บทคัดย่อของบทเรียนการสอนให้เด็กเล่นเครื่องดนตรีสำหรับเด็ก การก่อตัวของทักษะวิทยาศาสตร์เครื่องกลในระยะเริ่มต้นของการฝึกในระดับหีบเพลงปุ่ม กิจกรรมประสาทที่สูงขึ้นประกอบด้วยสองกระบวนการที่สำคัญที่สุดและเทียบเท่าทางสรีรวิทยา

เทคนิคการเรียนรู้

เครื่องดนตรีกลุ่มต่างๆ จำเป็นต้องมีการพัฒนาเทคนิคการเล่นในระดับความยากต่างๆ ดังนั้นผู้ที่เข้าร่วมในวงออเคสตราควรได้รับงานที่แตกต่างโดยคำนึงถึงความสามารถส่วนบุคคลของพวกเขา
ในวิธีการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรี การจัดลำดับของการแสดงดนตรีต่างๆ เป็นสิ่งสำคัญ ยังไม่มีประเพณีการสอนที่ยาวนานและแข็งแกร่งในเรื่องนี้ เช่นเดียวกับการแสดงใด ๆ จำเป็นต้องใช้เทคนิคการเล่นที่ถูกต้องในการเรียนรู้ชิ้นส่วน ความต่อเนื่องในงานส่วนรวมและงานเดี่ยวมีความสำคัญ: ในชั้นเรียนทั่วไปและในการทำดนตรีอิสระ ในการแสดงในวันหยุดและความบันเทิง
การแสดงผลงาน (ในเครื่องมือต่าง ๆ) โดยครู การสาธิตเทคนิค วิธีการผลิตเสียง และการอธิบาย - วิธีดั้งเดิมที่ผ่านการทดสอบอย่างดี - ยังสามารถเสริมโดยผู้อื่นได้ เด็กๆ จะได้รับการเสนอให้ "ตรวจสอบ" เครื่องมือด้วยตนเอง พวกเขาจะได้รับงานสร้างสรรค์ที่เรียบง่าย และได้รับการสนับสนุนให้ศึกษาด้วยตนเองในการศึกษาอิสระ เมื่อการฝึกอบรมเกิดขึ้นโดยใช้วิธีการเหล่านี้ร่วมกัน เราสามารถพึ่งพาความสำเร็จในการสอนได้
ในทางปฏิบัติ เรามักจะเริ่มเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องดนตรีหลายชิ้นพร้อมกัน แม้ว่าเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นต้องใช้เทคนิคการแสดงที่แตกต่างกัน หรือพวกเขาเรียนรู้ทั้งชิ้นพร้อมกัน ในขณะเดียวกัน เด็กบางคนต้องรอในขณะที่คนอื่นเรียนรู้ สิ่งนี้ทำให้พวกผู้ชายเบื่อหน่ายและทำให้ความสนใจของพวกเขากระจัดกระจาย
แน่นอน อย่างอื่นอาจจะเหมาะสม หลังจากแนะนำเด็กในชั้นเรียนทั่วไปแล้ว เช่น ลักษณะของพิณด้วยเทคนิคพื้นฐานในการเล่น หลังจากเรียนบทสวด 2-3 บทตลอดบทเรียนหลายๆ บทเรียน เครื่องดนตรีก็จะถูกโอนไปยังกลุ่มในภายหลัง ในช่วง เกม เด็ก ๆ ดำเนินตามความคิดริเริ่มของตนเอง
ทำความคุ้นเคยกับเครื่องดนตรี ครูช่วยพวกเขา ในระหว่างนี้ ในชั้นเรียนทั่วไป พวกเขากำลังทำความคุ้นเคยกับเครื่องดนตรีอื่น ยิ่งไปกว่านั้น บางครั้งเชิญเด็กที่มีความสามารถที่สุดไปตรวจเครื่องดนตรี หาวิธีเล่น จากนั้นครูจะแก้ไขด้วยตนเอง
เด็ก ๆ จะได้รับการแนะนำให้รู้จักกับเครื่องดนตรีที่มีมาตราส่วนไดอะโทนิกหรือรงค์ทีละน้อย: เมทัลโลโฟน, แฝดสาม, หีบเพลง, พิณ กลุ่มช็อตใช้เวลาทำความคุ้นเคยน้อยลง: สามารถนำเครื่องดนตรีสองหรือสามชิ้นเข้ามาในบทเรียนพร้อมกันได้ เช่น กลอง แทมบูรีน และคาสทาเนต เนื่องจากเด็ก ๆ จะทำซ้ำตามจังหวะเท่านั้น
พิจารณาคุณสมบัติของวิธีการสอนในแง่ของงานต่อไปนี้: การเรียนรู้วิธีการทางเทคนิคของเกม; ลำดับของงานสำหรับการควบคุมเกมด้วยเครื่องมือแต่ละตัว การเรียนรู้บางส่วน

เทคนิค

เทคนิคการเล่นขึ้นอยู่กับการออกแบบของเครื่องดนตรีแต่ละชนิด ประการแรก จำเป็นต้องกำหนดตำแหน่งเริ่มต้นที่ถูกต้องและตำแหน่งของเครื่องมือที่สัมพันธ์กับเด็ก
Metallophones, zithers วางได้ดีที่สุดบนขาตั้งขนาดเล็กซึ่งอยู่ที่ระดับหัวเข่าของผู้เล่น หากไม่มีขาตั้ง สามารถวางเครื่องมือไว้บนเข่าได้ เครื่องมือลม (ก่อนเริ่มเกม) ก็วางไว้บนเข่าเช่นกัน กลองและแทมบูรีนถูกจับที่ระดับเอว และรูปสามเหลี่ยมถูกแขวนไว้บนขาตั้ง หรือให้เด็กถือไว้ในมือซ้าย
การสอนเทคนิคการผลิตเสียงที่ถูกต้องเป็นสิ่งสำคัญมาก เมื่อเล่นบน กล็อกเกนสปีลควรจับค้อนให้วางบนนิ้วชี้และนิ้วหัวแม่มือจับไว้ด้านบน แรงกระแทกควรตกตรงกลางจานและที่สำคัญที่สุดคือเบา แปรงต้องว่าง หากเด็กกำค้อนไว้แน่น กระแทกเสียงดัง เก็บไว้ในบันทึก จากนั้นเสียงจะกลายเป็น "สกปรก" ไม่เป็นที่พอใจ
เมื่อเล่นบน zitherคนกลางต้องหนีบระหว่างนิ้วโป้งกับนิ้วชี้ เสียงเกิดจากการเคลื่อนไหวที่เบาและยืดหยุ่นตลอดสาย ในเวลาเดียวกัน เราควรพยายามอย่าแตะต้องสายอักขระที่ไม่จำเป็น
ฉิ่งพวกมันดังมาก ดังนั้นพวกมันจึงถูกจับมือขวาและตีเบา ๆ ด้วย "กลีบ" บนฝ่ามือด้านซ้าย เสียงค่อนข้างอู้อี้และรูปแบบจังหวะก็ได้ยินชัดเจน
จานเด็กจับสายรัดไว้และกระแทกกับอีกข้างหนึ่งด้วยการเลื่อน เพื่อหยุดเสียงทันที เพลตถูกนำไปใช้กับหัวเข่า บางครั้งฉาบ (แขวนไว้) อาจใช้ไม้ตีได้ โดยปลายจะหุ้มด้วยผ้าหรือแผ่นใยไม้อัดหลายชั้น
เมื่อเล่นบน สามเหลี่ยมจำเป็นต้องตีด้วยไม้ที่อยู่ตรงกลางของส่วนแนวนอน เสียงควรเบาและยืดหยุ่น

และถ้ามันดำเนินต่อไปเป็นเวลานานคุณควรกดสามเหลี่ยมด้วยมือของคุณ - เสียงจะหยุดทันที
แทมบูรีนสร้างเสียงของตัวละครที่แตกต่างกัน ขึ้นอยู่กับว่าพวกเขาใช้นิ้วกระแทกเมมเบรน ส่วนที่อ่อนนุ่มของฝ่ามือ หรือนิ้วโป้งเดียว นอกจากนี้ หากตำแหน่งของการกระแทกเปลี่ยนไป—ใกล้กับโครงไม้มากขึ้น (ที่ซึ่งเสียงสะท้อนนั้นแรงกว่า) ไปทางตรงกลาง กระทบกับตัวเฟรมเอง หรือสุดท้าย สลับการกระแทกเหล่านี้ การวางเคียงกันของเสียงต่ำที่น่าสนใจก็สามารถทำได้ จะประสบความสำเร็จ
เล่นบน ไตรโอเล็ตและ ท่วงทำนอง-26ทำตามขั้นตอนเดียวกัน เด็กเป่าเข้าไปในรูของท่อหายใจออกอย่างสม่ำเสมอ ในเวลาเดียวกัน เขาก็กดปุ่มที่ต้องการ กุญแจของ Triola มีสีแต่ละอันมีสีและชื่อของตัวเอง คีย์แรก - อีกฟา#เกลือและขยายขนาดต่อไป เกลือที่สำคัญดังนั้นจึงเป็นไปได้ที่จะทำท่วงทำนองบนทริออลใน จี เมเจอร์และบางส่วนในคีย์อื่นๆ แต่อยู่ในช่วงจำกัด
เครื่องดนตรีนี้เรียกว่า Melody-26 สร้างขึ้นโดยใช้สเกลสี (สองอ็อกเทฟ) และสามารถเล่นเมโลดี้ใดๆ ภายในสองอ็อกเทฟได้
เมื่อเด็กรู้สึกถึงความแตกต่างในคุณภาพเสียง เมื่อเขาเริ่มสำรวจวิธีการเล่นต่างๆ เขาจะพัฒนาการควบคุมการได้ยินและความสามารถในการแก้ไขความไม่ถูกต้องในการแสดงของเขา

ลำดับงาน

ในช่วงเริ่มต้นของการฝึกอบรม เทคนิคระเบียบวิธีของผู้นำได้รับการชี้นำโดยธรรมชาติเพื่อกระตุ้นความสนใจในอาชีพใหม่ให้กับเด็ก
ในธรรมชาติของเสียงของเครื่องดนตรีแต่ละชนิด เราสามารถหาความคล้ายคลึงกับปรากฏการณ์ทางธรรมชาติบางอย่างได้ เช่น เสียงของนก สัตว์ คำพูดของมนุษย์ ตัวอย่างเช่น ครูดึงความสนใจของเด็ก ๆ ไปที่ความจริงที่ว่านกร้องเพลงสูง เสียงดัง เบา ๆ และสิ่งนี้สามารถพรรณนาได้บนพิณ

โลหะโลโฟนสื่อถึงเสียงของเม็ดฝนที่ตกลงมาได้ดี: ในตอนแรกพวกมันตกไม่บ่อย จากนั้นก็ส่งเสียงกริ่งบ่อยขึ้น บ่อยขึ้น - ฝนทวีความรุนแรงมากขึ้น

เสียงของทรีโอลายังคงดังก้องราวกับมีคนตะโกนเรียกอยู่ในป่า

และขลุ่ยหรือเมโลดี้-26 ก็บอกกับทุกคนว่า - เตรียมตัวให้พร้อมสำหรับการปีนเขา

บนกลอง แท่งไม้เคาะเศษส่วนออก เหมือนกับเสียงฟ้าร้อง (ครูใช้ไม้สองไม้ตีสลับกันอย่างรวดเร็ว)
ความหมายของเทคนิคดังกล่าวคือการทำความคุ้นเคยกับความเป็นไปได้ในการแสดงออกของเครื่องดนตรีแต่ละชนิด
ในขั้นเริ่มต้นนี้ ยังเป็นประโยชน์ในการเตรียมเด็กให้พร้อมสำหรับการประสานงานร่วมกัน เพื่อพัฒนาความรู้สึกของวงดนตรี ซึ่งเป็นสิ่งสำคัญมากสำหรับการเล่นในวงออเคสตรา เพื่อจุดประสงค์นี้จึงใช้ "ออเคสตรา" ที่มีจังหวะแปลกประหลาด เด็กปรบมือ กระทืบเท้า เคาะด้วยแท่งไม้ แท่ง กล่องพลาสติก - เปล่าหรือเต็มไปด้วยก้อนกรวด ถั่วลันเตา ฯลฯ ที่นี่เช่นกัน เทคนิคการแยกเสียงอาจแตกต่างกัน ดังนั้น หากคุณตีฝ่ามือข้างหนึ่งกับอีกข้างหนึ่งโดยใช้นิ้วครึ่งงอ แสดงว่าเสียงนั้นดังและหูหนวก หากคุณตีด้วยฝ่ามือ "แบน" เช่นเดียวกับใน "ฉาบ" เสียงจะชัดเจนและดังก้อง
เป็นไปได้ที่จะใช้นิ้วของมือข้างหนึ่งแตะฝ่ามืออีกข้างหนึ่ง และเสียงจะแตกต่างกันมากขึ้นอยู่กับว่านิ้วจะกางออกหรืองอครึ่งนิ้ว กระทืบเท้าก็ต่างกัน: ทั้งเท้า นิ้วเท้าข้างเดียวหรือส้นเท้าสลับกัน - นิ้วเท้า แล้วก็ส้นเท้า สิ่งที่เรียกว่า "ตบ" ใช้กับฝ่ามือหรือปลายนิ้วที่ต้นขา
วัตถุที่ทำจากไม้ พลาสติก และโลหะยังช่วยให้คุณแยกเสียงที่มีลักษณะแตกต่างกันออกไปได้ เด็กที่มีความสนใจ
ฟังพวกเขาทำงานเป็นจังหวะฝึกฝนทักษะของการกระทำร่วมกันหรือตามลำดับ ให้เด็ก ๆ เช่นแบบฝึกหัดต่อไปนี้:

เสียงสะท้อนดนตรี

เด็กแบ่งออกเป็นสองกลุ่มย่อย
บรรทัดที่ 1ครูเคาะด้วยไม้
บรรทัดที่ 2เด็กกลุ่มแรกใช้นิ้วเท้าแตะ
บรรทัดที่ 3เด็กกลุ่มที่สองแตะนิ้วบนฝ่ามืออีกข้างหนึ่ง


แบบฝึกหัดดังกล่าวอาจแตกต่างกันไปตามจังหวะและรูปแบบการตบมือ กระทืบ "ตบ" เป็นต้น
การเคลื่อนไหวของรถไฟนั้นเลียนแบบได้ดี เช่น โดยการเตะสลับกับนิ้วเท้า จากนั้นใช้ส้นสูง หรือด้วยมือ จากนั้นใช้นิ้ว แล้วตบมือด้วยคนหูหนวก ในกรณีนี้ จังหวะสามารถเร่งหรือช้าลงได้ตามอำเภอใจ และเสียงจะเข้มขึ้นหรือลดลง

บรรทัดที่ 1ส้นตี.

บรรทัดที่ 2เตะนิ้วเท้า.

เป็นประโยชน์ในการแนะนำให้เด็กรู้จักการรับรู้และการแสดงน้ำเสียงที่ไพเราะเป็นจังหวะ ในตอนแรก คุณสามารถแสดงความชัดเจนออกมาเป็นประโยคจังหวะง่ายๆ การออกเสียงสูงต่ำของคำพูด และการอ่านซ้ำ ดังที่คุณทราบ การบรรยายนั้นใกล้เคียงกับการบรรยายที่ไพเราะ มีเสียงขึ้นและลงที่เป็นธรรมชาติสำหรับคำพูดที่ใช้พูด การเน้นเสียงและการหยุดชั่วคราวจะได้ยินได้ชัดเจน
ขอแนะนำให้ดึงความสนใจของเด็ก ๆ ไปสู่ความจริงที่ว่าในสถานการณ์ต่างๆ ของเกมและชีวิต เราสามารถใช้ประโยคจังหวะและน้ำเสียงดนตรีและคำพูดได้
ให้เรายกตัวอย่างเทคนิคต่างๆ ที่นำเด็กๆ ไปสู่การแสดงออกอย่างต่อเนื่อง
ครูชวนเด็ก ๆ เดาว่าเธอโทรหาใคร - Tanya หรือ Andryusha เด็กควรจำสิ่งนี้ด้วยรูปแบบจังหวะที่ผู้ใหญ่ทำโดยการปรบมือหรือบนโลหะ:

เด็ก ๆ จะรู้ว่าผู้หญิงคนนั้นชื่ออะไร - Tanya หรือ Tanechka:

หลังจากนั้นพวกเขาก็สามารถโทรหากันได้ด้วยตัวเอง ด้วยจังหวะที่แน่นอน พวกเขาวางไพ่บนผ้าแฟลนเนโลกราฟโดยใช้พวกมันจากภาคผนวกของ Musical Primer ไพ่กว้างแสดงถึงไตรมาส ไพ่แคบแสดงถึงแปด:

พวกเขาสามารถเล่นจังหวะเดียวกันบนเมทัลโลโฟน ไตรโอด หรือเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชัน
จากการแสดงลีลาจังหวะ เด็กๆ ได้ก้าวไปสู่การท่องจำ พวกเขาได้รับเชิญให้โทรหากัน แต่ในรูปแบบที่แตกต่างกัน: อย่างเสน่หา, โกรธ, ถามหา, เชิญชวน เด็ก ๆ จะใช้น้ำเสียงที่แสดงออกซึ่งเข้าใกล้คำพูดที่ร้อง สิ่งเหล่านี้ยังไม่มีเสียงสูงต่ำที่มีระดับเสียงที่แม่นยำและเสียงไพเราะ พวกเขากำลังพูด ไม่ว่าจะเพิ่มหรือลดเสียงสูงต่ำ ทั้งคู่ก็มองหาเสียงที่คล้ายคลึงกันในเครื่องดนตรี เป็นการแต่งเพลงสั้นๆ
การฝึกอบรมเพิ่มเติมเกิดขึ้นตามลำดับต่อไปนี้: ขั้นแรกให้เล่นเครื่องดนตรีชิ้นหนึ่งแล้วเล่นอีกเครื่องหนึ่ง ฯลฯ ในเวลาเดียวกันปริมาณของทักษะการแสดงจะเพิ่มขึ้น: อันดับแรก รูปแบบจังหวะ; จากนั้นท่วงทำนองก็สร้างขึ้นในช่วงเวลาที่แคบ ท่วงทำนองต่อมา รวมทั้งส่วนสำคัญของมาตราส่วนและช่วงที่กว้างกว่า
การเรียนรู้ท่วงทำนองของท่อน เพลง และบทร้องง่ายๆ เด็กๆ จะต้องรับมือกับปัญหาสองอย่าง: เพื่อสร้างรูปแบบจังหวะและแนวท่วงทำนองที่ไพเราะ อย่างแรก เมื่อเชี่ยวชาญเทคนิคการแยกเสียงที่ถูกต้อง ครูเสนองานที่ง่ายกว่าให้เด็ก ๆ - เล่นจังหวะ เรียนรู้เทคนิคการแยกเสียงที่ถูกต้อง ชิ้นส่วนเริ่มต้นของ "Musical Primer" ความได้เปรียบทางศิลปะของพวกเขาคือการให้มุกตลกเป็นจังหวะพร้อมกับบรรเลงเปียโน และสิ่งนี้ทำให้พวกเขาแสดงออกมากขึ้น
หลังการแสดงของครู เด็กๆ จะเรียนรู้ทำนองและร้องเพลง ปรบมือตามจังหวะได้อย่างง่ายดาย เป็นการดีที่จะใช้การ์ดจากแอปพลิเคชั่น "Music Lotto" ("Music Primer")

