แนวคิดเชิงจินตนาการสำหรับงานดังกล่าว
ละครเรียกอีกอย่างว่าผลงานละครของนักเขียนแต่ละคน ประเทศ หรือผู้คนในยุคนั้น
ความเข้าใจในองค์ประกอบพื้นฐานของงานละครและหลักการของละครเป็นตัวแปรในอดีต ดราม่าถูกตีความว่าเป็นการกระทำที่เกิดขึ้น (และยังไม่เสร็จสิ้น) โดยมีปฏิสัมพันธ์ของตัวละครและตำแหน่งภายนอกของตัวละคร
การกระทำแสดงถึงการเปลี่ยนแปลงที่ทราบในช่วงเวลาหนึ่ง การเปลี่ยนแปลงในละครสอดคล้องกับการเปลี่ยนแปลงของโชคชะตา สนุกสนานในเรื่องตลก และเศร้าในโศกนาฏกรรม ระยะเวลาอาจยาวนานหลายชั่วโมง เช่น ในละครคลาสสิกของฝรั่งเศส หรือหลายปี เช่น ในเชกสเปียร์
ความสามัคคีของการกระทำ
ความจำเป็นด้านสุนทรียภาพนั้นขึ้นอยู่กับความเหนื่อยล้า ความสามัคคีของการกระทำประกอบด้วยช่วงเวลาที่ไม่เพียงแต่ติดตามกันตามเวลา (ตามลำดับเวลา) แต่ยังกำหนดกันเป็นเหตุและผลเฉพาะใน กรณีหลังผู้ชมจะได้เห็นภาพลวงตาที่สมบูรณ์ของการกระทำที่เกิดขึ้นต่อหน้าต่อตาเขา ความสามัคคีของการกระทำ ซึ่งเป็นข้อกำหนดที่สำคัญที่สุดด้านสุนทรียศาสตร์ในละคร ไม่ได้ขัดแย้งกับตอนที่นำมาใช้ (เช่น เรื่องราวของ Max และ Tekla ใน "Wallenstein" ของ Schiller) หรือแม้แต่การกระทำคู่ขนาน เช่นเดียวกับละครแทรกเรื่องอื่นๆ โดยจะต้องสังเกตความสามัคคีของพวกเขา (เช่น เช็คสเปียร์มีละครในบ้านของกลอสเตอร์ถัดจากละครในบ้านของเลียร์)
ละครที่มีองก์เดียวเรียกว่าเรียบง่าย สององก์ขึ้นไปเรียกว่าซับซ้อน กลุ่มแรกประกอบด้วยกลุ่มภาษาฝรั่งเศสโบราณและ "คลาสสิก" เป็นหลักกลุ่มที่สองประกอบด้วยกลุ่มภาษาสเปนส่วนใหญ่ (โดยเฉพาะคอเมดี้ที่การกระทำของพวกขี้ข้าลอกเลียนแบบปรมาจารย์) และกลุ่มอังกฤษโดยเฉพาะในเช็คสเปียร์ ความต้องการสำหรับสิ่งที่เรียกว่า "ความสามัคคีของเวลาและสถานที่"ในละคร นั่นคือ:
1) ระยะเวลาจริงของการกระทำไม่ควรเกินระยะเวลาของการสืบพันธุ์บนเวทีหรือในกรณีใด ๆ ไม่ควรเกินหนึ่งวัน
2) การกระทำที่ปรากฎบนเวทีจะต้องเกิดขึ้นตลอดเวลาในที่เดียวกัน
ผลงานละครที่ผ่านไปหลายปีในระหว่างการแสดง (เช่นใน "The Winter's Tale" ของเช็คสเปียร์) หรือที่การกระทำถูกย้ายจากปราสาทไปยังทุ่งโล่ง ("Macbeth") ถือว่าผิดกฎหมายตามทฤษฎีนี้ เนื่องจากผู้ชมต้องถ่ายทอดผ่านช่วงเวลาสำคัญและพื้นที่อันกว้างใหญ่ อย่างไรก็ตาม ความสำเร็จของละครดังกล่าวได้พิสูจน์ให้เห็นว่าจินตนาการแม้ในกรณีเช่นนี้ ก็สามารถพาดพิงถึงการพาดพิงได้อย่างง่ายดาย หากมีเพียงแรงจูงใจทางจิตวิทยาในการกระทำและตัวละครของตัวละครเท่านั้นที่ยังคงอยู่ และยังสอดคล้องกับเงื่อนไขภายนอกด้วย
ธรรมชาติและเงื่อนไข
ปัจจัยสองประการสุดท้ายถือได้ว่าเป็นกลไกหลักของการดำเนินการที่กำลังดำเนินการ ในนั้น เหตุผลเหล่านั้นที่ทำให้ผู้ชมมีโอกาสคาดเดาเกี่ยวกับผลลัพธ์ที่คาดหวังนั้นยังคงให้ความสนใจอย่างมาก พวกเขาโดยการบังคับให้ตัวละครกระทำและพูดในลักษณะนี้ไม่ใช่อย่างอื่น ชะตากรรมอันน่าทึ่ง"ฮีโร่" หากคุณทำลายการเชื่อมต่อเชิงสาเหตุใน บางช่วงเวลาการกระทำความสนใจจะถูกแทนที่ด้วยความอยากรู้อยากเห็นธรรมดา ๆ และสถานที่แห่งโชคชะตาจะถูกยึดครองโดยความตั้งใจและความเด็ดขาด ทั้งสองเรื่องไม่มีดราม่าพอๆ กัน แม้ว่าจะยังสามารถยอมรับได้ในภาพยนตร์ตลกก็ตาม เนื้อหาตามที่อริสโตเติลกล่าวไว้ ควรแสดงถึง "ความไม่ลงรอยกันที่ไม่เป็นอันตราย" โศกนาฏกรรมที่ความสัมพันธ์เชิงสาเหตุระหว่างการกระทำและโชคชะตาถูกทำลาย กลายเป็นภาพแห่งความโหดร้ายที่ไร้สาเหตุและไร้เหตุผล ตัวอย่างเช่นในวรรณคดีละครเยอรมันที่เรียกว่า โศกนาฏกรรมแห่งโชคชะตา (Schicksalstragödien โดย Müllner, Werner ฯลฯ ) เนื่องจากการกระทำดำเนินจากเหตุไปสู่ผลที่ตามมา (ก้าวหน้า) ดังนั้นในตอนเริ่มต้นของบทสนทนาจึงมีการกำหนดสิ่งแรกไว้เนื่องจากถูกกำหนดไว้ในตัวละครของตัวละครและในตำแหน่งของพวกเขา (การแสดงออก การอธิบาย); ผลที่ตามมาสุดท้าย (ข้อไขเค้าความเรื่อง) จะกระจุกตัวอยู่ที่จุดสิ้นสุดของ D. (ภัยพิบัติ) ช่วงเวลาตรงกลางที่การเปลี่ยนแปลงเกิดขึ้นดีขึ้นหรือแย่ลงเรียกว่า peripeteia ทั้งสามส่วนนี้จำเป็นในแต่ละกระทง จะกำหนดเป็นภาคพิเศษก็ได้ (กรรมหรือกรรม) หรือยืนเคียงข้างกันแยกจากกันไม่ได้ (กรรมเดียว) ระหว่างการกระทำเหล่านั้น เมื่อการกระทำขยายออกไป การกระทำเพิ่มเติมจะถูกนำเสนอ (โดยปกติจะเป็นเลขคี่ ซึ่งส่วนใหญ่มักจะเป็น 5; ในกฎหมายอินเดีย มากกว่านั้นในภาษาจีนมากถึง 21) แอ็กชันมีความซับซ้อนเนื่องจากองค์ประกอบที่ทำให้ช้าลงและเร่งความเร็ว เพื่อให้ได้ภาพลวงตาที่สมบูรณ์ การกระทำจะต้องทำซ้ำโดยเฉพาะ (ในการแสดงละคร) และขึ้นอยู่กับผู้เขียนว่าจะปฏิบัติตามข้อกำหนดข้อใดข้อหนึ่งของธุรกิจการแสดงละครร่วมสมัยหรือไม่ เมื่อมีการพรรณนาเงื่อนไขทางวัฒนธรรมพิเศษในรูปแบบ D. - เช่น ในประวัติศาสตร์ D. - จำเป็นต้องสร้างสภาพแวดล้อม เสื้อผ้า ฯลฯ ขึ้นมาใหม่อย่างถูกต้องที่สุด
ประเภทของละคร
ประเภทของ ง. จำแนกตามรูปแบบหรือตามเนื้อหา (โครงเรื่อง) ในกรณีแรก นักทฤษฎีชาวเยอรมันแยกแยะระหว่างลักษณะนิสัยและสถานการณ์ ขึ้นอยู่กับวิธีการอธิบายสุนทรพจน์และการกระทำของวีรบุรุษ ไม่ว่าสภาพภายใน (ตัวละคร) หรือภายนอก (โอกาส, โชคชะตา) หมวดหมู่แรกเป็นของสิ่งที่เรียกว่า D. สมัยใหม่ (เช็คสเปียร์และผู้ลอกเลียนแบบของเขา) ถึงคนที่สอง - สิ่งที่เรียกว่า โบราณ (นักเขียนบทละครโบราณและผู้เลียนแบบ, "คลาสสิก" ของฝรั่งเศส, ชิลเลอร์ใน "The Bride of Messina" ฯลฯ ) ขึ้นอยู่กับจำนวนผู้เข้าร่วม monodramas, duodramas และ polydramas มีความโดดเด่น เมื่อแจกแจงตามแปลง เราหมายถึง: 1) ลักษณะของโครงเรื่อง 2) ต้นกำเนิดของมัน ตามคำกล่าวของอริสโตเติล ธรรมชาติของโครงเรื่องอาจร้ายแรง (ในโศกนาฏกรรม) - จากนั้นผู้ชมควรกระตุ้นความเห็นอกเห็นใจ (สำหรับฮีโร่ D.) และความกลัว (สำหรับตัวเอง: nihil humani a nobis Alienum!) - หรือไม่เป็นอันตรายสำหรับ ฮีโร่และตลกสำหรับผู้ชม ( ในภาพยนตร์ตลก). ในทั้งสองกรณีการเปลี่ยนแปลงที่เลวร้ายกว่าเกิดขึ้น: ในกรณีแรกเป็นอันตราย (การเสียชีวิตหรือโชคร้ายร้ายแรงของบุคคลหลัก) ประการที่สอง - ไม่เป็นอันตราย (ตัวอย่างเช่นบุคคลที่แสวงหาตนเองไม่ได้รับผลกำไรที่คาดหวัง a คนอวดดีได้รับความอับอาย ฯลฯ ) หากมีการแสดงภาพการเปลี่ยนจากโชคร้ายไปสู่ความสุข ในกรณีที่เป็นประโยชน์อย่างแท้จริงสำหรับฮีโร่ เรามี D. ในความหมายที่เข้มงวดของคำนี้ หากความสุขเป็นเพียงภาพลวงตา (เช่น รากฐานของอาณาจักรแห่งอากาศใน "The Birds" ของอริสโตเฟน ผลลัพธ์ก็คือเรื่องตลก (เรื่องตลก) ขึ้นอยู่กับที่มา (แหล่งที่มา) ของเนื้อหา (โครงเรื่อง) สามารถแยกแยะกลุ่มต่อไปนี้ได้: 1) D. มีเนื้อหาจาก โลกแฟนตาซี(บทกวีหรือเทพนิยาย D. บทละครมายากล); 2) D. มีโครงเรื่องทางศาสนา (เลียนแบบ, D. จิตวิญญาณ, ความลึกลับ); 3) ละครที่มีโครงเรื่องจากชีวิตจริง (ละครที่สมจริง ทางโลก ในชีวิตประจำวัน) และสามารถพรรณนาถึงประวัติศาสตร์ในอดีตหรือปัจจุบันได้ D. ซึ่งพรรณนาถึงชะตากรรมของแต่ละบุคคลเรียกว่าชีวประวัติซึ่งแสดงถึงประเภท - ประเภท; ทั้งสองสามารถเป็นได้ทั้งประวัติศาสตร์หรือร่วมสมัย
ในละครโบราณ จุดศูนย์ถ่วงอยู่ที่แรงภายนอก (ใน ตำแหน่ง) ในละครยุคใหม่ - ในโลกภายในของฮีโร่ (ในของเขา อักขระ). ละครคลาสสิกของเยอรมัน (เกอเธ่และชิลเลอร์) พยายามทำให้หลักการทั้งสองนี้เข้าใกล้กันมากขึ้น ละครเรื่องใหม่โดดเด่นด้วยแนวทางการกระทำที่กว้างขึ้นความหลากหลายและลักษณะนิสัยของแต่ละบุคคลความสมจริงที่มากขึ้นในการพรรณนาถึงชีวิตภายนอก ข้อจำกัดของคณะนักร้องประสานเสียงโบราณถูกละทิ้งไป แรงจูงใจในการกล่าวสุนทรพจน์และการกระทำของตัวละครนั้นเหมาะสมยิ่งขึ้น พลาสติกของละครโบราณถูกแทนที่ด้วยความงดงาม ความสวยงามผสมผสานกับความน่าสนใจ โศกนาฏกรรมกับการ์ตูน และในทางกลับกัน ความแตกต่างระหว่างละครอังกฤษและสเปนก็คือ ละครเรื่องหลังมีบทบาทร่วมกับการกระทำของพระเอก เหตุการณ์ขี้เล่นในละครตลก และความเมตตาหรือความโกรธแค้นของเทพในโศกนาฏกรรม ในอดีต ชะตากรรมของ ฮีโร่ติดตามจากตัวละครและการกระทำของเขาโดยสิ้นเชิง ศิลปะพื้นบ้านของสเปนถึงจุดสูงสุดใน Lope de Vega และศิลปะใน Calderon; จุดสุดยอดของละครอังกฤษคือเช็คสเปียร์ อิทธิพลของสเปนและฝรั่งเศสแทรกซึมเข้าสู่อังกฤษผ่านทางเบ็น จอนสันและลูกศิษย์ของเขา ในฝรั่งเศส นางแบบชาวสเปนต่อสู้กับคนโบราณ ต้องขอบคุณสถาบันการศึกษาที่ก่อตั้งโดย Richelieu ทำให้ฝ่ายหลังได้รับความเหนือกว่าและโศกนาฏกรรมคลาสสิกแบบฝรั่งเศส (หลอก) ถูกสร้างขึ้นตามกฎของอริสโตเติลซึ่ง Corneille เข้าใจได้ไม่ดี ด้านที่ดีที่สุด D. นี้ คือความสามัคคีและความสมบูรณ์ของการกระทำ แรงจูงใจที่ชัดเจน และความชัดเจน ความขัดแย้งภายในนักแสดง; แต่เนื่องจากขาดการกระทำภายนอก วาทศาสตร์จึงพัฒนาในตัวเธอ และความปรารถนาในความถูกต้องจำกัดความเป็นธรรมชาติและเสรีภาพในการแสดงออก พวกเขาโดดเด่นเหนือสิ่งอื่นใดในความคลาสสิก โศกนาฏกรรมโดย French Corneille, Racine และ Voltaire และคอเมดีโดย Moliere ปรัชญาแห่งศตวรรษที่ 18 ได้ทำการเปลี่ยนแปลงในภาษาฝรั่งเศส D. และทำให้เกิดสิ่งที่เรียกว่า โศกนาฏกรรมชนชั้นกลางย่อยในรูปแบบร้อยแก้ว (Diderot) ซึ่งเกี่ยวข้องกับการพรรณนาถึงโศกนาฏกรรมในชีวิตประจำวันและประเภทตลก (ทุกวัน) (Beaumarchais) ซึ่งระบบสังคมสมัยใหม่ถูกเยาะเย้ย แนวโน้มนี้ยังแพร่กระจายไปยัง German D. ซึ่งจนถึงตอนนั้นก็ถูกครอบงำ คลาสสิคแบบฝรั่งเศส(ก็อตเชดในไลพ์ซิก, ซอนเนนเฟลส์ในเวียนนา) Lessing ด้วย "Hamburg Drama" ของเขาได้ยุติลัทธิคลาสสิกจอมปลอมและสร้างละครเยอรมัน (โศกนาฏกรรมและตลก) ตามตัวอย่างของ Diderot ในขณะเดียวกันก็ชี้ไปที่คนสมัยก่อนและเชกสเปียร์เป็นตัวอย่างให้ติดตาม เขาเดินต่อไปอย่างเงียบๆ ละครคลาสสิก ซึ่งเป็นยุครุ่งเรืองของเกอเธ่ (ซึ่งได้รับอิทธิพลครั้งแรกจากเชกสเปียร์ จากนั้นในสมัยโบราณ และสุดท้ายคือเฟาสท์ เรื่องลึกลับในยุคกลาง) และนักเขียนบทละครชาวเยอรมันประจำชาติ ชิลเลอร์ หลังจากนั้นไม่มีกระแสดั้งเดิมใหม่ในบทกวี แต่มีตัวอย่างทางศิลปะของบทกวีอื่น ๆ ทุกประเภทปรากฏขึ้น การเลียนแบบเช็คสเปียร์ที่เห็นได้ชัดเจนที่สุดในบรรดาโรแมนติกของเยอรมัน (G. Kleist, Grabbe ฯลฯ ) ด้วยการเลียนแบบของเช็คสเปียร์และโรงละครสเปน การปฏิวัติจึงเกิดขึ้นในละครฝรั่งเศส ซึ่งการพัฒนาของปัญหาสังคม (V. Hugo, A. Dumas, A. de Vigny) นำชีวิตใหม่มา ตัวอย่างบทละครของซาลอนมอบให้โดย Scribe; คอเมดี้ทางศีลธรรมของ Beaumarchais ได้รับการฟื้นฟูในภาพยนตร์ดราม่าเรื่องศีลธรรมโดย A. Dumas fils, E. Ogier, V. Sardou, Palieron และคนอื่น ๆ
ส่งผลงานดีๆ ของคุณในฐานความรู้ได้ง่ายๆ ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง
นักศึกษา นักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงาน จะรู้สึกขอบคุณเป็นอย่างยิ่ง
โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru/
กระทรวงวัฒนธรรมของภูมิภาคเชเลียบินสค์
สถาบันการศึกษางบประมาณของรัฐ
อุดมศึกษา
"สถาบันศิลปะแห่งรัฐเซาท์อูราลตั้งชื่อตาม พี.ไอ. ไชคอฟสกี้"
GBOU HE SUSURGIA ฉัน พี.ไอ. ไชคอฟสกี้
การศึกษานอกสถานที่
ทดสอบ
ในสาขาวิชาการละคร
หัวข้อพื้นฐานของการละคร
การแนะนำ
ทฤษฎีการละครเป็นหนึ่งในศาสตร์ที่เก่าแก่ที่สุดที่เกี่ยวข้องกับปัญหาความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ ในช่วงที่เก่าแก่ที่สุดของการดำรงอยู่ มันทำหน้าที่เป็นปรัชญาแห่งศิลปะ
ทฤษฎีการละครเกี่ยวข้องกับการแสดงละครที่เกี่ยวข้องกับกระบวนการแสดงละครและวรรณกรรม ดังนั้นจึงรวมถึงการศึกษาความสามัคคีทางอุดมการณ์และศิลปะของข้อเท็จจริงทางละครและละคร
ทฤษฎีการละครสำรวจ:
· สิ่งที่เป็นผลจากความคิดสร้างสรรค์ (งาน)
· อะไรคือผลของการพัฒนาสาขาการผลิตทางจิตวิญญาณนี้
ทฤษฎีการละครสำรวจรูปแบบที่กำหนดเนื้อหาละคร และรูปแบบที่กำหนดลักษณะเฉพาะของกระบวนการแสดงละคร
หน้าที่ของทฤษฎีการละครประการแรกคือสามารถขัดเกลางานที่เกิดมาอย่างสร้างสรรค์ได้ ประการที่สอง เพื่อประเมินและชื่นชมงานศิลปะ ทักษะที่ทำขึ้นมา ประการที่สาม พัฒนาทักษะการคิดอย่างอิสระและเป็นอิสระ
1. ละครเป็นวรรณกรรมประเภทหนึ่ง
ประเภทตลก โศกนาฏกรรม ความขัดแย้ง
ในระหว่างการพัฒนาวรรณกรรม วิธีการหลักสามประการในการสะท้อนชีวิตค่อยๆ เกิดขึ้น: มหากาพย์ โคลงสั้น ๆ และละคร หรือวรรณกรรมสามประเภท: มหากาพย์ บทกวี และละคร
Epic - คำนี้มาจากภาษากรีก epos - "คำว่า" และมีสองความหมาย: 1) เหล่านี้เป็นบทกวีพื้นบ้านและเทพนิยาย; 2) วรรณกรรมประเภทหนึ่งที่มีรูปแบบพิเศษในการวาดภาพชีวิต
เนื้อเพลง - คำนี้มาจากภาษาละตินและกรีก - lyrikos - ชื่อของเครื่องดนตรี - พิณซึ่งเป็นเพลงประกอบที่มีการร้องบทกวีโคลงสั้น ๆ ภาพโคลงสั้น ๆ ให้การเปิดเผยโดยตรงของโลกภายในในนามของผู้เขียน
Drama - คำนี้มาจากคำภาษากรีก drao ซึ่งแปลว่า "การกระทำ" การสืบพันธุ์ของชีวิตที่น่าทึ่งผสมผสานการแสดงเหตุการณ์และข้อเท็จจริงภายนอกและการเปิดเผยโลกภายในของตัวละครโดยไม่ต้องอาศัยการไกล่เกลี่ยที่ได้รับอนุญาต
ซึ่งแตกต่างจากบทกวีมหากาพย์และบทกวีซึ่งมีเพียงวิธีการทางภาษาในการสร้างภาพ ละครยังมีวิธีที่เวทีมอบให้กับผู้เขียนด้วย การเปิดเผยภาพของผลงานละครอย่างสมบูรณ์และครบถ้วนนั้นสัมพันธ์กับรูปลักษณ์บนเวทีของมัน
ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างงานละครคือการไม่มีคำพูดของผู้บรรยาย การเปิดเผยตัวละครและพัฒนาการของการกระทำมีอยู่ในละครในบทสนทนา ผ่านความรู้สึก ความคิด การกระทำ ประสบการณ์ของตัวละคร และการพัฒนาความสัมพันธ์ระหว่างเรา
คุณสมบัติหลักที่ทำให้การแสดงภาพของบุคคลในละครแตกต่างคือการพรรณนาของบุคคลในสภาวะตึงเครียดเป็นพิเศษและการเพิ่มขึ้นของพลังภายในทั้งหมดของเขาซึ่งเกิดจากความต้องการการต่อสู้อย่างเข้มข้นกับอุปสรรคที่ขวางทาง เป้าหมาย. การแสดงภาพสภาพและสถานการณ์ในชีวิตที่ทำให้เกิดความชัดเจนและโดดเด่นเป็นพิเศษในละคร ปกติเรียกว่า ละคร ด้วยเหตุนี้ คำว่าดราม่าติสท์ ซึ่งถูกกำหนดให้เป็นคำนิยามของความตึงเครียดพิเศษในพลังภายในของบุคคล
สภาวะที่บุคคลถูกแสดงไว้ในละครจะแสดงด้วยความชัดเจนเป็นพิเศษในการกระทำ ความคิด และประสบการณ์ โดดเด่นด้วยภาพที่มีความหลากหลายน้อยกว่าในมหากาพย์ ชีวิตมนุษย์การลดการแสดงภาพลงเหลือเพียงการแสดงเฉพาะด้านที่นำไปสู่การดำเนินการอย่างเข้มข้นของความขัดแย้งที่กำหนด ดราม่าจึงแตกต่างจากมหากาพย์ในเรื่องความชัดเจนที่คมชัดยิ่งขึ้นในการพรรณนาตัวละคร
แต่ถ้าในมหากาพย์สามารถอธิบายคุณสมบัติที่ระบุไว้ทั้งหมดของภาพของบุคคลได้ดังนั้นในละครที่ปราศจากคำพูดของผู้บรรยายโดยการแสดง ความหลงใหลของมนุษย์คือการกระทำ
ดราม่าก็เหมือนกับมหากาพย์ บรรยายถึงเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์และร่วมสมัยที่เกิดขึ้นในชุมชนสังคมหนึ่งๆ แต่เรื่องของละครก็ถูกกำหนดไว้เสมอ นักเขียนบทละครสะท้อนให้เห็นถึงงานของเขาในแง่มุมต่างๆ ของชีวิตซึ่งเขาเห็นการแสดงออกที่รุนแรงที่สุดของความขัดแย้งในชีวิต ความขัดแย้งทางสังคมและจิตใจที่รุนแรงที่สุด
ลักษณะเฉพาะของการแสดงละครคือความสมจริงของภาพซึ่งมีพื้นฐานมาจากความสมจริงของความสัมพันธ์ของมนุษย์ มหัศจรรย์และ เทพนิยายและตัวละคร ความธรรมดาของฉาก และเวลาบนเวทีจะเป็นที่เข้าใจและน่าสนใจหากพื้นฐานคือความสัมพันธ์ของมนุษย์จริง สถานการณ์ของมนุษย์จริง ละครเรื่องนี้โน้มน้าวผู้ชมผ่านการเอาใจใส่ต่อตัวละคร และเราสามารถเห็นอกเห็นใจเฉพาะสิ่งที่สามารถจดจำได้ สิ่งที่กระตุ้นให้เกิดความเห็นอกเห็นใจ และสิ่งที่มีความคล้ายคลึงกับสถานการณ์ในชีวิตที่ผู้ชมคุ้นเคย ดังนั้น ความสามารถในการจดจำได้ และในความเป็นจริงของความสัมพันธ์ของมนุษย์ในงานละคร จึงเป็นข้อกำหนดบังคับของละคร
สำหรับละคร จำเป็นต้องมีความทันสมัยซึ่งไม่เท่ากับความทันสมัยของปฏิทินตามลำดับเวลา ความทันสมัยในละครคือความทันสมัยของปัญหา
2. โศกนาฏกรรมเป็นแนวละคร
โศกนาฏกรรมได้สำรวจชีวิตและการดิ้นรนของจิตวิญญาณมนุษย์กับโลกรอบข้างและสถานการณ์แห่งโชคชะตาที่เป็นเวรเป็นกรรมมาโดยตลอด โศกนาฏกรรมถูกเรียกว่าเป็นประเภทชั้นสูงและมีไว้สำหรับขุนนาง ไม่ใช่คนธรรมดา
โศกนาฏกรรมเกี่ยวข้องกับการกระทำอันสง่างามที่มีลักษณะที่น่าเศร้าหรือน่ากลัว โศกนาฏกรรมครั้งนี้แสดงให้เห็นถึงความยิ่งใหญ่ของความทุกข์ทรมานของมนุษย์ในนามของเป้าหมายอันสูงส่ง ความประเสริฐของการกระทำอันสูงส่งที่ต้องอาศัยการเสียสละอันยิ่งใหญ่จากบุคคล ดังนั้นเฉพาะคนที่มีศีลธรรมและจิตวิญญาณที่กล้าหาญเท่านั้นที่สามารถเป็นวีรบุรุษเชิงบวกของโศกนาฏกรรมได้
เนื้อหาเบื้องต้นของโศกนาฏกรรมคือการต่อต้านโชคชะตา ชะตากรรมที่ทำลายล้างและหลีกเลี่ยงไม่ได้ ซึ่งทั้งมนุษย์และเทพเจ้าไม่สามารถหลีกเลี่ยงได้ ภาพที่สองคือภาพความขัดแย้งของบุคคลที่ประท้วงต่อต้านความรุนแรงของรัฐร่วมสมัยต่อความรู้สึกของมนุษย์
ในโศกนาฏกรรมสมัยโบราณและคริสเตียน เรามักจะเห็นการแทรกแซงโดยตรงของเทพหรือเทพเจ้า ร็อคเผยใบหน้าของตนในรูปของเงา สิ่งมีชีวิตมหัศจรรย์ นิมิตและปาฏิหาริย์ ในปรากฏการณ์ทางธรรมชาติที่เหนือธรรมชาติ
1. ความแข็งแกร่งสูงสุดของบุคลิกภาพที่ปรากฎในโศกนาฏกรรม
คนสมัยก่อนเรียกวีรบุรุษผู้โศกเศร้าว่าเป็นคำที่หมายถึงจิตวิญญาณสูงสุด
ความแข็งแกร่งพิเศษของฮีโร่โศกนาฏกรรมนั้นแสดงออกมาในความจริงที่ว่าเขาเอาชนะอุปสรรคของบุคคลพิเศษได้
2. ความตายของแรงบันดาลใจของแต่ละบุคคล
โศกนาฏกรรม ดังที่อริสโตเติลชี้ให้เห็น แสดงให้เห็นถึงความผิดพลาดอันหายนะ นี่คือจุดที่แตกต่างจากละครฮีโร่ วีรบุรุษแห่งโศกนาฏกรรมเข้าใจผิดเขามีความผิดโดยไม่มีความผิด
ฮีโร่ที่น่าสลดใจกระทำโดยปราศจากเจตนาชั่วร้ายและ "ความรู้สึกผิดที่น่าสลดใจ" - การต่อต้านโชคชะตา พระเจ้า สังคม รัฐ ความจำเป็นทางประวัติศาสตร์ - เกี่ยวข้องกับข้อผิดพลาดมโนธรรม
3. บทสนทนาที่เต็มไปด้วยความคิดและอุดมการณ์
สาระสำคัญทางศิลปะของโศกนาฏกรรมนั้นเกิดขึ้นจากวาทศาสตร์ที่ชัดเจนและการอภิปรายที่ร้อนแรงเกือบต่อเนื่อง ความกดดันอันบ้าคลั่งที่ทำให้วีรบุรุษแห่งโศกนาฏกรรมแตกต่างออกไปนั้นไม่เพียงแสดงออกมาในการกระทำที่มีพลังเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความฉลาดทางสติปัญญาและวาทศิลป์ด้วย การกระทำที่เด็ดขาดสลับกับคารมคมคายที่ไม่อาจต้านทานได้ ในโศกนาฏกรรม ความหมายที่มีประสิทธิภาพของคำที่น่าทึ่งปรากฏชัดเจนเป็นพิเศษ
4. การเบี่ยงเบนไปจากความเป็นจริงในชีวิตประจำวันและทางประวัติศาสตร์
ในการประมวลผลเนื้อหาทางประวัติศาสตร์ โศกนาฏกรรม การดิ้นรนเพื่อให้ได้พลังงานสูงสุด ละทิ้งรายละเอียดมากมายและเหตุการณ์ที่มีความเข้มข้นอย่างมาก ซึ่งบางครั้งก็ปฏิบัติต่อข้อเท็จจริงทางประวัติศาสตร์อย่างอิสระ
3. ตลกเป็นประเภทละคร
ตลก - ไม่น้อย ประเภทโบราณซึ่งเกิดขึ้นที่ วัฒนธรรมพื้นบ้าน. การแก้ปัญหาที่ซับซ้อนที่สุดของการอยู่รอดทางกายภาพของตนเองและครอบครัว คนธรรมดาต้องมีทางออกเพื่อเปลี่ยนจิตสำนึกเพื่อผ่อนคลาย ฉากที่แสดงตามจัตุรัสและคูหาเป็นฉากที่ตลกในสถานการณ์และผู้ชมทั่วไปคุ้นเคย คนธรรมดา ๆ ดูเหมือนจะมองตัวเองจากภายนอกผ่านการแสดงตลกและหัวเราะยืนยันด้วยจิตวิญญาณว่าชีวิตไม่ได้เลวร้ายนักและมีความหวังในสิ่งที่ดีที่สุด
ในโครงสร้างของคอเมดีโบราณในยุคคลาสสิกนั้น คุณลักษณะของประเภทนี้จะแสดงออกมาอย่างชัดเจน ซึ่งในอนาคตคงเส้นคงวาคือสิ่งสำคัญในทุกด้าน ตัวอย่างที่ดีที่สุดสร้างขึ้นในยุคต่างๆ
คอเมดี้ของอริสโตฟาเนสประกอบด้วยหลายส่วน:
· อารัมภบทเริ่มตลกโดยนำเสนอธีมหลักโดยกำหนดเนื้อหาของการต่อสู้ของฮีโร่
· ขบวนพาเหรดเป็นไปตามอารัมภบทและจัดฉากการโต้แย้งของเหล่าฮีโร่
· agon - ส่วนหลักของหนังตลก ประกอบด้วยฉากจำนวนหนึ่งที่สร้างขึ้นจากการโต้แย้งของฮีโร่ในประเด็นเฉพาะ หัวข้อทางการเมือง;
· escod เป็นบทสรุปทั่วไปของเรื่องตลก และมักให้ผลลัพธ์ที่ตัดกันอย่างมากของการโต้แย้งระหว่างตัวละครเชิงบวกและเชิงลบ
คอเมดีของอริสโตฟาเนสพรรณนาถึงบุคคลในชีวิตทางสังคมและการเมืองของเขา แสดงให้เห็นถึงการต่อสู้ทางสังคมของพรรคการเมือง ความขัดแย้งในชีวิตสาธารณะ
พัฒนาการของแนวตลก เช่นเดียวกับแนวดราม่าอื่นๆ ยังคงดำเนินต่อไปตลอดหลายศตวรรษของการดำรงอยู่ของประเภทนี้
ในกรณีส่วนใหญ่ ผู้ชมละครตลกจะถูกวางโดยนักเขียนบทละครในตำแหน่ง "เหนือ" เหตุการณ์และตัวละคร ซึ่งทำให้เขามีโอกาสรับรู้ถึงสิ่งที่เลวร้ายว่าเป็นการ์ตูน ผู้เขียนมุ่งมั่นที่จะทำให้เรามองโลกแห่งบทละครของเขาด้วยสายตาที่น่าขัน
หนังตลกคลาสสิกของรัสเซียมีความหลากหลายอย่างมากในเนื้อหาและ คุณสมบัติทางศิลปะ. ที่ศูนย์กลางของการแสดงตลกคลาสสิกของรัสเซีย มักมีฮีโร่ในแง่บวก เพียงคนเดียวที่พยายามต่อสู้กับ "แผลพุพอง" ในสังคม หนังตลกบางเรื่องไม่มีพระเอกในแง่บวกเลย ผู้เขียนบทตลกเหล่านี้ตีตราความชั่วร้าย ปล่อยให้ผู้ชมต้องสรุปและมองหายาแก้พิษด้วยตนเอง
เราสามารถให้คำจำกัดความของคำว่าตลกได้ดังต่อไปนี้ การแสดงตลกเป็นการพรรณนาถึงความขัดแย้งอันเกิดจากปณิธานที่เป็นอันตรายต่อสังคมซึ่งก่อให้เกิดเสียงหัวเราะ
4. องค์ประกอบของงานละคร
องค์ประกอบ (lat.compositio-composition, การเชื่อมต่อ) - แนวคิดนี้เกี่ยวข้องกับศิลปะทุกประเภท เป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นความสัมพันธ์ระหว่างส่วนต่างๆ ของงานศิลปะ การจัดองค์ประกอบละครสามารถกำหนดได้ว่าเป็นวิธีการจัดระเบียบงานละครในฐานะองค์กรของการกระทำในอวกาศและเวลา
ประเด็นของการพรรณนาในงานละครคือความขัดแย้งทางสังคม
