พัฒนาการของการวาดภาพในรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 การวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซียและความคิดสร้างสรรค์ของ G.I. Gurkin และ A.O. นิคูลินา

เช่นเดียวกับในวรรณคดีในทัศนศิลป์ก็มี หลายทิศทาง: จากความสมจริงซึ่งสืบสานประเพณีของผู้ออกเดินทางในศตวรรษที่ 19 ไปจนถึงลัทธิเปรี้ยวจี๊ดซึ่งสร้างสรรค์งานศิลปะสมัยใหม่ ศิลปะแห่งอนาคต แต่ละการเคลื่อนไหวมีทั้งแฟนและคู่ต่อสู้

ในเวลานี้ การวาดภาพประเภทต่างๆ ลดลงอย่างค่อยเป็นค่อยไป ซึ่งเป็นพื้นฐานของศิลปะของผู้พเนจร และความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะภาพบุคคล กราฟิก ตลอดจนศิลปะการแสดงละครและการตกแต่ง

ในช่วงเวลานี้ สมาคมศิลปินใหม่จำนวนหนึ่งได้ถูกสร้างขึ้นพร้อมกับ "สมาคมนิทรรศการการเดินทาง": "โลกแห่งศิลปะ" ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (พ.ศ. 2442-2467; S. Diaghilev - ผู้ก่อตั้ง A. Benois, K. Somov, L. Bakst, I. Grabar, A. Ostroumova-Lebedeva ฯลฯ ), "สหภาพศิลปินรัสเซีย" ในมอสโก (2446-2466; K. Korovin, K. Yuon, A. Arkhipov ฯลฯ ) " กุหลาบสีน้ำเงิน" (1907; P. Kuznetsov , V. Maryan, S. Sudeikin ฯลฯ ), "Jack of Diamonds" (1910-1916; P. Konchalovsky, R. Falk, A. Lentulov ฯลฯ ) องค์ประกอบของสมาคมมีความคล่องตัวและเคลื่อนที่ได้ พลวัตของการพัฒนาอยู่ในระดับสูง บ่อยครั้งที่ผู้จัดงานเองและสมาชิกออกจากสหภาพหนึ่งและย้ายไปที่อื่น ความเร็วของวิวัฒนาการทางศิลปะค่อยๆเพิ่มขึ้น

คุณสมบัติลักษณะระยะเวลาคือ:

• การจัดแนวการพัฒนาที่ไม่สม่ำเสมอของงานศิลปะประเภทต่าง ๆ ถัดจากการวาดภาพคือสถาปัตยกรรม ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ หนังสือกราฟิก ประติมากรรม ทิวทัศน์โรงละคร; ความเป็นเจ้าโลกของการวาดภาพขาตั้งในช่วงกลางศตวรรษกำลังกลายเป็นเรื่องในอดีต
• ศิลปินสากลรูปแบบใหม่กำลังก่อตัวขึ้นซึ่ง "ทำได้ทุกอย่าง" - วาดภาพและ แผงตกแต่งจัดทำบทความสั้นสำหรับหนังสือและภาพวาดอนุสาวรีย์ ปั้นประติมากรรม และ “เรียบเรียง” เครื่องแต่งกายละคร(Vrubel ศิลปินแห่งโลกแห่งศิลปะ);
• กิจกรรมพิเศษของชีวิตนิทรรศการเมื่อเทียบกับช่วงก่อนหน้า
• ความสนใจในงานศิลปะจากแวดวงการเงิน การเกิดขึ้นของวัฒนธรรมการกุศล เป็นต้น

ทิศทางที่สมจริงในการวาดภาพแสดงโดย I. E. Repin ตั้งแต่ปี 1909 ถึง 1916 เขาวาดภาพบุคคลมากมาย: P. Stolypin, จิตแพทย์ V. Bekhterev ฯลฯ ตั้งแต่ปี 1917 ศิลปินพบว่าตัวเองเป็น "ผู้อพยพ" หลังจากที่ฟินแลนด์ได้รับเอกราช

ภาพวาดใหม่และศิลปินใหม่

ช่วงเวลาที่วุ่นวายในการค้นหาทำให้โลกมีภาพวาดใหม่และชื่อศิลปินที่ยอดเยี่ยม เรามาดูผลงานของบางคนกันดีกว่า

วาเลนติน อเล็กซานโดรวิช เซรอฟ (2408-2454)

วาเลนติน อเล็กซานโดรวิช เซรอฟ(พ.ศ. 2408-2454) V. A. Serov เกิดในครอบครัวของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียคนสำคัญ Alexander Nikolaevich Serov ผู้แต่งโอเปร่า "Judith", "Rogneda", "Enemy Power" แม่ของศิลปินซึ่งเป็นนักแต่งเพลงและนักเปียโน มีบทบาทสำคัญในการกำหนดบุคลิกภาพของเขา ตั้งแต่อายุ 10 ขวบ V. Serov ศึกษาการวาดภาพและระบายสีกับ I. Repin ตามคำแนะนำของเขาในปี 1880 เขาเข้าสู่ Academy of Arts และเรียนกับอาจารย์ชื่อดัง Pavel Petrovich Chistyakov (1832-1919) ซึ่งผสมผสานประเพณีของ การเรียนรู้เชิงวิชาการตามประเพณีแห่งความสมจริง ประสิทธิภาพและความทุ่มเทอันน่าทึ่ง พรสวรรค์ดั้งเดิมตามธรรมชาติได้เปลี่ยน Serov ให้กลายเป็นหนึ่งในศิลปินที่ดีที่สุดและหลากหลายแห่งช่วงเปลี่ยนศตวรรษ

เขามีบทบาทพิเศษในชีวประวัติที่สร้างสรรค์ของ Serov วงกลมอับรามเซโว (วงกลมมามอนตอฟ). ในเมือง Abramtsevo นั้น Serov วัย 22 ปีเขียนเรื่อง "Girl with Peaches" (พ.ศ. 2430, Vera Mamontova) (ป่วย 27) และอีกหนึ่งปีต่อมาผลงานชิ้นเอกใหม่ - "Girl Illuminated by the Sun" (Masha Simonovich) ชื่อเสียงของ Serov เริ่มต้นด้วยผลงานเหล่านี้ วาเลนตินยังเป็นเด็ก มีความสุข มีความรัก กำลังจะแต่งงาน เขาอยากจะเขียนเรื่องราวที่สนุกสนานและสวยงาม เพื่อละทิ้งเรื่องราวของคนพเนจร แนวเพลงมีการผสมผสานกัน: ภาพเหมือนผสมกับทิวทัศน์ และการตกแต่งภายใน อิมเพรสชั่นนิสต์ชอบส่วนผสมนี้ มีเหตุผลที่ทำให้เชื่อได้ว่า Serov เริ่มต้นจากการเป็นอิมเพรสชั่นนิสต์

ช่วงเวลาแห่งความมึนเมากับโลกนั้นมีอายุสั้น อิมเพรสชั่นนิสม์ค่อยๆ ลดลง และศิลปินก็มีมุมมองที่ลึกซึ้งและจริงจัง ในยุค 90 เขากลายเป็นจิตรกรภาพเหมือนชั้นหนึ่ง Serov สนใจในบุคลิกภาพของผู้สร้าง: ศิลปิน นักเขียน นักแสดง มาถึงตอนนี้ มุมมองของเขาเกี่ยวกับแบบจำลองก็เปลี่ยนไป เขามีความสนใจ ลักษณะนิสัยที่สำคัญ. ในขณะที่ทำงานเกี่ยวกับการถ่ายภาพบุคคลเขาได้พัฒนาแนวคิดเรื่อง "ศิลปะที่ชาญฉลาด" โดยศิลปินใช้สายตาที่มีเหตุผล ในเวลานี้ "ภาพเหมือนของศิลปินเลวีแทน" ปรากฏขึ้น ภาพเด็กสองสามภาพ ภาพผู้หญิงที่น่าเศร้า

ทิศทางที่สองในภาพวาดของ Serov ในปี พ.ศ. 2433-2543 เป็นผลงานที่อุทิศให้กับ หมู่บ้านรัสเซียซึ่งผสมผสานหลักการประเภทและภูมิทัศน์เข้าด้วยกัน "ตุลาคม Domotkanovo" - รัสเซียในชนบทที่เรียบง่ายพร้อมวัว คนเลี้ยงแกะ กระท่อมง่อนแง่น

ยุคปั่นป่วนในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 เปลี่ยนศิลปินและภาพวาดของเขา Serov เริ่มยุ่งอยู่กับภารกิจในการเปลี่ยนแปลงความเป็นจริง การเขียน มากกว่าการเขียนจากชีวิต

ในภาพเหมือนเขามุ่งหน้าสู่รูปแบบที่ยิ่งใหญ่ ขนาดผ้าใบกำลังเพิ่มขึ้น ร่างนี้ถูกแสดงให้เต็มความสูงมากขึ้นเรื่อยๆ นี่คือภาพบุคคลที่มีชื่อเสียงของ M. Gorky, M. N. Ermolova, F. I. Chaliapin (1905) Serov ไม่ได้งดเว้นความหลงใหลในความทันสมัย สิ่งนี้สามารถเห็นได้ในภาพเหมือนของนักเต้นชื่อดัง "Ida Rubinstein" (1910) ร่างกายที่เปลือยเปล่าเน้นย้ำถึงพฤติกรรมฟุ่มเฟือยของเธอและในเวลาเดียวกันการแตกหักอันน่าสลดใจของเธอ เธอเหมือนผีเสื้อแสนสวยที่ถูกตรึงไว้บนผืนผ้าใบ และร่างนั้นดูเปราะบางและไม่มีตัวตน ในภาพมีเพียง 3 สีเท่านั้น “ Portrait of O.K. Orlova” (1911) ก็ใกล้เคียงกับสไตล์นี้เช่นกัน

ระหว่างปี พ.ศ. 2443-2453 เซรอฟยื่นอุทธรณ์ ไปจนถึงประเภทประวัติศาสตร์และตำนาน. "ปีเตอร์ฉัน" (1907) คือ ภาพวาดขนาดเล็กทำในอุบาทว์ ที่นี่ไม่มีจุดเปลี่ยน แต่มีจิตวิญญาณแห่งยุคสมัย ซาร์บนเกาะวาซิลเยฟสกีนั้นทั้งยิ่งใหญ่และน่ากลัว

ในที่สุดเขาก็ถูกพาตัวไป ตำนานโบราณ. หลังจากการเดินทางไปกรีซ ภาพที่น่าอัศจรรย์และเป็นจริงเรื่อง "The Rape of Europa" (1910) ก็ปรากฏขึ้น ในนั้นเขาได้ไปถึงต้นกำเนิดของตำนานและนำโบราณวัตถุเข้ามาใกล้เรามากขึ้น - Serov ยืนอยู่บนธรณีประตูของการค้นพบใหม่เนื่องจากเขาไม่เคยหยุดนิ่ง เขาเดินทางมาไกลอย่างสร้างสรรค์โดยได้ลองตัวเองในหลายทิศทางและในประเภทการวาดภาพหลายประเภท

ในช่วงปีแห่งการปฏิวัติรัสเซียครั้งที่ 1 Serov แสดงตัวเองว่าเป็น คนที่มีอุดมการณ์เห็นอกเห็นใจ. เพื่อตอบสนองต่อเหตุกราดยิงในการเดินขบวนอย่างสงบเมื่อวันที่ 9 มกราคม เขาได้ลาออกจากตำแหน่งนักวิชาการและลาออกจากโรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมแห่งมอสโก ซึ่งเขาเคยสอนร่วมกับคอนสแตนติน โคโรวิน มาตั้งแต่ปี 1901 และฝึกฝนศิลปินที่โดดเด่นมากมายในกาแล็กซี รวมถึง P. Kuznetsova, K. Petrova-Vodkina, S. Sudeikina, R. Falka, K. Yuona, I. Mashkova และคนอื่น ๆ

วิกเตอร์ เอลปิดิโฟโรวิช โบริซอฟ-มูซาตอฟ (2413-2448)

วิกเตอร์ เอลปิดิโฟโรวิช โบริซอฟ-มูซาตอฟ(พ.ศ. 2413-2448) ศิลปินมาจากครอบครัว Saratov ธรรมดา พ่อของเขาทำหน้าที่เป็นนักบัญชีบนทางรถไฟ เมื่ออายุได้สามขวบเกิดอุบัติเหตุเกิดขึ้นกับเขา - เนื่องจากการล้มทำให้เด็กชายได้รับบาดเจ็บที่กระดูกสันหลังซึ่งต่อมาทำให้เกิดการหยุดการเจริญเติบโตและมีลักษณะเป็นโคก การปรากฏตัวของเขาทำให้ศิลปินต้องทนทุกข์ทรมานจากความเหงาจากการแตกต่างจากคนอื่นจากความเจ็บปวดทางร่างกาย แต่ทั้งหมดนี้ไม่ได้หยุดเขาจากการเป็นผู้นำในหมู่ศิลปินรุ่นเยาว์ในระหว่างที่เขาเรียนอยู่ เขาเป็นผู้ชายที่โดดเด่น เงียบขรึม จริงจัง มีเสน่ห์ สง่างามอย่างเด่นชัด และแต่งกายอย่างประณีตแม้กระทั่งหรูหรา เขาสวมเนคไทสีสดใสทันสมัยและสร้อยข้อมือเงินหนักเป็นรูปงู

ในช่วงปีการศึกษาของเขา (พ.ศ. 2433 - MUZHVZ, พ.ศ. 2434 - Academy of Arts, พ.ศ. 2436 - มอสโก, พ.ศ. 2438 - ปารีส) เขาได้เพิ่มส่วนที่สองของนามสกุล Borisov ตามชื่อปู่ของเขาซึ่งทำให้มีเสียงสูงส่งของชนชั้นสูง ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในมอสโก เขามีความรู้สึกอย่างมากต่อหญิงสาวที่มีเสน่ห์และร่าเริง Elena Vladimirovna Alexandrova ซึ่งมีเพียงในปี พ.ศ. 2445 เท่านั้นที่จะกลายเป็นภรรยาของเขาและให้กำเนิดลูกสาว ศิลปินวาดภาพ Elena Vladimirovna ในภาพวาด "Pond" ร่วมกับน้องสาวของเธอ

ความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นเอกลักษณ์ของ Borisov-Musatov แบ่งออกเป็นหลายทิศทาง บางคนมองว่าเขาเป็น ศิลปินสัญลักษณ์บางคนเชื่อว่างานศิลปะของเขาซึ่งเริ่มต้นจากอิมเพรสชันนิสม์กลายเป็นศิลปะหลังอิมเพรสชันนิสม์ในรูปแบบภาพและการตกแต่ง ไม่ว่ามันจะเป็นทิศทางใดก็ตาม งานศิลปะของเขายังเป็นต้นฉบับและมีอิทธิพลโดยตรงต่อกลุ่มศิลปินที่แสดงในนิทรรศการ “กุหลาบสีน้ำเงิน” ในปี 1907 (กุหลาบสีน้ำเงินเป็นสัญลักษณ์ของความฝันที่ยังไม่บรรลุผล)

ภาพวาดของเขา- นี่คือความปรารถนาที่จะสูญเสียความงามและความกลมกลืนบทกวีอันสง่างามของที่ดินและสวนสาธารณะเก่าที่ว่างเปล่า "รังอันสูงส่ง" ที่กำลังจะตายเหล่านี้เป็นไปไม่ได้หากไม่มีรูปผู้หญิง นางแบบที่เขาชื่นชอบคือน้องคนสุดท้อง น้องสาวเอเลน่า(“ภาพเหมือนตนเองกับน้องสาว”, พ.ศ. 2441, “ผ้าม่าน”, พ.ศ. 2444 ฯลฯ) เธอยังเป็นผู้ช่วยและเพื่อนสนิทของเขาด้วย ในภาพเขียนของ Borisov-Musatov ส่วนใหญ่ไม่มีจุดเริ่มต้นหรือโครงเรื่อง สิ่งสำคัญที่นี่คือการเล่นสี แสง เส้น ผู้ชมชื่นชมความงามของภาพวาดและละครเพลง Borisov-Musatov เก่งกว่าคนอื่นๆ ในการค้นพบความเชื่อมโยงระหว่างเสียงและการวาดภาพ โลกของ Musatov ดูเหมือนจะอยู่นอกเหนือกาลเวลาและอวกาศ ภาพวาดของเขามีลักษณะคล้ายกับพรมโบราณ ("สร้อยคอมรกต" พ.ศ. 2446-2447, "อ่างเก็บน้ำ" พ.ศ. 2445 ฯลฯ ) ซึ่งสร้างขึ้นใน "จานสีของ Musatov" ที่เย็นสบายอย่างประณีตโดยโดดเด่นด้วยโทนสีน้ำเงินสีเขียวและสีม่วง สำหรับศิลปิน สีเป็นวิธีหลักในการแสดงออกในภาพวาดดนตรีและบทกวีของเขา ซึ่งฟัง "ท่วงทำนองแห่งความโศกเศร้าโบราณ" อย่างชัดเจน

มิคาอิล อเล็กซานโดรวิช วรูเบล (1856-1910)

มิคาอิล อเล็กซานโดรวิช วรูเบล(พ.ศ. 2399-2453) Mikhail Vrubel เกิดเมื่อวันที่ 17 มีนาคม พ.ศ. 2399 ในเมืองออมสค์ พ่อของเขาเป็นทหารและครอบครัวมักเปลี่ยนสถานที่อยู่อาศัย

Vrubel เข้าสู่ Academy of Arts ในปี พ.ศ. 2423 (ร่วมกับ Serov) ก่อนหน้านั้นเขาสำเร็จการศึกษาจากคณะนิติศาสตร์มหาวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและ Richelieu Gymnasium ในโอเดสซาด้วยเหรียญทอง

ในปี 1884 เขาออกจากเวิร์คช็อปของ Chistyakov และไปที่ Kyiv ซึ่งเขาดูแลการบูรณะจิตรกรรมฝาผนังของโบสถ์ St. Cyril และเสร็จสิ้นการแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่จำนวนหนึ่ง ความฝันของ Vrubel คือการวาดภาพวิหาร Vladimir ใน Kyiv แต่ Vasnetsov กำลังทำงานอยู่ที่นั่นอยู่แล้ว แต่ในเวลานั้น ชุดสีน้ำปรากฏขึ้นพร้อมกับธีมของ "The Funeral Lament" และ "Resurrection" ซึ่งสไตล์อันเป็นเอกลักษณ์ของ Vrubel ได้เป็นรูปเป็นร่างขึ้นมา รูปแบบของ Vrubel มีพื้นฐานมาจากการบดขยี้พื้นผิวของรูปทรงให้เป็นขอบที่แหลมคม เปรียบเสมือนวัตถุกับการก่อตัวของผลึกบางอย่าง สีคือการส่องสว่างชนิดหนึ่ง แสงที่ส่องผ่านขอบของรูปแบบผลึก

Vrubel นำภาพวาดขาตั้งมาสู่ ความยิ่งใหญ่. นี่คือวิธีการเขียน "The Seated Demon" (1890) แสงที่นี่มาจากภายใน ชวนให้นึกถึงเอฟเฟกต์ของกระจกสี ปีศาจของ Vrubel ไม่ใช่ปีศาจ เขาเทียบได้กับผู้เผยพระวจนะ เฟาสท์ และแฮมเล็ต นี่คือตัวตนของความแข็งแกร่งของไททานิคและการต่อสู้ภายในอันเจ็บปวด เขามีความสวยงามและสง่างาม แต่ในดวงตาของเขามุ่งตรงไปยังเหวลึกและด้วยท่าทางที่ประสานมือ เราสามารถอ่านความเศร้าโศกอันไร้ขอบเขตได้ ภาพลักษณ์ของปีศาจจะปรากฏในผลงานทั้งหมดของ Vrubel (“The Flying Demon,” 1899, “The Defeated Demon,” 1902; ดังที่ผู้ร่วมสมัยและพยานกล่าวว่า ไม่ใช่เวอร์ชันที่ดีที่สุดของ Demons ที่มาถึงเรา) ในปี 1906 นิตยสาร Golden Fleece ซึ่งเป็นอวัยวะจัดพิมพ์ของ Symbolists ได้ตีพิมพ์บทกวีของ V. Bryusov เรื่อง "To M. I. Vrubel" ซึ่งเขียนภายใต้ความประทับใจของ "The Defeated Demon":

และในเวลาบ่ายโมงตรงพระอาทิตย์ตกดินที่ลุกเป็นไฟ
คุณเห็นระหว่างภูเขานิรันดร์
เหมือนวิญญาณแห่งความยิ่งใหญ่และคำสาปแช่ง
ตกลงไปในช่องว่างจากที่สูง
และที่นั่นในทะเลทรายอันศักดิ์สิทธิ์
มีเพียงคุณเท่านั้นที่เข้าใจมันจนจบ
ปีกที่กางออกเป็นประกายแวววาวของนกยูง
และความโศกเศร้าของใบหน้าเอเดนิค!

