełami tego gatunku – koncertami Beethovena, Mendelssohna, Brahmsa. Jednocześnie odznacza się piętnem indywidualności Czajkowskiego: symfoniczną rozpiętością, wirtuozowskim błyskotliwością. cudowniełączą się w nim ze wzruszającą szczerością, skromną łaską. Doskonały przykład służy jako część I (Allegro moderato). W nim płynnie powściągliwa muzyka orkiestrowego wstępu, prosta i szlachetna, naturalnie i łatwo się zastępuje. główny temat, strona piosenki.
Naturalnie i naturalnie rozwijają się urzekające melodyjnym pięknem i plastycznością tematy, które stopniowo rozszerzają się, narastają i „oddychają”, dwa motywy pierwszego Allegro – jeszcze jeden energiczny, odważny, rytmicznie ścigany, leżący u podstaw głównej części i inne - liryczne, kobieco miękkie ( część boczna) - nie tyle kontrast, ile uzupełniają się. Oba mają jasny kolor major i różnią się jedynie odcieniami wyrazu. Na szczególną uwagę ze względu na rozpiętość melodyczną i plastyczność rysunku zwraca uwagę drugi temat, który można przypisać najpiękniejszym lirycznym melodiom Czajkowskiego. Wyrastając z prostego motywu śpiewu, w ciągłym, napiętym rozwoju osiąga rozległy, ponad dwuoktawowy zakres i nabiera wyrazistego, wyrazistego brzmienia.
Alpy wokół Clarens. Piotr Iljicz Czajkowski dość długo mieszkał w Clarens. Tutaj pisał swoje opery Eugeniusz Oniegin i Joanna d'Arc, a także dobrze znane Koncert na skrzypce i orkiestrę d-moll(marzec 1878). Miejscem, w którym mieszkał Czajkowski, jest obecnie Royal Plaza Hotel.
Część II (Andante) - canzonetta - centrum liryczne koncertu. Jego kolorystyka jest miękka, lekko matowa - skrzypce solo i tyle. instrumenty strunowe grać z wyciszeniem. Miniaturowy kanzonet, spowity mgiełką światła, płytkie myślenie (Wiadomo, że najpierw Czajkowski napisał drugą część środkową, bardziej uszczegółowioną w formie i namalowaną w elegijnych tonach. Ale oczywiście kompozytor czuł, że nie odpowiada ona dostatecznie ogólna struktura utworu i mogła wywołać uczucie zwlekania To było powodem zastąpienia go inną, prostszą i krótszą. Początkowo część pisemna została włączona do cyklu trzech utworów na skrzypce i fortepian op.42 pt. „Medytacja” („Reflection”), napisany w prostej, trzyczęściowej formie, z głównym tematem pieśni, w którym słychać echa włoskich wrażeń kompozytora, oraz bardziej żywym, poruszającym środkiem.
Panorama Jeziora Genewskiego. W tych miejscach mieszkał PI. Czajkowski podczas pisania Koncertu
Przejściem do finału jest rozmarzona muzyka świetlna obramowująca canzonettę (Allegro vivacissimo). Jednocześnie jeden z jej motywów staje się kluczową intonacją głównego tematu finału - elastycznego i gorącego. Czajkowski podąża za ugruntowaną już w jego twórczości koncepcją symfoniczną, nawiązując do obrazów świątecznej zabawy ludowej. Poboczna część formy rondo-sonatowej z zamaszystym rytmicznie, ostro zaakcentowanym tematem, wybrzmiewającą na tle „wiejskich” kwinty wiolonczeli i upartymi, jakby kuszącymi powtórzeniami jednego krótkiego zwrotu melodycznego, ma szczególnie wyrazisty folk- charakter gatunku. Inny motyw, kobiecy i smutny, zdaje się wznosić wyspę intymnych tekstów pośród wzburzonego morza wakacji. uczucie sytości witalność zdominować ten finał.
Jean Sibelius
Koncert skrzypcowy d-moll op. 47 (1903)
1. Allegro moderacja
2. Adagio di molto
3. Allegro, ma non tanto
Emocjonalny, majestatyczny i ekscytujący koncert od dawna jest ulubieńcem publiczności. Jeden z krytyków porównał muzykę koncertu do „malowniczych skandynawskich zimowych pejzaży, w których artyści osiągają rzadkie, czasem hipnotyzujące i mocne efekty poprzez subtelną grę bieli na bieli”.
