ทำงานบนตาชั่ง ตาชั่งบนเปียโน ขั้นเริ่มต้นของการสอนขลุ่ย คำอธิบายตำแหน่งของนิ้วบนขลุ่ยขวาง

คาเมเนวา ทัตยานา บอริซอฟนา
ชื่องาน:ครู
สถาบันการศึกษา: MBUDO "โรงเรียนดนตรีเด็กหมายเลข 1 ตั้งชื่อตาม M. I. Glinka"
สถานที่:สโมเลนสค์
ชื่อของวัสดุ:คู่มือการศึกษาและระเบียบวิธี
เรื่อง:เครื่องบันทึกการสอนในโรงเรียนดนตรี: ปัญหาและแนวโน้มในปัจจุบัน
วันที่ตีพิมพ์: 21.09.2016
บท:การศึกษาเพิ่มเติม

เทศบาล องค์กรที่ได้รับทุนจากรัฐการศึกษาเพิ่มเติม "โรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กหมายเลข 1 ตั้งชื่อตาม M. I. Glinka ใน Smolensk" เครื่องบันทึกการสอนในโรงเรียนดนตรี: ปัญหาและโอกาสในปัจจุบัน คู่มือการศึกษาและระเบียบวิธี Kameneva T.B. อาจารย์ประจำภูมิภาคมอสโกเรื่องลมและเครื่องเพอร์คัชชัน Smolensk
เนื้อหา
การแนะนำ

บทที่ 1

เชิงทฤษฎี

ด้าน

การสอน

เครื่องบันทึก

โรงเรียนดนตรี
1.1 จัดตั้งโรงเรียนสอนเล่นเครื่องบันทึก 1.2 รูปแบบและวิธีการพัฒนาความสามารถทางดนตรีเมื่อเรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึก
บทที่สอง

ใช้ได้จริง

ด้าน

การฝึกอบรม

เกม

เครื่องบันทึก

โรงเรียนดนตรี
. 2.1 กฎพื้นฐานและหลักการทำงานของเครื่องบันทึก 2.2. อนาคตในการสอนเครื่องบันทึกในโรงเรียนดนตรีในฐานะเครื่องดนตรีอิสระ
บทสรุป.

บรรณานุกรม.

การแนะนำ

ความเกี่ยวข้อง

วิจัย
งานนี้ถูกกำหนดโดยเงื่อนไขวัตถุประสงค์สมัยใหม่ หนึ่งในส่วนที่สำคัญที่สุดของการศึกษาด้านสุนทรียศาสตร์คือการศึกษาด้านดนตรีซึ่งได้รับความสนใจอย่างมากในประเทศของเรา สถานที่สำคัญในหมู่สถาบันการศึกษาถูกครอบครองโดยโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กซึ่งมีบทบาทรับผิดชอบในการเตรียมนักเรียนให้ประกอบอาชีพต่อไป การศึกษาด้านดนตรีในระดับมัธยมศึกษาตอนพิเศษ สถาบันการศึกษาและมีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อการศึกษาด้านสุนทรียศาสตร์ทั่วไป ภารกิจหลักของการศึกษาระดับประถมศึกษาในโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กคือการกระตุ้นความสนใจของเด็ก ๆ ในดนตรีและฝึกฝน สอนภาษาศิลปะดนตรีให้พวกเขา พัฒนารสนิยมทางศิลปะและจินตนาการที่สร้างสรรค์ เป็นสิ่งสำคัญมากที่จะต้องรักษาความอยากรู้อยากเห็นและความสนใจของเด็กในบทเรียนดนตรีซึ่งเขาแสดงให้เห็นเมื่อเข้าโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็ก ครูที่ทำงานกับเด็กควรรู้สึกถึงความรับผิดชอบที่ยิ่งใหญ่ต่อนักเรียนของตนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการแนะนำให้เด็กรู้จักกับประสบการณ์ทางดนตรีใหม่และใหม่ เพื่อรักษาความเป็นธรรมชาติของทัศนคติของเขาต่อโลกดนตรีที่ขยายตัวอยู่ตลอดเวลาสำหรับเขา และเพื่อรักษาความสนใจอย่างแข็งขันใน ดนตรีในตัวเขา ลักษณะเฉพาะของเครื่องดนตรีประเภทลมไม่เพียงแต่กำหนดช่วงเวลาในการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีเหล่านี้เท่านั้น แต่ยังรวมถึงอายุหรือสุขภาพกายที่เกี่ยวข้องกับอายุของนักเรียนด้วย เนื่องจากผู้ที่ต้องการเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมบางครั้งมีอายุเพียง 5-7 ปี การฝึกเล่นเครื่องบันทึกเบื้องต้นจึงกลายเป็นเรื่องปกติในโรงเรียนดนตรี การเรียนรู้เครื่องเป่าลม "ขนาดใหญ่" (โอโบฟลุต บาสซูน แซกโซโฟน ทรัมเป็ต ทรอมโบน ทูบา ฯลฯ) ในวัยนี้แทบจะเป็นไปไม่ได้เลยเนื่องจากพัฒนาการทางสรีรวิทยาของเด็กยังไม่เพียงพอ ดังนั้นเครื่องบันทึกจึงเป็นทางเลือกที่ยอดเยี่ยมสำหรับพี่ใหญ่ ในโรงเรียนดนตรีสมัยใหม่ เด็กจะได้รับความรู้ทางทฤษฎี พัฒนาด้านสุนทรียศาสตร์ และเชี่ยวชาญทักษะการเล่นเครื่องดนตรีที่เขาเลือก บทเรียนจากเครื่องบันทึกเสียงช่วยขยายขอบเขตความรู้ทางดนตรีของนักเรียน มีส่วนช่วยในการพัฒนาความสนใจ การทำงานหนัก และความเข้าใจในดนตรีอย่างลึกซึ้งยิ่งขึ้น จากประสบการณ์ 20 ปี (ผู้เขียนงานวิจัยนี้) กับนักเรียนในโรงเรียนดนตรีเด็ก จึงสามารถโต้แย้งได้ว่านักเรียนที่มีทักษะทางดนตรีระดับประถมศึกษา
พวกเขาเรียนรู้ได้ค่อนข้างเร็วในระยะแรกและเปลี่ยนไปใช้เครื่องมือลมชนิดอื่นอย่างไม่ลำบาก โดยที่พวกเขายังคงฝึกฝนต่อไปได้สำเร็จและด้วยความสนใจอย่างมาก และบรรลุผลลัพธ์ที่ดี
ระดับการพัฒนาทางวิทยาศาสตร์
ระบบการสอนสมัยใหม่กล่าวถึงประเด็นต่างๆ มากมายที่เกี่ยวข้องกับการปรับปรุงเครื่องมือวัดและลักษณะทางเสียงของเครื่องมือ มีการตั้งคำถามเกี่ยวกับการตีความงานดนตรี การปรับปรุงกระบวนการศึกษาเพิ่มเติม นำเสนอผลลัพธ์ของการหายใจและปัจจัยบางประการของกระบวนการแสดงของนักดนตรีประเภทลม การวิจัยทางวิทยาศาสตร์สมัยใหม่ระบุว่าต้องปลูกฝังการพัฒนาความสามารถทางดนตรี การก่อตัวของรากฐานของวัฒนธรรมดนตรี เริ่มตั้งแต่วันแรกที่เด็กอยู่ในโรงเรียนดนตรี และการพัฒนาความสามารถทางดนตรีมีผลกระทบต่อการพัฒนาโดยรวม ของเด็ก: ขอบเขตทางอารมณ์ จินตนาการ ความตั้งใจ และจินตนาการพัฒนาขึ้น เมื่อสังเกตกิจกรรมของนักเรียนในบทเรียน สรุปได้ว่าการตอบรับที่ดีจากเด็กๆ และผลที่ตามมาก็คือ กิจกรรมที่มากขึ้นซึ่งนำไปสู่การซึมซับเนื้อหาบทเรียนได้ดีขึ้น มาจากกิจกรรมประเภทเหล่านั้นที่นักเรียนเป็นผู้แสดงโดยตรง มันเป็นหลักการของการทำดนตรีของตัวเองที่มีพื้นฐานมาจากเทคนิคตะวันตกมากมาย ตัวอย่างเช่นระบบ Carl Orff ซึ่งเพิ่งแพร่หลายในประเทศของเรา ปัญหาของน้ำเสียงบนเครื่องเป่าลมครอบคลุมอยู่ในผลงานของ N.I. Karaulovsky, ปริญญาตรี เชสโตปาลาและยูไอ กริตเซนโก. บทความของ I.F. มุ่งเน้นไปที่การพัฒนาทักษะการแสดงและอุปกรณ์การเล่นของผู้เล่นทองเหลือง Pushechnikova, I.P. มอสโกเวนโก. ทฤษฎีและวิธีการแสดงทักษะได้รับการเปิดเผยในงานทางวิทยาศาสตร์ของ V.M. Buyanovsky, A.P. Barantsev และ R.A. Maslova (หลักการสร้างสรรค์ วิธีการ และการสอนของนักดนตรีที่โดดเด่น) ส่วนหลักของแนวคิดการสอนจะพิจารณาวิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีลมในระยะเริ่มแรก สามารถแยกแยะได้หลายทิศทางที่นี่ นี่คือการค้นหาวิธีการสอนใหม่ที่เกี่ยวข้องกับการปรับปรุงกระบวนการศึกษาทั้งหมด - A. Naydi และ M. Shaposhnikova ศึกษาปัจจัยด้านกระบวนการปฏิบัติงานโดยใช้วิธีการวิจัยที่เข้มงวด
เครื่องมือวัด - A. Selyanin, B. Pronin และ V. Bubnovich ลักษณะอะคูสติกของเครื่องดนตรีลม - V. Apatsky ในงานของรองศาสตราจารย์ชั้นขลุ่ยของ GMPI ที่ตั้งชื่อตาม Gnesinykh A. Naydi “ปัญหาการสอนการเล่นเครื่องเป่าลมไม้ที่เกี่ยวข้อง” เกี่ยวข้องโดยตรงกับปัญหาในการฝึกวิชาชีพของนักแสดงเกี่ยวกับเครื่องเป่าลมที่เกี่ยวข้อง และโดยเฉพาะอย่างยิ่งเครื่องบันทึก ครูชั้นนำ I. Pushechnikov, I.P. Mozgovenko และคนอื่น ๆ พวกเขาเน้นว่ากระบวนการปฏิบัติประกอบด้วยองค์ประกอบหลายอย่าง และประการแรกถูกกำหนดโดยวิธีการสอนที่มีอยู่ ประการที่สอง สภาพและความสมบูรณ์แบบของเครื่องดนตรี ประการที่สาม วัฒนธรรมดนตรีทั่วไปของนักแสดง ซึ่งขึ้นอยู่กับความรู้ของเขาในด้านประวัติศาสตร์และทฤษฎีดนตรี สุนทรียภาพ รูปแบบของการรับรู้ทางดนตรี และความสามารถในการนำความรู้ที่ได้มาไปใช้ในงานของเขา การหายใจ การศึกษา ระยะและการพัฒนา ถือเป็นจุดเด่นในการวิจัยของ N.N. Solodueva และ B.O. Dikova N.I. Platonov และ Yu.G. ยากูดินา. แนวคิดการสอนของ I. Pushechnikov และ B. Pronin ในช่วงเริ่มต้นของการฝึกอบรมแบ่งออกเป็นสองส่วน: เชิงทฤษฎีและระเบียบวิธี ส่วนแรกของแนวคิดนี้ยืนยันถึงความจำเป็นในการแนะนำเครื่องบันทึกในกระบวนการศึกษาของโรงเรียนดนตรีในฐานะเครื่องดนตรีที่สามารถใช้เพื่อแก้ปัญหาการเรียนรู้ของเด็ก ๆ ในการเล่นเครื่องเป่าลมไม้และเครื่องเป่าทองเหลือง ในแง่นี้เครื่องบันทึกมีวัตถุประสงค์เพื่อทำหน้าที่ของเครื่องดนตรีระดับกลาง: เครื่องบันทึก, โอโบหรือเครื่องบันทึก, อ็อกเทฟทรอมโบน, ทรอมโบน ผลงานประเภทนี้จะช่วยเสริมหลักสูตรวิธีการส่วนตัวที่มีอยู่ และมีส่วนช่วยในการสร้างหลักสูตรวิธีการทั่วไปสำหรับการสอนการเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมที่ครบถ้วนและครอบคลุม ในขณะเดียวกัน การวิเคราะห์ทำให้เราสามารถบอกได้ว่าไม่มีแนวทางการสอนเครื่องอัดเสียงที่โรงเรียนดนตรีอย่างเป็นระบบ
ใช้ได้จริง

ความสำคัญ

งาน
คือมีพื้นฐานมาจากการศึกษาการพัฒนาทางทฤษฎี ระเบียบวิธี ประสบการณ์ทางประวัติศาสตร์และระดับชาติ และเป็นที่สนใจของครูในโรงเรียนดนตรีเด็กและโรงเรียนศิลปะสำหรับเด็ก
เป้า
แสดงให้เห็นถึงความจำเป็นในการสอนเครื่องอัดเสียงในโรงเรียนดนตรี
งาน

เพื่อศึกษาความเป็นมาของการก่อตัวของโรงเรียนการเล่นเครื่องบันทึก เพื่อวิเคราะห์รูปแบบและวิธีการพัฒนาความสามารถทางดนตรีเมื่อเรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึก คุณคือกฎและหลักการพื้นฐานในการแสดงเครื่องบันทึก กำหนดขั้นตอนการเรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึก พิจารณาโอกาสในการบันทึกการสอน
บทที่ 1 ด้านทฤษฎีเครื่องบันทึกการสอนใน