การ์ดวางบนผ้าสักหลาด:

เด็ก ๆ ได้รับการเสนอให้นับแผ่นที่หกบนโลหะ (ตั้งแต่ต้น) -“ นี่คือโน้ต ลา" และแล้วบรรเลงจังหวะเพลง "ฟ้าเป็นสีฟ้า" ครูมาพร้อมกับเปียโน การแสดงรองจะมาพร้อมกับการร้องเพลงร่วมกัน งานนี้เชี่ยวชาญแล้วและผู้ชายจะสามารถเล่นเพลงได้ด้วยตัวเอง

ท้องฟ้าเป็นสีฟ้า
ดนตรีโดย E. Tilicheeva

[ใจเย็น]

ในบทเรียนดนตรีต่อไปนี้ มีการสำรวจเป็นรายบุคคล: เด็ก ๆ เล่นเพลงนี้ด้วยเสียงที่แตกต่างกัน (บันทึก) พวกเขาถูกเรียกว่าบันทึก (เด็กคุ้นเคยกับตำแหน่งของพวกเขาในบันทึก): “เล่นโน้ต ไมล์ในบันทึก ก่อน"เป็นต้น ในขณะเดียวกันก็ต้อง
แต่จำไว้ว่าเด็ก ๆ สามารถร้องเพลงและเล่นดนตรีด้วยเมทัลโลโฟนได้เพียงเพลงที่เรียนมาอย่างดีเพราะว่าเสียงของเมทัลโลโฟนนั้นสูงขึ้นและไม่สอดคล้องกับความสามารถด้านเสียงของเด็กก่อนวัยเรียน มันง่ายสำหรับเด็กที่จะหลงทางเนื่องจากโน้ตตัวเดียวกันบนเมทัลโลโฟนจะออกเสียงเป็นอ็อกเทฟที่ต่างกัน (สูงกว่า)

เมื่อเรียนรู้บทร้องตามจังหวะสองสามเพลงแล้ว คุณสามารถดำเนินการต่อไปได้ - ขั้นแรกให้เรียนรู้บทสวด ประกอบด้วยช่วงที่ใกล้เคียงกัน และจากงานที่กว้างขึ้น วิธีการสอนยังคงเหมือนเดิม ควรจำไว้ว่าข้อความกวีช่วยอำนวยความสะดวกในการท่องจำและอนุญาตให้เด็กใช้ผลงานที่เรียนรู้ในการศึกษาอิสระ สิ่งสำคัญคือต้องทำให้งานซับซ้อนอย่างสม่ำเสมอ เล่นง่ายที่สุด วินาทีเสียงของพวกเขาอยู่เคียงข้างกัน ดังนั้นหลังจากออกกำลังกายด้วยเสียงเดียว ขอแนะนำให้เล่นบทสวดที่สร้างขึ้นในช่วงเวลานี้ (เช่น เพลงพื้นบ้านรัสเซีย "Magpie-magpie", "Accordion" โดย E. Tilicheeva เป็นต้น)

magpie-magpie
เพลงลูกทุ่งรัสเซีย

ฮาร์โมนิก
ดนตรีโดย E. Tilicheeva
[ที่ จังหวะปานกลางตามจังหวะ]

การผสมผสานเทคนิคการแสดงที่ซับซ้อนมากขึ้นค่อยๆ ทำให้ละครซับซ้อนขึ้นได้ การเคลื่อนไหวแบบเป็นขั้นตอนปรากฏในบทสวดภายในมาตราส่วนขนาดเล็ก ช่วงเวลาขยาย การบรรเลงเปียโนประกอบอย่างเต็มตาและแสดงออกเป็นที่สนใจของเด็กๆ มากขึ้น สิ่งสำคัญคือเด็กๆ จะต้องฟังวิธีการแสดงดนตรีและสัมผัสถึงอารมณ์ของดนตรี งานศิลปะแต่ละชิ้นมีความเป็นต้นฉบับ มีลักษณะเฉพาะ และวิธีการเชี่ยวชาญก็ควรจะแตกต่างกัน
การรับรู้ทางดนตรีของเด็ก ๆ จะเปิดใช้งานหากหลังจากฟังครั้งแรกพวกเขาถูกถามคำถามเช่น: "เครื่องดนตรีชนิดใดดีกว่าที่จะเล่นเพลงนี้"; “ส่วนไหนของชิ้นส่วนที่ควรเล่นเครื่องดนตรีอื่นและอันไหน” เด็กๆ มักจะเลือกเครื่องดนตรีได้ง่ายกว่าถ้าชิ้นนั้นมีลักษณะที่ชัดเจนเพียงพอ มีรูปแบบดนตรีที่ชัดเจน และสร้างขึ้นจากชิ้นส่วนที่มีลักษณะตัดกัน แน่นอนว่าเด็กๆ ไม่สามารถแต่งเพลงได้ แต่สิ่งสำคัญคือต้องใช้เทคนิคที่น่าสนใจที่พวกเขาพยายามแต่งและ "ตัดสินใจ" - เครื่องดนตรีชนิดใดที่ควรให้เสียงในส่วนใดส่วนหนึ่งหรือส่วนอื่นของงาน ด้วยวิธีการที่มีความชำนาญและมีไหวพริบ คุณสามารถโน้มน้าวข้อเสนอของพวกเขาได้ทันท่วงทีและชี้นำคำตอบของพวกเขา

ระเบียบวิธีการเรียนรู้งานบุคคล

ยิ่งเพลงซับซ้อนมากเท่าไหร่ เปียโนที่บรรเลงประกอบกับเพลงยิ่งพัฒนามากขึ้น กระบวนการเรียนรู้ก็จะยิ่งสบายขึ้นเท่านั้น ลองพิจารณาสองตัวอย่าง: "Rain" และ "Our Orchestra"
เพลงแรกคือ "ฝน" เพลงลูกทุ่งรัสเซียในการประมวลผลของ T. Popatenko สร้างขึ้นจากเสียงสองเสียงที่อยู่เคียงข้างกัน (วินาทีที่สำคัญ).บรรทัดฐานนี้ถูกทำซ้ำหลายครั้งด้วยรูปแบบจังหวะเล็กๆ - ในตอนแรก บทสวดเริ่มด้วยจังหวะที่หนักแน่นของการวัด ("ฝน ฝนแรงขึ้น!") ตามด้วยจังหวะที่ไม่ปกติ ("ขอให้หนักหนา") . ลักษณะทั่วไปของการประมวลผลเปียโนคือเคลื่อนที่ได้ชัดเจนและเบา พื้นผิวโปร่งใส - หยุดหลายครั้ง, จังหวะหลัก - สแตคคาโต้มีคำนำและบทสรุป ในบทนำ แรงจูงใจที่เข้าใจง่ายของเพลงดังขึ้น และบทสรุปก็เหมือนกับ "ดึง" เม็ดฝนออกมา
ธรรมชาติที่โปร่งใสของเพลงไม่ควรสูญเสียเสน่ห์เมื่อบรรเลง ในบทนำ เราสามารถได้ยินการเรียกของสองรีจิสเตอร์ดังเช่นเดิม ในที่สุดก็มีสามเหลี่ยม พวกเขาทำซ้ำลักษณะของ "หยด" ได้เป็นอย่างดีโดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื่องจากท่วงทำนองของบทสรุปไม่สามารถถ่ายทอดด้วยเสียงของโลหะและ zithers ของเด็ก ในงานชิ้นนี้ ขอแนะนำให้ใช้เครื่องดนตรีจำนวนน้อยที่โดดเด่นด้วยเสียงเบา เสียงดัง และฉับพลัน
ลำดับบทเรียนสำหรับการเรียนรู้เพลงนี้สามารถสรุปได้ดังนี้

บทที่ 1.เด็ก ๆ ฟังเพลงที่คุ้นเคยนี้ดำเนินการโดยผู้ใหญ่ ดึงความสนใจไปที่เสียงที่เบาและโปร่งใสของส่วนเปียโน เด็กจำเพลงและร้องเพลงได้ ครูเสนอให้คิดว่าเครื่องดนตรีชนิดใดที่เหมาะกับเสียงของเธอมากที่สุด
บทที่ 2หลังจากเล่นเพลงแล้ว การอภิปรายจะเริ่มขึ้นเกี่ยวกับวิธีการเครื่องดนตรี ให้ความสนใจกับลักษณะของคำนำ บทสรุป และความแตกต่างบางอย่างระหว่างวลีที่สองและประโยคแรก มีการหารือและทดสอบข้อเสนอแนะของเด็ก ๆ ในทางปฏิบัติ หากเครื่องมือวัดรุ่นใดรุ่นหนึ่งออกมาดี ก็สามารถทำได้อย่างครบถ้วนในบทเรียนนี้
บทที่ 3หากมีการเรียนรู้ตัวเลือกที่ครูเสนอ (สมมติว่าไม่ยอมรับตัวเลือกของเด็ก) ขั้นแรกให้ทำเฉพาะทำนองของเพลง บนเปียโน ควรให้ความสนใจกับการเข้าสู่ zithers ในเวลาที่เหมาะสม
บทที่ 4เรียนรู้ทั้งเพลง - ในตอนแรกโดยไม่ต้องร้องเพลง จากนั้นเด็กบางคนก็เล่น คนอื่นร้อง และในที่สุด ทุกคนก็เล่นและร้องเพลง

เพลงอื่น - "Orchestra ของเรา" โดย E. Tilicheeva (เนื้อเพลงโดย Y. Ostrovsky) นั้นยากกว่ามากสำหรับการแสดงทั้งมวล ท่วงทำนองมีความหลากหลายมากขึ้น ระยะของมันอยู่ภายใน เจ็ดนอกจากนี้ยังมีการกระโดด การเคลื่อนไหวทีละขั้นตอนขึ้นและลง จังหวะยังมีปัญหา: มีโน้ตที่มีจุด ทั้งหมดนี้ต้องใช้ทักษะบางอย่างจากเด็ก ในการบรรเลงเปียโนและท่วงทำนอง มีลักษณะทางดนตรีของเสียงของเครื่องดนตรีกลุ่มต่างๆ ก็เพียงพอที่จะระลึกถึงมาตรการที่คำว่า "กลอง, กลอง, กลอง, กลอง" ซึ่งให้จังหวะที่ชัดเจนราวกับว่าเลียนแบบกลอง จากนั้นจะมี regi ที่สูงกว่า ดังนั้นเครื่องมือวัดจึงได้รับแจ้งจากนักแต่งเพลงและกวี แต่เพื่อให้เด็กสามารถมีส่วนร่วมในการเลือกเครื่องดนตรีด้วยตนเอง เห็นได้ชัดว่าพวกเขาต้องเล่นเพลงโดยไม่มีเนื้อเพลงที่เสนอวิธีแก้ปัญหา
ดังนั้น ลำดับของคลาสต่อไปนี้จึงเหมาะสม:

บทที่ 1.ครูเล่นส่วนเปียโนโดยไม่ต้องร้องเพลง เด็ก ๆ จะได้รับปริศนาดนตรี - พวกเขาเล่นวลีที่แยกจากกันเพื่ออธิบายลักษณะเสียงของเครื่องดนตรีต่าง ๆ ในระดับหนึ่ง พวกเขาเดาและตั้งชื่อเครื่องมือที่เหมาะสมกับวลีใดวลีหนึ่ง จากนั้นครูเล่นเพลงเป็นครั้งที่สอง แต่ร้องและเล่นไปแล้ว ด้วยวิธีนี้ เด็ก ๆ จะรู้ว่าพวกเขาตั้งชื่อเครื่องดนตรีถูกต้องหรือไม่
บทที่ 2การเรียนรู้ส่วนร้องของเพลง เด็กๆ เรียนรู้ท่วงทำนอง จากนั้นพวกเขาก็ร้องเพลงเป็นบางส่วน: นักแสดงในอนาคตของแฝดสามร้องเพลงวลีแรกบนกลองที่สอง ฯลฯ ขณะร้องเพลงพวกเขาเลียนแบบการเคลื่อนไหวของเครื่องดนตรีอย่างใดอย่างหนึ่ง
บทที่ 3เรียนรู้ส่วนที่ซับซ้อนมากขึ้น: ไตรออล (สี่การวัดแรก) และเมทัลโลโฟนที่มี zithers (สี่การวัดที่ 3) ขั้นแรก ให้เด็กทุกคนเล่น จากนั้นจึงเลือกผู้ที่จะแสดงส่วนเหล่านี้ ให้แสดงส่วนเหล่านี้ อธิบายว่าควรเริ่มด้วยโน้ตอะไร และเสนอให้เล่น จากนั้นเด็กทุกคนก็เล่นกลองในจินตนาการ และเด็กบางคนก็เล่นเครื่องดนตรีจริง
บทที่ 4การเรียนรู้ชิ้นส่วนของไทรออลและเมทัลโลโฟนยังคงดำเนินต่อไป ขั้นแรกให้เรียนรู้วลีสุดท้ายโดยเมทัลโลโฟนซึ่งมีการแสดงทำนองแล้วกลุ่มกระทบ - กลอง ส่วนกลองซ้ำ เมื่อจบบทเรียน จะมีการให้คะแนนโดยรวมทั้งหมดเป็นครั้งแรก แต่ไม่มีการร้องเพลง
บทที่ 5ประสิทธิภาพของแต่ละส่วนจะถูกทำซ้ำแยกกัน ทั้งหมด

ฝน
เรียบเรียง ต.โปปาเทนโก
[ไม่นานนัก]

คะแนน แต่ในขณะเดียวกันเด็กบางคนร้องเพลงคนอื่นเล่น การแนะนำเครื่องมือแต่ละกลุ่มอย่างทันท่วงทีจะได้รับการควบคุมและเฉดสีแบบไดนามิกได้รับการขัดเกลา
ในชั้นเรียนเพิ่มเติม การเล่นทั้งหมดจะถูกทำซ้ำและทักษะที่ได้มาจะถูกรวมเข้าด้วยกัน

บ่อยครั้งในการฝึกสอนมีเทคนิคดังกล่าว: เด็ก ๆ เล่นเพลงด้วยเครื่องดนตรีของพวกเขาและผู้ใหญ่เล่นทำนองและเล่นเปียโนด้วย หากต้องการกระจายเสียง คุณสามารถทำอย่างอื่นได้ ตัวอย่างเช่น ครูเล่นเปียโนทั้งบท และเด็ก ๆ เล่นเมโลดี้บนเมทัลโลโฟน แต่เหมือนที่เคยเป็น เสียงประกอบ นั่นคือเสียงที่สอดคล้องกับอันแรก (I) และอันดับที่ห้า (V) หรือขั้นแรก (I) ขั้นที่สี่ (IV) และขั้นที่ห้า (V)
สมมติว่ามีทำนองเพลงพื้นบ้านยูเครนสามเวอร์ชัน "โอ้ bursting the hoop" ที่จัดโดย T. Popatenko ในกรณีแรกเมทัลโลโฟนจะทำซ้ำทำนองเพลงในครั้งที่สอง - เสียงเบสในกรณีที่สามพวกเขาเล่นโดยไม่มีเปียโนคลอ
งานอื่นคือ "Squirrel" ซึ่งเป็นข้อความที่ตัดตอนมาจากโอเปร่า "The Tale of Tsar Saltan" โดย N. Rimsky-Korsakov ในข้อนี้ ถ่ายทอดภาพของกระรอกแสนวิเศษ ในการอธิบายลักษณะของภาพผู้แต่งได้ใช้ทำนองเพลงพื้นบ้านรัสเซียที่มีชื่อเสียง "In the garden, in the garden" ท่วงทำนองของเพลงมีความร่าเริง กระปรี้กระเปร่า บุคลิกการเต้น แต่ดำเนินการในระดับปานกลาง เมื่อทำเครื่องดนตรีชิ้นหนึ่ง จำเป็นต้องเลือกเครื่องดนตรีที่มีเสียงเบา มีเสียงดัง และกระตุก อาจเป็นเมทัลโลโฟนและสามเหลี่ยมก็ได้