ประวัติความเป็นมาของละครแสดงให้เห็นว่าการสร้างภาพศิลปะองค์รวมของเหตุการณ์ความขัดแย้ง การสังเกตเงื่อนไขที่เรียบง่าย ซึ่งไม่เพียงแสดงให้เห็นจุดเริ่มต้นของความขัดแย้งเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการพัฒนาและผลลัพธ์ของมันด้วยนั้นไม่ใช่เรื่องง่าย ความยากอยู่ที่การค้นหาการพัฒนาที่น่าทึ่งเพียงอย่างเดียว จากนั้นจึงทำให้สถานการณ์เริ่มแรกเสร็จสิ้น
สาเหตุหลักมาจากความซับซ้อนในการเรียบเรียงในการสร้างสรรค์งานละคร จึงมีความเชื่อที่ยุติธรรมว่าละครเป็นวรรณกรรมประเภทที่ซับซ้อนที่สุด
เพื่อที่จะรับมือกับความยากลำบากในการเรียบเรียง นักเขียนบทละครจำเป็นต้องมีความเข้าใจในงานศิลปะของเขาเป็นอย่างดี และรู้องค์ประกอบพื้นฐานของละคร แน่นอนว่าไม่มีงานศิลปะใดถูกเขียนขึ้นตามรูปแบบที่กำหนดไว้ล่วงหน้า ยิ่งเรียงความต้นฉบับมากเท่าไรก็ยิ่งดีเท่านั้น
เพราะไม่มีองค์ประกอบพื้นฐาน องค์ประกอบที่น่าทึ่ง- รูปภาพของจุดเริ่มต้นของการต่อสู้ เส้นทางของการต่อสู้ และผลของการต่อสู้ - เป็นไปไม่ได้ที่จะสร้างภาพองค์รวมของเหตุการณ์ความขัดแย้ง - การมีอยู่ของพวกเขาและลำดับการจัดเรียงที่มีชื่อในงานละครเป็นสิ่งจำเป็น ความหมายที่สมบูรณ์ของคำ ซึ่งเป็นข้อกำหนดทางศิลปะเบื้องต้นของศิลปะการละคร
5. ความขัดแย้งอันดราม่า
งานละครเป็นรูปเป็นร่าง นิยายแสดงถึงการกระทำหรือที่แม่นยำยิ่งขึ้นคือแสดงถึงความขัดแย้งนั่นคือการกระทำที่นำไปสู่การเผชิญหน้าการตอบโต้
ความขัดแย้ง - จาก lat Conflictus - การชนกัน
สาเหตุของความขัดแย้งอยู่ที่โลกทัศน์ของตัวละคร โลกภายในของเขา ในขณะเดียวกันก็ต้องคำนึงถึงเหตุผลทางสังคมด้วย
เมื่อพูดถึงความขัดแย้งอันน่าทึ่ง จำเป็นต้องสังเกตธรรมชาติทางศิลปะของมันเป็นพิเศษ ความขัดแย้งทำให้เกิดความขัดแย้งและเป็นแบบฉบับของความขัดแย้งที่นักเขียนบทละครสังเกตในชีวิต การพรรณนาถึงความขัดแย้งในงานละครเป็นวิธีหนึ่งในการเปิดเผยความขัดแย้งทางสังคมโดยเฉพาะโดยใช้ตัวอย่างการต่อสู้ที่เฉพาะเจาะจง
ดังนั้นความขัดแย้งในละครจึงมี 2 ฝ่าย คือ
1. วัตถุประสงค์ - โดยกำเนิดสะท้อนให้เห็นถึงความขัดแย้งทางสังคมที่มีอยู่ในสังคมอย่างเป็นกลาง
2. อัตนัยสะท้อนให้เห็นในพฤติกรรมและตัวละครของฮีโร่
ในขั้นต้น ความขัดแย้งเกิดขึ้นก่อนเหตุการณ์ที่นำเสนอในละคร จากนั้นมีเหตุการณ์บางอย่างเกิดขึ้นซึ่งทำให้สมดุลที่มีอยู่ปั่นป่วน และความขัดแย้งก็คลี่คลายออกมาจนกลายเป็นรูปแบบที่มองเห็นได้ นับจากนี้เป็นต้นไปการเล่นจะเริ่มขึ้น การดำเนินการเพิ่มเติมทั้งหมดเกิดขึ้นที่การสร้างสมดุลใหม่อันเป็นผลมาจากชัยชนะของฝ่ายที่ขัดแย้งฝ่ายหนึ่งเหนืออีกฝ่ายหนึ่ง ความขัดแย้งได้รับการแก้ไขตามธรรมเนียมเมื่อสิ้นสุดการเล่น แต่มีบทละครหลายเรื่องที่เราสามารถสังเกตธรรมชาติของความขัดแย้งหลักที่ยังไม่ได้รับการแก้ไขได้ นี่เป็นแนวคิดหลักของบทละครดังกล่าวอย่างแน่นอน
6. พระเอกเป็นผู้สร้างความขัดแย้ง
ความขัดแย้งทางสังคมที่ปรากฎในผลงานละครมีมากมายและหลากหลาย อย่างไรก็ตาม วิธีการสร้างความขัดแย้งอันน่าทึ่งเชิงองค์ประกอบเป็นเรื่องปกติ เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับประเภทของโครงสร้างของความขัดแย้งอันน่าทึ่งเกี่ยวกับการก่อสร้างหลักสามประเภท
พระเอกคือผู้ชม งานเสียดสีมักมีพื้นฐานมาจากความขัดแย้งดังกล่าว ผู้ชมหัวเราะกับพฤติกรรมและศีลธรรมของตัวละครเสียดสีที่แสดงบนเวที
ฮีโร่คือสภาพแวดล้อมที่เขาต่อต้าน ในกรณีนี้ ผู้เขียนและผู้ชมอยู่ในตำแหน่งที่สาม เฝ้าสังเกตทั้งฮีโร่และสิ่งแวดล้อม ตามความผันผวนของการต่อสู้ครั้งนี้ โดยไม่จำเป็นต้องเข้าร่วมฝ่ายใดฝ่ายหนึ่งหรือฝ่ายอื่น
การแบ่งความขัดแย้งอันน่าทึ่งตามประเภทของการก่อสร้างนั้นไม่สมบูรณ์ ในงานหลายชิ้นเราสามารถสังเกตเห็นการผสมผสานระหว่างการสร้างความขัดแย้งสองประเภทเข้าด้วยกัน ตัวอย่างเช่น หากในการเล่นเสียดสีพร้อมกับตัวละครเชิงลบก็มีฮีโร่เชิงบวกเช่นกัน นอกเหนือจากความขัดแย้งหลัก ฮีโร่ - หอประชุม เราจะสังเกตเห็นฮีโร่ความขัดแย้งอีกตัวหนึ่ง - ฮีโร่ ซึ่งเป็นความขัดแย้งระหว่างฮีโร่เชิงบวกและเชิงลบใน เวที.
7. การกระทำในงานละคร
ในละคร การกระทำถือเป็นพัฒนาการของเหตุการณ์ ด้วยเหตุนี้จึงสามารถจำแนกการกระทำตามพารามิเตอร์ภายนอกและภายในได้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งบ่อยครั้งที่การกระทำตามแนวภายนอกพัฒนาในเรื่องนักสืบและซิทคอม หากในงานละครปัญหาร้ายแรงเกิดขึ้นเบื้องหลังสถานการณ์ธรรมดาหรือธรรมดาหากการเปลี่ยนแปลงเกิดขึ้นไม่มากนักในตำแหน่งสถานการณ์ของตัวละคร แต่ในด้านจิตวิทยาตัวละครและโลกทัศน์ซึ่งรวมอยู่ในแนวคิดของเนื้อเรื่องของบทละคร การกระทำสามารถจัดได้ว่าเป็นการกระทำภายใน อย่างไรก็ตาม การแบ่งการกระทำภายนอกและภายในนั้นค่อนข้างจะไร้เหตุผล สิ่งเหล่านี้เป็นสองด้านของเหรียญเดียวกัน และไม่สามารถแยกออกจากกันได้
8. การวิเคราะห์เชิงอุดมการณ์และใจความของงานละคร
การวิเคราะห์เชิงอุดมการณ์และใจความระบุความหมายหลักในงานภายใต้แนวคิดของแก่นและแนวคิด
ควรเข้าใจหัวข้อนี้ว่าเป็นวัตถุแห่งชีวิต (สิ่งแวดล้อม) และวัตถุภาพบางอย่าง
เมื่อเข้าใจปัญหา ผู้เขียนตั้งคำถามที่เขาต้องการหาคำตอบ ซึ่งเกี่ยวข้องกับเขามากที่สุด ซึ่งในความเห็นของเขาถือเป็นหัวใจของปัญหา โดยคัดเลือกมามากที่สุด คำถามที่น่าสนใจผู้เขียนค่อยๆ กำหนดสิ่งที่เขาอยากจะพูดถึงในงานของเขาเอง นี่คือลักษณะที่ปรากฏของธีม
อย่างไรก็ตามในงานละครมีหลายประเด็นหลัก - ประเด็นหลักและประเด็นรอง ธีมหลักของละครเรื่องนี้คือฉากแอ็คชั่นที่เป็นหนึ่งเดียว ธีมด้านข้างเป็นแรงบันดาลใจของตัวละครไม่ทางใดก็ทางหนึ่งที่มีอิทธิพลต่อการพัฒนาความขัดแย้งนี้
หากเราดำเนินการต่อจากข้อเท็จจริงที่ว่าแก่นเรื่องคือสิ่งที่ผู้เขียนบรรยาย และแนวคิดคือสิ่งที่เขาต้องการจะพูดเกี่ยวกับภาพนั้น การประเมินของเขา แก่นเรื่องและแนวคิดจะเป็นตัวแทนสองแง่มุมของแนวทางที่เป็นหนึ่งเดียวกันของนักเขียนบทละครสู่ความเป็นจริง แนวคิดไม่สามารถพัฒนาได้หากไม่มีหัวข้อ และหัวข้อไม่สามารถปรากฏได้หากไม่มีแนวคิด เราสามารถพูดได้ว่างานละครมีพื้นฐานทางอุดมการณ์และใจความ นั่นคือมันแสดงให้เห็นด้านหนึ่งของชีวิต ซึ่งนักเขียนบทละครเข้าใจในอุดมคติ
แนวคิดคือสิ่งที่ผู้เขียนต้องการบอกผู้อ่าน ผู้ชม ผู้ฟัง ทัศนคติต่อปรากฏการณ์ทางสังคมและเหตุการณ์บางอย่างที่เขาต้องการปลูกฝังให้พวกเขา สิ่งที่เขาต้องการกระตุ้นให้พวกเขาทำ สิ่งที่กระตุ้นให้พวกเขาทำ หรือ - จาก การกระทำหรือความเชื่อใดที่เขาต้องการเตือนพวกเขาให้หันเหไป
ความคิดเป็นเรื่องส่วนตัว มันเป็นของผู้เขียนคนนี้ แนวคิดจึงเป็นสิ่งที่เขียนงานนี้ขึ้นมา
แนวคิดสามารถแสดงออกมาในรูปแบบของปัญหาหลายประการ และวิธีแก้ปัญหาเหล่านี้จะขึ้นอยู่กับเวลา ซึ่งจะทำให้เกิดความชัดเจนแก่พวกเขา หรือต่อผู้อ่าน ผู้ชม ที่จะตีความงานที่พวกเขาอ่านหรือเห็นได้
9. ฮีโร่ในผลงานละคร
ฮีโร่ของงานละครมักจะเป็นบุตรชายในสมัยของเขาเสมอ และจากมุมมองนี้ การเลือกฮีโร่สำหรับงานละครก็มีลักษณะทางประวัติศาสตร์เช่นกัน ซึ่งกำหนดโดยสถานการณ์ทางประวัติศาสตร์และสังคม ในช่วงเริ่มต้นของละครโซเวียต การค้นหาตัวละครเชิงบวกและเชิงลบเป็นเรื่องง่ายสำหรับผู้เขียน ฮีโร่เชิงลบมีทุกคนที่ยึดถือเมื่อวานนี้ - ตัวแทนของเครื่องมือซาร์, ขุนนาง, เจ้าของที่ดิน, พ่อค้า, นายพลไวท์การ์ด, เจ้าหน้าที่, บางครั้งก็เป็นทหารด้วยซ้ำ แต่ไม่ว่าในกรณีใดทุกคนที่ต่อสู้กับรัฐบาลโซเวียตรุ่นเยาว์ ดังนั้นจึงเป็นเรื่องง่ายที่จะหาวีรบุรุษเชิงบวกในระดับนักปฏิวัติ ผู้นำพรรค และวีรบุรุษแห่งสงครามกลางเมือง ทุกวันนี้ ในช่วงเวลาแห่งความสงบสุข ภารกิจในการตามหาฮีโร่นั้นยากกว่ามาก เพราะความขัดแย้งทางสังคมไม่ได้แสดงออกมาอย่างชัดเจนเหมือนกับที่แสดงออกมาในช่วงปีแห่งการปฏิวัติและสงครามกลางเมือง หรือหลังจากนั้นในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ
ฮีโร่ที่ “คิดบวก” ยังโกหกความจริงที่ว่าในละคร เช่นเดียวกับในวรรณกรรมทั่วไป ในหลายกรณี ฮีโร่ที่เราเห็นอกเห็นใจด้วยไม่ใช่แบบอย่างของพฤติกรรมและตำแหน่งชีวิต ในหลายกรณี เราเห็นอกเห็นใจพวกเขาอย่างจริงใจในฐานะเหยื่อของสังคมที่ดำเนินชีวิตตามกฎศีลธรรมของสัตว์ แต่เราปฏิเสธวิธีการดิ้นรนของพวกเขาโดยปราศจากสิทธิและความอับอายโดยธรรมชาติ สิ่งสำคัญคือในชีวิตไม่มีคนที่เป็นบวกหรือลบอย่างแน่นอน ดังนั้น ในชีวิต คนที่ “คิดบวก” จะไม่มีเหตุผลหรือโอกาสที่จะกลายเป็น “คนลบ” และในทางกลับกัน ศิลปะก็จะสูญเสียความหมายของมันไป
ฮีโร่ของงานละครตรงกันข้ามกับฮีโร่ร้อยแก้วซึ่งผู้เขียนมักจะอธิบายอย่างละเอียดและครอบคลุมโดยอธิบายลักษณะของตัวเองในคำพูดของ L. M. Gorky "ด้วยตนเอง" โดยการกระทำของเขาโดยไม่ได้รับความช่วยเหลือจากคำอธิบายของผู้เขียน . นี่ไม่ได้หมายความว่าทิศทางของเวทีไม่สามารถอธิบายตัวละครโดยย่อได้ แต่เราต้องไม่ลืมว่าทิศทางบนเวทีเขียนไว้สำหรับผู้กำกับและนักแสดง ผู้ชมในโรงละครจะไม่ได้ยินเสียงพวกเขา
10. ละครประวัติศาสตร์และสารคดี
ละครสารคดีซึ่งปัจจุบันครองสถานที่สำคัญในวรรณกรรมสำหรับละครเวทีและจอถูกสร้างขึ้นโดยการปฏิวัติสังคมนิยมครั้งใหญ่ในเดือนตุลาคม รัฐบาลโซเวียตรุ่นเยาว์เปิดเผยเอกสารลับของระบอบต่อต้านประชาชนก่อนหน้านี้ และทำให้เนื้อหาของพวกเขาเป็นองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของการโฆษณาชวนเชื่อเชิงปฏิวัติ ซึ่งเป็นงานด้านอุดมการณ์และการศึกษา
อย่างไรก็ตามในเวลานั้น มีอุปสรรคที่ดูเหมือนผ่านไม่ได้สำหรับการโฆษณาชวนเชื่อเชิงสารคดี นั่นคือการไม่รู้หนังสือของประชากรส่วนใหญ่ของอดีตซาร์รัสเซีย ดังนั้นแม้แต่สารคดีที่ตีพิมพ์ แม้แต่ที่ตีพิมพ์ในหนังสือพิมพ์ ก็ยังแทบไม่สามารถเข้าถึงบุคคลทั่วไปได้ คำถามเกิดขึ้นเกี่ยวกับรูปแบบการอ่านสารคดีที่เข้าใจง่ายและมีประสิทธิภาพซึ่งเปิดเผยระบอบการปกครองซาร์ที่ถูกโค่นล้มและการกระทำต่อต้าน อำนาจของสหภาพโซเวียตการต่อต้านการปฏิวัติ ในขณะนั้น ศิลปะการปฏิวัติและเหนือสิ่งอื่นใด ละครสารคดีได้เข้ามาช่วยเหลือการโฆษณาชวนเชื่อเชิงปฏิวัติ
ละครสารคดีถือกำเนิดขึ้นท่ามกลางมวลชนในกองทัพแดงและชมรมคนงาน การตัดต่อวรรณกรรมและดนตรี การอ่านบทละคร
ที่นั่น, ชั้นต้นในการพัฒนา ละครสารคดีไม่ได้กลายเป็นความจริงของชีวิตในโรงละครมืออาชีพ
หลังจากสงครามโลกครั้งที่สองเริ่มต้นขึ้น เวทีใหม่ในการพัฒนางานสารคดี ความสนใจในการสร้างภาพยนตร์สารคดีที่เพิ่มขึ้นมีสาเหตุมาจากปัจจัยทางสังคมที่ร้ายแรง และในครั้งนี้ เหตุการณ์ทางการเมืองที่สั่นสะเทือนโลกมีบทบาทสำคัญในการเกิดขึ้นของความสนใจเป็นพิเศษในข้อเท็จจริงที่ได้รับการบันทึกไว้
ศตวรรษที่ 20 นำโศกนาฏกรรมครั้งใหญ่มาสู่มนุษยชาติอย่างที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน สงครามโลกครั้งที่สอง ลัทธิฟาสซิสต์ ระเบิดปรมาณู สงครามท้องถิ่นที่ดำเนินไปในพื้นที่อันกว้างใหญ่ของโลก
