„Tylko szaleniec mógł coś takiego napisać”- jeden ze zdumionych widzów zostawił ten napis na samym zdjęciu Edvard Munch"Krzyk".

Trudno polemizować z tym stwierdzeniem, zwłaszcza biorąc pod uwagę fakt, że malarz faktycznie spędził w szpitalu psychiatrycznym około roku. Ale chciałbym dodać trochę do słów wyrazistego krytyka: rzeczywiście, tylko szaleniec mógł coś takiego narysować, tylko ten psychol był wyraźnie geniuszem.

Nikt nigdy nie był w stanie wyrazić tak wielu emocji w prosty sposób, nadać im tak dużego znaczenia. Przed nami prawdziwa ikona, tylko ona nie mówi o raju, nie o zbawieniu, ale o rozpaczy, bezgranicznej samotności i całkowitej beznadziejności. Aby jednak zrozumieć, w jaki sposób Edvard Munch doszedł do swojego malarstwa, musimy trochę zagłębić się w historię jego życia.

Być może bardzo symboliczne jest to, że artysta, który wywarł ogromny wpływ na malarstwo XX wieku, urodził się w kraju tak dalekim od sztuki, zawsze uważany był za prowincję Europy, gdzie samo słowo „malarstwo” przywołany więcej pytań niż stowarzyszenia.

Najwyraźniej dzieciństwa Edwarda nie można nazwać szczęśliwym. Jego ojciec, Christian Munch, był lekarzem wojskowym, który zawsze trochę zarabiał. Rodzina żyła w biedzie i regularnie się przeprowadzała, zmieniając jeden dom w slumsach Christianii (wtedy prowincjonalne miasto w Norwegii, a teraz - stolicy stanu Oslo) do innego. Bycie biednym jest zawsze złe, ale bycie biednym w XIX wieku było znacznie gorsze niż jest teraz. Po powieściach F. M. Dostojewskiego (nawiasem mówiąc, jego ulubionego pisarza Edvarda Muncha) nie ma co do tego wątpliwości.

Choroba i śmierć to pierwsze rzeczy, które widzi młody talent W moim życiu. Kiedy Edward miał pięć lat, zmarła jego matka, a ojciec popadł w rozpacz i popadł w bolesną religijność. Po stracie żony Christianowi Munchowi wydawało się, że śmierć zagościła w ich domu na zawsze. Próbując ocalić dusze swoich dzieci, jest na żywe kolory opisał im męki piekielne, mówiąc o tym, jak ważne jest bycie cnotliwym, aby zasłużyć na miejsce w raju. Ale historie jego ojca wywarły zupełnie inne wrażenie na przyszłym artyście. Dręczyły go koszmary, nie mógł spać w nocy, ponieważ we śnie wszystkie słowa religijnego rodzica ożyły, nabierając wizualnej formy. Dziecko, które nie wyróżniało się dobrym zdrowiem, dorastało wycofane, nieśmiałe.

„Choroba, szaleństwo i śmierć – trzy anioły, które nawiedzają mnie od dzieciństwa”, - pisał później malarz w swoim osobistym dzienniku.

Zgadzam się, że był to rodzaj wizji boskiej trójcy.

Jedyną osobą, która próbowała uspokoić nieszczęsnego zastraszonego chłopca i otoczyła go tak potrzebną matczyną opieką, była jego siostra Sophie. Ale wydaje się, że przeznaczeniem Muncha było stracić wszystko, co cenne. Kiedy artysta miał piętnaście lat, dokładnie dziesięć lat po śmierci matki, zmarła jego siostra. Wtedy prawdopodobnie rozpoczęła się jego walka, którą prowadził ze śmiercią przy pomocy sztuki. Utrata ukochanej siostry była podstawą jego pierwszego arcydzieła, obrazu „Sick Girl”.

Nie trzeba dodawać, że prowincjonalni „koneserzy sztuki” z Norwegii skrytykowali to płótno do dziewiątek. Nazywano to niedokończonym badaniem, autorowi zarzucono zaniedbanie ... Za tymi wszystkimi słowami krytycy przegapili najważniejsze: mieli jedną z najbardziej zmysłowe obrazy swojego czasu.