เมื่อเรียนรู้ชิ้นส่วน คุณสามารถเสนอลำดับชั้นเรียนต่อไปนี้
บทที่ 1.เด็ก ๆ ฟังการแสดงของผู้ใหญ่ ดึงความสนใจไปที่เสียงเบาของท่วงทำนอง ลีลาการเต้นที่กระปรี้กระเปร่า คุณสามารถอ่านข้อความที่ตัดตอนมาจากงานของ A. S. Pushkin "The Tale of Tsar Saltan" หลังจากที่ครูทำการแสดงซ้ำแล้วซ้ำอีก เด็กๆ จะถูกขอให้คิดว่าเครื่องดนตรีชนิดใดที่เหมาะที่สุดในการเล่นในวงออเคสตราโดยสัมพันธ์กับธรรมชาติของดนตรี มีการหารือเกี่ยวกับข้อเสนอแนะของเด็ก มีการเลือกหนึ่งในตัวเลือก ครูเล่นเพลงบนเมทัลโลโฟน
บทที่ 2ครูบรรเลงทำนองโดยไม่ต้องเล่นเปียโน เด็กๆ ตบมือตามจังหวะของท่วงทำนอง จากนั้นเรียนรู้ปาร์ตี้ของสามเหลี่ยม บางคนทำรูปแบบเป็นจังหวะบนสามเหลี่ยม คนอื่นปรบมือ แล้วการกระทำของเด็กก็เปลี่ยนไป ก่อนที่จะเรียนรู้ส่วนของเมทัลโลโฟน ครูจะทำทำนองด้วยตัวเองก่อน จากนั้นจึงเรียนเป็นท่อนๆ
บทที่ 3การเรียนรู้ชิ้นส่วนโลหะยังคงดำเนินต่อไป เด็กทำการแสดงส่วนแรกของชิ้น (ที่ 1 และ 2 สี่แท่ง) และทำการให้คะแนนทั้งหมด เมื่อทำซ้ำแล้วจะติดรูปสามเหลี่ยมไว้กับโลหะ
บทที่ 4แต่ละส่วนจะดำเนินการแยกกันโดยไม่ต้องประกอบและประกอบ จากนั้นจะเล่นคะแนนทั้งหมด เด็กๆ ให้ความสนใจกับการแสดงรูปแบบจังหวะที่ชัดเจน
บทที่ 5แต่ละส่วนจะดำเนินการแยกกันพร้อมกับเสียงประกอบ จากนั้นจึงทำคะแนนทั้งหมด เด็กๆ ให้ความสนใจกับการแสดง เมื่อทำซ้ำแล้ว เด็กๆ ก็สามารถเปลี่ยนเครื่องดนตรีได้

วงออร์เคสตราของเรา
คำโดย Y. Ostrovsky เพลงโดย E. Tilicheeva

[สบายๆ. เคร่งขรึม]

กระรอก (ข้อความที่ตัดตอนมา)
จากละคร "The Tale of Tsar Saltan"
ดนตรีโดย N. Rimsky-Korsakov
[ปานกลาง]

การเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีไม่ได้จำกัดอยู่แค่การเรียนรู้ละครเท่านั้น สิ่งสำคัญคือกิจกรรมเหล่านี้มีความคิดสร้างสรรค์
แบบฝึกหัดที่เสนอให้ทำซ้ำ (ด้วยหู) ท่วงทำนองที่คุ้นเคยเล่นจังหวะที่เสียงที่มีความสูงต่างกัน (เปลี่ยนเสียง) ค้นหาเทคนิคใหม่สำหรับการเล่นเครื่องดนตรีแน่นอนพัฒนาความเป็นอิสระและการเป็นตัวแทนการได้ยินในเด็ก แต่สิ่งสำคัญคือต้องสร้างข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการแสดงออกที่สร้างสรรค์ของเด็ก ๆ เพื่อให้โอกาสในการเลือกเครื่องดนตรีสำหรับการแสดงชิ้นใดชิ้นหนึ่งเพื่อกระตุ้นให้พวกเขาด้นสด

เทคนิคการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรี

ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของเด็กเริ่มต้นด้วย "การทดสอบ" ความสามารถด้านเสียงของเครื่องดนตรี สิ่งนี้มีค่ามาก แต่เด็กๆ มักจะทำอะไรไม่ถูกในการค้นหา ครูชี้นำการค้นหาเหล่านี้โดยเสนอให้เด็ก ๆ เล่นว่านกกาเหว่า นกร้อง ฝนตก ฟ้าร้องลั่น ฯลฯ แต่คุณยังสามารถใช้วิธีสร้างสรรค์ที่น่าสนใจร่วมกันบนโลหะ ระนาด หากคุณติดโน้ต Fและ ซิ(ขั้นตอน IV และ VII) หรือเอาแผ่นเสียงเหล่านี้ออกเพื่อไม่ให้เด็กเล่นจากนั้นก็สามารถด้นสดทุกอย่างได้พร้อมกัน เด็กเล่นห้าเสียง (do, re, mi, เกลือ, ลา).ได้ชุดค่าผสมฮาร์มอนิกที่น่าสนใจมาก เปลี่ยนแปลงอย่างต่อเนื่องและไม่คาดคิด แต่ไพเราะมากเสมอ ในเวลาเดียวกัน เด็ก ๆ สามารถเล่นได้ทุกจังหวะ แต่บางครั้งพวกเขาก็ได้รับจังหวะที่กำหนด เช่น หนึ่งในสี่และสองในแปด ความสำคัญของเทคนิคนี้ไม่ได้อยู่ที่การพัฒนาการได้ยินแบบฮาร์มอนิกเท่านั้น เด็ก ๆ เริ่มด้นสดเพื่อพยายามสร้าง "องค์ประกอบของตัวเอง" เป็นครั้งแรก
ควรเน้นว่าวิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีในโรงเรียนอนุบาลควรมีระเบียบและสอดคล้องกันมากกว่าในทางปฏิบัติ ความสำเร็จของการเรียนรู้นี้ขึ้นอยู่กับความสม่ำเสมอของกิจกรรมดนตรีทุกรูปแบบของเด็ก ในห้องเรียนพวกเขาได้รับความรู้และทักษะจำนวนหนึ่งสะสมละคร
เด็ก ๆ เต็มใจใช้เพลงและชิ้นส่วนที่พวกเขาได้เรียนรู้ในเกมของพวกเขาเล่นในวันหยุดความบันเทิง เด็ก ๆ คุ้นเคยกับเครื่องดนตรีใหม่ ๆ การแสดงงานที่น่าสนใจในการเลือกเครื่องดนตรีสำหรับการแสดงบางเพลงความสามารถที่ได้รับ เพื่อประเมินประสิทธิภาพ (ด้วยหู) การแสดงด้นสด โอกาสในการมีส่วนร่วมในตระการตาต่างๆ ทั้งหมดนี้ทำให้เครื่องดนตรีน่าสนใจสำหรับเด็ก ๆ และมีคุณค่าสำหรับการพัฒนาดนตรีโดยรวม
การดูแลพัฒนาการของการแสดงออกที่สร้างสรรค์ของเด็ก ๆ ครูเสนองานที่หลากหลายเช่นเพื่อประเมินการแสดงท่วงทำนองที่คุ้นเคยหรือด้นสดโดยเพื่อนหรือการแสดงของตัวเองในเครื่องดนตรี เลือกจากเครื่องดนตรีที่เสนอซึ่งคุณสามารถพรรณนาการร้องเพลงของนกเสียงกรอบแกรบของใบไม้เสียงหอนของลม ฯลฯ ; การเลือกเครื่องดนตรีที่เหมาะสมกับเสียงต่ำที่เล่นเพลงใดเพลงหนึ่งได้ ถ่ายทอดจังหวะของการเดินขบวนโดยเด็กเองบนกลองหรือแทมบูรีน พยายามแต่งเพลงเต้นรำ ฯลฯ
บทบาทของผู้กำกับดนตรีและนักการศึกษาค่อนข้างชัดเจน พวกเขาไม่ควรเพียงเชี่ยวชาญในวิธีการสอนชั้นเรียนเท่านั้น แต่ยังสามารถเล่นเครื่องดนตรีสำหรับเด็กได้อย่างอิสระ รู้จักอุปกรณ์และเทคนิคในการเล่นด้วย
การเล่นเครื่องดนตรีเป็นกิจกรรมทางดนตรีที่น่าสนใจและมีประโยชน์สำหรับเด็ก ของเล่นและเครื่องดนตรีช่วยให้คุณตกแต่งชีวิตของเด็ก สร้างความบันเทิงให้กับเขา และกระตุ้นความปรารถนาในความคิดสร้างสรรค์ของเขาเอง ในกระบวนการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรี การแสดงเสียง จังหวะ เสียงต่ำ และไดนามิกจะเกิดขึ้นอย่างดี ในการกระทำของเด็กพัฒนาความเป็นอิสระความสนใจและองค์กร
วิธีการที่ซับซ้อนทั้งหมดในการแนะนำเด็ก ๆ ให้รู้จักกับความบันเทิงและการแสดงดนตรีที่ซับซ้อนช่วยเตรียมพวกเขาให้พร้อมสำหรับชั้นเรียนในอนาคตที่โรงเรียน

คำถามและงาน

1. ของเล่นและเครื่องดนตรีมีความสำคัญต่อชีวิตเด็กก่อนวัยเรียนอย่างไร?
2. อธิบายประเภทของเครื่องดนตรีสำหรับเด็ก
3. บอกเราเกี่ยวกับคุณสมบัติของของเล่นและเครื่องดนตรีสำหรับเด็ก
4. แนะนำให้เรียนเล่นดนตรีตอนอายุเท่าไหร่? ระบุวัตถุประสงค์การเรียนรู้
5. ละครเพลงอะไรเหมาะที่จะใช้ในการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรี
6. วิธีการสอนเด็กก่อนวัยเรียนให้เล่นเครื่องดนตรีสำหรับเด็กคืออะไร?
7. ในตัวอย่างของเพลงใด ๆ ให้ทำบทสรุปของชั้นเรียนที่ครูสอนให้เด็กเล่นเมทัลโลโฟน
8. ระบุรูปแบบการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีสำหรับเด็ก

9. เปิดเผยเทคนิคการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของเด็กในกระบวนการเชี่ยวชาญในการเล่นเครื่องดนตรี

วรรณกรรม

โปรแกรมมาตรฐานการศึกษาและฝึกอบรมในชั้นอนุบาล / อ. ร.ร. Kurbatova, N. N. Poddyakova - M. , 1984.
โปรแกรมการศึกษาและฝึกอบรมค. อนุบาล.—ม., 2530. การศึกษาและฝึกอบรมในชั้นอนุบาล / อ. A. V. Zaporozhets, T. A. Markova - M. , 1976.-S. 308-341.
เวตลูกิน่า เอ็น.เอ.ดนตรีศึกษาในชั้นอนุบาล—ม., 1981
เวตลูกิน่า เอ็น.เอ.ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและเกมในเด็กอายุ 5-7 ปี ความคิดสร้างสรรค์เพลงของเด็กอายุ 5-7 ปี // ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะในโรงเรียนอนุบาล - ม., 1974. - หน้า 107-120
Dzerzhinskaya I. .L.ดนตรีศึกษาของเด็กก่อนวัยเรียนที่อายุน้อยกว่า - ม., 2528
คาบาเลฟสกี้ ดี. ข.วิธีการสอนเด็กเกี่ยวกับดนตรี? - ม., 1982.
Kvitnitskaya E. N.พัฒนาการของหูดนตรีเป็นเงื่อนไขสำหรับการก่อตัวของความคิดสร้างสรรค์เพลง // ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะในโรงเรียนอนุบาล— M. , 1974.—S. 20-28.
ลูกาโนวา M. B.ความคิดสร้างสรรค์ของเด็ก ๆ ในการเต้นรำ // ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะในโรงเรียนอนุบาล - M. , 1974. - หน้า 29-32
ดนตรีและการเคลื่อนไหว / คอมพ์. S. I. Bekina, T. P. Lomova, E. N. Sokovnina - M. , 1981, 1983, 1984
สอนลูกร้องเพลง / คอมพ์. T. M. Orlova, S. I. Bekina - M. , 1986, 1987, 1988
การศึกษาสุนทรียศาสตร์ในชั้นอนุบาล / ศ. N. A. Vetlugina.—M. , 1985.

คอลเลกชันของละครเพลงและวรรณกรรม

เวตลูกิน่า เอ็น.เอ. orke เด็ก - M. , 1976
เวตลูกิน เอ็น. A. ไพรเมอร์ดนตรี - ม., 2515, 2528
ดนตรีในชั้นอนุบาล / คอมพ์ N. A. Vetlugina, I. L. Dzerzhinskaya, L. N. Komissarova - M. , 1985, 1986, 1987
ดนตรีในชั้นอนุบาล / คอมพ์ N. A. Vetlugina, I. L. Dzerzhinskaya, T. P. Lomova.— M. , 1975–1980.—Iss. 1-5; .1980-1981.-ฉบับ. 1-4.
ที่บังแดด / คอมพ์ M. A. Medvedeva - M. , 1984.

วิธีการศึกษาดนตรีในโรงเรียนอนุบาล: “Doshk. การศึกษา "/ N.A. เวตลูกิน อิลลินอยส์ Dzerzhinskaya, L.N. Komissarov และคนอื่น ๆ ; เอ็ด บน. เวตลูกิน่า - ครั้งที่ 3 รายได้ และเพิ่มเติม - M.: Enlightenment, 1989. - 270 p.: Notes.

วิธีการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน
เรียบเรียงโดย P. Govorushko
"ดนตรี", 2518

จากคอมไพเลอร์
ความสำเร็จอย่างมืออาชีพและศิลปะในการแสดงเครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซียเป็นที่รู้จักกันดี
เมื่อเร็ว ๆ นี้ ทักษะการแสดงของกลุ่มออเคสตรามืออาชีพเติบโตขึ้นอย่างมาก ซึ่งวงออร์เคสตราของเครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซียของ All-Union Radio and Television นำโดยศิลปินประชาชนของ RSFSR V. Fedoseev ได้บรรลุผลงานที่ยอดเยี่ยมโดยเฉพาะอย่างยิ่ง การมอบรางวัล Glinka State Prize ของ RSFSR ถึง V. Fedoseev เป็นหลักฐานที่ดีที่สุดของการยอมรับในระดับสากลเกี่ยวกับความสำเร็จที่โดดเด่นของกลุ่มนี้ ซึ่งไม่เพียงได้รับความนิยมในหมู่นักดนตรีมืออาชีพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ชมมือสมัครเล่นที่กว้างที่สุดด้วย

ทักษะการแสดงของนักเล่นหีบเพลงได้รับชื่อเสียงและชื่อเสียงในประเทศของเราและไกลเกินขอบเขต คว้าตำแหน่งกิตติมศักดิ์ในการแข่งขันระดับนานาชาติมาหลายปีติดต่อกัน และประสบความสำเร็จในการออกทัวร์ยุโรปและเอเชีย ออสเตรเลีย อเมริกา และแอฟริกา ทวีป.
นักแสดง balalaika ของโซเวียตได้รับความนิยมอย่างมาก โดยแสดงให้เห็นถึงความสามารถทางศิลปะและความสามารถที่ยอดเยี่ยมของเครื่องดนตรีนี้ กิจกรรมการแสดงของผู้ได้รับรางวัล State Prize ศิลปินประชาชนของ RSFSR P. Necheporenko ยกความสำคัญของ balalaika ไปสู่ระดับการศึกษาระดับมืออาชีพ
เครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซียอื่น ๆ ยังคงพัฒนาต่อไป ความเป็นไปได้ทางศิลปะของ domra ในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยวนั้นชัดเจนขึ้นเรื่อยๆ ศิลปินเดี่ยวหนุ่มที่น่าสนใจจำนวนหนึ่งปรากฏตัวขึ้น จุดเริ่มต้นของการฟื้นฟูและการพัฒนาอาชีพของบทเพลงสรรเสริญถูกวาง กิจกรรมที่ประสบความสำเร็จบนเวทีคอนเสิร์ตของผู้ได้รับรางวัล All-Russian Guslar Competition V. Tikhov ซึ่งสำเร็จการศึกษาจาก Leningrad Conservatory ได้สำเร็จทำให้เชื่อมั่นในคำสัญญาอันยิ่งใหญ่ของเครื่องมือนี้
ความสำเร็จทั้งหมดนี้เกิดจากการพัฒนาการศึกษาด้านดนตรี การพัฒนาการสอน การหลั่งไหลเข้ามาของพลังใหม่ๆ และบุคลากรรุ่นใหม่ที่มีความสามารถเข้าสู่การฝึกปฏิบัติด้านการแสดงและการสอน
อย่างไรก็ตาม ถึงวันนี้ โชคไม่ดีที่เรายังพูดไม่ได้ว่าการฝึกอบรมนักดนตรีรุ่นเยาว์ในวงกว้างในทุกระดับนั้นอยู่ในระดับศิลปะ การแสดง และระดับองค์กรที่เพียงพอแล้ว

เมื่อพิจารณาถึงโอกาสในการพัฒนาอาชีวศึกษา อันดับแรกเราไม่สามารถเปลี่ยนที่จุดกำเนิด ไปสู่สถานะการศึกษาในการแสดงมือสมัครเล่น ในโรงเรียนดนตรีและวิทยาลัย ความกังวลที่ร้ายแรงเกิดจากความสนใจของผู้รักดนตรีลดลงอย่างเห็นได้ชัดในชั้นเรียนในกลุ่มดนตรีสมัครเล่น ประสบการณ์ในด้านการแสดงมือสมัครเล่นทำให้เราสามารถสรุปได้ว่าวิธีการและรูปแบบองค์กรของกิจกรรมของกลุ่มออเคสตราที่พัฒนาขึ้นเมื่อหลายปีก่อนไม่สอดคล้องกับระดับการพัฒนาด้านสุนทรียะที่เพิ่มขึ้นของคนรักดนตรีในวงกว้างอีกต่อไป ความต้องการทางศิลปะของพวกเขา

ย้อนกลับไปในปี 1950 กลุ่มดนตรีสมัครเล่นเกือบจะเป็นช่องทางเดียวสำหรับการศึกษาดนตรีระดับประถมศึกษา ในปีต่อๆ มา เมื่อเครือข่ายโรงเรียนสอนดนตรีสำหรับเด็กและโรงเรียนสอนดนตรีภาคค่ำเริ่มมีการพัฒนาอย่างเข้มข้น กลุ่มมือสมัครเล่นก็เริ่มมอบหน้าที่ให้กับสถาบันดนตรีมืออาชีพ ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ เห็นได้ชัดว่ากลุ่มศิลปะสมัครเล่นต้องปรับทิศทางตัวเองใหม่เพื่อดึงดูดนักแสดงที่มีคุณสมบัติเหมาะสมมาสู่สิ่งแวดล้อมของตนในระดับหนึ่ง และสำหรับสิ่งนี้ แน่นอนว่าจำเป็นต้องส่งเสริมความสำเร็จทางศิลปะของพวกเขาอย่างแข็งขัน เพิ่มรากฐานทางอาชีพในการแสดง พัฒนาและปรับปรุงทักษะการแสดงของสมาชิกวงออร์เคสตราแต่ละคน
สิ่งสำคัญอย่างยิ่งสำหรับเราคือสภาพการแสดงสมัครเล่นของเด็กในบ้านแห่งวัฒนธรรม บ้านและวังของผู้บุกเบิก คลับ และแวดวงต่างๆ ระดับของงานนี้กำหนดอนาคตของการปฏิบัติงานอย่างมืออาชีพและส่งผลโดยตรงต่ออนาคตของงานนี้
ความสำเร็จของสถาบันเด็กนอกโรงเรียนในการศึกษาสุนทรียศาสตร์ของคนรุ่นใหม่เป็นที่รู้จักกันดี แต่ยังมีปัญหาร้ายแรงที่ไม่ได้รับการแก้ไขในงานนี้ด้วย โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ระดับการสอนทั่วไปที่น่าพอใจไม่เพียงพอและการไม่มีงานจริงจังใดๆ เพื่อปรับปรุงคุณสมบัติของครูและผู้นำกลุ่มดนตรีสำหรับเด็กเป็นเหตุให้เกิดความกังวล