ความต้องการของผู้ชมและผู้อ่านต่อความถูกต้องของผลงานวรรณกรรมและศิลปะมีเพิ่มขึ้นอย่างมาก ศิลปะและวรรณกรรมรู้สึกถึงการเกิดขึ้นของความต้องการและความเป็นไปได้ใหม่ๆ ด้านความรู้ความเข้าใจและสุนทรียศาสตร์อย่างลึกซึ้งและละเอียดอ่อน พวกเขาตอบสนองต่อพวกเขาด้วยผลงานประเภทสารคดี ยิ่งไปกว่านั้น ความรุนแรงและขนาดของความต้องการงานที่บันทึกความเป็นจริงที่เกิดขึ้นใหม่ได้ก่อให้เกิดรูปแบบใหม่ นั่นคือผลงาน "ภายใต้เอกสาร" โดยนำโครงเรื่องที่สมมติขึ้นมาเป็นรูปแบบสารคดี
การกำเนิดของประเภท - "ใต้เอกสาร" - บ่งชี้ว่าความสนใจและความไว้วางใจของผู้อ่านและผู้ดู การเล่าเรื่องสารคดียิ่งใหญ่มากจนแม้แต่รูปแบบการนำเสนอสารคดีเอง แม้ว่าเนื้อหาจะไม่ได้กลับไปเป็นเนื้อหาสารคดีก็ตาม ก็สามารถโน้มน้าวใจสิ่งเหล่านั้นได้ ทำให้เกิดผลของความถูกต้องแท้จริงของสิ่งที่เขียนหรือแสดงบนเวทีและบนหน้าจอ
สารคดีสมัยใหม่ไม่ได้เกิดมาจากที่ไหนเลย ความปรารถนาของมนุษย์ที่จะเห็นในงานศิลปะ กล่าวคือ ในความเข้าใจทางศิลปะเกี่ยวกับความเป็นจริง รูปภาพของโลกที่เชื่อถือได้นั้นเก่าแก่พอ ๆ กับตัวศิลปะเอง
แม้แต่ในงานวรรณกรรมทางศาสนาโบราณ คำอธิบายของ "ข้อเท็จจริง" เช่นปาฏิหาริย์ก็พยายามพึ่งพาผู้เห็นเหตุการณ์ "จริง" เสมอกับคนที่ "หาย" จริง ผู้คนพยายามมอบภาพลักษณ์ที่แท้จริงให้กับพระเจ้าอยู่เสมอ
นวนิยายยังมุ่งมั่นเพื่อความสมจริงและความถูกต้องของภาพด้วย
ในศตวรรษที่ 19 วรรณกรรมและวรรณกรรมรัสเซียโดยเฉพาะ เข้าใกล้การใช้ข้อเท็จจริงเชิงสารคดีและเอกสารทางประวัติศาสตร์เพื่อเพิ่มผลกระทบของความถูกต้อง
สำหรับงานร้อยแก้วและละครที่สร้างจากสารคดี ล้วนเป็นนิยายทั้งสิ้น ประการแรก เพราะงานสารคดีไม่ได้ไร้นิยายแต่อย่างใด
ผู้เขียนงานสารคดีประวัติศาสตร์ไม่เพียงแต่ต้องรู้เนื้อหาทางประวัติศาสตร์ที่เขาใช้เป็นอย่างดีเท่านั้น แต่ยังต้องจินตนาการถึงช่วงเวลาของประวัติศาสตร์ที่เนื้อหานี้อยู่อย่างลึกซึ้งและชัดเจนจะต้องเป็นนักประวัติศาสตร์ในช่วงเวลาที่เขาพรรณนาด้วย การใช้เอกสารโดยไม่คำนึงถึงข้อเท็จจริงทางประวัติศาสตร์ทั้งหมดที่เกี่ยวข้องสามารถบิดเบือนภาพทางประวัติศาสตร์ได้อย่างมาก
ยังคงต้องเสริมว่าไม่มีเอกสารที่ "ไม่ใช่ประวัติศาสตร์" ข้อเท็จจริงใด ๆ ที่ได้รับการรับรองโดยเอกสารได้กลายเป็นเรื่องในอดีตไปแล้ว เราคงได้แค่พูดถึงระดับความห่างไกลจากอดีตนี้เท่านั้น งานสารคดีใดๆ ก็ตามถือเป็นงานประวัติศาสตร์และสารคดีเป็นหลัก
เป็นการถูกต้องที่สุดในการจัดประเภทเป็นงานสารคดีซึ่งการทำสำเนาเอกสารต้นฉบับเป็นวิธีศิลปะหลักในการมีอิทธิพลต่อผู้อ่านและผู้ดู และถือเป็นเนื้อสัมผัสหลักซึ่งเป็นแก่นแท้ของงาน
เอกสารคืออาวุธมีคม ความถูกต้องของมันมีส่วนช่วยสร้างผลกระทบของความถูกต้องของงาน อย่างไรก็ตามความถูกต้องแท้จริงของเอกสารที่ใช้ไม่ได้รับประกันถึงความเป็นกลางและความจริงของภาพประวัติศาสตร์ในอดีตที่ปรากฎในงานสารคดี
การรับประกันเพียงอย่างเดียวของความเป็นกลางและความจริงของภาพที่ปรากฎในงานสารคดีคือความเที่ยงธรรมของจุดยืนของผู้เขียน ความซื่อสัตย์สุจริตของพลเมืองของผู้เขียน ตลอดจนระดับความรู้ที่เพียงพอ
บทสรุป
ละครสมัยใหม่ในยุคใดก็ตามถือเป็นปัญหาที่ยากจะนิยาม บางครั้งเวลาก็มีสำเนียงที่แตกต่างจากคนรุ่นเดียวกันโดยสิ้นเชิง สิ่งเดียวกันนี้อาจจะเกิดขึ้นกับเวลาของเรา ตอนนี้เราสามารถตั้งชื่อนักเขียนบทละครที่มีชื่อเสียงและโด่งดังได้หลายสิบคน แต่มีกี่คนที่ยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์ของโรงละคร?
นักวิจัยบางคนแนะนำให้กำหนดขอบเขต ละครสมัยใหม่ก่อตั้งตั้งแต่สงครามโลกครั้งที่สองจนถึงปลายศตวรรษที่ยี่สิบ
ชื่อทั่วไปของเวทีสมัยใหม่คือละครในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วยความรู้สึกเปิดเผย การสูญเสียคุณค่าทางจิตวิญญาณ และการครอบงำคุณค่าทางวัตถุ
ละครสมัยใหม่เป็นกระบวนการที่มีชีวิตและกำลังพัฒนา ซึ่งนักเขียนบทละครจากรุ่นต่างๆ และทิศทางการสร้างสรรค์ที่แตกต่างกันมีปฏิสัมพันธ์กัน
บรรณานุกรม
1. อัล ดี.เอ็น. พื้นฐานของการละคร / กวดวิชาสำหรับนักศึกษาสถาบันวัฒนธรรมเลนินกราด 2531
2. ซาโซโนวา อี.วี. ทฤษฎีการละครและพื้นฐานของการเขียนบท / Barnaul / สำนักพิมพ์ของสถาบันวัฒนธรรมและศิลปะแห่งรัฐอัลไต 2555
โพสต์บน Allbest.ur
เอกสารที่คล้ายกัน
งานละครมีพื้นฐานมาจากสถานการณ์ของมนุษย์ที่แท้จริงโดยสมบูรณ์เสมอ บทบาทของการดำเนินการภายในในรัฐที่มีความขัดแย้ง การใช้การกระทำภายในในการแสดงละคร ระบบความขัดแย้งในละคร
งานหลักสูตรเพิ่มเมื่อ 19/04/2551
บทบาทของการออกแบบทางศิลปะในการแสดงในการระบุภาพของตัวละครในสถานการณ์ที่เสนอโดยเฉพาะ โครงสร้างและระยะเวลาของกระบวนการเตรียมการผลิตใหม่ ขั้นตอนหลักของการทำงานของผู้กำกับในการสร้างผลงานละคร
ทดสอบเพิ่มเมื่อ 03/09/2552
บทนำสู่ละคร. พื้นฐานของละคร TP ละคร TP. วิธีการกำกับที่แสดงออก "Mise-en-scène" พื้นฐานของระบบสตานิสลาฟสกี ทักษะของนักแสดงและผู้กำกับ รากฐานของกิจกรรมทางศิลปะและการสอนของผู้กำกับบท
บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 05/11/2548
แนวคิดของผู้กำกับเกี่ยวกับบทละครที่อิงจากบทละคร "The Blue Bird" ของ M. Maeterlinck: การวิเคราะห์ยุคสมัย อุดมการณ์ ใจความ และมีประสิทธิภาพ โครงเรื่องและสถาปัตยกรรม โครงสร้างเหตุการณ์ ลักษณะประเภทและโวหารของงานละคร แผนการผลิตที่สร้างสรรค์
วิทยานิพนธ์เพิ่มเมื่อ 28/01/2013
การกำหนดสถานที่ องค์ประกอบทางศิลปะในการสร้างความสมบูรณ์ของงานละคร คำอธิบายการตัดต่อเป็นวิธีสร้างสรรค์ของผู้เขียนบทและผู้กำกับ การติดตั้งที่สร้างสรรค์และขนานกันระหว่างการเฉลิมฉลองและการแสดงมวลชน
บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 23/03/2017
โรงละครในยุคของ Peter the Great โดดเด่นด้วยการเข้าถึงและการใช้งานได้จริง พื้นฐานของการแสดงสไลด์ซึ่งกลายเป็นจุดเชื่อมโยงระดับกลางระหว่างละครชั้นสูงของโรงละครและโรงละครพื้นบ้าน ความสำคัญของผลงานศิลปะของนักคลาสสิกในการพัฒนาละคร
บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 25/01/2554
ศึกษาคุณลักษณะของการเรียนรู้ภาษาละครศิลปะซึ่งเป็นทิศทางใหม่ของวัฒนธรรมการแสดงละครแห่งศตวรรษที่ 18 ความเฉพาะเจาะจงของการสลับฉากและการละเล่นการ์ตูนสั้นในละครโรงเรียนและละครในโรงละครกึ่งมืออาชีพในเมือง
บทความเพิ่มเมื่อวันที่ 15/08/2013
การระบุลักษณะเฉพาะของละครกิจกรรมยามว่างโดยการเปรียบเทียบผลงานของสถาบันวัฒนธรรมและโรงละคร หลักการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะและการศึกษาต้นฉบับ กฎการเขียนสคริปต์โครงสร้างของมัน
งานหลักสูตร เพิ่มเมื่อ 02/01/2011
ประวัติความเป็นมาของการเกิดขึ้นและการพัฒนาของปรากฏการณ์ประเภทนี้ คุณสมบัติของการเชื่อมโยงระหว่างประเภทและเนื้อหาของงานศิลปะในสาขาวรรณกรรม ประเภทคือชุดผลงานที่รวมเอาหัวข้อและวิชาต่างๆ ร่วมกันในทัศนศิลป์
บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 17/07/2013
วิธีการพัฒนาละครเสียง ประวัติความเป็นมาของการเกิดขึ้นและพัฒนาการของแอนิเมชั่น การออกแบบเสียงของภาพยนตร์คุณสมบัติของแนวลึกลับ การพัฒนาภาพและเสียงในการ์ตูนเรื่อง Ghost Inventory ลักษณะของอุปกรณ์ทางเทคนิค
ละครคืออะไร? คำตอบสำหรับคำถามนี้จะขึ้นอยู่กับบริบทที่ใช้คำนั้น ประการแรก นี่เป็นวรรณกรรมประเภทหนึ่งที่มีไว้สำหรับการผลิตละครเวทีโดยนัยถึงปฏิสัมพันธ์ของตัวละครด้วย นอกโลกพร้อมด้วยคำอธิบายจากผู้เขียน
การแสดงละครยังแสดงถึงผลงานที่สร้างขึ้นตามหลักการและกฎหมายเดียว
คุณสมบัติของละคร
- การกระทำควรเกิดขึ้นในปัจจุบันและพัฒนาอย่างรวดเร็วในที่เดียวกัน ผู้ชมจะกลายเป็นพยานและต้องสงสัยและเห็นอกเห็นใจกับสิ่งที่เกิดขึ้น
- การผลิตสามารถครอบคลุมระยะเวลาหลายชั่วโมงหรือหลายปีก็ได้ อย่างไรก็ตาม การแสดงไม่ควรใช้เวลานานเกินหนึ่งวันบนเวที เนื่องจากถูกจำกัดโดยความสามารถในการรับชมของผู้ชม
- ละครอาจประกอบด้วยการแสดงหนึ่งเรื่องขึ้นไปขึ้นอยู่กับลำดับเหตุการณ์ของงาน ดังนั้นวรรณกรรมคลาสสิกของฝรั่งเศสจึงมักแสดงด้วย 5 องก์ และละครสเปนมีลักษณะ 2 องก์
- ตัวละครในละครทั้งหมดแบ่งออกเป็นสองกลุ่ม - ตัวเอกและตัวเอก (อาจมีตัวละครนอกเวทีด้วย) และแต่ละการกระทำเป็นการดวลกัน แต่ผู้เขียนไม่ควรสนับสนุนฝ่ายใดฝ่ายหนึ่ง ผู้ชมสามารถเดาได้จากคำใบ้จากบริบทของงานเท่านั้น
การก่อสร้างละคร
ละครมีโครงเรื่อง โครงเรื่อง แก่นเรื่อง และอุบาย
- เนื้อเรื่องคือความขัดแย้งความสัมพันธ์ของตัวละครกับเหตุการณ์ซึ่งในทางกลับกันมีองค์ประกอบหลายอย่าง: การแสดงออก, โครงเรื่อง, การพัฒนาของการกระทำ, จุดไคลแม็กซ์, การปฏิเสธของการกระทำ, ข้อไขเค้าความเรื่องและตอนจบ
- โครงเรื่องคือชุดของเหตุการณ์จริงหรือเหตุการณ์สมมติที่เชื่อมโยงถึงกันในลำดับเวลา ทั้งโครงเรื่องและโครงเรื่องเป็นการเล่าเรื่องเหตุการณ์ แต่โครงเรื่องเป็นตัวแทนเพียงข้อเท็จจริงของสิ่งที่เกิดขึ้น และโครงเรื่องเป็นความสัมพันธ์ระหว่างเหตุและผล
- ธีมคือชุดของเหตุการณ์ที่สร้างพื้นฐานของงานละครซึ่งรวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยปัญหาเดียวนั่นคือสิ่งที่ผู้เขียนต้องการให้ผู้ชมหรือผู้อ่านคิด
- ดราม่าระทึกขวัญคือปฏิสัมพันธ์ของตัวละครที่มีอิทธิพลต่อเหตุการณ์ที่คาดหวังในเรื่องราว
องค์ประกอบของละคร
- นิทรรศการ - คำแถลงสถานการณ์ปัจจุบันซึ่งก่อให้เกิดความขัดแย้ง
- จุดเริ่มต้นคือจุดเริ่มต้นของความขัดแย้งหรือข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการพัฒนา
- จุดไคลแม็กซ์คือจุดสูงสุดของความขัดแย้ง
- ข้อไขเค้าความเรื่องคือการรัฐประหารหรือการล่มสลายของตัวละครหลัก
- ตอนจบคือการแก้ปัญหาข้อขัดแย้งซึ่งสามารถจบลงได้ 3 วิธี คือ ข้อขัดแย้งได้รับการแก้ไขแล้วและมี การจบลงอย่างมีความสุขความขัดแย้งไม่ได้รับการแก้ไขหรือความขัดแย้งได้รับการแก้ไขอย่างน่าเศร้า - การตายของตัวละครหลักหรือบทสรุปอื่น ๆ ของฮีโร่จากการทำงานในตอนจบ
คำถาม “ละครคืออะไร” สามารถตอบได้ด้วยคำจำกัดความอื่น - นี่คือทฤษฎีและศิลปะของการสร้างงานละคร จะต้องอาศัยกฎเกณฑ์ในการวางแผน มีแผน และแนวคิดหลัก แต่ในระหว่างการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ ละคร ประเภท (โศกนาฏกรรม ตลก ละคร) องค์ประกอบและวิธีการแสดงออกเปลี่ยนไป ซึ่งแบ่งประวัติศาสตร์ของละครออกเป็นหลายรอบ
กำเนิดดราม่า
เป็นครั้งแรกที่จารึกบนกำแพงและปาปิรุสเป็นพยานถึงต้นกำเนิดของละครในยุคนั้น อียิปต์โบราณซึ่งก็มีจุดเริ่มต้น จุดไคลแม็กซ์ และข้อไขเค้าความเรื่องด้วย นักบวชที่มีความรู้เกี่ยวกับเทพเจ้ามีอิทธิพลต่อจิตสำนึกของชาวอียิปต์อย่างแม่นยำด้วยตำนาน