Następnie Munch zawsze powtarzał, że nigdy nie dążył do szczegółowego obrazu, ale przenosił na swoje obrazy tylko to, co podkreślało jego oko, co było naprawdę ważne. To właśnie widzimy na tym płótnie.

Wyróżnia się tylko twarz dziewczyny, a raczej jej oczy. To moment śmierci, kiedy praktycznie nic nie zostało z rzeczywistości. Wydaje się, że obraz życia został oblany rozpuszczalnikiem i wszystkie przedmioty zaczynają tracić kształt, zanim zamienią się w nic. Postać kobiety w czerni, która często pojawia się w pracach artystki i uosabia śmierć, pochyliła głowę przed umierającą kobietą i już trzyma ją za rękę. Ale dziewczyna nie patrzy na nią, jej wzrok jest utkwiony. Tak, kto, jeśli nie Munch, zrozumiał: prawdziwa sztuka to zawsze spojrzenie za plecy śmierci.

I choć norweska artystka starała się wyjrzeć poza śmierć, uparcie stała przed jego oczami, starając się zwrócić na siebie uwagę. Impulsem do narodzin jego talentu była śmierć jego starszej siostry, która jednak rozkwitła na tle kolejnej rodzinnej tragedii. To wtedy Munch, który do tej pory lubił impresjonizm, doszedł do zupełnie nowego stylu i zaczął tworzyć obrazy, które przyniosły mu nieśmiertelną sławę.

Kolejną siostrę artysty, Laurę, umieszczono w szpitalu psychiatrycznym, aw 1889 roku jego ojciec zmarł na udar. Munch wpadł w głęboka depresja nikt nie został z jego rodziny. Od tego momentu był zupełnie sam, został dobrowolnym pustelnikiem, wycofanym ze świata i ludzi. Depresję leczył sam butelką aquavitu. Nie trzeba dodawać, że lek jest bardzo wątpliwy. I chociaż większość twórców znalazła zbawienie od swoich wewnętrznych demonów w miłości, Edvard Munch wyraźnie do nich nie należał. Dla niego miłość i śmierć były mniej więcej tym samym.

Uznany już we Francji i na pozór przystojny malarz cieszył się wielkim powodzeniem wśród kobiet. Ale on sam unikał długich romansów, uważając, że takie związki tylko przybliżają śmierć. Doszło do tego, że podczas randki, bez wyjaśnienia powodów, mógł wstać i wyjść, a potem już nigdy więcej nie spotkać się z kobietą, którą zostawił.

Wystarczy przypomnieć obraz „Dojrzewanie”, zwany też „Wiek przejściowy”.

W percepcji Muncha seksualność jest potężną, ale mroczną i niebezpieczną siłą dla człowieka. To nie przypadek, że cień, który postać dziewczyny rzuca na ścianę, wygląda tak nienaturalnie. Przypomina raczej ducha, złego ducha. Miłość jest opętaniem przez demony, a przede wszystkim demony marzą o uszkodzeniu powłoki ciała. Więc nikt nigdy nie mówił o miłości! Temu uczuciu poświęcony jest cykl obrazów „Fryz życia”. Nawiasem mówiąc, to właśnie w nim zaprezentowano „Krzyk”. Ten obraz jest ostatnim etapem miłości.

„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi - słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się wyczerpany i oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto - kontynuowali moi przyjaciele, a ja stałem drżąc z podniecenia, czując niekończący się płacz przeszywający naturę., - tak Munch opisał w swoim pamiętniku uczucie, które zainspirowało go do stworzenia obrazu.

Ale ta praca nie powstała w jednym wybuchu inspiracji, jak wielu ludzi myśli. Artysta pracował nad nim bardzo długo, ciągle zmieniając pomysł, dodając pewne detale. I pracował do końca życia: istnieje około stu wersji „Krzyku”.

Ta słynna postać wrzeszcząca istota powstała w Munchu pod wrażeniem wystawy w muzeum etnograficzne, gdzie najbardziej uderzyła go peruwiańska mumia w pozycji płodowej. Jej wizerunek pojawia się na jednej z wersji obrazu „Madonna”.