Vrubel ทำงานใน Kyiv เคยเป็นขอทาน เขาถูกบังคับให้ทำงานในโรงเรียนสอนวาดรูป ให้บทเรียนส่วนตัว และแต่งภาพให้สวยงาม เมื่ออายุ 33 ปี ศิลปินอัจฉริยะออกจากเคียฟตลอดไป (พ.ศ. 2432) และไปมอสโคว์ เขาตั้งรกรากอยู่ในเวิร์คช็อปของ Serov และ Korovin Korovin แนะนำให้เขารู้จักกับแวดวงแมมมอธ และ Savva Ivanovich Mamontov เองก็มีบทบาทอย่างมากในชีวิตของ Vrubel เขาเชิญเขาให้อาศัยอยู่ในคฤหาสน์ของเขาบนถนน Sadovo-Spasskaya และทำงานใน Abramtsevo ในช่วงฤดูร้อน ขอบคุณ Mamontov เขาเดินทางไปต่างประเทศหลายครั้ง

ยุคแห่งความคิดสร้างสรรค์ของมอสโกเป็นช่วงที่เข้มข้นที่สุด แต่ก็น่าเศร้าที่สุด Vrubel มักพบว่าตัวเองเป็นศูนย์กลางของความขัดแย้ง ถ้า Stasov เรียกเขาว่าคนเสื่อม Roerich ก็ชื่นชมความอัจฉริยะของผลงานของเขา สิ่งนี้เป็นเรื่องที่เข้าใจได้เนื่องจากงานของ Vrubel เองก็ไม่ได้ปราศจากความขัดแย้งและการปฏิเสธ ผลงานของเขาได้รับรางวัลสูงสุดในนิทรรศการระดับนานาชาติ (เหรียญทองในปารีสในปี 1900 สำหรับเตาผิง majolica) และการละเมิดที่สกปรกจากการวิพากษ์วิจารณ์อย่างเป็นทางการ ผืนผ้าใบของศิลปินโดดเด่นด้วยสีสันยามค่ำคืนที่หนาวเย็น บทกวีแห่งชัยชนะยามค่ำคืนในแผงที่งดงาม "Lilac" ในภูมิทัศน์ "Towards Night" (1990) ในภาพวาดในตำนาน "Pan" (1899) ในเทพนิยาย "The Swan Princess" (1900) (ป่วย 28) ภาพวาดของ Vrubel หลายภาพเป็นอัตชีวประวัติ

ในชีวิตเขาต้องผ่านช่วงเวลาแห่งการรับรู้ที่ผิด การเร่ร่อน และชีวิตที่ไม่มั่นคง ดาวแห่งความหวังสว่างขึ้นตั้งแต่วินาทีที่ฉันได้พบกับ Nadezhda Zabela - นักร้องเพลงโอเปร่า(พ.ศ. 2439) ซึ่งแนะนำให้เขารู้จักกับโลกแห่งดนตรีพาเขามาพบกับริมสกี - คอร์ชาคอฟ (ภายใต้อิทธิพลของมิตรภาพของเขากับนักแต่งเพลงและดนตรีของเขา Vrubel เขียนภาพวาดเทพนิยายของเขา "The Swan Princess", "สามสิบ- วีรบุรุษทั้งสาม” ฯลฯ สร้างประติมากรรม "Volkhov", "Mizgir" ฯลฯ ) แต่แข็งแกร่ง ความตึงเครียดประสาทได้ทำให้ตัวเองรู้สึก ในปี 1903 หลังจากการตายของ Savva ลูกชายวัยสองขวบของเขา ตัวเขาเองก็ขอให้พาไปโรงพยาบาลเนื่องจากผู้ป่วยทางจิต ในช่วงเวลาของการตรัสรู้แห่งจิตสำนึกเขาได้เขียนภาพ Nadezhda ของเขาอีก 2 ภาพในบรรดาภาพวาดเหล่านั้น (ภาพแรกเทียบกับฉากหลังของต้นเบิร์ชในฤดูใบไม้ร่วงที่เปลือยเปล่าอันดับที่ 2 หลังจากการแสดงข้างเตาผิงแบบเปิด) เมื่อถึงบั้นปลายชีวิตเขาก็ตาบอด 14 เมษายน พ.ศ. 2453

มิคาอิล อเล็กซานโดรวิช วรูเบล เสียชีวิตในคลินิกเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กของดร. บารี ในปี 1910 ผู้คนจำนวนมากเข้าร่วมในงานศพของศิลปินเมื่อวันที่ 16 เมษายนที่สุสานของคอนแวนต์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Novodevichy A. Blok พูดที่หลุมศพ: "...ฉันทำได้เพียงสั่นเทากับสิ่งที่ Vrubel และคนอื่น ๆ เช่นเขาเปิดเผยต่อมนุษยชาติหนึ่งครั้งต่อศตวรรษ เราไม่เห็นโลกที่พวกเขาเห็น" มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของ Vrubel มีความหลากหลายมากตั้งแต่ภาพวาดขาตั้งไปจนถึงภาพวาดอนุสาวรีย์ตั้งแต่ majolica ไปจนถึงการเปลี่ยนตั้งแต่การออกแบบการแสดงในโอเปร่าส่วนตัวของ Mamontov ไปจนถึงการออกแบบตกแต่งภายในของคฤหาสน์ Morozov โดยสถาปนิก Fyodor Osipovich Shekhtel บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมบางคนถึงเรียกเขาว่าเป็นศิลปินเชิงสัญลักษณ์และเปรียบเทียบผลงานของเขากับซิมโฟนีของ Scriabin กวีนิพนธ์ในยุคแรก ๆ ของ Blok และ Bryusov และคนอื่น ๆ ซึ่งเป็นศิลปินในสไตล์อาร์ตนูโว บางทีอาจจะถูกต้องทั้งคู่ ตัวเขาเองไม่คิดว่าตัวเองเป็นสมาชิกของการเคลื่อนไหวใด ๆ ลัทธิเดียวสำหรับเขาคือความงาม แต่มีกลิ่นอายของความเศร้าโศกแบบ Vrubelian และ "ความเบื่อหน่ายอันศักดิ์สิทธิ์"

“โลกแห่งศิลปะ” (พ.ศ. 2442-2467)

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1890 ด้วยการสนับสนุนทางการเงินของเจ้าหญิง Tenisheva และ Mamontov Sergei Pavlovich Diaghilev ก่อตั้ง นิตยสาร "โลกแห่งศิลปะ"ซึ่งเขาใช้โชคลาภส่วนใหญ่ของเขาเอง ในไม่ช้าชื่อของนิตยสารก็ถูกใช้อย่างแพร่หลายและกลายเป็นคำจำกัดความของแพลตฟอร์มด้านสุนทรียศาสตร์ทั้งหมด

"โลกแห่งศิลปะ" เป็นปฏิกิริยาเฉพาะของปัญญาชนที่สร้างสรรค์ของรัสเซียต่อการสื่อสารมวลชนที่มากเกินไป ทัศนศิลป์ Peredvizhniki ไปสู่การเมืองของวัฒนธรรมทั้งหมดโดยรวมอันเนื่องมาจากความรุนแรงของวิกฤตการณ์ทั่วไปของจักรวรรดิรัสเซีย กองบรรณาธิการหลักของนิตยสารคือศิลปินและนักเขียนรุ่นเยาว์ที่เป็นเพื่อนกันมาตั้งแต่สมัยมัธยม: Somov, Benois, Bakst, Dobuzhinsky, Roerich, Serov, Korovin, Vrubel, Bilibin ผลงานของพวกเขาเป็นเกาะแห่งความงามที่ขัดแย้งกัน โลกที่ซับซ้อน. เมื่อหันไปหาศิลปะแห่งอดีตด้วยการปฏิเสธความเป็นจริงสมัยใหม่อย่างเปิดเผย "World of Art" แนะนำให้สาธารณชนชาวรัสเซียรู้จักกับเทรนด์ศิลปะใหม่สำหรับรัสเซีย (อิมเพรสชั่นนิสต์) และยังค้นพบชื่อที่ยิ่งใหญ่ของ Rokotov, Lavitsky, Borovikovsky และคนอื่น ๆ ที่ถูกลืมโดย ผู้ร่วมสมัยของพวกเขา

นิตยสารดังกล่าวมีคุณภาพการพิมพ์สูงสุดพร้อมภาพประกอบมากมาย - เป็นสิ่งพิมพ์ที่มีราคาแพง Mamontov ประสบความสูญเสียทางการเงินอย่างหนักในปี 1904 Diaghilev ทำทุกอย่างเท่าที่ทำได้เพื่อรักษานิตยสาร เขาใช้ทุนส่วนใหญ่ของตัวเองเพื่อตีพิมพ์ต่อ แต่ค่าใช้จ่ายเพิ่มขึ้นอย่างควบคุมไม่ได้และต้องยุติการตีพิมพ์

และในปี 1906 Diaghilev สามารถจัดนิทรรศการภาพวาดรัสเซียในปารีสโดยเป็นส่วนหนึ่งของ Autumn Salon

เป็นครั้งแรกที่นิทรรศการนี้ปารีสเห็น จิตรกรและประติมากรชาวรัสเซีย. มีการนำเสนอโรงเรียนสอนวาดภาพทุกแห่งตั้งแต่ไอคอนยุคแรกไปจนถึงจินตนาการของนักทดลองแนวหน้า ความสำเร็จของนิทรรศการครั้งนี้ยิ่งใหญ่มาก

มาดูสมาชิกบางคนของสังคมนี้ให้ละเอียดยิ่งขึ้น (การเป็นสมาชิกของ World of Art เปลี่ยนไป)

ผู้บัญญัติกฎหมายด้านสุนทรียะและนักอุดมการณ์ของ "โลกแห่งศิลปะ" คือ อเล็กซานเดอร์ เบนัวส์. ครอบครัว MirIskusnik ไม่ต้องการพึ่งพาความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขาในหัวข้อของวันนั้น เช่น นักสัจนิยมและนักพเนจร พวกเขายืนหยัดเพื่อเสรีภาพส่วนบุคคลของศิลปินซึ่งสามารถบูชาอะไรก็ได้และพรรณนามันบนผืนผ้าใบ แต่มีข้อ จำกัด ที่สำคัญมาก: มีเพียงความงามและความชื่นชมในความงามเท่านั้นที่สามารถเป็นแหล่งของความคิดสร้างสรรค์ได้ ความเป็นจริงสมัยใหม่เป็นสิ่งที่แปลกสำหรับความงาม ซึ่งหมายความว่าแหล่งที่มาของความงามสามารถเป็นศิลปะและอดีตอันรุ่งโรจน์ได้ ด้วยเหตุนี้การแยกศิลปิน Mir Iskus ออกจากชีวิต โจมตีความสมจริงของชาวนาของผู้พเนจร และดูถูกร้อยแก้วของสังคมชนชั้นกลาง

อเล็กซานเดอร์ นิโคเลวิช เบอนัวส์ (2413-2504)

อเล็กซานเดอร์ นิโคลาวิช เบอนัวส์ (พ.ศ. 2413-2504) เกิดในครอบครัวของสถาปนิกศาลเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาเติบโตมาในบรรยากาศที่เต็มไปด้วยความสนใจในศิลปะวังในอดีต เขาศึกษาที่ Academy of Arts และเข้าร่วมเวิร์คช็อปของ I. E. Repin

เบอนัวต์เป็นนักอุดมคติ "โลกแห่งศิลปะ". ลวดลายที่ชื่นชอบในภาพวาดของเขาคือความสง่างามของงานศิลปะของชนชั้นสูง เบอนัวต์ปฏิเสธที่จะมองหาความงามในความวุ่นวายของชีวิตรอบตัวเขา และหันไปสู่ยุคศิลปะที่มีมายาวนาน แสดงให้เห็นถึงช่วงเวลาของ Louis XIV, Elizabeth และ Catherine ที่หลงใหลในความงามของ Versailles, Tsarskoye Selo, Peterhof และ Pavlovsk เขารู้สึกว่าทั้งหมดนี้หายไปตลอดกาล (“ The Marquise's Bath”, 1906, “ The King”, 1906, “ ขบวนพาเหรดภายใต้ Paul I”, 1907 ฯลฯ เราพบแรงจูงใจเดียวกันใน E. Lansenre (1875-1946), “ Empress Elizaveta Petrovna in Tsarskoe Selo” ฯลฯ )

แต่เบอนัวต์ต้องเผชิญกับความจริงของชีวิตผ่านผลงานของ Pushkin, Dostoevsky, Tolstoy, Tchaikovsky, Mussorgsky เมื่อเขาทำงานเกี่ยวกับภาพประกอบหนังสือและฉากละครสำหรับผลงานของพวกเขา

อิสรภาพ ความเฉลียวฉลาด และพลังภายในของการวาดภาพทำให้ภาพประกอบของเบอนัวต์เรื่อง "The Bronze Horseman" โดย A. S. Pushkin โดดเด่น เมื่อเบอนัวต์พรรณนาถึงการที่นักขี่ม้าของราชวงศ์ไล่ตามยูจีน เขาก็กลับกลายเป็นสิ่งที่น่าสมเพชอย่างแท้จริง: ศิลปินพรรณนาถึงการแก้แค้นของ "การกบฏ" ผู้ชายตัวเล็ก ๆต่อต้านอัจฉริยะของผู้ก่อตั้งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ทำงานเกี่ยวกับฉากละครเบอนัวส์ใช้โปรแกรม World of Art เนื่องจากการแสดงละครเป็นนิยายที่แปลกประหลาด "เวทมนตร์บนเวที" หรือภาพลวงตาเทียม เขาถูกเรียกว่า "นักมายากลโรงละคร" มันเกี่ยวข้องโดยตรงกับความรุ่งโรจน์ของศิลปะรัสเซียในปารีสในช่วงนั้น ฤดูกาลละคร Sergei Diaghilev (เบอนัวต์เป็นผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของฤดูกาลละครในปารีส พ.ศ. 2451-2454) เขาสร้างภาพร่างทิวทัศน์สำหรับโอเปร่า "Twilight of the Gods" โดย Wagner (Mariinsky Theatre, 1902-1903), บัลเล่ต์ "Pavilion of Artemis" โดย Tcherepnin "Mariinsky Theatre, 1907 และ 1909, บัลเล่ต์ "Petrushka" โดย Stravinsky (โรงละครบอลชอย พ.ศ. 2454-2555) โอเปร่า " ไนติงเกล" (องค์กรของ Diaghilev ในปารีส พ.ศ. 2452)

เบอนัวส์เต็มใจนำผลงานของเขาไปใช้ในรูปแบบของโรงละครในศาลในศตวรรษที่ 17-18 ไปจนถึงเทคนิคการแสดงตลกต่างประเทศโบราณ การแสดงหวัว และเรื่องตลกขบขัน ซึ่งมี "โลกแห่งศิลปะ" ที่สวมบทบาทอันน่าอัศจรรย์

เบอนัวส์ยอมรับข้อเสนอแนะของสตานิสลาฟสกีและออกแบบการแสดงหลายรายการที่โรงละครศิลปะมอสโก ซึ่งรวมถึง "The Imaginary Invalid", "Marriage by Force" โดย Moliere (1912), "The Landlady of the Inn" โดย Goldoni (1913), The Stone Guest, “ งานฉลองในช่วงเวลาแห่งโรคระบาด” “ Mozart และ Salieri” โดย Pushkin (1914) เบอนัวส์นำความน่าสมเพชอันน่าทึ่งอย่างแท้จริงมาสู่ฉากเหล่านี้

เบอนัวส์เป็นจิตรกรและศิลปินกราฟิก นักวาดภาพประกอบที่งดงามและนักออกแบบหนังสือที่เชี่ยวชาญ ศิลปินละครและผู้กำกับละครชื่อดังระดับโลก หนึ่งในนักวิจารณ์ศิลปะชาวรัสเซียรายใหญ่ที่สุด ทำสิ่งต่างๆ มากมายเพื่อให้แน่ใจว่าภาพวาดของรัสเซียเข้ามาแทนที่อย่างถูกต้องในประวัติศาสตร์ศิลปะโลก .

คอนสแตนติน อันดรีวิช โซมอฟ (2412-2482)

คอนสแตนติน อันดรีวิช โซมอฟ(พ.ศ. 2412-2482) - ลูกชายของนักประวัติศาสตร์และนักวิจารณ์ศิลปะที่มีชื่อเสียงซึ่งเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ "โลกแห่งศิลปะ" ในงานของเขาก็ยอมจำนนต่อจินตนาการของเขาเช่นกัน Somov สำเร็จการศึกษาจากสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาเป็นผู้มีส่วนร่วมที่ยอดเยี่ยมใน Repin และศึกษาต่อในปารีส

ของเขา "เลดี้อินบลู"(1900) เรียกว่ามิวส์ของ "โลกแห่งศิลปะ" ซึ่งจมอยู่ในความฝันในอดีต

ภาพเหมือนของศิลปิน E. M. Martynova (พ.ศ. 2440-2443) (ป่วย 30 ปี) เป็นงานเชิงโปรแกรมของ Somov นางเอกที่แต่งกายด้วยชุดโบราณแสดงออกถึงความเหนื่อยล้าและความเศร้าโศกไม่สามารถดิ้นรนในชีวิตได้ทำให้คุณรู้สึกถึงความลึกของเหวที่แยกอดีตออกจากปัจจุบัน ในงานนี้ของ Somov ภูมิหลังในแง่ร้ายของการ "ถูกโยนลงสู่อดีต" และความเป็นไปไม่ได้ของมนุษย์สมัยใหม่ที่จะค้นพบความรอดจากตัวเขาเองที่นั่นแสดงออกมาอย่างเปิดเผยที่สุด

ฮีโร่และพล็อตเรื่องอื่น ๆ ของ Somov คืออะไร?

เกมแห่งความรัก - การนัดหมาย การจดบันทึก การจูบในตรอกซอกซอย ศาลาในสวน หรือห้องส่วนตัวที่ตกแต่งอย่างหรูหรา - เป็นงานอดิเรกตามปกติของฮีโร่ของ Somov ด้วยวิกผมที่ทาแป้ง ทรงผมทรงสูง เสื้อชั้นในสตรีปัก และเดรสที่มีกระโปรงผายก้น ("ความสุขของครอบครัว", "ความรัก" เกาะ", 2443, " ผู้หญิงในชุดสีชมพู", 2446, "Sleeping Marquise", 2446, "ดอกไม้ไฟ", 2447, "สีสรรค์และความตาย", 2450, "The Mocked Kiss", 2451, "Pierrot and the Lady" , พ.ศ. 2453, "เลดี้กับปีศาจ", พ.ศ. 2460 เป็นต้น)

แต่ในความสนุกสนานของภาพวาดของ Somov นั้นไม่มีความร่าเริงอย่างแท้จริง ผู้คนสนุกสนานไม่ใช่เพราะความสมบูรณ์ของชีวิต แต่เพราะพวกเขาไม่รู้อะไรเลย นี่ไม่ใช่โลกที่ร่าเริง แต่เป็นโลกที่ถูกกำหนดให้มีความร่าเริง เป็นวันหยุดนิรันดร์ที่น่าเบื่อหน่าย เปลี่ยนผู้คนให้กลายเป็นหุ่นเชิดแห่งการแสวงหาความสุขแห่งชีวิตอย่างน่ากลัว

ชีวิตเปรียบเสมือนโรงละครหุ่นกระบอก ดังนั้นการประเมินชีวิตร่วมสมัยกับ Somov จึงถูกสร้างขึ้นผ่านภาพในอดีต

ในช่วงครึ่งหลังของปี 1900 Somov ได้สร้างชุดภาพบุคคลของสภาพแวดล้อมทางศิลปะและชนชั้นสูง ซีรีส์นี้ประกอบด้วยภาพบุคคลโดย A. Blok, M. Kuzmin, M. Dobuzhinsky, E. Lanceray

ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2466 Somov อาศัยอยู่ต่างประเทศและเสียชีวิตในปารีส

มสติสลาฟ วาเลเรียนโนวิช โดบูซินสกี (2418-2500)

มสติสลาฟ วาเลเรียนโนวิช โดบูซินสกี้(พ.ศ. 2418-2500) ลิทัวเนียแบ่งตามสัญชาติเกิดที่เมืองโนฟโกรอด เขาได้รับการศึกษาด้านศิลปะที่โรงเรียนสอนวาดภาพของ Society for the Encouragement of Artists ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งเขาเข้าเรียนพร้อมกันกับการศึกษาที่มหาวิทยาลัยตั้งแต่ปี พ.ศ. 2428 ถึง พ.ศ. 2430 จากนั้นเขาศึกษาต่อด้านศิลปะในมิวนิกในสตูดิโอของ A . Ashbe และ S. Holloschi (2442-2444) เมื่อกลับมาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 1902 เขาได้เข้าเป็นสมาชิกของ World of Art

ในบรรดาศิลปินของ "World of Art" Dobuzhinsky โดดเด่นในเรื่องของเขา ละครเฉพาะเรื่องอุทิศให้กับเมืองสมัยใหม่หาก Benois และ Lanceray สร้างภาพลักษณ์ของเมืองในยุคอดีตที่เต็มไปด้วยความงามที่กลมกลืนกันเมืองของ Dobuzhinsky ก็มีความทันสมัยอย่างมาก

สนามหญ้าที่มืดมนและมืดมนของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เช่นเดียวกับที่ Dostoevsky ("The Courtyard", 1903, "Little House in Petersburg", 1905) แสดงถึงธีมของการดำรงอยู่อย่างน่าสังเวชของมนุษย์ในกระสอบหินของเมืองหลวงของรัสเซีย .