โรงเรียนดนตรี

ก่อตั้งโรงเรียนสอนเล่นเครื่องบันทึก
. เครื่องบันทึกเป็นประเภทของขลุ่ยตามยาวและเป็นของประเภทเครื่องเป่าลมไม้และเป็นของตระกูลนกหวีด นี่เป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เรียนรู้การเล่นได้ง่ายแม้อายุ 4-5 ขวบและเล่นท่วงทำนองที่ง่ายที่สุด เครื่องบันทึกมี 8 หลุม โดย 7 หลุมอยู่ที่ด้านหน้าของเครื่องดนตรี และอีก 1 หลุมอยู่ที่ด้านหน้าของเครื่องดนตรี ด้านหลังทำหน้าที่เป็นวาล์วอ็อกเทฟ กล่าวคือ ช่วยให้เสียงเพิ่มขึ้นหนึ่งอ็อกเทฟ การก่อตัวของเสียงเกิดขึ้นในกระบอกเป่าซึ่งไม่สามารถถอดออกได้และอยู่ที่ปลายขลุ่ย เครื่องบันทึกเป็นเครื่องดนตรีของสเกลไดโทนิก แต่ด้วยการใช้นิ้วและการเป่าแบบ "ส้อม" ทำให้สเกลสามารถขยายเป็นสีได้ การใช้นิ้วแบบ "ส้อม" ช่วยให้คุณได้ฮาล์ฟโทนที่ต้องการโดยใช้รูปิดครึ่งหนึ่ง โครมาติกสเกลคือ "ชุดของเสียงที่จัดเรียงตามลำดับในเซมิโทน (จากน้อยไปหามากหรือจากมากไปน้อย) ภายในช่วงที่มีอยู่ของเครื่องดนตรี เมื่อเล่นเครื่องบันทึกที่มีสเกลสี นักดนตรีจะมีโอกาสสร้างสรรค์มากขึ้นเนื่องจากชุดเสียงที่กว้างขึ้น แน่นอนว่าเครื่องบันทึกไม่ได้ทำจากพลาสติกแต่เดิม หากเพียงเพราะในขณะที่มีการประดิษฐ์ วัสดุดังกล่าวไม่เป็นที่รู้จัก เครื่องบันทึกที่แท้จริงคือเครื่องดนตรีที่ทำจากไม้ เครื่องบันทึกสมัยใหม่มักทำจากไม้หรือพลาสติก นอกจากนี้ยังมีตัวเลือกแบบรวม: ส่วนหลักของเครื่องดนตรีทำจากไม้และปากเป่าทำจากพลาสติก ขลุ่ยทำมือจากมะฮอกกานี ชิงชัน หรือบ็อกซ์วูด ถือเป็นขลุ่ยที่ดีที่สุดตั้งแต่สมัยบาโรก ตัวเลือกที่เรียบง่ายกว่าคือเครื่องบันทึกที่ทำจากต้นเมเปิล ลูกแพร์ หรือไม้ผลอื่นๆ ไม่มีอะไรผิดปกติกับความจริงที่ว่าเครื่องบันทึกทำมาจากไม้เหล่านี้
มหัศจรรย์ การทำความคุ้นเคยกับคุณสมบัติของไม้ก็เพียงพอแล้ว ตัวอย่างเช่นไม้ชิงชันซึ่งเป็นไม้ที่ยังคงมีราคาแพงที่สุดชนิดหนึ่งมีความทนทานต่อความชื้นได้ดีเยี่ยมและไม่ไวต่อการเน่าเปื่อย นอกจากนี้ ไม้ชิงชันยังมีความหนาแน่นและทนทานมาก ซึ่งทำให้เครื่องดนตรีที่ทำเสร็จแล้วยังทนทานต่อแรงเค้นเชิงกลอีกด้วย ไม้เมเปิ้ล ลูกแพร์ และไม้แอปเปิลก็ค่อนข้างแข็งและทนทาน แต่ก็ยังมีคุณสมบัติด้อยกว่าไม้ Boxwood และ Rosewood ลักษณะเสียงต่ำและลักษณะเสียงอื่นๆ ของเครื่องบันทึกจะขึ้นอยู่กับวัสดุที่ใช้ทำเครื่องดนตรีเป็นอย่างมาก เนื่องจากอายุการใช้งานของเครื่องดนตรีประเภทลม โดยเฉพาะเครื่องดนตรีประเภทไม้นั้นเป็นสิ่งที่หาเทียบไม่ได้ ชีวิตน้อยลงดังนั้นอายุการใช้งานเฉลี่ยของเครื่องบันทึกที่มีการใช้งานอย่างต่อเนื่องคือประมาณ 20 ปี เครื่องบันทึกมีอยู่ในประเพณี ประเทศต่างๆยุโรป. และในทุกภาษาคุณจะพบกับชื่อที่แตกต่างกันออกไป ดังนั้น ในภาษาอังกฤษ เครื่องบันทึกจะฟังดูเหมือนเครื่องบันทึก ชื่อนี้มาจากคำว่า บันทึก ซึ่งมี 2 ความหมาย คือ บันทึก และ เรียนรู้ ชื่อ "เครื่องบันทึก" ซึ่งคุ้นเคยกับหูชาวรัสเซียเป็นการทับศัพท์ของคำภาษาเยอรมัน blockflote (blockflute) ซึ่งสามารถแปลได้ว่า "ขลุ่ยกับบล็อก" แท้จริงแล้วเครื่องดนตรีนี้เข้ามาในประเทศของเราจากประเทศเยอรมนีพร้อมกับแฟชั่นสำหรับครูสอนภาษาเยอรมัน สิ่งนี้อธิบายถึงความนิยมของระบบการใช้นิ้วของเยอรมันในรัสเซีย เป็นไปได้ว่าขลุ่ยฝรั่งเศส a bec - "ขลุ่ยกับกระบอกเสียง" - มาจากชื่อภาษาเยอรมัน ในภาษาอิตาลี เครื่องบันทึกเสียงจะมีเสียงเหมือน flauto dolce ซึ่งก็คือ "gentle flute" หรือ "sweet flute" ชื่อนี้อาจเกิดจากการที่เสียงของเครื่องบันทึกของแท้นั้นนุ่มนวลและนุ่มนวลมาก เครื่องบันทึกเสียงมักจะมีความโดดเด่นตามเกณฑ์ต่างๆ เช่น การบันทึกเสียง ขนาด และการใช้นิ้ว ประเภทเครื่องบันทึกเสียงที่พบมากที่สุดตามเครื่องบันทึกเสียงสามารถเรียกได้ห้าประเภท: โซปรานิโน, โซปราโน, อัลโต, เทเนอร์ และเบส เครื่องบันทึกโซปราโน (อังกฤษ: “Descant”) เป็นสิ่งที่พบได้บ่อยที่สุดในบรรดาเครื่องดนตรีเหล่านี้ทุกประเภท เป็นเครื่องบันทึกโซปราโนที่ใช้ในการสอนในโรงเรียนดนตรี สื่อการเรียนรู้ทั้งหมด รวมถึงบันทึกย่อส่วนใหญ่ ได้รับการบันทึกไว้สำหรับเครื่องดนตรีนี้โดยเฉพาะ จริงๆ แล้วช่วงความถี่ของเครื่องบันทึกโซปราโนนั้นสูงกว่าระดับแปดเสียง แต่เนื่องจากการสัญกรณ์ที่โน้ตตรงกับความถี่พอดีจะไม่สะดวกนักสำหรับการฝึกนักดนตรี จึงเป็นเรื่องปกติที่จะเขียนโน้ตให้ต่ำกว่าระดับแปดเสียง
ตามสารานุกรมดนตรี "การใช้นิ้ว (จากภาษาละติน Applico - ฉันกด ฉันสมัคร) เป็นวิธีการจัดและลำดับของการสลับนิ้วเมื่อเล่นเครื่องดนตรี การกำหนดวิธีการนี้ไว้ในบันทึกย่อ” ดังนั้น การใช้นิ้วของเครื่องบันทึกจะให้คำอธิบายว่านิ้วของคุณควรใช้นิ้วปิดรูใดบนอุปกรณ์เพื่อให้ได้โน้ตเฉพาะ เครื่องบันทึกของระบบอังกฤษหรือ "บาโรก" แพร่หลายไปทั่วโลก นี่คือการใช้นิ้วของนักดนตรีมืออาชีพ ตามชื่อเลย การใช้นิ้วนี้มีต้นกำเนิดในอังกฤษ คุณสมบัติพิเศษของเครื่องบันทึกสไตล์บาโรกคือรูที่สี่จากด้านล่างมีเส้นผ่านศูนย์กลางเล็กกว่ารูที่สาม เครื่องบันทึกที่มีนิ้วแบบดั้งเดิมปรากฏช้ากว่าเครื่องดนตรีที่มีระบบบาโรกมาก ปัจจุบันรุ่นนี้ค่อนข้างหายาก เครื่องบันทึกของเยอรมันมีความทันสมัยกว่าซึ่งถูกประดิษฐ์ขึ้นแล้วในศตวรรษที่ 20 เครื่องบันทึกของเยอรมันได้รับความนิยมส่วนใหญ่ในเยอรมนี ฮอลแลนด์ และที่น่าแปลกใจคือในรัสเซีย เชื่อกันว่าเครื่องบันทึกที่มีการใช้นิ้วแบบดั้งเดิมจะเรียนรู้ได้ง่ายกว่า ดังนั้นในโรงเรียนดนตรีจึงมีการนำเสนอโมเดลนี้ให้กับนักเรียน เนื่องจากเครื่องบันทึกภาษาเยอรมันถูกสร้างขึ้นเพื่อสอนเด็กนักเรียน ความแตกต่างประการหนึ่งระหว่างขลุ่ยเยอรมันกับขลุ่ยอังกฤษก็คือ ในทางกลับกัน รูที่สี่มีเส้นผ่านศูนย์กลางใหญ่กว่ารูที่สาม ดังนั้นจึงมีความแตกต่างในการใช้นิ้วเมื่อเล่นโน้ตบางตัวและสิ่งนี้จะสร้างปัญหาในการแสดงสำหรับเด็ก ๆ นอกจากนี้เครื่องบันทึกสไตล์บาโรกยังมีช่องสัญญาณที่แคบกว่าซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมเสียงของพวกเขาจึงเงียบกว่าเครื่องบันทึกของเยอรมัน เครื่องบันทึกซึ่งประดิษฐ์ขึ้นในยุคกลางเป็นเวลาหลายศตวรรษได้รับความนิยมอย่างล้นหลามในหมู่ประชากรกลุ่มต่างๆ ในอังกฤษ เยอรมนี อิตาลี และฝรั่งเศส เครื่องบันทึกพบได้ในภาพวาดของศิลปินและในงานวรรณกรรมในสมัยนั้น ตามรายงานบางฉบับ เครื่องบันทึกยังเป็นหนึ่งในเครื่องมือทางโลกของขุนนางรัสเซียด้วยซ้ำ เริ่มตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เครื่องดนตรีนี้ไม่เพียงแต่ถูกโยนออกจากวงซิมโฟนีออเคสตร้าเป็นเวลาหลายปีและเกือบจะถูกลืมไปจนหมดจนถึงต้นศตวรรษที่ 20 ดังนั้น หากไม่ใช่เพราะผู้ที่ชื่นชอบในศตวรรษที่ผ่านมาหลายคน ผู้บันทึกก็จะยังคงเป็นโบราณวัตถุที่ไม่น่าสนใจสำหรับใครเลยตลอดไป ในทางตรงกันข้าม เครื่องบันทึก "สมัยใหม่" ที่จริงแล้วเป็นผู้สืบทอดสายตรงของรุ่นเครื่องดนตรีในยุคบาโรกสูง สิ่งง่ายๆเหล่านั้น เครื่องมือพลาสติกธรรมดามากและ
ความนิยมในหมู่คนหนุ่มสาวในยุคของเราเป็นเพียงสำเนาที่เรียบง่ายของฟลุตเหล่านั้นที่ทำให้หูของ "ราชาแห่งดวงอาทิตย์" (หลุยส์ที่ 14) พอใจและฟังในร้านดนตรีในยุคนั้น ความจริงก็คือ "การปฏิวัติ" ในการออกแบบเครื่องบันทึกเกิดขึ้นก่อนหน้านี้เล็กน้อย - ที่หน้าตัดของยุคเรอเนซองส์และบาโรก แต่สิ่งที่อาจดูน่าประหลาดใจยิ่งกว่าสำหรับหลาย ๆ คนก็คือความจริงที่ว่าเครื่องบันทึกรุ่นเรอเนซองส์ในยุโรปเป็นรุ่นที่มักใช้ในการแสดงดนตรีสมัยใหม่ แม้แต่ดนตรีแจ๊ส แต่ตามความเป็นจริงแล้วมันก็คุ้มค่าที่จะสังเกตผลงานของปรมาจารย์ที่โดดเด่นแห่งศตวรรษที่ 20 เช่น Ralph Ehlert ประเทศเยอรมนี เขาไม่เพียงแต่พัฒนาความสามารถด้านเสียงและพลังเสียงของเครื่องดนตรีเท่านั้น แต่ยังคิดค้นเครื่องบันทึกรุ่นของเขาเองซึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในยุโรป เครื่องบันทึกแบบยุโรปคลาสสิกเป็นที่รู้จักมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 11 แต่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในช่วงยุคเรอเนซองส์ ไอเดียเกี่ยวกับดนตรี ยุคกลางตอนต้นมีเงื่อนไขมาก มีเพียงผู้สันนิษฐานได้ว่าการล่มสลายของจักรวรรดิโรมัน (ซึ่งปัจจุบันเป็นธรรมเนียมที่จะเริ่มนับยุคกลาง) และการอพยพครั้งใหญ่ของประชาชน (ศตวรรษที่ IV-VII) ส่งผลกระทบต่อการแพร่กระจายของเครื่องดนตรีในยุโรป เครื่องดนตรีประเภทลมส่วนใหญ่ในยุโรปสามารถเรียกได้ว่าเป็นมรดกของจักรวรรดิโรมันได้อย่างง่ายดาย โดยพื้นฐานแล้ว เรากำลังพูดถึงเครื่องมือที่กองทัพใช้ ประวัติความเป็นมาของเครื่องบันทึกเริ่มต้นขึ้นในภายหลัง แต่เราสามารถพิจารณาข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการเผยแพร่เครื่องมือนี้ เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับดนตรียุโรปได้ตั้งแต่ประมาณศตวรรษที่ 6 แต่น่าเสียดายที่เราสามารถคาดเดาได้เฉพาะสิ่งที่เกิดขึ้นในดนตรีก่อนช่วงเวลานี้เท่านั้น ในเวลานี้ ประเพณีการร้องเพลงในโบสถ์แบบเสียงเดียวเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งต่อมาได้เปลี่ยนเป็นการร้องประสานเสียง ผลงานดนตรีเหล่านี้มีพื้นฐานมาจากเพลงสวดของโบสถ์ เกือบจะก่อนที่จะมีการร้องเพลงประสานเสียงในโบสถ์นักบวชทุกคนก็ร้องเพลง การร้องประสานเสียงประกอบด้วยนักดนตรีมืออาชีพเท่านั้น เป็นเวลานานมากแล้วที่มีเพียงดนตรีประเภทนี้เท่านั้นที่ถูกเก็บรักษาไว้ในโบสถ์ ในปี 660 เครื่องดนตรีของคริสตจักรชิ้นแรกปรากฏขึ้น - "เครื่องดนตรีศักดิ์สิทธิ์" - ออร์แกนซึ่งจนถึงทุกวันนี้เป็นลักษณะสำคัญของคริสตจักรคาทอลิก อย่างไรก็ตาม ท่อหลายแบบในการออกแบบออร์แกนมีรูปร่างเหมือนเครื่องบันทึก ประมาณศตวรรษที่ 11-12 การร้องเพลงแบบโพลีโฟนิกเกิดขึ้น ซึ่งหลายศตวรรษต่อมาก็เริ่มมีเครื่องดนตรีร่วมด้วย แต่ปรากฏการณ์นี้ไม่ใช่สาเหตุหลักที่ทำให้เครื่องบันทึกปรากฏ ฉากยุคกลาง. บทบาทที่สำคัญกว่ามากในการทำให้เป็นที่นิยมคือนักดนตรีที่เดินทางซึ่งเริ่มปรากฏตัวในเวลาเดียวกัน ภายใต้นักดนตรีที่เดินทางคุณสามารถทำได้
ประการแรกคือ คณะนักร้องประสานเสียงชาวฝรั่งเศสและคณะนักร้องประสานเสียงชาวฝรั่งเศส ตลอดจนคนงานเหมืองชาวเยอรมัน ซึ่งเป็นศิลปินที่กล่าวถึงชีวิตอัศวินในด้านต่างๆ ในบทกวี รวมถึงความรักต่อหญิงสาวสวยที่ไม่อาจบรรลุได้ บทกวีทั้งหมดที่แต่งโดยนักดนตรีเร่ร่อนจำเป็นต้องมีการบรรเลง และผู้บันทึกก็กลายมาเป็นเครื่องมือประกอบนี้อย่างแน่นอน มีเครื่องดนตรียุคกลางเพียงไม่กี่ชิ้นเท่านั้นที่รอดมาจนถึงทุกวันนี้ สามในนั้นถูกพบระหว่างการขุดค้นในเมืองดอร์เดรชต์ของเนเธอร์แลนด์ ในเกิททิงเงนของเยอรมนี และในเอลบลากของโปแลนด์ ขลุ่ยเหล่านี้มีอายุย้อนไปถึงศตวรรษที่ 13-14 พวกเขาทั้งหมดมีทะเบียนนักร้องโซปราโน ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ดนตรีฆราวาสที่ห้ามอย่างเคร่งครัดก่อนหน้านี้ในที่สุดก็เริ่มได้รับอิสรภาพในที่สุดแม้ว่าในเวลานี้จะมีแนวเพลงที่โดดเด่นชัดเจนก็ตาม ดนตรีบรรเลงแม้จะค่อยๆ เริ่มได้รับอิสรภาพ แต่ก็ยังเป็นเพลงประกอบรองของเพลงและการเต้นรำมาเป็นเวลานาน ในเวลานี้ การเรียบเรียงเพลงที่เปลี่ยนจากการประพันธ์เพลงทางจิตวิญญาณหรือทางโลกเป็นการประพันธ์เพลงพื้นบ้าน บางครั้งมีการใช้เครื่องเพอร์คัชชันและเครื่องลมโดยเฉพาะเครื่องบันทึก เริ่มได้รับความนิยม การแพร่กระจายของเครื่องบันทึกเกิดจากความเรียบง่ายของเกม วงดนตรีที่ได้รับความนิยมเป็นพิเศษคือวงดนตรีที่ประกอบด้วยเครื่องดนตรีประเภทเดียวกัน - มเหสี โดยวิธีการค่อนข้าง จำนวนมากผลงานดนตรีในสมัยนั้นถูกสร้างขึ้นโดยไม่มีการอ้างอิงถึงเครื่องดนตรีชนิดใดชนิดหนึ่ง กล่าวคือ งานชิ้นหนึ่งสามารถทำได้โดยใช้เครื่องบันทึกหรือวงดนตรีเครื่องสาย การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญที่สุดในดนตรียุคเรอเนซองส์เกิดขึ้นในฝรั่งเศส ก่อนอื่นเลย สิ่งนี้เชื่อมโยงกับชื่อของปิแอร์ แอทเทนแนน ชายคนนี้ซึ่งเริ่มตีพิมพ์ในราวปี 1525 เป็นคนแรกที่ประดิษฐ์จดหมายที่บรรยายภาพไม้เท้าและโน้ต ตั้งแต่นั้นมา คะแนนก็มีให้สำหรับคนจำนวนมาก อย่างรวดเร็ว เทคโนโลยีการพิมพ์อันเป็นเอกลักษณ์ของ Attenyan แพร่กระจายไปทั่วยุโรป เราสามารถพูดได้ว่าเป็นชายคนนี้ที่เราเป็นหนี้การปรากฏตัวของโน้ตตัวแรกสำหรับผู้บันทึก และสิบปีต่อมาในปี 1535 หนังสือเรียนเล่มแรกเกี่ยวกับการเล่นเครื่องบันทึกได้รับการตีพิมพ์ในเมืองเวนิส - "La Fontegara, la quale insegna di suonare il flauto ฯลฯ" ผู้แต่งคือนักแต่งเพลงชาวอิตาลี Silvestro Ganassi สิ่งสำคัญคือบทความนี้ไม่เพียงเผยแพร่ข้อมูลเกี่ยวกับเทคนิคต่าง ๆ ในการเล่นเครื่องบันทึกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการใช้นิ้วด้วย เราเป็นหนี้การปรากฏตัวของอารมณ์ที่เท่าเทียมกันซึ่งเป็นพื้นฐานของดนตรียุโรปทั้งหมดในยุคบาโรก
เครื่องบันทึกในสมัยบาโรกได้กลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีชั้นนำ ผลงานดนตรีจำนวนมากที่เขียนขึ้นสำหรับเครื่องดนตรีนี้ยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ในทางใดทางหนึ่ง บาโรกเป็นช่วงเวลาแห่งเครื่องบันทึก ตัวอย่างเช่น ในช่วงเวลานี้เองที่คอลเลกชัน "Der Fluyten Lust-Hof" ของ Jacob van Eyck (1646-1649) ได้รับการตีพิมพ์ ซึ่งยังถือเป็นคอลเลกชันที่ใหญ่ที่สุดของผลงานสำหรับเครื่องดนตรีประเภทลมเดี่ยวที่เขียนโดยนักแต่งเพลงเพียงคนเดียว ในศตวรรษที่ 17 มีการเปลี่ยนแปลงในการออกแบบเครื่องบันทึก ในเวลานี้เองที่เครื่องบันทึกที่เรียกว่า "บาโรก" ปรากฏขึ้นซึ่งใกล้เคียงกับเครื่องดนตรีรุ่นทันสมัยนี้มาก การเปลี่ยนแปลงส่วนใหญ่ประกอบด้วยการลดเส้นผ่านศูนย์กลางของขลุ่ย สิ่งนี้ทำให้โทนเสียงของฟลุตเปลี่ยนไป ตั้งแต่นั้นมา เสียงก็หยุดที่จะนุ่มนวล ไม่เหมือนเครื่องดนตรีรุ่นก่อนๆ และเข้าใกล้สิ่งที่เราได้ยินมากขึ้นในปัจจุบัน ในศตวรรษที่ 18 ชื่อ “เครื่องบันทึก” จางหายไปเบื้องหลังและถูกแทนที่ด้วยคำว่า “ขลุ่ย” ขลุ่ยขวางในสมัยนั้นเรียกง่ายๆ ว่า ขลุ่ยเยอรมัน ผู้เชี่ยวชาญระบุเหตุผลที่แตกต่างกันในการเปลี่ยนเครื่องบันทึกด้วยฟลุตขวางในวงซิมโฟนีออร์เคสตร้าและวงดนตรีบรรเลง เป็นไปได้ว่าสิ่งเหล่านี้ทั้งหมดส่งผลต่อการลืมเลือนของเครื่องดนตรี สาเหตุหนึ่งที่ตามธรรมเนียมถือว่าเป็นเสียงเครื่องบันทึกที่ค่อนข้างเงียบ แต่ตำแหน่งนี้เป็นที่ถกเถียงกัน เนื่องจากในตอนแรกขลุ่ยตามขวางไม่ได้ดังกว่าเครื่องบันทึก หลังจากนั้นเมื่อมีการเปลี่ยนแปลงการออกแบบบางอย่าง ฟลุตตามขวางก็เริ่มมีเสียงดังขึ้นและมีความสามารถทางเทคนิคที่สูงขึ้น ปัจจุบัน เป็นเรื่องยากมากที่จะค้นหาความคล้ายคลึงระหว่างเครื่องบันทึกกับขลุ่ยขวาง อย่างไรก็ตาม ไม่สามารถปฏิเสธได้ว่าในขณะนั้น ฟลุตตามขวางมีช่วงเสียงที่กว้างกว่าและมีโทนเสียงที่บริสุทธิ์กว่า อีกเหตุผลหนึ่งก็คือเครื่องบันทึกเล่นได้ยากมากเนื่องจากคุณลักษณะของมัน ความจริงก็คือเครื่องบันทึกที่ทำด้วยไม้มีแนวโน้มที่จะเปลี่ยนการปรับจูนเนื่องจากการเปลี่ยนแปลงของอุณหภูมิอากาศ การปรับจูนจะเปลี่ยนทั้งจากการเล่นในที่เย็นและจากการให้ความร้อนแก่ฟลุตขณะเล่น ด้วยขลุ่ยขวาง ปัญหานี้เด่นชัดน้อยกว่ามาก ที่น่าสนใจคือผลงานดนตรีหลายชิ้น เช่น ผลงานชิ้นที่ 10 ของวิวาลดี เดิมเขียนสำหรับผู้บันทึก และต่อมาถูกดัดแปลงเป็นขลุ่ยขวาง แหล่งข้อมูลบางแห่งอ้างว่าอีกเหตุผลหนึ่งที่ทำให้เครื่องบันทึกถูกแทนที่ก็คือความจริงที่ว่าดนตรีหยุดเป็นเพียงงานอดิเรกที่น่ารื่นรมย์และถูกเปลี่ยนเป็นดนตรีอย่างแท้จริง
ทรงกลมมืออาชีพ ค่อนข้างยากที่จะเห็นด้วยกับสิ่งนี้เนื่องจากเครื่องบันทึกแทบจะไม่ถูกมองว่าเป็นเครื่องดนตรีที่ไม่เป็นมืออาชีพ นอกจากนี้ ในงานหลายชิ้นของ Bach ผู้บันทึกจะเล่นเดี่ยวร่วมกับทรัมเป็ตและโอโบ เปลี่ยน รสนิยมทางดนตรีทั้งตัวนักดนตรีเองและผู้ฟังรวมถึงการประเมินความสามารถของเครื่องบันทึกไม่เพียงพอซึ่งเกิดจากการขาดนักแสดงมืออาชีพซึ่งตามมาด้วยการเปลี่ยนแปลงลำดับความสำคัญ ในเวลาเดียวกัน แฟชั่นสำหรับผู้บันทึกก็เริ่มกลายเป็นอดีตไปแล้ว และวงดนตรีที่ประกอบด้วยเครื่องดนตรีที่แตกต่างกันก็เริ่มปรากฏให้เห็นบ่อยขึ้นเรื่อยๆ ในแง่นี้ เครื่องบันทึกไม่สามารถแข่งขันกับเครื่องเป่าลมอื่นๆ ได้ ในความเป็นจริง ในบรรดาวงดนตรีทั้งหมด เมื่อต้นศตวรรษที่ 18 เหลือเพียงวงเครื่องสายเท่านั้น ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นพื้นฐาน วงซิมโฟนีออร์เคสตรา. เครื่องดนตรีอื่นๆ ทั้งหมด - กลอง ลม ฯลฯ – ถูกเลือกสำหรับออเคสตราโดยพิจารณาจากความเข้ากันได้กับเครื่องสาย เกณฑ์หลักคือไดนามิกและความเสถียรของน้ำเสียง เครื่องบันทึกเป็นเครื่องดนตรีที่แทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะเล่นด้วยความหลากหลายแบบไดนามิก นอกจากนี้ยังมีความบริสุทธิ์ของโทนเสียงไม่เพียงพอเมื่อเทียบกับเครื่องดนตรีอื่นๆ นอกจากนี้ยังสามารถสันนิษฐานได้ว่าขนาดไดโทนิกของเครื่องบันทึกและความยากลำบากในการขยายเป็นสีมีบทบาทสำคัญ แต่ควรสังเกตว่าผู้บันทึกไม่ได้สละตำแหน่งในทันที เครื่องบันทึกประเภทหนึ่ง - ฮาร์มอนิก - เริ่มแพร่หลายในศตวรรษที่ 17 และเนื่องจากเสียงที่ค่อนข้างดังและชัดเจนจึงเข้ากันได้ดีกับวงออเคสตรา สเกลฮาร์มอนิกเริ่มต้นด้วยโน้ต "D" ของอ็อกเทฟที่สอง ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดประการหนึ่งของการใช้ฮาร์โมนิกในวงออเคสตราคือโอเปร่าของ V.-A "ขลุ่ยวิเศษ" ของโมสาร์ท มันเป็นฮาร์มอนิกที่กลายเป็น "ขลุ่ยวิเศษ" ในงานของอัจฉริยะ อาจเป็นไปได้ว่าในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เครื่องบันทึกก็ถูกแทนที่ด้วยฟลุตตามขวางโดยสิ้นเชิงและพร้อมกับการหายตัวไปของเครื่องดนตรีนี้จากประวัติศาสตร์ดนตรีเพิ่มเติมจนถึงศตวรรษที่ 20 ปรมาจารย์ที่มีส่วนร่วมใน การผลิตเครื่องบันทึกก็หายไปเช่นกัน ในยุโรปตะวันออก เครื่องบันทึกยังคงพบเห็นได้ทั่วไปเช่น เครื่องดนตรีพื้นบ้าน. เหล่านี้คือโซปิลกายูเครน (dentsivka), ไปป์เบลารุส, สโลวัก fuyara, fluera ของมอลโดวาและโรมาเนีย (fluyara, fluyra) ในช่วงปลายศตวรรษที่สิบเก้า - ต้นศตวรรษที่ผ่านมา เครื่องบันทึกถูกจดจำอีกครั้งว่าเป็นเครื่องดนตรีโบราณที่น่าสนใจ นี่เป็นเพราะแนวโน้มทั่วยุโรปที่มีต่อการฟื้นฟูความสนใจในประวัติศาสตร์ของตนเองและวัฒนธรรมของชนชาติอื่น วงดนตรีชุดแรก
ดนตรีโบราณปรากฏขึ้นอย่างแม่นยำในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 เวลานี้เกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นของปรากฏการณ์เช่น "ความแท้จริง" ความสมจริงหรือการแสดงที่แท้จริงคือ “การเคลื่อนไหวในการแสดงดนตรีที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อสร้างเสียงดนตรีในอดีตขึ้นมาใหม่อย่างแม่นยำที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ และเพื่อให้ตรงกับการแสดงสมัยใหม่กับแนวคิด “ทางประวัติศาสตร์” ดั้งเดิม โดยพื้นฐานแล้ว ลัทธิแท้ในยุคแรกมีความเกี่ยวข้องกับการสร้างสรรค์ดนตรีบาโรกอย่างละเอียด ต่อมาแนวคิดนี้ก็ได้แพร่กระจายไปสู่แนวดนตรีอื่นๆ ในปี 1919 นักดนตรีชาวอังกฤษ Arnold Dolmech ก้าวแรกสู่การฟื้นฟูเครื่องบันทึกเสียงสมัยศตวรรษที่ 18 เวอร์ชันภาษาอังกฤษโดยเริ่มผลิตเครื่องดนตรีนี้ ต่อมาเขามีบทบาทสำคัญในการเผยแพร่ความสนใจในการแสดงที่แท้จริงและสร้างอะนาล็อกของเครื่องดนตรีโบราณ อย่างไรก็ตาม ในเยลลี่จริงๆ โดลเมคไม่ใช่คนแรกเลย แม้ว่าเขาจะถือว่าเป็นเช่นนั้นก็ตาม นำหน้าด้วยนักดนตรีจากบรัสเซลส์ Conservatory (ที่ Dolmetsch ศึกษา) และองค์กร Bogenhauser Künstlerkapelle และนักดนตรี Willibald Gurlit, Werner Dankertz, Gustav Scheck ทั้งหมดนี้ชี้ให้เห็นว่าการฟื้นฟูเครื่องบันทึกไม่ได้เป็นผลมาจากคน ๆ เดียว แต่เกิดจากนักดนตรีทั้งกลุ่มที่ยิ่งกว่านั้นได้ทำงานแยกจากกันในประเทศต่างๆ ที่น่าสนใจคือในเวลากว่าร้อยปีเล็กน้อยข้อมูลเกี่ยวกับเครื่องบันทึกก็สูญหายไปในทางปฏิบัติ เมื่อ Igor Fedorovich Stravinsky คุ้นเคยกับเครื่องดนตรีนี้ เขาแน่ใจว่ามันเป็นคลาริเน็ตแบบเก่ามาก อันที่จริงผู้แต่งไม่ได้เข้าใจผิดมากนัก เนื่องจากคลาริเน็ตรุ่นแรกมีลักษณะคล้ายกับเครื่องบันทึกมาก ชื่อเช่น Paul Hindemith, Mark Weinroth, Ferdinand Conrad, David Monroe มีความเกี่ยวข้องกับการแสดงที่แท้จริงและความนิยมของเครื่องบันทึก
1.2. รูปแบบและวิธีการพัฒนาความสามารถทางดนตรีด้วย