Cała wystawa „Fryz życia” składała się z czterech części: „Narodziny miłości” (kończy się „Madonną”); „Wzlot i upadek miłości”; „Lęk przed życiem” (ten cykl obrazów dopełnia „Krzyk”); "Śmierć".

Miejsce, które Munch opisuje w swoim „Krzyku” jest całkiem realne. To słynny punkt widokowy poza miastem z widokiem na fiord. Ale niewiele osób wie, co pozostało poza obrazem. W dół pod taras widokowy po prawej stronie znajdował się zakład wariatów, w którym umieszczono siostrę artysty Laurę, a po lewej rzeźnię. Okrzykom śmierci zwierząt i krzykom chorych psychicznie towarzyszył często wspaniały, ale przerażający widok na północną przyrodę.

Na tym obrazie wszystkie cierpienia Muncha, wszystkie jego lęki otrzymują maksymalne wcielenie. Przed nami nie jest postać mężczyzny czy kobiety, przed nami jest konsekwencja miłości - dusza rzucona w świat. A kiedy już w niej znajdzie się, w obliczu jej siły i okrucieństwa, dusza może tylko krzyczeć, nawet nie krzyczeć, ale krzyczeć z przerażenia. Przecież w życiu jest niewiele wyjść, tylko trzy: płonące niebo lub urwisko, a na dole klifu znajduje się rzeźnia i szpital psychiatryczny.

Wydawało się, że przy takiej wizji świata życie Edvarda Muncha po prostu nie może trwać długo. Ale wszystko potoczyło się inaczej – dożył 80 lat. Po leczeniu w klinice psychiatrycznej „związał się” alkoholem i znacznie mniej zajmował się sztuką, żyjąc w absolutnym odosobnieniu w Własny dom na przedmieściach Oslo.

Ale „Krzyk” czekał na bardzo smutny los. Rzeczywiście, teraz jest jednym z najdroższych i znane obrazy na świecie. Jednak Kultura masowa zawsze gwałci prawdziwe arcydzieła, zmywając z nich znaczenie i moc, jaką włożyli w nie mistrzowie. Uderzający przykład- Mona Lisa.

To samo stało się z Krzykiem. Stał się przedmiotem żartów i parodii, co jest zrozumiałe: człowiek zawsze próbuje śmiać się z tego, czego najbardziej się boi. Dopiero teraz strach nigdzie nie odejdzie – po prostu się schowa i na pewno wyprzedzi jokera w momencie, gdy wyczerpie się jego cały zapas dowcipów.

Pozdrowienia dla nowych i stałych czytelników! W artykule „Edvard Munch: krótki życiorys i obrazy artysty” - krótko o życiu norweskiego malarza i grafika, teoretyka sztuki. Munch jest jednym z pierwszych przedstawicieli ekspresjonizmu. Lata życia 1863-1944.

Edvard Munch: biografia

Edvard Munch jest najjaśniejszym przedstawicielem ekspresjonizmu, nowego nurtu w malarstwie XX wieku. Jego prace, głęboko emocjonalne, przesycone rozpaczą i cierpieniem, raz obejrzane, nie sposób o nich zapomnieć.

Artysta postrzegał życie jako ciąg ulubionych rzeczy, które opuszczają człowieka. Jest jak rzeka, która zabiera wszystko, co najcenniejsze, ale nie jest uzupełniana nowymi wodami, a na końcu wysycha i kończy się. I horror tej nieubłagania i przemijania, niezwykle subtelnie oddany w jego pracach Muncha.

Edward urodził się w norweskiej prowincji Hedmark 12 grudnia 1863 roku. Kiedy miał pięć lat, jego matka zmarła na gruźlicę. W 1877 r. na tę samą chorobę zmarła piętnastoletnia siostra Sophie.

Szesnastoletni Edward wstępuje do Wyższej Szkoły Technicznej w Oslo. Ale wkrótce zamienia się w Akademia Państwowa sztuka i rzemiosło artystyczne. Munch cierpiał zaburzenie psychiczne co znajduje odzwierciedlenie w jego stylu rysowania.