ตำนานของไอซิส โอซิริส และฮอรัส เป็นตัวแทนของพระคัมภีร์ประเภทหนึ่งสำหรับชาวอียิปต์ การแสดงละครได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในสมัยกรีกโบราณในช่วงศตวรรษที่ 5-6 ก่อนคริสต์ศักราช จ. ประเภทของโศกนาฏกรรมมีต้นกำเนิดมาจากละครกรีกโบราณ เนื้อเรื่องของโศกนาฏกรรมแสดงออกมาในการต่อต้านฮีโร่ที่ดีและยุติธรรมต่อความชั่วร้าย รอบชิงชนะเลิศกำลังจะสิ้นสุดลง ความตายอันน่าสลดใจตัวละครหลักและควรจะปลุกเร้าอารมณ์ที่รุนแรงในตัวผู้ชมเพื่อชำระล้างจิตวิญญาณของเขาอย่างล้ำลึก ปรากฏการณ์นี้มีคำจำกัดความ - catharsis
ตำนานถูกครอบงำโดยธีมทางการทหารและการเมืองเนื่องจากผู้โศกนาฏกรรมในสมัยนั้นเข้าร่วมในสงครามมากกว่าหนึ่งครั้ง ละครของกรีกโบราณมีดังต่อไปนี้ นักเขียนชื่อดัง: เอสคิลัส, โซโฟคลีส, ยูริพิดีส นอกจากโศกนาฏกรรมแล้ว แนวตลกยังได้รับการฟื้นฟูอีกด้วย ซึ่งอริสโตเฟนเป็นธีมหลักของสันติภาพ ผู้คนเบื่อหน่ายกับสงครามและความไร้กฎหมายของเจ้าหน้าที่ ดังนั้นพวกเขาจึงต้องการชีวิตที่สงบสุข ตลกมีต้นกำเนิดมาจากเพลงการ์ตูนซึ่งบางครั้งก็ไร้สาระด้วยซ้ำ มนุษยนิยมและประชาธิปไตยเป็นแนวคิดหลักในงานของนักแสดงตลก โศกนาฏกรรมที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนั้น ได้แก่ บทละคร "The Persians" และ "Prometheus Bound" โดย Aeschylus, "Oedipus the King" โดย Sophocles และ "Medea" โดย Euripides
ว่าด้วยพัฒนาการของละครในศตวรรษที่ 2-3 ก่อนคริสต์ศักราช จ. ได้รับอิทธิพลจากนักเขียนบทละครชาวโรมันโบราณ ได้แก่ Plautus, Terence และ Seneca Plautus เอาใจใส่กับชั้นล่างของสังคมที่เป็นเจ้าของทาสเยาะเย้ยผู้ให้ยืมเงินและพ่อค้าที่ละโมบดังนั้นโดยนำเรื่องราวกรีกโบราณมาเป็นพื้นฐานเขาจึงเสริมด้วยเรื่องราวเกี่ยวกับชีวิตที่ยากลำบากของประชาชนทั่วไป ผลงานของเขามีเพลงและเรื่องตลกมากมาย ผู้เขียนได้รับความนิยมในหมู่คนรุ่นราวคราวเดียวกันและต่อมาก็มีอิทธิพลต่อละครยุโรป ดังนั้น โมลิแยร์จึงใช้หนังตลกชื่อดังเรื่อง “Treasure” เป็นพื้นฐานในการเขียนผลงานของเขาเรื่อง “The Miser”
เทอเรนซ์เป็นตัวแทนของคนรุ่นหลัง เขาไม่ได้มุ่งเน้นไปที่การแสดงออก แต่เจาะลึกลงไปในการอธิบายองค์ประกอบทางจิตวิทยาของตัวละครของตัวละคร และแก่นของเรื่องตลกคือความขัดแย้งในชีวิตประจำวันและครอบครัวระหว่างพ่อกับลูก ละครชื่อดังของเขาเรื่อง Brothers สะท้อนปัญหานี้ได้ชัดเจนที่สุด
นักเขียนบทละครอีกคนที่มีส่วนช่วยอย่างมากในการพัฒนาละครคือเซเนกา เขาเป็นครูสอนพิเศษของ Nero จักรพรรดิแห่งโรม และดำรงตำแหน่งสูงร่วมกับเขา โศกนาฏกรรมของนักเขียนบทละครมักจะพัฒนาขึ้นจากการแก้แค้นของตัวเอกซึ่งผลักดันให้เขาก่ออาชญากรรมร้ายแรง นักประวัติศาสตร์อธิบายเรื่องนี้ด้วยความโกรธแค้นนองเลือดที่เกิดขึ้นในเวลานั้นในพระราชวังอิมพีเรียล Medea ของเซเนกามีอิทธิพลต่อโรงละครยุโรปตะวันตกในเวลาต่อมา แต่ไม่เหมือนกับ Medea ของ Euripides ตรงที่ราชินีเป็นตัวแทน ตัวละครเชิงลบกระหายการแก้แค้นและไม่ต้องกังวลใดๆ
ในยุคจักรวรรดิโศกนาฏกรรมจะถูกแทนที่ด้วยประเภทอื่น - ละครใบ้ นี่คือการเต้นรำพร้อมดนตรีและการร้องเพลง โดยปกติจะแสดงโดยนักแสดงคนหนึ่งโดยมีเทปปิดปาก แต่ที่ได้รับความนิยมมากกว่านั้นคือการแสดงละครสัตว์ในอัฒจันทร์ - การต่อสู้ของนักสู้กลาดิเอเตอร์และการแข่งขันรถม้าซึ่งนำไปสู่ความเสื่อมถอยทางศีลธรรมและการล่มสลายของจักรวรรดิโรมัน นับเป็นครั้งแรกที่นักเขียนบทละครนำเสนอต่อผู้ชมอย่างใกล้ชิดที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ว่าละครคืออะไร แต่โรงละครถูกทำลาย และละครก็ฟื้นขึ้นมาอีกครั้งหลังจากหยุดการพัฒนาไปครึ่งสหัสวรรษเท่านั้น
ละครพิธีกรรม
หลังจากการล่มสลายของจักรวรรดิโรมัน ละครก็ฟื้นขึ้นมาอีกครั้งในศตวรรษที่ 9 เท่านั้น พิธีกรรมของคริสตจักรและคำอธิษฐาน คริสตจักรเพื่อดึงดูดให้มากที่สุด ผู้คนมากขึ้นเพื่อนมัสการและควบคุมมวลชนผ่านการนมัสการพระเจ้า แนะนำผลงานเล็กๆ น้อยๆ ที่น่าตื่นเต้น เช่น การฟื้นคืนพระชนม์ของพระเยซูคริสต์ หรือเรื่องราวอื่นๆ ในพระคัมภีร์ นี่คือวิธีที่ละครพิธีกรรมพัฒนาขึ้น
อย่างไรก็ตาม ผู้คนมารวมตัวกันเพื่อการแสดงและถูกเบี่ยงเบนความสนใจจากการบริการ อันเป็นผลมาจากละครกึ่งพิธีกรรมเกิดขึ้น - การแสดงถูกย้ายไปที่ระเบียง และเรื่องราวในชีวิตประจำวันเริ่มถูกนำมาใช้เป็นพื้นฐาน โดยอิงจากเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิลที่ แก่ผู้ฟังได้เข้าใจมากขึ้น
การฟื้นตัวของละครในยุโรป
ละครได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในศตวรรษที่ 14-16 โดยกลับคืนสู่คุณค่าของวัฒนธรรมโบราณ เรื่องราวจากตำนานกรีกและโรมันโบราณเป็นแรงบันดาลใจให้กับนักเขียนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
ในอิตาลีที่โรงละครเริ่มฟื้นขึ้นมามีแนวทางการผลิตละครเวทีแบบมืออาชีพปรากฏขึ้นประเภทดนตรีเช่นโอเปร่าถูกสร้างขึ้นตลกขบขันโศกนาฏกรรมและอภิบาลได้รับการฟื้นฟู - ประเภทของละคร ธีมหลักซึ่งเป็น ชีวิตในชนบท. ความขบขันในการพัฒนาให้สองทิศทาง:
- หนังตลกเชิงวิชาการที่มุ่งเป้าไปที่กลุ่มคนที่มีการศึกษา
- การแสดงตลกข้างถนน - โรงละครสวมหน้ากากด้นสด
ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของละครอิตาลี ได้แก่ Angelo Beolco ("Coquette", "Comedy without a title"), Giangiorgio Trissino ("Sofonisba") และ Lodovico Ariosto ("Comedy of the Chest", "Orlando Furious")
ละครอังกฤษกำลังเสริมความแข็งแกร่งให้กับจุดยืนของโรงละครแห่งความสมจริง ตำนานและความลึกลับถูกแทนที่ด้วยความเข้าใจชีวิตทางสังคมและปรัชญา ผู้ก่อตั้งละครเรเนซองส์ถือเป็นนักเขียนบทละครชาวอังกฤษ Christopher Marlowe (“ Tamerlane”, “ The Tragic History of Doctor Faustus”) โรงละครแห่งความสมจริงได้รับการพัฒนาภายใต้ William Shakespeare ผู้สนับสนุนแนวคิดมนุษยนิยมในผลงานของเขา - "Romeo and Juliet", "King Lear", "Othello", "Hamlet" ผู้เขียนในเวลานี้ฟังความปรารถนาของคนทั่วไปและวีรบุรุษคนโปรดของบทละครคือคนธรรมดาผู้ให้ยืมเงินนักรบและโสเภณีตลอดจนวีรสตรีผู้ถ่อมตัวที่เสียสละตนเอง ตัวละครปรับให้เข้ากับโครงเรื่องซึ่งสื่อถึงความเป็นจริงในยุคนั้น
ช่วงเวลาของศตวรรษที่ 17-18 แสดงให้เห็นโดยการแสดงละครของยุคบาโรกและคลาสสิก มนุษยนิยมในขณะที่ทิศทางจางหายไปในพื้นหลัง และฮีโร่ก็รู้สึกหลงทาง แนวคิดแบบบาโรกแยกพระเจ้าและมนุษย์ออกจากกัน นั่นคือ บัดนี้มนุษย์เองถูกทิ้งให้มีอิทธิพลต่อชะตากรรมของตนเอง ทิศทางหลักของการแสดงละครสไตล์บาโรกคือกิริยาท่าทาง (ความไม่เที่ยงของโลกและตำแหน่งที่ไม่มั่นคงของมนุษย์) ซึ่งมีอยู่ในละคร "Fuente Ovejuna" และ "The Star of Seville" โดย Lope de Vega และผลงานของ Tirso de Molina - "ผู้ยั่วยวนแห่งเซบียา", "มาร์ธาผู้เคร่งศาสนา"
ลัทธิคลาสสิกเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับยุคบาโรก โดยหลักๆ อยู่ที่ว่ามันมีพื้นฐานมาจากความสมจริง ประเภทหลักคือโศกนาฏกรรม ธีมโปรดในผลงานของ Pierre Corneille, Jean Racine และ Jean-Baptiste Moliere คือความขัดแย้งทางผลประโยชน์ความรู้สึกและหน้าที่ส่วนบุคคลและทางแพ่ง การให้บริการของรัฐถือเป็นเป้าหมายอันสูงส่งสูงสุดสำหรับบุคคล โศกนาฏกรรม "The Cid" นำความสำเร็จมหาศาลมาสู่ Pierre Corneille และบทละครสองเรื่องของ Jean Racine "Alexander the Great" และ "Thebaid หรือ the Enemy Brothers" เขียนและจัดแสดงตามคำแนะนำของ Moliere
โมลิแยร์เป็นนักเขียนบทละครที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุคนั้น และอยู่ภายใต้การอุปถัมภ์ของผู้ครองราชย์ และทิ้งบทละครไว้ 32 เรื่องที่เขียนมากที่สุด ประเภทที่แตกต่างกัน. สิ่งที่สำคัญที่สุดคือ "คนบ้า" "หมอหลงรัก" และ "คนไข้ในจินตนาการ"
ในช่วงการตรัสรู้ มีการพัฒนาการเคลื่อนไหวสามแบบ ได้แก่ ลัทธิคลาสสิก ลัทธิอารมณ์อ่อนไหว และโรโกโก ซึ่งมีอิทธิพลต่อละครของอังกฤษ ฝรั่งเศส เยอรมนี และอิตาลีในศตวรรษที่ 18 ความอยุติธรรมของโลกที่มีต่อคนธรรมดากลายเป็นประเด็นสำคัญของนักเขียนบทละคร ชนชั้นสูงอยู่ร่วมกับคนธรรมดาทั่วไป “โรงละครแห่งการรู้แจ้ง” ปลดปล่อยผู้คนจากอคติที่จัดตั้งขึ้น และไม่เพียงแต่กลายเป็นความบันเทิงเท่านั้น แต่ยังเป็นโรงเรียนแห่งคุณธรรมสำหรับพวกเขาด้วย ละครชนชั้นกลางกำลังได้รับความนิยม (George Lylo "The Merchant of London" และ Edward Moore "The Gambler") ซึ่งเน้นย้ำถึงปัญหาของชนชั้นกระฎุมพี โดยพิจารณาว่าปัญหาเหล่านี้มีความสำคัญพอๆ กับปัญหาของราชวงศ์
ละครแนวกอทิกถูกนำเสนอเป็นครั้งแรกโดย John Gom ในโศกนาฏกรรมเรื่อง "Douglas" และ "Fatal Discovery" ซึ่งมีธีมเกี่ยวกับครอบครัวและธรรมชาติในชีวิตประจำวัน ละครฝรั่งเศสนำเสนอในระดับที่มากขึ้นโดยกวี นักประวัติศาสตร์ และนักประชาสัมพันธ์ ฟรองซัวส์ วอลแตร์ (“Oedipus”, “The Death of Caesar”, “The Prodigal Son”) John Gay (The Beggar's Opera) และ Bertolt Brecht (The Threepenny Opera) เปิดทิศทางใหม่สำหรับการแสดงตลก - มีคุณธรรมและสมจริง และเฮนรี ฟิลดิงมักวิพากษ์วิจารณ์ระบบการเมืองของอังกฤษผ่านภาพยนตร์ตลกเสียดสี (Love in Different Masks, The Coffee House Politician), การแสดงละครล้อเลียน (Pasquin), เรื่องตลกขบขันและโอเปร่าบัลลาด (The Lottery, The Scheming Maid) หลังจากนั้นกฎหมายว่าด้วย มีการแนะนำการเซ็นเซอร์การแสดงละคร
เนื่องจากเยอรมนีเป็นผู้ก่อตั้งแนวโรแมนติก ละครเยอรมันจึงได้รับ การพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 18 และ 19 ตัวละครหลักของผลงานคือบุคลิกภาพที่มีพรสวรรค์เชิงสร้างสรรค์ในอุดมคติ ซึ่งตรงกันข้ามกับโลกแห่งความเป็นจริง F. Schelling มีอิทธิพลอย่างมากต่อโลกทัศน์ของความรัก ต่อมา Gotthald Lessing ได้ตีพิมพ์ผลงานของเขาเรื่อง “Hamburg Drama” ซึ่งเขาวิจารณ์ลัทธิคลาสสิกและส่งเสริมแนวคิดเกี่ยวกับความสมจริงทางการศึกษาของเช็คสเปียร์ Johann Goethe และ Friedrich Schiller สร้างโรงละคร Weimar และปรับปรุงโรงเรียน นาฏศิลป์. ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของละครเยอรมัน ได้แก่ ไฮน์ริช ฟอน ไคลสต์ (“The Schroffenstein Family,” “Prince Friedrich of Homburg”) และโยฮันน์ ลุดวิก เทียค (“Puss in Boots,” “The World Inside Out”)
การเพิ่มขึ้นของละครในรัสเซีย
ละครรัสเซียเริ่มพัฒนาอย่างแข็งขันในศตวรรษที่ 18 ภายใต้ตัวแทนของลัทธิคลาสสิก - A. P. Sumarokov เรียกว่า "บิดาแห่งโรงละครรัสเซีย" ซึ่งมีโศกนาฏกรรม ("สัตว์ประหลาด", "นาร์ซิสซัส", "ผู้พิทักษ์", "สามีซึ่งภรรยามีชู้โดยจินตนาการ" ) มุ่งเน้นไปที่งานของ Moliere แต่ในศตวรรษที่ 19 การเคลื่อนไหวนี้มีบทบาทสำคัญในประวัติศาสตร์วัฒนธรรม