S. Prokofiewa
II Koncert skrzypcowy g-moll (1935)
1. Allegro moderacja
2. Zabójca Andante
3. Allegro, ben marcato
Drugi koncert skrzypcowy Prokofiewa jest pełen radosnych znalezisk melodycznych – to typowa twórczość prokofiewa, zarówno pod względem uczuciowego, jak i figuratywnego ukierunkowania – od najdoskonalszych tekstów po psoty, groteski, sarkazm, a także pod względem użytych środków (charakterystyczny interwał , niewyczerpana pomysłowość rytmiczna, innowacje barwowo-barwne, harmonijna cierpkość, klarowność formy). Muzyka koncertu jest prawdziwie teatralna – niektóre momenty przywodzą na myśl późne balety Prokofiewa, zwłaszcza Kopciuszka. Koncert rozpoczyna się prostą melodią skrzypcową kojarzoną z rosyjską muzyką ludową, druga część to cudowne Andante, w finale wyczuwalne Hiszpańskie motywy- głównemu tematowi ronda towarzyszy trzask kastanietów za każdym razem, gdy się pojawia (żona Prokofiewa jest Hiszpanką).
I. Strawiński
Koncert skrzypcowy D (1931)
Koncert skrzypcowy Strawińskiego to neoklasyczna kompozycja napisana z wyraźnym naciskiem na Bacha. Podobnie jak w większości dzieł z okresu neoklasycznego, tutaj Strawiński zachowuje epicki spokój, trzymanie się matematyki muzycznej i zaleca wykonawcom suche i oderwane granie. Instrument solowy i orkiestra są w nim na równi, a słuchanie dziwnych dźwięków akompaniamentu orkiestry jest nie mniej interesujące niż miarowych linii kreślonych przez skrzypce, niemniej jednak wszystko to brzmi jak zupełnie wzorowy koncert skrzypcowy, i w interpretacji współcześni wykonawcy dość wyrazisty.
A. Chaczaturian
Koncert skrzypcowy d-moll (1940)
1. Allegro con fermezza
2. Andante sostenuto
3. Allegro vivace
W Koncercie na skrzypce i orkiestrę Chaczaturiana w oryginalny sposób zastosowano szereg technik, które są stosowane w języku ormiańskim i gruzińskim. muzyka ludowa(powtarzane akcentowanie jednego dźwięku, ornamentyki, chromatyki, kapryśnego rytmu), cechy improwizacji są bliskie śpiewowi ashugów, przypomina się bajeczny wschód Rimskiego-Korsakowa, Borodina, Bałakiriewa.
M. Ravel "Cygan"
rapsodia koncertowa na skrzypce i orkiestrę (1924)
„Cyganka” Ravela oparta jest na melodiach stylu verbunkos (gatunek języka węgierskiego muzyka taneczna, który pojawił się w drugiej połowie XVIII wieku, a także styl węgierski muzyka instrumentalna koniec XVIII — początek XIX wieku), a raczej ich stylizowane podobieństwo. Partia solowa utrzymana jest w błyskotliwym, koncertowym stylu, partytura naznaczona jest pieczęcią czystej francuskiej elegancji, nasyconej niezwykle subtelnymi połączeniami skrzypiec i orkiestry.
Albański Berg
Koncert skrzypcowy „Pamięci anioła” (1936)
1. Andante - Allegretto
2. Allegro - Adagio
Koncert skrzypcowy Albana Berga poświęcony jest pamięci utalentowanej młodej skrzypaczki Anny Gropius, córki zmarłej w wieku siedemnastu lat wdowy po Gustavie Mahlerze (jej nazwiska nie ma na dedykacji. Mówi tylko: „Dem Andenken eines Engels” – „Pamięci anioła”). Koncert oparty jest na temacie dodekafonicznym, wznoszącym się od najniższego dźwięku skrzypiec do górnego rejestru, gdzie zawisa na „fa” trzeciej oktawy. W drugiej części drugiej, ostatniej części, Berg cytuje chorał Bacha, który zaskakująco organicznie wpisuje się w dwunastodźwiękową tkankę Koncertu. W muzyce króluje oświecona kontemplacja i dystans.
D. Szostakowicz
I Koncert skrzypcowy a-moll op. 77 (1948)
I. Nokturn (Moderato)
II. Scherzo (Allegro)
III. Passacaglia (Andante)
IV. Burleska (Allegro con brio - Presto)
Szostakowicz swój pierwszy koncert skrzypcowy napisał w 1948 roku. W koncercie nastrój tamtej epoki, „ciemności XX wieku” wyraża się przenikliwą ostrością właściwą tylko temu kompozytorowi.