ในภาพในอดีต. Dobuzhinsky หัวเราะเหมือนโกกอลทั้งน้ำตา "จังหวัดของรัสเซียในช่วงทศวรรษที่ 1830" (พ.ศ. 2450-2452) เขาพรรณนาถึงสิ่งสกปรกในจัตุรัส ทหารยามขี้เกียจ และหญิงสาวที่แต่งตัวเรียบร้อย และมีฝูงกาบินวนไปทั่วเมือง

ในภาพลักษณ์ของบุคคล Dobuzhinsky ยังนำช่วงเวลาแห่งความรู้สึกดราม่าอันไร้ความปราณีมาด้วย ในภาพของกวี K. A. Sunnenberg ("The Man with Glasses", 1905-1997) (ป่วย 31) ปรมาจารย์มุ่งความสนใจไปที่ลักษณะของปัญญาชนชาวรัสเซีย มีบางอย่างที่ชั่วร้ายและน่าสมเพชเกี่ยวกับชายคนนี้ในเวลาเดียวกัน เขาเป็นสัตว์ที่น่ากลัวและในขณะเดียวกันก็เป็นเหยื่อของเมืองสมัยใหม่

ความเป็นเมืองของอารยธรรมสมัยใหม่ยังสร้างแรงกดดันให้กับคู่รัก (“คู่รัก”) ซึ่งไม่น่าจะสามารถรักษาความบริสุทธิ์ของความรู้สึกของตนในความเป็นจริงที่เสื่อมทรามได้

Dobuzhinsky ไม่ได้หลีกเลี่ยงความหลงใหลในการแสดงละคร เช่นเดียวกับหลาย ๆ คน Dobuzhinsky หวังว่าจะมีอิทธิพลต่อลำดับชีวิตผ่านงานศิลปะ โรงละครเป็นผู้จัดเตรียมเงื่อนไขที่ดีที่สุดสำหรับสิ่งนี้ โดยที่จิตรกรและนักดนตรีทำงานร่วมกับนักเขียน-นักเขียนบทละคร ผู้กำกับ และนักแสดง เพื่อสร้างผลงานชิ้นเดียวสำหรับผู้ชมจำนวนมาก

ในโรงละครโบราณ เขาได้แสดงฉากสำหรับละครยุคกลางของ Adam de la Al เรื่อง "The Game of Robin and Marion" (1907) ซึ่งเป็นการแสดงละครขนาดจิ๋วในยุคกลาง ศิลปินได้สร้างปรากฏการณ์อันงดงามในธรรมชาติอันน่าอัศจรรย์ของมัน ฉากนี้จัดทำขึ้นสำหรับ "Demon Act" ของ A. M. Remizov (1907) ของ A. M. Remizov ที่โรงละคร V. F. Komissarzhevskaya เพื่อจัดรูปแบบภาพพิมพ์ยอดนิยม

จากภาพร่างของ Dobuzhinsky มีการสร้างฉากสำหรับละครเรื่อง The Rose and the Cross (1917) ของ A. A. Blok

ที่โรงละครศิลปะมอสโก Dobuzhinsky ออกแบบบทละคร "Nikolai Stavrogin" โดยอิงจากบทละคร "Demons" ของ Dostoevsky ตอนนี้บนเวที Dobuzhinsky แสดงทัศนคติของเขาต่อโลกที่ไร้มนุษยธรรมซึ่งทำให้จิตวิญญาณและชีวิตพิการ

Dobuzhinsky วาดภาพเครื่องแต่งกายและทิวทัศน์สำหรับการแสดงดนตรี

ในปี 1925 Dobuzhinsky ออกจากสหภาพโซเวียตอาศัยอยู่ในลิทัวเนียตั้งแต่ปี 1939 - อังกฤษสหรัฐอเมริกาเสียชีวิตในนิวยอร์ก

เลฟ บัคสท์

เขาโดดเด่นด้วยผลงานที่น่าสนใจในด้านศิลปะการแสดงละครและมัณฑนศิลป์ เลฟ บัคสท์(พ.ศ. 2409-2467) ผลงานชิ้นเอกเป็นฉากและเครื่องแต่งกายของเขาสำหรับ "Scheherazade" ของ Rimsky-Korsakov (1910), "Firebird" ของ Stravinsky (1910), "Daphnis and Chloe" ของ Ravel (1912), บัลเล่ต์ " พักผ่อนยามบ่าย Faun" โดย Debussy (1912) จัดแสดงโดย Vaclav Nizhensky การแสดงทั้งหมดนี้สร้างความยินดีอย่างไม่อาจพรรณนาแก่สาธารณชนชาวปารีสในช่วงที่ Sergei Diaghilev ดำเนินธุรกิจ

บอริส มิคาอิโลวิช คุสโตดีฟ (2421-2470)

สำหรับ บอริส มิคาอิโลวิช คุสโตดีเยฟ(พ.ศ. 2421-2470) ที่มาของแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์คือ ลักษณะดั้งเดิมของชีวิตประจำชาติรัสเซีย. เขาชอบที่จะพรรณนาถึงจังหวัดปรมาจารย์อันเงียบสงบ วันหยุดของหมู่บ้านที่ร่าเริง และงานแสดงสินค้าด้วยผ้าลายและชุดอาบแดดหลากสี Shrovetide ที่เปล่งประกายด้วยหิมะที่หนาวจัดและแสงแดดพร้อมม้าหมุน บูธ Troikas ที่ห้าวหาญ รวมถึงฉากชีวิตพ่อค้า - โดยเฉพาะผู้หญิงพ่อค้า แต่งกายด้วยชุดหรูหรา ดื่มชาตามพิธี หรือชอปปิ้งตามประเพณีพร้อมกับลูกน้อง ("Merchant's Wife", 2458, "Maslenitsa", 2459 เป็นต้น)

Kustodiev เริ่มการศึกษาด้านศิลปะในบ้านเกิดของเขาในเมือง Avstrakhan ในปี พ.ศ. 2439 เขาถูกย้ายไปที่เวิร์คช็อปของ Repin หลังจากนั้น 5 ปีเขาก็สำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยพร้อมสิทธิ์ในการเดินทางไปปารีสของผู้รับบำนาญ

เรามาพูดสักสองสามคำเกี่ยวกับการเรียนที่ Academy of Arts ในปี พ.ศ. 2436 มีการปฏิรูปเกิดขึ้นที่ Academy โครงสร้างและลักษณะของการฝึกอบรมเปลี่ยนไป หลังจากชั้นเรียนทั่วไป นักเรียนเริ่มทำงานในเวิร์คช็อป พวกเขาได้รับการสอนโดยศิลปินที่โดดเด่นในเวลานั้น: ในปี 1894, I. E. Repin, V. D. Polenov, A. I. Kuindzhi, I. I. Shishkin, V. A. มาที่โรงเรียน Makovsky, V. V. Mate, P. O. Kovalevsky

ความนิยมมากที่สุดคือ เวิร์คช็อปของ Repin. เป็นจุดสนใจของความสนใจทางศิลปะและสังคมขั้นสูง A. N. Benois เขียนในบทความเรื่อง "Student Exhibitions at the Academy" ว่า "อำนาจทั้งหมดของสถาบันหลังการปฏิรูปขณะนี้กระจุกตัวอยู่ที่เมือง Repin และ Mate" Repin พัฒนาจิตวิญญาณแห่งความคิดสร้างสรรค์ กิจกรรมทางสังคม และให้ความสำคัญกับความเป็นตัวของตัวเองให้กับนักเรียน ไม่ใช่เพื่ออะไรที่ศิลปินที่แตกต่างและแตกต่างกันเช่น K. A. Somov, I. Ya. Bilibin, F. A. Malyavin, I. I. Brodsky, B. M. Kustodiev, A. P. Ostroumova ออกมาจากเวิร์คช็อปของ Repin -Lebedeva และคนอื่น ๆ เป็นนักเรียนของ Repin ที่ออกมาพร้อมกับ การวิพากษ์วิจารณ์ระบบเก่าอย่างรุนแรงในช่วงปีการปฏิวัติรัสเซียครั้งที่ 1 ซึ่งพูดอย่างแข็งขันในสื่อระหว่างการปฏิวัติปี 1905-1907 มีภาพล้อเลียนต่อซาร์และนายพลที่ตอบโต้ผู้ที่กบฏ ในเวลานี้มีนิตยสารหลายฉบับ ("Sting", "Zhupel" ฯลฯ ) ประมาณ 380 เล่มที่ตอบสนองต่อหัวข้อประจำวันที่พวกเขาตีพิมพ์ งานกราฟิก(คราวนี้ถือเป็นยุครุ่งเรืองของกราฟิก) Kustodiev เป็นหนึ่งในนั้น

การสุกงอมครั้งสุดท้ายของความคิดสร้างสรรค์ของศิลปิน Kustodiev เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2454-2455 ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาภาพวาดของเขาได้รับความรื่นเริงและไหวพริบการตกแต่งและสีสันที่กลายมาเป็นลักษณะของ Kustodiev ที่เป็นผู้ใหญ่ (“ ภรรยาของพ่อค้า”, 1912. “ ภรรยาของพ่อค้า”, 1915, “ Maslenitsa”, 1916, “ วันหยุดใน หมู่บ้าน” ฯลฯ ) แรงกระตุ้นที่สร้างสรรค์กลับกลายเป็นว่ารุนแรงกว่าโรคในปี พ.ศ. 2454-2455 ความเจ็บป่วยที่ยืนยาวกลายเป็นโรคร้ายแรงที่รักษาไม่หายสำหรับศิลปิน - ขาของเขาไม่สามารถเคลื่อนไหวได้อย่างสมบูรณ์... ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเขาได้พบกับ Blok ซึ่งมีบทพูดเกี่ยวกับพ่อค้า:

...และใต้โคมไฟใกล้กับไอคอน
ดื่มชาขณะคลิกบิล
จากนั้นน้ำลายไหลคูปอง
ชายท้องหม้อเปิดลิ้นชักออก
และเตียงขนนก
เผลอหลับไปอย่างหนัก...

พวกเขาเข้าหาพ่อค้าของ Kustodiev ซึ่งเป็น "เครื่องดื่มชา" ของเขา พ่อค้านับเงิน สาวอวบอ้วน จมอยู่ในเสื้อแจ็คเก็ตดาวน์ร้อน

ในปี พ.ศ. 2457-2458 Kustodiev ทำงานด้วยแรงบันดาลใจตามคำเชิญของ Stanislavsky ที่ Moscow Art Theatre ซึ่งเขาออกแบบการแสดง "The Death of Pazukhin" โดย M. E. Saltykov-Shchedrin, "Autumn Violins" โดย D. S. Surguchev และคนอื่นๆ

ผลงานชิ้นเอกของเขาเกี่ยวข้องกับช่วงสุดท้ายของความคิดสร้างสรรค์ของเขา:

• ภาพวาด "Balagans", "ภรรยาของพ่อค้าที่ Tea", "Blue House", "Russian Venus",
• ทิวทัศน์สำหรับละครเรื่อง "The Thunderstorm", "The Snow Maiden", "The Power of the Enemy" โดย A. N. Serov, " เจ้าสาวของซาร์, "หมัด",
• ภาพประกอบผลงานของ N. S. Leskov, N. A. Nekrasov
• ภาพพิมพ์หินและ linocuts

บ้านของ Kustodiev เป็นหนึ่งในศูนย์กลางศิลปะของ Petrograd - A. M. Gorky, A. N. Tolstoy, K. A. Fedin, V. Ya. Shishkov, M. V. Nesterov (ป่วย 29), S. T. มาเยี่ยมที่นี่ Konenkov, F.I. Chaliapin และคนอื่น ๆ อีกมากมาย: เด็กชาย Mitya Shostakovich มาที่นี่เพื่อเล่น

Kustodiev สร้างทั้งหมด แกลเลอรี่ภาพวาดบุคคลร่วมสมัยของเขา:

• ศิลปิน ("ภาพเหมือนกลุ่มของศิลปินแห่งโลกแห่งศิลปะ", พ.ศ. 2459-2463, ภาพเหมือนของ I. Ya. Bilibin, พ.ศ. 2444, ภาพเหมือนของ V. V. Mate, พ.ศ. 2445, ภาพเหมือนตนเองในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ฯลฯ )
• ศิลปิน (ภาพเหมือนของ I.V. Ershov, 1905, ภาพเหมือนของ E.A. Polevitskaya, 1095, ภาพเหมือนของ V.I. Chaliapin, 1920-1921 ฯลฯ )
• นักเขียนและกวี (ภาพเหมือนของ F. Sologub, 1907, ภาพเหมือนของ V. Ya. Shishkov, 1926, ภาพเหมือนของ Blok, 1913, ไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้และอื่น ๆ อีกมากมาย)
• นักแต่งเพลง Scriabin, Shostakovich

หากในการวาดภาพประเภทของเขา ศิลปินได้รวบรวมชีวิตในทุกรูปแบบของการดำรงอยู่ โดยมักจะสร้างภาพที่เกินความจริง ภาพบุคคลของเขาที่สร้างขึ้นในการวาดภาพ ประติมากรรม การวาดภาพ และการแกะสลักย่อมเชื่อถือได้และเป็นความจริงอย่างเคร่งครัดเสมอ

V. I. Chaliapin เรียก Kustodiev ว่า "คนที่มีจิตวิญญาณสูง" และเขาไม่เคยแยกทางกับภาพเหมือนของเขาที่ Boris Mikhailovich สร้างขึ้น

ความแตกแยกของ "โลกแห่งศิลปะ"

ในช่วงกลางทศวรรษ 1900 มีการแบ่งแยกในกองบรรณาธิการของนิตยสาร World of Art เนื่องจากมุมมองของศิลปินได้พัฒนาไปและแนวปฏิบัติด้านสุนทรียภาพดั้งเดิมก็ไม่เหมาะกับคนจำนวนมาก กิจกรรมการตีพิมพ์หยุดลงและตั้งแต่ปี 1910 “โลกแห่งศิลปะ” ได้ทำหน้าที่เป็นองค์กรนิทรรศการโดยเฉพาะ ไม่เหมือนเมื่อก่อนจัดขึ้นร่วมกันโดยความสามัคคีของงานสร้างสรรค์และการวางแนวทางโวหาร ศิลปินบางคนยังคงสืบสานประเพณีของสหายที่มีอายุมากกว่า

นิโคลัส คอนสแตนติโนวิช โรริช (2417-2490)

มีบทบาทสำคัญใน "โลกแห่งศิลปะ" ที่ได้รับการปรับปรุงใหม่ในช่วงทศวรรษ 1910 เล่นแล้ว นิโคลัส คอนสแตนติโนวิช โรริช(พ.ศ. 2417-2490) ดำรงตำแหน่งประธานสมาคมในปี พ.ศ. 2453-2462

Roerich ซึ่งเป็นนักเรียนของ Kuindzhi ที่ Academy of Arts เขาได้รับมรดกจากความหลงใหลในเอฟเฟ็กต์สีสันที่เพิ่มขึ้น เพื่อให้ได้องค์ประกอบภาพที่สมบูรณ์แบบเป็นพิเศษ งานของ Roerich มีความเกี่ยวข้องกับประเพณีของสัญลักษณ์ ในปี พ.ศ. 2443-2453 เขาอุทิศงานของเขาให้กับชาวสลาฟโบราณและมาตุภูมิโบราณในช่วงปีแรกของศาสนาคริสต์ ซึ่งในเวลานั้น Roerich สนใจในด้านโบราณคดีและประวัติศาสตร์ของ Ancient Rus' ("แขกต่างประเทศ", 1901) เรือไม้ของชาว Varangians มีลักษณะคล้ายกับ "พี่ชาย" - ทัพพีโบราณที่รวมมิตรและศัตรูที่ดุร้ายเข้าด้วยกันในงานเลี้ยง สีสันสดใสของภาพทำให้โครงเรื่องดูอลังการมากกว่าความเป็นจริง

ในภาพวาดหลายชิ้นของ Roerich เราสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของการวาดภาพไอคอน เห็นได้ชัดว่านี่เป็นแหล่งข้อมูลสำคัญในการพัฒนาสไตล์ของเขาเอง

ในปีพ.ศ. 2452 เขาได้เป็น นักวิชาการด้านจิตรกรรม. ในช่วงทศวรรษที่ 1900 เขาทำงานมากมายให้กับ Moscow Art Theatre สำหรับ "Russian Seasons" ของ S. P. Diaghilev และในฐานะนักอนุรักษ์นิยม (โบสถ์ใน Talashkino) Roerich เป็นผู้เขียนบทความเกี่ยวกับงานศิลปะมากมาย รวมถึงร้อยแก้ว บทกวี และบันทึกการเดินทาง เขาทุ่มเทพลังงานและเวลามากมายให้กับกิจกรรมทางสังคม

ในปีพ. ศ. 2459 เนื่องจากเหตุผลด้านสุขภาพ Roerich จึงตั้งรกรากที่ Serdobol (Karelia) ซึ่งในปี พ.ศ. 2461 ได้ไปฟินแลนด์ ในปี 1919 Roerich ย้ายไปอังกฤษ จากนั้นก็ไปอเมริกา ในช่วงปี ค.ศ. 1920-1930 เดินทางไปยังเทือกเขาหิมาลัย เอเชียกลาง แมนจูเรีย ประเทศจีน ทั้งหมดนี้สะท้อนให้เห็นในผลงานของเขา ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1920 อาศัยอยู่ในอินเดีย

เปตรอฟ-วอดกิน

เมื่อพูดถึง "โลกแห่งศิลปะ" เราอดไม่ได้ที่จะนึกถึงความคิดสร้างสรรค์อันยิ่งใหญ่ เปโตรวา-วอดกินาผู้ซึ่งพยายามค้นหาการสังเคราะห์ระหว่างความทันสมัย ภาษาศิลปะและมรดกทางวัฒนธรรมในอดีต เราจะกล่าวถึงงานของเขาอย่างละเอียดในบทต่อไป

ผลลัพธ์ของ "โลกแห่งศิลปะ"

เมื่อสรุปการสนทนาเกี่ยวกับ "โลกแห่งศิลปะ" เราทราบว่านี่เป็นปรากฏการณ์ที่สว่างที่สุดในชีวิตทางวัฒนธรรมของ "ยุคเงิน" และความสำคัญของศิลปินในกลุ่มนี้อยู่ที่ความจริงที่ว่าพวกเขา

• ปฏิเสธความสง่างามของวิชาการ
• ปฏิเสธความเอนเอียง (การสั่งสอน) ของผู้พเนจร
• สร้างแนวคิดทางอุดมการณ์และศิลปะของศิลปะรัสเซีย
• เปิดเผยชื่อของ Rokotov, Levitsky, Kiprensky, Vetsianov แก่ผู้ร่วมสมัย
• อยู่ในอย่างต่อเนื่อง กำลังมองหาสิ่งใหม่,
• แสวงหาการยอมรับวัฒนธรรมรัสเซียทั่วโลก (“ฤดูกาลรัสเซีย” ในปารีส)

"สหภาพศิลปินรัสเซีย" (2446-2466)

หนึ่งในสมาคมนิทรรศการที่ใหญ่ที่สุดของต้นศตวรรษที่ 20 เคยเป็น "สหภาพศิลปินรัสเซีย". ความคิดริเริ่มในการสร้างมันเป็นของจิตรกรมอสโก - ผู้เข้าร่วมนิทรรศการ World of Art ที่ไม่พอใจกับข้อ จำกัด โปรแกรมความงาม"โลกแห่งศิลปะ" - ชาวเมืองปีเตอร์สเบิร์ก การก่อตั้ง "สหภาพ" มีอายุย้อนไปถึงปี 1903 ผู้เข้าร่วมในนิทรรศการครั้งแรก ได้แก่ Vrubel, Borisov-Musatov, Serov จนถึงปี 1910 ปรมาจารย์หลักๆ ของ World of Art ทั้งหมดเป็นสมาชิกของสหภาพ แต่ใบหน้าของ "สหภาพ" ส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยจิตรกรของโรงเรียนมอสโกผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนมอสโกผู้พัฒนาประเพณี ภูมิทัศน์โคลงสั้น ๆเลวีตัน. ในบรรดาสมาชิกของ "สหภาพ" คือกลุ่มผู้พเนจรซึ่งไม่ยอมรับ "ลัทธิตะวันตก" ของ "โลกแห่งศิลปะ" ดังนั้น A.E. Arkhipov (2405-2473) พูดตามความเป็นจริงเกี่ยวกับชีวิตการทำงานหนักของผู้คน (“ Washerwomen”, 1901) ในส่วนลึกของ "สหภาพ" อิมเพรสชันนิสม์รูปภาพเวอร์ชันรัสเซียถูกสร้างขึ้นด้วยธรรมชาติที่สดใหม่และบทกวีของภาพชาวนาของรัสเซีย

เปิดเผยบทกวีของธรรมชาติรัสเซีย ไอ. อี. กราบาร์(พ.ศ. 2417-2503) ความกลมกลืนของสีและการเปิดเผยที่มีสีสันนั้นน่าทึ่งมากในภาพ” กุมภาพันธ์ สีฟ้า" (พ.ศ. 2447) ซึ่งศิลปินเองเรียกว่า "วันหยุดแห่งท้องฟ้าสีฟ้า ต้นเบิร์ชมุก กิ่งปะการัง และเงาไพลินบนหิมะไลแลค" ในปีเดียวกันนั้นมีการวาดภาพอีกภาพหนึ่งซึ่งโดดเด่นด้วยเอกลักษณ์เฉพาะตัว สีฤดูใบไม้ผลิ, "มีนาคมหิมะ". พื้นผิวของภาพวาดเลียนแบบพื้นผิวที่หลอมละลาย หิมะเดือนมีนาคมและจังหวะนั้นคล้ายกับเสียงพึมพำของน้ำพุ

ในภูมิประเทศเหล่านี้ Grabar ใช้วิธีการแบ่งแยก - การสลายตัว สีที่มองเห็นได้เพื่อให้ได้สีที่บริสุทธิ์ดุจสเปกตรัมของพาเล็ต

เราพบลวดลายของชาวนา เอฟ. เอ. มัลยาวีนา(พ.ศ. 2512-2483) ใน "The Whirlwind" (1906) ผ้าดิบของชาวนากระจัดกระจายในการเต้นรำรอบอันวุ่นวายพับเป็นลวดลายตกแต่งที่แปลกประหลาดซึ่งมีใบหน้าของเด็กผู้หญิงหัวเราะโดดเด่น ความรุนแรงของพู่กันของศิลปินเปรียบได้กับองค์ประกอบของการประท้วงของชาวนา A.P. Ryabushkin ผู้สืบเชื้อสายมาจากชาวนาธรรมดา ๆ ที่ใช้ชีวิตส่วนใหญ่ในหมู่บ้าน Korodyn ที่เรียบง่ายทำให้เรานึกถึงชีวิตก่อน Petrine ของชาวนาและพ่อค้าพูดคุยเกี่ยวกับพิธีกรรมวันหยุดพื้นบ้านและชีวิตประจำวัน ตัวละครของเขาจะดูธรรมดาๆ หน่อยๆ แต่ดูอลังการนิดหน่อย เหมือนกับในไอคอนโบราณ (“The Wedding Train”, 1901 ฯลฯ)

ศิลปินที่น่าสนใจของ "ยูเนี่ยน" คือ เค.เอฟ. ยวน(187 5-1958). ภาพวาดของเขาแสดงถึงการผสมผสานดั้งเดิม ประเภทประจำวันด้วยภูมิทัศน์ทางสถาปัตยกรรม เขาชื่นชมทัศนียภาพอันงดงามของกรุงมอสโกเก่า เมืองรัสเซียโบราณที่มีชีวิตชีวาบนท้องถนน

ศิลปินของ "สหภาพ" เชื่อมโยงรสชาติประจำชาติของรัสเซียกับฤดูหนาวและต้นฤดูใบไม้ผลิ และไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เรื่องใดเรื่องหนึ่ง ทิวทัศน์ที่ดีที่สุด Yuon คือ "March Sun" (1915)

ศิลปินส่วนใหญ่ของ "สหภาพ" ยังคงดำเนินต่อไปในแนวภูมิทัศน์รัสเซียของ Savrasov-Levitan

Kuindzhi ยังคงสืบสานประเพณีของภูมิทัศน์ที่สงบและตกแต่ง เอ.เอ. ไรลอฟ(พ.ศ. 2413-2482) ใน “Green Noise” (1904) ของเขา เราสัมผัสได้ถึงการมองโลกในแง่ดีและพลวัต ความเข้าใจอย่างลึกซึ้ง และจุดเริ่มต้นของภูมิทัศน์ที่กล้าหาญ ลักษณะทั่วไปของภาพธรรมชาติสัมผัสได้ในภาพวาด "Swans over the Kama" (1912), "Rattles River", "Anxious Night" (1917) เป็นต้น

หนึ่งในศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดของ "ยูเนี่ยน" คือ โคโรวิน. ขั้นตอนแรกของอิมเพรสชั่นนิสม์ภาพรัสเซียมีความเกี่ยวข้องกับเขา