W 1885 wyjechał do Paryża, gdzie odwiedził wystawę impresjonistów. Pierwsza osobista wystawa artysty miała miejsce w 1889 roku. Następnie dzięki stypendium wyjechał do Europy i zamieszkał w Berlinie. Zaczął pisać w wieku 20 lat, ale jego obrazy rozpoznano dopiero po ostatnie lata jego życie.

Edward miał kilka nieudanych romansów. W życiu osobistym artysta był samotny. W wieku 60 lat Munch doznał krwotoku w prawym oku. To negatywnie wpłynęło na jego pracę. Edvard Munch zmarł w 1944 roku, miesiąc po swoich osiemdziesiątych urodzinach.

Obrazy Edvarda Muncha

"Chora dziewczyna"

Jednym z obrazów z okresu jego formacji jest „Choroba”, namalowany w 1885 roku. Jednak artysta do końca życia uważał ją za jedną z głównych w swojej twórczości. Płótno przedstawia rudowłosą dziewczynę półsiedzącą w swoim łóżku, opartą o dużą białą poduszkę.

Twarz dziewczyny zwrócona jest do kobiety, która płacze z głową na tej samej poduszce. Dziewczyna życzliwie patrzy na kobietę i wydaje się ją pocieszać. Trzymają się za ręce i najwyraźniej prowadzą rozmowę, którą przerywa szloch krewnego ze złamanym sercem.

Całość utrzymana jest w ponurej, zielonkawej tonacji, jedynym jasnym punktem jest tu postać umierającej kobiety. Obraz ten, jak wszystkie kolejne w twórczości artysty, jest głęboko autobiograficzny. Sam przyznał, że prototyp główny bohater służył swojej siostrze Sophie Munch. Zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat.

Ich matka zmarła na tę samą chorobę dziewięć lat wcześniej. Ojciec artysty był głęboko osoba religijna, jego syn powiedział, że dał mu „kiełki szaleństwa”.

Żal z powodu kobiet, które kochał, jeszcze bardziej pogłębił religijność tego mężczyzny. Zmienił życie Edwarda w serię mrocznych, pełnych żalu dni. Wszystkie te motywy śmierci ukochanej osoby, żalu i utraty czegoś bardzo drogiego, można łatwo odczytać na zdjęciu.

Ta praca nie została rozpoznana w momencie pierwszego pojawienia się. Teraz jest z pewnością jedną z najbardziej rozpoznawalnych w galerii artysty.

"Krzyk"

Najsłynniejszym obrazem Edvarda Muncha jest Krzyk. Wszyscy znają ten obraz, nawet ci, którzy nie lubią studiować sztuki. Na płótnie widzimy człowieka, którego twarz wykrzywia niemy krzyk rozpaczy i przerażenia. Stoi na moście. Za nim szkarłatne niebo i ciemnoniebieska rzeka zlewają się w jedno na horyzoncie.

Tło zdaje się wirować jak burza, przechodzi w Tartar i niesie ze sobą przedstawianą postać. Jest bezsilny wobec tego nurtu i jedyne, co mu pozostaje, to krzyczeć, chwytając się za głowę. Początkowo malarz nazwał obraz „Krzykiem natury”.

W jednym ze swoich pamiętników napisał, że pomysł na obraz przyszedł mu do głowy, gdy on i jego towarzysze szli po moście. Opisał, jak niebo nagle stało się krwistoczerwone. I zatrzymał się, zmiażdżony niemożnością stawiania oporu Wielka siła zabiera to czas, miłość i wszystko.

Niektórzy krytycy przypisywali obrazowi nawet prorocze motywy, związane ze wszystkimi problemami, które w przyszłości spadną na ramiona Muncha. Jeden z najbardziej emocjonalnych obrazów w historii stał się symbolem ekspresjonizmu.

Następnie ten obraz stamtąd był używany niejednokrotnie nawet w kulturze popularnej. Na przykład ten sam krzyk jest czytany w słynnej masce maniaka w horrorze „Krzyk”.

"Rozstanie"

Namalowany w latach 90. XIX wieku Rozstanie dosłownie ilustruje, jak Edvard Munch postrzegał życie. Artysta widział miłość jako nieodłączną od cierpienia i śmierci. Dlatego na tym swoim płótnie główny bohater cierpi niepocieszony, wspominając ukochaną.