การเรียนรู้เครื่องบันทึก
การสอนดนตรีซึ่งปรับปรุงวิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีลมอย่างต่อเนื่องควรเป็นแรงผลักดันใหม่อย่างไม่ต้องสงสัยในการนำเครื่องบันทึกไปใช้ในการฝึกสอนดนตรีและการแสดงในวงกว้าง แต่ก่อนที่เราจะพูดถึงประเด็นการสอนเด็ก ๆ ให้เล่นเครื่องบันทึกโดยตรง เราควรคำนึงถึงข้อกำหนดเบื้องต้นที่จำเป็นสำหรับการเรียนรู้รายละเอียดปลีกย่อยด้านการแสดงและจิตวิทยาทั้งหมดที่ควรจะเป็น
อยู่ในมุมมองและความสนใจของครูผู้สอนเครื่องดนตรีพิเศษอย่างต่อเนื่อง - ผู้บันทึก ความสามารถทางดนตรีที่ช่วยให้คุณเชี่ยวชาญเครื่องดนตรีใดๆ รวมถึงเครื่องบันทึก ได้แก่ การได้ยิน ความทรงจำ และจังหวะ แน่นอนว่ามันเป็นโดยนัย หูสำหรับฟังเพลงความทรงจำทางดนตรีและความรู้สึก จังหวะดนตรี. นักเรียนที่มีความสามารถไม่เพียงแต่จะต้องสามารถกำหนดเสียงและระดับเสียงเท่านั้น แต่ยังตอบสนองต่อ "น้ำเสียง" "ไดนามิก" ประสบการณ์ทางอารมณ์ของดนตรี และรู้สึกถึงตัวละครของมันด้วย ด้วยการฝึกฝนอย่างมีเป้าหมายและมีเป้าหมาย การพัฒนาความสามารถทางดนตรีจึงสามารถบรรลุผลลัพธ์ที่ยอดเยี่ยมได้ หยิบขึ้นมา ความสามารถทางดนตรีเป็นไปได้ถ้าคุณรักดนตรีและมีความปรารถนาอย่างยิ่งที่จะทำมัน ความสามารถตามธรรมชาติควรได้รับการพัฒนาตั้งแต่วัยเด็ก บางครั้งเด็กไม่แสดงความสามารถทางดนตรีทันที แต่เราสามารถกำหนดความสนใจในดนตรีของเขาได้ตั้งแต่อายุยังน้อย การพัฒนาการได้ยินจะต้องกระทำอย่างชำนาญและเป็นมืออาชีพ ดังนั้นในโรงเรียนดนตรีเด็ก ตั้งแต่ชั้นปีแรกของการศึกษา หลักสูตรจึงประกอบด้วยวิชาสำหรับพัฒนาหู ความจำ และจังหวะทางดนตรี แต่กิจกรรมเหล่านี้เพียงอย่างเดียวไม่เพียงพอที่จะพัฒนารายละเอียดปลีกย่อยในการรับรู้ทางดนตรีของเด็ก ครูมืออาชีพจะต้องพัฒนาความสามารถของนักเรียนในชั้นเรียนอย่างสม่ำเสมอ การได้ยินของนักเรียนอาจพัฒนาได้ดีกว่าความจำหรือจังหวะ นอกจากนี้ยังอาจเป็นอีกทางหนึ่ง: ความจำและจังหวะได้รับการพัฒนาอย่างประณีตมากกว่าการได้ยิน ดังนั้นจึงจำเป็นต้องพัฒนาความสามารถของนักเรียนโดยอาศัยความสามารถและข้อมูลธรรมชาติของเขา เพื่อกำหนดความสามารถทางดนตรี ครูต้องตรวจสอบนักเรียนของเขาอย่างรอบคอบ ควรให้ความสนใจอย่างต่อเนื่องกับน้ำเสียงที่ถูกต้องซึ่งเป็นวิธีที่สำคัญที่สุดในการแสดงออกทางดนตรี เพื่อพัฒนาน้ำเสียงที่แม่นยำ จำเป็นต้องพัฒนาหูด้านดนตรีของนักเรียนอย่างต่อเนื่อง รวมถึงความรู้สึกในการควบคุมตนเอง การบรรลุโทนเสียงที่สะอาดด้วยเครื่องบันทึกไม่ใช่เรื่องง่าย เนื่องจากเสียงส่วนใหญ่เกิดขึ้นโดยใช้การใช้นิ้วผสมกัน เป็นที่ทราบกันดีว่าไม่มีเครื่องดนตรีที่ได้รับการปรับจูนอย่างสมบูรณ์แบบ เครื่องมือลมเป็นเครื่องมือปรับแต่งแบบกึ่งคงที่ ระดับเสียงของเครื่องบันทึกสามารถปรับได้ตามไดนามิก การเปลี่ยนการใช้นิ้วและการยืดปากเป่า นี่เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งที่ต้องจำไว้เมื่อเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องบันทึก เนื่องจากทัศนคติที่ไม่แยแสของนักเรียนต่อการผลิตเสียงมักจะทำให้การปรับและการบิดเบือนของน้ำเสียงลดลงหรือเพิ่มขึ้น
เครื่องมือลมมีคุณสมบัติหลายประการ หนึ่งในนั้นคือความไม่ถูกต้องในการปรับจูน ซึ่งจำเป็นต้องมี "การแก้ไข" ความสูงของเสียงแต่ละเสียงอย่างต่อเนื่องโดยใช้ความตึงเครียดของริมฝีปากที่เหมาะสม ซึ่งต้องเพิ่มความไวในการได้ยินต่อน้ำเสียง คุณสมบัติอีกอย่างหนึ่งคือความหลากหลายของเสียงร้อง ดังนั้น ผู้เรียนเกี่ยวกับเครื่องดนตรีประเภทลมจึงสามารถได้รับความสามารถในการกำหนดและจินตนาการถึงระดับเสียงที่แท้จริงของเครื่องดนตรีที่พวกเขากำลังเล่นได้อย่างง่ายดาย สำหรับหลายๆ คน สิ่งนี้จะแสดงออกมาทันทีที่พวกเขาหยิบเครื่องดนตรีขึ้นมา โดยขึ้นอยู่กับความเชื่อมโยงระหว่างการแสดงเสียงและความรู้สึกของมอเตอร์ ผลที่ตามมาคือการพัฒนาการได้ยินทางดนตรีอย่างรวดเร็ว มีความจำเป็นต้องปลูกฝังความสามารถในการคาดการณ์เสียงให้กับเด็ก ด้วยเหตุนี้ในช่วงแรกจึงมีประโยชน์ในการร้องเพลงแล้วเล่นเพลง โปรดทราบว่าเสียงบางอย่างในเครื่องบันทึกอาจถูกประเมินสูงเกินไป ตัวอย่างเช่น F Sharp ของอ็อกเทฟที่สอง D Sharp ของอ็อกเทฟที่สอง ฯลฯ ในกรณีเช่นนี้ จำเป็นต้องใช้นิ้วที่แตกต่างกันซึ่งจะช่วยให้น้ำเสียงมีเสถียรภาพมากขึ้น นักเรียนจะต้องตระหนักถึงสิ่งนี้และมุ่งมั่นที่จะเลือกนิ้วเชิงรุก สิ่งสำคัญในการพัฒนาการได้ยินของนักเรียนก็คือพื้นฐานฮาร์โมนิกของทำนองเพลงที่กำลังเล่นอยู่ ดังนั้นเมื่อแสดงท่อนที่ง่ายและง่ายที่สุดก็ควรมีเปียโนประกอบด้วย เมื่อพิจารณาว่าในเครื่องบันทึก คุณสามารถปรับการปรับแต่งโดยรวมของเครื่องดนตรีได้โดยการขยายปากเป่า ตั้งแต่บทเรียนแรกๆ นักเรียนควรได้รับการสอนทักษะในการปรับเครื่องดนตรีให้เหมาะกับเปียโนหรือกีตาร์อย่างอิสระ ดนตรีไหลไปตามกาลเวลา ดังนั้นการรับรู้ทำนองและลำดับฮาร์โมนิกจึงเป็นไปได้เฉพาะในกรณีที่เนื้อหาที่ฟังถูกเก็บไว้ในความทรงจำและเปรียบเทียบกับสิ่งที่ได้ยินในแต่ละช่วงเวลาถัดไป การมีอยู่ของความดีเท่านั้น ความทรงจำทางดนตรีจะช่วยให้คุณได้รับความรู้สึกที่ค่อนข้างสมบูรณ์จากเพลงที่คุณกำลังฟังอยู่ ความทรงจำในด้านจิตวิทยาเป็นภาพสะท้อนของประสบการณ์ในอดีต ซึ่งแสดงออกผ่านรอยประทับและการทำซ้ำ หน่วยความจำช่วยให้คุณสะสมประสบการณ์และใช้งานได้ บุคคลที่ขาดความจำจะอยู่ในระดับทารกแรกเกิดเสมอในแง่ของพัฒนาการ หน่วยความจำ บุคคลทัศนคติที่แตกต่างกันต่อกิจกรรมของอวัยวะรับสัมผัส: บางคนเมื่อจำได้ต้องพึ่งพากิจกรรมของอุปกรณ์การมองเห็นเป็นหลัก อื่น ๆ - อุปกรณ์การได้ยิน อื่น ๆ -
มอเตอร์ (มอเตอร์) ที่สี่ - สำหรับการคิดเชิงตรรกะ มีผู้ที่ใช้หน่วยความจำประเภทนี้เท่ากัน ความจำถือเป็นความสามารถพิเศษโดยทั่วไป จำเป็นสำหรับชีวิตและกิจกรรมของมนุษย์ และสำหรับนักดนตรีและนักแสดงโดยเฉพาะ ดังนั้นเมื่อเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องบันทึกจะต้องแก้ไขงานในการพัฒนาความจำทางดนตรีซึ่งจะนำไปสู่การก้าวกระโดดเชิงคุณภาพ ในระยะเริ่มแรกของการเรียนรู้ นักเรียนจะประสบปัญหาในการจดจำผลงาน แต่ด้วยการเรียนรู้เนื้อหาทางดนตรีอย่างเป็นระบบด้วยใจ ความสามารถนี้เพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด การท่องจำอาจไม่สมัครใจหรือสมัครใจก็ได้ ในกรณีแรกนี่คือการท่องจำและการทำสำเนาเนื้อหาที่เกิดขึ้นโดยอัตโนมัติและโดยไม่ต้องใช้ความพยายามมากนักโดยไม่ต้องตั้งค่างานพิเศษ ในกรณีที่สอง จำเป็นต้องมีงานดังกล่าว และกระบวนการท่องจำหรือเล่นต้องเน้นไปที่รายละเอียดทั้งหมดของงานที่กำลังศึกษา ในการสอนดนตรี มีหน่วยความจำอยู่ห้าประเภทหลัก: การได้ยิน; ภาพ; มอเตอร์ขับเคลื่อน; ตรรกะ; ผสม; หน่วยความจำการได้ยินเป็นหน่วยความจำดนตรีประเภทหลัก จากการได้ยิน เราควรแยกแยะความสามารถในการจดจำด้วยเครื่องช่วยฟังผ่านการรับรู้ทั้งความรู้สึกในรูปแบบกิริยาและการเป็นตัวแทนทางการได้ยิน นี่เป็นการท่องจำที่ดีและสร้างเสียงต่างๆ จังหวะทำนอง แรงจูงใจและน้ำเสียงของแต่ละบุคคล งานดนตรีทั้งหมด และอื่นๆ ได้อย่างแม่นยำ การจำภาพเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับนักเรียนในการทำงานภาคปฏิบัติ จะต้องได้รับการพัฒนาโดยคำนึงถึงความสามารถและพัฒนาการของเด็ก นักเรียนต้องเรียนรู้ที่ไม่เพียงแต่จะเห็นข้อความเท่านั้น แต่ยังต้องสามารถทำซ้ำได้โดยครอบคลุมบันทึกย่ออีกด้วย หน่วยความจำภาพสัมพันธ์กับการจัดเก็บและการสร้างภาพที่มองเห็น ความทรงจำประเภทนี้เกี่ยวข้องกับการพัฒนาความสามารถในการจินตนาการของบุคคล โดยเฉพาะอย่างยิ่งกระบวนการจดจำและทำซ้ำเนื้อหานั้นขึ้นอยู่กับมัน: สิ่งที่บุคคลสามารถจินตนาการได้ด้วยสายตา ตามกฎแล้วเขาจะจดจำและทำซ้ำได้ง่ายขึ้น หน่วยความจำของมอเตอร์และมอเตอร์คือการท่องจำและการจัดเก็บและหากจำเป็นให้ทำซ้ำด้วย
ความแม่นยำเพียงพอของการเคลื่อนไหวที่หลากหลายและซับซ้อน เธอมีส่วนร่วมในการพัฒนาทักษะยนต์ การปรับปรุงการเคลื่อนไหวด้วยตนเองของมนุษย์เกี่ยวข้องโดยตรงกับความทรงจำประเภทนี้ มันพัฒนาผ่านการปฏิบัติอย่างเป็นระบบ การทำซ้ำในสถานที่ที่ยากและไม่สะดวกที่สุดในการแสดงซ้ำๆ โดยส่วนใหญ่เป็นท่าที่ใช้นิ้ว ความจำเชิงตรรกะเกี่ยวข้องกับการท่องจำเนื้อหาทางดนตรีผ่านการคิดและการให้เหตุผล ลักษณะและรูปแบบของงาน โดยวิธีการแสดงเนื้อหา; อะไรคือสิ่งที่สำคัญในข้อความ อะไรคือสิ่งที่รอง ตอนไหนจำยากกว่าและเพราะเหตุใด ประเภทผสมควรถือเป็นความสำเร็จสูงสุดในการปรับปรุงความจำทางดนตรี สามารถทำได้ด้วยความสามารถเฉพาะตัวและต้องทำงานหนักเพื่อตัวคุณเอง การสะสมดนตรีและเพลงช่วยเสริมรสนิยมของนักเรียนที่เริ่มต้นและเสริมสร้างความจำของเขา ดังนั้นจึงมีประโยชน์เมื่อศึกษาเนื้อหาใหม่เพื่อพัฒนาและเสริมสร้างความจำจึงมีประโยชน์ที่จะไม่ลืมและทำซ้ำชิ้นส่วนที่จดจำไว้แล้วอย่างเป็นระบบ คุณภาพของการเรียนรู้ด้วยใจได้รับอิทธิพลอย่างมากจากลักษณะของผลงานที่กำลังแสดง หากเนื้อหาทางดนตรีนี้น่าสนใจและเข้าถึงได้สำหรับนักเรียน เขาจะเชี่ยวชาญได้เร็วขึ้นและเรียนรู้จากใจ ความทรงจำทางดนตรีเป็นแนวคิดที่ซับซ้อน ดังนั้นนักเรียนควรได้รับการสอนตั้งแต่เริ่มต้นไปจนถึงงานที่เป็นอิสระและรอบคอบ เพื่อป้องกันไม่ให้กลายเป็นมิติเดียว เมื่อเราพูดถึงจังหวะ เราจะรับรู้ จินตนาการ และรู้สึกถึงมันในรูปแบบที่ต่างกัน สิ่งนี้เกิดขึ้นเนื่องจากความรู้สึกของแต่ละบุคคลเกี่ยวกับจังหวะ - เมโทร - จังหวะ เด็กๆ มักจะแสดงเพลงเดียวกันในรูปแบบที่แตกต่างกัน แต่นี่ไม่ได้หมายความว่าพวกเขาจะแทนที่ข้อความดนตรี การแสดงขึ้นอยู่กับความรู้สึกของจังหวะ-เมโทร-จังหวะของนักแสดงเป็นหลัก นั่นคือเหตุผลว่าทำไมจังหวะจึงเป็นพื้นฐานของดนตรี ซึ่งเป็นเรื่องยากมากที่จะอธิบายและให้ความรู้ จังหวะควรมีความชัดเจน สม่ำเสมอ และแน่นอน แต่ละเพลงมีจังหวะและจังหวะเฉพาะ และต้องแสดงตามจังหวะที่ผู้เขียนกำหนด แต่อาจมีการเบี่ยงเบนไปจากจังหวะและจากการแสดงจังหวะทางคณิตศาสตร์ล้วนๆ ที่ไหนสักแห่งที่อยู่ตรงกลางของท่อน การวัด หรือวลี นี่คือความมีชีวิตชีวาของดนตรี การแสดงที่เป็นธรรมชาติ ไม่เป็นทางการ เฉยเมย จังหวะไม่อาจมองว่าเป็นสิ่งที่คลุมเครือ อธิบายไม่ได้ และ
โดยพลการ โดยธรรมชาติแล้ว จังหวะมีรูปแบบที่แน่นอน โดยที่ทั้งการรับรู้และการสร้างดนตรีโดยรวมคงเป็นสิ่งที่คิดไม่ถึง ทักษะของนักแสดงและการระบุรสนิยมและความสามารถของเขาขึ้นอยู่กับระดับการพัฒนาความรู้สึกของจังหวะ ความรู้สึกด้านจังหวะต้องได้รับการปลูกฝังตั้งแต่ก้าวแรกของการเรียนรู้ที่โรงเรียนดนตรี จากจุดเริ่มต้น ครูที่สอนนักเรียนให้เล่นเครื่องบันทึก จะต้องบรรลุการแสดงที่ชัดเจน ทั้งในแบบฝึกหัดง่ายๆ เครื่องชั่ง อาร์เพจจิโอ และเอทูดี้หรือท่อน ครูควรสังเกตและแก้ไขความไม่ถูกต้องน้อยที่สุดในการแสดงจังหวะ ดังนั้นคุณต้องติดตามจังหวะและจังหวะอย่างต่อเนื่อง เพื่อปรับปรุงการทำงานเกี่ยวกับจังหวะเมโทร ในชั้นเรียนคุณสามารถใช้เป็นแบบฝึกหัด เน้นจังหวะที่หนักแน่นในบาร์ แบ่งกลุ่มจังหวะที่ซับซ้อนให้กลายเป็นกลุ่มที่ง่ายกว่า ฯลฯ จะมีประโยชน์มากสำหรับนักเรียนในการฟังทำนองเพลงก่อนแล้วจึงแตะด้วยมือ ครูควรเข้าใกล้การศึกษาละครเพลงโดยมีความรับผิดชอบพิเศษ สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษคือจังหวะจังหวะ-เมโทรที่มีอยู่ในท่อนโซโลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเปียโนหรือเครื่องดนตรีอื่น ๆ ประกอบด้วย การพัฒนาจังหวะ - เมโทร - จังหวะอย่างต่อเนื่องจะช่วยให้นักเรียนค่อยๆ สูงขึ้นเรื่อยๆ ในขั้นตอนของทักษะการแสดง
บทที่สอง ลักษณะการปฏิบัติของการเรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึก

โรงเรียนดนตรี

2.1. กฎพื้นฐานและหลักการปฏิบัติงาน

บนเครื่องบันทึก
ในด้านหนึ่งควรพิจารณาวิธีการสอนการเล่นเครื่องบันทึกโซปราโนโดยเป็นส่วนหนึ่งของวิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีลมโดยทั่วไป และในอีกด้านหนึ่ง ในลักษณะเฉพาะ โดยมีคุณสมบัติเฉพาะทั้งหมดของ เครื่องดนตรีนี้มีไว้สำหรับการเล่นดนตรีสำหรับเด็ก หมายถึงการสอนเด็กอายุตั้งแต่ 4 ถึง 9 ขวบ ซึ่งสร้างปัญหาบางประการในการพัฒนาการตั้งค่าระเบียบวิธี เช่น การหายใจ อุปกรณ์ในช่องปาก นิ้ว การวางตำแหน่งทั่วไปของแขนและลำตัว การเรียนรู้ที่จะเล่นด้วยหู โดยการจดบันทึก ฯลฯ ก่อนอื่นครูจะต้องดำเนินการจากลักษณะเฉพาะส่วนบุคคล (ดนตรีสรีรวิทยา) และข้อกำหนดเบื้องต้นของเด็กความสนใจในการเรียนรู้ตลอดจนปัจจัยอื่น ๆ อีกมากมายที่ส่งผลโดยตรงต่อการก่อตัวของแนวดนตรีของเขาในอนาคต จำเป็นต้องคำนึงถึงเครื่องบันทึกเป็นเครื่องมือในการเตรียมการต่อไป
ฝึกเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมอื่นๆ ตั้งแต่อายุมากขึ้น เช่น ฟลุต โอโบ คลาริเน็ต ทรัมเป็ต และอื่นๆ ในกรณีนี้ เป็นการเหมาะสมที่จะให้ความคล้ายคลึงกับผู้เล่นสายที่เมื่อสอนเด็กก่อนวัยเรียนและเด็กเล็ก วัยเรียนมีเพียงพอ ทางเลือกที่ยิ่งใหญ่เครื่องมือสำหรับเด็กที่มีมูลค่าการนำส่ง: 1/8, 1/4, 1/2, 3/4 ในทำนองเดียวกัน ในหมู่ผู้เล่นลม เครื่องบันทึกจะทำหน้าที่เป็นเครื่องดนตรีสำหรับเด็กในช่วงเปลี่ยนผ่าน การฝึกอบรมเกี่ยวกับเครื่องเป่าลมจะดำเนินการในสองขั้นตอน ขั้นแรก: การฝึกอบรมเบื้องต้นของนักเรียนเกี่ยวกับเครื่องบันทึก ขั้นตอนที่สอง: เปลี่ยนไปใช้เครื่องมือหลัก (ตามที่นักเรียนเลือก) โดยคำนึงถึงลักษณะของริมฝีปากและอุปกรณ์การแสดง ขั้นแรกมีความสำคัญมากในการเรียนรู้การเล่นเครื่องลมเบื้องต้น เนื่องจากเด็กควรเตรียมตัวให้พร้อม ควรอธิบายธรรมชาติของการหายใจ ควรสอนการหายใจที่ถูกต้อง การวางตำแหน่งเครื่องดนตรีและการวางนิ้วให้ถูกต้อง วิธีสร้างเสียง และการเรียนรู้การใช้นิ้ว . ตามกฎแล้ว เด็กที่มีทักษะการเล่นโซลเฟจจิโอในปีแรกของโรงเรียนจะไม่ประสบปัญหากับความรู้ทางทฤษฎี ดังนั้น การฝึกในระยะแรกจึงเน้นไปที่การเรียนรู้เครื่องดนตรีเป็นหลัก (โดยเฉพาะเครื่องบันทึก) ภารกิจหลักของครูคือการรักษาความสนใจของเด็กในบทเรียนเพื่อให้เขาสามารถได้รับทักษะในการเล่นเครื่องบันทึกได้อย่างง่ายดายและสามารถเรียนรู้ชิ้นนี้ด้วยตนเองอย่างมีความสามารถ ระดับดนตรีดนตรีแบบอ่านสายตา เล่นในวงดนตรีคู่หรือเครื่องบันทึก และแสดงเพลงง่ายๆ กับนักดนตรี จากประสบการณ์การทำงานกับนักเรียนในโรงเรียนศิลปะสำหรับเด็ก เด็กที่มีความสามารถทางดนตรีที่ดีจะเรียนรู้ได้ค่อนข้างเร็วในระยะแรก และไม่จำเป็นต้องแบ่งพวกเขาออกเป็นกลุ่มตามระดับการพัฒนาความสามารถทางดนตรี ปัญหาหลักเกิดขึ้นเมื่อทำการหายใจและวางนิ้ว หากเมื่อตั้งค่าการหายใจ เด็ก ๆ เอาชนะความยากลำบากด้วยการฝึกหายใจและขอบคุณครูที่อธิบายธรรมชาติของการหายใจทางสรีรวิทยา ความแตกต่างระหว่างการหายใจทางสรีรวิทยาและการหายใจ จากนั้นการตั้งนิ้วจะใช้เวลานานขึ้นเล็กน้อย การใช้นิ้วของเครื่องดนตรีส่วนใหญ่จะเหมือนกับของฟลุต โอโบ คลาริเน็ต และแม้กระทั่งบาสซูน การไม่มีวาล์วช่วยขจัดปัญหาในการจัดการ ดังนั้น นักเรียนคนใดที่เป็นเจ้าของอย่างใดอย่างหนึ่งข้างต้น
ของเครื่องดนตรีที่ระบุไว้ ไม่เพียงแต่สามารถเล่นเครื่องบันทึกได้อย่างง่ายดาย เชี่ยวชาญการใช้นิ้ว การวางนิ้ว มือ ลักษณะการสร้างเสียง การหายใจ แต่ยังเรียนรู้การเล่นด้วย สิ่งที่ยากที่สุดในการสอนนักเรียนชั้นประถมศึกษาให้เล่นเครื่องดนตรีใดๆ ก็คือจะหาคำอธิบายพื้นฐานที่ง่ายที่สุดได้อย่างไร ได้แก่ การเรียนรู้และการจดจำเนื้อหาที่ครอบคลุม กำหนดเสียงแรกที่นักเรียนทำ วิธีการสกัดและระยะเวลาของเสียงนี้ หากเราพิจารณาว่าเสียงนี้อยู่ในตำแหน่งที่แน่นอนของไม้เท้าดนตรี - ไม้เท้ามีตำแหน่งบนคีย์บอร์ดของเปียโนหรือที่คอของเครื่องสายกลไกวาล์วของไม้หรือกลไกวาล์วของทองเหลือง และจะต้องดึงออกมาด้วยนิ้วบางๆ หรือใช้ทั้งสองอย่างรวมกัน - ทั้งหมดนี้ดูยากมากจนทำให้เกิดความสับสนและความสับสนในใจของเด็ก และมักจะเป็นอุปสรรคในการเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมชนิดพิเศษ (ฟลุต, โอโบ คลาริเน็ต ทรัมเป็ต ทรอมโบน ฯลฯ) ในการสอนนักเรียนที่จะเล่นเครื่องดนตรีในช่องปาก การแสดงควรใกล้เคียงกับฟลุต มันขึ้นอยู่กับคุณสมบัติเฉพาะของการวางฟลุตตามขวางโดยมีการรองรับที่ริมฝีปากล่างส่วนด้านบนจะควบคุมความกดอากาศ หากในอนาคตนักเรียนจะเล่นเครื่องดนตรีทางภาษาอย่างใดอย่างหนึ่ง (โอโบ, คลาริเน็ต, บาสซูน) ควรแนะนำให้เขาวางตำแหน่งกระบอกเสียงของเครื่องบันทึกซึ่งเป็นลักษณะของเครื่องดนตรีเหล่านี้: ควรกำหนดตำแหน่งของกระบอกเสียงระหว่างริมฝีปาก เท่าๆ กัน สำหรับนักเรียนที่จะเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีของสถานทูตในอนาคต ตำแหน่งของกระบอกเสียงอาจแตกต่างกันเล็กน้อย: หลอดเป่าของเครื่องบันทึกควรมีการออกแบบขนาดใหญ่และอยู่ระหว่างริมฝีปากโดยเน้นที่ส่วนบน ไม่ควรบังคับให้วางปากเป่าทั้งสามประเภทนี้ พวกเขาสามารถเป็นแนวทางสำหรับครูเท่านั้นโดยช่วยเหลือเขาโดยเฉพาะในทางปฏิบัติโดยคำนึงถึงโอกาสในการศึกษาต่อ ด้วยความง่ายทั้งตัวเครื่องดนตรีและการผลิตเสียงของเครื่อง เครื่องบันทึกทำให้นักเรียนคุ้นเคยกับกฎพื้นฐานทั่วไปและหลักการทำงานของลมทั้งหมด ซึ่งรวมถึงการหายใจ แนวคิดเรื่องการโจมตีของเสียง และหลักการทำงานของท้องถนน (จาก French bouche - ปาก) และนี่ก็ไม่ต้องพูดถึงความจริงที่ว่าการใช้นิ้ว
เครื่องบันทึกมีความคล้ายคลึงกับการใช้นิ้วของเครื่องเป่าลมไม้หลายชนิด เครื่องบันทึกช่วยให้คุณสำรวจ "จังหวะ" ที่หลากหลายได้อย่างเต็มที่รวมถึงความเป็นไปได้ของความแตกต่างเล็กน้อย การเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องบันทึกนั้น นอกจากความสามารถทางดนตรีแล้ว นักเรียนยังมีสุขภาพที่ดีและสมรรถภาพทางกายด้วย เมื่อเล่นเครื่องบันทึก ปอดและอุปกรณ์ริมฝีปากจะทำงานอย่างแข็งขัน และกล้ามเนื้อบางส่วนของร่างกายจะเกร็ง ตำแหน่งที่ถูกต้องของอุปกรณ์ริมฝีปากและการหายใจเป็นหนึ่งในเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการเรียนรู้ที่ประสบความสำเร็จ เทคนิคการเล่นเครื่องอัดเสียงแบบดั้งเดิมเกี่ยวข้องกับการควบคุมพารามิเตอร์หลัก 3 ประการ ได้แก่ เสียง น้ำเสียง (ระดับเสียงที่ถูกต้อง) และเสียงที่เปล่งออก (วิธีเชื่อมต่อหรือแยกโน้ต) แน่นอนว่าเสียงของเครื่องดนตรีนั้นแต่เดิมตั้งใจโดยผู้ผลิต การออกแบบและวัสดุที่ใช้ทำมีความสำคัญ ปัจจุบันเครื่องมือระดับมืออาชีพทำจากไม้ ในขณะที่เครื่องมือที่ผลิตจำนวนมากทำจากพลาสติก สำหรับเครื่องบันทึกไม้ เราสามารถแนะนำผลิตภัณฑ์ของบริษัทเยอรมัน "Upitcr" และ "Venus" ได้ ส่วนพลาสติกที่ดีผลิตโดย "Yamaha" และบริษัทเกาหลี "Angel" โดยธรรมชาติแล้ว การควบคุมการหายใจทำให้นักแสดงสามารถเปลี่ยนคุณภาพเสียงได้ คุณสมบัติที่โดดเด่นของเครื่องบันทึกคือความต้านทานเล็กน้อยที่เครื่องมือจ่ายให้กับกระแสลม ซึ่งทำให้แตกต่างอย่างมากจากเครื่องมือลมอื่นๆ ความสามารถในการควบคุมกระแสลมโดยไม่ต้องพบกับแรงต้านที่เห็นได้ชัดเจนระหว่างทางเป็นทักษะสำคัญที่จะเป็นประโยชน์ในอนาคตเมื่อเปลี่ยนมาใช้เครื่องดนตรีหลัก นอกจากนี้ การหายใจยังเกี่ยวข้องกับการทำให้เกิดความผันผวนของปริมาตร (ลูกคอ) และความถี่ (เสียงสั่น) กล่าวโดยสรุป ผลกระทบแรกเกิดขึ้นได้โดยการเกร็งกล้ามเนื้อของกล่องเสียง และประการที่สอง - โดยไดอะแฟรม เมื่อเล่นเครื่องบันทึก จะใช้ตัวเลือกการใช้นิ้วทางเลือกจำนวนมาก สามารถเล่นทั้งหมดยกเว้นโน้ตที่ต่ำที่สุดได้โดยใช้การผสมหลุมที่แตกต่างกันซึ่งมีเสียงและระดับเสียงแตกต่างกันเล็กน้อย ดังนั้นนักดนตรีที่สลับนิ้วที่แตกต่างกันจึงมีเฉดสีเสียงที่หลากหลาย อีกเหตุผลหนึ่งว่าทำไมจึงใช้การวางนิ้วแบบอื่นคือต้องการหลีกเลี่ยงการเคลื่อนไหวของนิ้วที่ซับซ้อนเมื่อเล่นด้วยความเร็ว เช่นเดียวกับเมื่อเล่นเลกาโตและทริลล์ โดยทั่วไปแล้วเราสามารถพูดได้ว่าการใช้นิ้ว
เลือกในลักษณะที่จะลดการเคลื่อนนิ้วให้เหลือน้อยที่สุด ตรงกันข้ามกับความเชื่อที่นิยม การเล่นเครื่องบันทึกต้องมีการควบคุมเป็นพิเศษเหนือริมฝีปาก (จาก French bouche - ปาก) นั่นคือการรวมกันของกล้ามเนื้อปากและตำแหน่งของริมฝีปาก การจัดการรูปร่างและขนาดของปากและกล่องเสียง ตลอดจนการควบคุมกล้ามเนื้อที่เกี่ยวข้อง ช่วยเพิ่มคุณค่าของเสียง ทำให้ง่ายต่อการสร้างโน้ตในรีจิสเตอร์ส่วนบน และช่วยให้สามารถควบคุมน้ำเสียงได้ ความกดอากาศและช่องลมร่วมกันส่งผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อน้ำเสียง การเปลี่ยนแปลงของแรงกดในขณะที่รักษารูปร่างของช่องปากทำให้ระดับเสียงของโน้ตเสียงผิดเพี้ยนไปอย่างเห็นได้ชัด ความเชื่อมโยงที่แยกไม่ออกระหว่างการผลิตเสียงและระดับเสียงทำให้เครื่องบันทึกแตกต่างจากเครื่องดนตรีสมัยใหม่อื่นๆ ก่อนที่คุณจะเล่นโน้ตตัวแรก คุณต้องรู้วิธีถือเครื่องบันทึกอย่างถูกต้อง โดยปกติมือซ้ายจะอยู่เหนือมือขวา แม้ว่านักดนตรีที่คิดว่าตัวเองถนัดซ้ายก็สามารถทำสิ่งที่ตรงกันข้ามได้ อย่างไรก็ตาม โปรดทราบว่าเครื่องบันทึกสมัยใหม่ได้รับการออกแบบโดยคาดหวังว่ามือซ้ายของนักแสดงจะสูงกว่ามือขวา ศีรษะ คอ และหลังของนักแสดงควรอยู่ในแนวเดียวกัน และควรถือเครื่องดนตรีไว้ที่มุม 45 องศากับแนวนอน แขนควรอยู่ห่างจากลำตัวเล็กน้อย และปลายนิ้วควรอยู่บนแกนกลางของเครื่องดนตรีตรงรู มีเพียงปลายกระบอกเป่าเท่านั้นที่อยู่ระหว่างริมฝีปาก และนิ้วโป้งรองรับอยู่ใต้นิ้วชี้ของมือขวาโดยตรง ไม่ควรบีบหน้าอก ลำคอควรผ่อนคลาย ครูสอนขับร้องสอนว่าท่าทางที่ถูกต้องเป็นเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการผลิตเสียงที่ดี เมื่อเล่นเครื่องดนตรีประเภทลม โน้ตแต่ละตัวเป็นผลมาจากการไหลของอากาศที่มาจากปอด และถูกขยายโดยการเคลื่อนที่ขึ้นของไดอะแฟรม ผ่านลำคอและปากของคุณ และสุดท้ายจบลงที่เครื่องดนตรีโดยตรง ในเทคนิคการแสดงดนตรีด้วยเครื่องบันทึกและเครื่องลมสามารถแยกแยะขั้นตอนต่อไปนี้ได้: 1) การหายใจหรือการหายใจออกค่อนข้างสม่ำเสมอ บางครั้งค่อยๆ รุนแรงขึ้น บางครั้งค่อยๆ อ่อนลงตามข้อกำหนดในการปฏิบัติงาน 2). ความตึงเครียดของกล้ามเนื้อใบหน้าซึ่งสอดคล้องกับความสูงของเสียงที่เกิดขึ้นและสอดคล้องกับการหายใจ
3). การเคลื่อนไหวของนิ้ว 4) การเคลื่อนไหวของลิ้นที่กำหนดลักษณะของจังหวะ จำเป็นต้องพัฒนาทักษะในการเรียนรู้แต่ละองค์ประกอบเหล่านี้และการผสมผสานเพื่อให้เทคนิคการแสดงทั้งหมดเป็นไปตามธรรมชาติและฟรี การก่อตัวของเสียง ในเครื่องดนตรีประเภทฟลุต เสียงถูกสร้างขึ้นจากกระแสอากาศที่ตัดโดยขอบคมของการตัดผนังลำกล้อง ซึ่งทำให้เกิดการสั่นสะเทือนของเสาอากาศที่อยู่ภายในท่อ หากคุณเอาท่อธรรมดา ๆ เช่นท่อนไม้ไผ่หรือก้านกกแล้วเป่าเข้าไปโดยไม่มีกลอุบายใด ๆ จะไม่มีเสียง โดยไม่ให้ลมไหลเข้าท่อโดยตรง แต่เฉียงให้ตัดที่ขอบรู ลำต้นของต้นไผ่หรือกกก็จะส่งเสียงที่สม่ำเสมอและดังทันทีเพราะลมไหลตัดที่ตัวท่อ ขอบท่อทำให้เกิดแรงสั่นสะเทือน หากหยุดเป่าเสียงจะหยุดทันที วิธีการสกัดโดยการแบ่งเสาอากาศนี้เป็นวิธีการที่เก่าแก่ที่สุดวิธีหนึ่ง (เป็นวิธีที่ใช้ในขลุ่ยแพน) อย่างไรก็ตามมันไม่สะดวก: เป็นการยากที่จะรักษาทิศทางของเจ็ทที่ต้องการและปริมาณการใช้อากาศสูง วิธีการสร้างเสียงเหล่านี้เรียกว่าวิธีเป่านกหวีด ที่นี่การสั่นสะเทือนจะตื่นเต้นด้วยกระแสอากาศที่พุ่งชนสิ่งกีดขวาง การสั่นสะเทือนเหล่านี้ถูกมองว่าเป็นเสียง ระดับเสียงขึ้นอยู่กับขนาดของเสา หลังจากปัญหาแรก - วิธีกระตุ้นเสียงก็มีอีกปัญหาหนึ่งเกิดขึ้น: วิธีทำให้หลอดสามารถสร้างเสียงได้ไม่เพียงแค่เสียงเดียว แต่มีหลายเสียง วิธีแก้ไขประการหนึ่งคือ: แยกหลอดสำหรับแต่ละเสียง ท่อยิ่งยาวเสียงยิ่งต่ำ เมื่อนำท่อหลายท่อที่มีความยาวต่างกันมารวมกัน เราจะได้เครื่องดนตรีที่ปัจจุบันเรียกกันทั่วไปว่า ฟลุตแพน เสียงในนั้นตื่นเต้นแบบเดียวกับในการทดลองกับขวดทุกประการ เห็นได้ชัดว่านี่ถือเป็นเครื่องดนตรีประเภทลมชิ้นแรก และยังมีชื่อเสียงจากการที่มันเป็นเครื่องดนตรีรุ่นก่อนของออร์แกนนี้อีกด้วย อันที่จริงในอวัยวะแม้จะมีขนาดท่อที่แตกต่างกัน แต่ก็มีการใช้หลักการเดียวกัน - แต่ละเสียงจะใช้ท่อแยกกัน ต่อมา ขลุ่ยสีดำก็ปรากฏขึ้น ซึ่งรวมเอาหลักการอันชาญฉลาดในการเพิ่มความยาวและลดคอลัมน์อากาศไว้ในท่อเดียว รูในกระบอกเครื่องดนตรีใช้เพื่อเปลี่ยนระดับเสียง หากคุณปิดรูทั้งหมด จะมีเสียงคอลัมน์อากาศดังตลอดความยาวของท่อ หากมีอย่างใดอย่างหนึ่ง
รู เริ่มส่งเสียงเพียงส่วนหนึ่งของคอลัมน์ - จากริมฝีปากของนักดนตรีไปจนถึงรูเปิด โดยธรรมชาติแล้วระดับเสียงก็จะเปลี่ยนไปเช่นกัน ด้วยการแบ่งคอลัมน์อากาศหลายส่วน นั่นคือ การรวมกันของนิ้ว จึงสามารถแยกโครมาติซึมออกมาได้ อีกวิธีในการเปลี่ยนระดับเสียงของกลุ่มเครื่องดนตรีฟลุตคือการเป่ามากเกินไป นั่นคือการจ่ายกระแสอากาศเข้าไปในเครื่องดนตรีที่เข้มข้นยิ่งขึ้น นักแสดงที่มีประสบการณ์มากที่สุดสามารถสร้างสเกลที่เป็นธรรมชาติโดยใช้การเป่าโดยใช้เสียงเดียวเท่านั้น นั่นคือ ตอนที่ 8 ตอนที่ 5 ตอนที่ 4 และอื่นๆ การก่อตัวของเสียงเมื่อเล่นเครื่องบันทึกเกิดจากการหายใจด้วยการร้องเพลงเบาๆ ใกล้กับพยางค์ "tu" การสิ้นสุดเสียงสามารถทำได้สองวิธี: 1) โดยการออกเสียงพยัญชนะ “t” จึงเป็นการหยุดการเข้าถึงอากาศเข้าสู่ปากเป่า วิธีนี้ง่ายกว่า เราใช้มันโดยเฉพาะเมื่อทำจังหวะสแตคคาโต มันจะทำให้เสียงหยุดทันที 2). หยุดหายใจออก วิธีนี้ต้องใช้ทักษะบางอย่าง จำเป็นในกรณีที่จำเป็นต้องลดเสียงให้เหลืออะไรเลยในตอนท้ายของท่อน เมื่อจำเป็นต้องปล่อยแบบนุ่มนวล ลมหายใจของนักแสดง ก่อนที่จะเริ่มหายใจ คุณต้องเข้าใจโครงสร้างของอุปกรณ์เสียงก่อน เนื่องจากประกอบด้วยอวัยวะระบบทางเดินหายใจ กลไกการหายใจคือปอดที่มีทางเดินหายใจและกล้ามเนื้อที่ทำหน้าที่ในกระบวนการหายใจ ปอดเป็นเนื้อเยื่อที่ละเอียดอ่อนและมีรูพรุน โดยที่กลุ่มของถุงน้ำ - อัลวิโอล - เชื่อมต่อกันด้วยช่องทางที่ก่อให้เกิดระบบหลอดลม หลอดลมของปอดซ้ายและขวาเชื่อมต่อกันและก่อตัวเป็นหลอดลมซึ่งไปสิ้นสุดที่กล่องเสียง ทั้งหมดนี้รวมกันเรียกว่าต้นไม้หลอดลม ปอดมีอากาศที่หมุนเวียนอยู่ตลอดเวลา มีอากาศสำรองที่จำเป็นต่อการดำรงชีวิตของร่างกาย ไม่สามารถใช้ในขณะร้องเพลงได้ เมื่อคุณหายใจเข้า กล้ามเนื้อหน้าอกและกะบังลม (เยื่อหนาที่แยกหน้าอกและหน้าท้อง) จะขยายช่องอกในแนวตั้ง ด้านข้าง ด้านหน้า และด้านหลัง และภายใต้อิทธิพลของความดันบรรยากาศ อากาศจะเข้าสู่ปอด ไดอะแฟรมลงมากดที่ช่องท้องและภายนอกทั้งหมดนี้ปรากฏชัดเจน
การหายใจมีหลายประเภท: กระดูกไหปลาร้า ทรวงอก และช่องท้อง การหายใจแบบกระดูกไหปลาร้าคือการหายใจบริเวณกระดูกซี่โครงส่วนบน โดยอากาศจะเต็มเฉพาะส่วนบนสุดเท่านั้น ดังนั้น การหายใจประเภทนี้จึงสั้น การหายใจของทรวงอกก็เป็นเพียงผิวเผิน (กระดูกซี่โครงกลาง) ปอดเต็มไปครึ่งทาง การหายใจในช่องท้องหรือการหายใจบริเวณช่องท้องเป็นลักษณะเฉพาะของไดอะแฟรมที่เคลื่อนลงด้านล่าง โดยให้อากาศเข้าไปเติมเต็มส่วนล่างของปอด และเคลื่อนช่องท้อง นี่เป็นการหายใจที่ถูกต้องที่สุดขณะร้องเพลง เนื่องจากปอดเต็มไปด้วยอากาศ และทำให้สามารถร้องเพลงดนตรียาวๆ ได้โดยไม่ต้องหายใจต่อ เนื่องจากเป็นเครื่องดนตรีประเภทลม เครื่องบันทึกจึงสามารถแก้ปัญหาการฝึกหายใจไปพร้อมๆ กัน จึงกลายเป็นช่วงเวลาแห่งการบำบัด เนื่องจากการหายใจประเภทที่ถูกต้องเมื่อเล่นเครื่องลมคือกะบังลม มันทำงานเหมือนลูกสูบและนวดอวัยวะภายในของช่องท้องอย่างเข้มข้น - กระเพาะอาหาร, ตับ, ไต, ลำไส้ซึ่งเป็นวิธีทำความสะอาดร่างกายที่มีประสิทธิภาพ เมื่อเล่นเครื่องบันทึกจะใช้การหายใจแบบร้องเพลง องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดในเทคนิคการใช้เสียงคือการกระจายการหายใจและการควบคุมเส้นเอ็น ค่าใช้จ่ายในการหายใจเข้าและออกขึ้นอยู่กับวิธีการแสดงออกของงาน จังหวะ ไดนามิก สัมผัสทางดนตรี และอื่นๆ การหายใจแตกต่างจากการหายใจทางสรีรวิทยาในระยะที่ไม่สม่ำเสมอ (การหายใจออกมากกว่าการหายใจเข้า) การหายใจทางสรีรวิทยาเป็นไปตามธรรมชาติ กล่าวคือ แสดงถึงสภาวะธรรมชาติของร่างกายมนุษย์ สิ่งสำคัญคือต้องเรียนรู้วิธีการหายใจเข้าอย่างถูกต้อง และที่สำคัญที่สุดคือวิธีหายใจออกอากาศเข้าไปในอุปกรณ์อย่างถูกต้อง ด้วยการหายใจออกที่ค่อยเป็นค่อยไปและสม่ำเสมอ เสียงจะมีกำลังเท่ากัน ความรุนแรงของมันสัมพันธ์กับการเร่งความเร็วของการหายใจออก การอ่อนตัวลงนั้นเกี่ยวข้องกับการชะลอตัวลงอย่างค่อยเป็นค่อยไป การจ่ายอากาศที่ใหญ่ที่สุดสามารถทำได้โดยการลดไดอะแฟรมสูงสุดเท่านั้น ดังนั้น การหายใจที่ถูกต้องที่สุดคือ ทรวงอก-ท้อง หรือกระบังลม ด้านล่างนี้เป็นชุดแบบฝึกหัดการหายใจที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อทำความเข้าใจความแตกต่างระหว่างการหายใจตามธรรมชาติและการหายใจตามปกติ การออกกำลังกายการหายใจกระทำอย่างช้าๆ ยืนอย่างยินดี หายใจเข้าและหายใจออกทางจมูก เพื่อความลึกยิ่งขึ้น
สมาธิคุณสามารถหลับตาได้ AI. Usov ผู้อธิบายแบบฝึกหัดเหล่านี้แนะนำให้แบ่งการหายใจออกเป็นส่วนล่าง กลาง บน และผสม ขั้นแรกคุณควรควบคุมการหายใจตามธรรมชาติ (หรือทางสรีรวิทยา) การหายใจลดลง เพื่อควบคุมฝ่ามือ มือขวานอนหงาย ซ้าย - ด้านซ้ายแตะส่วนล่างของกระดูกซี่โครง – หายใจเข้า: ท้องและด้านข้างขยายไปข้างหน้าและด้านข้าง หายใจออก: ท้องและด้านข้างกลับสู่ตำแหน่งเดิม หายใจปานกลาง. ปอดเต็มไปด้วยอากาศและขยายตัวบริเวณหน้าอกเป็นหลัก ในกรณีนี้ท้องไม่เคลื่อนไหวไหล่ไม่ยกขึ้น ฝ่ามือขวาวางบนหน้าอก มือซ้ายอยู่ด้านข้างแตะตรงกลางซี่โครง การหายใจเข้า: ผนังหน้าอกขยายไปข้างหน้าและด้านข้าง หายใจออก: ผนังหน้าอกกลับสู่ตำแหน่งเดิม การหายใจส่วนบน อากาศส่วนใหญ่รวมตัวกันที่บริเวณส่วนบนของปอด ฝ่ามือวางอยู่บนหน้าอกส่วนบน หายใจเข้า: หน้าอกและไหล่สูงขึ้น หายใจออก: หน้าอกและไหล่กลับสู่ตำแหน่งเดิม การหายใจแบบผสม ใช้ปอดเต็มปริมาตร - การหายใจทุกประเภทก่อนหน้านี้ ฝ่ามือขวาวางบนท้อง มือซ้ายอยู่ทางด้านซ้ายแตะสะโพก การสูดดม: อากาศจะถูกดึงเข้าไปในส่วนล่างของปอดก่อน กระเพาะอาหารและด้านข้างจะขยายออก จากนั้นส่วนตรงกลางของปอดจะเต็มไปด้วยอากาศ หน้าอกจะขยายออก และซี่โครงจะแยกออกจากกัน ในที่สุดอากาศจะเข้าสู่ส่วนบนของปอด และหน้าอกและไหล่จะลอยขึ้น หายใจออก: ในลำดับเดียวกัน อากาศจะถูกปล่อยออกมาจากด้านล่าง ตรงกลาง และจากด้านบน การหายใจดังที่กล่าวข้างต้นแตกต่างจากธรรมชาติ (ทางสรีรวิทยา) การแสดงควรจะเข้มข้นเมื่อสูดดมและมีสิ่งรองรับที่เรียกว่า การสูดดมนั้นสั้น หายใจออกเป็นเวลานาน หายใจเข้าทางปากโดยใช้ปริมาตรปอดทั้งหมด ดังนั้นเทคนิคการหายใจเข้าและออกของการฝึกหายใจแบบมีสมรรถนะจึงเปลี่ยนไปอย่างรุนแรง ประเภทหลัก