หลายประเภทที่พัฒนาขึ้นในละครรัสเซีย สิ่งเหล่านี้เป็นโศกนาฏกรรมของ V. A. Ozerov (“ Yaropolk และ Oleg”, “ Oedipus in Athens”, “ Dimitri Donskoy”) ซึ่งสะท้อนถึงปัญหาทางสังคมและการเมืองที่เกี่ยวข้องในช่วงสงครามนโปเลียน, ตลกเสียดสีโดย I. Krylov (“ Mad Family”, “ The Coffee Shop") และละครให้ความรู้โดย A. Griboedov (“ Woe from Wit”), N. Gogol (“ The Inspector General”) และ A. Pushkin (“ Boris Godunov,” “ Feast in the Time of Plague”)
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ความสมจริงได้กำหนดจุดยืนในละครรัสเซียอย่างมั่นคง และ A. Ostrovsky กลายเป็นนักเขียนบทละครที่โดดเด่นที่สุดในเทรนด์นี้ ผลงานของเขาประกอบด้วยละครประวัติศาสตร์ ("The Governor") ละคร ("The Thunderstorm") ตลกเสียดสี ("Wolves and Sheep") และเทพนิยาย ตัวละครหลักของผลงานคือนักผจญภัย พ่อค้า และนักแสดงประจำจังหวัดผู้รอบรู้
คุณสมบัติของทิศทางใหม่
ช่วงเวลาตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 ถึงศตวรรษที่ 20 ทำให้เรารู้จักกับละครเรื่องใหม่ ซึ่งเป็นการแสดงละครที่เป็นธรรมชาติ นักเขียนในยุคนี้พยายามถ่ายทอดชีวิต "จริง" โดยแสดงให้เห็นแง่มุมที่ไม่น่าดูที่สุดของชีวิตของผู้คนในยุคนั้น การกระทำของบุคคลนั้นไม่เพียงแต่ถูกกำหนดโดยความเชื่อภายในของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสถานการณ์โดยรอบที่มีอิทธิพลต่อพวกเขาด้วย ดังนั้นตัวละครหลักของงานจึงอาจไม่ใช่แค่คนๆ เดียวเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทั้งครอบครัวหรือปัญหาหรือเหตุการณ์ที่แยกจากกันอีกด้วย
ละครเรื่องใหม่นี้แสดงถึงความเคลื่อนไหวทางวรรณกรรมหลายเรื่อง พวกเขาทั้งหมดรวมกันเป็นหนึ่งเดียวกันโดยความสนใจของนักเขียนบทละครต่อสภาพจิตใจของตัวละคร การแสดงความเป็นจริงที่เป็นไปได้ และการอธิบายการกระทำของมนุษย์ทั้งหมดจากมุมมองของวิทยาศาสตร์ธรรมชาติ Henrik Ibsen เป็นผู้ก่อตั้งละครเรื่องใหม่และอิทธิพลของธรรมชาตินิยมปรากฏชัดเจนที่สุดในละครเรื่อง "Ghosts" ของเขา
ในวัฒนธรรมการแสดงละครของศตวรรษที่ 20 ทิศทางหลัก 4 ประการเริ่มพัฒนา ได้แก่ สัญลักษณ์นิยมการแสดงออก ดาดา และสถิตยศาสตร์ ผู้ก่อตั้งทิศทางเหล่านี้ในละครต่างก็รวมตัวกันโดยการปฏิเสธวัฒนธรรมดั้งเดิมและการค้นหาวิธีการแสดงออกแบบใหม่ Maeterlinck (“The Blind,” “Joan of Arc”) และ Hofmannsthal (“The Fool and Death”) ในฐานะตัวแทนของสัญลักษณ์ ใช้ความตายและบทบาทของมนุษย์ในสังคมเป็นธีมหลักในละครของพวกเขา และ Hugo Ball เป็นตัวแทนของละคร Dadaist เน้นย้ำความไร้ความหมายของการดำรงอยู่ของมนุษย์และการปฏิเสธความเชื่อทั้งหมดโดยสิ้นเชิง สถิตยศาสตร์มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ Andre Breton (“ Please”) ซึ่งฮีโร่มีลักษณะเป็นบทสนทนาที่ไม่สอดคล้องกันและการทำลายล้างตนเอง ละครแนว Expressionist สืบทอดความโรแมนติกโดยที่ตัวละครหลักเผชิญหน้ากับคนทั้งโลก ผู้แทน ทิศทางนี้ในละคร ได้แก่ Han Jost (“Young Man”, “The Hermit”), Arnolt Bronnen (“Revolt Against God”) และ Frank Wedekind (“Pandora’s Box”)
ละครร่วมสมัย
ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 20-21 วงการละครสมัยใหม่สูญเสียตำแหน่งที่ประสบความสำเร็จและเข้าสู่สถานะแห่งการค้นหาแนวเพลงและวิธีการแสดงออกใหม่ๆ ทิศทางของลัทธิอัตถิภาวนิยมก่อตัวขึ้นในรัสเซีย และจากนั้นก็พัฒนาขึ้นในเยอรมนีและฝรั่งเศส
Jean-Paul Sartre ในละครของเขา ("Behind Closed Doors", "Flies") และนักเขียนบทละครคนอื่น ๆ เลือกให้เป็นฮีโร่ในผลงานของพวกเขาเป็นคนที่คิดอยู่ตลอดเวลาว่าจะใช้ชีวิตอย่างไร้ความคิด ความกลัวนี้ทำให้เขาคิดถึงความไม่สมบูรณ์ของโลกรอบตัวเขาและเปลี่ยนแปลงมัน
ภายใต้อิทธิพลของ Franz Kafka โรงละครแห่งความไร้สาระเกิดขึ้นซึ่งปฏิเสธตัวละครที่สมจริงและผลงานของนักเขียนบทละครเขียนในรูปแบบของบทสนทนาซ้ำ ๆ ความไม่สอดคล้องกันของการกระทำและการไม่มีความสัมพันธ์ระหว่างเหตุและผล ละครรัสเซียเลือกคุณค่าของมนุษย์สากลเป็นประเด็นหลัก เธอปกป้องอุดมคติของมนุษย์และมุ่งมั่นเพื่อความงาม
การพัฒนาละครในวรรณคดีมีความสัมพันธ์โดยตรงกับเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ในโลก นักเขียนบทละคร ประเทศต่างๆภายใต้ความประทับใจของปัญหาสังคม - การเมืองพวกเขามักจะเป็นผู้นำกระแสทางศิลปะและมีอิทธิพลต่อมวลชน ยุครุ่งเรืองของละครกลับมาในยุคของจักรวรรดิโรมัน อียิปต์โบราณ และกรีซ ในระหว่างการพัฒนาซึ่งรูปแบบและองค์ประกอบของละครเปลี่ยนไป และธีมของงานก็นำปัญหาใหม่มาสู่โครงเรื่องหรือกลับไปสู่ยุคเก่า ปัญหาจากสมัยโบราณ และถ้านักเขียนบทละครแห่งสหัสวรรษแรกให้ความสนใจกับการแสดงออกของคำพูดและลักษณะของฮีโร่ซึ่งแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในผลงานของนักเขียนบทละครในยุคนั้น - เช็คสเปียร์จากนั้นจึงเป็นตัวแทน ทิศทางที่ทันสมัยเสริมสร้างบทบาทของบรรยากาศและเนื้อหาย่อยในงานของพวกเขา จากที่กล่าวมาข้างต้น เราสามารถให้คำตอบที่สามสำหรับคำถามได้ ละครคืออะไร? ผลงานเหล่านี้เป็นผลงานละครที่รวมเป็นหนึ่งเดียวจากยุค ประเทศ หรือนักเขียน
แน่นอนว่ารูปแบบศิลปะการละครประเภทแรกคือโรงละครซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากการแสดงละครที่เก่าแก่ที่สุดซึ่งประกอบเป็นหนึ่งในองค์ประกอบหลักของเทศกาลเพื่อเป็นเกียรติแก่เทพเจ้าไดโอนีซัส (ศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช) ที่นั่น triune chorea - ดนตรี การร้องและการเต้นรำ เชื่อมต่อแล้ว ด้วยบทกวีมหากาพย์ ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของการเกิดขึ้นของละคร ซึ่งเป็นรูปแบบศิลปะที่สะท้อนความเป็นจริงผ่านการแสดงละครโดยการแสดงของนักแสดงต่อหน้าผู้ชม ลักษณะที่กระตือรือร้นของโรงละครสะท้อนให้เห็นในละคร
ละคร(จากละครกรีก - แอ็คชั่น) - ในความหมายที่กว้างที่สุดของคำคือประเภทวรรณกรรม (รวมถึงบทกวีมหากาพย์และบทกวี) ซึ่งเป็นตัวแทนของ การกระทำ ซึ่งเปิดเผยในอวกาศและเวลาผ่านคำพูดโดยตรงของตัวละคร - บทพูดคนเดียวและบทสนทนา ถ้า งานมหากาพย์อาศัยคลังแสงของเทคนิคและวิธีการในการพัฒนาชีวิตทางวาจาและศิลปะอย่างอิสระจากนั้นละคร "ผ่าน" วิธีเหล่านี้ผ่านการกรองข้อกำหนดของเวที
ในฐานะที่เป็นศิลปะการใช้วาจาชนิดหนึ่งที่มีจุดประสงค์เพื่อการแสดงละคร ละครได้รับการพิจารณามาตั้งแต่สมัยของเพลโตและอริสโตเติล ผู้ซึ่งตั้งข้อสังเกตไว้ในกวีนิพนธ์ว่า “นักเขียนสามารถใช้คำอธิบายได้สามเส้นทาง - ในเวลาเดียวกันก็กลายเป็นสิ่งที่ไม่เกี่ยวข้อง ดังที่โฮเมอร์ทำ หรือจากใบหน้าของคุณเองโดยไม่ต้องแทนที่ตัวเองด้วยคนอื่นหรือวาดภาพทุกคน ถูกต้องและแสดงพลังของพวกเขาออกมา”
จุดประสงค์ของละครเวทีถูกกำหนดไว้แล้ว สัญญาณเฉพาะ:
1. ผู้บรรยายขาดคำพูด ยกเว้นคำพูดของผู้เขียน บทพูดและบทสนทนาปรากฏในละครเป็นข้อความที่มีนัยสำคัญอย่างชัดแจ้ง พวกเขาแจ้งให้ผู้อ่านและผู้ชมทราบเกี่ยวกับฉากภายนอกของการกระทำและเหตุการณ์ที่ไม่ได้แสดงโดยตรง รวมถึงเกี่ยวกับแรงจูงใจของพฤติกรรมของตัวละคร
2. การกำเนิดของผลงานละครสองครั้ง: "ที่โต๊ะ" เป็นงานวรรณกรรมของนักเขียนบทละครและบนเวทีในฐานะผู้กำกับซึ่งเป็นศูนย์รวมของละครเวที ผลงานละครประกอบด้วยการตีความบนเวทีอย่างไม่จำกัด การแปลบทละครทั้งทางวาจาและงานเขียนให้กลายเป็นงานที่งดงามและเป็นเวทีหนึ่งต้องอาศัยการคลี่คลายความหมายและข้อความย่อยของละคร นักเขียนบทละครเชิญชวนผู้กำกับและนักแสดงให้สร้างบทละครในเวอร์ชันของตนเอง V.G. Belinsky ตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้องว่ากวีนิพนธ์ดราม่าจะไม่สมบูรณ์หากไม่มี ศิลปะการแสดง“การที่จะเข้าใจใบหน้าอย่างถ่องแท้นั้นไม่เพียงพอที่จะรู้ว่ามันทำ คำพูด และความรู้สึกอย่างไร เราต้องเห็นและได้ยินว่ามันทำ คำพูด และรู้สึกอย่างไร”
3. แอ็คชั่นเป็นพื้นฐานของละคร นักประพันธ์ชาวอังกฤษ อี. ฟอร์สเตอร์ ตั้งข้อสังเกตว่า “ในละคร ความสุขและความโชคร้ายของมนุษย์จะต้องรับเอารูปแบบของการกระทำ และแน่นอนว่าต้องรับเอารูปแบบของการกระทำด้วย หากไม่มีการแสดงออกผ่านการกระทำ มันก็จะไม่มีใครสังเกตเห็น และนี่คือความแตกต่างที่ยิ่งใหญ่ระหว่างละครและนวนิยาย” มันเป็นแนวการกระทำทางวาจาที่ต่อเนื่องของตัวละครที่ทำให้ละครแตกต่างจากมหากาพย์ด้วยการสำรวจอวกาศและเวลาโดยธรรมชาติ (มหากาพย์) ดราม่าเป็นการกระทำต่อเนื่องที่ได้รับมอบอำนาจซึ่งเกิดขึ้นจริงในโครงเรื่อง
4. การมีอยู่ของความขัดแย้งเป็นองค์ประกอบบังคับของการกระทำที่น่าทึ่ง เรื่อง ความรู้ทางศิลปะในละครมีสถานการณ์ที่เกี่ยวข้องกับความขัดแย้งทั้งภายนอกและภายใน ซึ่งกำหนดให้บุคคลต้องดำเนินการใดๆ ทั้งทางอารมณ์ สติปัญญา และเหนือสิ่งอื่นใดคือกิจกรรมตามเจตนารมณ์ ความขัดแย้งไม่ได้มีแค่ในละครเท่านั้น แทรกซึมไปทั้งงานและรองรับทุกตอน
กล่าวอีกนัยหนึ่ง การไม่มีโอกาสอื่นนอกจากการชี้นำบนเวทีที่จะพูด "ในนามของตนเอง" นักเขียนบทละครเปลี่ยนจุดศูนย์ถ่วงไปสู่การพรรณนาถึงกระบวนการของการกระทำ ทำให้ผู้ชม (หรือผู้อ่าน) เป็นพยานที่มีชีวิตถึงสิ่งที่เป็นอยู่ เกิดขึ้น: ตัวละครที่แสดงละครต้องแสดงลักษณะของตัวเองด้วยการกระทำ คำพูด กระตุ้นให้ผู้ชมเห็นอกเห็นใจหรือขุ่นเคือง เคารพหรือดูถูก ความวิตกกังวลหรือเสียงหัวเราะ ฯลฯ บทพูดและบทสนทนาในละครไม่ใช่ข้อความธรรมดา แต่เป็นการกระทำ
ตำแหน่งของนักเขียนบทละครนั้นแสดงออกมาในหลักการของการสร้างโครงเรื่องและลำดับของเหตุการณ์ โครงเรื่องเป็นภาพรายละเอียดของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในอวกาศและเวลาที่เกี่ยวข้องกับปฏิสัมพันธ์ระหว่างบุคคลกับโลกโดยรอบ ผลงานละครที่มีโครงเรื่องมุ่งมั่นในสถานการณ์ความขัดแย้งที่ตึงเครียด ความขัดแย้งในชีวิตของฮีโร่มักกระตุ้นเหตุการณ์ต่างๆ อยู่เสมอ และความขัดแย้งเหล่านี้ก็มีความรุนแรงอย่างมาก
ลักษณะของการคัดเลือกเหตุการณ์สำคัญเผยให้เห็นถึงความตั้งใจของผู้เขียนต่อผู้ชม ละครมีผลกระทบทางอารมณ์อย่างมากโดยเฉพาะหากจัดแสดงในโรงละคร (เกิดเป็นครั้งที่สอง) ซึ่งนักแสดงและงานศิลปะของพวกเขาทำให้ตัวละครละครมีรูปลักษณ์ของผู้คนที่ยังมีชีวิตอยู่ ชีวิตปรากฏต่อหน้าผู้ชม มีเพียงเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวทีเท่านั้นที่ไม่เกิดขึ้น แต่จะถูกเล่นออกไป
กล่าวอีกนัยหนึ่ง ละครที่มีจุดประสงค์เพื่อการผลิตบนเวทีเป็นหลัก โดยเข้าสู่การสังเคราะห์ด้วยศิลปะของนักแสดงและผู้กำกับ ได้รับความสามารถด้านภาพและการแสดงออกเพิ่มเติม ในเนื้อหาวรรณกรรมของละครนั้น การเน้นจะเน้นไปที่การกระทำของตัวละครและคำพูดของพวกเขา ดังนั้น ดราม่า ดังที่กล่าวไว้ข้างต้น มุ่งสู่โวหารที่โดดเด่นเช่นเดียวกับโครงเรื่อง เมื่อเปรียบเทียบกับมหากาพย์แล้ว ละครยังโดดเด่นด้วยระดับของรูปแบบทางศิลปะที่เพิ่มขึ้นซึ่งเกี่ยวข้องกับการแสดงละคร ประเพณีของละครประกอบด้วยคุณลักษณะต่างๆ เช่นภาพลวงตาของ "กำแพงที่สี่" คำพูด "ด้านข้าง" บทพูดของตัวละครตามลำพังกับตัวเองตลอดจนการแสดงละครที่เพิ่มขึ้นของคำพูดและพฤติกรรมท่าทางและใบหน้า