Jest pokazany na pierwszym planie. Jego kontury są wyraźne, jego oczy są zamknięte. Do miejsca, w którym znajduje się ludzkie serce, przyczepiona jest śmiało zaznaczona na czerwono dłoń. Widać jednak, że z serca bohatera pozostało niewiele. Mężczyzna jest przedstawiany jako ponury i cierpiący.

Być może tak cierpiał artysta w rzeczywistości i dlatego obraz jest tak rozpaczliwie smutny. Na tło swiatlo. To sylwetka dziewczyny, która oddala się, zabierając cały widzialny radosny świat. Mężczyzna pamięta ją iz bólem czuje, jak jest dla niego bezpowrotnie stracona.

Smutny obraz dziewczyny w bieli, która radośnie i arogancko odchodzi, uosabia to, jak mistrz widział miłość i życie w ogóle.

Wideo

W tym filmie dodatkowe informacje na temat „Edvard Munch: krótka biografia i obrazy”

150 lat temu niedaleko Oslo urodził się Edvard Munch - norweski malarz, którego twórczość ogarnięta wyobcowaniem i przerażeniem niewiele osób może pozostawić obojętnym. Obrazy Muncha budzą emocje nawet wśród osób, które niewiele wiedzą o biografii artysty i okolicznościach, w jakich prawie zawsze malowane są jego płótna. ciemne kolory. Ale oprócz nieustannych motywów samotności i śmierci, w jego obrazach wyczuwalna jest również chęć życia.

„Choroba” (1885-1886)

"Chora dziewczyna" wczesny obraz Munch i jeden z pierwszych prezentowanych przez artystę na Jesieni Wystawa 1886. Obraz przedstawia chorobliwie wyglądającą rudowłosą dziewczynę leżącą w łóżku, a kobietę w czarnej sukience trzyma ją za rękę, pochylając się nad nią. W pokoju panuje półmrok, a jedynym jasnym punktem jest twarz. umierająca dziewczyna to wydaje się być oświetlone. Choć 11-letnia Betsy Nielsen pozowała do obrazu, płótno powstało na podstawie wspomnień artysty związanych z jego ukochaną starszą siostrą Sophie. Kiedy przyszły malarz miał 14 lat, jego 15-letnia siostra zmarła na gruźlicę, a stało się to 9 lat po tym, jak na tę samą chorobę zmarła matka rodziny, Laura Munch. Trudne dzieciństwo, w cieniu śmierci dwojga bliskich osób oraz nadmiernej pobożności i surowości ojca-księdza, dało się odczuć przez całe życie Muncha i wpłynęło na jego światopogląd i kreatywność.

"Mój ojciec był bardzo porywczy i miał obsesję na punkcie religii - po nim odziedziczyłem kiełki szaleństwa. Duchy strachu, smutku i śmierci otaczały mnie od chwili narodzin" - wspominał Munch o swoim dzieciństwie.

Kobieta przedstawiona obok dziewczynki na obrazie to ciotka artystki Karen Bjelstad, która po jej śmierci opiekowała się dziećmi swojej siostry. Kilka tygodni, podczas których Sophie Munch umierała na konsumpcję, stało się jednym z najstraszniejszych okresów w życiu Muncha - zwłaszcza, że już wtedy po raz pierwszy pomyślał o znaczeniu religii, co później doprowadziło do odrzucenia od niej. Według wspomnień artysty, w feralną noc jego ojciec, który we wszystkich kłopotach zwrócił się do Boga, „chodził po pokoju, składając ręce w modlitwie” i nie mógł w żaden sposób pomóc córce .

W przyszłości Munch wracał do tej tragicznej nocy nie raz - przez czterdzieści lat namalował sześć obrazów przedstawiających jego umierającą siostrę Sophie.

płótno młody artysta, choć wystawiany wraz z obrazami bardziej doświadczonych malarzy, zbierał druzgocące recenzje krytyków. Tak więc „Chorą dziewczynę” nazwano parodią sztuki, a młodemu Munchowi zarzucono, że odważył się zaprezentować niedokończony, zdaniem ekspertów, obraz. „Najlepszą przysługą, jaką można wyświadczyć Edvardowi Munchowi, jest ciche przejście obok jego obrazów” – napisał jeden z dziennikarzy, dodając, że płótno obniżyło ogólny poziom wystawy.