เป็นลักษณะที่จากเงินที่ได้รับจากนักเรียนสถาบันของสโมสรตามกฎแล้วจะไม่ให้ค่าใช้จ่ายใด ๆ ในการให้ความช่วยเหลือตามระเบียบวิธีแก่ครูของพวกเขาและในทางปฏิบัติไม่ได้แสดงความกังวลใด ๆ เกี่ยวกับเรื่องนี้ สถานการณ์เลวร้ายลงโดยข้อเท็จจริงที่ว่าเหตุการณ์เกี่ยวกับระเบียบวิธีซึ่งจัดขึ้นเป็นระยะๆ ในองค์กรแม่ - วังของผู้บุกเบิกและบ้านศิลปะสมัครเล่น - ตั้งอยู่บนหลักการด้วยความสมัครใจล้วนๆ และครูที่มีคุณสมบัติไม่ดีไม่เข้าร่วม
การแสดงดนตรีสมัครเล่นของเด็กในวงกว้างนั้นเกินความสามารถของนักเรียนในโรงเรียนดนตรีอย่างมีนัยสำคัญและดึงดูดเด็กที่มีพรสวรรค์อย่างมากจำนวนมาก ระดับการทำงานกับส่วนที่ดีที่สุดของการแสดงมือสมัครเล่นทำให้เกิดความกังวลอย่างยิ่งเนื่องจากโครงสร้างองค์กรในพื้นที่นี้ไม่ได้ให้เงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการพัฒนานักดนตรีรุ่นเยาว์ตามปกติ แม้แต่ในกรณีที่เด็กที่มีพรสวรรค์ศึกษาภายใต้การแนะนำของครูที่มีความสามารถและมีประสบการณ์ ผลลัพธ์ก็มักจะต่ำกว่าที่เป็นไปได้อย่างมาก เหตุผลของเรื่องนี้ไม่ได้เป็นเพียงครึ่งเดียวของระยะเวลาของบทเรียนในสาขาวิชาเฉพาะเมื่อเปรียบเทียบกับโรงเรียนดนตรี แต่ยังขาดสาขาวิชาเช่น solfeggio และวรรณกรรมดนตรีอีกด้วย ในสถานการณ์เช่นนี้ แม้แต่นักดนตรีรุ่นเยาว์ที่มีแนวโน้มมากที่สุดก็ยังไม่พร้อมที่จะเข้าเรียนในโรงเรียนดนตรีและเสียโอกาสที่จะได้รับการศึกษาอย่างมืออาชีพ

ปัญหาด้านองค์กรและระเบียบวิธีปฏิบัติที่ร้ายแรงกำลังเผชิญกับโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กในปัจจุบัน กิจกรรมของพวกเขาในปัจจุบันถูกกำหนดโดยงานของการศึกษาดนตรีทั่วไปและการฝึกอบรมวิชาชีพเบื้องต้นที่มั่นคงของเด็กที่มีพรสวรรค์โดยเฉพาะที่มีแนวโน้มว่าจะศึกษาต่อในโรงเรียนดนตรี โรงเรียนดนตรีสมัยใหม่ยังคงจัดการกับงานเหล่านี้ในด้านการแสดงเครื่องดนตรีพื้นบ้านไม่เพียงพอ สำหรับการทำดนตรีสมัครเล่น นักเรียนไม่ได้รับทักษะที่จำเป็นในการอ่านจากแผ่นงาน การเล่นด้วยหู และความสามารถในการติดตาม ตามหลักวิชาชีพแล้ว นักเรียนขาดอิสระทางเทคนิค ความหมาย และการแสดงออกของการปฏิบัติงาน
การเรียนที่โรงเรียนดนตรีที่สั้นลง (เมื่อเทียบกับนักเปียโนและนักไวโอลิน) ส่งผลเสียต่อการเตรียมนักเรียน ควรลงทะเบียนเด็ก ๆ ในแผนกเครื่องดนตรีพื้นบ้านเมื่ออายุแปดขวบและเริ่มชั้นเรียนพิเศษหลังจากการฝึกดนตรีทั่วไปเบื้องต้นตราบใดที่การพัฒนาทางกายภาพของนักเรียนเพียงพอ มาตรการเหล่านี้จะนำไปสู่การขจัดช่องว่างในการฝึกดนตรีและทฤษฎี ซึ่งในตอนท้ายของโรงเรียนดนตรี ด้านหนึ่งเกิดขึ้นระหว่างนักเปียโนและนักไวโอลิน และนักเรียนเครื่องดนตรีประเภทลมพื้นบ้านและวงดนตรี . ความล้าหลังของยุคหลังกลับกลายเป็นว่ามีความสำคัญมากจนในสถาบันการศึกษาดนตรีระดับมัธยมศึกษาและสูงกว่านั้น การศึกษาสาขาวิชาทฤษฎีได้ดำเนินการไปแล้วตามโปรแกรมแสง ซึ่งสร้างความรู้สึกผิดว่ามีการพัฒนาอย่างจำกัดอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ นักแสดงเกี่ยวกับเครื่องดนตรีพื้นบ้านและลม

ปัญหาการคัดเลือกนักศึกษาและวิธีการสอบเข้าก็เป็นเรื่องเร่งด่วนเช่นกัน เป็นลักษณะเฉพาะที่ตอนนี้ไม่เพียง แต่เด็กที่มีพรสวรรค์ที่เฉียบแหลมที่สุดเท่านั้นที่จะเข้าสู่โรงเรียนดนตรี แต่ผู้ที่ได้ยินโดยไม่ได้ตั้งใจและมีความสนใจในเครื่องดนตรีใด ๆ หรือที่แย่กว่านั้นคือผู้ที่ถูกส่งไปศึกษาโดยพ่อแม่ของพวกเขาซึ่งตรงกันข้ามกับความปรารถนาของพวกเขา การขาดการเชื่อมต่อในระดับประถมศึกษากับโรงเรียนการศึกษาทั่วไปและโรงเรียนอนุบาล การรอคอยอย่างเฉยเมย แทนการค้นหาผู้มีความสามารถอย่างแข็งขัน ทำให้โรงเรียนดนตรีของพรสวรรค์ที่สดใสจำนวนมากขาดหายไป
ไม่มีการสูญเสียเล็กน้อยในหมู่ผู้ที่ยังคงมาสอบที่โรงเรียนดนตรี: เนื่องจากระบบดั้งเดิมของการตรวจสอบข้อมูลดนตรีและความเร่งรีบในการดำเนินการ แต่มีความเป็นไปได้ค่อนข้างมากที่จะกำจัดหรืออย่างน้อยลดจำนวนข้อผิดพลาดในระหว่างการรับเข้าเรียน ตัวอย่างเช่น การจัดชั้นเรียนกับผู้สมัครในช่วงเดือนสุดท้ายที่ไม่ใช่ภาควิชาการ ซึ่งออกแบบมาเป็นพิเศษสำหรับการทำงานตามระเบียบของครูโรงเรียนดนตรีเด็ก
กลุ่มครูและหัวหน้าโรงเรียนดนตรีกลายเป็นผู้สังเกตการณ์ที่ไม่โต้ตอบในเรื่องการวางแนวพิเศษของผู้สมัครในการควบคุมการรับเข้าเรียน การเลือกเครื่องดนตรีอย่างใดอย่างหนึ่งมักจะขึ้นอยู่กับความคิดแบบสุ่มที่ได้รับอิทธิพลจากแฟชั่นของผู้สมัคร โดยไม่คำนึงถึงความสามารถและลักษณะเฉพาะของเครื่องดนตรี เป็นผลให้มีการก่อตัวของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้น "เหมือนไหล" - เด็กส่วนใหญ่ศึกษาเปียโนและหีบเพลง
การไหลเข้าชั้นเรียนเปียโนเป็นไปได้มากที่สุดเนื่องจากความไม่รู้ของผู้ปกครองที่ไม่ได้คิดว่าการเรียนรู้ที่ประสบความสำเร็จเกี่ยวกับเครื่องมือนี้เป็นไปได้เฉพาะกับความสามารถที่โดดเด่นเท่านั้น ต้องทำงานหนักอย่างเป็นระบบและยาวนาน มีเพียงไม่กี่คนที่รู้ว่าเปียโนในแง่ของการทำดนตรีที่บ้านนั้นไม่สามารถเข้าถึงได้เหมือนกับเครื่องดนตรีอื่นๆ

ในปัจจุบันรูปลักษณ์ที่น่าดึงดูดและคุณภาพเสียงของหีบเพลงเป็นที่สนใจของผู้ปกครองที่ไม่ได้ฝึกหัด เด็กที่มีพรสวรรค์และมีแนวโน้มอย่างมืออาชีพครอบครองสถานที่สำคัญในกระแสของนักเล่นหีบเพลงที่เข้ามาในโรงเรียนดนตรีซึ่งความสามารถในการแสดงที่ จำกัด ของหีบเพลงนั้นกลายเป็นอุปสรรคต่อเส้นทางสู่ศิลปะระดับมืออาชีพ
งานสมัยใหม่ที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งคือการพัฒนาความคิดริเริ่มและความสนใจของครูโรงเรียนดนตรีในการดึงดูดนักเรียนให้เล่นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน การสร้างชั้นเรียนเหล่านี้ในโรงเรียนดนตรีทุกแห่งไม่เพียงแต่เป็นอาชีพเท่านั้น แต่ยังเป็นหน้าที่ของครูด้วยความรักชาติและพลเมือง
ในบรรดาปัญหามากมายที่กล่าวถึงและไม่ได้กล่าวถึงในที่นี้ ปัญหาเร่งด่วนที่สุดคือปัญหาการศึกษาของนักการศึกษา การฝึกอบรมครูโรงเรียนดนตรีขั้นสูง
ดังที่คุณทราบ ที่นี้เองที่ผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนที่อายุน้อยและไม่มีประสบการณ์เริ่มต้นเส้นทางการสอนของพวกเขา ส่วนหนึ่งของพวกเขาซึ่งอาจน้อยกว่านั้นเข้าสู่แผนกจดหมายโต้ตอบของมหาวิทยาลัยและดำเนินการศึกษาต่อ อีกส่วนหนึ่ง ส่วนใหญ่ พอใจกับความรู้ที่ได้รับจากโรงเรียนดนตรี เป็นเวลา 5-6 ปี ในขณะที่ผู้เชี่ยวชาญรุ่นเยาว์ได้รับประสบการณ์การสอนระดับประถมศึกษา พวกเขาพบว่าตนเองแทบไม่ได้รับการสนับสนุนและความช่วยเหลือ
ระบบงานระเบียบวิธีที่มีอยู่นั้นมักจะสุ่มในลักษณะผิวเผิน และไม่ครอบคลุมถึงครูที่ต้องการความช่วยเหลือมากที่สุด "ประสบการณ์" แลกเปลี่ยนกันโดยครูผู้ไม่มีประสบการณ์ซึ่งมักจะตัดสินที่ยังไม่บรรลุนิติภาวะและผิดพลาดไปที่พลับพลาผู้เชี่ยวชาญที่มีความสามารถและมีอำนาจมากที่สุดมักถูกดึงดูดเล็กน้อย

เพื่อปรับปรุงการศึกษาต่อไป จำเป็นต้องเพิ่มความรับผิดชอบของครูโรงเรียนดนตรีด้วย ในเรื่องนี้ ขอแนะนำให้ทำการสอบและคอนเสิร์ตเพื่อการศึกษา ไม่ใช่ตามหลักสูตร แต่จัดตามชั้นเรียน เมื่อนักเรียนทุกคนของครูคนหนึ่งหรืออีกคนหนึ่งถูกนำเสนอเพื่อคัดตัว ที่นี่ข้อดีหรือข้อเสียของวิธีการนั้นเด่นชัดกว่าและการคำนวณผิดของครูทำให้มองเห็นคุณภาพการศึกษาได้ดีขึ้นและด้วยเหตุนี้ความรับผิดชอบในการปฏิบัติงานของทั้งนักเรียนและครูจึงสูงขึ้น
วิธีที่ดีกว่าในการปรับปรุงประสิทธิภาพการทำงานอาจเป็นการรับรองทางสังคมและวิชาชีพของครู ซึ่งหลังจากช่วงระยะเวลาหนึ่ง ครูไม่เพียงแต่แสดงระดับการเตรียมตัวในชั้นเรียนของเขาเท่านั้น แต่ยังรายงานเกี่ยวกับระเบียบวิธีปฏิบัติและกิจกรรมทางสังคมของเขาด้วย
สถานะของกิจการสามารถปรับปรุงได้ด้วยการอุปถัมภ์ของโรงเรียนโดยหนึ่งในครูผู้มีอำนาจของโรงเรียนซึ่งจะเข้าร่วมบทเรียนเป็นระยะ ๆ ให้ความช่วยเหลือด้านระเบียบวิธีแก่ครูรุ่นเยาว์เข้าร่วมการอภิปรายการสอบ คอนเสิร์ตฝึกอบรม ฯลฯ งานนี้ควรได้รับการจัดการโดยทีมของภาควิชาของโรงเรียนดนตรีเครื่องดนตรีพื้นบ้านซึ่งสนใจโดยตรงในการปรับปรุงคุณภาพโดยบังเอิญ อย่างที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าเกือบทั้งหมดเป็นค่าใช้จ่ายของผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนดนตรีเด็ก
ความประทับใจจากผู้ที่เข้าสู่ Leningrad Conservatory การสังเกตระยะยาวของการพัฒนานักดนตรีรุ่นเยาว์บ่งชี้ว่ามีข้อบกพร่องที่สำคัญในการฝึกอบรมเกี่ยวกับเครื่องดนตรีพิเศษ ในการฝึกอบรมทฤษฎีดนตรีและในการพัฒนาทั่วไปของนักเรียนในโรงเรียนดนตรีหลายแห่งไม่เพียงแต่ใน สหพันธรัฐรัสเซีย แต่ยังอยู่ในสาธารณรัฐอื่น ๆ

ในด้านเทคโนโลยีการผลิตเสียง คนส่วนใหญ่ที่เข้ามาในเรือนกระจกนั้นมีการแสดงท่าทางที่โกลาหล ซึ่งบางครั้งก็ไม่มีความเป็นระเบียบเรียบร้อยในการเคลื่อนไหวของเกม นักเรียนและนักเรียนจำนวนมากเกินไปในเรื่องนี้ถูกทิ้งให้อยู่ในอุปกรณ์ของตนเองและไม่สนใจตำแหน่งของนิ้วมือและมือใด ๆ กับ "ท่าทางการแสดง" ของพวกเขาในแต่ละสถานการณ์การใช้นิ้วใหม่อย่าควบคุมธรรมชาติของการเคลื่อนไหวและ สถานะของอุปกรณ์กล้ามเนื้อ ดังนั้นการพัฒนาทางเทคนิคที่จำกัด ความแข็ง ความตึงเครียดของอุปกรณ์บริหาร นอกจากนี้ยังสามารถกล่าวอ้างที่จริงจังเกี่ยวกับการพัฒนาทักษะการเปล่งเสียง ความหมาย และภาพการแสดง
ในกระบวนการศึกษาในมหาวิทยาลัย ตัวอย่างเช่น การขาดวัฒนธรรมการสโตรกที่เหมาะสมมักถูกเปิดเผย: หูของนักแสดงไม่ได้เตรียมพร้อมที่จะให้เสียงที่เหมือนกันภายในเทคนิคเดียว - legato, non legato, สแตคคาโต้ ผู้สมัครหลายคนไม่ค่อยสนใจในเรื่องของรูปแบบของงานดนตรี ไม่รู้สึกถึงความแตกแยกตามธรรมชาติของโครงสร้าง ไม่มีทักษะเพียงพอในการออกเสียงและลักษณะทั่วไปที่มีความสามารถ บ่อยครั้ง การพัฒนาในขั้นต้นของการเป็นตัวแทนในเชิงเปรียบเทียบของนักแสดง การครอบครองทักษะที่จำกัดในการถ่ายทอดลักษณะเฉพาะและคุณลักษณะโวหารของงานได้อย่างน่าเชื่อถือ ซึ่งนำไปสู่ความซ้ำซากจำเจของเสียง ต้องแปลกใจเมื่อในงานที่ได้เรียนรู้และทำไปแล้วในการสอบปลายภาคที่โรงเรียนนักแสดงไม่สามารถระบุจุดสุดยอดหลักหรือจุดสุดยอดได้อย่างแน่นอนและไม่ได้จินตนาการถึงลักษณะและลักษณะเฉพาะของการเล่น .

