Szekspirowski Globe Theatre jest uważany za jeden z najbardziej znanych nie tylko w Wielkiej Brytanii, ale także w Europie. Dziś jest nie tylko słynną instytucją kulturalną, w której można zobaczyć produkcje znanych reżyserów i oglądać występy gwiazd światowej sceny teatralnej, ale jest to również jedna z najsłynniejszych atrakcji Londynu.
tło
Wszystko zaczęło się od budowy pierwszego teatru publicznego w Londynie w 1576 roku w Shoreditch, który wszyscy nazywali po prostu „Teatrem”. Należał do Jamesa Burbage, który w młodości pracował jako stolarz, ale później został aktorem i założył własną trupę. Teatr ten istniał do 1597 r., kiedy to właściciel gruntu, na którym stał, zażądał opuszczenia działki lub podwójnej zapłaty. Następnie synowie właściciela placówki – Richard i Cuthbert – postanowili założyć nową placówkę po drugiej stronie Tamizy i przetransportowali tam na tratwach zdemontowane drewniane konstrukcje sceny – belka po belce.
Pierwszy „Glob”
Budowa nowego teatru trwała 2 lata. W efekcie spadkobiercy Burbage'a stali się właścicielami połowy budynku i objęli 50 proc. udziałów nowej instytucji. Jeśli chodzi o pozostałe wartościowe papiery, następnie podzielili ich pomiędzy kilku najsłynniejszych członków dawnej trupy, z których jeden był aktorem i autorem większości sztuk składających się na repertuar Globe - William Shakespeare.
Nowy teatr trwał zaledwie 14 lat, podczas których odbywały się tam prawykonania niemal wszystkich utworów napisanych przez wielkiego dramaturga. The Globe cieszył się niezwykłą popularnością, a wśród widzów często można było zobaczyć ważnych szlachciców i arystokratów. Kiedyś, gdy wystawiano sztukę „Henryk Ósmy”, działo teatralne zawiodło, w wyniku czego zapalił się kryty strzechą dach, a drewniany budynek spłonął w ciągu kilku godzin. Na szczęście nikt poza jednym widzem, który doznał lekkich poparzeń, nie został ranny, ale szekspirowski Globe Theatre, uważany wówczas za jedną z najsłynniejszych tego typu instytucji w Anglii, został zniszczony.
Historia od 1614 do 1642
Tuż po pożarze teatr został odbudowany na tym samym miejscu. Jednak do tej pory naukowcy nie zgoda o tym, czy William Shakespeare był zaangażowany w finansowanie nowego projektu. Jak zauważają biografowie dramaturga, w tym okresie miał duże problemy ze zdrowiem i całkiem możliwe, że zaczął stopniowo przechodzić na emeryturę. Tak czy inaczej, Szekspir zmarł 23 kwietnia 1616 roku, podczas gdy drugi teatr trwał do 1642 roku. Wtedy to „Globe” zostało zamknięte, a jego trupa rozwiązana, ponieważ w Anglii Wojna domowa, a purytanie, którzy doszli do władzy, osiągnęli zakaz wszelkich imprez rozrywkowych jako sprzecznych z moralnością protestancką. Po 2 latach budynek teatru został całkowicie rozebrany, uwalniając tym samym miejsce pod budowę apartamentowców. Jednocześnie budowa była prowadzona tak gęsto, że nie było nawet śladów istnienia teatru Globe.
Wykopaliska
Wielka Brytania jest znana jako kraj, w którym przez ostatnie 500 lat bardzo uważnie przywiązywali się do dokumentów i archiwów. Dlatego bardzo dziwne jest, że do końca lat 80. ubiegłego wieku nikt nie był w stanie podać dokładnego miejsca, w którym w XVII wieku słynny teatr Globus Szekspira. Światło na to pytanie rzuciła wyprodukowana w 1989 roku na parkingu Anchor Terrace przy ulicy Parkowej. Następnie naukowcom udało się znaleźć części fundamentu i jedną z wież Globe. Zdaniem naukowców, do dziś warto byłoby szukać nowych fragmentów zespołu teatralnego na tym terenie. Badania nie są jednak możliwe, gdyż w pobliżu znajdują się zabytki architektury z XVIII wieku, które zgodnie z prawem brytyjskim nie podlegają analizie.
Jaki był budynek teatru za Szekspira?