Krytyka nie zmieniła opinii samego artysty, dla którego „Choroba” pozostała do końca życia jednym z głównych obrazów. Obraz można teraz zobaczyć w Galeria Narodowa Osło.

„Krzyk” (1893)

W twórczości wielu artystów trudno wyróżnić jeden najważniejszy i najsłynniejszy obraz, ale w przypadku Muncha nie ma wątpliwości, że nawet ludzie, którzy nie mają słabości do sztuki, znają jego „Krzyk”. Podobnie jak wiele innych płócien, Munch odtwarzał Krzyk na przestrzeni kilku lat, pisząc pierwszą wersję obrazu w 1893 roku, a ostatnią w 1910 roku. Ponadto w tych latach artysta pracował nad obrazami o podobnym nastroju, np. „Alarm” (1894), przedstawiający ludzi na tym samym moście nad fiordem Oslo, czy „Wieczór na ulicy Karla Johna” (1892). Według niektórych historyków sztuki w ten sposób artysta próbował pozbyć się „Krzyku” i udało mu się to dopiero po kuracji w klinice.

Relacje Muncha z jego obrazem, a także jego interpretacje, to ulubiony temat krytyków i ekspertów. Ktoś wierzy, że człowiek przykucnięty w przerażeniu reaguje na „Krzyk Natury” dochodzący zewsząd ( Oryginalny tytuł obrazy - red.). Inni uważają, że Munch przewidział wszystkie katastrofy i niepokoje, jakie czekają ludzkość w XX wieku, i przedstawił grozę przyszłości, a jednocześnie niemożność jej przezwyciężenia. Tak czy inaczej naładowane emocjami malarstwo stało się jednym z pierwszych dzieł ekspresjonizmu i dla wielu pozostało jego symbolem, a odzwierciedlone w nim tematy rozpaczy i samotności okazały się głównymi w sztuce modernizmu.

O tym, co stanowiło podstawę „Krzyku”, sam artysta napisał w swoim dzienniku. Wpis pt. na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem – moi przyjaciele szli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując przeszywający niekończący się krzyk natury.

„Krzyk” Muncha wpłynął nie tylko na artystów XX wieku, ale był też cytowany w popkulturze: najbardziej oczywistą aluzją do obrazu jest ten słynny.

„Madonna” (1894)

Obraz Muncha, który dziś znany jest jako „Madonna”, pierwotnie nosił nazwę „ kochająca kobieta W 1893 roku pozowała artystce Dagni Jul, żona pisarza i przyjaciela Muncha Stanisława Przybyszewskiego oraz muza współczesnych artystów: oprócz Muncha Jul-Pshibyszewska malowali Wojciech Weiss, Konrad Krzhizhanovsky, Julia Volftorna.

W zamyśle Muncha płótno miało odzwierciedlać główne cykle życia kobiety: poczęcie dziecka, spłodzenie potomstwa i śmierć. Uważa się, że pierwszy etap jest związany z pozą Madonny, drugi Munch odbity w litografii wykonanej w 1895 roku - w lewym dolnym rogu znajduje się postać w pozie embrionu. O tym, że artysta kojarzył obraz ze śmiercią świadczą jego własne komentarze na jego temat oraz to, że miłość, zdaniem Muncha, zawsze była nierozerwalnie związana ze śmiercią. Ponadto, zgadzając się z Schopenhauerem, Munch uważał, że funkcja kobiety spełnia się po urodzeniu dziecka.

Jedyną rzeczą, która łączy nagą czarnowłosą Madonnę z Muncha z klasyczną Madonną, jest aureola nad jej głową. Podobnie jak w pozostałych jego obrazach, tutaj Munch nie użył linii prostych – kobietę otaczają miękkie „faliste” promienie. W sumie artysta stworzył pięć wersji płótna, które obecnie znajdują się w Muzeum Muncha, Muzeum Narodowe sztuki, architektury i designu w Oslo, w Kunsthalle w Hamburgu oraz w prywatnych kolekcjach.