ทว่าความกังวลที่ใหญ่ที่สุด ทำให้เกิดมุมมองที่จำกัดมากสำหรับผู้สมัครจำนวนมาก การพัฒนาทั่วไปที่ไม่ดี บางครั้งขาดข้อมูลวัฒนธรรมทั่วไปขั้นต่ำที่จำเป็นสำหรับผู้เชี่ยวชาญที่มีการศึกษาระดับมัธยมศึกษา ที่ colloquiums ระหว่างการสอบเข้าปรากฎว่าส่วนสำคัญของนักเรียนของโรงเรียนไม่ได้แสดงความสนใจเนื่องจากชีวิตคอนเสิร์ตในเมืองของพวกเขาไม่เข้าร่วมคอนเสิร์ตและการแสดงฟังเพลงน้อยไม่อ่านนิยาย . เห็นได้ชัดว่าถึงเวลาแล้วที่ครูเฉพาะทางจำเป็นต้องเข้าใจขอบเขตความรับผิดชอบของเขาอย่างเต็มที่ ไม่เพียงแต่สำหรับคุณภาพของการฝึกอาชีพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการศึกษาของนักเรียนด้วย การสร้างขอบเขตอันไกลโพ้นและความเชื่อมั่นในอุดมคติของเขาด้วย
นี่คือสถานการณ์จริงในระดับประถมศึกษาและมัธยมศึกษาด้านดนตรีซึ่งไม่เพียงส่งผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อการก่อตัวของนักศึกษามหาวิทยาลัยเท่านั้น แต่ยังกำหนดระดับคุณภาพในปัจจุบันด้วย
ในเรื่องนี้มหาวิทยาลัยต้องเผชิญกับงานที่ซับซ้อนและมีความรับผิดชอบในการฝึกอบรมผู้เชี่ยวชาญที่มีคุณสมบัติสูงอย่างแท้จริงซึ่งตรงตามข้อกำหนดที่ทันสมัย
ความพยายามที่จะดึงความสนใจของวงการสอนนักเรียนและนักเรียนของสถาบันอุดมศึกษาไปสู่ปัญหาของการพัฒนาความเป็นมืออาชีพสูงในการแสดงเพื่อให้ความรู้แก่นักดนตรีที่มีการศึกษาอย่างลึกซึ้งเป็นบทความที่เสนอโดยกรมเครื่องดนตรีพื้นบ้านของเลนินกราด เรือนกระจก.

ในโครงสร้างของคอลเล็กชันสามารถแยกแยะได้สามทิศทาง - บทความที่เกี่ยวข้องกับวิธีการสอน domra, balalaika และ button accordion (“ คุณสมบัติเฉพาะของการสกัดเสียงบน domra” โดยรองศาสตราจารย์ Shitenkov I. I. (“ การกำหนด Balalaika Strokes” โดย รองศาสตราจารย์ Shalov A. B. และ "Methodological Foundations การพัฒนาทักษะการแสดงของ Bayanist" ของผู้เขียนบรรทัดเหล่านี้) อุทิศให้กับปัญหาเฉพาะของประสิทธิภาพการทำงาน ("คุณลักษณะบางอย่างของการตีความผลงานของ J. S. Bach บนปุ่มหีบเพลง" โดย อาจารย์ของโรงเรียนดนตรีที่ Leningrad Conservatory Igonin V. A. และ "เกี่ยวกับคุณสมบัติของการแสดงผลงานโดย A. Repnikov" อาจารย์อาวุโส Matyushkov D. A. ) และบทความที่มุ่งแก้ปัญหาการศึกษาในวงกว้างของนักแสดงเกี่ยวกับเครื่องดนตรีพื้นบ้าน (“The เรื่องของเครื่องมือในกระบวนการฝึกอบรมนักแสดงมืออาชีพ” โดยหัวหน้าภาควิชาเครื่องดนตรีพื้นบ้านของสาขา Petrozavodsk ของ Leningrad Conservatory Borisov S. V. และ "คลาสออร์เคสตราเป็นวิธีการศึกษานักดนตรีการแสดง peda gog, ผู้ควบคุมวง ", ครูอาวุโส Preobrazhensky G. N. )

ค. โบริซอฟ. เรื่องของเครื่องมือวัดในกระบวนการฝึกอาชีพนักแสดง

ดาวน์โหลดคู่มือ

สมาคมเด็กวงดนตรีทองเหลือง. G. Chertoka

วงดนตรีทรัมเป็ต

"โอเวอร์โทน"

เปิดแผนการสอน

อาจารย์ Doshlov Mikhail Rudolfovich

(กลุ่มที่ 3 เรียน 4 ปี)

เรื่อง: ทำงานเกี่ยวกับละคร

เป้า:ทำงานกับข้อความดนตรี จังหวะ และไดนามิก

งาน:

ฉัน.งานการศึกษา:

1. ศึกษารูปแบบและลักษณะของงาน
2. ศึกษาการใช้ถ้อยคำในการทำงานการหายใจเป็นวลี
3. การใช้เสียงบริสุทธิ์ในวง
4. สำรวจจังหวะและเฉดสีแบบไดนามิกของเพลง

II. งานพัฒนา:

1. เพื่อส่งเสริมการพัฒนาของความสนใจทางปัญญาในเรื่อง
2. เรียนรู้ที่จะวิเคราะห์ เปรียบเทียบ อธิบายแนวคิด
3. ส่งเสริมพัฒนาการด้านความจำ
4. ช่วยพัฒนาความเป็นอิสระ

สาม. งานการศึกษา:

1. เพื่อปลูกฝังให้นักเรียนเคารพผู้ใหญ่ ครู และเพื่อนฝูง

2. เสริมสร้างลักษณะบุคลิกภาพเช่น: ความพากเพียร, ความขยันหมั่นเพียร, วินัยในตนเอง.

อุปกรณ์ระเบียบวิธีของบทเรียน:

• คลาสออร์เคสตรา;
• เครื่องดนตรี,
• วัสดุดนตรี
• กระดานไม้เท้า
• ส้อมเสียงจูนเนอร์

วิธีการสอน:

ทางวาจา เชิงปฏิบัติ ภาพประกอบ สถานการณ์ปัญหา

ประเภทบทเรียน:การประยุกต์ใช้ความรู้และทักษะที่ซับซ้อน

ความคืบหน้าของบทเรียน:

1. ช่วงเวลาขององค์กร:

ทักทาย;

ตรวจสอบความพร้อมของนักเรียนสำหรับบทเรียน

การสื่อสารแผนการสอนกับนักเรียน

2. การเรียนรู้เนื้อหาใหม่:

ความลงตัวในดนตรี

3. การรวมวัสดุที่ครอบคลุม:

ความสามารถในการเปล่งเสียงเป็นส่วนหนึ่งของวงดนตรี

ความสามารถในการเล่นตามจังหวะที่กำหนด

ความสามารถในการแสดงจังหวะและไดนามิกในการทำงาน

4. การปฏิบัติจริง

เริ่มเสียงพร้อมกัน

หายใจทีละวลี

การพัฒนาเฉดสีแบบไดนามิกในวิทยาศาสตร์เสียง

1. ทำงานเกี่ยวกับระบบดนตรี

การสร้างคอร์ด

แนวคิดเรื่องความสอดคล้องและไม่สอดคล้องกัน

ได้เสียงสูงต่ำที่ถูกต้องเมื่อทำการแสดงดนตรี

เปลี่ยนความตึงเครียดของริมฝีปากและลมหายใจซึ่งบางส่วนยกและลดเสียง

1. ฟิซกุลทมินูทก้า.

1. แต่งเพลง : O. Langle "Duet" part 1

ข้อความแนะนำตัวของครูเกี่ยวกับเพลง

บทวิเคราะห์เกม

การวิเคราะห์รูปแบบจังหวะ

ความสอดคล้องของประสิทธิภาพ (ทั้งมวล)

ผลงานร่วมกัน

แปด . สรุปบทเรียน:

ข้อความจากครูเกี่ยวกับความสำเร็จของวัตถุประสงค์ของบทเรียน

การประเมินผลตามวัตถุประสงค์ของผลงานโดยรวมและของนักเรียนแต่ละคน

9. การบรรยายสรุปเกี่ยวกับการบ้าน

วรรณกรรมเพื่อเตรียมบทเรียน:

• "โรงเรียนสอนเล่นวงดนตรีทองเหลือง". เรียบเรียงโดย: N.M.Mikhailov, E.S.Aksenov, V.M.Khalilov, S.A.Surovtsev, D.A. บราสลาฟสกี้
• B. Dikov "ในการทำงานกับตาชั่ง" วิธีการสอนการเล่นเครื่องลม ดนตรี พ.ศ. 2509
• V. Popov“ ลม เกี่ยวกับน้ำเสียง (และไม่เพียงเท่านั้น) ในวงออเคสตรา
• Dikov B. วิธีการสอนการเล่นเครื่องดนตรีประเภทลม ม.: ดนตรี, 1973
• เครื่องดนตรีของ Levin S. Wind ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรี L.: ดนตรี, 1973
• Usov Yu ประวัติการแสดงในประเทศเกี่ยวกับเครื่องมือลม ม.: ดนตรี, 2529

บทนำ

วิธีการสอนเล่นเครื่องลมเป็นส่วนสำคัญของวิทยาศาสตร์การสอนดนตรี ซึ่งพิจารณารูปแบบทั่วไปของกระบวนการเรียนรู้เกี่ยวกับเครื่องมือลมต่างๆ วิทยาศาสตร์การสอนของรัสเซียในด้านการแสดงเกี่ยวกับเครื่องมือลมมีอายุไม่เกิน 80 ปี เธอไปถึงพรมแดนใหม่ด้วยการสมมติและพัฒนาสิ่งที่ดีที่สุดซึ่งเป็นลักษณะของโรงเรียนสอนเล่นเครื่องดนตรีลมของรัสเซีย ความสำเร็จของเธอไม่เพียงเป็นที่รู้จักในประเทศของเราเท่านั้น แต่ยังเป็นที่รู้จักในต่างประเทศด้วย

นักแต่งเพลง Gedicke เขียนว่า: เทคนิคการเล่นเครื่องลมนั้นก้าวหน้าไปมากจนถ้านักเป่าที่เก่งที่สุดโดยเฉพาะเครื่องทองเหลืองที่มีชีวิตอยู่เมื่อ 50-70 ปีที่แล้วได้ยินเครื่องเล่นลมของเรา พวกเขาจะไม่เชื่อหูตัวเองและจะบอกว่าเป็นไปไม่ได้

ควรตระหนักว่าทฤษฎีวิธีการสอนเกี่ยวกับเครื่องมือลมซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของวิทยาศาสตร์การสอนด้วยวิธีอื่นๆ เป็นทฤษฎีที่อายุน้อยที่สุด เครื่องม้วนไม้แต่ละรุ่นมีส่วนช่วยในเทคนิคนี้ วิธีการสอนเกี่ยวกับเครื่องมือใด ๆ เป็นส่วนหนึ่งของการสอน

คำ ระเบียบวิธีต้นกำเนิดกรีกแปลเป็นภาษารัสเซีย - ทางไปสู่บางสิ่งบางอย่าง. เทคนิคคือชุดของวิธีการ เช่น วิธีการทำงานใดๆ (การวิจัยการศึกษา). ในความหมายที่แคบ วิธีการคือวิธีการสอนเรื่องใดเรื่องหนึ่งโดยอิงจากการวิเคราะห์และลักษณะทั่วไปของครู นักดนตรี และนักแสดงที่ดีที่สุด

ระเบียบวิธีศึกษารูปแบบและเทคนิคการเรียนรู้ส่วนบุคคล เทคนิคนี้มีส่วนช่วยในการศึกษาวัฒนธรรมดนตรีทั่วไป ขยายขอบเขตอันไกลโพ้นของนักแสดง เทคนิคนี้ใกล้เคียงกับแบบพิเศษมากขึ้น นักแสดงและครูที่โดดเด่นซึ่งวางรากฐานสำหรับการพัฒนาวิธีการของสหภาพโซเวียตคือโรซานอฟ งานของเขาเกี่ยวกับการสอนเครื่องมือลมในมอสโก 1935 เป็นงานชิ้นแรกที่จัดทำขึ้นบนพื้นฐานทางวิทยาศาสตร์

ในงานของเขาเขาได้กำหนดหลักการที่กลายเป็นหลักการหลักในโรงเรียนเกี่ยวกับเครื่องมือลม:

1. การพัฒนาทักษะทางเทคนิคของนักเรียนควรควบคู่ไปกับการพัฒนาด้านศิลปะ
2. ในกระบวนการของงานของนักเรียนเกี่ยวกับชิ้นดนตรี จำเป็นต้องบรรลุการดูดซึมอย่างมีสติและจากนั้นก็จะแข็งแกร่งขึ้น
3. พื้นฐานของการตั้งค่าที่ถูกต้องควรเป็นความรู้เกี่ยวกับกายวิภาคและสรีรวิทยาของอวัยวะที่เกี่ยวข้องในระหว่างเกม

คำถามหลักของวิธีการที่กำหนดโดย Rozanov ได้รับการพัฒนาโดยอาจารย์ Platonov, Usov, Pushechnikov, Dokhitser, G. Warwit

การมีรากฐานทางทฤษฎีที่มั่นคงช่วยให้เราสามารถยกระดับการสอนการเล่นเครื่องดนตรีต่างๆ ไปสู่ระดับคุณภาพใหม่ได้

รากฐานทางจิตสรีรวิทยาของกระบวนการทำงานเกี่ยวกับเครื่องมือลม

การแสดงดนตรีเป็นกระบวนการสร้างสรรค์ที่สร้างสรรค์โดยอิงจากกิจกรรมทางจิตและสรีรวิทยาที่ซับซ้อนของนักดนตรี

คุณควรรู้จักถ้อยคำนี้ในฐานะพ่อของเรา ขีดเส้นใต้ถ้อยคำนี้โดยตรง ผู้เล่นบนเครื่องดนตรีใด ๆ จะต้องประสานการกระทำของส่วนประกอบจำนวนหนึ่ง:

• วิสัยทัศน์,
• การได้ยิน
• หน่วยความจำ,
• ความรู้สึกของมอเตอร์,
• การแสดงสุนทรียะทางดนตรี,
• ความพยายามโดยสมัครใจ

นี่ก็เป็นจุดสำคัญมากเช่นกัน การกระทำทางจิตและสรีรวิทยาที่หลากหลายนี้ดำเนินการโดยนักดนตรีในกระบวนการเล่นที่กำหนดความซับซ้อนของเทคนิคการแสดงดนตรี

วิธีเพิ่มเติมในการพิสูจน์ทางวิทยาศาสตร์ของกระบวนการแสดงดนตรีนั้นเชื่อมโยงกับการศึกษาทางสรีรวิทยาของส่วนที่สูงขึ้นของระบบประสาทส่วนกลาง คำสอนของนักวิชาการนักสรีรวิทยาชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ I.P. Pavlov เกี่ยวกับกิจกรรมประสาทที่สูงขึ้น เกี่ยวกับการเชื่อมต่อที่แยกไม่ออกของกระบวนการชีวิตทั้งหมด การสอนเกี่ยวกับเปลือกสมองที่เป็นพื้นฐานของกิจกรรมทางจิต ช่วยให้นักดนตรีขั้นสูงเปลี่ยนวิธีการพิสูจน์เทคนิคการแสดง

นักการศึกษาและนักแสดงมีความสนใจอย่างมากต่อการทำงานของสมองระหว่างการเล่น พวกเขาเริ่มให้ความสนใจมากขึ้นกับการดูดซึมเป้าหมายและวัตถุประสงค์อย่างมีสติ หลักการพื้นฐานของเปลือกสมองคือ กิจกรรมของมนุษย์ที่ประสานกันนั้นดำเนินการผ่านกระบวนการทางประสาทที่ซับซ้อนและละเอียดอ่อนซึ่งเกิดขึ้นอย่างต่อเนื่องในศูนย์เยื่อหุ้มสมองของสมอง. กระบวนการเหล่านี้ขึ้นอยู่กับการก่อตัวของการสะท้อนกลับแบบมีเงื่อนไข

กิจกรรมประสาทที่สูงขึ้นประกอบด้วยสองกระบวนการที่สำคัญที่สุดและเทียบเท่าทางสรีรวิทยา:

1. การกระตุ้นที่รองรับการก่อตัวของปฏิกิริยาตอบสนอง;
2. การยับยั้งภายในซึ่งให้การวิเคราะห์ปรากฏการณ์

กระบวนการทั้งสองนี้มีปฏิสัมพันธ์กันอย่างต่อเนื่องและซับซ้อน มีอิทธิพลซึ่งกันและกันและควบคุมชีวิตมนุษย์ทั้งหมดในที่สุด

กระบวนการเล่นเครื่องดนตรีเป็นกิจกรรมด้านแรงงานมนุษย์ประเภทหนึ่ง

อย่าลืมว่าคุณทำงาน - นี่คืองานของคุณ

การเรียนที่วิทยาลัยดนตรีก็เหมือนการทำงาน นี่คือชุดของฟังก์ชันการประสานงานที่ซับซ้อนทั้งชุด: (ภาพ, การได้ยิน, มอเตอร์, ทิศทาง) ดำเนินการบนพื้นฐานของการตอบสนองแบบมีเงื่อนไขของระบบส่งสัญญาณที่สองของสมอง

ลองจินตนาการว่าสิ่งนี้เกิดขึ้นจริงในกระบวนการเล่นเครื่องดนตรีได้อย่างไร

เมื่อดูสัญญาณดนตรีนักแสดงจะรู้สึกระคายเคืองในบริเวณที่มองเห็นของเยื่อหุ้มสมอง (หมายถึงสมอง) ก่อน ด้วยเหตุนี้ สัญญาณหลักจึงถูกแปลงเป็นการแสดงข้อความดนตรีในทันที นักดนตรีจะกำหนดตำแหน่งของโน้ตบนสต๊าฟ ระยะเวลาของเสียง ระดับเสียง และอื่นๆ ผ่านการคิด การรับรู้ทางสายตาของเสียงโดยผู้เล่นมักเกี่ยวข้องกับการแทนการได้ยิน การกระตุ้นของศูนย์การมองเห็นที่แผ่ขยายออกไปจับบริเวณการได้ยินของคอร์เทกซ์ ซึ่งช่วยให้นักดนตรีไม่เพียงแต่มองเห็นเสียงเท่านั้น แต่ยังได้ฟังอีกด้วย กล่าวคือ รู้สึกถึงความสูง ระดับเสียง เสียงต่ำ และอื่นๆ ในทำนองเดียวกัน การแสดงแทนการได้ยินที่เกิดขึ้นภายในทันทีทำให้นักดนตรีทราบถึงการเคลื่อนไหวการแสดงที่สอดคล้องกันซึ่งจำเป็นในการสร้างเสียงเหล่านี้บนเครื่องดนตรี แรงกระตุ้นของมอเตอร์จะถูกส่งไปยังอุปกรณ์ที่แสดง: ริมฝีปาก, ลิ้น, การหายใจ, การเคลื่อนไหวของนิ้ว, การได้ยิน และเนื่องจากการยับยั้งภายใน ทำให้เกิดการเคลื่อนไหวที่จำเป็น: ริมฝีปาก ลิ้น นิ้ว