สมาคม "กุหลาบสีน้ำเงิน"

สมาคมศิลปะที่สำคัญอีกแห่งคือ "บลูโรส". ภายใต้ชื่อนี้ในปี 1907 ในกรุงมอสโกในบ้านของ M. Kuznetsov บน Myasnitskaya นิทรรศการของศิลปิน 16 คน- ผู้สำเร็จการศึกษาและนักศึกษาของโรงเรียนจิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรมมอสโก ได้แก่ P. V. Kuznetsov, M. S. Saryan, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, N. Krymov, ประติมากร A. Matveev นิทรรศการไม่มีทั้งแถลงการณ์หรือกฎบัตร "บลูโรส" ได้รับการสนับสนุนและส่งเสริมโดยนิตยสาร "ขนแกะทองคำ" ซึ่งถือว่าตัวเองเป็นจุดแข็งของความสมัยใหม่และเป็นกระบอกเสียงของทิศทาง "ใหม่ล่าสุด" (ที่เกี่ยวข้องกับ "โลกแห่งศิลปะ") ในงานศิลปะ

ศิลปิน "บลูโรส"เป็นผู้ติดตามของ Borisov-Musatov และพยายามสร้างสัญลักษณ์แห่งความงามที่ไม่เสื่อมคลาย ชื่อของสมาคมก็เป็นสัญลักษณ์เช่นกัน แต่ในไม่ช้า Kuznetsov และ Saryan ก็รอดพ้นจากการถูกจองจำด้วยกลิ่นหอมประดิษฐ์ของ "สวนลับ" ผ่านปริซึมแห่งความฝันของโลกที่น่าอัศจรรย์และรู้แจ้ง พวกเขา - ศิลปินชั้นนำของ "กุหลาบ" - ค้นพบธีมของตะวันออก พี.วี. คุซเนตซอฟ(พ.ศ. 2421-2511) สร้างชุดภาพวาด "Kyrgyz Suite" เบื้องหน้าเราคือไอดีลปรมาจารย์ดึกดำบรรพ์ "ยุคทอง" ความฝันแห่งความกลมกลืนระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติซึ่งกลายเป็นจริงในความเป็นจริง (“ Mirage in the Steppe”, 1912 เป็นต้น) เอ็ม.เอส. ซารยัน(พ.ศ. 2423-2515) ซึ่งสำเร็จการศึกษาจากชั้นเรียนของโรงเรียนจิตรกรรมและจิตรกรรมมอสโกกับ Kuznetsov ยังคงรักษาสีสันของเขาไว้ ภาพวาดความภักดีต่อธรรมชาติอันบริสุทธิ์อันยิ่งใหญ่ของธรรมชาติภูเขาอันโหดร้ายของอาร์เมเนีย สไตล์การสร้างสรรค์ของ Saryan มีความโดดเด่นด้วยการพูดน้อย ("Street. Noon. Constantinople", 1910, "Mullahs Loaded with Hay", 1910, "Egyptian Masks", 1911 เป็นต้น) ตามทฤษฎีสัญลักษณ์ศิลปินของ Blue Rose ได้รับการชี้นำโดยมุ่งเน้นไปที่การเปลี่ยนแปลงภาพของภาพแห่งความเป็นจริงเพื่อที่จะแยกความเป็นไปได้ของการรับรู้สิ่งต่าง ๆ และปรากฏการณ์ตามตัวอักษร โรงละครกลายเป็นขอบเขตของการเปลี่ยนแปลงความเป็นจริงสากลที่มีประสิทธิภาพมากที่สุด ดังนั้นภาพวาด "กุหลาบสีน้ำเงิน" จึงสอดคล้องกับผลงานเชิงสัญลักษณ์ของ V. Meyerhold

เอ็น. เอ็น. ซาปูนอฟ(พ.ศ. 2423-2455) และ ส.ยู ซูเดคิน(พ.ศ. 2425-2489) เป็นนักออกแบบละครเชิงสัญลักษณ์คนแรกในรัสเซียโดย M. Maeterlinck (ที่ Studio Theatre บน Povarskaya, 1905) Sapunov ออกแบบผลงานของ Meyerhold เรื่อง Hedda Gabler และ Blok's Showcase (1906) ของ Ibsen “กุหลาบสีน้ำเงิน” เป็นเพจที่สดใสในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียต้นศตวรรษที่ 20 ที่เต็มไปด้วยบทกวี ความฝัน แฟนตาซี ความงามที่เป็นเอกลักษณ์และจิตวิญญาณ

กลุ่ม "แจ็คเพชร"

เมื่อถึงช่วงเปลี่ยนปี พ.ศ. 2453-2454 ในที่เกิดเหตุ ชีวิตศิลปะกลุ่มใหม่ที่มีชื่ออันกล้าหาญปรากฏขึ้น "แจ๊คเพชร". แก่นแท้ของสังคมจนถึงปี 1916 คือศิลปิน

• P. P. Konchalovsky ("ภาพเหมือนของยาคูลอฟ", "อากาเว", 2459, "ภาพเหมือนเซียนา, 2455 ฯลฯ )
• ฉัน ฉันมาชคอฟ (“Fruit on a Platter”, 1910, “Bread”, 1910s, “Still Life with Blue Plums”, 1910 ฯลฯ)
• A.V. Lentulov (“St. Basil’s”, 1913; “Ringing”, 1915 ฯลฯ)
• A.V. Kuprin ("Still Life with a Clay Jug", 1917 ฯลฯ)
• R.R. Falk ("ไครเมีย. พีระมิดป็อปลาร์", "ดวงอาทิตย์. ไครเมีย. แพะ", 2459 ฯลฯ )

"Jack of Diamonds" มีกฎบัตร นิทรรศการ คอลเลกชันบทความเป็นของตัวเอง และกลายเป็นขบวนการที่มีอิทธิพลใหม่ในงานศิลปะรัสเซีย ตรงกันข้ามกับอิมเพรสชั่นนิสต์และศิลปินของ Blue Rose ซึ่งคัดค้านสุนทรียศาสตร์อันประณีตของโลกแห่งศิลปะ จิตรกรของ Jack of Diamonds เสนอให้ผู้ชมมีลักษณะที่เรียบง่ายไร้ความหมายทางปัญญาซึ่งไม่ได้ทำให้เกิดความสัมพันธ์ทางประวัติศาสตร์และบทกวี . เฟอร์นิเจอร์ จาน ผลไม้ ผัก ดอกไม้ ผสมผสานกับศิลปะหลากสีสัน นี่แหละความงาม

ในการค้นหาภาพ ศิลปินมุ่งความสนใจไปที่ Cezanne, Van Gogh, Matisse ผู้ล่วงลับไปแล้ว และใช้เทคนิคของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมสุดโต่ง ซึ่งเป็นลัทธิแห่งอนาคตซึ่งเกิดในอิตาลี จิตรกรรมของพวกเขาถูกเรียกว่า "Cézanneism" สิ่งสำคัญคือเมื่อหันมาสนใจศิลปะโลก ศิลปินเหล่านี้ใช้ประเพณีพื้นบ้านของตนเอง เช่น ป้าย ของเล่น ภาพพิมพ์ยอดนิยม...

มิคาอิล เฟโดโรวิช ลาริโอนอฟ (2424-2507)

ในช่วงทศวรรษที่ 1910 ปรากฏในเวทีศิลปะ มิคาอิล เฟโดโรวิช ลาริโอนอฟ(พ.ศ. 2424-2507) และ Natalya Sergeevna Goncharova (พ.ศ. 2424-2505) ในฐานะหนึ่งในผู้จัดงาน "Jack of Diamonds" ในปี 1911 Larionov เลิกกับกลุ่มนี้และกลายเป็นผู้จัดนิทรรศการใหม่ภายใต้ชื่อที่น่าตกใจ "Donkey's Tail" (1912), "Target" (1913), "4" ( พ.ศ. 2457 ชื่อของนิทรรศการเป็นการเยาะเย้ยชื่อ "กุหลาบสีน้ำเงิน", "พวงหรีด", "ขนแกะทองคำ")

Larionov รุ่นเยาว์สนใจเรื่องอิมเพรสชั่นนิสม์ก่อนจากนั้นจึงสนใจลัทธิดั้งเดิมซึ่งมาจากขบวนการฝรั่งเศส (Matisse, Rousseau) เช่นเดียวกับคนอื่น ๆ Larionov ต้องการพึ่งพาประเพณีของรัสเซีย ไอคอนโบราณ,งานปักชาวนา,ป้ายเมือง,ของเล่นเด็ก.

Larionov และ Goncharova โต้แย้ง นีโอดึกดำบรรพ์ที่งดงาม(พวกเขาคิดชื่อขึ้นมาเอง) ซึ่งถึงจุดสูงสุดในปี 1910 ในการแสดง พวกเขาเปรียบเทียบภาพวาดตะวันออกกับภาพวาดตะวันตก และยังสานต่อประเพณีของผู้พเนจรโดยไม่รู้ตัว ในขณะที่พวกเขาย้ายไปสู่ประเภทชีวิตประจำวันที่มีพื้นฐานจากการเล่าเรื่อง (“ผู้พเนจรโดยไม่สมัครใจ”) อีกครั้ง พวกเขาต้องการผสมผสานเนื้อเรื่องเข้ากับความเป็นพลาสติกแบบใหม่ และผลลัพธ์ที่ได้คือชีวิตดึกดำบรรพ์พิเศษของถนนในต่างจังหวัด ร้านกาแฟ ช่างทำผม และค่ายทหาร

ผลงานชิ้นเอกของ Larionov จากซีรีส์ "Barbershop" ได้แก่: "ร้านตัดผมนายทหาร"(1909) ภาพนี้วาดเลียนแบบสัญลักษณ์ประจำจังหวัด Larionov พูดตลกเกี่ยวกับตัวละคร (ช่างทำผมที่มีกรรไกรตัวใหญ่และเจ้าหน้าที่โอ้อวด) เผยให้เห็นถึงลักษณะเฉพาะของพฤติกรรมของพวกเขาและชื่นชมพวกเขา ซีรีส์ "ทหาร" เกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของความประทับใจจากการรับราชการในกองทัพ ศิลปินปฏิบัติต่อทหารของเขาด้วยความรักและการเหน็บแนม ("ทหารบนม้า" เปรียบได้กับของเล่นเด็ก "ทหารที่อยู่เฉยๆ" สร้างขึ้นด้วยความไร้เดียงสาของภาพวาดของเด็ก) และกระตุ้นความสัมพันธ์ที่ชัดเจน จากนั้นติดตามวงจรของ "วีนัส" ("ของทหาร", "มอลโดวา", "ชาวยิว") - ผู้หญิงเปลือยนอนเอนกายบนหมอน - วัตถุแห่งความปรารถนาความฝันและจินตนาการอันดุเดือด

จากนั้นเขาก็เริ่มสร้างสัญลักษณ์เปรียบเทียบที่ไร้เดียงสา "ฤดูกาล". สไตล์ของทหารถูกแทนที่ด้วยสไตล์ "รั้ว" มีจารึกต่าง ๆ ปรากฏขึ้น ถนนเริ่มพูดจากภาพวาดของศิลปิน ในเวลาเดียวกัน เขาได้ค้นพบงานศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์ในเวอร์ชันของเขาเอง - ลัทธิเรยอน ในปี พ.ศ. 2456 หนังสือของเขาเรื่อง Rayism ได้รับการตีพิมพ์

ความสำคัญของความคิดสร้างสรรค์ของ Larionov เน้นย้ำด้วยคำพูดของ V. Mayakovsky: "เราทุกคนผ่าน Larionov"

รูปแบบของ Natalya Goncharova ภรรยาของ Larionov นั้นแตกต่างกัน เธอส่วนใหญ่มักเลือกงานชาวนาและฉากพระกิตติคุณเป็นหัวข้อในภาพวาดของเธอ (“ การเก็บเกี่ยวเก็บเกี่ยว”“ การซักผ้าผืนผ้าใบ” 2453;“ การตกปลา”“ การตัดแกะ”“ ม้าอาบน้ำ” ” พ.ศ. 2454) และสร้างขึ้น ผลงานมหากาพย์ชีวิตชาวบ้านดั้งเดิม

Benedict Lifshitz เขียนเกี่ยวกับภาพวาดของ Goncharova ในปี 1910-1912: “ความงดงามอันน่าอัศจรรย์ของสี การแสดงออกอย่างสุดขีดของการก่อสร้าง พลังอันเข้มข้นของพื้นผิวดูเหมือนสำหรับฉันจะเป็นสมบัติที่แท้จริงของการวาดภาพโลก” ในปี 1914 นิทรรศการส่วนตัวของ Goncharova จัดขึ้นที่ปารีส แคตตาล็อกของนิทรรศการได้รับการตีพิมพ์พร้อมคำนำโดยกวีชื่อดัง Guillaume Apolinaire ในปี 1914 กอนชาโรวาได้สร้างเครื่องแต่งกายและฉากสำหรับโรงละครสำหรับภาพยนตร์เรื่อง The Golden Cockerel ของริมสกี-คอร์ซาคอฟ หนึ่งปีต่อมา Larionov และ Goncharova เดินทางไปต่างประเทศเพื่อออกแบบบัลเล่ต์ของ Diaghilev การเชื่อมต่อกับรัสเซียถูกตัดขาดในชีวิต แต่ไม่ใช่ในความคิดสร้างสรรค์ ศิลปินถูกยึดครองด้วยธีมรัสเซียจนกระทั่งเธอเสียชีวิต

ศิลปะแหวกแนวของ Goncharova และ Larionov ถูกเรียกว่าพิธีการและถูกลบออกจากประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียมาเป็นเวลานาน

วลาดิมีร์ วลาดีมีโรวิช มายาคอฟสกี้ (2436-2473)

มุ่งหน้าสู่โรงเรียนแห่งอนาคต วี.วี. มายาคอฟสกี้(พ.ศ. 2436-2473) เขาเป็นนักเรียนของโรงเรียนจิตรกรรมและจิตรกรรมมอสโกเรียนรู้มากมายจาก V. Serov และเงยหน้าขึ้นมองเขาในภาพวาดและภาพวาดของเขา

มรดกทางศิลปะของมายาคอฟสกี้แตกต่างกันในปริมาณและความหลากหลายมาก เขาทำงานด้านจิตรกรรมและกราฟิกเกือบทุกประเภท ตั้งแต่ภาพบุคคล ("Portrait of L. Yu. Brik") และภาพประกอบไปจนถึงโปสเตอร์และภาพร่างของผลงานละคร (The Tragedy of "Vladimir Mayakovsky")

มายาคอฟสกี้มีความสามารถระดับสากล บทกวีของเขาบนกระดาษมีภาพกราฟิกและจังหวะพิเศษ มักมีภาพประกอบประกอบอยู่ด้วย และเมื่ออ่านบทกวีเหล่านั้นจำเป็นต้องมีการแสดงละคร ความเป็นสากลที่สังเคราะห์ขึ้นของผลงานของเขามีผลกระทบสูงสุดต่อผู้ฟังและผู้อ่าน จากมุมมองนี้ “หน้าต่างแห่งการเติบโต” อันโด่งดังของเขาน่าสนใจที่สุดสำหรับเรา ในนั้นมายาคอฟสกี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดว่าตัวเองเป็นทั้งศิลปินและกวีผู้สร้างปรากฏการณ์ใหม่อย่างสมบูรณ์ในศิลปะโลกของศตวรรษที่ 20 แม้ว่า Mayakovsky จะทำอะไรกับ "Windows" หลังการปฏิวัติในปี 1917 เราจะกล่าวถึงผลงานของเขาในบทนี้ในหน้านี้

มายาคอฟสกี้สร้าง "หน้าต่าง" แต่ละอันเป็นบทกวีทั้งหมดในหัวข้อเดียวโดยแบ่งออกเป็น "เฟรม" ตามลำดับพร้อมภาพวาดและข้อความหนึ่งหรือสองบรรทัด โองการที่มีจังหวะและจังหวะกำหนดโครงเรื่อง ในขณะที่ภาพวาดให้เสียงที่มองเห็นและมีสีสันแก่คำพูด ยิ่งไปกว่านั้น ผู้ชม "Windows" ในขณะนั้นซึ่งคุ้นเคยกับการชมภาพยนตร์เงียบ ๆ อ่านคำจารึกออกมาดัง ๆ ดังนั้นโปสเตอร์จึง "เปล่งออกมา" จริงๆ นี่คือวิธีที่การรับรู้แบบองค์รวมของ "Windows" เกิดขึ้น

ในภาพวาดของเขา Mayakovsky ในด้านหนึ่งยังคงสานต่อประเพณีภาพพิมพ์ยอดนิยมของรัสเซียโดยตรงในทางกลับกันเขาอาศัยประสบการณ์ของภาพวาดล่าสุดโดย M. Larionov, N. Goncharova, K. Malevich, V. Tatlin ซึ่งส่วนใหญ่ล้วนเป็นบุญคุณของการฟื้นคืนทัศนคติที่มีชีวิตต่อศิลปะที่มีชีวิตตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 ดังนั้นที่จุดบรรจบของศิลปะ 3 อย่าง ได้แก่ กวีนิพนธ์ จิตรกรรม และภาพยนตร์ ศิลปะรูปแบบใหม่จึงเกิดขึ้นซึ่งกลายเป็นปรากฏการณ์สำคัญ วัฒนธรรมสมัยใหม่ซึ่งอ่านคำศัพท์เป็นภาพวาดและภาพวาดถูกทำให้ง่ายขึ้นเป็นแผนภาพ (สีแดง - คนงาน, สีม่วง - ชนชั้นกลาง, สีเขียว - ชาวนา, สีน้ำเงิน - ผู้พิทักษ์สีขาว, ความหิวโหย, การทำลายล้าง, ชุมชน, Wrangel, เหา, มือ, ตา, ปืนไรเฟิล, โลก) อ่านได้เหมือนคำ มายาคอฟสกี้เองก็เรียกสไตล์นี้ว่า "รูปแบบการปฏิวัติ". ภาพวาดและคำในนั้นแยกออกจากกันไม่ได้และในการโต้ตอบจะก่อให้เกิดภาษาแห่งอุดมการณ์เดียว ควรสังเกตว่าคนที่มีใจเดียวกันหลายคนของ Mayakovsky - Cubo-Futurists - เป็นทั้งกวีและศิลปิน และผลงานบทกวีของพวกเขามักแสดงเป็นภาษากราฟิก ("Reinforced Concrete Poem" โดย David Burliuk)

วาซิลี วาซิลีเยวิช คันดินสกี (2409-2487)

ศิลปะนามธรรมในเวอร์ชันรัสเซียพัฒนาขึ้นในสองทิศทาง: ใน Kandinsky เป็นการเล่นจุดสีที่เกิดขึ้นเองและไม่มีเหตุผลใน Malevich เป็นลักษณะของโครงสร้างทางคณิตศาสตร์ที่มีเหตุผลและเรขาคณิตที่ตรวจสอบแล้ว วี.วี. คันดินสกี้(พ.ศ. 2409-2487) และ เค.เอส. มาเลวิช(พ.ศ. 2421-2478) เป็นนักทฤษฎีและผู้ปฏิบัติงานด้านศิลปะนามธรรม ดังนั้นจึงเป็นเรื่องยากที่จะเข้าใจภาพวาดของพวกเขาโดยไม่ทราบผลงานทางทฤษฎีของพวกเขา เพื่อทำความเข้าใจว่าอะไรอยู่เบื้องหลังการผสมผสานองค์ประกอบหลักทุกประเภท เช่น เส้น สี รูปทรงเรขาคณิต

ดังนั้น Wassily Kandinsky จึงถือว่ารูปแบบนามธรรมเป็นการแสดงออกของสภาพจิตวิญญาณภายในของบุคคล (“ งานศิลปะที่แท้จริงดูลึกลับลึกลับ อย่างลึกลับ"จากศิลปิน") เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่กำหนดเป้าหมายของศิลปะให้กับศิลปินในการ "ปลดปล่อย" พลังแห่งการเคลื่อนไหว สี และเสียงบนผืนผ้าใบอย่างมีสติ และการสังเคราะห์สำหรับ Kandinsky นั้นเป็น "ก้าว" สู่การชำระล้างทางศีลธรรมและจิตวิญญาณของมนุษย์ในอนาคต คันดินสกี้เชื่อว่า "สีเป็นหนทางที่เราสามารถมีอิทธิพลต่อจิตวิญญาณได้โดยตรง สีคือกุญแจ ดวงตาคือค้อน วิญญาณคือเปียโนแบบหลายสาย" ศิลปินใช้กุญแจเพื่อทำให้จิตวิญญาณมนุษย์สั่นสะเทือนอย่างตั้งใจ คันดินสกี้ตีความสีและรูปร่างโดยพลการ: เขาถือว่าสีเหลืองเป็นสีที่ "เหนือสัมผัส" และให้สีน้ำเงินเป็นสี "ยับยั้งการเคลื่อนไหว" บางอย่าง (จากนั้นเขาก็สุ่มเปลี่ยนคุณสมบัติด้วย) เขาถือว่าด้านบนของสามเหลี่ยมแหลมเป็นการเคลื่อนไหวขึ้นด้านบน เป็น "ภาพแห่งชีวิตฝ่ายวิญญาณ" และประกาศว่า "เป็นการแสดงออกถึงความโศกเศร้าภายในอันประเมินค่าไม่ได้"

คันดินสกี้ได้นำทฤษฎีของเขาไปปฏิบัติ ได้สร้างผลงานนามธรรม 3 ประเภท ได้แก่ ความประทับใจ การแสดงด้นสด และองค์ประกอบไร้ความหมายไม่เกี่ยวข้องกับชีวิตพอๆ กัน แต่ "รูปแบบการเคลื่อนไหวของสี" ไม่ได้ให้ผลลัพธ์ รูปทรงเรขาคณิตที่มีสีไม่ได้สูญเสียธรรมชาติที่คงที่ และ Kandinsky หันไปหาดนตรี แต่ไม่ใช่ดนตรีสมัยใหม่ (เช่น ดนตรีของ Schoenberg) แต่เป็น "รูปภาพใน นิทรรศการ” - แต่การรวมสิ่งที่เข้ากันไม่ได้เข้าด้วยกันนั้นเป็นงานที่ไร้ค่า (การแสดงในโรงละครในเมือง Dessau ในปี 1928 นั้นน่าเบื่อหน่ายและน่าเบื่อ: นักแสดงเดินไปรอบ ๆ เวทีด้วยรูปทรงนามธรรมของสามเหลี่ยม รูปสี่เหลี่ยมขนมเปียกปูน สี่เหลี่ยมจัตุรัส การทดลองภาพยนตร์ที่คล้ายกันกับ Hungarian Rhapsody ของ Liszt คือ ไม่สำเร็จเช่นกัน) ช่วงเวลาที่โดดเด่นที่สุดในผลงานของ Kandinsky คือช่วงปี 1910 ในช่วงหลายปีต่อมา Kandinsky สูญเสียความเป็นเอกลักษณ์ในเวลานี้ไป