„Rozstanie” (1896)

W prawie wszystkich swoich obrazach z lat 90. XIX wieku Munch wykorzystywał te same obrazy, łącząc je na różne sposoby: smuga światła na powierzchni morza, jasnowłosa dziewczyna na brzegu, starsza kobieta w czerni, cierpiąca Człowiek. Na takich obrazach Munch zwykle przedstawiał bohatera na pierwszym planie i coś, co przypomina mu przeszłość, z tyłu.

W Rozstaniu bohaterem jest porzucony człowiek, którego wspomnienia nie pozwalają mu zerwać z przeszłością. Munch pokazuje to z długie włosy dziewczynki, które rozwijają się i dotykają głowy mężczyzny. Wizerunek dziewczyny - delikatnej i jakby nie w pełni napisanej - symbolizuje jasną przeszłość, a postać mężczyzny, którego sylwetka i rysy twarzy są dokładniej przedstawione, należy do ponurej teraźniejszości.

Munch postrzegał życie jako ciągłe i konsekwentne rozstanie ze wszystkim, co jest bliskie człowiekowi, w drodze do ostatecznego rozstania z samym życiem. Sylwetka dziewczyny na płótnie częściowo zlewa się z pejzażem - w ten sposób bohaterowi łatwiej będzie przeżyć stratę, stanie się tylko częścią wszystkiego, z czym nieuchronnie rozstanie się za życia.

„Dziewczyny na moście” (1899)

„Dziewczyny na moście” to jeden z nielicznych obrazów Muncha, które zyskały sławę po stworzeniu – uznanie przyszło Munchowi i większości jego dzieł dopiero w ostatniej dekadzie życia artysty. Być może tak się stało, bo to jeden z nielicznych obrazów Muncha, przesyconych spokojem i spokojem, na których postacie dziewcząt i natury przedstawione są w wesołych barwach. I choć kobiety na obrazach Muncha, a także w dziełach Henrika Ibsena i Johana Augusta Strindberga, których uwielbia, zawsze symbolizują kruchość życia i cienka linia między życiem a śmiercią „Dziewczyny na moście” odzwierciedlały rzadki stan duchowej radości artystki.

Munch napisał aż siedem wersji obrazu, z których pierwsza datowana jest na 1899 r. i jest obecnie przechowywana w Galerii Narodowej w Oslo. Inną wersję, napisaną w 1903 roku, można zobaczyć w Muzeum Puszkina im. A.S. Puszkin. Obraz przywiózł do Rosji kolekcjoner Iwan Morozow, który kupił obraz w paryskim Salonie Niezależnych.

Edvard Munch - Krótka biografia

Edvard Munch (Norweg Edvard Munch; 12 grudnia 1863, Löthen, Norwegia - 23 stycznia 1944, Ekely k. Oslo, Norwegia - norweski malarz i grafik, ekspresjonista. Cierpi na psychozę maniakalno-depresyjną.

Najbardziej godna uwagi praca Munch - obraz „Krzyk”, a dokładniej był to cykl podobnych obrazów. Początkowo obraz nosił tytuł „Rozpacz”. Obraz grozy z tego obrazu, który Munch doskonalił do końca życia, służy teraz jako jeden z symboli sztuki konceptualnej w ogóle.

Biografia

Edvard Munch był drugim dzieckiem lekarza wojskowego Christiana Muncha. Kiedy Edward miał pięć lat, jego matka zmarła na gruźlicę, aw 1877 roku na tę samą chorobę zmarła jego starsza siostra Sophie, która miała piętnaście lat.

W 1879 Munch wstąpił do Wyższej Szkoły Technicznej w Oslo, ale wkrótce przeniósł się do Państwowej Akademii Sztuki i Rzemiosła. Początkowo jego nauczycielem był rzeźbiarz Middletun, a od 1882 roku malarz Christian Krogh. W 1885 otrzymał możliwość wyjazdu do Paryża, gdzie odwiedził ósmą i ostatnią wystawę impresjonistów. W tym samym czasie stworzył swój pierwszy szeroko znany obraz „Choroba”, który odzwierciedlał chorobę i śmierć Sophie Munch. Pierwsza osobista wystawa artysty miała miejsce w 1889 roku. Następnie dzięki stypendium wyjechał do Europy, mieszkał w Paryżu i Berlinie.