นี่คือการทำงานของระบบขับเคลื่อนอันเป็นผลมาจากเสียงที่เกิดขึ้น

ในทางกลับกันการสั่นสะเทือนของเสียงทำให้เกิดการระคายเคืองของเส้นประสาทการได้ยินซึ่งเนื่องจากความเป็นไปได้ในการสร้างการเชื่อมต่อทางสรีรวิทยาตอบรับจะถูกส่งไปยังคิวการได้ยินของเยื่อหุ้มสมองและรับรองการรับรู้ที่เหมาะสมของเสียงที่ทำเช่น การวิเคราะห์การได้ยิน ดังนั้น กระบวนการสร้างเสียงบนเครื่องมือลมสามารถจินตนาการได้ว่าเป็นข้อต่อที่เชื่อมต่อถึงกันหลายสายของโซ่เดี่ยว

สัญญาณดนตรี - ความคิดของเสียง - ระบบกล้ามเนื้อและกระดูก - การเคลื่อนไหวที่แสดง - เสียงจริง - การวิเคราะห์การได้ยิน ในระหว่างความสัมพันธ์แบบรีเฟล็กซ์แบบมีเงื่อนไขที่ซับซ้อนนี้ จุดศูนย์กลางอยู่ที่ประสาทสัมผัสทางหูและความคิดของผู้เล่น

เหล่านี้เป็นพื้นฐานทางจิตสรีรวิทยาของการสกัดเสียงที่ใช้กับการเล่นเครื่องดนตรี อย่างไรก็ตาม การแสดงเกี่ยวกับเครื่องลมยังคงมีคุณลักษณะเฉพาะหลายประการ

รากฐานทางเสียงของการเกิดเสียงบนเครื่องมือลม

เครื่องดนตรีประเภทโค้งคำนับและเครื่องเพอร์คัชชันต่างจากคีย์บอร์ด โดยที่วัตถุแข็งทำหน้าที่เป็นเครื่องสั่น (สำหรับเครื่องสาย - เครื่องสาย แผ่นพิเศษ แผ่นหนังสำหรับเครื่องเคาะ) เครื่องมือลมทั้งหมดเป็นของเครื่องมือที่มีตัวส่งเสียงเป็นแก๊ส

สาเหตุของการปรากฏตัวของเสียงที่นี่คือความผันผวนของคอลัมน์อากาศของอากาศที่เกิดจากการกระทำพิเศษของเชื้อโรค ลักษณะเฉพาะของการเกิดเสียงในเครื่องมือลมขึ้นอยู่กับอุปกรณ์ของเครื่องดนตรี อะคูสติกดนตรีสมัยใหม่แบ่งเครื่องมือลมทั้งหมดออกเป็นสามกลุ่ม:

• กลุ่มแรกฉลากจากคำภาษาละตินลาบา (ริมฝีปาก) พวกมันเรียกอีกอย่างว่าผิวปาก (ท่อทุกประเภท, ขลุ่ย, ท่ออวัยวะบางส่วนอยู่ใน)
• กลุ่มที่สองกก, กกหรือภาษาจากคำภาษาละติน lingia (ภาษา) (คลาริเน็ตทุกประเภท โอโบทุกประเภท บาสซูน แซกโซโฟนและเขาเบสทุกประเภท)
• กลุ่มที่สามด้วยปากเป่าทรงกรวยมักเรียกว่า ทองแดง(คอร์เน็ตทุกชนิด, แตร, แตร, ทรอมโบน, ทูบา, แตร, ประโคมทุกชนิด)

เสียงเกิดขึ้นได้อย่างไร?

บนขลุ่ยซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่มีตัวกระตุ้นก๊าซ เสียงจะเกิดขึ้นจากการเสียดสีของกระแสลมที่หายใจออกกับขอบคมของรูเลเดียมที่อยู่ในหัวของขลุ่ย ในกรณีนี้ ความเร็วของไอพ่นจะเปลี่ยนแปลงเป็นระยะ ซึ่งทำให้เกิดการสั่นของเสียงในช่องขลุ่ย เครื่องมือกกทั้งหมดที่เป็นของเครื่องดนตรีที่มีรูปแบบเร้าเสียงที่เป็นของแข็ง ให้เสียงโดยใช้การสั่นสะเทือนของแผ่นกกพิเศษ (กก) กระบวนการแกว่งของเครื่องมือเหล่านี้ควบคุมโดยการกระทำของแรงโต้ตอบสองอย่าง: การเคลื่อนที่เชิงแปลของกระแสลมที่หายใจออกและแรงยืดหยุ่นของอ้อย

กระแสลมที่หายใจออกจะทำให้ส่วนบางของต้นอ้อยโค้งงอออกไปด้านนอก และแรงจากความยืดหยุ่นทำให้แผ่นรีดกลับสู่ตำแหน่งเดิม การเคลื่อนที่ของกก (กก) เหล่านี้ทำให้เกิดการกระตุกของอากาศเข้าไปในช่องของเครื่องดนตรีซึ่งเกิดการแกว่งไปมาของคอลัมน์อากาศจึงเกิดเสียง

ความคิดริเริ่มที่ยิ่งใหญ่กว่านั้นคือรูปลักษณ์ของเสียงบนเครื่องมือลมที่มีกระบอกเสียงรูปทรงกรวย ที่นี่เล่นบทบาทของเครื่องกระตุ้นเสียงที่สั่นเทา บริเวณตรงกลางของริมฝีปากที่ปิดด้วยปากเป่า.

ทันทีที่กระแสลมที่หายใจออกเข้าสู่รอยแยกริมฝีปากแคบ ริมฝีปากจะสั่นทันที ความผันผวนเหล่านี้ ซึ่งเปลี่ยนขนาดของช่องเปิดของรอยแยกริมฝีปาก ทำให้เกิดการเคลื่อนไหวของอากาศที่กระตุกเป็นระยะๆ เข้าไปในปากเป่าของเครื่องมือ ผลลัพธ์คือการควบแน่นต่อเนื่องหรือการเกิดแรเงาของอากาศในช่องของเครื่องมือ ซึ่งทำให้มั่นใจได้ถึงลักษณะของเสียง

เมื่อพิจารณาถึงรากฐานทางเสียงของการก่อตัวของเสียงแล้ว เราพบปรากฏการณ์ทั่วไปอย่างหนึ่ง: ในทุกกรณี สาเหตุของการเกิดเสียงคือการสั่นเป็นระยะของคอลัมน์อากาศที่มีอยู่ในเครื่องมือซึ่งเกิดจากการเคลื่อนไหวเฉพาะของอุปกรณ์และเครื่องกระตุ้นเสียงต่างๆ

ในเวลาเดียวกัน การเคลื่อนที่แบบสั่นของไอพ่นลม แผ่นรีด หรือริมฝีปากจะเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อส่วนประกอบต่างๆ ของอุปกรณ์ที่ทำหน้าที่ประสานกัน

การพัฒนาความสามารถทางดนตรีในกระบวนการให้ความรู้นักดนตรีมืออาชีพ

แม้ว่าความสามารถทางจิตและพัฒนาการทางร่างกายของนักเรียนจะเท่าเทียมกันโดยประมาณ แต่เรามีผลการเรียนรู้ที่แตกต่างกัน การวิเคราะห์ปรากฏการณ์เหล่านี้บ่งชี้ว่าในการเตรียมนักแสดง หลักการโดยสัญชาตญาณ กล่าวคือ การมีอยู่ของความสามารถตามธรรมชาตินั้นเป็นสิ่งที่ชี้ขาด วีเอ็ม Teplov ในการทำงานของเขา "จิตวิทยาความสามารถทางดนตรี"วรรณกรรมดนตรีปี 1947 พิสูจน์ให้เห็นถึงความเป็นไปได้ในการพัฒนาความสามารถทางดนตรีทั้งหมดบนพื้นฐานของความโน้มเอียงโดยกำเนิด ไม่มีความสามารถใดที่จะไม่พัฒนาในกระบวนการศึกษาและฝึกอบรมไม่ได้

เราหมายถึงอะไรเมื่อเราพูดถึงความสามารถทางดนตรีหรือความโน้มเอียงทางดนตรี?

ก่อนอื่นเราหมายถึงละครเพลงคำจำกัดความที่ประสบความสำเร็จนี้สร้างขึ้นโดย Alekseev ในวิธีการเรียนรู้การเล่นเปียโนของเขา "นักดนตรีควรเรียกว่าเป็นคนที่รู้สึกถึงความงามและความหมายของดนตรี สามารถรับรู้เนื้อหาทางศิลปะบางอย่างในเสียงของงาน และหากเขาเป็นนักแสดง ให้ทำซ้ำเนื้อหานี้". ดนตรีพัฒนาในกระบวนการทำงานที่ถูกต้องและรอบคอบ โดยครูจะเปิดเผยเนื้อหาของผลงานที่ศึกษาอย่างชัดเจนและครอบคลุม โดยแสดงคำอธิบายด้วยการแสดงบนเครื่องดนตรีหรือบันทึกเสียง

ความซับซ้อนของแนวคิดเรื่องดนตรีประกอบด้วยองค์ประกอบที่จำเป็นหลายประการ ได้แก่ :

1. หูสำหรับดนตรี,
2. หน่วยความจำดนตรี,
3. ความรู้สึกจังหวะดนตรี

หูสำหรับดนตรี

หูสำหรับดนตรีเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนซึ่งรวมถึงแนวคิดต่างๆ เช่น

• ระดับเสียง (น้ำเสียงสูงต่ำ),
• ไพเราะ (เป็นกิริยาช่วย),
• ฮาร์มอนิก,
• ได้ยินกับหู.

หูดนตรีแต่ละด้านมีความสำคัญอย่างยิ่งในการฝึกและการฝึกฝนการแสดง จำเป็นอย่างยิ่งที่นักแสดงจะต้องมีการได้ยินสัมพัทธ์ที่ได้รับการพัฒนามาอย่างดี ซึ่งทำให้สามารถแยกแยะอัตราส่วนของเสียงในระดับเสียงที่ถ่ายพร้อมกันหรือตามลำดับได้

คุณภาพนี้มีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับนักดนตรีออเคสตรา ในวงออเคสตรานักแสดงมีค่าซึ่งฟังกลุ่มของเขาได้ดีมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันโดยไม่รบกวนวงดนตรี ความสามารถในการได้ยินเสียงในจินตนาการ จดบันทึกลงบนกระดาษและใช้งานมันเรียกว่า การได้ยินภายใน หูดนตรีพัฒนาไปตามกิจกรรมของนักดนตรี จำเป็นต้องตรวจสอบให้แน่ใจว่าการทำงานทั้งหมดกับเครื่องมือดำเนินการด้วยการตรวจสอบการได้ยินอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย

ขาดนักเรียนว่าพวกเขาไม่ได้ควบคุมเครื่องดนตรีของพวกเขาที่เล่นด้วยหู นี่คือข้อเสียเปรียบหลักของการทำงานอิสระของนักเรียน ครูเฉพาะทางต้องดูแลการพัฒนาส่วนประกอบทั้งหมดของหูดนตรีและเหนือสิ่งอื่นใดคือหูไพเราะภายใน

พัฒนาการของการได้ยินภายใน

นอกเหนือจากบทเรียน Solfeggio และทำการบ้านในวิชานี้แล้ว ครูที่เชี่ยวชาญเฉพาะด้านต้องการการแสดงจากความทรงจำของข้อความดนตรีที่คุ้นเคยหรือที่ได้ยินใหม่ก่อนหน้านี้ ( หยิบด้วยหู) แปลงท่วงทำนองที่คุ้นเคยเป็นคีย์อื่นๆ ด้นสด รวมถึงการแต่งเพลงหากมีข้อมูลเพียงพอสำหรับสิ่งนี้

เป็นประโยชน์ในการสอนนักเรียนให้วิเคราะห์ประสิทธิภาพของตนเองหรือด้านอื่นๆ โดยประเมินผลอย่างมีวิจารณญาณ นั่นคือเหตุผลที่คุณต้องไปดูคอนเสิร์ต ไม่เพียงแต่เฉพาะความสามารถของคุณเท่านั้น: คณะนักร้องประสานเสียง แชมเบอร์ออร์เคสตรา ลม วาไรตี้ วงดนตรี เดี่ยว นักไวโอลิน

ในการพัฒนาหูที่ไพเราะ จำเป็นต้องทำงานกับ cantilena (ช้าๆ) อย่างเป็นระบบ Cantilena (ช้าๆ) ยังพัฒนาความอดทนเพราะมีภาระมากบนริมฝีปากคุณหายใจเข้าออกมาก การปรับปรุงหูฮาร์โมนิกจะเป็นประโยชน์ในการวิเคราะห์พื้นผิวของงานดนตรีที่กำลังศึกษา เล่นมากขึ้นในวงดนตรีในวงออเคสตรา พื้นผิวเป็นคำภาษาละตินในความหมายที่เป็นรูปเป็นร่างของอุปกรณ์ซึ่งเป็นโครงสร้างของผ้าดนตรี

หูดนตรีที่พัฒนามาอย่างดีเป็นเงื่อนไขที่สำคัญที่สุดสำหรับการพัฒนาความจำทางดนตรี

ความทรงจำทางดนตรี- นี่เป็นแนวคิดสังเคราะห์ที่รวมถึงการได้ยิน การมองเห็น การเคลื่อนไหว ตรรกะ หน่วยความจำดนตรียังยืมตัวเองเพื่อการพัฒนา นักดนตรีต้องพัฒนาอย่างน้อยก็สำคัญ หน่วยความจำสามประเภท:

• การได้ยินครั้งแรกที่ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับการทำงานที่ประสบความสำเร็จในสาขาศิลปะดนตรีใด ๆ
• ประการที่สองคือเหตุผลที่เกี่ยวข้องกับความเข้าใจในเนื้อหาของงานและกฎของการพัฒนาความคิดทางดนตรี
• มอเตอร์ประเภทที่สามมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อผู้แสดงเครื่องดนตรี

สำหรับหลายๆ คน หน่วยความจำภาพมีบทบาทสำคัญในกระบวนการท่องจำ เมื่อพัฒนาความจำของนักเรียน จำไว้ว่า: ระบบการท่องจำดนตรีมีความสำคัญมาก ผู้เรียนต้องคำนึงว่าดนตรีไหลไปตามกาลเวลา ในการสร้างสรรค์ผลงานโดยรวม เป็นไปได้ โดยมีเงื่อนไขว่าชิ้นส่วนต่างๆ จะถูกเก็บไว้ในความทรงจำเนื่องจากการแสดงบ่อยๆ การท่องจำอาจเป็นไปโดยเจตนา การท่องจำอาจเป็นการจงใจเมื่อมีการท่องจำข้อความแต่ละตอนโดยเฉพาะ แล้วจึงจดจำทั้งงานโดยรวม

ที่นี่จำเป็นต้องรู้รูปแบบของงานโครงสร้างที่กลมกลืนกัน เมื่อเรียนรู้ สิ่งสำคัญคือต้องตระหนักถึงความคล้ายคลึง การซ้ำกันของส่วนต่างๆ ของรูปแบบดนตรี และความสนใจจะมุ่งเน้นไปที่สิ่งที่ทำให้ส่วนต่างๆ เหล่านี้แตกต่างและสิ่งที่รวมเข้าด้วยกัน การท่องจำโดยเจตนาเกี่ยวข้องกับ: ภาพ การเคลื่อนไหว และหน่วยความจำการได้ยินภายในที่ซับซ้อนมากขึ้น การตรวจสอบความถูกต้องของงานดนตรีที่เรียน: การบันทึกเพลงที่จำได้โดยไม่ต้องใช้เครื่องดนตรี (โน้ต) การเปลี่ยนทำนองเป็นคีย์อื่น และความสามารถในการเริ่มเล่นจากที่ใดก็ได้ ความสามารถในการเริ่มการแสดงจากที่ใดก็ได้เป็นเครื่องยืนยันถึงความรู้ด้านดนตรีของนักแสดงอย่างลึกซึ้งและทั่วถึง

หมายถึงการแสดงออกเมื่อดำเนินการกับเครื่องมือลม

โดยปกติ แนวคิดต่อไปนี้จะอ้างถึงวิธีการแสดงของนักแสดงเกี่ยวกับเครื่องมือลม: เสียง, เสียงต่ำ, น้ำเสียงสูงต่ำ, จังหวะ, สั่น, จังหวะ, เมตร, จังหวะ, ปวดเมื่อย, ประกบ, ถ้อยคำ, พลวัต, แตกต่างกันนิดหน่อย

Agogics- นี่เป็นการเบี่ยงเบนเล็กน้อยจากจังหวะ นักร้องและนักเป่าเครื่องดนตรีกล่าวถึงที่นี่ในลักษณะเดียวกัน: การหายใจ นักเปียโน ได้แก่ เหยียบ, สัมผัส.