อย่างไรก็ตาม ลักษณะสำคัญของละครในฐานะประเภทวรรณกรรมก็คือมันเผยให้เห็นถึงความเป็นไปได้มหาศาลที่มีอยู่ในตัวละครสำหรับผลกระทบทางอารมณ์และสุนทรียศาสตร์ต่อผู้ชมเฉพาะในการสังเคราะห์ด้วยดนตรี ภาพ การออกแบบท่าเต้นและศิลปะประเภทอื่น ๆ เท่านั้น เป็นครั้งแรกที่อริสโตเติลใน "กวีนิพนธ์" ดึงความสนใจไปที่ธรรมชาติสังเคราะห์ของการแสดงละคร ซึ่งมาจากคำพูด การเคลื่อนไหว ลายเส้น สี จังหวะ และทำนอง
ดราม่าในความหมายแคบๆ ถือเป็นคำนำอย่างหนึ่ง ประเภท การแสดงละครซึ่งสร้างจากภาพชีวิตส่วนตัวของบุคคลและความลึกซึ้งทางจิตวิทยาของความขัดแย้งกับโลกภายนอกหรือกับตัวเขาเอง
แนววรรณกรรมมีลักษณะละครอย่างไร? ความหลากหลายของประเภทจากเกมพิธีกรรมและเพลงเพื่อเป็นเกียรติแก่ Dionysus มีประเภทละครทั่วไป 3 ประเภทที่เติบโตขึ้น: โศกนาฏกรรม ตลก และละครเทพารักษ์ ซึ่งตั้งชื่อตามคณะนักร้องประสานเสียงที่ประกอบด้วยเทพารักษ์ - สหายของ Dionysus โศกนาฏกรรมสะท้อนถึงด้านที่จริงจังของลัทธิไดโอนิเซียน การแสดงตลกสะท้อนถึงด้านงานรื่นเริง และละครเทพปกรณัมเป็นตัวแทนของแนวกลาง
ประเภท หมายถึง ความหลากหลายเฉพาะในรูปแบบศิลปะเฉพาะ ซึ่งกำหนดโดยการตีความทางอุดมการณ์และอารมณ์ของวัตถุชีวิตโดยใช้เทคนิคเฉพาะ ศูนย์รวมทางศิลปะ. ประเภทในฐานะหมวดหมู่สุนทรียศาสตร์กลายเป็นอุปกรณ์เคลื่อนที่และเปลี่ยนแปลงได้อย่างมากเนื่องจากการพัฒนาแบบไดนามิกของสังคมทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงในระบบการวางแนวคุณค่าและความสัมพันธ์ของมนุษย์ ในทางกลับกัน ผู้เขียนจะต้องค้นหาวิธีการและรูปแบบใหม่ๆ ของความรู้ด้านสุนทรียภาพเกี่ยวกับความเป็นจริงและการสะท้อนความเป็นจริงในภาพศิลปะ
เนื่องจากเป็นองค์ประกอบของรูปแบบทางศิลปะ แนวเพลงจึงเป็นช่องทางหนึ่งในการเปิดเผยเนื้อหา ดังนั้น เราจึงสามารถหัวเราะเยาะปรากฏการณ์เดียวกันในชีวิตได้อย่างง่ายดาย สนุกสนาน (ตลกขำขัน) หรือหัวเราะอย่างชั่วร้าย ประชดประชัน (ตลกเสียดสี) นักทฤษฎีและผู้ปฏิบัติงานด้านศิลปะสังเกตมานานแล้วว่าความไม่แน่นอนและความคลุมเครือของแนวเพลงส่วนใหญ่มักนำไปสู่ความไม่แน่นอนในความตั้งใจของผู้เขียน ความไม่แน่นอนนี้ทำให้งานละครไม่สมบูรณ์ทางศิลปะ และสุดท้าย มันคือประเภทที่กำหนดประเภทของความขัดแย้งในชีวิตที่จำลองมาจากความขัดแย้งอันน่าทึ่งของงานชิ้นหนึ่งโดยเฉพาะ
นักเขียนบทละครสมัยใหม่พวกเขามุ่งมั่นในการแสดงประเภทที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ดังนั้นจึงเป็นไปไม่ได้ที่จะพิจารณาความหลากหลายของละครสมัยใหม่อย่างกว้างๆ อย่างไรก็ตาม เห็นได้ชัดว่าโศกนาฏกรรมแสดงให้เห็นถึงความมั่นคงประเภทเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เนื่องจากหัวข้อของการพรรณนาไม่ใช่ความเป็นจริงที่เฉพาะเจาะจงในความหลากหลายทั้งหมด แต่ ปัญหาทั่วไปความดำรงอยู่ ศีลธรรม ที่สำคัญต่อมนุษยชาติทุกยุคสมัย วันนี้ก็มี
นอกจากนี้ยังมีแนวโน้มที่จะรวมแนวเพลงที่ตรงกันข้ามเข้าด้วยกัน (โศกนาฏกรรม โศกนาฏกรรม ฯลฯ) เช่นเดียวกับความเจริญรุ่งเรืองของแนวละครสังเคราะห์ เช่น ละครเพลง
ความสนใจอย่างใกล้ชิดในด้านเนื้อหาของแนวคิดเรื่อง "ประเภท" เกิดจากการที่ในละครของโปรแกรมวัฒนธรรมและการพักผ่อนหย่อนใจนั้นสอดคล้องกับแนวคิดของ "รูปแบบของโปรแกรมวัฒนธรรมและการพักผ่อน" ซึ่งจะกล่าวถึงใน ส่วนย่อยถัดไป
องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของโครงสร้างทางศิลปะของงานละครได้รับการระบุและแสดงลักษณะเฉพาะโดยอริสโตเติลในบทกวีของเขา นักคิดชาวกรีกโบราณวิเคราะห์และสรุปประสบการณ์ของละครโบราณ สรุปว่าโศกนาฏกรรมทุกครั้งควรมีองค์ประกอบหกประการ ได้แก่ โครงเรื่อง ตัวละคร ความคิด ฉากเวที ข้อความ และการประพันธ์ดนตรี ให้เราอธิบายแต่ละส่วนเหล่านี้โดยย่อ
นิทาน –หลักตามอริสโตเติลองค์ประกอบโครงสร้างของงานละคร ตามพล็อตอริสโตเติลเข้าใจ "องค์ประกอบของเหตุการณ์" "การรวมกันของเหตุการณ์" "การทำซ้ำของการกระทำ" โดยเน้นไปที่ความจริงที่ว่า "... ถ้ามีคนผสมผสานคำพูดที่มีลักษณะเฉพาะเข้ากับคำพูดและความคิดที่สวยงามเข้าด้วยกันอย่างกลมกลืนเขาจะไม่ บรรลุภารกิจแห่งโศกนาฏกรรม แต่โศกนาฏกรรมจะมาเยือนถึงแม้จะใช้ทั้งหมดนี้เพียงเล็กน้อย แต่จะมีโครงเรื่องและองค์ประกอบที่เหมาะสมของเหตุการณ์”
ปัจจุบันในการวิจารณ์ศิลปะ ควบคู่ไปกับแนวคิดเรื่อง "พล็อต" มีการใช้แนวคิดเรื่อง "พล็อต" ยิ่งไปกว่านั้น โครงเรื่อง การเคลื่อนไหวของโครงเรื่อง ที่เป็นแก่นแท้ของแอ็คชั่นดราม่าเรื่องเดียว เมื่อศึกษา "กวีนิพนธ์" ของอริสโตเติลอย่างรอบคอบแล้วคุณจะได้ข้อสรุปว่านักคิดชาวกรีกโบราณซึ่งเชื่อมโยงโครงเรื่องกับตัวละครอย่างแยกไม่ออกได้เปิดเผยหลักการสื่อสารไม่มากนักในฐานะวิธีการจัดระเบียบความสนใจของผู้ชม แต่ค่อนข้างกว้างและ ที่ลึกกว่านั้นคือหลักการรับรู้ ไม่ใช่แค่องค์ประกอบของเหตุการณ์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการวิเคราะห์และความเข้าใจด้วย ดังนั้นการใช้แนวคิดเรื่อง “โครงเรื่อง” และ “โครงเรื่อง” ในการเขียนบทภาพยนตร์ในปัจจุบันจึงให้นิยามไว้ดังนี้
นิทานเป็นรูปแบบที่ง่ายที่สุดในการจัดระเบียบเนื้อหาซึ่งเป็นองค์ประกอบของเหตุการณ์ในงานละครซึ่งโดดเด่นด้วยการกระทำที่หลากหลายและเป็น การสื่อสาร จุดเริ่มต้นของโครงสร้างทางศิลปะของงานนี้ ความจริงที่ว่าโครงเรื่องตระหนักถึงเป้าหมายในการสื่อสารนั้นได้รับการเปิดเผยอย่างชัดเจนจากโรงละครเอง ละครเวทีส่วนใหญ่มักมีโครงเรื่องมากเกินไปเสมอ ในแง่ศิลปะของเหตุการณ์ที่บานปลายและชะลอผลลัพธ์ลงไปจนถึงตอนจบ การแสดงออกที่มีชื่อเสียง“ละครที่ทำมาอย่างดี” หมายถึง ศิลปะแห่งการกระตุ้นการกระทำ และการรักษาความสงสัย โครงเรื่องเป็นโครงกระดูกของโครงเรื่อง ซึ่งเป็นแกนหลักในการพัฒนาเหตุการณ์ต่างๆ โครงเรื่องสื่อถึงกรอบพื้นฐานของเหตุการณ์เท่านั้น แต่ไม่ใช่แก่นแท้ของเหตุการณ์ มีเพียงโครงเรื่องเท่านั้นที่สามารถทำได้
โครงเรื่องเป็นรูปแบบและวิธีการวิเคราะห์เหตุการณ์ในงานละครซึ่งเป็นองค์ประกอบเชิงคุณภาพที่ซับซ้อนกว่าของงานนี้ เกี่ยวกับการศึกษา จุดเริ่มต้นของโครงสร้างทางศิลปะของเขา สาระสำคัญของการมีปฏิสัมพันธ์ระหว่างโครงเรื่องและโครงเรื่องก็คือเฉดสีเชิงความหมายแสดงออกในภาษาของการกระทำ
ตัวละคร.องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดประการที่สองของโศกนาฏกรรมตามความเห็นของอริสโตเติลคือ "การตัดสินใจของผู้คนปรากฏออกมา ดังนั้น สุนทรพจน์เหล่านั้นซึ่งไม่ชัดเจนว่าบุคคลที่มีชื่อเสียงชอบหรือหลีกเลี่ยงอะไร หรือไม่ได้ระบุไว้เลย สิ่งที่เขาชอบหรือหลีกเลี่ยงอย่าแสดงลักษณะนิสัย” สิ่งที่ผู้พูดหลีกเลี่ยง” สถานการณ์ที่น่าทึ่งสำหรับผู้แต่งละครคือโอกาสในการเปิดเผยแก่นแท้ของตัวละครของตัวละครของเขา เป็นตัวละครที่ตอบสนองต่อปัจจัยภายนอกและพล็อตเรื่อง อริสโตเติลกล่าวว่าฮีโร่จะต้องต่อต้านความจำเป็น ไม่เช่นนั้นเขาจะไม่ได้รับอิสรภาพ ชัยชนะแห่งอิสรภาพยังสามารถเชื่อมโยงกับการตายของฮีโร่และหากฮีโร่ชดใช้ความผิดของเขาต่อหน้าโชคชะตานี่ก็เป็นชัยชนะแห่งอิสรภาพเช่นกัน
ตัวละครของอริสโตเติลไม่เพียงแต่เป็นคุณสมบัติส่วนบุคคลโดยธรรมชาติและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวเท่านั้น แต่ยังรวมถึงคุณสมบัติทางศีลธรรมทั่วไปส่วนใหญ่ ทิศทางของเจตจำนงและแรงบันดาลใจของบุคคลด้วย บทกวีของละครต้องอาศัยความสามัคคี ความสงบ และความสมบูรณ์ของลักษณะนิสัยของตัวละคร
ความคิดหรือสติปัญญาในภาษาสมัยใหม่ นี่คือพื้นฐานด้านความหมายและสติปัญญาของละคร ตามความเห็นของอริสโตเติล “ความคิดคือความสามารถในการพูดที่เกี่ยวข้องและเหมาะสมกับสถานการณ์” และความคิดอันชาญฉลาดของตัวละครที่ทำให้ผู้ชมคิด ได้รับประสบการณ์ทางอารมณ์และสติปัญญาใหม่ๆ ผ่านทางความคุ้นเคยกับผลงานละคร ดราม่า “ฟีด” แนวเฉียบคมและกระฉับกระเฉง ลิขสิทธิ์ประสบการณ์แห่งความมั่งคั่งและในขณะเดียวกันธรรมชาติของการดำรงอยู่ก็ขัดแย้งกัน
การตั้งค่าเวที ข้อความ และการเรียบเรียงดนตรี - ตั้งแต่สมัยอริสโตเติลเป็นอย่างไร วิธีการแสดงออกในงานละครและการนำไปปฏิบัติบนเวที
เรามาดูเนื้อหาของแนวคิดเรื่อง "ละคร" กันดีกว่า
ละคร (จากละครกรีก - การประพันธ์) - ทฤษฎีและศิลปะของการสร้างงานละครซึ่งเป็นแนวคิดที่มีรูปทรงเป็นโครงเรื่อง กล่าวอีกนัยหนึ่ง ในความหมายกว้างๆ ละครเป็นโครงสร้างที่รอบคอบ จัดระเบียบและสร้างขึ้นเป็นพิเศษ องค์ประกอบวัสดุใดๆ ในความหมายที่แคบของคำนี้ การแสดงละครคืองานวรรณกรรมและงานละครใดๆ ก็ตามที่จำเป็นต้องมีการแสดงออกมาในรูปแบบศิลปะประเภทใดประเภทหนึ่ง ปัจจุบันนี้การแสดงนาฏศิลป์มี
· ละคร ซึ่งมีพื้นฐานด้านละครคือบทละคร
· ภาพยนตร์ซึ่งมีพื้นฐานมาจากงานวรรณกรรมและละครเช่นบทภาพยนตร์
· โทรทัศน์ที่มีบทโทรทัศน์เป็นผลงานละคร
· วิทยุ ซึ่งมีพื้นฐานมาจากละครวิทยุ
และสุดท้าย โปรแกรมวัฒนธรรมและการพักผ่อนเป็นรูปแบบศิลปะที่เป็นสากลที่สุดของการสร้างแบบจำลองความเป็นจริง โดยมีพื้นฐานที่น่าทึ่งคือบทภาพยนตร์ การเขียนบทละครมีลักษณะสังเคราะห์ที่ซับซ้อน และตามกฎแล้วถูกสร้างขึ้นผ่านการตัดต่อทางศิลปะ
คำถามทดสอบตัวเอง
1. ตั้งชื่อลักษณะเฉพาะของละครว่าเป็นประเภทวรรณกรรม
2. อธิบายแนวคิดเรื่อง “ประเภท” ในนาฏศิลป์
3. โครงเรื่องแตกต่างจากโครงเรื่องอย่างไร และมีบทบาทอย่างไรในโครงสร้างละคร?
4. อธิบายลักษณะองค์ประกอบหลักของโครงสร้างทางศิลปะของงานละครที่นำเสนอใน "บทกวี" ของอริสโตเติล
5. “ละคร” ในความหมายที่แคบและกว้างคืออะไร
วรรณกรรม
1. อัล, ดี.เอ็น.พื้นฐานของการละคร: หนังสือเรียน. เบี้ยเลี้ยง / D.N. อัล. – SPb.: SPbGUKI, 2004. – 280 หน้า
2. อริสโตเติลว่าด้วยศิลปะแห่งกวีนิพนธ์ / อริสโตเติล – อ.: ศิลปะ, 2504. – 220 น.
3. โบโกโมลอฟยุเอ ผู้ส่งสารแห่งรำพึง / Yu.A. Bogomolov – อ.: ศิลปะ, 2529. – 130 น.
4. โวลเคนชไตน์, วี.เอ็ม.ละคร / V.M.Volkenshtein – ม.: พ. นักเขียน, 1979. – 439 น.
5. โคสเตลยาเน็ตส์บีโอ บรรยายเรื่องทฤษฎีการละคร ละครและแอ็คชั่น / บี.โอ. โคสเตเลียเนต – ล.: ศิลปะ, 1976. – 218 น.
6. คาลิเซฟวี.อี. ละครเป็นวรรณกรรมประเภทหนึ่ง (บทกวี กำเนิด การทำงาน) / V.E.Khalizev – อ.: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยแห่งรัฐมอสโก, 2529 – 260 น.
7. เชเชติน AI. พื้นฐานของการละคร: หนังสือเรียน. เบี้ยเลี้ยง / A.I. Chechetin – อ.: MGUKI, 2004. – 148 น.