Bela Bartok
II Koncert skrzypcowy (1938)
I. Allegro nie troppo
II. Andante spokój
III. Allegro
II Koncert skrzypcowy Béli Bartóka od dawna klasyka muzyczna XX wieku, czyniąc ludowe węgierskie rytmy z podwórek Europy Wschodniej własnością światowej klasyki. "Z ciemności, przerażenia i beznadziei naszych dni - do pokoju, światła i radości" - można by to opisać ukryty program ten koncert.
Edwarda Elgara
Koncert na skrzypce i orkiestrę op.61 (1910)
I. Allegro
II. Andante
III. Allegro
Koncert h-moll Elgara, Opus 61, napisany w 1910 roku, jest jednym z niewielu angielskich „staromodnych” koncertów, które pozostają w repertuarze języka angielskiego, utkanego ze znanych romantycznych formuł, ukazując jednocześnie wiktoriański splendor i wrażliwość emocjonalną.
Karol Szymanowski
II Koncert skrzypcowy op.61 (1933)
Drugi koncert Szymanowskiego łączy francuską kontemplację ze słowiańską dzikością, dawnym huculskim folklorem i nowoczesnością język muzyczny. Partytura przesycona jest duchem ludowych rytmów, entuzjazmem i liryczną szczerością - kompozytor wnika w te głębiny, w których tkwią archaiczne preintonacje muzyki polskiej.
Skrzypce są pochodzenia ludowego. Przodkami skrzypiec byli rebab arabski, fidel hiszpański, firma niemiecka, z której połączenia powstała altówka.
Kształty skrzypiec ustawione na XVI wiek. W tym wieku i początek XVII wieki to znani producenci skrzypiec - rodzina Amati. Ich instrumenty mają doskonały kształt i doskonały materiał. Ogólnie Włochy słynęły z produkcji skrzypiec, wśród których obecnie wysoko cenione są skrzypce Stradivari i Guarneri.
Skrzypce są instrumentem solowym od XVII wieku. Pierwszymi utworami na skrzypce są: „Romanesca per violino solo e basso” Mariniego z Brescii (1620) oraz „Capriccio stravagante” współczesnego Farina. A. Corelli uważany jest za twórcę artystycznej gry na skrzypcach; następnie Torelli, Tartini, Pietro Locatelli (1693-1764), uczeń Corelliego, który rozwinął brawurową technikę gry na skrzypcach.
Współczesną formę skrzypiec przybrały w XVI wieku, a rozpowszechniły się w XVII wieku.
urządzenie skrzypcowe
Skrzypce mają cztery struny nastrojone w kwintach: g, d, a, e (sól małej oktawy, re, la pierwszej oktawy, mi drugiej oktawy).
Zakres skrzypiec wynosi od g (sól małej oktawy) do a (la czwartej oktawy) i wyżej.
Barwa skrzypiec jest gęsta w dolnym rejestrze, miękka w środku i genialna w wysokim.
Korpus skrzypiec ma kształt owalny z zaokrąglonymi nacięciami po bokach, tworzących „talię”. Okrągłość konturów zewnętrznych oraz linie „talii” zapewniają wygodę grania, w szczególności w wysokich rejestrach.
Pokłady górny i dolny kadłuba są połączone ze sobą pociskami. Dolny pokład wykonany jest z klonu, a górny ze świerku tyrolskiego. Oba mają wypukły kształt, tworzący „sklepienie”. Geometria łuków, a także ich grubość, w pewnym stopniu determinują siłę i barwę dźwięku.
Inne ważny czynnik, wpływające na barwę skrzypiec - wysokość muszli.
W górnym pokładzie wykonane są dwa otwory rezonatorowe - efs (w kształcie przypominają łacińska litera F).
Pośrodku górnej płyty rezonansowej znajduje się stojak, przez który przechodzą struny zamocowane na strunociągu. Końcówka to pasek hebanu, rozszerzający się w kierunku mocowania sznurków. Jej przeciwny koniec jest wąski, z grubym żyłkowym sznurkiem w formie pętli, połączony z guzikiem znajdującym się na muszli. Statyw wpływa również na barwę instrumentu. Eksperymentalnie ustalono, że nawet niewielkie przesunięcie podstawki prowadzi do znacznej zmiany barwy (przy przesunięciu w dół dźwięk jest przytłumiony, w górę bardziej przeszywający).
Wewnątrz korpusu skrzypiec, między górnym a dolnym pokładem, włożony jest okrągły kołek z rezonansowego świerka - kochanie (od słowa „dusza”). Ta część przenosi wibracje z górnego pokładu na dolny, zapewniając rezonans.
Gryf skrzypiec to długa płyta wykonana z hebanu lub tworzywa sztucznego. Dolna część szyi jest przymocowana do zaokrąglonego i polerowanego pręta, tzw. gryfu. Także o sile i barwie dźwięku instrumenty smyczkowe duży wpływ ma materiał, z którego są wykonane oraz skład lakieru.