Kandinsky เริ่มการเดินทางของเขาล่าช้า ศิลปินมืออาชีพ. เขาเรียนที่โรงยิมในโอเดสซาจากนั้นก็เรียนกฎหมายที่มหาวิทยาลัยมอสโกมีความสนใจด้านชาติพันธุ์วิทยาเดินทางรอบรัสเซียหลายครั้งที่เกี่ยวข้องกับความสนใจทางวิทยาศาสตร์ของเขาเมื่ออายุ 30 ปีเขาก็พร้อมที่จะเป็นหัวหน้าแผนกใน Derp (Tartu) แต่ เขาเปลี่ยนความตั้งใจกะทันหันและไปมิวนิกเพื่อศึกษาการวาดภาพ ชีวิตในงานศิลปะกินเวลาประมาณ 50 ปี

การฝึกงานมีอายุสั้น คันดินสกี้เริ่มค้นหาใบหน้าของเขา เขาสร้าง "กลุ่ม" กับเพื่อน ๆ (พ.ศ. 2444-2447) ประสบการณ์ของเธอไม่ไร้ประโยชน์ ต้องขอบคุณ Kandinsky ที่โด่งดัง "ใหม่" สมาคมศิลปะ"(1909), "The Blue Rider" (1911) Kandinsky ได้สร้างงานศิลปะต้นฉบับของเขาเองขึ้นมาโดยยอมรับลัทธิโฟวิสม์แบบปารีสและลัทธิการแสดงออกของเยอรมันมาใช้

ในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่งเขาอาศัยอยู่ในรัสเซีย การปฏิวัติเดือนตุลาคม Kandinsky กลับไปสู่องค์กรเชิงองค์กรการสอนและ กิจกรรมทางวิทยาศาสตร์. เขามีส่วนร่วมในการสร้างพิพิธภัณฑ์วัฒนธรรมรูปภาพ, พิพิธภัณฑ์ประจำจังหวัดหลายแห่ง, องค์กรของ State Academy of Artistic Sciences, เป็นหัวหน้าสถาบันวัฒนธรรมศิลปะ, สอนที่ Vkhutemas - สถาบันการศึกษาระดับสูงของมอสโกที่มีชื่อเสียงซึ่งประกาศหลักการใหม่ของ การสอนศิลปะ ฯลฯ แต่ไม่ใช่ทุกอย่างที่เป็นไปด้วยดีและในตอนท้ายของปี 1921 ศิลปินออกจากรัสเซียและไปเบอร์ลินจากนั้นไม่กี่เดือนต่อมาเขาก็ย้ายไปที่ไวมาร์และในปี 1925 ถึงเดสเซาและทำงานที่สถาบันศิลปะ Bauhaus . พวกนาซีประกาศว่าศิลปะของเขาเสื่อมถอย เขาไปฝรั่งเศส และเสียชีวิตที่นั่น

คาซิเมียร์ มาเลวิช (1878-1935)

Kazimir Malevich ยังถือว่าไม่สมควรที่จะวาดภาพเป็นศิลปินที่แท้จริง โลกแห่งความจริง. ในการเคลื่อนไหวของเขาไปสู่ลักษณะทั่วไป เขามาจากลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ผ่านลัทธิคิวโบฟิวเจอร์ริสม์ไปจนถึงลัทธิซูพรีมาติซึม (1913; ลัทธิสุพรีมาติสต์- จากโปแลนด์ - สูงสุดไม่สามารถบรรลุได้; ภาษาโปแลนด์เป็นภาษาแม่ของ Malevich) ผู้สร้างมองว่าลัทธิซูพรีมาติสม์เป็นรูปแบบความคิดสร้างสรรค์ที่สูงกว่าเมื่อเทียบกับงานศิลปะที่เป็นรูปเป็นร่าง และถูกเรียกร้องให้สร้างใหม่โดยใช้การผสมผสานระหว่างรูปทรงเรขาคณิตที่วาดในโทนสีต่างๆ โครงสร้างเชิงพื้นที่ ("สถาปัตยกรรมที่งดงาม" ของโลก) และถ่ายทอดบางอย่าง รูปแบบของจักรวาล ในภาพวาดที่ไม่มีวัตถุประสงค์ซึ่งละทิ้ง "จุดสังเกต" ของโลกความคิดเรื่อง "ขึ้น" และ "ลง" "ซ้าย" และ "ขวา" หายไป - ทุกทิศทางเท่าเทียมกันเช่นเดียวกับในจักรวาล และ "Black Square" (1916) โดย Malevich เป็นสัญลักษณ์ของการเริ่มต้น ยุคใหม่ในงานศิลปะบนพื้นฐานของเรขาคณิตและแผนผังของรูปแบบที่สมบูรณ์ ในปี 1916 ในจดหมายถึง A. N. Benois Malevich ได้แสดง "ลัทธิความเชื่อ" ของเขาดังนี้: "ทุกสิ่งที่เราเห็นในสาขาศิลปะล้วนเป็นการปรับปรุงใหม่แบบเดียวกันในอดีต โลกของเราเต็มไปด้วยทุกๆ ครึ่งศตวรรษโดยผลงานของ ผู้สร้างที่ยอดเยี่ยม -” เทคโนโลยี”! แต่ "World of Art" ทำอะไรเพื่อเพิ่มคุณค่าให้กับเวลาร่วมสมัยของเขา เขามอบชุด crinolines หนึ่งคู่และเครื่องแบบ Peter the Great หลายชุด

ด้วยเหตุนี้ข้าพเจ้าจึงเรียกเฉพาะผู้ที่สามารถให้ผลแห่งศิลปะในปัจจุบันเท่านั้น และฉันดีใจที่ใบหน้าของจัตุรัสของฉันไม่สามารถผสานกับเจ้านายหรือเวลาใด ๆ ได้ มันไม่ได้เป็น? ฉันไม่ฟังพ่อของฉัน ฉันไม่เหมือนพวกเขา

และฉันก็เป็นก้าวหนึ่ง

ฉันเข้าใจคุณ คุณเป็นพ่อ และคุณอยากให้ลูกเป็นเหมือนคุณ และคุณขับรถพาพวกเขาไปยังทุ่งหญ้าของคนชรา และประทับตราดวงวิญญาณหนุ่มของพวกเขาด้วยตราประทับที่น่าเชื่อถือ เหมือนในส่วนหนังสือเดินทาง

ฉันมีไอคอนเปลือยเปล่าไร้กรอบ (เช่น กระเป๋า) อันหนึ่งในช่วงเวลาของฉัน"

ลัทธิซูพรีมาติสม์ของ Malevich ผ่านสามขั้นตอน: ดำ ขาว และสี K. Malevich ถือว่าสัญชาตญาณเป็นพื้นฐานทางปรัชญาของศิลปะแห่งลัทธิซูพรีมาติซึม “สัญชาตญาณ” เขาเขียน “ผลักดันความตั้งใจที่จะ ความคิดสร้างสรรค์และเพื่อที่จะไปให้ถึงนั้น จำเป็นต้องกำจัดวัตถุประสงค์ เราต้องสร้างสัญญาณใหม่... เมื่อบรรลุถึงการเพิกถอนความเป็นกลางในงานศิลปะอย่างสมบูรณ์แล้ว เราจะใช้เส้นทางที่สร้างสรรค์ในการสร้างรูปแบบใหม่ เรา จะหลีกเลี่ยงการเล่นปาหี่บนเส้นลวดแห่งศิลปะ วัตถุที่แตกต่างกัน, ... โรงเรียนวิจิตรศิลป์กำลังฝึกซ้อมอะไรอยู่ตอนนี้” หากศิลปะนามธรรมของ Malevich และ Kandinsky พัฒนาขึ้นในตอนแรกโดยเฉพาะในการวาดภาพขาตั้งแล้วในงาน วี อี ทัตลีนา(พ.ศ. 2428-2496) พื้นผิวกลายเป็นเป้าหมายของการทดลองเชิงนามธรรม Tatlin ผสมผสานวัสดุที่แตกต่างกัน เช่น ดีบุก ไม้ แก้ว โดยเปลี่ยนระนาบภาพให้กลายเป็นงานประติมากรรมนูน ในสิ่งที่เรียกว่าการบรรเทาทุกข์ของ Tatlin "วีรบุรุษ" ไม่ใช่วัตถุจริง แต่เป็นประเภทพื้นผิวที่เป็นนามธรรม - หยาบ, เปราะบาง, หนืด, อ่อนนุ่ม, เป็นประกาย - ซึ่งอาศัยอยู่ในหมู่พวกเขาเองโดยไม่มีพล็อตภาพที่เฉพาะเจาะจง

ศิลปะประเภทนี้ถือว่ามีความทันสมัยสอดคล้องกับยุคสมัยของเครื่องจักร

ต้องจำไว้ว่าสภาพแวดล้อมทางสังคมและวัฒนธรรมที่หล่อหลอมโลกทัศน์ของ Larionov, Malevich และ Tatlin นั้นแตกต่างอย่างมากจากสภาพแวดล้อมของ Bakst, Benois และ Somov พวกเขามาจากครอบครัวที่เรียบง่าย โดยไม่เสแสร้งต่อวัฒนธรรมชั้นสูงแม้แต่น้อย และออกจากโรงเรียนเร็ว พวกเขาไม่ได้สัมผัสกับประเพณีทางวัฒนธรรมอันทรงพลัง เช่นเดียวกับศิลปินใน "โลกแห่งศิลปะ" ดังนั้นจึงไม่เหมาะสมที่จะรวมสิ่งเหล่านี้เข้ากับแนวคิดเกี่ยวกับสัญลักษณ์ที่ประณีตและคณิตศาสตร์ขั้นสูง พวกเขาเป็นศิลปินที่เป็นธรรมชาติและเป็นธรรมชาติ เป็นผู้ใต้บังคับบัญชาของสัญชาตญาณ มีสัญชาตญาณ และไม่ครุ่นคิด และอิทธิพลทางวัฒนธรรมของพวกเขาไม่ใช่พิธีกรรมทางจิตวิญญาณหรือโต๊ะ องค์ประกอบทางเคมี Mendeleev และละครสัตว์ งานแสดงสินค้า และชีวิตบนท้องถนน

ข้อสรุป

โดยสรุปเราทราบว่าลักษณะสำคัญของศิลปะในยุคนี้คือ - ประชาธิปไตย, การปฏิวัติ, สังเคราะห์(ปฏิสัมพันธ์ การเชื่อมโยง การแทรกซึมของรูปแบบศิลปะ)

ศิลปะในประเทศก้าวทันยุคสมัย โดยรวมถึงทิศทางที่หลากหลาย (ความสมจริง อิมเพรสชันนิสม์ โพสต์อิมเพรสชันนิสม์ ลัทธิอนาคตนิยม ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม การแสดงออกทางนามธรรม ลัทธินามธรรม ลัทธิดั้งเดิม ฯลฯ) ไม่เคยมีความสับสนทางอุดมการณ์เช่นนี้มาก่อน ภารกิจและแนวโน้มที่ขัดแย้งกันเช่นนี้ และชื่อมากมายมากมายเช่นนี้ไม่เคยมีมาก่อน ความสัมพันธ์ใหม่ๆ เกิดขึ้นครั้งแล้วครั้งเล่าพร้อมกับการประกาศและการประกาศอันดัง แต่ละทิศทางอ้างว่ามีบทบาทพิเศษ ศิลปินรุ่นเยาว์พยายามทำให้ผู้ชมท้อแท้ ทำให้เกิดความสับสนและเสียงหัวเราะ

ความป่าเถื่อนแบบหนึ่ง (บ่อยครั้งที่ศิลปินจากฝ่ายซ้ายเรียกตัวเองว่า "คนป่าเถื่อน") มาถึงจุดที่โค่นล้มอำนาจอย่างโหดร้าย ดังนั้นในการปฏิเสธ ศิลปะที่สมจริงเรามาถึง "การทดลองของ Repin" ที่พิพิธภัณฑ์สารพัดช่างมอสโก แต่อาจเป็นไปได้ว่านี่เป็นหนึ่งในหน้าศิลปะรัสเซียที่น่าสนใจและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดซึ่งการสนทนาจะไม่มีวันน่าเบื่อไม่คลุมเครือและสมบูรณ์ จุดเริ่มต้นที่ไร้เหตุผลอย่างน่าอัศจรรย์อยู่ที่ผลงานของศิลปินที่ยอดเยี่ยมจาก Vitebsk เอ็ม.ซี. ชากาลา(พ.ศ. 2430-2528) ด้วยปรัชญาการวาดภาพของเขา Chagall ได้ศึกษาสั้น ๆ กับ Yu. Peng ใน Vitebsk และกับ Bakst ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

สิ่งที่ปรากฎในภาพวาดรัสเซียที่มีชื่อเสียง

นิโคไล เนฟเรฟ. "ต่อรอง. ฉากหนึ่งจากชีวิตทาส” พ.ศ. 2409

เจ้าของที่ดินคนหนึ่งขายสาวเสิร์ฟให้กับอีกคนหนึ่ง ผู้ซื้อแสดงห้านิ้วอย่างสง่างาม - ห้าร้อยรูเบิล 500 รูเบิล - ราคาเฉลี่ยข้ารับใช้รัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ผู้ขายของหญิงสาวเป็นขุนนางที่มีการศึกษาในยุโรป รูปภาพบนผนังหนังสือ หญิงสาวรอคอยชะตากรรมของเธออย่างถ่อมตัว ทาสคนอื่น ๆ รวมตัวกันที่ประตูและดูว่าการเจรจาต่อรองจะจบลงอย่างไร ความปรารถนา

วาซิลี เปรอฟ “ขบวนแห่ทางศาสนาในชนบทในวันอีสเตอร์” พ.ศ. 2404

หมู่บ้านรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ออร์โธดอกซ์อีสเตอร์. ทุกคนเมาแทบบ้า รวมทั้งนักบวชด้วย คนที่อยู่ตรงกลางถือไอคอนกลับหัวและกำลังจะล้มลง บางส่วนได้ล้มลงแล้ว ตลก! สาระสำคัญของภาพคือความมุ่งมั่นของชาวรัสเซียต่อออร์โธดอกซ์นั้นเกินจริง การติดแอลกอฮอล์รุนแรงขึ้นอย่างเห็นได้ชัด Perov เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพและการวาดภาพบุคคลประเภทต่างๆ แต่ภาพวาดของเขานี้ถูกห้ามไม่ให้แสดงหรือทำซ้ำในซาร์รัสเซีย เซ็นเซอร์!

กริกอรี มาโซเอดอฟ. “เซมสโวกำลังรับประทานอาหารกลางวัน” พ.ศ. 2415

สมัยของอเล็กซานเดอร์ที่ 2 ความเป็นทาสถูกยกเลิก มีการแนะนำการปกครองตนเองในท้องถิ่น - zemstvos ชาวนาก็ถูกเลือกที่นั่นเช่นกัน แต่ระหว่างพวกเขากับชนชั้นที่สูงกว่านั้นยังมีเหวอยู่ ดังนั้น - การรับประทานอาหารการแบ่งแยกสีผิว สุภาพบุรุษอยู่ในบ้าน โดยมีบริกร ชาวนาอยู่ที่ประตู

เฟดอร์ วาซิลีฟ. "หมู่บ้าน". พ.ศ. 2412

พ.ศ. 2412 ภูมิทัศน์นั้นสวยงาม แต่หากมองใกล้ ๆ หมู่บ้านนั้นยากจน บ้านยากจน หลังคารั่ว ถนนเต็มไปด้วยโคลน

ยาน เฮนดริก เวอร์เฮเยน "หมู่บ้านชาวดัตช์ที่มีรูปปั้นผู้คน" ครึ่งแรก ศตวรรษที่ 19.

แค่นั้นแหละเพื่อการเปรียบเทียบ

อเล็กเซย์ คอร์ซูคิน. "กลับจากเมือง" พ.ศ. 2413

สถานการณ์ในบ้านย่ำแย่ เด็กคลานอยู่บนพื้นโทรม และสำหรับลูกสาวคนโต พ่อของเธอนำของขวัญเล็กๆ น้อยๆ จากเมืองมาให้ - เบเกิลพวงหนึ่ง จริงอยู่ที่มีลูกหลายคนในครอบครัว - เฉพาะในภาพเท่านั้นที่มีสามคนและอาจมีอีกคนหนึ่งอยู่ในเปลแบบโฮมเมด

เซอร์เกย์ โคโรวิน. "บนโลก." พ.ศ. 2436

นี่เป็นหมู่บ้านของปลายศตวรรษที่ 19 แล้ว ไม่มีข้าแผ่นดินอีกต่อไปแล้ว แต่มีการแบ่งแยกเกิดขึ้น - หมัด ในการรวมตัวของหมู่บ้าน มีความขัดแย้งบางอย่างระหว่างชายยากจนกับกุลลักษณ์ สำหรับผู้ชายที่ยากจน หัวข้อนี้ดูเหมือนจะสำคัญอย่างยิ่ง เขาแทบจะร้องไห้สะอึกสะอื้น หมัดที่ร่ำรวยหัวเราะเยาะเขา หมัดอื่นๆ ที่อยู่ด้านหลังก็หัวเราะคิกคักใส่ขอทานผู้แพ้เช่นกัน แต่สหายที่อยู่ทางด้านขวาของชายผู้น่าสงสารนั้นตื้นตันใจกับคำพูดของเขา มีสมาชิกคณะกรรมการสำเร็จรูปสองคนแล้ว สิ่งที่เหลืออยู่คือรอจนถึงปี 1917

วาซิลี มักซิมอฟ. "การประมูลค้างชำระ" พ.ศ. 2424-2525

กรมสรรพากรโกรธมาก เจ้าหน้าที่ซาร์ประมูลกาโลหะ หม้อเหล็กหล่อ และข้าวของของชาวนาอื่นๆ ภาษีที่หนักที่สุดสำหรับชาวนาคือการจ่ายเงินไถ่ถอน อเล็กซานเดอร์ที่ 2 "ผู้ปลดปล่อย" ปลดปล่อยชาวนาด้วยเงินจริง ๆ แล้วพวกเขาจำเป็นต้องจ่ายเงินให้รัฐบ้านเกิดเป็นเวลาหลายปีสำหรับที่ดินที่มอบให้พวกเขาตามความประสงค์ของพวกเขา ที่จริงแล้ว ชาวนาเคยมีที่ดินนี้มาก่อนและใช้เป็นทาสมาหลายชั่วอายุคน แต่เมื่อพวกเขาเป็นอิสระ พวกเขาถูกบังคับให้ชดใช้ที่ดินนี้ ต้องชำระเงินเป็นงวดจนถึงปี 1932 ในปี 1907 ท่ามกลางการปฏิวัติ เจ้าหน้าที่ได้ยกเลิกภาษีเหล่านี้

วลาดิเมียร์ มาคอฟสกี้. "บนถนน" พ.ศ. 2429-2430

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 การพัฒนาอุตสาหกรรมมาถึงรัสเซีย คนหนุ่มสาวไปในเมือง เธอจะบ้าไปแล้วที่นั่น ชีวิตเก่าของพวกเขาไม่น่าสนใจสำหรับพวกเขาอีกต่อไป และชายหนุ่มผู้ทำงานหนักคนนี้ไม่สนใจแม้แต่ภรรยาชาวนาที่มาหาเขาจากหมู่บ้าน เธอไม่ก้าวหน้า หญิงสาวรู้สึกหวาดกลัว ชนชั้นกรรมาชีพที่มีหีบเพลงไม่สนใจ

วลาดิเมียร์ มาคอฟสกี้. "วันที่". พ.ศ. 2426

มีความยากจนในหมู่บ้าน เด็กชายถูกมอบให้กับสาธารณชน เหล่านั้น. ส่งเข้าเมืองไปทำงานให้เจ้าของที่แสวงหาผลประโยชน์จากแรงงานเด็ก แม่มาเยี่ยมลูกชายของเธอ เห็นได้ชัดว่าทอมมีชีวิตที่ยากลำบาก แม่ของเขามองเห็นทุกอย่าง เด็กชายกินขนมปังที่เขานำมาอย่างตะกละตะกลาม

และวลาดิมีร์ มาคอฟสกี้ด้วย "ธนาคารล่มสลาย" พ.ศ. 2424

กลุ่มผู้ฝากเงินที่ถูกฉ้อโกงในสำนักงานธนาคาร ทุกคนตกตะลึง นายธนาคารอันธพาล (ทางขวา) กำลังเอาแป้งออกไปอย่างเงียบ ๆ ตำรวจมองไปอีกทางเหมือนไม่เห็นเขา

พาเวล เฟโดตอฟ. " คุณชายสด" 2389

เจ้าหน้าที่หนุ่มได้รับคำสั่งแรก พวกเขาล้างมันทั้งคืน เช้าวันรุ่งขึ้น พระองค์ทรงวางไม้กางเขนบนเสื้อคลุมของพระองค์โดยตรง แล้วนำไปให้แม่ครัวดู รูปลักษณ์ที่บ้าคลั่งเต็มไปด้วยความเย่อหยิ่ง พ่อครัวที่สวมบทบาทเป็นผู้คนมองเขาด้วยความประชด Fedotov เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านภาพวาดทางจิตวิทยาเช่นนี้ ความหมายของสิ่งนี้: ไฟกระพริบไม่ได้อยู่บนรถ แต่อยู่ที่หัว