Touchéเป็นวิธีการแสดงที่เฉพาะเจาะจงสตริงเกอร์รวมถึง: จังหวะ, vibrato, นิ้ว, เทคนิคการใช้นิ้ว

นักแสดงเครื่องดนตรีลมกองทุนเหล่านี้ยังรวมถึง: เทคนิคการทาปาก, ลิ้น, ดับเบิ้ลสแตคคาโต, ฟรุลยาโต, กลิสซานโดแม้ว่า double staccato จะเป็นเทคนิค และ frilyato และ glissando อยู่ในจังหวะแล้ว ทั้งหมดนี้ชี้ให้เห็นว่าไม่มีแนวทางที่ชัดเจนและแตกต่างเพียงแนวทางเดียวในการกำหนดแนวคิดของวิธีการแสดงหรือวิธีการแสดงออก

วิธีการดำเนินการและวิธีการแสดงออกเป็นสองด้านของกระบวนการสร้างสรรค์เดียว เราจัดอันดับว่าประสิทธิภาพหมายถึงทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับประสิทธิภาพด้านเทคโนโลยี ด้านเทคโนโลยีคือสถานะของเครื่องดนตรี, ปากเป่า, กก; การตั้งค่าร่างกาย, หัว, มือ, อ้อมแขน; การแสดงเทคนิคการหายใจ เทคนิคภาษา (แข็ง อ่อน เสริมโจมตี); ประกบคือการออกเสียงของสระ, พยัญชนะระหว่างเกม; เทคนิคการใช้นิ้ว (ความคล่องแคล่ว ความชัดเจน ความสม่ำเสมอ); ความรู้เกี่ยวกับนิ้ว (พื้นฐาน, เสริม, เพิ่มเติม)

วิธีการแสดงรวมถึงทุกอย่างที่เป็นผลงานศิลปะของการใช้วิธีการแสดงที่ระบุไว้ เครื่องมือประสิทธิภาพที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งคือเสียงการแสดงออกของเสียงเป็นสื่อกลางในการแสดงของท่วงทำนองที่กำหนดความแข็งแกร่งของผลกระทบทางอารมณ์ของดนตรีได้อย่างเต็มที่ยิ่งขึ้น

ผู้เล่นจะต้องเชี่ยวชาญเสียงที่สวยงาม กล่าวคือ ทำให้เสียงของเครื่องดนตรีมีความชัดเจน ชุ่มฉ่ำ และมีความหลากหลายไดนามิก

ในขณะเดียวกัน ลักษณะของเสียงจะต้องเชื่อมโยงกับเนื้อหาของเพลงที่เล่นอย่างแยกไม่ออก สำหรับความชัดเจนของเสียง ความบริสุทธิ์ของเสียงสูงต่ำมีความสำคัญเป็นพิเศษ ยิ่งหูของนักดนตรีพัฒนาขึ้นมากเท่าไร เขาก็ยิ่งทำผิดพลาดน้อยลงระหว่างการเล่นเสียง ทักษะทางเทคนิคเป็นเครื่องมือที่มีประสิทธิภาพ

ทักษะทางเทคนิคของผู้เล่นเครื่องดนตรีประเภทลมประกอบด้วยองค์ประกอบต่างๆ: การหายใจที่ได้รับการพัฒนามาอย่างดี ความยืดหยุ่นและความคล่องตัวของริมฝีปาก ความคล่องตัวของลิ้น ความเร็ว และการประสานงานของการเคลื่อนไหวของนิ้ว เครื่องมือลมแต่ละตัวมีแนวคิดพิเศษเกี่ยวกับองค์ประกอบที่ซับซ้อนที่สุดของเทคนิคการแสดง

สำหรับกลุ่มเครื่องเป่าลมไม้ เทคนิคการขยับนิ้วนั้นซับซ้อนมาก ว่าสำหรับกลุ่มทองแดงนั้นก็มีเทคนิคในการทาปาก ความสำคัญเป็นพิเศษคือการใช้ถ้อยคำทางดนตรีซึ่งแสดงลักษณะของความสามารถของผู้เล่นในการกำหนดโครงสร้างของงานดนตรีอย่างถูกต้อง (แรงจูงใจ วลี ประโยค ช่วงเวลา) สร้างและดำเนินการ caesuras อย่างถูกต้อง ระบุและรวบรวมจุดสุดยอด ถ่ายทอดลักษณะโวหารของประเภทอย่างถูกต้อง ดนตรี. การใช้ถ้อยคำทางดนตรีที่สะท้อนถึงลมหายใจแห่งความคิดทางดนตรีเป็นวิธีการแสดงเนื้อหาทางศิลปะของงาน

องค์ประกอบที่สำคัญของการใช้ถ้อยคำทางดนตรีคือไดนามิก

การใช้เฉดสีแบบไดนามิกอย่างชำนาญเมื่อเล่นทำให้การแสดงดนตรีมีชีวิตชีวาขึ้นอย่างมาก ทำให้ขาดความซ้ำซากจำเจและความซ้ำซากจำเจ เมื่อเล่นเครื่องดนตรีประเภทลม มักใช้ไดนามิกสองประเภท: แบบแรกคือแบบขั้นบันไดหรือแบบเทอร์รัทนายา ซึ่งรวมถึงการเพิ่มหรือลดเสียงทีละน้อย ( ppp, pp, mp, mf, f, ff ) ไดนามิกประเภทที่สองเรียกว่าไดนามิกคอนทราสต์ซึ่งประกอบด้วยการต่อต้านที่คมชัดต่อความแข็งแกร่งของเสียง (เปียโน - มือขวาคม) สิ่งสำคัญคือต้องสังเกตว่าเฉดสีแบบไดนามิกนั้นไม่แน่นอน แต่สัมพันธ์กัน (สำหรับบางคนและมือขวาสำหรับบางคน) ดังนั้นนักดนตรีจึงได้รับสิทธิ์ในการเสริมหรือขยายเฉดสีเหล่านี้

องค์ประกอบที่สำคัญมากของการใช้ถ้อยคำทางดนตรีคือ agogy- นี่เป็นการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยในความเร็วของการเคลื่อนไหว (เบี่ยงเบนจากจังหวะ) เฉดสี Agogic ใช้อย่างชำนาญเผยให้เห็นธรรมชาติที่สร้างสรรค์ของการแสดงดนตรี ความแตกต่างที่ซับซ้อนและยากที่สุดคือศิลปะการเล่น rubato (การแสดงที่ปราศจากจังหวะ)

การใช้ถ้อยคำดนตรีมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการใช้จังหวะ จังหวะช่วยเสริมความชัดเจนของการแสดง เครื่องมือการแสดงที่หลากหลายสามารถแบ่งออกเป็นสามกลุ่มหลัก:

• แรกหมายถึงที่เกี่ยวข้องกับคุณภาพเสียง (เสียงต่ำ, น้ำเสียง, การสั่นสะเทือน),
• ที่สองกลุ่มของคำสั่งทางเทคนิค (ความคล่องแคล่วของนิ้ว, เทคนิคการหายใจ, เทคนิคลิ้น),
• ที่สามกลุ่มของวิธีการแสดงออกทางดนตรีทั่วไป

การแบ่งดังกล่าวเป็นแบบมีเงื่อนไข เนื่องจากมีความสัมพันธ์แบบออร์แกนิกอย่างใกล้ชิดระหว่างวิธีการแสดงในดนตรี อย่างไรก็ตาม เสียงที่แสดงออกเป็นตัวบ่งชี้ถึงทักษะทางเทคนิคบางอย่าง

บทประพันธ์ดนตรี- นี่คือการครอบครองทั้งทักษะเสียงและเทคนิคพร้อมกัน คุณลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะของวิธีการแสดงทั้งหมดของนักดนตรีไม่ใช่แค่ความสัมพันธ์ที่ใกล้ชิดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการอยู่ใต้บังคับบัญชาของเป้าหมายทางศิลปะงานศิลป์

การแสดงอุปกรณ์และเทคนิคการสกัดเสียงด้วยเครื่องลม

การวิเคราะห์เทคโนโลยีการแยกเสียงของเครื่องมือลม เราสามารถสรุปได้ว่าประกอบด้วย:

1. การแสดงภาพและเสียง: ครั้งแรกที่คุณเห็นบันทึก คุณได้ยินบันทึกนี้ภายใน
2. การหายใจ: หลังจากที่คุณเข้าใจว่าโน้ตนี้คืออะไรและฟังที่ไหน (ในหัวของคุณ) ให้หายใจเข้า นี่คือลมหายใจประสิทธิภาพ
3. งานพิเศษของกล้ามเนื้อของริมฝีปากและใบหน้า: คุณต้องใส่ริมฝีปากและกล้ามเนื้อเพื่อจดบันทึกนี้
4. การเคลื่อนไหวของลิ้นเฉพาะ นั่นคือ ลิ้นที่แข็ง อ่อน หรือสองเท่า;
5. การเคลื่อนไหวของนิ้วที่ประสานกัน: นิ้วแบบไหนและอื่น ๆ ...
6. การวิเคราะห์การได้ยินอย่างต่อเนื่อง: สิ่งเหล่านี้เป็นช่วงเวลาสุดท้าย ทั้งหมดอยู่ภายใต้การวิเคราะห์การได้ยิน (ต่อเนื่อง)

ส่วนประกอบเหล่านี้เชื่อมโยงกันอย่างแยกไม่ออกโดยกิจกรรมประสาทและกล้ามเนื้อที่ซับซ้อน และประกอบขึ้นเป็นเครื่องแสดงของนักดนตรี

จะมีคำถามว่า องค์ประกอบของเทคโนโลยีการสกัดเสียงคืออะไร?นี่คือส่วนประกอบของ 6 ชิ้นที่คุณต้องตั้งชื่อ

ที่สำคัญที่สุดคือเครื่องมือสำหรับริมฝีปาก คำถามจะเป็น: ปากเป่าคืออะไร?สูตรทั้งหมดนี้ควรเรียกว่าพ่อของเรา

เครื่องลิป- นี่คือระบบของกล้ามเนื้อของริมฝีปากและใบหน้า, เยื่อเมือกของริมฝีปากและปาก, ต่อมน้ำลาย การรวมกันขององค์ประกอบเหล่านี้เรียกว่าเครื่องมือริมฝีปาก เครื่องมือริมฝีปากบางครั้งเรียกว่าแตกต่างกัน embouchure.

แนวคิดของ embouchures ใช้กับเครื่องมือลมทั้งหมด แต่ตีความในรูปแบบต่างๆ: บางคนเชื่อว่ามันหมายถึงปากหรือกระบอกเสียง คนอื่น ๆ ที่หมายถึงรอยแยกริมฝีปาก

ตามพจนานุกรมดนตรีสารานุกรมฉบับมอสโก 1966 คำว่า embouchureภาษาฝรั่งเศสและมีสองแนวคิด:

• วิธีแรกในการพับปากและลิ้นเมื่อเล่นเครื่องดนตรีประเภทลม ดังนั้นจึงเป็นไปได้ที่จะระบุตำแหน่งนี้ได้อย่างแม่นยำ ระดับความยืดหยุ่นของกล้ามเนื้อริมฝีปากและใบหน้าของนักแสดง การฝึก ความอดทน ความแข็งแรง ความยืดหยุ่น และความคล่องตัวเมื่อเล่นเรียกว่าเอ็มโบเชอร์
• และคำจำกัดความที่สองในพจนานุกรมนี้คือ: มันเหมือนกับกระบอกเสียง

การฝึกอบรมอย่างเป็นระบบสำหรับนักแสดงมีความสำคัญยิ่ง การพัฒนาเครื่องมือในช่องปากควรดำเนินการในสองระนาบ ระนาบแรก: นี่คือการพัฒนาของกล้ามเนื้อริมฝีปากนั่นคือการพัฒนาความแข็งแรงความอดทนของกล้ามเนื้อริมฝีปากและใบหน้า หลังจากที่คุณได้พัฒนาความงามของเสียงแล้ว คุณภาพของเสียงที่ต่ำและสูงต่ำก็ปรากฏขึ้น เพื่อจุดประสงค์นี้ คุณต้องเล่นโน้ตทั้งหมดโดยหายใจเข้าเต็มที่เป็นเวลา 20-30 นาที

การแสดงลมหายใจ. แก่นแท้ของเขา ความหมาย. และวิธีการพัฒนา

เทคนิคการหายใจของนักแสดงที่ใช้เครื่องมือลมคือ อย่างแรกเลย เทคนิคการเรียนรู้เสียงซึ่งรวมถึงเสียงต่ำ ไดนามิก จังหวะ และข้อต่อต่างๆ ทั้งหมด หากลมหายใจถูกกำหนดไว้อย่างดีเราสามารถตัดสินได้ทันทีว่าบุคคลนั้นมีเสียงต่ำ, พลวัต, ข้อต่อ วัฒนธรรมการเปล่งเสียงแสดงถึงการมีโรงเรียนการหายใจบางแห่ง

หากภาษามีบทบาทชี้ขาดในการกำเนิดของเสียง ในการนำเสียงนั้น จะเป็นของกระแสลมที่ผู้แสดงหายใจเข้าในเครื่องดนตรี ธรรมชาติของเครื่องบินไอพ่นได้รับการแก้ไขนอกเหนือจากกล้ามเนื้อทางเดินหายใจโดยกล้ามเนื้อริมฝีปากกล้ามเนื้อของลิ้น และทั้งหมดรวมกันถูกควบคุมโดยการได้ยิน ตามอัตภาพ การหายใจสามารถเทียบได้กับธนูของนักไวโอลิน

การแสดงการหายใจเป็นวิธีการแสดงออกอย่างกระตือรือร้นในคลังแสงของเครื่องเล่นลม

การหายใจอย่างมืออาชีพของนักแสดงโดยใช้เครื่องลมถูกกำหนดโดยการควบคุมกล้ามเนื้อระบบทางเดินหายใจอย่างมีสติและมีเป้าหมาย ซึ่งทำงานอย่างเต็มที่ในระหว่างการหายใจเข้าและหายใจออก กล้ามเนื้อมีส่วนเกี่ยวข้องกับกลไกการหายใจ การหายใจเข้าและการหายใจออก. เทคนิคการหายใจของนักแสดงขึ้นอยู่กับการใช้กล้ามเนื้อคู่อริอย่างชำนาญ

กล้ามเนื้อหายใจเข้า ได้แก่ :ไดอะแฟรมและซี่โครงภายนอก

กล้ามเนื้อหายใจออก ได้แก่หน้าท้องและกล้ามเนื้อระหว่างซี่โครงภายใน

นักแสดงต้องเรียนรู้ที่จะควบคุมการหายใจเข้าและหายใจออกผ่านการพัฒนาและฝึกกล้ามเนื้อทางเดินหายใจ การหายใจออกร่วมกับริมฝีปาก ลิ้น นิ้ว มีบทบาทสำคัญในการก่อตัวของเสียง พฤติกรรม และการแสดงออกในรูปแบบต่างๆ ในเทคโนโลยี

การหายใจออกในที่ที่เหมาะสมไม่เพียงแต่ส่งผลต่อคุณภาพเสียงและความสามารถทางเทคนิคที่หลากหลาย แต่ยังเปิดขอบเขตกว้างสำหรับกิจกรรมของส่วนประกอบอื่นๆ ของอุปกรณ์แสดง: ริมฝีปาก ลิ้น นิ้ว การหายใจสองขั้นตอน (การหายใจเข้าและการหายใจออก) สามารถทำได้หลายวิธีในกระบวนการดำเนินการ

ในการหายใจทางสรีรวิทยาตามธรรมชาติของบุคคล การสูดดมเป็นการกระทำที่ปอดขยายตัว ซี่โครงยกขึ้น โดมของไดอะแฟรมลดต่ำลง ในทางตรงกันข้ามการหายใจออกเป็นการกระทำที่ไม่โต้ตอบ: ช่องปอด, หน้าอกและไดอะแฟรมกลับสู่ตำแหน่งเดิม ระหว่างการหายใจทางสรีรวิทยา วัฏจักรดำเนินไป: หายใจเข้า หายใจออก หยุดชั่วคราว การหายใจแบบมืออาชีพนั้นขึ้นอยู่กับจิตสำนึกของนักแสดงและเกี่ยวข้องกับการหายใจเข้าและออกอย่างแข็งขัน หายใจเข้า - สั้นหายใจออก - ยาว (ยาว)

การหายใจออกที่มีคุณภาพยังขึ้นอยู่กับการหายใจเข้าที่ถูกต้องและเต็มที่

ควรสูดดมเขาอย่างมืออาชีพ สั้นเต็มและมีเสียงดัง. มีความแตกต่างเฉพาะหลายประการจากการหายใจทางสรีรวิทยาของมนุษย์ตามปกติ

• ขั้นแรก ต้องใช้ความจุปอดสูงสุด (3500-4000 มิลลิลิตรของอากาศ) ด้วยการหายใจทางสรีรวิทยาปริมาตรคือ 500 มิลลิลิตร
• ประการที่สอง ในระหว่างการหายใจแบบมืออาชีพ ภาระของกล้ามเนื้อทางเดินหายใจจะเพิ่มขึ้น มากกว่าการหายใจแบบสงบนิ่งหลายเท่า
• ประการที่สาม ระหว่างการหายใจปกติปกติ การหายใจเข้าและหายใจออกจะเท่ากันในเวลาโดยประมาณ กล่าวคือ การหายใจเข้าเป็นจังหวะ

คนที่อยู่ในสภาวะสงบจะทำให้รอบการหายใจ 16-18 รอบในหนึ่งนาที เตาอบลดจำนวนการหายใจเป็น 3, 8 ต่อนาที ภายใต้สภาพธรรมชาติบุคคลหายใจทางจมูก เมื่อเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมโดยใช้ปากเป็นหลักโดยใช้จมูกช่วยเล็กน้อย สิ่งนี้ทำให้มั่นใจได้ถึงความสมบูรณ์ของแรงบันดาลใจและความไร้เสียง

การหายใจขณะเล่นเครื่องดนตรีประเภทใช้ลมควรเป่าทางมุมปากโดยใช้จมูกช่วยเพียงเล็กน้อย การหายใจเข้าทางปากทำให้คุณสามารถเติมอากาศในปอดได้อย่างรวดเร็วและเงียบ เมื่อหายใจเข้าจะเกี่ยวข้องกับกล้ามเนื้อภายนอกและระหว่างซี่โครงของหน้าอกและไดอะแฟรม ดังนั้นการเติมอากาศในปอดอย่างสม่ำเสมอและการขยายตัวในทุกทิศทางของหน้าอกจึงขึ้นอยู่กับการพัฒนาความแข็งแรงและกิจกรรมของกล้ามเนื้อเหล่านี้

สำหรับไดอะแฟรม กล้ามเนื้อนี้เป็นหนึ่งในกล้ามเนื้อที่แข็งแรงที่สุดในร่างกายของเรา ร่วมกับการหายใจทำให้สั่น 18 ครั้งต่อนาที ขยับขึ้น 4 เซนติเมตร ลง 4 เซนติเมตร ไดอะแฟรมทำงานได้ดี ในฐานะที่เป็นปั๊มแรงดันที่สมบูรณ์แบบ ไดอะแฟรมลงมาพร้อมกับพื้นที่ที่น่าประทับใจทั้งหมดเมื่อหายใจเข้า บีบอัดตับ ม้าม และลำไส้ ทำให้เลือดหมุนเวียนในช่องท้องมีชีวิตชีวา

เมื่อหายใจเข้าปอดควรเติมอากาศจากด้านล่างขึ้นด้านบนเหมือนภาชนะที่มีน้ำซึ่งของเหลวจากจุดเริ่มต้นครอบคลุมด้านล่างและเอนไปด้านบนเติมภาชนะขึ้นไป ดังนั้นคอลัมน์อากาศที่เรียกว่าเกิดขึ้นในปอดซึ่งอยู่ที่ด้านล่างของปอดบนฐานซึ่งก็คือบนไดอะแฟรม

จะมีคำถามว่า อะไรคือความแตกต่างระหว่างมนุษย์กับการแสดงลมหายใจ?