ทำการหายใจ: ต่ำ, กลาง, ผสม ไม่ใช้การหายใจส่วนบน การไม่มีอยู่อธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่านักแสดงมุ่งความสนใจไปที่การค้นหาการสนับสนุนซึ่งขึ้นอยู่กับการทำงานของกะบังลมและกล้ามเนื้อหน้าท้อง คุณต้องหายใจเข้าอย่างเงียบ ๆ ก่อนอื่นคุณต้องเชี่ยวชาญการหายใจส่วนล่างและกลาง การหายใจลดลง วางฝ่ามือขวาไว้ที่ท้อง และวางมือซ้ายไว้ที่ด้านซ้ายโดยแตะด้านล่างของซี่โครง เมื่อหายใจเข้า ตรวจสอบให้แน่ใจว่าอากาศเติมเต็มส่วนล่างของปอดอย่างสม่ำเสมอ เพื่อไม่เพียงขยายกระเพาะอาหารเท่านั้น แต่ยังขยายกล้ามเนื้อด้านข้างและหลังด้วย หายใจออกอย่างอิสระไม่เกร็ง การกดช่องท้องควรยับยั้งการหายใจออกเช่นเดิมนั่นคือดำเนินการจนกว่าความต้องการทางสรีรวิทยาสำหรับการหายใจเข้าใหม่เกิดขึ้น หายใจปานกลาง. ผสมผสานส่วนล่างและกลางเข้าด้วยกัน นี่เป็นหลักพื้นฐานในการปฏิบัติ ฝ่ามือขวาวางอยู่บนท้อง ด้านซ้าย - ที่ซี่โครงด้านซ้าย เมื่อคุณหายใจเข้า อากาศจะเต็มส่วนล่างของปอดก่อน โดยจะขยายบริเวณหน้าท้อง ด้านข้าง และหลังส่วนล่าง ทันทีโดยไม่ชักช้าอากาศจะเข้าสู่ส่วนกลางและส่วนบนของปอดซึ่งทำให้หน้าอกเพิ่มขึ้นการยืดของซี่โครงและกล้ามเนื้อระหว่างซี่โครง ไหล่ไม่ขึ้น. การหายใจออกโดยพื้นฐานแล้วจะแตกต่างจากการหายใจออกตามธรรมชาติ การเกิดขึ้นของการสนับสนุนผู้บริหารที่เรียกว่าในระหว่างการหายใจออกนำไปสู่ความจริงที่ว่าในตอนแรกอากาศถูกปล่อยออกมาจากส่วนบนและส่วนกลางของปอด ในกรณีนี้ กล้ามเนื้อหน้าท้อง ด้านข้าง และหลังยังคงอยู่ในตำแหน่งหายใจเข้าให้นานที่สุด พวกเขากลับคืนสู่ตำแหน่งเดิมทันที ช่วงเวลาสุดท้าย. การยกไหล่เมื่อหายใจเข้าบ่งบอกถึงการหายใจที่ไม่ถูกต้องซึ่งกะบังลมแทบจะไม่ทำงานการหายใจเข้าตื้นและการหายใจออกมีอายุสั้นและอ่อนแอ หลังจากหายใจเข้าแล้ว นักเรียนควรพยายามจับหน้าอกในท่าหายใจเข้า (ค้างไว้) แล้วค่อยๆ เคลื่อนไปยังท่าหายใจออก เพื่อตรวจสอบการมีอยู่ของการช่วยหายใจ Rudolf Quincke นักเป่าแตรชาวเยอรมันในคู่มือของเขา "การหายใจ การพยุง การกอด วิธีการ" แนะนำให้ทำการทดลองต่อไปนี้ วางแท่งไม้ยาวครึ่งเมตรโดยให้ปลายด้านหนึ่งติดกับผนัง และปลายอีกข้างหนึ่งแนบกับท้องของคุณหลังจากหายใจเข้าลึกๆ แล้ว หายใจออกช้าๆ ตรวจสอบให้แน่ใจว่าไม้ไม่ตก แต่ต้องยึดไว้กับที่ด้วยแรงกดที่หน้าท้อง เดียวกัน
การทดลองสามารถทำได้โดยการเล่นเสียงยาวหรือท่อนเพลงยาว ด้วยการใช้เทคนิคการหายใจออกที่แตกต่างกัน จึงสามารถบรรลุความแตกต่างที่หลากหลายได้ ในช่วงเริ่มต้นของการฝึก เราควรจะได้เสียงที่สม่ำเสมอแบบไดนามิก ต้องจำไว้ว่าการหายใจควรพัฒนาในระหว่างกระบวนการแสดงเท่านั้น สำหรับนักแสดงบางคน เมื่อหายใจออก ส่วนหนึ่งของอากาศจะหลุดออกไปทางจมูก ส่งผลให้เสียงสูญเสียคุณสมบัติของเสียงต่ำ บ่อยครั้งที่เด็ก ๆ หายใจตามเสียงแต่ละเสียงด้วย ข้อบกพร่องนี้จำเป็นต้องได้รับการแก้ไข ด้วยความช่วยเหลือของการหายใจ วลีดนตรีหนึ่งจะถูกแยกออกจากอีกวลีหนึ่ง ช่วงเวลาการหายใจเข้าไม่สามารถระบุตำแหน่งแบบสุ่มได้ ไม่จำเป็นต้องพยายามเล่นทั้งวลีในคราวเดียว การกระจายจุดสูดดมนั้นคล้ายคลึงกับการอ่านโดยสิ้นเชิงซึ่งไม่มีความหมายและไม่รู้หนังสือ หากจุดหยุด (caesuras) ที่สอดคล้องกับการหายใจเข้าอยู่ในสถานที่สุ่ม ดังนั้นการกระจายการหายใจที่ถูกต้องมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการแสดงการแสดงออก เกมส์หายใจ. เมื่อทำงานกับนักเรียน โดยเฉพาะในวัยประถมศึกษา ขอแนะนำให้ใช้เกมการหายใจ: 1) ในการพัฒนาการหายใจให้สม่ำเสมอ คุณสามารถเป่ากระดาษแผ่นหนึ่งโดยเอนตัวออกจากตัวคุณ และคงระดับไว้ราวกับถูกแช่แข็งในอากาศ และไม่สะดุ้งจากการหายใจไม่สม่ำเสมอหรือไม่สม่ำเสมอ 2). การออกกำลังกายแบบเกมที่คล้ายกันสามารถทำได้โดยการเป่าเปลวเทียนในลักษณะที่เปลวไฟเบี่ยงเบนไปแต่ไม่ดับ ซึ่งจะช่วยให้นักเรียนค้นพบพลังแห่งการหายใจออก เพราะเด็ก ๆ มักจะต้องถูกควบคุมด้วยแรงลมพัดโดยเฉพาะในช่วงเริ่มต้นของการเรียนรู้ 3). แต่ก็มีเด็กที่เป็นโรคโลหิตจางที่ต้องหายใจออกมากขึ้น แบบฝึกหัดนี้เป็นสิ่งที่ดี: นักเรียนจะถูกขอให้ปรบมือ (หรือสัญญาณอื่นจากครู) ราวกับว่าจะขยายบอลลูน จากนั้นบอลลูนจะค่อยๆ เริ่มยุบตัวอย่างช้าๆ ราวกับว่าผ่านรูเล็ก ๆ คุณสามารถเชิญเด็ก ๆ ให้ยกมือขึ้นขณะหายใจเข้าและจินตนาการถึงลูกบอล จากนั้นเมื่อหายใจออกเริ่ม มือจะลดลง และเมื่อไม่มีอากาศเหลืออยู่ในลูกบอล (นั่นคือ การหายใจออกสิ้นสุดลง) เด็กควรปรบมือ เทคนิคนี้
จะช่วยครูควบคุมระยะเวลาการหายใจออกของนักเรียนแต่ละคน 4) แบบฝึกหัดอื่นที่มีเป้าหมายเพื่อเพิ่มปริมาตรปอดดังนั้นเพื่อฝึกการหายใจออกที่ยาวนานขึ้นจึงนำมาจากโปรแกรมแรกของ "วิธีการพัฒนาเสียงทางเสียง" โดย V. Emelyanov - การเลียนแบบเสียง "r" โดยใช้การสั่นสะเทือนของริมฝีปาก จำเป็นต้องให้ความสนใจกับความจริงที่ว่าควรเลียนแบบการรวมกันของพยัญชนะ "DBR" นั่นคือเปล่งเสียงและไม่ใช่ "TPR" ที่ไม่มีเสียง เด็ก ๆ จะได้รับเกมขับรถโดยเปลี่ยนทิศทางการเคลื่อนที่ ขึ้นเนิน ลง เดินไปรอบ ๆ สิ่งกีดขวาง และอื่น ๆ ที่คล้ายกัน ซึ่งจะต้องการให้เด็ก ๆ เปลี่ยนระดับเสียงและความแรงของน้ำเสียงจากการสั่นของริมฝีปาก . ขอแนะนำให้ได้เสียงที่ดังและกระฉับกระเฉงทำให้นักเรียนรู้สึกถึงการหายใจที่กระฉับกระเฉงและการสะท้อนของงานนี้บนกล้ามเนื้อของผนังหน้าท้องด้านข้างและด้านหลัง 5). ในการฝึกหายใจ คุณยังสามารถใช้เรื่องตลกสำหรับเด็ก: "เหมือนบนเนินเขา บนเนินเขามี Egorkas สามสิบสาม ... " ตามด้วยการแจงนับ: Egorka หนึ่งตัว Egorkas สองอัน Egorkas สามตัว... และ เป็นต้นซึ่งจะต้องออกเสียงอย่างรวดเร็วและในลมหายใจเดียว แบบฝึกหัดนี้สามารถเสนอให้เด็ก ๆ แข่งขันได้ การฝึกฝนทุกวันโดยจดบันทึกยาวๆ จะช่วยเพิ่มความจุปอดและเรียนรู้ที่จะควบคุมการไหลของอากาศ เมื่อเวลาผ่านไป เมื่อได้รับประสบการณ์มาบ้างแล้ว คุณสามารถเรียนรู้ที่จะกำหนดแรงหายใจที่ต้องการในบางกรณีได้ หากนักเรียนหายใจเข้ามากกว่าหายใจออก อาจทำให้เกิดอาการวิงเวียนศีรษะได้ ในกรณีนี้คุณต้องนั่งผ่อนคลายและพยายามหายใจให้น้อยลงเล็กน้อย ในไม่ช้าอาการป่วยไข้จะหายไปและในระหว่างเรียนจำเป็นต้องลดปริมาณอากาศที่สูดเข้าไป อุปกรณ์ที่ข้อต่อเมื่อเล่นเครื่องบันทึกมีความสำคัญอย่างยิ่งและด้วยเหตุนี้กิจกรรมเฉพาะของปอด, กล่องเสียง, ช่องปาก, ลิ้น, ริมฝีปากและกล้ามเนื้อใบหน้าที่เกี่ยวข้องกัน การเรียนรู้ทักษะการหายใจที่มั่นคงช่วยให้มีข้อต่อที่เหมาะสมเมื่อเล่นเครื่องดนตรีประเภทลม เมื่อแยกเสียง นักเรียนจะต้องบอกเป็นนัยหนึ่งหรืออีกพยางค์ ซึ่งเป็นหน่วยเสียงคำพูด (จินตนาการในใจ ไม่ใช่ออกเสียง) ความสามารถนี้นำไปสู่การกระทำที่แข็งขันของอุปกรณ์ข้อต่อทั้งหมดซึ่งก่อให้เกิดอิสรภาพและความสะดวกในการผลิตเสียง หากเราพิจารณาความสัมพันธ์ระหว่างข้อต่อและจังหวะ ข้อต่อคือหลัก และจังหวะคืออนุพันธ์รอง
เป็นที่ทราบกันว่าการโจมตีสามประเภทมีความคล้ายคลึงกันในด้านเสียงและวิธีการสร้างเสียงจากหน่วยเสียงคำพูดต่อไปนี้: เมื่อสร้างเสียงที่มีเสียงพยัญชนะ "t" อย่างแรง ปลายลิ้นจะสัมผัสถึงฟันบน ด้วยการโจมตีเบา ๆ ด้วยพยัญชนะ "d" ปลายลิ้นจะสูงกว่าการโจมตีครั้งก่อนเล็กน้อย การโจมตีเสริมไม่จำเป็นต้องมีส่วนร่วมจากปลายลิ้น แต่เป็นส่วนหลัง (ด้านหลัง) นั่นคือพยัญชนะ "k" ตัวอักษรสระที่ตามหลังพยัญชนะจะใช้ได้ทั่วไปสำหรับการโจมตีทุกประเภท: a, y หรือ i ทางเลือกของมันขึ้นอยู่กับการลงทะเบียนของเพลงที่กำลังเล่น เงื่อนไขชี้ขาดคือระดับเสียงของสระ: "a" เป็นตัวพิมพ์เล็ก, "u" เป็นตัวพิมพ์กลาง, "และ" เป็นตัวพิมพ์ใหญ่ จากมุมมองของข้อต่อ เครื่องบันทึกช่วยให้คุณได้เฉดสีที่กว้างที่สุดตั้งแต่ staccatissimo ที่ฉับพลันที่สุดไปจนถึงเลกาโตที่ยาวที่สุด การโจมตีและปล่อยที่จำเป็นที่จุดเริ่มต้นและจุดสิ้นสุดของโน้ตแต่ละตัวจะถูกควบคุมโดยลิ้นและนิ้ว เช่นเดียวกับเครื่องดนตรีอื่นๆ เครื่องบันทึกช่วยให้คุณสามารถรวมโหมดต่างๆ ของเสียงที่เปล่งออกมาเพื่อสร้างโครงสร้างจังหวะที่ตัดกันซึ่งจำเป็นสำหรับการใช้ถ้อยคำที่มีประสิทธิภาพ ถอดออก ตัวโน้ตเกิดจากการตีปลายหรือหลังลิ้นเข้ากับทางเข้าของเครื่องดนตรีบนพยางค์ "tu" หรือ "ta" ดึงความสนใจของนักเรียนไปที่การแยกเสียงด้วยลิ้น ไม่ใช่โดยการขัดจังหวะการหายใจออก เพราะ เมื่อแยกโน้ตด้วยการหายใจ เสียงจะคลุมเครือว่า "เปื้อน" จำเป็นต้องตรวจสอบให้แน่ใจว่าเมื่อแสดงรูปแบบอันไพเราะนิ้วจะตรงกับจังหวะของลิ้นทุกประการ สแตคคาโต กล่าวอีกนัยหนึ่ง สาระสำคัญของสแตคคาโตคือการแบ่งระยะเวลาของโน้ตที่เขียนบนกระดาษออกเป็นระยะของเสียงและการหยุดชั่วคราวด้วยความยาวเท่ากัน Staccato ทำให้ท่อนดนตรีเบาลงและนุ่มนวลขึ้น ด้วยวิธีนี้ คุณสามารถสร้างความรู้สึกในการเล่นที่เงียบขึ้นโดยไม่ต้องเปลี่ยนแรงของเสียง ซึ่งเป็นสิ่งสำคัญมากสำหรับเครื่องดนตรีประเภทลม ซึ่งการเปลี่ยนแรงหายใจสามารถนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงระดับเสียงของโน้ตที่มีเสียงได้ เลกาโต คุณสามารถย้ายจากโน้ตหนึ่งไปยังอีกโน้ตหนึ่งได้โดยไม่ต้องใช้ลิ้นเพื่อตีโน้ตตัวที่สอง สมมติว่าเมื่อเล่นโน้ต "A" เพียงยกนิ้วที่สองขึ้นเพื่อให้เสียงโน้ต "B" ก็เพียงพอแล้ว หากการเคลื่อนไหวของนิ้วช้าเกินไป ก็จะได้ยินเสียงที่ไม่เกี่ยวข้องระหว่างโน้ตทั้งสองและ ด้วยการเคลื่อนไหวที่เร็วขึ้นจะได้รับเพียงสองบันทึกที่จำเป็นเท่านั้น วิธีการผลิตเสียงนี้อาจดูง่ายกว่า เนื่องจากเมื่อแยกโน้ตตัวที่สอง ไม่จำเป็นต้องมีส่วนร่วมของลิ้น และดังนั้นจึงไม่จำเป็นต้องคิดถึงการประสานงาน
การเคลื่อนไหวของเขาด้วยการเคลื่อนไหวของนิ้วมือ อย่างไรก็ตาม ในทางกลับกัน มันซับซ้อนกว่า เนื่องจากต้องใช้นิ้วที่แม่นยำ ซึ่งข้อผิดพลาดที่ไม่สามารถปกปิดได้อีกต่อไปโดยการหยุดเสียงระหว่างโน้ต เช่นเดียวกับการผลิตเสียงสแตคคาโต เมื่อใช้เลกาโตอันยาวนานปัญหาอื่นก็เกิดขึ้น - จะหายใจได้อย่างไร? ถ้าไม่มีการหยุดชั่วคราวระหว่างโน้ตที่ทำให้เกิดเสียง แล้วคุณควรหายใจเมื่อใด? สิ่งที่เหลืออยู่คืออาศัยปริมาตรของปอดและทำงานกับเสียงคุณภาพสูงพร้อมการหายใจออกในระดับปานกลาง เครื่องบันทึกไม่ต้องการอากาศปริมาณมากจากนักดนตรี การเคลื่อนไหวของนิ้ว ทันทีที่นักเรียนเริ่มยกหรือลดนิ้วมากกว่าหนึ่งนิ้วในแต่ละครั้ง ปัญหาในการประสานการเคลื่อนไหวจะถูกค้นพบทันที ขั้นแรกอย่ายกนิ้วของคุณสูงเกินไปเหนือรู ระยะห่างที่ดีที่สุดคือระยะที่จะช่วยให้คุณคืนนิ้วกลับเข้าที่ในเวลาอันสั้นที่สุด (เช่น 5-10 มม.) เมื่อยกนิ้วขึ้น ควรวางนิ้วให้อยู่เหนือรูพอดี หากนิ้วของคุณเบี่ยงเบนไปจากตำแหน่งนี้ คุณจะต้องไล่ตามรูที่เกี่ยวข้องทุกครั้งเพื่อพยายามบล็อกมัน เมื่อนิ้วสูงเกินไปหรือสูงไม่เท่ากัน จะทำให้เคลื่อนไหวได้อย่างถูกต้องและชัดเจนได้ยาก ในกรณีที่ยกนิ้วตั้งแต่ 2 นิ้วขึ้นไปติดกัน ควรเคลื่อนเป็นหน่วยเดียว ไม่ใช่แยกกัน นิ้วควรปิดรูของเครื่องบันทึกด้วยแผ่นอิเล็กโทรด ไม่ใช่ส่วนปลาย ปลายนิ้วมีขนาดใหญ่กว่ารู ดังนั้นคุณควรจะสามารถปิดได้โดยไม่มีปัญหาใดๆ ผู้เริ่มต้นหลายคนกดนิ้วของตนแรงๆ กับรูของเครื่องบันทึกโดยไม่ได้ตั้งใจ ดังนั้นจึงพยายามปิดให้แน่นยิ่งขึ้น ในความเป็นจริงมันก็เพียงพอแล้วที่ปลายนิ้วจะวางบนรูที่เกี่ยวข้อง เมื่อคุณกดนิ้วกับเครื่องดนตรี จะเกิดความตึงเครียดเพิ่มเติม ซึ่งจะขัดขวางการเคลื่อนไหวอย่างอิสระของเครื่องมือ โน้ตต่ำซึ่งหมายถึง "D" และ "C" ของอ็อกเทฟแรกนั้นไม่ใช่เรื่องง่ายที่จะตี เริ่มต้นด้วยการปิดผนึกรูที่ปิดด้วยนิ้วมือขวาด้วยเทป ในกรณีนี้ นิ้วมือซ้ายยังคงอยู่ในรู และความสนใจของนักเรียนสามารถมุ่งความสนใจไปที่การค้นหาแรงหายใจที่ถูกต้อง ด้วยเหตุนี้เราจึงเห็นว่าความรู้เกี่ยวกับการหายใจ เสียง และอุปกรณ์ข้อต่อที่ถูกต้องนั้นเป็นพื้นฐานของการแสดงดนตรี พวกเขาต้องการความเอาใจใส่เป็นอันดับแรกในการฝึกอบรม
บนเครื่องเป่าลม หลังจากเชี่ยวชาญพื้นฐานเหล่านี้แล้วเท่านั้น คุณจึงจะก้าวไปสู่จุดสูงสุดของความเชี่ยวชาญได้ เมื่อเล่นเครื่องบันทึกการพัฒนาทักษะในการเล่นเครื่องดนตรีก็มีความสำคัญเช่นกัน ในช่วงเริ่มต้น ครูจะดึงความสนใจของนักเรียนไปที่การวางตำแหน่งมือของพวกเขา ตำแหน่งเริ่มต้น: แยกเท้าให้กว้างประมาณไหล่; รองรับขาซึ่งเด็กสบายกว่า มือทั้งสองถือเครื่องบันทึกโดยไม่ต้องกดเข้ากับลำตัวหรือยกขึ้นสูง ภาพเงาของนักเรียนทำให้เกิดตัวอักษร "F" เก๋ๆ ตำแหน่งมือบนเครื่องบันทึก: มือซ้ายขึ้น, มือขวาลง คุณต้องหยิบเครื่องบันทึกด้วยมือขวาที่ด้านล่างเหมือนกับว่าคุณถือดินสอ ต้องพับนิ้วหัวแม่มือและนิ้วชี้ของมือซ้ายเข้าด้วยกัน (เหมือนจะงอยปากเป็ด) ตอนนี้คุณสามารถสนทนาหรือร้องเพลงที่คุ้นเคยโดยเชื่อมโยงกับ "จงอยปาก" นี้ นอกจากการเปล่งเสียงแล้ว นักเรียนยังออกเสียงคำในเพลงใดก็ได้ ตัวอย่างเช่น: “สวัสดีลูกเป็ด คุณเป็นลูกใคร? คุณกำลังโทรหาใคร? คุณกำลังจะไปไหน?" - “ สวัสดีเด็ก ๆ คัทย่าและเพ็ตย่า! คุณรู้ไหมว่าคุณเองฉันกำลังว่ายน้ำไปหาแม่” คุณควรใส่ใจกับความจริงที่ว่าภาพที่สดใสแสดงออกและน่าจดจำของเป็ดหรือลูกเป็ดจะช่วยในอนาคตในการค้นหาตำแหน่งของหลุมเล่นแรกบนกระบอกเครื่องดนตรีอย่างแม่นยำ ในอนาคตเมื่อหันไปทางขวามือโดยใช้งานคล้าย ๆ กัน นักเรียนก็จะไปถึงหลุมเล่นที่สี่อย่างแน่นอน ขั้นตอนต่อไปในกระบวนการทำงานคือการวางตำแหน่งของเข็มนาฬิกา จำเป็นต้องใส่ใจกับการวางข้อศอกซึ่งไม่ควรกดทับลำตัว จำเป็นต้องปิดรูด้วยปลายนิ้วกลาง ในขณะที่ไม่ควรบีบมือ และหากเป็นไปได้ ควรวางนิ้วเป็นมุมฉากกับเครื่องบันทึก สิ่งนี้จะช่วยให้แน่ใจว่ารูเครื่องบันทึกปิดสนิทและนำไปสู่ระดับเสียงสูงต่ำของตัวโน้ตที่แม่นยำ นักเรียนควรจะสามารถถือเครื่องบันทึกได้อย่างสบาย ข้อสำคัญ: นิ้วก้อยของมือทั้งสองข้างอยู่ในตำแหน่งโค้งมนเล็กน้อย อยู่เหนือด้านหน้าของเครื่องบันทึก การปล่อยนิ้วก้อยของคุณลงโดยการงอไว้ใต้กระบอกเครื่องดนตรีหรือยกขึ้นนั้นไม่ถูกต้อง ระดับของการปัดเศษขึ้นอยู่กับความสัมพันธ์ระหว่างกันซึ่งก็คือโครงสร้างของมือเด็กแต่ละคน ช่วงเวลาที่จัดฉากนี้มีความสำคัญมากสำหรับการฝึกอบรมครั้งต่อไปทั้งหมด และจำเป็นอย่างยิ่งที่จะต้องแน่ใจว่าทุกคนสามารถรับมือกับงานได้ และไม่ใช่นักเรียนคนเดียวที่สงสัยเกี่ยวกับความสามารถของตนเองเกี่ยวกับเครื่องดนตรี หลังจากเชี่ยวชาญการวางมือแล้ว คุณสามารถเข้าสู่เกมได้โดยตรง
วางเครื่องบันทึกไว้ที่มุม 45% กับปาก นั่นคือขอบด้านล่างของเครื่องไม่ควรชี้ลงตรงหรือขนานกับพื้น ควรปิดรูให้สนิท: สามรูด้านบน - ด้วยนิ้วชี้, นิ้วกลางและนิ้วนางของมือซ้ายและสี่รูล่าง - ด้วยนิ้วชี้, กลาง, นิ้วนางและนิ้วก้อยของมือขวา ตำแหน่งของมือนี้จะทำให้เด็ก ๆ คุ้นเคยกับการวางตำแหน่งที่ถูกต้อง และไม่จำเป็นต้องฝึกใหม่เมื่อเปลี่ยนไปใช้ขลุ่ยขวาง คลาริเน็ต แซกโซโฟน ฯลฯ สันนิษฐานเพิ่มเติม งานของแต่ละบุคคลกับนักเรียนทุกคน คุณต้องแน่ใจว่าหลุมเล่นปิดสนิท ซึ่งสามารถทำได้โดยการบีบเครื่องบันทึกแรงๆ ซึ่งควรทิ้งรอยไว้บนปลายนิ้ว: หากวงกลมถูกประทับไว้อย่างสมบูรณ์ แสดงว่าหลุมนั้นปิดอย่างถูกต้อง หากไม่เป็นเช่นนั้น คุณควรตรวจสอบเด็กในขณะที่เขาปิดหลุมเล่น เมื่อปิดโน้ตบนเครื่องดนตรี คุณไม่ควรยกนิ้วขึ้นสูง - ในอนาคต สิ่งนี้อาจส่งผลเสียต่อเทคนิคการแสดง เช่น ท่อนนั้นมีระยะเวลาสั้นที่ต้องเล่นในจังหวะเร็ว เด็กที่ยกนิ้วขึ้นสูงจากหลุมเล่นจะไม่สามารถเล่นชิ้นนั้นตามจังหวะที่เขียนไว้ได้ หากครูแนะนำรูปลูกเป็ดคุณสามารถแสดงช่วงเวลานี้ได้ดังนี้: ลูกเป็ดภูมิใจมากที่เขามีเครื่องบันทึกและปีกของเขาก็กางออกอย่างภาคภูมิใจ หากครูทำงานร่วมกับนักเรียนที่มีอายุมากกว่า คุณสามารถขอให้เด็กๆ วางข้อศอกเหมือนวางบนแผ่นรอง เช่นเดียวกับที่มือของคุณวางบนที่วางแขนในขณะที่คุณนั่งอยู่บนเก้าอี้ หลังจากออกกำลังกายและประมวลผลการเคลื่อนไหวทั้งหมดแล้ว คุณก็สามารถเริ่มเล่นได้ ครูก็เหมือนกับนักเรียน ที่จะหยิบเครื่องบันทึกในมือและแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่าพวกเขาต้องทำอะไรและอย่างไร เมื่อปิดหลุมเล่นหนึ่งหลุมด้านบนด้วยมือซ้ายด้วยนิ้วชี้คุณต้องพูดอย่างแน่นอนว่าโน้ตนี้เรียกว่าอะไรเนื่องจากตั้งแต่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 จำเป็นต้องสอนเด็ก ๆ ถึงวิธีอ่านดนตรีและตั้งชื่อโน้ตอย่างถูกต้อง การเล่นหลุมแรกบนเครื่องบันทึกเรียกว่าโน้ต "B" คุณควรแสดงให้เห็นว่าโน้ตมีลักษณะอย่างไรในการบันทึก นิ้วชี้ของมือซ้ายซึ่งคลุมโน้ตตัว "B" จะถูกกำหนดหมายเลขไว้ก่อน (1) เนื่องจากแต่ละนิ้วจะมีหมายเลขของตัวเอง ในระหว่างเกมนักเรียนจะต้อง "โจมตี" แต่ละโน้ตด้วยลิ้นของพวกเขาและออกเสียงพยางค์ tou, tou, tou ราวกับกระซิบ
บทบาทนำในด้านการศึกษาและการฝึกอบรมของนักเรียนเป็นของครู ดังนั้นงานด้านการศึกษาและการศึกษารูปแบบหลักจึงเป็นบทเรียน ในระหว่างบทเรียน ครูผสมผสานคำอธิบายด้วยวาจาและการปฏิบัติงานทั้งหมดหรือบางส่วน ซึ่งจะเพิ่มความสนใจ ความสนใจ และกิจกรรมของนักเรียน การเล่นดนตรีร่วมกันระหว่างนักเรียนและครู (นักเรียนและนักเรียน) มีส่วนช่วยในการพัฒนาความสามารถเชิงสร้างสรรค์ของนักดนตรีรุ่นเยาว์ เร่งกระบวนการเรียนรู้ พัฒนาการได้ยินของนักเรียน ความรู้สึกของจังหวะ ความสามารถในการมองเห็นการอ่าน และปลูกฝังทักษะในการเล่น ในวงดนตรี “ การพัฒนาทางดนตรีของนักเรียน - การพัฒนาความคิดทางดนตรีและรสนิยมทางศิลปะของเขา, การขยายขอบเขตทางดนตรีของเขา, การพัฒนาทักษะการแสดง - เป็นงานซึ่งการแก้ปัญหาคือเป้าหมายหลักของการศึกษาทุกขั้นตอนรวมถึง อันแรก” อันที่จริงเป็นการยากที่จะกำหนดเวลาที่ใช้ในการพัฒนาทักษะบางอย่าง ระบบบทเรียนแบบตัวต่อตัวช่วยให้ครูในแต่ละกรณีสามารถสร้างงานของเขาตามลักษณะเฉพาะของนักเรียนได้ สิ่งสำคัญคือทิศทาง เนื้อหา และวิธีการสอนและพัฒนาผู้เรียน ในการรวบรวมทักษะที่ได้มาคุณควรผ่านงานจำนวนมากที่มีความยากเท่ากันโดยประมาณ ความซับซ้อนของบทละครที่ครอบคลุมควรค่อยๆ ดำเนินการ และในที่สุดก็ไม่จำเป็นต้องกีดกันเด็กที่สนใจเรียนที่โรงเรียนดนตรีทั้งนี้ขึ้นอยู่กับความพยายามของครูทักษะการสอนของเขา หากนักเรียนเข้าเรียนด้วยความยินดีอย่าพลาดโดยไม่มีเหตุผลที่ดี หากเขาเรียนด้วยความสนใจก็มีส่วนร่วมในการแสดงคอนเสิร์ต - นี่เป็นข้อดีอย่างมากสำหรับทั้งเด็กและครู ดังที่ B. Ya. Grach เขียนในงานของเขา:“ งานก้าวหน้าเมื่อนักเรียนสนใจ และน่าสนใจเมื่องานหนึ่งถูกแทนที่ด้วยอีกงานหนึ่ง เมื่องานหนึ่งถูกแทนที่ด้วยอีกงานหนึ่ง เมื่อเอาชนะความยากลำบากได้สำเร็จโดยไม่ต้องเครียดมากเกินไป เฉพาะในกรณีนี้เท่านั้น ผลลัพธ์ที่ดีจะนำความสุขมาสู่นักเรียน ทุกสิ่งที่ไม่ได้ผลจะทำให้อารมณ์เสีย นักเรียน ความล้มเหลวมักจะนำไปสู่การบาดเจ็บ เมื่อเชี่ยวชาญทักษะการเล่นเครื่องบันทึก เรียนรู้การหายใจที่ถูกต้อง การผลิตเสียงจากเครื่องบันทึก นักเรียนจะเตรียมพร้อมสำหรับการเรียนรู้การเล่นเครื่องลมขั้นที่สอง แท้จริงแล้วคือ ยากที่จะกำหนดเวลาในการพัฒนาทักษะบางอย่าง ระบบบทเรียนแบบตัวต่อตัวให้
โอกาสของครูในแต่ละกรณี ครูสร้างผลงานตาม ลักษณะเฉพาะส่วนบุคคลนักเรียน. สิ่งสำคัญคือทิศทาง เนื้อหา และวิธีการสอนและพัฒนาผู้เรียน ดังนั้นถูกต้อง การฝึกอบรมเบื้องต้นการเล่นเครื่องบันทึกจะสร้างโอกาสอันดีสำหรับการก่อตัวของการรับรู้ทางดนตรีและการได้ยินที่หลากหลายและ การพัฒนาที่ประสบความสำเร็จนักเรียนในฐานะนักดนตรีที่แสดง
2.2.อนาคต