Technika gry na skrzypcach
Struny są dociskane czterema palcami lewej ręki do podstrunnicy ( kciuk wyłączony). Struny prowadzone są za pomocą łuku w prawej ręce gracza.
Dociśnięcie palca do podstrunnicy skraca strunę, podnosząc w ten sposób wysokość struny. Struny, które nie są naciskane palcem, nazywane są strunami otwartymi i są oznaczone przez zero.
Partia skrzypiec zapisana jest w kluczu wiolinowym.
Zakres skrzypiec wynosi od soli małej oktawy do czwartej oktawy. Więcej wysokie dźwięki trudny.
Od półzacisku sznurka do pewne miejsca otrzymuje się flageolety. Niektóre dźwięki harmoniczne wykraczają poza zakres skrzypiec wskazany powyżej.
Nakładanie palców lewej ręki nazywa się palcowaniem. Palec wskazujący ręki nazywa się pierwszym, środkowym - drugim, pierścieniem - trzecim, małym palcem - czwartym. Pozycja to palcowanie czterech sąsiednich palców oddalonych od siebie o jeden ton lub półton. Każdy ciąg może mieć siedem lub więcej pozycji. Im wyższa pozycja, tym trudniej. Na każdej strunie, z wyłączeniem kwinty, idą głównie tylko do piątej pozycji włącznie; ale na piątej lub pierwszej strunie, a czasem na drugiej, używane są wyższe pozycje - od szóstej do dwunastej.
Sposób prowadzenia smyczka ma ogromny wpływ na charakter, siłę, barwę dźwięku, a nawet na frazowanie.
Na skrzypcach można normalnie zagrać dwie nuty jednocześnie na sąsiednich strunach (struny podwójne), w wyjątkowych przypadkach - trzy (wymagany jest silny nacisk smyczka), a nie jednocześnie, ale bardzo szybko - trzy (struny potrójne) i cztery. Takie kombinacje, głównie harmoniczne, są łatwiejsze do wykonania z pustymi smyczkami i trudniejsze bez nich i są zwykle stosowane w utworach solowych.
Bardzo powszechną techniką tremolo w orkiestrze jest gwałtowna przemiana dwóch dźwięków lub powtórzenie tego samego dźwięku, tworząc efekt drżenia, drżenia, migotania.
Technika col legno, czyli uderzanie trzonkiem smyczka w strunę, powoduje pukanie, śmiercionośne brzmienie, z którego z dużym powodzeniem korzystają również kompozytorzy muzyki symfonicznej.
Oprócz zabawy smyczkiem, jednym z palców dotykają strun. prawa ręka- pizzicato.
Aby osłabić lub stłumić dźwięk, używają tłumika - metalowej, gumowej, gumowej, kostnej lub drewnianej płytki z wgłębieniami w dolnej części na struny, która jest przymocowana do górnej części stojaka lub klaczki.
Na skrzypcach łatwiej jest grać w tych klawiszach, które pozwalają na największe wykorzystanie pustych strun. Najwygodniejszymi pasażami są te, które składają się z gam lub ich części, a także pasaży naturalnych tonacji.
Trudno być skrzypkiem wiek dojrzały(ale możliwe!), ponieważ wrażliwość palców i pamięć mięśniowa są dla tych muzyków bardzo ważne. Czułość palców osoby dorosłej jest znacznie mniejsza niż u młodego człowieka, a pamięć mięśniowa rozwija się dłużej. Najlepiej uczyć się gry na skrzypcach od piątego, szóstego, siódmego, a może nawet młodszego wieku.
Jeśli pragniemy wymienić najbardziej tajemniczą osobę w historii sztuki w ogóle, a muzyki w szczególności, to niewątpliwie jednym z pierwszych pretendentów będzie. Jedni współcześni uważali go za „diabelskiego skrzypka”, inni wyrażali żal, że potomni nigdy nie dowiedzą się, jak grał... Wiele pytań dotyczących jego życia i twórczości pozostaje do dziś bez odpowiedzi, a jedną z tajemnic Paganiniego pozostają jego koncerty skrzypcowe z orkiestrą. Muzykolodzy nie mają dokładnej odpowiedzi, ile takich dzieł stworzył Paganini, co oznacza, że być może część jego dzieł pozostaje przed nami ukryta. Można śmiało powiedzieć o sześciu koncertach skrzypcowych - ich partytury są w posiadaniu spadkobierców kompozytora, niektóre zostały wydane po raz pierwszy za życia autora, inne - w XX wieku; należą do repertuaru skrzypków, choć niektóre koncerty cieszą się większą popularnością niż inne. Jeden z listów kompozytora wspomina jednak o pewnym koncercie f-moll, a w autobiografii o dwóch kolejnych, napisanych w Parmie w 1796 roku. Ponadto Conestabile, włoski biograf kompozytora, wspomina o dwóch koncertach pisanych w rzadko używanych tonacjach, mi-sharp. dur i b-moll (być może wymagały specjalnego strojenia skrzypiec). Tak więc kilka koncertów Paganiniego pozostaje do dziś nieznanych.