คุณจะบอกว่าลมหายใจของนักเป่าเครื่องดนตรีลมไม่เป็นจังหวะ และทางเลือกที่สองคือลมหายใจหยุดนิ่ง การหายใจที่ดำเนินการคือการหายใจที่ถูกต้องของผู้เล่นฮอร์น

ข้อเสียทั่วไปของการแสดงละครสำหรับนักดนตรีมือใหม่

หากเราจินตนาการถึงกระบวนการเรียนรู้นักดนตรีในรูปแบบของอาคารแบบค่อยเป็นค่อยไป ฝ่ายผลิตจะมีบทบาทเป็นรากฐาน การแสดงละครที่เหมาะสมทำหน้าที่เป็นพื้นฐานในการพัฒนาทักษะการแสดงของนักดนตรี

การฝึกสอนนักดนตรีรุ่นใหม่แสดงให้เห็นว่าควรให้ความสนใจกับการแสดงละครตั้งแต่ก้าวแรก ข้อบกพร่องที่พบบ่อยที่สุดในนักดนตรีมือใหม่นั้นเกี่ยวข้องกับตำแหน่งที่ไม่ถูกต้องของเครื่องดนตรี มือ นิ้ว และศีรษะ

สำหรับนักเป่าขลุ่ย ลักษณะเฉพาะมากที่สุดคือตำแหน่งเอียงของเครื่องดนตรี แทนที่จะเป็นตำแหน่งตรงที่จำเป็น ซึ่งเป็นผลมาจากการลดมือขวาลง เพื่อแก้ไขข้อบกพร่องนี้ ครูต้องแน่ใจว่านักเรียนยกศอกของมือขวาขึ้นเล็กน้อยในระหว่างเกม ในกรณีนี้ มือทั้งสองข้างจะอยู่ในระดับแนวนอนเท่ากัน และขลุ่ยจะนอนราบ

มือใหม่มักถือเครื่องดนตรีสูงเกินไป ซึ่งส่วนหนึ่งเนื่องมาจากการก้มหน้ามากเกินไป การแก้ไขข้อบกพร่องดังกล่าวไม่ใช่เรื่องยาก - คุณเพียงแค่ต้องตรวจสอบตำแหน่งที่ถูกต้องของศีรษะและมือซึ่งไม่ควรยกขึ้นมากนัก

นักเล่นคลาริเน็ตมักจะเลื่อนเครื่องดนตรีไปด้านข้างบ้าง และมักจะไปทางขวามากกว่าทางซ้าย หรือทำให้เครื่องดนตรีอยู่ในตำแหน่งแนวตั้งที่ไม่ถูกต้อง (ถือไว้ใกล้กับลำตัวมากเกินไป) หรือในทางกลับกัน ให้ยกขึ้น มันมากเกินไป การเบี่ยงเบนไปจากบรรทัดฐานดังกล่าว (หากไม่ได้เกิดจากลักษณะเฉพาะของนักดนตรี) ไม่ควรเกิดขึ้นเพราะจะทิ้งรอยประทับไว้บนลักษณะของเสียง จากการปฏิบัติเป็นที่ทราบกันดีว่าเมื่อคลาริเน็ตเอียงลง เสียงจะกลายเป็นของเหลวและทื่อ และเมื่อยกขึ้นสูงเกินไป เสียงจะหยาบขึ้น

สำหรับผู้เล่นทองเหลือง ตำแหน่งที่ไม่ถูกต้องของเครื่องดนตรีมีดังนี้: พวกเขากดด้วย phalanges ของนิ้ว แต่คุณต้องกดด้วยแผ่นนิ้ว เมื่อเล่น cornet ท่อจะถูกจับโดยวงแหวน เมื่อเล่นคุณไม่จำเป็นต้องถือแหวน วงแหวนจะยึดไว้เฉพาะเมื่อหมุนโน้ตหรือเมื่อคุณต้องการปิดเสียง ผู้เล่นที่เริ่มใช้แตรมักจะถือระฆังของเครื่องดนตรีอย่างไม่ถูกต้อง ไม่ว่าจะลดระดับลงมากเกินไป หรือในทางกลับกัน ให้หมุนขึ้นมากเกินไป ไม่ใช่เรื่องแปลกที่นักเล่นทรอมโบนจะทำให้เครื่องดนตรีอยู่ในตำแหน่งที่ไม่ถูกต้องโดยกดค้างไว้ที่สไลด์ลง

ข้อเสียของการตั้งค่าที่เกี่ยวข้องกับตำแหน่งของนิ้วบนเครื่องมืออาจแตกต่างกันมาก:

ผู้เล่นที่ใช้เครื่องเป่าลมไม้มักจะยกนิ้วให้สูงโดยไม่จำเป็นขยับไปด้านข้าง นอกจากนี้ พวกเขานอนอยู่บนเครื่องดนตรีที่ไม่โค้งมน แต่อยู่ในตำแหน่งที่ตรงไปตรงมาซึ่งทำให้เกิดความตึงเครียดมากเกินไป ตำแหน่งศีรษะที่ไม่ถูกต้องเป็นที่ประจักษ์ในความจริงที่ว่านักดนตรีบางคนก้มศีรษะลงขณะเล่นซึ่งเป็นผลมาจากการที่คางลดลงทำให้เกิดความตึงเครียดในกล้ามเนื้อคอและคางมากขึ้น

ตำแหน่งเอียงของศีรษะสามารถพบได้ในหมู่นักแสดงในเครื่องมือลมต่างๆ แต่ส่วนใหญ่มักเกิดขึ้น: เป่าแตร, oboists, clarinetists, แตรผู้เล่น. การเอียงศีรษะไปด้านข้าง (ทางด้านขวา) เป็นเรื่องปกติโดยเฉพาะอย่างยิ่งในหมู่นักเป่าขลุ่ยที่กลายเป็นประเพณีและนิสัยที่ไม่ดี

เมื่อเริ่มต้นการเรียนรู้เกี่ยวกับเครื่องดนตรี จำเป็นต้องตรวจสอบความถูกต้องของเทคนิคการจัดเตรียมของผู้เล่นอย่างไม่ลดละ ในเวลาเดียวกัน จำเป็นเพื่อให้แน่ใจว่านักเรียนไม่เพียงแต่รู้วิธีการกำหนดเหตุผลบางอย่างเท่านั้น แต่ยังเข้าใจถึงความได้เปรียบของการใช้งานจริงด้วย

เป็นไปได้ที่จะทำให้การควบคุมการแสดงละครลดลงเมื่อเทคนิคการจัดเตรียมที่ถูกต้องกลายเป็นทักษะที่เรียนรู้อย่างถูกต้องและรวมเป็นหนึ่งสำหรับนักเรียน

ในทฤษฎีและการปฏิบัติของการศึกษาดนตรี มีหลายวิธีในการสอนเด็กก่อนวัยเรียนให้เล่นเครื่องดนตรี

มีหลายวิธีในการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีไพเราะ: โดยโน้ต โดยสีและการกำหนดตัวเลข โดยหู

การสอนเด็กให้เล่นดนตรีนั้นลำบากมาก แม้ว่าบางครั้งจะใช้ในทางปฏิบัติ เด็กก่อนวัยเรียนทุกคนไม่เชี่ยวชาญโน้ตดนตรีหากไม่มีการทำงานส่วนบุคคลอย่างต่อเนื่อง

เป็นสิ่งสำคัญที่เด็กๆ จะต้องเข้าใจความเชื่อมโยงระหว่างการจัดเรียงโน้ตบนไม้เท้าดนตรีกับเสียงของพวกเขาในทำนองเพลง ยกเว้นการทำซ้ำกลไกของตัวโน้ตดนตรี

ระบบสีที่ใช้กันทั่วไปในต่างประเทศ ช่วยให้เด็กๆ เชี่ยวชาญในการเล่นเครื่องดนตรีได้อย่างรวดเร็ว การกำหนดสีบางอย่าง (ปุ่มสี แผ่นโลหะ) ถูกกำหนดให้กับแต่ละเสียง เด็กมีบันทึกของท่วงทำนองในการกำหนดสี: ใช้วงกลมสีหรือภาพสีของโน้ตที่มีและไม่มีการกำหนดจังหวะ มันง่ายมากที่จะเล่นตามระบบนี้ แต่ด้วยวิธีการเล่นนี้ (ฉันเห็นการกำหนดโน้ตสีเขียว - ฉันกดปุ่มสีเขียว) หูจะไม่มีส่วนร่วมในการสร้างทำนองเพลง เด็กเล่นโดยอัตโนมัติ

ในทำนองเดียวกัน เด็ก ๆ จะได้รับการสอนให้เล่นโดยตัวเลขที่วางอยู่ข้างแผ่นโลหะแต่ละแผ่น และให้บันทึกทำนองเป็นโน้ตดิจิทัล การกำหนดระยะเวลาสามารถสร้างแบบจำลองได้ (ไม้ยาวและไม้สั้น ฯลฯ)

ระบบดิจิทัลที่เสนอในยุค 30 N. A. Metlov ในเวลานั้นอาจได้รับการพิสูจน์ แต่ต่อมาก็เริ่มมีการใช้งานน้อยลงเนื่องจากนำไปสู่การทำซ้ำทางกลไกของท่วงทำนอง

ทั้งสองวิธีในการสอนเด็ก (โดยใช้สีและสัญกรณ์ดิจิทัล) ทำให้ได้ผลลัพธ์ที่ต้องการได้ง่ายและรวดเร็ว แต่ไม่มีผลต่อพัฒนาการ - วิธีการเหล่านี้มีสัดส่วนของการทำซ้ำเชิงกลของท่วงทำนองมากเกินไป

ผลการพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของการเรียนรู้จะเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อเล่นด้วยหูเท่านั้น วิธีนี้ต้องมีการพัฒนาการได้ยินอย่างต่อเนื่อง การฝึกฝนการได้ยินอย่างจริงจัง

เริ่มตั้งแต่อายุยังน้อย การส่งเสริมให้เด็กฟังเสียงท่วงทำนอง เปรียบเทียบ และแยกแยะตามระดับเสียงเป็นสิ่งสำคัญ เพื่อสะสมประสบการณ์ด้านการได้ยิน เพื่อพัฒนาความสนใจในการได้ยินของเด็ก มีการใช้สื่อการสอนเพื่อจำลองการเคลื่อนไหวของท่วงทำนองขึ้น ลง ในสถานที่ นี่คือบันไดดนตรี ผีเสื้อที่เคลื่อนจากดอกไม้หนึ่งไปอีกดอกหนึ่ง (โน้ต) ฯลฯ ในขณะเดียวกันก็ขับเสียงของท่วงทำนองซึ่งสอดคล้องกับความสูงตามอัตราส่วนจำลองของเสียง

คุณยังสามารถแสดงการเคลื่อนไหวของเสียงของท่วงทำนองในขณะที่เล่นพร้อมกัน (เสียงหรือเครื่องดนตรี) ได้

วิธีการสอนให้เด็กเล่นเครื่องดนตรีด้วยหูนั้นขึ้นอยู่กับการขยายช่วงของเพลงร้องทีละน้อย ในตอนแรก เด็กจะเล่นท่วงทำนองที่สร้างขึ้นจากเสียงเดียว ก่อนเล่นเมโลดี้ เขาฟังโดยผู้กำกับเพลงที่ร้องเป็นคนแรก โดยดึงความสนใจไปที่เสียงของท่วงทำนองไม่แตกต่างกันในด้านระดับเสียง จากนั้นจึงเล่นเมทัลโลโฟนและร้องไปพร้อม ๆ กัน การร้องเพลงช่วยให้เด็กจินตนาการถึงทิศทางของทำนองได้ดีขึ้น พัฒนาความคิดด้านดนตรีและการฟัง

เด็ก ๆ ได้รับการสอนเทคนิคการแยกเสียง: จับค้อนอย่างถูกต้อง (ควรวางนิ้วชี้อย่างอิสระโดยใช้นิ้วโป้งเพียงเล็กน้อย) เป่าตรงกลางแผ่นโลหะอย่าจับค้อนบน จานแต่รีบแกะออก (เหมือนลูกกระดอน) เมื่อเล่นโน้ตยาว ค้อนควรเด้งสูงขึ้น โน้ตสั้น - ต่ำลง เมื่อเด็กเล่นเมโลดี้เป็นเสียงเดียว เขาต้องสร้างรูปแบบจังหวะให้ถูกต้อง ในการทำเช่นนี้คุณสามารถจดจ่อกับจังหวะของบทเพลงได้ เพื่อให้เข้าใจอัตราส่วนของระยะเวลาของเสียงของท่วงทำนอง พวกเขาจะจำลองโดยใช้ไม้ยาวและไม้สั้นหรือการกำหนดที่ใช้ในโน้ตดนตรี (ไตรมาสที่แปด)

ดังนั้น การเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีจึงมีสามขั้นตอน: ในระยะแรก เด็ก ๆ ฟังและจดจำท่วงทำนอง ร้องเพลง ทำความคุ้นเคยกับเทคนิคการเล่น ขั้นที่สอง พวกเขาเลือกเพลง ขั้นตอนที่สาม พวกเขาแสดงตามความประสงค์ .

วิธีการสอนให้เด็กเล่นเครื่องดนตรีขึ้นอยู่กับ:

• o - เครื่องมือที่เป็นของกลุ่มการจำแนกประเภทและกลุ่มย่อย
• o - หลักการสกัดเสียง
• o - อายุของนักแสดงและงานที่ได้รับมอบหมาย;
• o - ระดับของการพัฒนาร่างกาย, ดนตรี, อารมณ์ของนักแสดง;
• o - ความพร้อมของเงื่อนไข (วัสดุ, ชั่วคราว, องค์กร) สำหรับการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรี

วิธีการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีใด ๆ ควรมีขั้นตอนต่อไปนี้:

• 1. ทำความคุ้นเคยกับเครื่องมือ - ประวัติของการสร้าง, คุณสมบัติการออกแบบ, ความสามารถในการทำงาน;
• 2. การติดตั้งอุปกรณ์การแสดง - ร่างกาย, แขน, ฯลฯ ;
• 3. การเรียนรู้เทคนิคพื้นฐานของการแยกเสียง
• 4. การพัฒนาทักษะการแสดง - การทำงานด้านศิลปะ, การแสดงออก, อารมณ์, ความสามารถทางดนตรีและสมบูรณ์แบบทางเทคนิคของงานดนตรี
• 5. ทำงานเกี่ยวกับเพลง

วิธีการเรียนรู้การเล่นเครื่องเพอร์คัชชัน

เครื่องเพอร์คัชชันมีเสน่ห์เป็นพิเศษสำหรับนักดนตรีรุ่นใหม่ การเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันส่วนใหญ่ของวงออเคสตรา (รูเบิล, เขย่าแล้วมีเสียง, clapperboard ฯลฯ ) ไม่ต้องการเวลานานและการฝึกพิเศษ ในขณะที่การพัฒนาทักษะการเล่นที่เหมาะสมช่วยให้คุณเชี่ยวชาญเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชัน เทคนิคการเล่นที่ซับซ้อนยิ่งขึ้นได้อย่างง่ายดาย ตลอดจนเครื่องดนตรีของวงออเคสตราอีกกลุ่มหนึ่ง

ในกระบวนการทำความรู้จักกับเครื่องเพอร์คัชชัน เด็กๆ:

• · เรียนรู้เกี่ยวกับประวัติความเป็นมาของการสร้าง;
• · ศึกษาลักษณะการออกแบบ การดำเนินการ (รวมถึงด้านเทคนิค) ความเป็นไปได้
• · จัดสรรคุณลักษณะที่กำหนดลักษณะเฉพาะของเครื่องมือเฉพาะ
• สร้างการเป็นสมาชิกของกลุ่มย่อยตามองค์ประกอบการสร้างเสียง:
  • - ตัวเครื่องมือ - เสียงรบกวน;
  • - เมมเบรน, เมมเบรน - เมมเบรน;
  • - จาน - แผ่น;
  • - การปรากฏตัวขององค์ประกอบที่เหมือนเสียงหลายอย่าง - แบบรวม;
• เรียนรู้วิธีการผลิตเสียง
• - จากการกระแทกของนิ้วมือ ฝ่ามือ แท่ง ค้อน ค้อน เครื่องมือ (คล้ายและไม่เหมือนกัน) หรือชิ้นส่วนของเครื่องมือต่อกัน
• - เป็นผลมาจากการสั่น
• - แรงเสียดทาน (เลื่อน);
• - วิธีการสร้างเสียงอื่น ๆ รวมทั้งวิธีผสม
• · เรียนรู้คุณสมบัติของเสียง (ไม่แน่นอนหรือแน่นอน, ลักษณะเสียงต่ำ, ความเป็นไปได้แบบไดนามิก, ฯลฯ );
• · รับความรู้เกี่ยวกับคุณสมบัติของการใช้เครื่องเพอร์คัชชัน (การสร้างพื้นหลังจังหวะ ostinato, เอฟเฟกต์เสียง, การเลียนแบบเสียง, การเล่นเดี่ยว, ในกลุ่ม, ความพยายามของเฉดสีแบบไดนามิก ฯลฯ )

กระบวนการเรียนรู้เกมควรเริ่มต้นด้วยการอุ่นเครื่องแบบพิเศษโดยไม่ต้องใช้เครื่องมือ สิ่งนี้จะช่วยให้คุณสามารถเตรียมอุปกรณ์ของผู้ใช้สำหรับเกม สร้างและสะท้อนความรู้สึกของกล้ามเนื้อที่จำเป็นสำหรับเกม และพัฒนาประสานมือ ในระยะเริ่มต้น ขอแนะนำให้ศึกษาเครื่องมือที่ไม่มีระดับเสียงที่แน่นอน (จากกลุ่มย่อยของเสียงและเยื่อบางๆ)

ดังนั้นหลังจากวิเคราะห์วิธีการสอนให้เด็กเล่นเครื่องดนตรีแล้ว เราสามารถสรุปได้ว่าการเล่นด้วยหูจะทำให้เกิดพัฒนาการที่ยิ่งใหญ่ที่สุด