พาเวล เฟโดตอฟด้วย “อาหารเช้าของขุนนาง” พ.ศ. 2392-2393

ในตอนเช้า ขุนนางผู้ยากจนรู้สึกประหลาดใจ แขกที่ไม่คาดคิด. เขารีบปิดอาหารเช้าของเขา (ขนมปังดำชิ้นหนึ่ง) ด้วยนวนิยายฝรั่งเศส ขุนนาง (3% ของประชากร) เป็นชนชั้นพิเศษในรัสเซียเก่า พวกเขาเป็นเจ้าของที่ดินจำนวนมหาศาลทั่วประเทศ แต่แทบจะไม่สามารถสร้างเกษตรกรที่ดีได้ ไม่ใช่ธุระของเจ้านาย ผลลัพธ์คือความยากจน หนี้สิน ทุกอย่างถูกจำนองและจำนองใหม่ในธนาคาร ในสวนเชอร์รี่ออร์ชาร์ดของเชคอฟ ที่ดินของเจ้าของที่ดิน Ranevskaya ถูกขายเพื่อชำระหนี้ ผู้ซื้อ (พ่อค้าที่ร่ำรวย) กำลังทำลายที่ดินและต้องการสวนเชอร์รี่ของลอร์ดจริงๆ (เพื่อขายต่อในชื่อเดชา) สาเหตุของปัญหาของตระกูล Ranevsky คือความเกียจคร้านมาหลายชั่วอายุคน ไม่มีใครดูแลที่ดิน และเจ้าของเองก็ไปอยู่ต่างประเทศมา 5 ปีแล้วและเปลืองเงิน

บอริส คุสโตดีเยฟ. "พ่อค้า". พ.ศ. 2461

พ่อค้าประจำจังหวัดเป็นหัวข้อโปรดของ Kustodiev ในขณะที่ขุนนางในปารีสถลุงที่ดินของตนอย่างสุรุ่ยสุร่าย ผู้คนเหล่านี้ลุกขึ้นจากจุดต่ำสุดและสร้างรายได้ในประเทศที่กว้างใหญ่ ซึ่งมีพื้นที่เหลือเฟือสำหรับลงทุนทั้งมือและเงินทุน เป็นที่น่าสังเกตว่าภาพนี้วาดในปี 1918 เมื่อพ่อค้า Kustodiev และพ่อค้าหญิงทั่วประเทศถูกนักสู้ต่อต้านชนชั้นกลางผลักไปที่กำแพงแล้ว

อิลยา เรปิน. "ขบวนแห่ทางศาสนาในจังหวัดเคิร์สต์" พ.ศ. 2423-2426

สังคมชั้นต่างๆ มาที่ขบวนแห่ทางศาสนา และ Repin ก็พรรณนาถึงพวกเขาทั้งหมด จะมีการถือตะเกียงพร้อมเทียนไปข้างหน้า ตามด้วยไอคอน จากนั้นบุคคลที่ดีที่สุดจะไป - เจ้าหน้าที่ในเครื่องแบบ นักบวชในชุดทองคำ พ่อค้า ขุนนาง ด้านข้างมียาม (บนหลังม้า) แล้วก็มีคนธรรมดา ผู้คนข้างถนนจะเสาะหาเป็นระยะเพื่อไม่ให้เจ้านายและเข้าไปในเลนของเขา Tretyakov ไม่ชอบเจ้าหน้าที่ตำรวจในภาพ (ทางขวาในชุดขาวทุบตีใครบางคนจากฝูงชนอย่างสุดกำลัง) เขาขอให้ศิลปินขจัดความวุ่นวายของตำรวจออกจากโครงเรื่อง แต่เรพินปฏิเสธ แต่ Tretyakov ก็ซื้อภาพวาดอยู่ดี สำหรับ 10,000 รูเบิล ซึ่งเป็นเพียงจำนวนมหาศาลในขณะนั้น

อิลยา เรปิน. "การชุมนุม". พ.ศ. 2426

แต่หนุ่มๆ เหล่านี้ในภาพวาดอีกชิ้นของ Repin จะไม่ไปร่วมขบวนแห่ทางศาสนากับฝูงชนอีกต่อไป พวกเขามีทางของตัวเอง - ความหวาดกลัว นี่คือ Narodnaya Volya องค์กรใต้ดินของนักปฏิวัติที่สังหารซาร์อเล็กซานเดอร์ที่ 2

นิโคไล บ็อกดานอฟ-เบลสกี้ “การนับวาจา ที่โรงเรียนรัฐบาลของ S.A. Rachinsky" พ.ศ. 2438

โรงเรียนในชนบท เด็กชาวนาสวมรองเท้าบาส แต่มีความปรารถนาที่จะเรียนรู้ ครูอยู่ในชุดยุโรปผูกโบว์ นี่คือคนจริงๆ - Sergei Rachinsky นักคณิตศาสตร์ศาสตราจารย์แห่งมหาวิทยาลัยมอสโก เขาสอนบนพื้นฐานความสมัครใจที่ โรงเรียนในชนบทในหมู่บ้าน Tatevo (ปัจจุบันคือภูมิภาคตเวียร์) ซึ่งเขามีที่ดิน มาก. จากการสำรวจสำมะโนประชากร พ.ศ. 2440 อัตราการรู้หนังสือในรัสเซียอยู่ที่เพียง 21%

แจน มาเตโก. "โปแลนด์ถูกล่ามโซ่" พ.ศ. 2406

จากการสำรวจสำมะโนประชากร พ.ศ. 2440 ผู้รู้หนังสือในประเทศอยู่ที่ 21% และชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ - 44% เอ็มไพร์! ความสัมพันธ์ระหว่างชาติพันธุ์ในประเทศไม่เคยราบรื่น ภาพวาดของศิลปินชาวโปแลนด์ Jan Matejko เขียนขึ้นเพื่อรำลึกถึงการลุกฮือต่อต้านรัสเซียในปี พ.ศ. 2406 เจ้าหน้าที่รัสเซียที่มีใบหน้าโกรธแค้นผูกมัดหญิงสาว (โปแลนด์) พ่ายแพ้ แต่ก็ไม่แตกหัก ข้างหลังเธอมีผู้หญิงอีกคนหนึ่ง (ผมบลอนด์) ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของลิทัวเนีย เธอถูกรัสเซียอีกคนคลำสกปรก เสาทางด้านขวาซึ่งนั่งหันหน้าไปทางผู้ชมคือภาพที่ถ่มน้ำลายของ Dzerzhinsky

นิโคไล ปิโมเมนโก. เหยื่อของความคลั่งไคล้ พ.ศ. 2442

ภาพวาดนี้แสดงถึงกรณีจริงที่เกิดขึ้นในเมือง Kremenets (ยูเครนตะวันตก) เด็กสาวชาวยิวตกหลุมรักช่างตีเหล็กชาวยูเครน คู่บ่าวสาวตัดสินใจแต่งงานกับเจ้าสาวที่เปลี่ยนมานับถือศาสนาคริสต์ สิ่งนี้ทำให้ชุมชนชาวยิวในท้องถิ่นกังวล พวกเขาประพฤติตนไม่อดทนอย่างยิ่ง พ่อแม่ (ด้านขวาของภาพ) ปฏิเสธลูกสาวของตน และเด็กหญิงก็ถูกขัดขวาง เหยื่อมีไม้กางเขนที่คอ ด้านหน้าของเธอคือแรบไบที่มีหมัด ด้านหลังเขาเป็นบุคคลสาธารณะที่เกี่ยวข้องกับชมรมต่างๆ

ฟรานซ์ รูโบ. "การโจมตีหมู่บ้านกิมรี" พ.ศ. 2434

สงครามคอเคเชียนในศตวรรษที่ 19 ส่วนผสมที่ชั่วร้ายของ Dags และ Chechens โดยกองทัพซาร์ หมู่บ้าน Gimry (หมู่บ้านบรรพบุรุษของ Shamil) ล่มสลายเมื่อวันที่ 17 ตุลาคม พ.ศ. 2375 อย่างไรก็ตาม ตั้งแต่ปี 2550 ระบอบปฏิบัติการต่อต้านการก่อการร้ายได้มีผลบังคับใช้ในหมู่บ้าน Gimry อีกครั้ง การเคลียร์ครั้งสุดท้าย (ในขณะที่เขียนโพสต์นี้) โดยตำรวจปราบจลาจลคือวันที่ 11 เมษายน 2556 เรื่องแรกอยู่ในภาพด้านล่าง:

วาซิลี เวเรชชากิน "คนกินฝิ่น" พ.ศ. 2411

ภาพวาดนี้วาดโดย Vereshchagin ในทาชเคนต์ระหว่างการรณรงค์ Turkestan ของกองทัพรัสเซีย เอเชียกลางจึงถูกผนวกเข้ากับรัสเซีย วิธีที่ผู้เข้าร่วมในการรณรงค์เห็นบรรพบุรุษของแขกรับเชิญในปัจจุบัน - Vereshchagin ทิ้งภาพวาดและบันทึกความทรงจำเกี่ยวกับเรื่องนี้ สิ่งสกปรก ความยากจน ยาเสพติด...

ปีเตอร์ เบลูซอฟ. “เราจะไปทางอื่น!” 1951

และสุดท้ายคือเหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์รัสเซียในศตวรรษที่ 19 เมื่อวันที่ 22 เมษายน พ.ศ. 2413 Volodya Ulyanov เกิดที่เมือง Simbirsk พี่ชายของเขาซึ่งเป็นสมาชิก Narodnaya Volya พยายามตัวเองในขอบเขตแห่งความหวาดกลัวส่วนบุคคล - เขาเตรียมความพยายามในชีวิตของซาร์ แต่ความพยายามล้มเหลวและน้องชายก็ถูกแขวนคอ นั่นคือตอนที่หนุ่ม Volodya ตามตำนานบอกแม่ของเขาว่า: "เราจะไปทางอื่น!" และไปกันเถอะ

จิตรกรรมปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ในรัสเซีย

ในปี พ.ศ. 2437 ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุด Peredvizhniki: Repin, Makovsky, Shishkin, Kuindzhi กลายเป็นส่วนหนึ่งของตำแหน่งศาสตราจารย์ทางวิชาการ แนวกล่าวหาของภาพวาดรัสเซียลดลงอย่างเห็นได้ชัดและการค้นหาอุดมคติของความสามัคคีก็เพิ่มมากขึ้น ความงามที่ใกล้สูญพันธุ์ในโลกชนชั้นกลาง

ในการค้นหาภาษาใหม่ ศิลปินมักหันไปสนใจเรื่องเทพนิยายและตำนาน

ศิลปินกำหนดงานใหม่ ไม่ใช่เพื่อประณาม แต่เพื่อรักษาความรู้สึกของความงามเพื่อสอนความงาม นำความงามมาสู่ตัวคุณ โลกทุกวัน: ในชีวิตประจำวัน สถาปัตยกรรม และของใช้ในชีวิตประจำวัน

มีนิทรรศการถาวร มีการตีพิมพ์นิตยสารและปูมจำนวนมาก กลุ่มศิลปะต่างๆ เกิดขึ้นและหายไป

นอกเหนือจากการวาดภาพแบบขาตั้งแล้ว ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ กราฟิกหนังสือ และการตกแต่งละครก็กำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน ศิลปินสากลประเภทหนึ่งกำลังเกิดขึ้น เขาสามารถวาดภาพ สร้างแผงตกแต่ง บทความสำหรับหนังสือ ปั้นประติมากรรม หรือสร้างเครื่องแต่งกายสำหรับการแสดงละคร

นั่นคือ M. A. Vrubel ศิลปินของสมาคม World of Arts ศิลปินถูกจัดกลุ่มใน Abramtsevo รอบๆ S.I. Mamontov มีการปลูกฝังการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ด้านการแสดงละคร การตกแต่ง และศิลปะและงานฝีมือที่นั่น ศิลปินในแวดวง Abramtsevo หลงใหลงานแกะสลักไม้ งานเย็บปักถักร้อย ภาพพิมพ์ยอดนิยม และของเล่น หัตถกรรมพื้นบ้านกำลังได้รับการฟื้นฟู

ประเภทของภาพวาดในยุค 90

ในยุค 90 การวาดภาพประเภทสูญเสียตำแหน่งผู้นำ ศิลปินไม่ได้สนใจภาพทั่วไปของชาวนารัสเซียและธรรมชาติอีกต่อไป แต่สนใจการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในชีวิตชาวรัสเซีย

เอส.เอ. โคโรวิน (1858 –1908)

ประเด็นหลัก ได้แก่ การแบ่งชั้นของหมู่บ้าน ความเป็นปรปักษ์ระหว่างคนคูลัคกับคนจน ความแตกแยกในชุมชน

“ บนโลก” 2436 หอศิลป์ Tretyakov

ฉากการโต้เถียงระหว่างชายยากจนผู้สิ้นหวังและสิ้นหวังกับกำปั้นที่พอใจในตัวเองซึ่งรู้ว่ากฎหมายและอำนาจเงินอยู่ข้างเขา ถ่ายทอดออกมาด้วยความถูกต้องทางจิตวิทยาที่น่าทึ่ง ไม่มีชุมชนในอุดมคติใดที่มีคุณค่ามากในยุค 60 โลกชาวนาปฏิเสธคนจนไม่มีใครมาช่วยเขา ผู้เขียนพบวิธีการใหม่ในการพรรณนา ฉากนี้ถูกนำเสนอราวกับว่าจากด้านบน จู่ๆ เราก็พบว่าตัวเองอยู่ท่ามกลางผู้คนที่ใกล้ชิด ร่างใหญ่และรูปร่างที่จับต้องได้บังคับให้เรามองเห็น ละครโหดร้ายออกไปเล่นที่หมู่บ้านแห่งหนึ่ง

เอ. อี อาร์คิปอฟ (1862 – 1930)

ศิลปินคนนี้นำความสำเร็จของการวาดภาพอิมเพรสชั่นนิสต์มาสู่ประเภทต่างๆ: ฉากที่แย่งชิงไปจากชีวิตประจำวันโดยไม่ได้ตั้งใจ, ความสัมพันธ์ของสี, การวาดภาพบนอากาศ

“ Laundresses” 2444 หอศิลป์ Tretyakov

เบื้องหน้าเราเปรียบเสมือนภาพร่างของฉากที่บันทึกไว้ในทันที ไม่ใช่เหตุการณ์เฉพาะที่บรรยาย แต่เป็นสภาพการทำงานที่ทนไม่ได้ของร้านซักรีด งานของพวกเขาถูกนำเสนอเป็นงานที่น่าอับอายและเป็นนิสัย ความรู้สึกของห้องใต้ดินที่เปียกชื้น พื้นลื่น กองผ้าสกปรก และไอน้ำร้อนที่พวยพุ่งจากถังร้อนไปยังหน้าต่างเย็น ได้รับการถ่ายทอดอย่างเชี่ยวชาญ มันเหมือนกับจังหวะแปรงที่ลื่นไหลทำให้เราจมอยู่ในความชื้นที่นิ่งของอากาศชื้น

เอส. ไอ. อีวานอฟ (2407 – 2453)

ศิลปินคนนี้ได้ขยายธีมของแนวเพลงอย่างมีนัยสำคัญ

"บนถนน. ความตายของผู้อพยพ" หอศิลป์ Tretyakov พ.ศ. 2432

ก่อนที่เราจะมาถึงจุดจบอันน่าเศร้าของชีวิตเร่ร่อนของครอบครัวชาวนาที่ออกตามหา ชีวิตที่ดีขึ้น. ความแม่นยำของท่าและรายละเอียดนั้นน่าทึ่งมาก แต่สิ่งสำคัญคือไม่ได้พูด โศกนาฏกรรมเกิดขึ้นจนศิลปินไม่ต้องเล่าถึงผลที่ตามมาทั้งหมดโดยตรง เขาวาดภาพครีษมายัน ความปั่นป่วนของธรรมชาติและผู้คน ที่ราบเกรียมที่น่าเบื่อหน่าย เพลาเกวียนที่ยกขึ้นเป็นสัญลักษณ์ของการหยุดการเคลื่อนไหว ทุกสิ่งสร้างความรู้สึกสิ้นหวังโดยสิ้นเชิงให้กับผู้ที่สิ้นหวัง

"การประหารชีวิต" 2448

หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดเกี่ยวกับเหตุการณ์การปฏิวัติ ด้านซ้ายมีเมฆกระสุนดินปืน พื้นหลังเป็นแถวทหารสีเข้ม ด้านขวาคือกลุ่มฝูงชนที่มีป้ายแบนเนอร์ พื้นที่รกร้างถูกน้ำท่วมด้วยแสงแดด ท่าทางของคนตายและผู้บาดเจ็บซึ่งมีแนวโน้มว่าจะเป็นสุนัขเอียงข้างขณะวิ่งนั้นดูน่าทึ่งในความถูกต้อง เงาของบ้านเรือนเป็นเขตไว้ทุกข์ พื้นที่ผนังด้านข้างที่มีแสงสว่างเป็นลิ่มแสง ราวกับชี้ไปที่ฆาตกรที่ซุ่มซ่อนอยู่ในเงามืด

เอ็น. เอ. กษัตคิน (พ.ศ. 2402 – 2473)

ศิลปินคนนี้เปิดเผยเป็นครั้งแรกถึงธีมของแรงงานของชนชั้นแรงงานที่เข้าสู่เวทีแห่งประวัติศาสตร์

“คนงานเหมืองถ่านหิน Smena" 2438 หอศิลป์ Tretyakov

บรรยากาศของห้องมืดมนที่มีโครงไม้ลอยขึ้นไป และกลุ่มคนงานเหมืองก็รวมตัวกันอยู่ด้านล่าง ทุกสิ่งเป็นแรงบันดาลใจให้เกิดความเคร่งขรึมอันมืดมน ใบหน้าของคนงานเหมืองจำนวนมากในกลุ่มฝูงชนมองดูผู้ชมด้วยความแปลกแยกและเป็นศัตรูกัน คนขุดถ่านหินกำลังเดินตรงมาหาเราโดยมีดวงตาสีขาววาววับเป็นลางไม่ดีบนใบหน้าที่มีควันของเขา เขาถูกมองว่าเป็นการสงบศึกที่เต็มไปด้วยความเกลียดชังในนามของมวลชนคนงานที่มีต่อศัตรู ฉากการเปลี่ยนแปลงกะที่กรงเหมืองในชีวิตประจำวันโดยพื้นฐานแล้วมีพลังและความสำคัญที่สื่อถึงความโกรธที่เพิ่มขึ้นในหมู่ชนชั้นแรงงาน

เอ.พี. ไรบุชกิน (1861 – 1904)

การผสมผสานระหว่างประวัติศาสตร์และแนวเพลงในชีวิตประจำวันนำไปสู่การกำเนิดของภาพประวัติศาสตร์และชีวิตประจำวันในผลงานของศิลปินคนนี้ ภาพวาดที่ดีที่สุดของเขาคือ “สตรีมอสโกแห่งศตวรรษที่ 17 โบสถ์" 2442, "รถไฟแต่งงานในมอสโกแห่งศตวรรษที่ 17" 2444

เบื้องหน้าเราคือภาพชีวิตประจำวันในอดีตอันไกลโพ้นเท่านั้น ดังนั้นภาพเขียนจึงไม่มีความยิ่งใหญ่ เรื่องราวไม่ได้หันไปจากด้านดราม่า อย่างเช่นในกรณีของ Surikov หรือ Repin แต่หันไปทางสุนทรีย์ ศิลปินชื่นชมชีวิตในอดีต เขาเพลิดเพลินกับรสชาติของชีวิตในมอสโกในศตวรรษที่ 17 อายุไม่ได้ถูกเลือกโดยบังเอิญ ในศตวรรษที่ 17 ลวดลายและโพลีโครมของรัสเซียได้รับพลังอันน่าทึ่งที่ไม่ธรรมดา Ryabushkin ตื้นตันใจกับจิตวิญญาณของยุคกลางรัสเซียอันมีสีสัน

ในภาพวาดต่อมามีลักษณะแปลกประหลาดและเสียดสีปรากฏขึ้น

เอ็ม.วี. เนสเตรอฟ (1862 – 1942)

ศิลปินคนนี้เป็นนักเรียนของ Perov ซึ่งเริ่มต้นด้วยจิตวิญญาณของผู้พเนจรเข้าสู่ภาพวาดรัสเซียด้วยภาพวาดของเขา "ฤาษี",ซึ่งพบธีม: อาราม, โบสถ์มาตุภูมิ, ลัทธิสงฆ์ ไม่มีความเป็นจริงในช่วงเวลาหนึ่ง Nesterov สร้างภาพในอุดมคติของการรวมตัวของมนุษย์ด้วย โลกธรรมชาตินอกกรอบของอารยธรรม ดังนั้นวีรบุรุษ - พระภิกษุ Sergius แห่ง Radonezh ฤาษี ภาพโปรแกรมของเขาคือ “วิสัยทัศน์สู่เยาวชน บาร์โธโลมิว" 2433 หอศิลป์ Tretyakovแสดงถึงช่วงเวลาที่ความจริงถูกเปิดเผยต่ออนาคต Sergius แห่ง Radonezh และจิตวิญญาณของเด็กชายเต็มไปด้วยความอ่อนโยนเป็นพิเศษต่อหน้าใบหญ้า ใบไม้แห้งทุกใบ และในขณะเดียวกันก็มีความตื่นตัวที่ละเอียดอ่อน การปฏิวัติทางจิตวิญญาณกำลังเกิดขึ้น ทั้งหมดนี้ถูกเปิดเผยในภูมิทัศน์ฤดูใบไม้ร่วงที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ โลกรัสเซียกำลังกลายเป็นสิ่งที่คล้ายกับ "สวรรค์บนดิน"

อิมเพรสชั่นนิสต์ชาวรัสเซีย เค. โคโรวิน (1861 – 1939)

เช่นเดียวกับ Levitan เขาศึกษาที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมแห่งมอสโกร่วมกับ Savrasov และ Polenov ในรูปภาพ “ทิวทัศน์ในฤดูหนาว”พ.ศ. 2437 เขาทำหน้าที่เป็นผู้สืบทอดต่อจาก Savrasov เบื้องหน้าเราคือวันสีเทาในฤดูหนาว ลานกระท่อมในหมู่บ้านและมีม้าลากเลื่อนอยู่ใกล้รั้ว แต่งานหลักของ Korovin ในที่นี้ไม่ใช่ภูมิทัศน์แห่งอารมณ์ แต่เป็นงานภาพล้วนๆ นั่นคือการทาสีสีเทาและดำบนพื้นสีขาว ยกเว้นไม้สีทองอ่อนและเลื่อนที่เพิ่งไสใหม่ ภาพวาดนี้จึงไม่มีสีที่บริสุทธิ์ เฉดสีของเถ้าสีเทา, น้ำเงิน - ม่วงนั้นน่าทึ่ง หลังจากเดินทางไปฝรั่งเศสและทำความคุ้นเคยกับภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์ Korovin ก็หันไปที่หัวข้อนี้ เมืองใหญ่.