การสอน

เครื่องบันทึก

ดนตรี

โรงเรียนเป็นเครื่องมืออิสระ
เราคุ้นเคยกับการพูดถึงเครื่องบันทึกในฐานะเครื่องดนตรีเสริมที่เตรียมนักแสดงรุ่นเยาว์ให้พร้อมสำหรับการเปลี่ยนไปใช้เครื่องดนตรีที่ "ใหญ่" เท่านั้น ทำได้เพียงเตรียมเด็กให้เล่นคลาริเน็ตหรือโอโบเท่านั้น เครื่องบันทึกไม่ใช่เครื่องดนตรี น่าเสียดายที่นี่คือสิ่งที่เพื่อนร่วมชาติธรรมดาๆ ที่ไม่ใช่นักดนตรีคิด พวกเขาไม่รู้ว่ามีดนตรีที่ยอดเยี่ยมมากแค่ไหนสำหรับ "ท่อ" นี้และการแสดงในอดีตและสมัยใหม่สามารถเล่นได้อย่างสวยงามและเชี่ยวชาญได้อย่างไร ในขณะเดียวกัน เครื่องบันทึกก็เป็นอุปกรณ์อิสระและพึ่งพาตนเองได้อย่างสมบูรณ์ เราต้องจำไว้ว่าพวกเขาเขียนผลงานให้เธอ นักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด: A. วิวาลดี, G.F. เทเลแมน, G.F. ฮันเดล, I.S. บาค. เครื่องบันทึกในประเทศแถบยุโรปมักจะฟังดูดีที่สุด สถานที่จัดคอนเสิร์ต! นักแต่งเพลงในยุคเดียวกันของเราหลายคน รวมถึง Britten, Hindemith และคนอื่นๆ ใช้เครื่องบันทึกในวงดนตรีแชมเบอร์และงานไพเราะ มีวงดนตรีในยุคแรกๆ ที่เครื่องบันทึกเป็นเครื่องดนตรีที่เท่าเทียมกัน นี่เป็นหนึ่งในเครื่องมือที่สะดวกที่สุดสำหรับการศึกษาด้านดนตรี ก่อนอื่นเพราะการเก็บเครื่องบันทึกขนาดเล็กไว้ที่บ้านนั้นสะดวกกว่าเปียโนมาก เสียงที่เงียบของเครื่องดนตรีนี้ช่วยให้คุณเล่นเพลงได้โดยไม่รบกวนครอบครัวและเพื่อนบ้าน การเรียนรู้เล่นเครื่องบันทึกไม่จำเป็นต้องฝึกฝนหลายปี การยืดนิ้วเป็นพิเศษ และความแข็งแรงของกล้ามเนื้อปอดที่ยอดเยี่ยม ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลในโรงเรียนดนตรี การเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมเริ่มต้นด้วยเครื่องบันทึก นอกจากนี้ เครื่องบันทึกยังมีราคาไม่แพงกว่าอุปกรณ์อื่นๆ มาก โมเดลพลาสติกที่ง่ายที่สุดในปัจจุบันสามารถซื้อได้ในราคาเพียง 400-500 รูเบิล ด้วยเหตุผลทั้งหมดข้างต้น เครื่องบันทึกจึงได้รับความนิยมอย่างมากทั้งในหมู่นักดนตรีและผู้ที่ต้องการเข้าร่วมวัฒนธรรมดนตรี เพราะใช้อันนี้.
เครื่องดนตรีนี้สามารถใช้ได้ในเกือบทุกทิศทางดนตรีมีคนชอบเล่นเครื่องบันทึกมากขึ้นเรื่อย ๆ นักเรียนระดับมัธยมศึกษา วัยรุ่น และผู้ใหญ่ในภาคปฏิบัติการสอนของโรงเรียนดนตรีสามารถเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีนี้ได้ บางทีในวงดนตรีโบราณเครื่องบันทึกสามารถเติมเต็มฟังก์ชั่นที่สร้างขึ้นได้อย่างเต็มที่ที่สุด ดนตรีในยุคแรกๆ มักเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็น “ดนตรีตามประเพณีของยุโรปตะวันตก ที่สร้างขึ้นในสมัยตั้งแต่ยุคกลางถึง ต้น XIXวี" . ความหมายหลักและงานที่ครูเผชิญคือการส่งคืนเสียงดนตรีชิ้นใดชิ้นหนึ่งสูงสุด (เท่าที่จะทำได้) โดยการเล่นในชุดเครื่องบันทึก ความสนใจในเครื่องบันทึกในหมู่นักดนตรีเชิงวิชาการค่อนข้างอ่อนแอ อย่างไรก็ตาม มีนักแสดงดนตรีเชิงวิชาการในเครื่องบันทึกอยู่และยิ่งไปกว่านั้น แม้แต่ในรัสเซียก็ยังมีชื่อใหญ่ ๆ อีกด้วย ในขณะที่เครื่องบันทึกทางวิชาการในรัสเซียยังคงเป็นสิ่งที่หายากและเป็นข้อยกเว้นสำหรับกฎนี้ นักแสดงดนตรีเชิงวิชาการจากต่างประเทศยอมรับว่าเครื่องบันทึกเป็น เป็นเครื่องมือที่จริงจังบ่อยกว่ามาก ตัวอย่างเช่น นักเป่าขลุ่ยชาวเยอรมัน Maurice Steger ได้รับการยกย่องว่าเป็นหนึ่งใน "นักบันทึกเสียงที่เก่งที่สุดในโลก" มอริซเล่นเพลงหลากหลายในเครื่องบันทึก ตั้งแต่เพลงโบราณไปจนถึงการร่วมงานกับวงออร์เคสตราสมัยใหม่ เขาได้แสดงผลงานที่โด่งดังที่สุดสำหรับเครื่องบันทึกโดย Telemann, Sammartini, Vivaldi และคนอื่น ๆ อีกมากมายซึ่งนักดนตรีได้รับรางวัลจากชุมชนผู้เชี่ยวชาญซ้ำแล้วซ้ำเล่า ตัวแทนอีกคนหนึ่งหรือตัวแทนของทิศทางการศึกษาคือผู้บันทึก Michala Petri จากเดนมาร์ก มิชาลาแสดงบนเวทียุโรปทั้งในฐานะนักแสดงเดี่ยวและเป็นส่วนหนึ่งของวงออเคสตราที่มีชื่อเสียงที่สุด เครื่องบันทึกหลายสิบชิ้นเขียนขึ้นเพื่อมิชาลาโดยเฉพาะ ผู้หญิงที่น่าทึ่งคนนี้หยิบเครื่องบันทึกขึ้นมาครั้งแรกเมื่ออายุได้สามขวบ และเมื่ออายุได้ห้าขวบ เธอก็แสดงในรายการวิทยุของเดนมาร์กแล้ว ต่อจากนั้น Petri ได้รับเสียงปรบมือในคอนเสิร์ตฮอลล์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก เป็นที่น่าสนใจว่าผู้เล่นเครื่องอัดเสียงชาวต่างชาติส่วนใหญ่ไม่เชี่ยวชาญด้านดนตรีโดยเฉพาะ แต่พยายามปกปิดให้มากที่สุด นักดนตรีหลายคนเล่นในวงดนตรียุคแรกๆ และวงออเคสตราคลาสสิกไปพร้อมๆ กัน และมีส่วนร่วมในโปรเจ็กต์แนวหน้าต่างๆ
ด้วยการพัฒนา เทคโนโลยีสารสนเทศเครื่องดนตรีอย่างเครื่องบันทึกจะ (ใครๆ ก็คิด) จะจางหายไปในพื้นหลังอย่างรวดเร็ว แต่เครื่องมือนี้มีอนาคต เครื่องดนตรีสดจะถูกนำเสนอและใช้อย่างต่อเนื่อง ไม่มีนาโนเทคโนโลยีใดสามารถทดแทนสิ่งที่เป็นธรรมชาติได้ แต่เพื่อเสริม เพื่อสร้างพื้นที่การสั่นสะเทือนแบบขนาน - ใช่ ฉันคิดว่าในอนาคตอันใกล้นี้ ความเป็นไปได้ในการเล่นเครื่องบันทึกจะขยายออกไปเนื่องจากการขจัดข้อจำกัดต่างๆ สิ่งสำคัญคือการกำจัดความคาดหวังและรับการค้นพบความสามารถของเครื่องมือที่ไม่อาจจินตนาการได้อย่างสมบูรณ์ เครื่องบันทึกก็เหมือนกับเครื่องดนตรีอื่นๆ ที่อาศัยอยู่ในกฎอันยิ่งใหญ่ของจักรวาล และเป็นส่วนพิเศษของวงออเคสตราทั้งหมด ซึ่งเรียกว่าชีวิต เครื่องบันทึกถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในเกือบทุกด้านของดนตรีสมัยใหม่ ดนตรีวิชาการไม่ใช่การเคลื่อนไหวหรือทิศทาง แต่เป็นต้นไม้ที่เติบโตในสวนแห่งอารยธรรม ดนตรีวิชาการเป็นดนตรีแห่งความต่อเนื่อง กล่าวคือ สิ่งหนึ่งที่มีความทรงจำทางวัฒนธรรมและมี DNA บางอย่างที่ช่วยให้สามารถตรวจจับสัญญาณของศิลปะชั้นสูงในนั้นได้ การแตกกิ่งก้านของต้นไม้นี้จะมีคุณสมบัติไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ไม่สำคัญหรอกว่า: บาโรก คลาสสิค โรแมนติก อิมเพรสชั่นนิสม์ เปรี้ยวจี๊ด...แม้แต่กลุ่มฝ่ายซ้ายส่วนใหญ่ก็ยังสอดคล้องกับสุนทรียศาสตร์นี้เสมอ ในการถ่ายทอดความรู้ จำเป็นต้องมีระบบ: ครู-นักเรียน และผลที่ตามมาก็คือระบบในรูปแบบต่างๆ เครื่องบันทึกมีความเกี่ยวข้องในปัจจุบันอย่างไร? ขณะนี้มีเครื่องมือที่มีความสามารถด้านเทคนิคที่กว้างขึ้นมาก แท้จริงแล้วมีเครื่องมือหลายอย่างที่ได้รับสถานะของต้นแบบผู้ส่งสารจากยุคสมัยหนึ่งในระหว่างการพัฒนาประวัติศาสตร์วัฒนธรรม ตัวอย่างเช่น ไม่ต้องสงสัยเลยว่าฮาร์ปซิคอร์ดถือเป็นสัญลักษณ์บางอย่างของบาร็อค ยุคของ Rameau และ Couperin, Poglietti และ Scarlatti ซึ่งเป็นราชวงศ์บาค สถานการณ์คล้ายกับเครื่องบันทึก เครื่องดนตรีนี้เป็นของยุคบาโรกและดนตรีชาติพันธุ์เป็นส่วนใหญ่ ละครของเธอคืออะไร? การดัดแปลงมากมายจากต้นฉบับ การดัดแปลง การด้นสดทางชาติพันธุ์ เครื่องบันทึกไม่เคยผ่านการขยายทางเทคนิคของเทคนิคการผลิตเสียงดังกล่าว และที่สำคัญที่สุดคือ การใช้การขยายเหล่านี้ในงานศิลปะ เช่น ขลุ่ยขนาดใหญ่ แต่ตรงกันข้าม เธอใช้ชีวิตอย่างอิสระและเป็นอิสระโดยสมบูรณ์ น่าแปลกใจที่ด้วยความสามารถทางเทคนิคที่ค่อนข้างกว้างของศตวรรษที่ผ่านมาและความสามารถที่แทบจะไร้ขอบเขตของศตวรรษปัจจุบัน
เครื่องบันทึกมีการใช้งานอย่างแข็งขันค่ะ เพลงยอดนิยม. นี่เป็นการหักล้างทฤษฎีที่ว่าเครื่องบันทึกถูกลืมอีกครั้งเนื่องจากเสียงที่เงียบและความสามารถทางดนตรีที่อ่อนแอ ในละครของโรงเรียนดนตรี ครูได้รวมท่วงทำนองของกลุ่มยอดนิยมและเป็นตำนานมายาวนานเช่น "The Beatles", "The Rolling Stones", "Led Zeppelin", Curtis E. "Come back to Sorrento!", Oliveira L. เพลงจากภาพยนตร์เรื่อง "Generals of the Sandy quarries", James Last Lonely Shepherd, 134 Kb, zip นอกจากนี้ ปัจจุบันยังมีผู้แต่งเพลงจำนวนมากที่แต่งเพลงสำหรับเครื่องบันทึกโดยเฉพาะ ในบรรดาชื่อต่างประเทศสามารถตั้งชื่อ Giorgio Tedda, Alberto Iacopucci, Marcus Janhausen, Makotto Shinoara, Moritz Eggert, Decebal Grigoruta ในประเทศของเรา การแต่งเพลงให้กับเครื่องบันทึกไม่ใช่เรื่องธรรมดานัก อย่างไรก็ตาม ตัวอย่างเช่น Sergei Slonimsky นักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่โด่งดังและโดดเด่นที่สุดคนหนึ่งเป็นผู้เขียนผลงานหลายชิ้นสำหรับวงดนตรีเครื่องบันทึก ที่น่าสังเกตก็คือนักแต่งเพลง Vladimir Dashkevich ซึ่งเป็นผู้แต่งเพลงให้กับภาพยนตร์หลายเรื่อง การเรียบเรียงของเขามักมีส่วนสำหรับเครื่องบันทึก (เช่นในบทประพันธ์ของภาพยนตร์เรื่อง "Sherlock Holmes and Doctor Watson") นอกจากนี้ การแสดงละครของนักเรียนยังได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยการสร้างสรรค์การเรียบเรียงเสียงลมและ เครื่องเพอร์คัชชัน. ตลอดหลายปีที่ผ่านมาของแผนกนี้ ครูได้ให้ความสนใจกับงานนี้ เราสามารถยกตัวอย่างการเรียบเรียงโซนาตาไวโอลินและพาร์ติทัสของ J.S. Bach ของ I.P. Mozgovenko; การจัดเตรียมเครื่องบันทึก เครื่องบันทึก หรือ gobo ของ J. Dunkle โดย S.P. Velikanov การจัดเตรียมเครื่องลมและเครื่องเพอร์คัชชันที่ทำโดย M.S. Khokhlov ทำให้สามารถแสดงผลงานที่คุ้นเคยด้วยเสียงที่สดใสแบบใหม่ได้ ฯลฯ
บทสรุป
เครื่องบันทึกการสอนในโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กในระยะเริ่มแรกของการศึกษาไม่เพียงพัฒนาความสามารถทางดนตรีทั่วไปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสามารถทางวิชาชีพด้วย ยิ่งเด็กๆ มีส่วนร่วมในศิลปะดนตรีมากเท่าไร การเลี้ยงดูคนรุ่นใหม่ก็จะยิ่งมีความสามัคคีมากขึ้นเท่านั้น เด็ก ๆ ที่กำลังศึกษาเครื่องบันทึกในโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กที่ยังไม่ได้รับความสมบูรณ์แบบและความเป็นมืออาชีพด้วยเหตุผลบางประการ จะได้รับความรู้อันมีค่าเกี่ยวกับเครื่องดนตรีนี้เพื่อการพัฒนาทางดนตรีโดยทั่วไปและความคุ้นเคยกับดนตรี และจะได้เรียนรู้ที่จะสัมผัสและรับรู้ดนตรีอย่างมีอารมณ์
เด็กเหล่านั้นที่ความสามารถทางดนตรีที่ซับซ้อนทั้งหมดจะช่วยให้พวกเขานำการเรียนรู้ผ่านเครื่องบันทึกไปสู่ระดับมืออาชีพจะได้รับประโยชน์อันล้ำค่าในการปรับปรุงความสามารถในการแสดงของพวกเขาต่อไป การตั้งเป้าหมายที่สูงส่งสำหรับตัวเอง ครูพิเศษต้องทำงานร่วมกับนักเรียนในด้านดนตรีโดยทั่วไป และโดยเฉพาะกับเครื่องดนตรีนี้ ดังนั้นมีเพียงครูคนนั้นเท่านั้นที่จะบรรลุผลตามที่ต้องการซึ่งจะพัฒนาความสามารถทางดนตรีของเขาพร้อมกับการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรี การปลูกฝังความรักในเครื่องลม การวางตำแหน่งอุปกรณ์ริมฝีปาก นิ้ว และร่างกายของเด็กให้ถูกต้องถือเป็นจุดสำคัญในการทำงานของครูร่วมกับนักเรียน นักเรียนที่เรียนเล่นเครื่องบันทึกในช่วงปีแรกของบทเรียนควรได้ยินจากครูเสมอว่าเครื่องดนตรีประเภทลมทุกชนิดมีความสวยงามและแสดงออกได้ และมีเพียงผู้ที่มีความสามารถทางดนตรีทางกายภาพเท่านั้นจึงจะสามารถเรียนรู้ที่จะเล่นได้ การกำหนดคำถามที่ถูกต้องตามระเบียบวิธีดังกล่าวไม่รวมถึงความเป็นไปได้ในทางปฏิบัติ การบาดเจ็บทางจิตใจเด็กเมื่อเปลี่ยนจากเครื่องบันทึกไปเป็นโอโบ คลาริเน็ต ทรัมเป็ต หรือเครื่องเป่าลมอื่นๆ การเรียนรู้เบื้องต้นในการเล่นเครื่องบันทึกจะสร้างโอกาสอันดีสำหรับการพัฒนาความเข้าใจด้านดนตรีและการได้ยิน การพัฒนาที่หลากหลายและประสบความสำเร็จของนักเรียนในฐานะนักดนตรีที่แสดง การเรียนรู้พื้นฐานของการเล่นเครื่องบันทึกควรทำให้เด็กๆ สามารถสื่อสารกับดนตรีได้อย่างต่อเนื่อง เป็นนักดนตรีสมัครเล่น กลายเป็นผู้ชื่นชอบดนตรีที่เข้าใจลักษณะ รูปแบบ สไตล์ของงานดนตรี ตลอดจนมีส่วนร่วมในการแสดงสมัครเล่นหรือเพียงแค่เล่นดนตรี เมื่อหยิบเครื่องบันทึกขึ้นมา เด็กทุกคนตั้งแต่บทเรียนแรกจะได้เรียนรู้ดนตรีผ่านการทำดนตรีของตนเอง ตอนนี้เขากลายเป็น "ผู้ควบคุม" โดยตรงของความคิดของผู้แต่งทั้งหมดเนื่องจากเพื่อที่จะเล่นผลงานจำเป็นต้องวิเคราะห์อย่างรอบคอบและ "ผ่านตัวคุณเอง" อย่างแท้จริงแม้ว่าความคิดและความรู้สึกทั้งหมดที่ถ่ายทอดด้วยเสียงโดยไม่รู้ตัวก็ตาม และเครื่องดนตรีที่เกี่ยวข้องกับการหายใจนั้นใกล้เคียงกับเสียงของมนุษย์มากที่สุด - “เครื่องดนตรี” ที่ดีที่สุด จริงๆ แล้ว นักดนตรีที่เก่งที่สุดในงานของพวกเขาต่างก็พยายามเล่นตามแบบที่คนๆ หนึ่งร้องหรือพูด ขลุ่ย - ด้วยเสียงที่ง่ายดาย โอกาสที่ดีเพื่อแสดงความคิดและ
การระเบิดของจิตวิญญาณตอบสนองต่อการเปลี่ยนแปลงเพียงเล็กน้อยในการหายใจหรือการเคลื่อนไหวของเราและเครื่องบันทึกในมือที่ดีสามารถบอกเล่าสิ่งที่น่าสนใจมากมายได้... ฉันคิดว่าเครื่องดนตรีนี้ถูกเลือกโดยคนที่รู้วิธีค้นหาและชื่นชมความงาม ในสิ่งที่เรียบง่ายขั้นพื้นฐาน และไม่ค่อยมีในยุคที่เงินทองในทางปฏิบัติของเรา และแท้จริงแล้ว - เครื่องดนตรีที่ไม่มีชื่อเสียง - ไปป์ธรรมดา ๆ เพียง 8 หลุม แต่มีอารมณ์มากแค่ไหนมันให้การพัฒนาจิตใจและหัวใจของเราอย่างไร ความสนใจในเครื่องบันทึกและเครื่องดนตรีโบราณอื่นๆ ส่วนใหญ่เนื่องมาจากความสนใจโดยทั่วไปในทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับสมัยโบราณ เทรนด์นี้ไม่ใช่เรื่องใหม่แต่อย่างใด สามารถสืบย้อนได้จากประวัติศาสตร์ที่ผู้คนแสดงความสนใจในอดีตของตนมาโดยตลอด ความเป็นเอกลักษณ์ของเครื่องดนตรี การเข้าถึงการมาสเตอร์ได้ ความสามารถทางดนตรีที่หลากหลาย และต้นทุนต่ำ ยังส่งผลต่อความสนใจในตัวเครื่องบันทึกที่กำลังพัฒนาอีกด้วย
บรรณานุกรม
1. Abdulin E. B. Nikolaeva E. V. ทฤษฎีการศึกษาด้านดนตรี - M. , 2004 2. Apraksina O. วิธีการศึกษาด้านดนตรีที่โรงเรียน - บทช่วยสอน – อ.: การศึกษา 2526. 3. Barenboim L. ระบบการศึกษาดนตรี โดย K. Orff. – ล.: ดนตรี, 1970. 4. บาเรนโบอิม แอล. ประถมศึกษา การศึกษาด้านดนตรีตามระบบเค.ออร์ฟฟ์ – L.: ดนตรี, 1970. 5. Berezin V. นักฟลุตชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ในกระจกเงาแห่งกาลเวลา. “ดนตรีโบราณ”: Ezhekv ดนตรี นิตยสาร / ผู้ก่อตั้ง : หน่วยงานวรรณกรรม "PREST" ม.: บ. และ. พ.ศ. 2548 - ฉบับที่ 1-2 (27-28) 6. Berezin V. เครื่องดนตรีลมในวัฒนธรรมดนตรีคลาสสิก M.: สำนักพิมพ์ของสถาบันการศึกษาระดับมัธยมศึกษาทั่วไปของ Russian Academy of Education, 2000. 388 f., ill., หมายเหตุ 7. โบชารอฟ. Y. ผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรีโบราณ ม. - เฮลิออส, 2548, หน้า. 6 8. Braudo I. Articulation (เกี่ยวกับการออกเสียงทำนอง) ฉบับที่ 2. ดนตรีสาขาเลนินกราด ล.: 2516. 200 น. 9. วิโนกราดอฟ แอล.วี., เทโวเซียน อี.เอส. บล็อกฟลุต การทำเพลงร่วมกัน ส่วนที่ 1 รัฐ ภาพ. โรงเรียนหมายเลข 1321 “อาร์ค” องค์กรสาธารณะระดับภูมิภาคเพื่อคนพิการและผู้ปกครองของเด็กพิการ (ROOI), 2547
10. กรูเบอร์ อาร์. ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรี T.I (ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปลายศตวรรษที่ 16) ตอนที่สอง ม., เจแอล: รัฐ. ดนตรี สำนักพิมพ์ พ.ศ. 2537 514 หน้า 11. Dikov B. เกี่ยวกับการหายใจเมื่อเล่นเครื่องดนตรีประเภทลม – M.: Muzgiz, 1956. 12. Dikov B. วิธีสอนการเล่นเครื่องดนตรีประเภทลม. เอ็ด 2. - M.: Muzyka, 1987. 13. Dolzhikov Yu. การประกบและจังหวะเมื่อเล่นฟลุตในหนังสือประเด็นการสอนดนตรี: การรวบรวมบทความ ฉบับที่ 10. (เรียบเรียงโดย Yu. Usov) อ.: ดนตรี, 1991.-176 น. 14. Dolzhikov Yu เทคนิคการหายใจของนักฟลุต: ปัญหาการสอนดนตรี: การรวบรวมบทความ ฉบับที่ 4/อ.-สถ. ยู. อุซอฟ. -M.: Muzyka, 1983. 128 e., หมายเหตุ. 15. Druskin M. ประวัติศาสตร์ดนตรีต่างประเทศ (ฉบับที่ IV) ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 M.: Muzyka, 1980. 528 สำเนา, หมายเหตุ 16. Emelyanov V. “ การพัฒนาเสียงการประสานงานและการฝึกอบรม” – เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 2000. 17. Ivanov V. พจนานุกรมนักดนตรีแห่งสายลม. อ.: มูซิก้า 2550 - 128 น. 18. Kaczmarczyk V. เทคนิคการเจาะปากแบบบาร็อคสำหรับนักฟลุต นิตยสาร "ดนตรีและเวลา" M. , 2006. - 11.ts 19. Kaczmarczyk V. การเปล่งเสียงฟลุตแห่งยุคบาโรก “ดนตรีโบราณ”: Ezhekv ดนตรี นิตยสาร / ผู้ก่อตั้ง: ไลท์. เอเจนซี่ "GEREST" ม.: บ. และ. -2005.-หมายเลข 3-4. 20. Levin S. เครื่องดนตรีลมในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรี - L.: ดนตรี, 1993. 21. พจนานุกรมดนตรีของโกรฟ. ฉบับภาษารัสเซียฉบับที่สอง แก้ไขและขยายความ ต่อ. จากอังกฤษ อ.: แพรกติก 2550 - 1103 น. 22. สารานุกรมดนตรี เล่ม 1: M. สารานุกรมโซเวียต พ.ศ. 2519 - หน้า 178 23. ใหม่ หนังสืออ้างอิงสากลประเทศและผู้คนทั่วโลก / เรียบเรียงโดย A.G. Stadnik เอ็ด 2. - Rostov ไม่มี: Phoenix, 2007. - 380, 1. น. - (สารบบ). 24. Polezhaev D. จุดประสงค์ทางประวัติศาสตร์ของผู้คนและการสะท้อนในความคิดของชาติ (เอกสารการประชุมทางวิทยาศาสตร์ระหว่างประเทศ: “วิทยาศาสตร์ ศิลปะ การศึกษาในวัฒนธรรมแห่งสหัสวรรษที่ 1” 10-11 เมษายน 2546) โวลโกกราด: สำนักพิมพ์ VolGU, 2546. 25. Platonov N. คำถามเกี่ยวกับวิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีลม
26. Platonov N. วิธีการสอนการเล่นฟลุต (ดู: วิธีการสอนการเล่นเครื่องลม บทความ ฉบับที่ II /ภายใต้บรรณาธิการทั่วไปของ Yu.A. Usov/) ดนตรี. ม., 2509. 270 น. 27. Pushechnikov I. ABC ของเครื่องบันทึกเริ่มต้น - อ.: ดนตรี, พ.ศ. 2534. 19. Rachina B. การเดินทางสู่ดินแดนแห่งดนตรี. – เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 1997. 28. Pushechnikov I / ประเด็นวิธีการสอนเครื่องบันทึก – เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 1984. 29. ดนตรีบรรเลง Raaben L. Chamber ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 : ประเทศในยุโรปและอเมริกา: วิจัย / Lenigr. สถานะ สถาบันการละคร ดนตรี และภาพยนตร์ ตั้งชื่อตาม เอ็นเอ เชอร์กาโซวา L.: Sov.ผู้แต่ง. แผนกเลนินกราด พ.ศ. 2529 - 250, 1. e., ill., บันทึก 30. Rokityanskaya T. เรียนรู้การเล่นเครื่องบันทึกเป็นกลุ่ม // ศิลปะที่โรงเรียน – 2541. - ลำดับที่ 1 31. Rolland R. มรดกทางดนตรีและประวัติศาสตร์: ใน 8 ฉบับ. ฉบับที่ 3. นักดนตรีในอดีต การเดินทางทางดนตรีสู่ดินแดนแห่งอดีต / เอ็ด.คอม และแสดงความคิดเห็น วี. ไบรอันต์เซวา. อ.: Muzyka, 1988. - 448 e., โน้ตเพลง, แนวตั้ง. 32. Trizno B. Flute / Series “เครื่องดนตรี”. LGITMiK. อ.: มูซิกา 2507. 52 น. 33. Usov A. คำถามเกี่ยวกับทฤษฎีและการฝึกเล่นแตร // วิธีสอนการเล่นเครื่องดนตรีที่ไม่ใช่ลม: เล่ม 1 1. – M. , 1964. 34. Usov Yu. ประวัติความเป็นมาของการแสดงจากต่างประเทศเกี่ยวกับเครื่องลม: หนังสือเรียน. - ฉบับที่ 2, เสริม. -ม.: ดนตรี, 2532. 205 2. จ., โน้ต. 35. Usov Yu. โรงเรียนการเล่นเครื่องลมของสหภาพโซเวียตในปี 2503-2523: การแสดงดนตรีและความทันสมัย: การรวบรวมบทความ / คอมพ์ ม.สมีร์นอฟ -M.: Muzyka, 1988. 319 น. 36. Fedotov A. วิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีลม อ.: Muzyka, 1975.- 159 น. 37. Shkolyar L.V. , Krasilnikova M.S. , Kritskaya E.D. , Usacheva V.O. , Medushevsky V.V. , Shkolyar V.A. ทฤษฎีและวิธีการศึกษาดนตรีของเด็ก – M. , 1999. 38. Tsybin V. ความรู้เบื้องต้นเกี่ยวกับเทคนิคการเล่นฟลุต. ส่วนที่ 1 รัฐ ดนตรี สำนักพิมพ์ ม.-ล.: 2483, 248 หน้า 39. Yagudin Yu. เกี่ยวกับการพัฒนาการแสดงออกของเสียง (วิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีลม, ฉบับที่ 3), M.: 1971. 271 p.