Ale jeśli możemy żałować utraconych koncertów, to możemy podziwiać tylko te, które do nas przyszły. Oczywiście koncerty skrzypcowe powstały na długo przed Niccolo Paganinim, ale wszystkiego, co było przed nim, nie można porównać z wielkością jego twórczości. Skala formy, jasność kontrastów, bogactwo melodyczne, patos porównywalny do dramatu spektakl operowy, wiele ciekawych efektów kolorystycznych - wszystko to wyróżnia tzw. wielki koncert”, którego początek położył Paganini. Jak przekonywał, możliwości wielu „spektakularnych i dowcipnych” technik, które pojawiły się w koncertach Paganiniego, skrzypkowie nigdy wcześniej nie podejrzewali, ale odkąd odkrył je wielki Włoch, opisanie ich wszystkich zajęłoby całą książkę.
Zasada „konkurencji”, która leży u podstaw gatunku koncert instrumentalny, w utworach Paganiniego dochodzi do granic, partia skrzypiec jest w nich jak rola w dramacie, centralna aktor co staje się romantyczny artysta. Taka koncentracja na osobowości twórcy prowadzi do wzrostu roli zasady improwizacji – w koncertach Paganiniego nie brakuje dramatycznych „wypowiedzi”, dygresje, swobodnie rozwijające się monologi fantasy, które urozmaicają strukturę formy. Na przykład w pierwszej części I Koncertu D-dur pojawia się swoiste instrumentalne załamanie intonacji, charakterystyczne dla recytatywów w operach. Oprócz tego „monologu” w pierwszej części pracy nie ma żadnych specjalnych innowacji w dziedzinie forma muzyczna wyczuwalna jest jednak charakterystyczna cecha koncertu romantycznego: w figuratywnej strukturze allegra sonatowego część boczna odgrywa ważniejszą rolę niż część główna, zbudowana na kontrastach rejestrowych w ramach tej samej linii melodycznej. Druga część przypomina natchnioną, pełną dramatyzmu aria operowa. Podobnie jak w pierwszej części, są tu bardzo szerokie ruchy melodyczne - w melodii jest skok do dziesiątek, ale jeśli w pierwszej części takie intonacje były postrzegane jako integralna część bohaterski obraz, następnie w Adagio nadają wyrazistości lirycznej wypowiedzi, nasycając ją emocjonalną intensywnością. Warto zauważyć, że w rękopisie tego koncertu części… instrumenty orkiestrowe a skrzypce solo kompozytor pisał w różnych tonacjach: orkiestra - Es-dur, solista - D-dur, co polega na nastrojeniu instrumentu solo o pół tonu wyżej i umożliwieniu pewnych efektów.
Najsłynniejszym był II Koncert h-moll, a dokładniej jego ostatnia część – „Campanella” („Dzwon”). W tym rondzie jeden z charakterystyczne cechy styl Paganiniego - obfitość zdobnictwa, która nie ma nic wspólnego z "dekoracją". Melizmatyczne zdobienia i przejścia organicznie wpasowują się w kontury melodyczne, nadając im albo oratorski patos, albo wyrafinowaną elegancję. W głównym temacie „Campanelli” melizmaty odtwarzają najsubtelniejsze przelewy bicia tych dzwonów, jakie można było usłyszeć na włoskich karnawałach. Do tego wrażenia przyczynia się rejestr i ostrość „odbijających się” kresek. Obraz wzbogacony jest technikami kolorystycznymi – np. użycie flażoletów. Często "Campanella" wykonywana jest w transkrypcji, ale w tym przypadku rondo traci sporo ze swego uroku - zarówno przez "cięższe" harmonie, jak i przez zanik wykluczonego przez Kreislera epizodu lirycznego.
Koncerty skrzypcowe Niccolò Paganiniego były wykonywane i nadal są wykonywane przez wielu muzyków. Są jednym z tych „odbić” sztuki wielkiego skrzypka, których urok nie słabnie z czasem.
Wszelkie prawa zastrzeżone. Kopiowanie jest zabronione.