"แสงแห่งปารีส" 2454 หอศิลป์ Tretyakov

ธีมคือชีวิตในเมืองใหญ่ เบื้องหน้าเราคือเศษเสี้ยวของชีวิตของเขา ดังนั้นองค์ประกอบจึงแตกกระจาย ในเวลาเดียวกันจุดสังเกตนั้นผิดปกติ - จากด้านบนอย่างรวดเร็วจังหวะเป็นไดนามิกรูปทรงราวกับว่าฝนพร่ามัวสั่นไหวในอากาศบนท้องถนน แต่อารมณ์ของรัสเซียแสดงออกด้วยความเข้มของสีที่เพิ่มขึ้นความเป็นธรรมชาติของจังหวะและอารมณ์

ผู้สร้างนวัตกรรมหลัก V. A. Serov (1865 – 1911)

นักเรียนของ Repin ซึ่งเป็นทายาทของประเพณีการวาดภาพรัสเซียที่สมจริง เขาได้ปฏิวัติครั้งสำคัญในการแสวงหาทางศิลปะแห่งยุคนั้น จากความสมจริงเชิงวิพากษ์ Serov ก้าวไปสู่ความสมจริงเชิงกวี สู่ศูนย์รวมของความงามและความกลมกลืนผ่านวิธีการสมจริง

“ Girl with Peaches” 2430 หอศิลป์ Tretyakov

เยาวชน - น้ำพุแห่งชีวิต - คือธีมของสิ่งนี้ ภาพที่ยอดเยี่ยม. นี่เป็นสิ่งที่สวยงามทั้งในชีวิตและในภาพวาดของ Serov ก่อนหน้าเราคือลูกสาวของ Savva Ivanovich Mamontov - Vera Mamontova ดูเหมือนว่าเธอเพิ่งวิ่งเข้าไปในบ้านแล้วนั่งลงที่โต๊ะ ความรู้สึกของชีวิตที่เคลื่อนไหวและมีชีวิตชีวานี้คล้ายกับสไตล์อิมเพรสชั่นนิสม์ ภาพวาดทั้งหมดดูเหมือนจะเต็มไปด้วยความรู้สึกสดใสและสนุกสนานในการยอมรับชีวิต นั่นคือภูมิทัศน์นอกหน้าต่างและการตกแต่งภายใน - รูปภาพของห้องและหุ่นนิ่ง - ลูกพีชบนโต๊ะและใบหน้าของหญิงสาว - ทุกสิ่งสูดลมหายใจ เราสัมผัสได้ถึงฝีแปรงอิมเพรสชั่นนิสต์ การแสดงสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศอย่างเชี่ยวชาญ และความอุดมสมบูรณ์ของวัตถุที่แสดงให้เห็นเป็นชิ้นเป็นอัน เพื่อให้แน่ใจว่านางเอกอยู่ตรงกลาง Serov จึงสร้างรูปแบบที่เกือบเป็นรูปสี่เหลี่ยมจัตุรัสสำหรับรูปภาพ เพื่อสื่อถึงความกลมกลืน มีวัตถุทรงกลมมากมาย เช่น ลูกพีชบนโต๊ะ จานทรงกลมบนผนัง ทั้งหมดนี้สอดคล้องกับรูปวงรีกลมของใบหน้าของหญิงสาว ภาพวาดนี้กลายเป็นผลงานใหม่โดยพื้นฐานในการวาดภาพรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19

"หญิงสาวที่ส่องสว่างด้วยดวงอาทิตย์" พ.ศ. 2431

เพื่อหลีกหนีจากลักษณะอิมเพรสชั่นนิสม์ Serov ควบแน่นสีให้เป็นมวลหนาแน่น ที่นี่กลับให้ความรู้สึกถึงสภาพแวดล้อมที่มีอากาศแจ่มใส

ในยุค 90 Serov สร้างขึ้น ทั้งบรรทัดภาพของนักเขียน ศิลปิน จิตรกร: ชาลีปิน, กอร์กี, เออร์โมโลวา. ฮีโร่ของเขาทุกคนคือผู้ปกครองความคิดในยุคนั้น Serov ไม่ได้นำเสนอสิ่งเหล่านี้ในฐานะผู้ทำงานด้านความคิด แต่เป็น "ผู้ประกาศความจริงอันเก่าแก่" เหล่านี้เป็นอัจฉริยะในรัศมีแห่งความพิเศษ

ในภาพบุคคลกอร์กีแสดงให้เห็นการแพร่กระจายที่ซับซ้อนใบหน้าของเขาส่องสว่างด้วยความคิดและความสนใจอย่างเอาใจใส่และวิตกกังวลของเขาต่อคู่สนทนาที่มองไม่เห็นของเขานั้นมองเห็นได้

Ermolova แยกตัวจากทุกสิ่งทุกวันทุกวันปรากฏในมุมมองที่กล้าหาญรูปลักษณ์ของผู้เผยพระวจนะใบหน้าของเธอถูกแกะสลักอย่างนุ่มนวลส่องสว่างด้วยแสงจากภายใน รูปแบบของภาพวาด - แนวตั้ง - เน้นย้ำถึงความเพรียวบางของรูปร่างของนักแสดงผู้ยิ่งใหญ่ สีดำบนพื้นสีเทา เส้นโครงเชิงเส้น ความเงียบ โครงสร้างที่แยกออกจากกันและสมบูรณ์แบบของภาพดูเหมือนจะก้าวข้ามขีดจำกัดของความเป็นจริง จึงเกิดความรู้สึก. ว่านี่ไม่ใช่ภาพเขียนสีน้ำมัน

ชลีอาปินถูกวาดอย่างง่ายๆ ด้วยถ่านบนผ้าใบ ตั้งแต่นั้นมา Serov ก็ชอบสีเทมเพอราบริสุทธิ์บนพื้นหลังด้าน

ภาพบุคคลทั้งหมดปรากฏต่อหน้าเรา ราวกับอยู่บนแท่นต่อหน้าสิ่งที่มองไม่เห็น ฝูงชนนับพัน. ภาพบุคคลมีอายุย้อนไปถึงปี 1905

เทคนิคทั้งหมดนำมาจากภาพบุคคลในพิธี เช่น ขบวนแห่ การวางตัว แต่บุคลิกมีความเป็นสัดส่วนอย่างชัดเจน

อีกทางเลือกหนึ่งสำหรับการถ่ายภาพบุคคลในพิธีการของ Serov คือการสร้างตัวละครของบุคคลที่ถูกนำเสนอผ่านสภาพแวดล้อมรอบตัวเขา

“ภาพเหมือนของเคาน์เตสออร์โลวา” 2454 พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

ท่าทางที่ประณีต การเล่นเส้นเงาเชิงมุมที่คมชัด “ความซับซ้อน” และ “เก๋ไก๋” มีอยู่ในผู้หญิงคนนี้อย่างชัดเจน ซึ่งเป็นนางเอกที่แท้จริงแห่งยุค 10 เห็นได้ชัดว่าภายในไม่มีคนอยู่อาศัย: ของหายากและมีราคาแพงราวกับจัดแสดง และ Orlova เองก็แสดงให้เห็นอย่างชัดเจน: เธอสวมเสื้อขนสัตว์ สร้อยคอมุก และหมวกใบใหญ่เกินความจริง เหมือนนางเอกด้วย ของแพง. Orlova เป็นผู้หญิงทันสมัยในสไตล์อาร์ตนูโวและทาสีในสไตล์อาร์ตนูโวด้วย แต่คุณไม่สามารถอยู่ในตำแหน่งนี้ได้นาน ดังนั้นความรู้สึกของการแสดงสวมหน้ากาก

องค์ประกอบทางประวัติศาสตร์ของ Serov

ชุด "การล่าของราชวงศ์":เดินเล่นอย่างเพลิดเพลินของเอลิซาเบ ธ และแคทเธอรีนมหาราชตามล่าความสุขของปีเตอร์ที่ 2 ในวัยเยาว์ ดังนั้นภาพวาดประวัติศาสตร์ที่สำคัญที่สุด - ตรงกันข้ามกับความสนุกสนาน -

“ ปีเตอร์มหาราช” 2450 หอศิลป์ Tretyakov

ขนาดของยุคแห่งวิกฤตการณ์และการเปลี่ยนแปลงได้ถูกถ่ายทอดออกมา องค์ประกอบของภาพเขียนเกี่ยวกับแนวคิดของขบวนแห่ “ก้าวแห่งประวัติศาสตร์” ภาพลักษณ์ทั่วไปของเจตจำนงและความมุ่งมั่นนั้นคล้ายคลึงกับยุคของการปฏิวัติรัสเซียครั้งแรกเมื่อภาพวาดนี้ถูกสร้างขึ้น ที่นี่เราสามารถสัมผัสได้ถึงการค้นหารูปแบบทั่วไปแล้ว Serov เป็นผู้นำเส้นทางนี้อย่างหมดจด วิธีที่สมจริงสู่ต้นกำเนิดของการดำรงอยู่ - สู่ตำนาน นี่คือวิธีที่วงจรโบราณอันยอดเยี่ยมของศิลปินถือกำเนิด: "Odysseus และ Nausicaa" และ "การลักพาตัว" ยุโรป".

“การข่มขืนของยุโรป” 2453 หอศิลป์ Tretyakov

ภาพวาดนี้ได้รับการออกแบบให้เป็นแผงตกแต่งและเป็นผลมาจากการเดินทางของ Serov ไปยังกรีซ นี่ไม่ใช่มุมเฉพาะของธรรมชาติ แต่เป็นภาพทั่วไปของพลังทั้งหมดของมัน คลื่นที่เพิ่มขึ้นปกคลุมเส้นขอบฟ้า - ด้วยเหตุนี้ความรู้สึกถึงความไม่มีที่สิ้นสุดของโลก คลื่นวาดพาราโบลาปกติ ตัวของวัว - เส้นทแยงมุม รูปของยุโรป - อยู่ตรงกลางพอดี คลื่นที่แยกออกจากกันก่อให้เกิดศูนย์กลางความหมายของภาพ - ใบหน้าของยุโรป ใบหน้าของเธอจำลองหน้ากากของเปลือกไม้โบราณที่ Serov เห็นบนอะโครโพลิส บุคคลในศตวรรษที่ 20 หันหลังกลับเห็นภาพโบราณวัตถุที่มีเสน่ห์ แต่ตรงกลางนั้นมีหน้ากากโบราณลึกลับอยู่ Serov กลายเป็นหนึ่งในครูที่รักมากที่สุดในโรงเรียนมอสโก

ออกจากแนวโน้มที่เป็นจริง

ม.เอ. วูเบล (1856 – 1910)

ผลงานของเขาสามารถรับรู้ได้เสมอด้วยความหลงใหลในอัตนัยและการแสดงออกทางรูปแบบที่น่าทึ่ง

ลูกชายของทนายความทหารจาก Omsk เขาเริ่มเรียนการวาดภาพเร็ว แต่เข้าคณะนิติศาสตร์มหาวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก หลังจากสำเร็จการศึกษาในปี พ.ศ. 2423 - Academy of Arts รับบทเรียนจาก Repin

พ.ศ. 2427 (ค.ศ. 1884) Vrubel ได้รับคำเชิญให้มาที่เคียฟเพื่อวาดภาพโบสถ์ Cyril ในศตวรรษที่ 12 ที่นั่นเขาสร้างองค์ประกอบหลายอย่างโดยที่องค์ประกอบหลักคือรูปของพระมารดาของพระเจ้า เขามอบคุณลักษณะของผู้หญิงที่เขารักให้เธอ งานนี้ทำให้เขารู้สึกถึงความยิ่งใหญ่

จากนั้นเดินทางไปอิตาลีทำความรู้จักกับเมืองเวนิส เมื่อกลับมาที่เคียฟ Vrubel พบว่าตัวเองเป็นศูนย์กลางของการค้นหาสไตล์ประจำชาติที่ยอดเยี่ยม เขาตัดสินใจค้นหาภาษาของตัวเอง Vrubel พัฒนาสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง ความโดดเด่นของการวาดภาพสามมิติด้วยพลาสติกและประติมากรรม บดพื้นผิวของแม่พิมพ์ให้เป็นขอบที่แหลมคมและมีหนาม สีถูกมองว่าเป็นแสงสี (กระจกสีชนิดหนึ่ง)

ในปี 1889 Vrubel อาศัยอยู่ที่ Abramtsevo ซึ่งเขาเริ่มสนใจ majolica (เซรามิกประเภทหนึ่ง) เขาสร้างเตาผิงปูกระเบื้องที่มีนางเงือก วีรบุรุษ ร่างของ "Sadko" "Berendey" และวีรบุรุษคนอื่นๆ

ผลลัพธ์ของการค้นหาในเคียฟคือภาพวาด "ปีศาจ"

“ ปีศาจ” (นั่ง) พ.ศ. 2433 หอศิลป์ Tretyakov

นิตยสาร "ขนแกะทองคำ" ประกาศการแข่งขันในหัวข้อ "ปีศาจ" Vrubel กำลังมองหาวิธีแก้ปัญหาสำหรับภาพลักษณ์ของความท้าทายที่น่าภาคภูมิใจต่อโลกตัวละครติดตามศิลปินอย่างแท้จริง “ปีศาจ” ของ Vrubel เป็นสัญลักษณ์และมีขนาดใหญ่ เหมือนกับจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์ การจากไปของความสมจริงนั้นเห็นได้ชัดเจนอยู่แล้วที่นี่ โลกได้รับการเปลี่ยนแปลงอย่างน่าอัศจรรย์ มองปีศาจผ่านปริซึมแห่งวัฒนธรรม ร่างกายของปีศาจถูกแกะสลักและมีลักษณะคล้ายกับผลงานของไมเคิลแองเจโล อิทธิพลของโรงเรียน Venetian เห็นได้ชัดเจนในโทนสี ลักษณะ "โมเสก" บางอย่างของภาพวาดชวนให้นึกถึงโมเสกของโบสถ์เคียฟ ดูเหมือนว่าแสงจะมาจากภายใน นี่คือเอฟเฟกต์ของกระจกสี ความสนใจเป็นอย่างมาก ภาพนิรันดร์เดโมน่าไม่ใช่เรื่องบังเอิญ Vrubel ชอบตัวละครของ "ธีมนิรันดร์": ภูต, เฟาสต์, คาร์เมน, สมัยโบราณ

“ปีศาจพ่ายแพ้” 2445

ลองเปรียบเทียบดูครับ งานก่อนหน้า. ปีศาจบนผืนผ้าใบนี้กระจายอยู่ในหุบเขา นี่ไม่ใช่นักกีฬาที่ทรงพลัง แต่เป็นสิ่งมีชีวิตที่มีรูปร่างผิดปกติและเปราะบางอย่างเจ็บปวด

บนใบหน้ามีหน้าตาบูดบึ้งของความภาคภูมิใจที่ขุ่นเคืองใบหน้าที่สวยงามของโอเปร่ามีลักษณะคล้ายกับกวีผู้เสื่อมโทรมโดยรวม

ภาพตนเองและภาพบุคคล

ธีมของพวกเขาคือโลกที่เป็นปริศนาอันน่าสะพรึงกลัว

“ ภาพเหมือนของ S. I. Mamontov” 1897 GT G

พื้นหลังสีแดง คอร์ดสีที่มืดมน หินหลุมฝังศพที่มีรูปของผู้ไว้ทุกข์ยื่นออกมาจากพื้นหลัง ดูเหมือนว่า "Lorenzo the Magnificent" ชาวรัสเซียจะเล่นฉากกับผี มีความสับสนทางจิต เกือบจะหวาดกลัวบนใบหน้าของเขา ดูเหมือนว่า Vrubel กำลังทำนายชะตากรรมของ "ผู้มีอำนาจ" ในรัสเซียในศตวรรษที่ 20

ลัทธิแห่งราตรีนั้นเห็นได้ชัดเจนในผลงานของ Vrubel

"ไลแลค", "สู่ราตรี", "ปัน", "เจ้าหญิงหงส์"ในงานทั้งหมดนี้ การใช้สีโทนเย็นจะมีอิทธิพลเหนือกว่า โดยมีสีแดงวาบที่หายาก ความสนใจของ Vrubel ในเรื่องชาวบ้าน สมัยโบราณ ตำนาน เนื้อหาเกี่ยวกับเทพนิยาย และวรรณกรรม สอดคล้องกับการค้นหาภาษาใหม่ Viktor Vasnetsov, Surikov, Serov เดินตามเส้นทางที่คล้ายกัน

ความปรารถนาที่จะนำความงามมาสู่ชีวิตประจำวันทำให้ Vrubel ไม่เพียงสร้างภาพวาดขาตั้งเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแผงตกแต่งด้วย

ในปี พ.ศ. 2439 ณ งานแสดงสินค้าแห่งหนึ่งใน นิจนี นอฟโกรอดมีการจัดแสดง Vrubel สองแผง : "มิกุลา เซเลียนิโนวิช"ในธีมของมหากาพย์รัสเซียและ “เจ้าหญิงดรีม”ตามผลงานของ Edmond Rostand สำเนางานนี้ตกแต่งหน้าจั่วของโรงแรมเมโทรโพล

ก่อนหน้านี้ Vrubel ได้สร้างแผงขึ้นมา "สเปน", "เวนิส"แผงสุดท้ายได้รับการแก้ไขอย่างน่าสนใจ "เวนิส" Vrubel - นี่คือสิ่งที่ใครๆ ก็รู้เกี่ยวกับเมืองนี้: Bridge of Sighs, ภาพกราฟิกสไตล์บาโรกอันงดงามเหนือบัวของวัง, ความหรูหราของเสื้อผ้าที่แปลกใหม่, บรรยากาศของงานรื่นเริงของอิตาลีในทุกสิ่ง . "สเปน"- โรงเตี๊ยม หญิงเปราะบางที่มีดอกไม้ มีชายสองคนอยู่ห่างๆ เธอหันหลังให้พวกเขา นี่คือจุดเริ่มต้นของการวางอุบายที่ถูกเปิดเผยในเรื่องสั้นของ Merimee ("คาร์เมน")

ในงานทั้งหมดของ Vrubel เราสัมผัสได้ถึงงานทั่วไป นั่นคือการยอมรับงานของตัวเอง จินตนาการที่สร้างสรรค์โลกแห่งความงาม สร้างทัศนคติใหม่ต่อโลกผ่านการทบทวนทุกยุคสมัยและวัฒนธรรม

ในปี 1902 Vrubel ล้มป่วยด้วยอาการป่วยทางจิต และตั้งแต่นั้นมา ทุกสิ่งที่เขาวาด เขาก็ทำลายล้างอยู่เสมอ สิ่งเหล่านี้เป็นรูปถ่ายของแพทย์ ความเป็นระเบียบเรียบร้อย เตียงในโรงพยาบาลของเขา วิวจากหน้าต่างโรงพยาบาล มุมห้อง โซฟา ขวดเหล้า และแก้วน้ำ ก่อนที่เขาจะเสียชีวิตไม่นาน นิมิตของอาจารย์ก็ล้มเหลว

วี. โบริซอฟ-มูซาตอฟ (1870 – 1905)

สไตล์ของเขามีพื้นฐานมาจากอิมเพรสชั่นนิสม์โดยให้ความสนใจต่อสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศและเฉดสีของรัฐที่เข้าใจยาก

เขาเกิดที่เมือง Saratov ครูในท้องถิ่นโน้มน้าวให้พ่อแม่ส่งเด็กชายไปมอสโคว์ เขาเรียนที่โรงเรียนมอสโกและจากนั้นที่ Academy ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในช่วงปลายยุค 90 Borisov-Musatov ไปเยือนปารีส แต่ธีมของ Borisov-Musatov เป็นการหวนกลับของรัสเซียล้วนๆ: ความปรารถนาในความงามที่สูญหายไป บทกวีอันสง่างามของ "รังอันสูงส่ง" ที่ว่างเปล่า สวนสาธารณะ และอ่างเก็บน้ำ โลกของเขาอยู่นอกความเป็นจริงทางประวัติศาสตร์ที่เป็นรูปธรรม และในลักษณะนี้จึงคล้ายกับโลกแห่งผี เหล่าฮีโร่แต่งกายด้วยเสื้อชั้นในสตรี วิกผม และกระโปรงผายก้น เทคนิคที่ชอบคือสีพาสเทลและเทมเพอรา

"สระน้ำ" 2445

นี่เป็นผลงานที่สำคัญที่สุดของศิลปิน ผืนผ้าใบมีลักษณะคล้ายแผงตกแต่งหรือผ้าม่าน เส้นขอบฟ้าสูงผิดปกติและระนาบของโลกที่มีกระจกอ่างเก็บน้ำกลายเป็นเกือบขนานกับระนาบผืนผ้าใบ ท้องฟ้าสีฟ้าที่มีเมฆขาวสะท้อนอยู่ในกระจกน้ำเท่านั้น ผิวน้ำสงบมากจนดูเหมือนไม่มีการเคลื่อนไหวใด ๆ ในโลก เวลาหยุดนิ่ง และไม่มีอะไรเกิดขึ้น นางเอกของศิลปินก็ตกอยู่ในภาวะหลงใหลเช่นเดียวกัน เด็กผู้หญิงคนหนึ่งนั่งอยู่บนแท่นมองดูที่ไหนสักแห่งในระยะไกลและจมอยู่ในความฝันที่ถูกลืมเลือน อีกร่างหนึ่งมีเปลือกตาตกเหมือนกำลังหลับไหลไปตามขอบสระน้ำ

ด้านบนของชุดเดรสสีม่วงอ่อน (สีในฝัน) มีเสื้อคลุมลูกไม้สีขาว เด็กผู้หญิงมองไม่เห็นกัน แต่เชื่อมต่อกันด้วยจังหวะดนตรี: รูปทรงโค้งมน ความสอดคล้องของโทนสีสดใสที่เปล่งประกายอย่างอ่อนโยน ความสามัคคีภายในของสิ่งที่ถูกแบ่งแยกจากภายนอก - หัวข้อหลักโบริโซวา-มูซาโตวา จังหวะที่นุ่มนวลของจังหวะการสั่นจะรวมวัตถุทั้งหมดบนผืนผ้าใบของศิลปินเข้าด้วยกัน ไม่มีอะไรลึกลับ นำมาจากภายนอก หรือสมาคมวรรณกรรมเฉพาะเจาะจงในภาพเขียนของเขา ความโศกเศร้าอันสง่างามเกิดขึ้นราวกับว่าไหลออกมาในธรรมชาติและรวมฮีโร่ของภาพเขียนเข้ากับโลกแห่งธรรมชาติอันนิรันดร์

"ผี" (2446)