ประวัติความเป็นมาของการสร้างเครื่องดนตรี

ขลุ่ยเป็นหนึ่งในเครื่องมือลมที่เก่าแก่ที่สุด ในสมัยโบราณ คำว่า "ฟลุต" หมายถึงเครื่องดนตรีประเภทลมส่วนใหญ่ แต่เครื่องดนตรีเหล่านี้เกือบทั้งหมดไม่เกี่ยวข้องกับขลุ่ยที่เราเห็นในปัจจุบัน รุ่นก่อนหน้าของ "ขลุ่ยปลาย" (ขลุ่ยยาว) คือฮาร์มอนิกซึ่งเป็นท่อธรรมดาที่มีวาล์วจำนวนน้อย

มีข้อสันนิษฐานว่าแหล่งกำเนิดของขลุ่ยขวางคือเอเชีย ในยุคกลาง ขลุ่ยเจาะไปทางทิศตะวันตก และกระจายไปทุกที่ ในตอนแรกมันอยู่ในรูปของไม้อ้อซึ่งมีรูเสียง 6 รูและอีกอันสำหรับเป่า

ในรูปแบบนี้ได้รับความนิยมอย่างมากในประเทศเยอรมนีซึ่งจะมีการค่อยๆ เปลี่ยนแปลงและในภาษายุโรปทั้งหมดจะได้รับชื่อว่า "ขลุ่ยเยอรมัน" ฟลุตมีชื่อเสียงในฐานะเครื่องดนตรีอิสระในฝรั่งเศส ซึ่งนักดนตรีท้องถิ่นเปลี่ยนให้เป็นเครื่องดนตรีออเคสตราอย่างแท้จริงควบคู่ไปกับขลุ่ยตรง

ฟลุตเยอรมันเก่ามีระดับเสียงที่ค่อนข้างน่าประทับใจ โดยครอบคลุมสองอ็อกเทฟครึ่งและช่วงสีทั้งหมด ตั้งแต่ D ตัวแรกไปจนถึงตัวที่สาม เสียงต่ำสุดของฟลุตนี้ได้มาจากการสั่นของคอลัมน์อากาศทั้งหมดที่อยู่ในท่อของเครื่องดนตรี ในขณะที่เสียงที่ตามมาทั้งหมดภายในอ็อกเทฟโครมาติกด้านล่างนั้นเกิดจากการค่อยๆ ย่อให้สั้นลง ดังนั้น เสียงทั้งหมดที่เป็นส่วนหนึ่งของสเกลไดโทนิกใน D major จึงสอดคล้องกับรูหลักหรือรูของฟลุตเยอรมันเก่า และขั้นขั้นกลาง (โครมาติก) ทั้งหมดได้มาโดยใช้ทางแยกหรือ "ด้ามจับส้อม" ด้วยวิธีการแยกเสียงนี้ ขั้นตอนกลางเหล่านี้ไม่ได้ออกมาสะอาดมากนัก และในไม่ช้าก็มีการแยกรูสำหรับพวกมันโดยปิดด้วยวาล์ว

พื้นฐานใหม่สำหรับขลุ่ยได้รับการพัฒนาครั้งแรกโดยวิลเลียม กอร์ดอน (พ.ศ. 2334-2382) ชาวสกอต เจ้าหน้าที่ในหน่วยพิทักษ์สวิสของกษัตริย์ชาร์ลส์ที่ 10 แห่งฝรั่งเศส หลังจากการล้มล้างกษัตริย์และการยุบราชองครักษ์ กอร์ดอนก็อุทิศตนเอง ตั้งใจทำงานเพื่อปรับปรุงฟลุตทั้งหมด แต่ไม่มีเวลาที่จะทำให้ความคิดของเขาสำเร็จ

Theobald Boehm (1794-1881) ใช้ประโยชน์จากงานของเขา ในปี 1832 เขาได้ออกแบบขลุ่ยทรงกรวยที่มีวาล์วเปิด เครื่องดนตรีรุ่นนี้ประสบความสำเร็จในฝรั่งเศสและอังกฤษ แต่ก็ยังไม่สมบูรณ์แบบ การทดลองอย่างต่อเนื่องนำไปสู่การสร้างโครงสร้างขลุ่ยทรงกระบอกในปี 1847 ซึ่งยังคงใช้อยู่จนถึงปัจจุบัน Boehm ยังได้พัฒนาระบบวาล์ว ปรับปรุงคุณภาพเสียงของเครื่องดนตรี และขยายช่วงเสียงอีกด้วย ตอนนี้ขลุ่ยเริ่มส่งเสียงภายใน 3 อ็อกเทฟ

ขลุ่ยยังคงมีอยู่ในรูปแบบเดียวกันจนถึงทุกวันนี้

บทเรียนขลุ่ยครั้งแรก การตั้งค่าอุปกรณ์การแสดง

ขลุ่ยสมัยใหม่ประกอบด้วยสามส่วน:

• ส่วนบนเรียกว่า "หัว";
• กลาง - "ร่างกาย";
• ส่วนล่างคือ "เข่า"

ฟลุตมีตั้งแต่ C (c) หรือ B (h) ของอ็อกเทฟแรกไปจนถึง C (c) ของอ็อกเทฟที่สี่ นักฟลุตที่มีประสบการณ์สามารถเล่นโน้ตได้ถึง E (e) ของอ็อกเทฟที่สี่ แต่เล่นได้ยากและ มีเสียงแหลมแหลม

ปัจจุบัน ขลุ่ยเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีประเภทลมที่พบมากที่สุด และได้รับความนิยมโดยเฉพาะในหมู่เด็กและผู้ปกครอง ปัจจุบันเด็กๆ เริ่มฝึกเป่าขลุ่ยค่อนข้างเร็วเมื่ออายุ 7-10 ปี ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ร่างกายของเด็กยังคงอ่อนแอและไม่มีรูปร่างสมส่วน และมีระบบกล้ามเนื้อที่ยังไม่สมบูรณ์ ดังนั้นจึงเป็นเรื่องสำคัญมากที่จะต้องปฏิบัติต่อก้าวแรกของลูกในการเล่นฟลุตด้วยความเอาใจใส่และเอาใจใส่เป็นพิเศษ

กล้ามเนื้อทางเดินหายใจ ริมฝีปาก ลิ้น นิ้ว ที่ถ่ายเองยังไม่ใช่เครื่องมือในการทำงาน สิ่งเหล่านี้เกิดขึ้นได้ก็เนื่องมาจากการฝึกฝนทักษะการแสดงอย่างเชี่ยวชาญเท่านั้น เมื่อต้องการทำเช่นนี้ พวกเขาจะต้องรวมกันเป็นคอมเพล็กซ์เดียวที่เรียกว่าอุปกรณ์มอเตอร์ ระบบหัวรถจักรเป็นเครื่องมือ จิตสำนึกของมนุษย์ความต่อเนื่องของมัน เป็นไปไม่ได้ที่จะพัฒนาคุณภาพการทำงานของอุปกรณ์มอเตอร์อย่างเต็มที่โดยไม่ต้องพัฒนาก่อนอื่น การคิดทางดนตรีนักแสดงเอง

เครื่องมือการแสดงเป็นระบบของอวัยวะยนต์ของมนุษย์ที่สอดคล้องกัน พร้อมด้วยทักษะการแสดงและเป็นอวัยวะที่ทำหน้าที่ของจิตสำนึกทางดนตรี อุปกรณ์การแสดงประกอบด้วยส่วนประกอบต่อไปนี้:

1. การคิดทางดนตรี
2. ความรู้สึกทางการได้ยินและการเคลื่อนไหว
3. อุปกรณ์มอเตอร์
4. ลมหายใจของนักแสดง
5. งานปาก.
6. การประกบของลิ้น
7. การประสานนิ้ว

ภารกิจหลักของครูคือการแนะนำนักเรียนตัวน้อยเข้าสู่โลกแห่งดนตรีและแนะนำให้เขารู้จักกับเครื่องดนตรีเพื่อไม่ให้เด็กรู้สึกไม่สบายตัวรัดกุมและไม่สะดวก เป็นสิ่งสำคัญมากที่จะไม่ลืมกฎหลักที่ Peter-Lucas Graf เขียนไว้: “ฟลุตเป็นเพียงส่วนหนึ่งของเครื่องดนตรีของคุณ เมื่อคุณเล่นฟลุต ร่างกายของคุณก็จะมีส่วนร่วมด้วย ( อวัยวะระบบทางเดินหายใจริมฝีปาก ลิ้น คอ มือ)"

แล้วคุณจะทำอย่างไรกับการสร้างเสียงครั้งแรก?

ร่างกายของนักแสดงมีความสำคัญต่อเครื่องดนตรีพอๆ กับฟลุต นี่คือสิ่งที่กำหนดเสียงที่ถูกต้องและสวยงาม ตำแหน่งของร่างกาย การหายใจ และลิ้น ล้วนมีส่วนทำให้เกิดเสียงที่ดี

ก่อนจะส่งเสียงจำเป็นต้องเตรียมร่างกายสำหรับบทเรียนก่อน เพื่อให้อุปกรณ์ทำงานได้อย่างถูกต้อง คุณต้องแน่ใจว่ามีการกระจายน้ำหนักเท่า ๆ กันที่ขาทั้งสองข้างและหลังตรง แม้แต่ท่าทางก็ควรได้รับการควบคุมเป็นพิเศษ การก้มตัวรบกวนการหายใจที่เหมาะสมและนำไปสู่การรัด ถึงเด็กน้อยการควบคุมร่างกายเป็นเรื่องยาก เวลาเล่นเครื่องดนตรี คุณสามารถยืดกระดูกสันหลังให้ตรง โดยพิงหลังชิดผนัง

ตำแหน่งของร่างกายที่ถูกต้องเป็นเงื่อนไขที่สำคัญที่สุดสำหรับการควบคุมการหายใจที่ดีซึ่งเป็นพื้นฐานของการแสดงละครที่ถูกต้องและมีอิทธิพลอย่างมากต่อการผลิตเสียงทุกด้าน

เพื่อรักษาไหล่ แขน และการหายใจให้เป็นอิสระ คุณต้องปฏิบัติตามกฎหลายข้อ:

1. เท้าควรแยกจากกันเท่าช่วงไหล่ แต่ในลักษณะเช่นนั้น ขาซ้ายอยู่ข้างหน้าเล็กน้อย
2. การจ้องมองควรมุ่งตรงไปตรงหน้าคุณ
3. ศีรษะสมดุลได้อย่างอิสระบนกระดูกสันหลัง
4. คอก็ว่าง
5. เข่าจะสปริงตัวเล็กน้อย

สิ่งสำคัญคือร่างกายของเด็กอยู่ในตำแหน่งที่เป็นธรรมชาติ

ก่อนที่จะให้เครื่องดนตรีแก่เด็ก คุณต้องอธิบายหลักการหายใจและออกกำลังกายหลายอย่างให้เขาฟัง เนื่องจากการควบคุมการไหลของอากาศที่สม่ำเสมอเป็นสิ่งสำคัญมากในการสร้างเสียงที่เหมาะสม

เมื่อเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมทุกชนิด นักแสดงต้องใช้ลมหายใจผสมช่องท้อง เมื่อใช้การหายใจแบบผสมเท่านั้นจึงเป็นไปได้ที่จะใช้กล้ามเนื้อหายใจทั้งหมดให้เกิดประโยชน์สูงสุด ช่วยให้เกิดการหายใจเข้าลึกเต็มที่ และการหายใจออกที่ควบคุมได้นานและควบคุมได้ ซึ่งเป็นหนึ่งในเงื่อนไขหลักในการสร้างและการผลิตเสียง การทำงานของกล้ามเนื้อที่ไม่เหมาะสมส่งผลต่อเสียงและการผลิต กล้ามเนื้อระหว่างซี่โครงภายนอกและกะบังลมมีส่วนร่วมในการหายใจเข้าของผู้บริหาร ก่อนอื่นคุณควรเรียนรู้ที่จะควบคุมการหายใจโดยไม่ต้องใช้เครื่องมือ

ยู. โดลชิคอฟ ระเบียบวิธี 1. เทคนิคการหายใจ สำนักพิมพ์ "DEKA-VS" มอสโก 2547

สิ่งแรกที่คุณต้องเรียนรู้คือการหายใจเข้าในสามขั้นตอน: วางมือบนท้อง กรอกส่วนล่างของปอด สัมผัสได้ว่ากล้ามเนื้อหน้าท้องของคุณดันมันออกไปอย่างไร จากนั้นเติมอากาศตรงกลางเพื่อขยายซี่โครง สุดท้ายเติมปอดส่วนบนโดยดันหน้าอกส่วนบนไปข้างหน้า ในเวลาเดียวกันคุณต้องแน่ใจว่าไหล่ของคุณไม่ยกขึ้น เด็กจะต้องเรียนรู้ที่จะหายใจเข้าอย่างช้าๆ และต่อเนื่อง โดยรู้สึกว่าอากาศกระจายอย่างทั่วถึงในทุกส่วนของปอด

เพื่อให้หลักการหายใจเข้าใจง่ายสำหรับนักเรียนตัวเล็ก ๆ คุณต้องให้ความสนใจเป็นอย่างมากไม่เพียง แต่แก้ไขการหายใจเข้าเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการหายใจออกด้วย การหายใจออกที่ยาวและยาวนานควรทำได้ผ่านการฝึกการมองเห็นซึ่งช่วยให้คุณควบคุมการไหลของอากาศได้ นี่คือบางส่วนของพวกเขา:

1. วางสำลีไว้บนโต๊ะแล้วเป่าให้ขนเคลื่อนไปตามโต๊ะในทิศทางต่างๆ ซึ่งจะต้องใช้พลังงานลมที่แตกต่างกันในแต่ละครั้ง
2. หายใจออกให้หมด รอสักครู่จนกว่าร่างกายจะบอกคุณว่าคุณต้องหายใจเข้า การหายใจเข้าควรช้าตามที่อธิบายไว้ข้างต้น จากนั้นหายใจออกช้าๆ ฟังเสียงของอากาศอย่างสม่ำเสมอ
3. หายใจเข้าลึกๆ กลั้นอากาศในปอดไว้สักครู่ จากนั้นเม้มริมฝีปากของคุณราวกับผิวปาก (ออกเสียงตัวอักษร "ยู") ปล่อยกระแสลมลงบนฝ่ามืออย่างแรงโดยไม่ทำให้แก้มของคุณพองออก จำเป็นต้องใช้ฝ่ามือเพื่อสัมผัสถึงกระแสลมที่เป่าและควบคุมความสม่ำเสมอ
4. นำผ้าเช็ดหน้ากระดาษบางๆ มาทาที่ผนัง หายใจเข้าลึกๆ แล้วเม้มปากเพื่อเป่านกหวีด เป่าผ้าเช็ดหน้าเพื่อให้กระแสลมจับผ้าเช็ดหน้าชิดผนังให้นานที่สุด

ความรู้สึกที่คล้ายกันกำลังรอเด็กขณะเล่นฟลุต

หลังจากเชี่ยวชาญการวางตำแหน่งของร่างกายและพื้นฐานของการหายใจในช่องท้องแล้ว คุณควรเริ่มตั้งท่า

โดยการเป่าผ้าเช็ดหน้าเราก็ได้เริ่มเตรียมท่าจอดเรือแล้ว

ริมฝีปากเป็นอวัยวะที่สำคัญที่สุดในการเล่นฟลุต เสียงต่ำของเครื่องดนตรี ความสมบูรณ์ และความลึกของเสียงขึ้นอยู่กับตำแหน่งที่ถูกต้องของตัวไวโอลิน

ทันทีก่อนที่จะแยกเสียงแรกออกมาจำเป็นต้องอธิบายให้นักเรียนฟังถึงวิธีการสร้างกระแสลมอย่างถูกต้อง

ภารกิจหลักอย่างหนึ่งของแม่น้ำคือการสร้างช่องว่างในริมฝีปากซึ่งอากาศสามารถเข้าไปในขลุ่ยได้อย่างมีประสิทธิภาพ ต่อไปนี้เป็นกฎง่ายๆ บางประการที่ต้องปฏิบัติตามเพื่อแยกเสียงได้อย่างถูกต้อง:

1. กรามควรลดลงเล็กน้อยตามระยะห่างของนิ้วก้อยที่ถูกกัด
2. ริมฝีปากออกเสียงตัวอักษร "ยู" ในขณะที่ริมฝีปากดูเหมือนเป็นลำต้นเล็กๆ
3. ริมฝีปากบนจะนำกระแสลมไปที่ขอบด้านนอกของช่องทางเข้า
4. ริมฝีปากเป็นอิสระและสัมผัสเครื่องดนตรีได้อย่างง่ายดาย

กระแสลมควรมีลักษณะคล้ายกระแสที่พัดมาจากฟาง เพื่อเป็นตัวอย่างภาพ คุณสามารถขอให้นักเรียนเป่าฟางใส่มือของเขา จากนั้นเป่าโดยไม่ใช้มันด้วยความรู้สึกแบบเดียวกัน

คุณสามารถเปลี่ยนทิศทางของกระแสลมได้โดยการเลื่อนขากรรไกรล่าง แต่ในขณะเดียวกัน ช่องว่างในริมฝีปากก็ต้องคงรูปร่างไว้

คุณสามารถชวนลูกของคุณให้เป่ามือโดยเปลี่ยนทิศทางของกระแสน้ำ (ขึ้น, ลง) ในกรณีนี้คุณต้องควบคุมการไหลของอากาศที่สม่ำเสมอ

ในที่สุดเราก็มาถึงการแยกเสียงจริง

ไม่ควรให้นักเรียนทันทีไม่ว่าในกรณีใด เครื่องดนตรีทั้งหมด. เด็กอาจสับสนซึ่งจะเป็นเรื่องยากมากสำหรับเขาที่จะควบคุมความรู้สึกทั้งหมดและติดตามตำแหน่งที่ถูกต้องของร่างกาย แขน ริมฝีปาก และการหายใจ

ศีรษะหรือขอบด้านในของช่องเปิดของ "ฟองน้ำ" วางอยู่บนเส้นที่เรียกว่าระหว่างคางและริมฝีปาก รูควรอยู่ตรงกลางริมฝีปากซึ่งก็คือใต้ปลายจมูก ควรปิดรูไว้ประมาณ 1/3 โดยเหลือ 2/3 ไว้เพื่อให้มีอากาศไหลออกมาจากรูเป่าลม

หลังจากเตรียมการตามที่อธิบายไว้ข้างต้นแล้ว คุณควรลองทำเสียงบนศีรษะ การใช้การหายใจเข้าและหายใจออกที่ถูกต้อง คุณควรพยายามทำให้เสียงยาวและสม่ำเสมอ ตามกฎแล้ว ไม่ใช่ทุกคนที่ประสบความสำเร็จในการสร้างเสียงครั้งแรกในครั้งแรก บางครั้งอาจต้องใช้เวลาหลายบทเรียน

เพื่อให้ลูกของคุณเล่นบนหัวได้สนุกยิ่งขึ้นและเรียนรู้การทำเสียงที่ชัดเจน คุณสามารถเพิ่มองค์ประกอบของเกมลงในบทเรียนได้ ตัวอย่างเช่น หากคุณแตะรูในท่อด้วยนิ้วชี้ คุณสามารถเลียนแบบ "เสียงกรีดร้องของอินเดีย" ได้ และถ้าคุณขยับนิ้วเข้าไปในท่อ คุณสามารถเปลี่ยนระดับเสียงได้ เสียงไซเรนเลียนแบบจะปรากฏขึ้น หรือหากคุณปิดรูของท่อจนสุดด้วยฝ่ามือขวาของคุณ คุณจะได้ยินเสียงต่ำ ,เสียงทื่อ.

หลังจากที่เด็กเชี่ยวชาญเทคนิคทั้งหมดที่กล่าวมาข้างต้นแล้ว และเขาสามารถเล่นหัวฟลุตได้อย่างง่ายดาย และเสียงที่คมชัด ไร้หนาม เขาจึงจะสามารถขยับไปสู่การเปล่งเสียงได้

พยางค์ที่มีชื่อเสียงและแพร่หลายที่สุดในการฝึกปฏิบัติคือ: tu, ta, te, ti, du, yes, du, de ในระยะเริ่มแรกควรใช้ทั้งสองอย่างจะดีกว่า คุณสามารถเรียนรู้การเล่นเพลงง่ายๆ ด้วยเสียงเดียว (เช่น “Andrey is a sparrow”) หรือโดยการเปลี่ยนระดับเสียงฝ่ามือของคุณ เล่นเพลงที่มีสองเสียง (เช่น “Cuckoo”)

หลังจากที่เด็กเชี่ยวชาญสิ่งที่กล่าวมาทั้งหมดแล้ว คุณก็สามารถเริ่มฝึกเป่าขลุ่ยโดยรวมได้

เพื่อให้ผู้เรียนสามารถควบคุมพื้นฐานการวางตำแหน่งที่ถูกต้องได้ ควรฝึกหน้ากระจกจะดีกว่า

หลักการสำคัญของตำแหน่งมือที่ถูกต้องขณะเล่นนั้นขึ้นอยู่กับความสมดุล เพื่อให้แน่ใจว่าร่างกายของนักเรียนจะไม่ถูกหนีบ และแขน ข้อศอก ไหล่ และริมฝีปากยังคงเป็นอิสระ เราต้องจดจำจุดรองรับของขลุ่ย (บริเวณที่ถือขลุ่ย)

จุดรองรับหลักคือนิ้วชี้ของมือซ้าย ตำแหน่งนิ้วและการวางมือที่ถูกต้องจะช่วยให้คุณสามารถกระจายความแข็งแรงของมือซ้ายเพื่อรองรับฟลุตได้อย่างมีเหตุผล

นิ้วชี้ควรมีลักษณะเหมือนตัวอักษรภาษาอังกฤษ "S" และวางไว้ใต้ขลุ่ยเล็กน้อย โดยให้พิงลำตัวขลุ่ยโดยให้ด้านข้าง ไม่ใช่ด้านใน

นิ้วหัวแม่มือของมือซ้ายเหยียดตรงอย่างอิสระ นิ้วที่เหลือของมือซ้ายโค้งมน และอยู่ใกล้กับวาล์ว

จุดอ้างอิงถัดไปคือนิ้วโป้งของมือขวา ควรอยู่ในตำแหน่งตรงประมาณใต้นิ้วชี้ และควรวางไว้ด้านหลังท่อฟลุตเล็กน้อย การทำงาน นิ้วหัวแม่มือ- รองรับขลุ่ยจากด้านล่าง นิ้วที่เหลือของมือขวาควรโค้งมนเล็กน้อยและใกล้กับวาล์ว เมื่อวางมืองานหลักของครูคือต้องแน่ใจว่านักเรียนไม่ได้กดนิ้วบนวาล์วและไม่บีบมือ การค้นหาตำแหน่งมือที่ดีและสะดวกสบายในช่วงแรกของการฝึกฟลุตไม่ใช่เรื่องง่าย เมื่อตำแหน่งของร่างกาย ศีรษะ คอ และแขนอยู่ในสมดุลเท่านั้น ขลุ่ยจะไม่หลุดออกจากคางและนิ้วจะยังเป็นอิสระ

ตอนนี้คุณสามารถเรียนรู้โน้ตและเพลงได้ทีละน้อย สิ่งสำคัญคือการทำงานต่อไปเพื่อเสริมสร้างการหายใจ การหุบปาก และพัฒนาความคล่องแคล่วของนิ้ว ในระยะเริ่มแรกของการเรียนรู้คุณไม่ควรเร่งรีบเพื่อทำให้เนื้อหาที่กำลังศึกษาซับซ้อนโหลดควรอยู่ในความสามารถของนักเรียนตัวเล็ก

การเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมต้องอาศัยการประสานงานที่ดี การหายใจ ลิ้น นิ้ว และลิ้นไปพร้อมๆ กัน

นอกจากนี้ เพื่อที่จะเชี่ยวชาญเครื่องดนตรีที่คุณต้องการ การฝึกทางกายภาพ. เพื่อให้ชั้นเรียนมีประสิทธิผลมากขึ้น เด็กจำเป็นต้องมีส่วนร่วมในการพลศึกษา สระว่ายน้ำเหมาะมากสำหรับการพัฒนาระบบทางเดินหายใจ กล้ามเนื้อ และท่าทาง

จากมุมมองของการฝึก การทำงานของเครื่องมือการแสดงมีดังนี้:

1. ในระหว่างบทเรียน ครูแสวงหาการเคลื่อนไหวอย่างเด็ดเดี่ยวจากนักเรียน โดยอิงตามความคิดของเขาเองเกี่ยวกับธรรมชาติของเสียงของเครื่องดนตรีและความพยายามของกล้ามเนื้อที่เกี่ยวข้อง ทักษะที่ซับซ้อนเกิดขึ้นจากประสาทสัมผัสทางการได้ยินและกล้ามเนื้อ เก็บไว้ในความทรงจำ ทักษะนั้นจะถูกเปลี่ยนให้เป็นตัวแทน
2. การรับรู้เชิงเป็นรูปเป็นร่าง (ภาพหรือการได้ยิน) กระตุ้นความคิดที่สอดคล้องกันจากความทรงจำซึ่งเรียกทักษะที่เกิดขึ้นไปสู่การปฏิบัติ - เสียงจะถูกดึงออกมา
3. การวิเคราะห์การได้ยินและการเคลื่อนไหวของเสียงที่แยกออกมาเกิดขึ้นและบนพื้นฐานของมัน การปรับทักษะที่จำเป็นก็เกิดขึ้น

กล่าวอีกนัยหนึ่ง คุณต้องจินตนาการถึงโน้ตหรือลำดับที่จะเล่น จากนั้นจึงเตรียมอุปกรณ์การแสดงอย่างระมัดระวัง และค้นหาความรู้สึกในการเล่นที่เหมาะสม หลังจากนี้เท่านั้นจึงจะเป็นไปได้ที่จะดึงเสียงหรือซีเควนซ์ที่ถูกควบคุมออกมา

งานและการพัฒนาอุปกรณ์การแสดงนั้นเป็นไปได้โดยรวมเท่านั้น น้ำเสียงที่แม่นยำ ความอิสระ และความไพเราะของเสียงเป็นเกณฑ์ธรรมชาติสำหรับการทำงานที่ถูกต้อง

บทเรียนกับนักเรียนรุ่นเยาว์ การรู้จักเครื่องดนตรีครั้งแรก ขั้นตอนแรกควรน่าสนใจและน่าตื่นเต้น เพื่อให้การทำงานในการผลิตเบื้องต้นดำเนินไปอย่างประสบความสำเร็จ ครูจะต้องสนใจนักเรียน ทำให้เขาหลงใหล ไม่สูญเสียสิ่งสำคัญไปในรายละเอียด และรู้เส้นทางที่เขาจะต้องนำนักเรียนไป ดังนั้น คุณไม่เพียงแต่ต้องจินตนาการถึงผลลัพธ์สุดท้ายเท่านั้น แต่ยังต้องรู้ว่าจะบรรลุผลนั้นได้อย่างไรอีกด้วย

หนังสือมือสอง:

1. Rogal-Livitsky "วงออเคสตราสมัยใหม่"
2. Peter-Lucas Graf "แบบฝึกหัดพื้นฐาน 20 ข้อ"
3. Yuri Dolzhikov “โฟลเดอร์โน้ตเพลงของ Flutist สมุดบันทึก 1. ระเบียบวิธี แบบฝึกหัด สเก็ตช์ภาพ”
4. Barbara Giesler-Haase "The Magic Flute" - เทคนิคสำหรับผู้เริ่มต้น

หลักสูตรนี้ออกแบบมาสำหรับผู้ที่เล่นดนตรีเป็นงานอดิเรกเท่านั้น และเห็นโน้ตเพลงและเครื่องบันทึกเป็นครั้งแรก
คุณจะได้เรียนรู้:
- โน้ตดนตรี
- พื้นฐานของจังหวะ
- โน้ตและการวางนิ้วบนเครื่องบันทึก
- การสกัดเสียงคุณภาพสูง เฉพาะโน้ตเสียงต่ำและสูง
— เล่นท่วงทำนองที่มีชื่อเสียงมากกว่า 25 เพลง: Lonely Shepherd, เมื่อวาน, Love me Tender, Flight of the Condor, Hava Nagila, ทำนองจากภาพยนตร์เรื่อง "The Godfather", "Titanic" และอื่น ๆ
ท่วงทำนองทั้งหมดได้รับการวิเคราะห์อย่างละเอียด: วิธีอ่านโน้ต วิธีนับจังหวะและการเล่นอย่างราบรื่น นิ้วที่ใช้บนฟลุต คุณจะได้เรียนรู้ทั้งหมดนี้อย่างช้าๆ ช้าๆ ไปพร้อมกับวิดีโอ จากนั้นจึงเล่นร่วมกับดนตรีประกอบ
ผลลัพธ์:หลังจากเรียนหลักสูตรนี้แล้ว คุณจะสามารถเล่นทำนองเพลงได้ด้วยตัวเองโดยใช้โน้ตที่พบบนอินเทอร์เน็ตหรือในหนังสือเพลง

คุณสามารถซื้อเครื่องบันทึกจากเราได้ที่สำนักงานของเราในมอสโก: .