W Niemczech Munch wystawiał się z lokalnymi artystami, ale jego obrazy wywołały skandal, więc jego wystawa została zamknięta przed terminem. Później wielu z tych artystów weszło do berlińskiej secesji. Tam Munch zaprzyjaźnił się z polskim pisarzem Stanisławem Pszybyszewskim i jego norweską żoną Danyą Pszybyszewską (z domu Zhuel). Ta ostatnia stała się na kilka lat muzą Muncha. Pozowała mu do wielu znanych obrazów, m.in. „Madonna”, „Wampir”, „Zazdrość”, „Pocałunek”.

Pod koniec lat 90. XIX wieku Munch pracował nad serią obrazów zatytułowanych „Fryz życia – wiersz o miłości, życiu i śmierci”. Obejmuje prace, które łączy motyw miłości, kobiecości, strachu, rozpaczy i śmierci. Podczas swojego życia Munch stworzył wiele z tych obrazów w kilku wersjach, wciąż na nowo wracając do tego samego tematu. Na przykład „Madonna” i „Sick Girl” istnieją w pięciu egzemplarzach. W 1893 Munch stworzył swój własny „Krzyk” słynna praca. Krzyk jest uważany za przełomowe wydarzenie ekspresjonizmu; Munch zdołał przekazać horror, który ogarnął bohatera czysto środki artystyczne: zabarwienie i kręte linie, w centrum których znajduje się bohater.

Na przełomie XIX i XX wieku Munch miał nieudany romans z zamożną młodą Norweżką. Zakochała się w artyście i uparła się na ślub, który bardzo mu ciążył. Trwało to około cztery lata, a pewnego dnia w 1902 roku dziewczyna i przyjaciele Muncha zrobili mu kawał, mówiąc, że dziewczyna umarła, i pokazując swoje ciało. Zgodnie z planem „zmartwychwstanie” dziewczynki miało rozpalić uczucia artysty. Munch zniósł ten żart bardzo boleśnie, tego samego dnia doszło do kłótni między nim a jego przyjaciółmi, w której Munch się zranił lewa ręka później amputowano mu palec. Później jeszcze kilka razy wdawał się w kłótnie ze znajomymi i nieznajomi, w końcu w 1908 został umieszczony w klinika psychiatryczna w Kopenhadze z załamaniem psychicznym. W sumie spędził tam ponad sześć miesięcy. Podczas pobytu w klinice Munch pozostawił rysunki i ryciny, w tym portret profesora Jacobsona, który go leczył.

Począwszy od 1909, styl Muncha zmienił się na bardziej surowy i surowy. Późniejsze obrazy malowane są szerokimi pociągnięciami i pełne są jaskrawych kontrastujących kolorów. W latach dwudziestych artysta zachorował na chorobę oczu, przez którą prawie całkowicie przestał pisać.

W ostatnich dziesięcioleciach jego życia Munch zyskał sławę i uznanie. W największe miasta Europa gościła jego osobiste wystawy, w 1933 został odznaczony Krzyżem Wielkim Orderu Świętego Olafa.

W Oslo znajduje się otwarte w 1963 r. Muzeum Muncha, z którego 22 sierpnia 2004 r. płótna „Krzyk” i „Madonna” zostały skradzione przez dwóch uzbrojonych przestępców. W maju 2006 roku trzech oskarżonych o kradzież zostało skazanych na kary więzienia, aw sierpniu policja mogła zlokalizować prace. W czasie, gdy znajdowały się w rękach złodziei, oba płótna uległy zniszczeniu: miały rysy i ślady wilgoci, płótna były podarte.

Według rzecznika muzeum plama w rogu obrazu „Krzyk” pozostanie widoczna. „Konserwatorzy nie chcieli podejmować żadnych nieodwracalnych działań” – podało muzeum, dodając, że być może w przyszłości pojawią się metody na usunięcie plamy z obrazu.

Krater na Merkurym nosi imię Muncha.