หมอกที่ลอยไปตามพื้นดูเหมือนเส้นทางคดเคี้ยวของสวนสาธารณะเก่าแก่ รูปปั้นบนขั้นบันไดของคฤหาสน์คลาสสิกมีชีวิตขึ้นมา และอาคารใต้โดมก็ดูเหมือนจะเคลื่อนที่ได้ตามธรรมชาติและลื่นไหล ขณะเดียวกันก็ไม่มีเวทย์มนต์ นี่คือวิธีที่ตามองเห็นในเวลาพลบค่ำ

เฉพาะในปี 1906 หลังจากศิลปินเสียชีวิต S. Diaghilev ได้แสดงผลงานของเขา 50 ชิ้น ทำให้เขาต้องละทิ้งมรณกรรม

แนวโน้มในการวาดภาพในศตวรรษที่ 19 คล้ายคลึงกับแนวโน้มของศตวรรษก่อนอย่างใกล้ชิด ในช่วงต้นศตวรรษที่มีทิศทางผู้นำในหลายประเทศคือ รูปแบบนี้มีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 18 และยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่อง ยิ่งไปกว่านั้นใน ประเทศต่างๆการพัฒนามีลักษณะเฉพาะตัว

ลัทธิคลาสสิก

ศิลปินที่ทำงานในทิศทางนี้หันไปหาภาพโบราณอีกครั้ง อย่างไรก็ตามพวกเขาพยายามแสดงความรู้สึกปฏิวัติผ่านแผนการคลาสสิก - ความปรารถนาในอิสรภาพ ความรักชาติ ความสามัคคีระหว่างมนุษย์และสังคม ตัวแทนที่โดดเด่นของการปฏิวัติคลาสสิกคือศิลปินหลุยส์เดวิด จริงอยู่ที่เมื่อเวลาผ่านไป ลัทธิคลาสสิกได้พัฒนาไปสู่กระแสอนุรักษ์นิยมซึ่งได้รับการสนับสนุนจากรัฐ ซึ่งหมายความว่ามันกลายเป็นสิ่งไร้รูปลักษณ์และทันสมัยโดยการเซ็นเซอร์

รัสเซียมีความเจริญรุ่งเรืองในการวาดภาพเป็นพิเศษในศตวรรษที่ 19 ในเวลานี้ สไตล์และเทรนด์ใหม่ๆ มากมายเกิดขึ้นที่นี่ ความคล้ายคลึงของลัทธิคลาสสิคในรัสเซียคือวิชาการ สไตล์นี้มีคุณลักษณะของสไตล์ยุโรปคลาสสิก - ดึงดูดภาพของสมัยโบราณ ธีมที่ประเสริฐ และการทำให้ภาพในอุดมคติ

ยวนใจ

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 19 แนวโรแมนติกปรากฏเป็นตัวถ่วงให้กับลัทธิคลาสสิก มีจุดเปลี่ยนมากมายในสังคมในขณะนั้น ศิลปินพยายามที่จะแยกตนเองออกจากความเป็นจริงที่ไม่น่าดู เพื่อสร้างโลกในอุดมคติของตนเอง อย่างไรก็ตาม ลัทธิจินตนิยมถือเป็นขบวนการที่ก้าวหน้าในยุคนั้น เนื่องจากความปรารถนาของศิลปินแนวโรแมนติกคือการถ่ายทอดแนวคิดเกี่ยวกับมนุษยนิยมและจิตวิญญาณ

นี่เป็นทิศทางที่กว้างขวางซึ่งสะท้อนให้เห็นในงานศิลปะของหลายประเทศ ความหมายของมันคือความสูงส่งของการต่อสู้ปฏิวัติการสร้างศีลแห่งความงามใหม่การวาดภาพไม่เพียง แต่ด้วยแปรงเท่านั้น แต่ยังด้วยหัวใจด้วย อารมณ์อยู่ในระดับแนวหน้าที่นี่ ยวนใจนั้นโดดเด่นด้วยการนำภาพเชิงเปรียบเทียบมาสู่โครงเรื่องที่แท้จริงและการเล่นไคอาโรสคูโรที่มีทักษะ ตัวแทนของเทรนด์นี้คือ Francisco Goya, Eugene Delacroix และ Rousseau ในรัสเซีย ผลงานของ Karl Bryullov จัดอยู่ในประเภทแนวโรแมนติก

ความสมจริง

หน้าที่ของทิศทางนี้คือการพรรณนาถึงชีวิตตามที่เป็นอยู่ ศิลปินแนวสัจนิยมหันไปหาภาพลักษณ์ของคนธรรมดาคุณสมบัติหลักของผลงานของพวกเขาคือการวิจารณ์และความจริงสูงสุด พวกเขาบรรยายรายละเอียดเกี่ยวกับผ้าขี้ริ้วและรูในเสื้อผ้าของคนธรรมดา ใบหน้าของคนธรรมดาที่บิดเบี้ยวด้วยความทุกข์ทรมาน และร่างอ้วนของชนชั้นกลาง

ปรากฏการณ์ที่น่าสนใจของศตวรรษที่ 19 คือโรงเรียนศิลปินบาร์บิซอน คำนี้รวมหลาย ๆ อาจารย์ชาวฝรั่งเศสที่ได้พัฒนาสไตล์ของตัวเองให้แตกต่างออกไป หากในการเคลื่อนไหวของศิลปะคลาสสิกและแนวโรแมนติกได้รับการทำให้เป็นอุดมคติในรูปแบบต่างๆ Barbizons พยายามที่จะพรรณนาถึงทิวทัศน์จากธรรมชาติ ภาพวาดของพวกเขาประกอบด้วยภาพธรรมชาติพื้นเมืองของพวกเขา และภาพคนธรรมดาบนพื้นหลังนี้ ศิลปินบาร์บิซอนที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Theodore Rousseau, Jules Depres, Virgil la Peña, Jean-François Millet, Charles Daubigny

ฌอง-ฟรองซัวส์ มิลเลต์

ผลงานของชาวบาร์บิโซเนียนมีอิทธิพลต่อการพัฒนาจิตรกรรมเพิ่มเติมในศตวรรษที่ 19 ประการแรก ศิลปินเทรนด์นี้มีผู้ติดตามในหลายประเทศ รวมถึงรัสเซียด้วย ประการที่สอง Barbizons เป็นแรงผลักดันให้เกิดอิมเพรสชันนิสม์ พวกเขาเป็นคนแรกที่วาดภาพในที่โล่ง ต่อจากนั้นอิมเพรสชั่นนิสต์ก็หยิบยกประเพณีการวาดภาพทิวทัศน์ที่แท้จริงขึ้นมา

ภาพนี้กลายเป็นขั้นตอนสุดท้ายของการวาดภาพในศตวรรษที่ 19 และเกิดขึ้นในช่วงสามส่วนสุดท้ายของศตวรรษ ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์เข้าใกล้การพรรณนาถึงความเป็นจริงด้วยวิธีที่ปฏิวัติยิ่งกว่าเดิม พวกเขาพยายามที่จะถ่ายทอดไม่ใช่ธรรมชาติหรือภาพในรายละเอียด แต่เป็นความประทับใจที่เกิดจากปรากฏการณ์นี้หรือนั้น

อิมเพรสชันนิสม์เป็นความก้าวหน้าในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพ ช่วงเวลานี้ทำให้โลกมีเทคนิคใหม่ ๆ มากมายและงานศิลปะที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว

การวาดภาพในรัสเซียในศตวรรษที่ 19 นั้นสมบูรณ์และน่าสนใจ

โดยปกติแล้วศตวรรษที่ 19 จะถูกเรียกว่า "ยุคทองของวัฒนธรรมรัสเซีย" ภาพวาดของรัสเซียมีความเจริญรุ่งเรืองเป็นพิเศษ

ดวงดาวดั้งเดิมดวงใหม่สว่างไสวเปล่งประกายบนท้องฟ้าเป็นครั้งคราว ก่อตัวเป็นกลุ่มดาวของศิลปินที่มีความสามารถ แต่ละคนมีลายมือของตัวเองซึ่งเป็นไปไม่ได้ที่จะไม่จดจำหรือสับสน

ศิลปินจาก "หมีรัสเซีย"

Orest Adamovich Kiprensky (24 มีนาคม พ.ศ. 2325 - 17 ตุลาคม พ.ศ. 2379) อาจารย์ด้านการวาดภาพชาวอิตาลีผู้มีชื่อเสียงในตอนแรกไม่เชื่อว่าภาพบุคคลที่สร้างขึ้นด้วยเทคนิคที่ยอดเยี่ยมถ่ายทอดลักษณะอารมณ์และสภาพจิตใจของบุคคลที่ปรากฎเป็นของ ศิลปินที่ไม่รู้จัก Orest Kiprensky จากรัสเซีย

ภาพเหมือนของ O. Kiprensky ของภาพ A. S. Pushkin

ความเชี่ยวชาญในการวาดภาพของ Kiprensky ซึ่งเป็นลูกชายนอกกฎหมายของเจ้าของที่ดินและหญิงชาวนาที่เป็นทาสนั้นไม่ด้อยไปกว่าปรมาจารย์เช่น Rubens หรือ Van Dyck แต่อย่างใด จิตรกรคนนี้ถือเป็นจิตรกรภาพบุคคลที่ดีที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19 อย่างถูกต้อง น่าเสียดายที่ในประเทศของเขาเองเขาไม่ได้รับการชื่นชมเท่าที่ควร ภาพเหมือนของ A.S. Pushkin โดย Kiprensky ถูกพิมพ์ในฉบับที่อาจไม่มีศิลปินคนอื่น

จิตรกรแห่งชีวิตพื้นบ้าน

Aleksey Gavrilovich Venetsianov (18 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2323 - 16 ธันวาคม พ.ศ. 2390) เบื่อหน่ายกับการคัดลอกภาพวาดเชิงวิชาการสิบสองปีในอาศรมออกจากหมู่บ้าน Safonkovo ​​จังหวัดตเวียร์ เขาเริ่มเขียนชีวิตชาวนาในลักษณะที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัวของเขาเอง ความอุดมสมบูรณ์ แสงแดด, การไหลของอากาศ, ความเบาเป็นพิเศษบนผืนผ้าใบของผู้ก่อตั้งประเภทรัสเซียและการวาดภาพทิวทัศน์

เวเนทเซียนอฟ. จิตรกรรมบนที่ดินทำกิน ภาพถ่ายฤดูใบไม้ผลิ

พื้นที่เปิดโล่งและสันติภาพของรัสเซีย ภาพวาดที่มีชื่อเสียง“บนที่ดินทำกิน ฤดูใบไม้ผลิ” และ “เมื่อถึงฤดูเก็บเกี่ยว” ฤดูร้อน". “ ชาร์ลมาญ” นี่คือชื่อที่มอบให้กับนักเรียนและศิลปินร่วมสมัยชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่หลายคนซึ่งเป็นตัวแทนของภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ Karl Pavlovich Bryullov (23 ธันวาคม พ.ศ. 2342 - 23 มิถุนายน พ.ศ. 2395) ภาพวาดของเขาถูกเรียกว่าเป็นปรากฏการณ์ที่โดดเด่นในภาพวาด ของศตวรรษที่ 19 ภาพวาดที่โด่งดังที่สุดของเขา "วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี" กลายเป็นชัยชนะของศิลปะรัสเซีย และ “นักขี่ม้า” ชนชั้นสูงหรือหญิงสาวในหมู่บ้านทั้งหมู่บ้านที่เต็มไปด้วยแสงแดดในภาพวาด “Italian Afternoon” ปลุกเร้าและปลุกความรู้สึกโรแมนติก

"สันโดษโรมัน"

Alexander Andreevich Ivanov (28 กรกฎาคม พ.ศ. 2349 - 15 กรกฎาคม พ.ศ. 2401) เป็นปรากฏการณ์ที่ถกเถียงกันในภาพวาดของรัสเซีย เขาเขียนในลักษณะวิชาการอย่างเคร่งครัด หัวข้อของภาพวาดของเขาเป็นตำนานในพระคัมภีร์ไบเบิลและโบราณ สิ่งที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "การปรากฏของพระคริสต์ต่อผู้คน" ผืนผ้าใบขนาดใหญ่นี้ยังคงดึงดูดผู้ชมและไม่อนุญาตให้เขามองและขยับออกไป

A. Ivanov วาดภาพการปรากฏของพระคริสต์ต่อผู้คน

นี่คืออัจฉริยะของจิตรกรคนนี้ซึ่งไม่ได้ออกจากเวิร์คช็อปของชาวโรมันเป็นเวลาถึงหนึ่งในสี่ของศตวรรษโดยกลัวว่าจะสูญเสียอิสรภาพส่วนบุคคลและความเป็นอิสระของศิลปินเนื่องจากการกลับมายังบ้านเกิดของเขา เขาก้าวนำหน้าไม่เพียงแต่คนรุ่นราวคราวเดียวกันเท่านั้น แต่ยังนำหน้าคนรุ่นต่อๆ ไปด้วยความสามารถของเขาในการถ่ายทอดเนื้อหาไม่เพียงแต่ภายนอกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเนื้อหาภายในด้วย จาก Ivanov เส้นด้ายแห่งความต่อเนื่องทอดยาวไปจนถึง Surikov, Ge, Vrubel, Korin

ผู้คนอยู่บนโลกได้อย่างไร...

นักร้องแนวเพลงในชีวิตประจำวัน - นี่คือวิธีที่เราสามารถกำหนดผลงานของศิลปิน Pavel Andreevich Fedotov (4 กรกฎาคม พ.ศ. 2358 - 26 พฤศจิกายน พ.ศ. 2395) ซึ่งมีชีวิตที่สั้นมาก แต่มีชีวิตที่ประสบความสำเร็จมาก หัวข้อของภาพวาดไม่กี่ภาพของเขาทั้งหมดเป็นเหตุการณ์เดียวอย่างแท้จริง ซึ่งมักจะใช้เวลาค่อนข้างสั้น แต่คุณสามารถใช้มันเพื่อเขียนเรื่องราวทั้งหมดได้ ไม่เพียงแต่เกี่ยวกับปัจจุบัน แต่ยังเกี่ยวกับอดีตและอนาคตด้วย

ภาพวาดของ P. Fedotov การจับคู่ภาพถ่ายหลัก

และแม้ว่าภาพวาดของ Fedotov จะไม่เคยมีรายละเอียดมากเกินไปก็ตาม ความลึกลับของศิลปินที่มีพรสวรรค์อย่างแท้จริง! และชะตากรรมที่น่าเศร้าและน่าเศร้าเมื่อการรับรู้ที่แท้จริงเกิดขึ้นหลังความตายเท่านั้น

ถึงเวลาสำหรับการเปลี่ยนแปลง

การเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในสังคมรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ไม่เพียงก่อให้เกิดการเคลื่อนไหวทางการเมืองใหม่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงกระแสทางศิลปะด้วย ความสมจริงกำลังเข้ามาแทนที่วิชาการ เมื่อซึมซับประเพณีที่ดีที่สุดจากรุ่นก่อน ๆ จิตรกรรุ่นใหม่จึงชอบทำงานในรูปแบบของความสมจริง

พวกกบฏ

9 พฤศจิกายน พ.ศ. 2406 มีผู้ฟังสิบสี่คน ปีจบการศึกษา Academy of Arts ประท้วงต่อต้านการปฏิเสธที่จะให้วาดภาพ ผลงานการแข่งขันในหัวข้อฟรีออกจาก Academy ผู้ริเริ่มการปฏิวัติทางวิชาการคือ (8 มิถุนายน พ.ศ. 2380 - 5 เมษายน พ.ศ. 2430) เป็นจิตรกรวาดภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยมและเป็นผู้เขียนผืนผ้าใบที่มีปรัชญาและศีลธรรมที่ลึกซึ้งอย่างผิดปกติ "พระคริสต์ในทะเลทราย" กลุ่มกบฏได้จัดตั้ง "สมาคมนิทรรศการศิลปะการเดินทาง" ของตนเอง

Ivan Kramskoy วาดภาพพระคริสต์ในทะเลทราย

องค์ประกอบทางสังคมของ "Peredvizhniki" มีความหลากหลายมาก - สามัญชน, บุตรชายของชาวนาและช่างฝีมือ, ทหารเกษียณอายุ, เพศในชนบทและเจ้าหน้าที่ผู้เยาว์ พวกเขาพยายามรับใช้ผู้คนด้วยพลังแห่งพรสวรรค์ของพวกเขา Vasily Grigorievich Perov (21 ธันวาคม พ.ศ. 2376 - 29 พฤษภาคม พ.ศ. 2425) นักอุดมการณ์และผู้ให้คำปรึกษาทางจิตวิญญาณของ Peredvizhniki

ภาพวาดของเขาเต็มไปด้วยโศกนาฏกรรมจากผู้คนจำนวนมาก “การเห็นคนตาย” และในขณะเดียวกัน เขาก็สร้างสรรค์ผืนผ้าใบที่เต็มไปด้วยอารมณ์ขันและความรักต่อธรรมชาติ (“ Hunters at a Rest”) Alexey Kondratievich Savrasov ในปี 1871 วาดภาพขนาดเล็ก“ The Rooks Have Arrival” และกลายเป็นผู้ก่อตั้งจิตรกรรมภูมิทัศน์ของรัสเซีย ภาพวาดที่มีชื่อเสียงแขวนอยู่ในห้องโถงแห่งหนึ่งของ Tretyakov Gallery และถือเป็นสัญลักษณ์ทางภาพของรัสเซีย

ยุคใหม่ของการวาดภาพรัสเซีย

โลกแห่งความต้องการความไร้กฎหมายและการกดขี่ปรากฏต่อหน้าผู้ชมในภาพวาดของศิลปินชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ (5 สิงหาคม พ.ศ. 2387 - 29 กันยายน พ.ศ. 2473) “ Barge Haulers on the Volga” อันโด่งดังของเขาไม่เพียง แต่เป็นภาพของการทำงานหนักที่พังทลายเท่านั้น แต่ยังเป็นการเฉลิมฉลองความแข็งแกร่งและอำนาจของประชาชนซึ่งเป็นลักษณะที่กบฏของเขา Isaac Ilyich Levitan (30 สิงหาคม พ.ศ. 2403 - 4 สิงหาคม พ.ศ. 2443) ยังคงเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านภูมิทัศน์รัสเซียที่ไม่มีใครเทียบได้

Ilya Repin วาดภาพ Barge Haulers บนภาพถ่าย Volga

ในฐานะลูกศิษย์ของ Savrasov เขารับรู้และพรรณนาธรรมชาติในลักษณะที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ความอุดมสมบูรณ์ของแสงแดด อากาศ พื้นที่เปิดโล่งที่ไม่มีที่สิ้นสุดตลอดเวลาของปีบนผืนผ้าใบสร้างอารมณ์แห่งความสงบ ความเงียบสงบ และความสุขอันเงียบสงบ ดวงวิญญาณได้หยุดพักจากโค้งแม่น้ำรัสเซียที่สวยงาม ทุ่งหญ้าน้ำ และป่าในฤดูใบไม้ร่วง

นักประวัติศาสตร์

วิชาประวัติศาสตร์ดึงดูดจิตรกรด้วยละคร ความหลงใหลที่เข้มข้น และความปรารถนาที่จะพรรณนาถึงชื่อเสียง ตัวเลขทางประวัติศาสตร์. Nikolai Nikolaevich Ge (27 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2374 - 13 มิถุนายน พ.ศ. 2437) จิตรกรที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวจริงใจอย่างยิ่งศิลปินนักคิดและนักปรัชญาซับซ้อนขัดแย้งและมีอารมณ์มาก

ภาพวาดของ Nikolai Ge ของ Peter 1 ซักถามภาพถ่ายของ Tsarevich Alexei

เขามองว่าการวาดภาพเป็นภารกิจทางศีลธรรมอันสูงส่งในการเปิดทางสู่ความรู้และประวัติศาสตร์ เขาเชื่อว่าศิลปินไม่จำเป็นต้องให้ความสุขแก่ผู้ชมเท่านั้น แต่ต้องสามารถทำให้พวกเขาร้องไห้ได้ ช่างแข็งแกร่ง ช่างโศกนาฏกรรม ช่างพลังแห่งความหลงใหลบนผืนผ้าใบที่โด่งดังที่สุดของเขา บรรยายถึงฉากที่ Peter I สอบปากคำ Alexei ลูกชายของเขา!

V. Surikov วาดภาพการข้ามเทือกเขาแอลป์ของ Suvorov

(24 มกราคม พ.ศ. 2391 - 19 มีนาคม พ.ศ. 2459) คอซแซคทางพันธุกรรมไซบีเรีย เขาศึกษาที่ Academy of Arts โดยเสียค่าใช้จ่ายเป็นพ่อค้าและผู้ใจบุญในครัสโนยาสค์ ของเขา ความสามารถที่ยอดเยี่ยมจิตรกรได้รับแรงบันดาลใจจากความรักชาติอันลึกซึ้งและความเป็นพลเมืองสูง ดังนั้นผืนผ้าใบของเขาในธีมประวัติศาสตร์ไม่เพียงสร้างความพึงพอใจให้กับทักษะและเทคนิคชั้นสูงเท่านั้น แต่ยังทำให้ผู้ชมรู้สึกภาคภูมิใจในความกล้าหาญและความกล้าหาญของชาวรัสเซียอีกด้วย

V. Vasnetsov วาดภาพ Knight at the Crossroads

(15 พฤษภาคม พ.ศ. 2391 - 23 กรกฎาคม พ.ศ. 2469) จิตรกรชื่อดัง แสวงหาผลงานของเขาเพื่อผสมผสานเทพนิยาย ตำนาน เข้ากับ ลักษณะประจำชาติคนรัสเซีย. เขาเรียกตัวเองว่านักเล่าเรื่อง นักเขียนผู้ยิ่งใหญ่ และกัสลาร์ที่งดงาม ดังนั้นทั้ง "Alyonushka" และ "Three Heroes" จึงกลายเป็นสัญลักษณ์ของชาวรัสเซียและรัสเซียมายาวนาน

ศิลปิน Viktor Vasnetsov เป็นผู้ประดิษฐ์ Budenovka ในตำนานและเสื้อคลุมปีกยาวของนักสู้แห่งกองทัพม้าที่ 1 ของ Budyonny ผ้าโพกศีรษะมีลักษณะคล้ายหมวกของนักรบรัสเซียโบราณ และเสื้อคลุม "พร้อมบทสนทนา" (เย็บลายขวางที่หน้าอก) ก็คล้ายกับ Caftan Streltsy