คุณสามารถประเมินคุณภาพของภาพโดยใช้ตัวอย่าง:
.

หากคุณตัดสินใจเรียนแล้ว ให้ดาวน์โหลดบทเรียนทั้งหมดเกี่ยวกับการเลือกขลุ่ย และซื้อฟลุตดีๆ สักตัว ก็คงยากที่จะตีโน้ตตัวบนของตัวแย่ๆ ได้

โปรแกรมหลักสูตรเต็ม:

ส่วนที่ 1
บทที่ 1. ฟลุตประกอบด้วยอะไร? ท่าทาง การลงจอด ตำแหน่งนิ้ว การหายใจ ลำดับของเสียง: do re mi fa sol la si do. เสียงแรก: do si la salt
บทที่ 2 คุณสมบัติของการแยกเสียงต่ำ โน้ตเพลงใน F mi D C.
บทที่ 3 การประสานงาน มาฝึกค้นหาโน้ตบนเครื่องบันทึกอย่างรวดเร็วกันดีกว่า แกมมาทั้งหมด
บทที่ 4 วิธีการผลิตเสียง เลกาโต ไม่ใช่เลกาโต ทำอย่างไรให้เสียงไพเราะและหยุดหอน
บทที่ 5 เราเรียนรู้เพลง "Little Christmas Tree" คิดพร้อมโน้ตบนขลุ่ย เราเล่นกับเปียโน

ส่วนที่ 2
บทที่ 1. บุคลากรด้านดนตรี กุญแจเสียงแหลม วิธีการเขียนโน้ต อ็อกเทฟ
บทที่ 2 หมายเหตุเกี่ยวกับพนักงาน จะจำพวกเขาได้อย่างไร ตัวอย่างเล็กๆ น้อยๆ จากแผ่นงาน
บทที่ 3 หมายเหตุ G la B C เกี่ยวกับเจ้าหน้าที่ การท่องจำตัวอย่าง
บทที่ 4 เล่นโน้ตโดยไม่ต้องมองนิ้ว แกมม่าขึ้นลงออกกำลังกาย
บทที่ 5 “ต้นคริสต์มาสเล็กๆ” โดยโน้ต
บทที่ 6 “ ห่านร่าเริงสองตัว” โดยบันทึกแบบฝึกหัด
บทที่ 7. “มีต้นเบิร์ชอยู่ในทุ่ง” ตามบันทึกย่อ

ส่วนที่ 3
บทที่ 1 วิธีการเขียนจังหวะในบันทึกย่อ ระยะเวลาและการนับ: ทั้งหมด, ครึ่ง, แปด, สิบหก จังหวะปรบมือ “ก้างปลา” โดยโน้ตพร้อมจังหวะ
บทที่ 2 มิเตอร์ จังหวะ บาร์ไลน์ มีไว้ทำอะไร
บทที่ 3 “ โอ้ หลังคาของฉัน หลังคา” - เราวิเคราะห์โน้ต ปรบมือจังหวะ เล่นกับเปียโน
บทที่ 4 “เฮ้ ร้องกันเถอะ” - เราวิเคราะห์โน้ต ปรบมือจังหวะ เล่นกับเปียโน
บทที่ 5. "บูมเมอร์" รูปแบบจังหวะเป็นโน้ตที่มีจุด
บทที่ 6. "ระฆังกริ๊ง" บันทึกที่มีจุดอีกครั้ง
บทที่ 7. “คาลิงกา-ราสเบอร์รี่” จังหวะประ.

ส่วนที่สี่
บทที่ 1 คมชัด แบน ความหมาย ตำแหน่งบนคีย์บอร์ด และการบันทึก
บทที่ 2 C-sharp และ D-sharp: ตำแหน่งนิ้ว สัญกรณ์ ชิ้นเล็กๆที่มีของมีคม
บทที่ 3 F-sharp: การใช้นิ้ว สัญกรณ์ มีคมและแฟลตอยู่ในคีย์ “ในสวนหรือในสวนผัก”
บทที่ 4 “รักฉันอย่างอ่อนโยน”: โน้ต จังหวะ การเล่นตามโน้ต เล่นกับเปียโน
บทที่ 5 G-sharp: ตำแหน่งนิ้ว สัญลักษณ์ การรวมกันทั่วไปกับ G-sharp
บทที่ 6 “ฮาวานากิลา”: โน้ต จังหวะ การเล่นตามโน้ต เล่นกับเปียโน
บทที่ 7. “ตั๊กแตน” เราทำซ้ำโน้ตที่ผ่านทั้งหมดด้วยชาร์ปและแฟลต เรียนรู้ "ตั๊กแตน" จากโน้ต ปรบมือ
บทที่ 8. B-flat หรือที่เรียกว่า A-sharp เราเล่น "ชิก-ฟอว์น"
บทที่ 9 “สุขสันต์วันเกิด” จังหวะประจังหวะ

ส่วนที่ 5
บทที่ 1. หมายเหตุของอ็อกเทฟที่สอง: do re mi fa คุณสมบัติของ "การขุด" เสียงสูงหรือวิธีรับเพื่อนบ้านของคุณ
บทที่ 2 เราเรียนโน้ตตัวสูงกันต่อไป เพลง “The Moon is Shining”
บทที่ 3 เพลงสรรเสริญพระบารมี สหพันธรัฐรัสเซีย- โน้ต จังหวะ การเล่นร่วมกับดนตรีประกอบ
บทที่ 4. หมายเหตุของอ็อกเทฟที่สอง: G A B C สิ่งที่ยากที่สุด
บทที่ 5. ทำนองจากภาพยนตร์เรื่อง "ไททานิค" - โน้ต จังหวะ การเล่นดนตรีประกอบ
บทที่ 6 “ เสียงเรียกเข้าตอนเย็น” - โน้ต, จังหวะ, การเล่นตามโน้ต, เล่นกับเปียโน
บทที่ 7 “ ที่รักของฉันออกัสติน” - โน้ต, จังหวะ, การเล่นด้วยโน้ตและดนตรีประกอบ
บทที่ 8 “ Flight of the Condor” - เราวิเคราะห์และเรียนรู้โดยละเอียด

ส่วนที่ 6
บทที่ 1. ความคมชัดระดับซีของอ็อกเทฟที่สองและทำนองจากภาพยนตร์เรื่อง "The Godfather"
บทที่ 2 “เมื่อวาน” - การวิเคราะห์โดยละเอียด
บทที่ 3. D ชาร์ปของอ็อกเทฟที่สอง “เพลงจระเข้จีน่า” (ปล่อยให้มันวิ่งงุ่มง่าม...)
บทที่ 4 “เมืองแห่งทองคำ” - การวิเคราะห์โดยละเอียด
บทที่ 5. F ชาร์ปของอ็อกเทฟที่สอง “แขนเขียว”
บทที่ 6 “ The Lonely Shepherd” - การวิเคราะห์โดยละเอียด
บทที่ 7. G-sharp และ A-sharp ของอ็อกเทฟที่สอง

โบนัส:
วิธีเล่นทำนองในคีย์อื่น - สูงหรือต่ำกว่าโน้ตต้นฉบับ
ความรู้นี้จะมีประโยชน์หากโน้ตของทำนองของคุณสูงหรือต่ำกว่าช่วงของเครื่องบันทึก

โบนัส!

ตัวอย่างทำนองเพลงประกอบจังหวะเร็ว:
ควันบนน้ำ จังหวะ 110 bpm

สิ่งเดียวกัน จังหวะช้า:
ควันบนน้ำ จังหวะ 70 bpm

มีเพียงกีตาร์ประกอบ จังหวะช้าๆ คุณจะเล่นทำนอง;)

รายการท่วงทำนองทั้งหมดในคอลเลกชัน:

1. มีต้นเบิร์ชอยู่ในทุ่งนา
2. ต้นคริสต์มาสขนาดเล็ก
3. ห่านตลกสองตัว
4. ชิซิก-ปิซิก
5. รักฉันอย่างอ่อนโยน
6. โอ้ หลังคาของฉัน หลังคา
7. ประเทศบ้านเกิดของฉันกว้างใหญ่ (เริ่มต้น)
8. มอสโกตอนเย็น (เริ่มต้น)
9. ธีมความรักจากภาพยนตร์เรื่อง “ไททานิค”
10. กาลิงกา-มาลินกา
11. คนเลี้ยงแกะโดดเดี่ยว
12. จิงเกิลเบลล์
13. สุขสันต์วันเกิด
14. ในสวนหรือในสวนผัก
15. ตั๊กแตน
16. เฮ้ มาส่งเสียงกันเถอะ
17. บูมเมอร์
18. ควันบนน้ำ
19. ระฆังยามเย็น
20. พระจันทร์ส่องแสง

สวัสดีทุกคน!:)
วันนี้จะมีกระทู้แปลกๆ ไม่ธรรมดาสำหรับบล็อกผม อย่างไรก็ตาม มันจำเป็นมากสำหรับคนจำนวนมากที่จะค้นพบกุญแจสำคัญในการแก้ปัญหาของพวกเขาอย่างแน่นอน

ความจริงก็คือเมื่อสองสามวันก่อน ฉันซื้อ... เครื่องดนตรีจากร้านขายอุปกรณ์ดนตรีโดยเกิดขึ้นเองตามธรรมชาติและโดยไม่คาดคิด ไม่ไม่ใหญ่และไม่แพงแต่เป็นของแท้ เครื่องดนตรีนี้กลายเป็นเครื่องบันทึกธรรมดา

บล็อกฟลุต

ดังนั้น ฉันแค่อยากจะเป่านกหวีดใหญ่ที่มีรู บันทึกเสียงที่ยอดเยี่ยมของมัน และแม้แต่ใส่มันเป็นตัวอย่างในเพลงของฉันเป็นครั้งคราว วันหนึ่ง ระหว่างทางกลับบ้านจากที่ทำงาน ฉันเข้าไปในร้านเครื่องดนตรีเพื่อซื้อมัน มีราคาตั้งแต่ 176 รูเบิล แต่ราคาของรุ่นคุณภาพสูงไม่มากก็น้อยเริ่มต้นที่ 500 เท่านั้น ควรใช้เครื่องบันทึกจาก บริษัท จะดีกว่า ยามาฮ่าซีรีส์ 2x หรือ 3x ระบบบาโรกหรือเยอรมัน - อย่าใส่ใจอย่างจริงจังกับความแตกต่างเล็กน้อยในการใช้นิ้วของทั้งสองระบบนี้: มันน้อยมาก บริษัทนกหวีด โฮเนอร์มีราคาสูงกว่าประมาณ 1,500-2,000 รูเบิล

โดยทั่วไปแล้ว ให้เอาสิ่งที่คุณชอบและสามารถซื้อได้ไม่ว่าในกรณีใด เราก็เป็นกระดานชนวนที่ว่างเปล่า และเราจะยึดถือกฎของผู้บันทึกรายใดรายหนึ่งเป็นหลัก เราไม่มีอะไรต้องเรียนรู้ใหม่ และเสียงพลาสติกหากสิ่งนี้เกิดขึ้นก็ยังคงปรากฏอยู่ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งในรุ่นของกลุ่มราคาที่ต่ำกว่า ไม่น่าเป็นไปได้ที่ใครจะซื้อโมเดลไม้ราคาแพง - แล้วถ้าพวกเขาไม่ชอบเรียนทั่วไปล่ะ? หรือคุณจะไม่ชอบเครื่องดนตรี เราจึงเอาสิ่งที่เราชอบ เป็นไปได้ ราคาไม่แพงเป็นไปได้

C หรือ F หรือวิธีการนอน

ด้านเดียว:ถามผู้ขายว่าเครื่องบันทึกอยู่ในกุญแจ “ซีเมเจอร์”หรือเพียงแค่ กับ. มีการเขียนหนังสือเรียนและบทเรียนวิดีโอจำนวนมากสำหรับเครื่องดนตรีดังกล่าว รวมถึงหนังสือที่นำเสนอด้านล่าง และยังฟังดูน่าพอใจมากกว่าเครื่องบันทึกในคีย์อีกด้วย “ฟ้า” (ญ). ผมก็รีบซื้อตัวนี้มาพอดีเลย - ในฟ้า แน่นอนว่าคุณสามารถหยิบอะไรก็ได้ และเมื่อฝึกซ้อม ให้จดบันทึกตามการใช้นิ้วของเครื่องดนตรีของคุณ แต่โดยส่วนตัวแล้วสำหรับฉัน เครื่องบันทึกในคีย์ FA ฟังดูสูงมาก แน่นอน เสียงต่ำสุดที่เธอสามารถทำได้คือ F ของอ็อกเทฟที่สอง นักร้องเสียงโซปรานิสซิโม
เกี่ยวกับระบบ - พิสดาร หรือ เยอรมัน – ฉันจะทำซ้ำอีกครั้งไม่ต้องกังวลมากเกินไป ความแตกต่างในการใช้นิ้วมีเพียงเล็กน้อยและระบุไว้ในคำแนะนำสำหรับอุปกรณ์ เรียนรู้ตามที่เครื่องมือต้องการ

ดังนั้นเราจึงตัดสินใจเลือกเครื่องมือและซื้อมัน พวกเขานำมันกลับบ้าน บางทีก็บ้าไปหน่อย อะไรต่อไป. ตอนนี้ถึงเวลานำเสนอบทเรียนที่ดีอย่างหนึ่งเกี่ยวกับการเล่นเครื่องบันทึกต่อการพิจารณาของคุณ

คู่มือการใช้งานการเล่นเครื่องบันทึกด้วยตนเองสำหรับผู้เริ่มต้น

หนังสือเล่มนี้มาถึงมือของฉันเมื่อไม่นานมานี้ เมื่อฉันตัดสินใจที่จะเชี่ยวชาญเครื่องดนตรีแปลก ๆ ให้ตัวเองด้วย ฉันค้นหาเป็นเวลานานดูบทเรียนวิดีโอดูการแสดงของนักฟลุตเรียนรู้การใช้นิ้วเป็นกิโลเมตร... โดยทั่วไปแล้วทุกอย่างกลายเป็นเกินกำลังของฉันมีความยุ่งเหยิงเกิดขึ้นในหัวของฉันแล้วฉันก็คุ้นเคย กับหนังสือเล่มนี้ มันถูกเรียกว่า "ไม่มีดนตรี - บทช่วยสอนเรื่องอวน" และมีไว้สำหรับตัวแทนที่เป็นมิตรต่อสิ่งแวดล้อมที่สุดของชั้นเรียนที่เรียนรู้ด้วยตนเอง - โดยไม่ต้อง โน้ตดนตรีโดยไม่ต้องได้ยินหรือประยุกต์ใช้อื่น ๆ เพื่อเป็นนักดนตรีที่ยอดเยี่ยมผู้แต่งทีละหน้าออกกำลังกายต่อการออกกำลังกายค่อย ๆ เผยให้เราเห็นโลกทั้งใบของเครื่องดนตรีที่ยอดเยี่ยมนี้

ดาวน์โหลดหนังสือ “ไม่มีดนตรี - บทช่วยสอนเรื่องอวน”

คุณสามารถดาวน์โหลดหนังสือได้จาก Yandex.Disk ของฉัน - ที่นี่
พิมพ์และเริ่มเรียนรู้! ยังไงก็ตาม หนังสือเล่มนี้แจกฟรี ดังนั้นฉันจึงไม่ได้ขโมยอะไรจากผู้เขียนเลย ฉันเพียงแค่ อีกครั้งได้แสดงคำสารภาพต่อเขา

โดยวิธีการพิมพ์นิ้ว:

เครื่องบันทึก Yamaha ใช้นิ้วกดคีย์ "กับ"และ "ฟ"
สำหรับทั้งสองระบบ - พิสดาร(ภาษาอังกฤษ) และ เยอรมัน(เยอรมัน (ประมาณแคป)

แขวนไว้บนผนังแล้วเรียนรู้ สอน. สอน. ยกนิ้วขึ้นและเล่น “ซิสกินฟอว์น”อ่านหนังสือและเล่น พูดได้คำเดียวว่ายุ่ง เครื่องบันทึกเป็นเครื่องดนตรีที่จะตอบแทนคุณอย่างเต็มเปี่ยมด้วยความทุ่มเทและความไพเราะของมัน หากคุณปฏิบัติต่อมันด้วยจิตวิญญาณด้วยต้นทุนที่น้อยมาก ทั้งวัตถุและจิตใจ :)

นั่นคือคุณไม่ต้องการอะไรอีกแล้ว มากกว่า. ไม่มีอะไร. ไม่จำเป็น.
แค่เครื่องดนตรี หนังสือ และการใช้นิ้ว และความเพียร และความอดทน และความปรารถนา ทั้งหมด.

อัปเดต คุณต้องฝึกกับเครื่องเมตรอนอม!

ความรู้สึกของจังหวะ การเล่นเป็นวงดนตรี การเล่นกีตาร์ ทักษะทั้งหมดนี้ได้รับการพัฒนาอย่างมากหากคุณเรียนด้วยเครื่องเมตรอนอม สิ่งนี้ไม่เพียงแต่ใช้กับเครื่องบันทึกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงอุปกรณ์อื่นๆ ด้วย ดังนั้นอย่าละเลยมัน วิธีแก้ปัญหาง่ายๆและประสิทธิภาพของคลาสของคุณจะสูงขึ้นหลายเท่า

ดาวน์โหลดเครื่องเมตรอนอมที่ฉันใช้เอง: .

โพสต์นี้เป็นส่วนหนึ่งของโครงการใหม่ของ Alaborn – การฝึกดนตรีการเล่นเครื่องดนตรี ทฤษฎีดนตรีและพื้นฐานของการประสานเสียง เทคนิคการร้อง ติดตามข่าวสารในบล็อกของฉันและมันจะดีขึ้นเท่านั้น

ในภาษายุโรปส่วนใหญ่คำที่คล้ายคลึงกันของคำว่า "แกมมา" ของเราจะเป็นคำว่า "ขั้นบันได" หรือ "บันได" ซึ่งเผยให้เห็นแก่นแท้ของแนวคิดนี้ ท้ายที่สุดแล้ว สเกลคือลำดับของกลุ่มโน้ตที่สามารถเล่นบนเครื่องดนตรีชนิดใดก็ได้ วัตถุประสงค์ของการปฏิบัติงานไม่เพียงแต่เพื่อช่วยในการทำความเข้าใจองค์ประกอบตามช่วงของวิชาเอกหรือเท่านั้น ระดับรองแต่ยังฝึกการประสานงานของมือ การปรับปรุงเทคนิค ความสะอาด และความเร็ว

เพื่อให้กระบวนการนี้มีประสิทธิผลมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ควรใช้สื่อการสอนพิเศษที่มีเทคนิคในการชั่งน้ำหนักที่เกือบจะเป็นสากล

ดังนั้นการใช้นิ้วที่มีอยู่ในตำราเรียนน่าจะสะดวกมากเพราะนักดนตรีหลายรุ่นได้ทดสอบด้วยตัวเองแล้ว
ในขณะที่การเรียนรู้วัดจากเครื่องดนตรีแต่ละชนิด ผู้เริ่มต้นมักจะเผชิญกับความยากลำบากในลักษณะเฉพาะ เพื่อเล่นต่อ เครื่องสายการหาตำแหน่งที่สะดวกสบายเป็นสิ่งสำคัญมาก เนื่องจากสามารถสร้างเสียงเดียวกันบนสายสองหรือสามสายได้ เพื่อที่จะตัดสินใจเลือกสายที่ถูกต้อง จำเป็นต้องคำนึงถึงทั้งตำแหน่งปัจจุบันของมือ ซึ่งก็คือ ตำแหน่งที่กรูจะถูกสร้างขึ้นใหม่ และตำแหน่งของสายหลังโน้ต นั่นคือ หลังจากเล่นเสียงแล้วจะต้องย้ายตำแหน่งใด หากมือของนักดนตรีมีรูปร่างและขนาดแตกต่างจากมือมาตรฐาน จำเป็นต้องยกเว้นและคำนวณการใช้นิ้วโดยตรงในขณะที่วิเคราะห์และแสดงมาตราส่วน

เครื่องดนตรีประเภทลมใช้แนวทางที่แตกต่างออกไป เนื่องจากเมื่อเล่นโน้ตจำนวนมากจะถูกใช้โดยใช้ "การโอเวอร์โบลว์" นั่นคือเพื่อที่จะนำ "C" จากอ็อกเทฟที่สอง นักดนตรีจำเป็นต้องใช้กระแสลม มีกำลังมากขึ้น

เปียโนมีวิธีการเรียนรู้แบบพิเศษของตัวเอง ซึ่งประกอบด้วยสามขั้นตอน ในตอนเริ่มต้น ชิ้นส่วนจะเรียนรู้สำหรับแต่ละมือแยกกัน - ทางด้านขวา, ด้านซ้าย, จากนั้นจึงรวมกัน การใช้นิ้วที่พบบ่อยที่สุดอย่างหนึ่งในการเล่นตาชั่งมีดังนี้ นิ้วแรกอยู่บนนิ้วชี้ นิ้วที่สามอยู่บนนิ้วที่สาม จากนั้นนิ้วแรกจะอยู่บนนิ้วที่สี่ สำหรับสเกลที่มากกว่าหนึ่งอ็อกเทฟ ให้ใช้นิ้วแรกหรือนิ้วที่ห้าสำหรับพรีมาตอนบน การใช้นิ้วแบบอื่นจะขึ้นอยู่กับกฎที่ว่าไม่สามารถเล่นคีย์สีดำด้วยนิ้วแรกและนิ้วที่ห้าได้ ซึ่งในกรณีนี้จะถูกเลือกแยกกันสำหรับนักแสดง

วิธีการเรียนรู้ตาชั่ง

http://site/assets/modules/svensoft-social-share-buttons/images/placeholder.png

ในภาษายุโรปส่วนใหญ่คำคล้ายคลึงของคำว่า "แกมมา" ของเราจะเป็นคำว่า "ขั้นบันได" หรือ "บันได" ซึ่งเผยให้เห็นแก่นแท้ของแนวคิดนี้ ท้ายที่สุดแล้ว สเกลคือลำดับของกลุ่มโน้ตที่สามารถเล่นบนเครื่องดนตรีชนิดใดก็ได้ วัตถุประสงค์ของการแสดงนั้นไม่เพียงแต่เพื่อช่วยในการทำความเข้าใจองค์ประกอบตามช่วงเวลาของสเกลหลักหรือรองเท่านั้น แต่ยังเพื่อฝึกการประสานงานของมือ ปรับปรุงเทคนิค […]