แนวคิดเชิงจินตนาการสำหรับงานดังกล่าว
ละครเรียกอีกอย่างว่าผลงานละครของนักเขียนแต่ละคน ประเทศ หรือผู้คนในยุคนั้น
ความเข้าใจในองค์ประกอบพื้นฐานของงานละครและหลักการของละครเป็นตัวแปรในอดีต ดราม่าถูกตีความว่าเป็นการกระทำที่เกิดขึ้น (และยังไม่เสร็จสิ้น) โดยมีปฏิสัมพันธ์ของตัวละครและตำแหน่งภายนอกของตัวละคร
การกระทำแสดงถึงการเปลี่ยนแปลงที่ทราบในช่วงเวลาหนึ่ง การเปลี่ยนแปลงในละครสอดคล้องกับการเปลี่ยนแปลงของโชคชะตา สนุกสนานในเรื่องตลก และเศร้าในโศกนาฏกรรม ระยะเวลาอาจยาวนานหลายชั่วโมง เช่น ในละครคลาสสิกของฝรั่งเศส หรือหลายปี เช่น ในเชกสเปียร์
YouTube สารานุกรม
-
1 / 5
ความจำเป็นด้านสุนทรียภาพนั้นขึ้นอยู่กับความเหนื่อยล้า ความสามัคคีของการกระทำประกอบด้วยช่วงเวลาที่ไม่เพียงแต่ติดตามกันตามเวลา (ตามลำดับเวลา) แต่ยังกำหนดกันและกันว่าเป็นเหตุและผล เฉพาะในกรณีหลังเท่านั้นที่ผู้ชมจะได้เห็นภาพลวงตาที่สมบูรณ์ของการกระทำที่เกิดขึ้นต่อหน้าต่อตาเขา ความสามัคคีของการกระทำ ซึ่งเป็นข้อกำหนดที่สำคัญที่สุดด้านสุนทรียศาสตร์ในละคร ไม่ได้ขัดแย้งกับตอนที่นำมาใช้ (เช่น เรื่องราวของ Max และ Tekla ใน "Wallenstein" ของ Schiller) หรือแม้แต่การกระทำคู่ขนาน เช่นเดียวกับละครแทรกเรื่องอื่นๆ โดยจะต้องสังเกตความสามัคคีของพวกเขา (เช่น เช็คสเปียร์มีละครในบ้านของกลอสเตอร์ถัดจากละครในบ้านของเลียร์)
ละครที่มีองก์เดียวเรียกว่าเรียบง่าย สององก์ขึ้นไปเรียกว่าซับซ้อน กลุ่มแรกประกอบด้วยกลุ่มภาษาฝรั่งเศสโบราณและ "คลาสสิก" เป็นหลักกลุ่มที่สองประกอบด้วยกลุ่มภาษาสเปนส่วนใหญ่ (โดยเฉพาะคอเมดี้ที่การกระทำของพวกขี้ข้าลอกเลียนแบบปรมาจารย์) และกลุ่มอังกฤษโดยเฉพาะในเช็คสเปียร์ ความต้องการสำหรับสิ่งที่เรียกว่า “ความสามัคคีของเวลาและสถานที่”ในละคร นั่นคือ:
1) ระยะเวลาจริงของการกระทำไม่ควรเกินระยะเวลาของการสืบพันธุ์บนเวทีหรือในกรณีใด ๆ ไม่ควรเกินหนึ่งวัน
2) การกระทำที่ปรากฎบนเวทีจะต้องเกิดขึ้นตลอดเวลาในที่เดียวกัน
ผลงานละครที่ผ่านไปหลายปีในระหว่างการแสดง (เช่นใน "The Winter's Tale" ของเช็คสเปียร์) หรือที่การกระทำถูกย้ายจากปราสาทไปยังทุ่งโล่ง ("Macbeth") ถือว่าผิดกฎหมายตามทฤษฎีนี้ เนื่องจากผู้ชมต้องถ่ายทอดผ่านช่วงเวลาสำคัญและพื้นที่อันกว้างใหญ่ อย่างไรก็ตาม ความสำเร็จของละครดังกล่าวได้พิสูจน์ให้เห็นว่าจินตนาการแม้ในกรณีเช่นนี้ ก็สามารถพาดพิงถึงการพาดพิงได้อย่างง่ายดาย หากมีเพียงแรงจูงใจทางจิตวิทยาในการกระทำและตัวละครของตัวละครเท่านั้นที่ยังคงอยู่ และยังสอดคล้องกับเงื่อนไขภายนอกด้วย
ธรรมชาติและเงื่อนไข
ปัจจัยสองประการสุดท้ายถือได้ว่าเป็นกลไกหลักของการดำเนินการที่กำลังดำเนินการ ในนั้น เหตุผลเหล่านั้นที่ทำให้ผู้ชมมีโอกาสคาดเดาเกี่ยวกับผลลัพธ์ที่คาดหวังนั้นยังคงให้ความสนใจอย่างมาก การบังคับให้ตัวละครแสดงและพูดในทางใดทางหนึ่ง ถือเป็นชะตากรรมอันน่าทึ่งของ "ฮีโร่" หากคุณทำลายการเชื่อมโยงเชิงสาเหตุในแต่ละช่วงเวลาของการกระทำ ความสนใจจะถูกแทนที่ด้วยความอยากรู้อยากเห็นธรรมดาๆ และสถานที่แห่งโชคชะตาจะถูกยึดครองโดยความตั้งใจและความเด็ดขาด ทั้งสองเรื่องไม่มีดราม่าพอๆ กัน แม้ว่าจะยังสามารถยอมรับได้ในภาพยนตร์ตลกก็ตาม เนื้อหาตามที่อริสโตเติลกล่าวไว้ ควรแสดงถึง "ความไม่ลงรอยกันที่ไม่เป็นอันตราย" โศกนาฏกรรมที่ความสัมพันธ์เชิงสาเหตุระหว่างการกระทำและโชคชะตาถูกทำลาย กลายเป็นภาพแห่งความโหดร้ายที่ไร้สาเหตุและไร้เหตุผล ตัวอย่างเช่นในวรรณคดีละครเยอรมันที่เรียกว่า โศกนาฏกรรมแห่งโชคชะตา (Schicksalstragödien โดย Müllner, Werner ฯลฯ ) เนื่องจากการกระทำดำเนินจากเหตุไปสู่ผลที่ตามมา (ก้าวหน้า) ดังนั้นในตอนเริ่มต้นของบทสนทนาจึงมีการกำหนดสิ่งแรกไว้เนื่องจากถูกกำหนดไว้ในตัวละครของตัวละครและในตำแหน่งของพวกเขา (การแสดงออก การอธิบาย); ผลที่ตามมาสุดท้าย (ข้อไขเค้าความเรื่อง) จะกระจุกตัวอยู่ที่จุดสิ้นสุดของ D. (ภัยพิบัติ) ช่วงเวลาตรงกลางที่การเปลี่ยนแปลงเกิดขึ้นดีขึ้นหรือแย่ลงเรียกว่า peripeteia ทั้งสามส่วนนี้จำเป็นในแต่ละกระทง จะกำหนดเป็นภาคพิเศษก็ได้ (กรรมหรือกรรม) หรือยืนเคียงข้างกันแยกจากกันไม่ได้ (กรรมเดียว) ระหว่างการกระทำเหล่านั้น เมื่อการกระทำขยายออกไป การกระทำเพิ่มเติมจะถูกนำเสนอ (โดยปกติจะเป็นเลขคี่ ซึ่งส่วนใหญ่มักจะเป็น 5; ในกฎหมายอินเดีย มากกว่านั้นในภาษาจีนมากถึง 21) แอ็กชันมีความซับซ้อนเนื่องจากองค์ประกอบที่ทำให้ช้าลงและเร่งความเร็ว เพื่อให้ได้ภาพลวงตาที่สมบูรณ์ การกระทำจะต้องทำซ้ำโดยเฉพาะ (ในการแสดงละคร) และขึ้นอยู่กับผู้เขียนว่าจะปฏิบัติตามข้อกำหนดข้อใดข้อหนึ่งของธุรกิจการแสดงละครร่วมสมัยหรือไม่ เมื่อมีการพรรณนาเงื่อนไขทางวัฒนธรรมพิเศษในรูปแบบ D. - เช่น ในประวัติศาสตร์ D. - จำเป็นต้องสร้างสภาพแวดล้อม เสื้อผ้า ฯลฯ ขึ้นมาใหม่อย่างถูกต้องที่สุด
ประเภทของละคร
ประเภทของ ง. จำแนกตามรูปแบบหรือตามเนื้อหา (โครงเรื่อง) ในกรณีแรก นักทฤษฎีชาวเยอรมันแยกแยะระหว่างลักษณะนิสัยและสถานการณ์ ขึ้นอยู่กับวิธีการอธิบายสุนทรพจน์และการกระทำของวีรบุรุษ ไม่ว่าสภาพภายใน (ตัวละคร) หรือภายนอก (โอกาส, โชคชะตา) หมวดหมู่แรกเป็นของสิ่งที่เรียกว่า D. สมัยใหม่ (เช็คสเปียร์และผู้ลอกเลียนแบบของเขา) ถึงคนที่สอง - สิ่งที่เรียกว่า โบราณ (นักเขียนบทละครโบราณและผู้เลียนแบบ, "คลาสสิก" ของฝรั่งเศส, ชิลเลอร์ใน "The Bride of Messina" ฯลฯ ) ขึ้นอยู่กับจำนวนผู้เข้าร่วม monodramas, duodramas และ polydramas มีความโดดเด่น เมื่อแจกแจงตามแปลง เราหมายถึง: 1) ลักษณะของโครงเรื่อง 2) ต้นกำเนิดของมัน ตามคำกล่าวของอริสโตเติล ธรรมชาติของโครงเรื่องอาจร้ายแรง (ในโศกนาฏกรรม) - จากนั้นผู้ชมควรกระตุ้นความเห็นอกเห็นใจ (สำหรับฮีโร่ D.) และความกลัว (สำหรับตัวเอง: nihil humani a nobis Alienum!) - หรือไม่เป็นอันตรายสำหรับ ฮีโร่และตลกสำหรับผู้ชม ( ในภาพยนตร์ตลก). ในทั้งสองกรณีการเปลี่ยนแปลงที่เลวร้ายกว่าเกิดขึ้น: ในกรณีแรกเป็นอันตราย (การเสียชีวิตหรือโชคร้ายร้ายแรงของบุคคลหลัก) ประการที่สอง - ไม่เป็นอันตราย (ตัวอย่างเช่นบุคคลที่แสวงหาตนเองไม่ได้รับผลกำไรที่คาดหวัง a คนอวดดีได้รับความอับอาย ฯลฯ ) หากมีการแสดงภาพการเปลี่ยนจากโชคร้ายไปสู่ความสุข ในกรณีที่เป็นประโยชน์อย่างแท้จริงสำหรับฮีโร่ เรามี D. ในความหมายที่เข้มงวดของคำนี้ หากความสุขเป็นเพียงภาพลวงตา (เช่น รากฐานของอาณาจักรแห่งอากาศใน "The Birds" ของอริสโตเฟน ผลลัพธ์ก็คือเรื่องตลก (เรื่องตลก) ขึ้นอยู่กับที่มา (แหล่งที่มา) ของเนื้อหา (โครงเรื่อง) สามารถแยกแยะกลุ่มต่อไปนี้ได้: 1) D. ด้วยเนื้อหาจากโลกแฟนตาซี (บทกวีหรือเทพนิยาย D. บทละครเวทมนตร์); 2) D. มีโครงเรื่องทางศาสนา (เลียนแบบ, D. จิตวิญญาณ, ความลึกลับ); 3) ละครที่มีโครงเรื่องจากชีวิตจริง (ละครที่สมจริง ทางโลก ในชีวิตประจำวัน) และสามารถพรรณนาถึงประวัติศาสตร์ในอดีตหรือปัจจุบันได้ D. ซึ่งพรรณนาถึงชะตากรรมของแต่ละบุคคลเรียกว่าชีวประวัติซึ่งแสดงถึงประเภท - ประเภท; ทั้งสองสามารถเป็นได้ทั้งประวัติศาสตร์หรือร่วมสมัย
ในละครโบราณ จุดศูนย์ถ่วงอยู่ที่แรงภายนอก (ใน ตำแหน่ง) ในละครยุคใหม่ - ในโลกภายในของฮีโร่ (ในของเขา อักขระ ). ละครคลาสสิกของเยอรมัน (เกอเธ่และชิลเลอร์) พยายามทำให้หลักการทั้งสองนี้เข้าใกล้กันมากขึ้น ละครเรื่องใหม่นี้โดดเด่นด้วยแนวทางแอ็กชั่นที่กว้างขึ้น ความหลากหลาย และลักษณะนิสัยของแต่ละคน และความสมจริงที่มากขึ้นในการพรรณนาถึงชีวิตภายนอก ข้อจำกัดของคณะนักร้องประสานเสียงโบราณถูกละทิ้งไป แรงจูงใจในการกล่าวสุนทรพจน์และการกระทำของตัวละครนั้นเหมาะสมยิ่งขึ้น พลาสติกของละครโบราณถูกแทนที่ด้วยความงดงาม ความสวยงามผสมผสานกับความน่าสนใจ โศกนาฏกรรมกับการ์ตูน และในทางกลับกัน ความแตกต่างระหว่างละครอังกฤษและสเปนก็คือ ละครเรื่องหลังมีบทบาทร่วมกับการกระทำของพระเอก เหตุการณ์ขี้เล่นในละครตลก และความเมตตาหรือความโกรธแค้นของเทพในโศกนาฏกรรม ในอดีต ชะตากรรมของ ฮีโร่ติดตามจากตัวละครและการกระทำของเขาโดยสิ้นเชิง ศิลปะพื้นบ้านของสเปนถึงจุดสูงสุดใน Lope de Vega และศิลปะใน Calderon; จุดสุดยอดของละครอังกฤษคือเช็คสเปียร์ อิทธิพลของสเปนและฝรั่งเศสแทรกซึมเข้าสู่อังกฤษผ่านทางเบ็น จอห์นสันและลูกศิษย์ของเขา ในฝรั่งเศส นางแบบชาวสเปนต่อสู้กับคนโบราณ ต้องขอบคุณสถาบันการศึกษาที่ก่อตั้งโดย Richelieu ทำให้ฝ่ายหลังได้รับความเหนือกว่าและโศกนาฏกรรมคลาสสิกแบบฝรั่งเศส (หลอก) ถูกสร้างขึ้นตามกฎของอริสโตเติลซึ่ง Corneille เข้าใจได้ไม่ดี ด้านที่ดีที่สุดของละครเรื่องนี้คือความสามัคคีและความสมบูรณ์ของแอ็คชั่น แรงจูงใจที่ชัดเจน และความชัดเจนของความขัดแย้งภายในของตัวละคร แต่เนื่องจากขาดการกระทำภายนอก วาทศาสตร์จึงพัฒนาในตัวเธอ และความปรารถนาในความถูกต้องจำกัดความเป็นธรรมชาติและเสรีภาพในการแสดงออก พวกเขาโดดเด่นเหนือสิ่งอื่นใดในความคลาสสิก โศกนาฏกรรมโดย French Corneille, Racine และ Voltaire และคอเมดีโดย Moliere ปรัชญาแห่งศตวรรษที่ 18 ได้ทำการเปลี่ยนแปลงในภาษาฝรั่งเศส D. และทำให้เกิดสิ่งที่เรียกว่า โศกนาฏกรรมชนชั้นกลางย่อยในรูปแบบร้อยแก้ว (Diderot) ซึ่งเกี่ยวข้องกับการพรรณนาถึงโศกนาฏกรรมในชีวิตประจำวันและประเภทตลก (ทุกวัน) (Beaumarchais) ซึ่งระบบสังคมสมัยใหม่ถูกเยาะเย้ย กระแสนี้ยังแพร่กระจายไปยังชาวเยอรมัน D. ซึ่งจนกระทั่งถึงตอนนั้นลัทธิคลาสสิกของฝรั่งเศสก็ครอบงำ (Gottsched ในไลพ์ซิก, Sonnenfels ในเวียนนา) Lessing ด้วย "Hamburg Drama" ของเขาได้ยุติลัทธิคลาสสิกจอมปลอมและสร้างละครเยอรมัน (โศกนาฏกรรมและตลก) ตามตัวอย่างของ Diderot ในขณะเดียวกันก็ชี้ไปที่คนสมัยก่อนและเชกสเปียร์เป็นตัวอย่างให้ติดตาม เขาเดินต่อไปอย่างเงียบๆ ละครคลาสสิก ซึ่งเป็นยุครุ่งเรืองของเกอเธ่ (ซึ่งได้รับอิทธิพลครั้งแรกจากเชกสเปียร์ จากนั้นในสมัยโบราณ และสุดท้ายคือเฟาสท์ เรื่องลึกลับในยุคกลาง) และนักเขียนบทละครชาวเยอรมันประจำชาติ ชิลเลอร์ หลังจากนั้นไม่มีกระแสดั้งเดิมใหม่ในบทกวี แต่มีตัวอย่างทางศิลปะของบทกวีอื่น ๆ ทุกประเภทปรากฏขึ้น การเลียนแบบเช็คสเปียร์ที่เห็นได้ชัดเจนที่สุดในบรรดาโรแมนติกของเยอรมัน (ช. Kleist, Grabbe ฯลฯ) ด้วยการเลียนแบบของเช็คสเปียร์และโรงละครสเปน การปฏิวัติก็เกิดขึ้นในละครฝรั่งเศส ซึ่งการพัฒนาของปัญหาสังคมนำมาซึ่งชีวิตใหม่ (V. Hugo, A. Dumas, A. de Vigny) ตัวอย่างบทละครของซาลอนมอบให้โดย Scribe; คอเมดี้ทางศีลธรรมของ Beaumarchais ได้รับการฟื้นฟูในภาพยนตร์ดราม่าเรื่องศีลธรรมโดย A. Dumas fils, E. Ogier, V. Sardou, Palieron และคนอื่น ๆ