Wymiary drugiego „Globu” wciąż nie są pewne, ale naukowcom udało się odtworzyć jego plan z dużą dokładnością. W szczególności udało się ustalić, że został zbudowany w formie trzypoziomowego otwartego amfiteatru o średnicy 97-102 stóp, który mógł jednocześnie pomieścić do 3 tysięcy widzów. Jednocześnie początkowo sądzono, że jest to konstrukcja okrągła, ale wykopy części fundamentu wykazały, że przypomina ona konstrukcję 18- lub 20-boczną i posiada co najmniej jedną wieżę.
Jeśli chodzi o wnętrze Globe, wydłużone proscenium sięgało środka otwartego dziedzińca. Sama scena, z zapadnią, z której w razie potrzeby wychodzili aktorzy, miała 43 stopy szerokości, 27 stóp długości i została podniesiona nad ziemię na wysokość około 1,5 metra.
Miejsca dla widzów
Z zachowanego do dziś opisu teatru Globe wynika, że wzdłuż muru na pierwszym poziomie znajdowały się dość wygodne loże dla arystokracji. Nad nimi znajdowały się galerie dla zamożnych obywateli, podczas gdy mniej zamożni, ale szanowani londyńczycy i młodzi ludzie, którzy mieli pieniądze, oglądali spektakl, siedząc na siedzeniach ustawionych bezpośrednio na scenie. W teatrze był też tzw. dół, do którego wpuszczano biednych, którzy mogli zapłacić 1 grosz za obejrzenie spektaklu. Co ciekawe, ta kategoria miała zwyczaj jedzenia orzechów i pomarańczy podczas przedstawień teatralnych, więc podczas wykopywania fundamentów Globe znaleziono stosy fragmentów muszli i nasion cytrusów.
Za kulisami i miejscami dla muzyków
Nad tyłem sceny wzniesiono dach, wsparty na masywnych kolumnach. Pod nim, w odległości ludzkiej wysokości, znajdował się sufit z wymalowanym w chmury włazem, z którego w razie potrzeby aktorzy mogli zejść na linach, przedstawiając bóstwa lub anioły. W czasie przedstawień nie zabrakło także pracowników scenicznych, obniżających lub podnoszących scenerię.
Zza skrzydeł, gdzie członkowie zespołu przebierali się i skąd obserwowali występ w oczekiwaniu na ich pojawienie się, na scenę prowadziło dwoje lub troje drzwi. Do skrzydeł przylegał balkon, na którym siedzieli muzycy orkiestry teatralnej, a w niektórych przedstawieniach, na przykład podczas inscenizacji Romea i Julii, służył jako dodatkowa platforma, na której odbywała się sztuka.
Szekspirowski Globe Theatre dzisiaj
Anglia jest uważana za jeden z krajów, których wkład w świat sztuki dramatycznej jest trudny do przecenienia. A dziś znanych, w tym historycznych, teatrów w Londynie, których jest kilkanaście, nie brakuje widzów przez cały sezon. Szczególnie ciekawa jest trzecia „Globa” z rzędu, gdyż zwiedzanie go jest niczym podróż w czasie. Dodatkowo turystów przyciąga działające pod nim interaktywne muzeum.
W latach 90. pomysł zrodził się, aby ożywić teatr angielski"Globus". Co więcej, znany amerykański reżyser i aktor Sam Wanamaker, który kierował projektem, nalegał, aby nowy budynek został zbudowany w taki sposób, aby jak najbardziej przypominał oryginał. Recenzje turystów, którzy brali już udział w przedstawieniach Teatru Globus wskazują, że dość duży zespół znani architekci, inżynierowie i konsultanci, zajęci odrodzeniem jednej z najsłynniejszych instytucji kulturalnych w historii Londynu, udało się to w pełni. Pokryli go nawet mieszanką ognioodporną, chociaż taki materiał budowlany nie był używany w stolicy Wielkiej Brytanii od ponad 250 lat. Wernisaż odbył się w 1997 roku i od około 18 lat można oglądać spektakle wielu sztuk Szekspira w oryginalnych scenografiach i kostiumach. Ponadto, podobnie jak za panowania Jakuba I i Karola I, nie ma teatrów, a przedstawienia odbywają się tylko w ciągu dnia.
Przedstawienia
Jak już wspomniano, podstawą repertuaru odrodzonego „Globe” jest sztuka Williama Szekspira. Szczególnie popularne są spektakle takie jak „Poskromienie złośnicy”, „Król Lear”, „Henryk IV”, „Hamlet” i inne, grane tak, jak były w XVII wieku. Trzeba uczciwie powiedzieć, że nie wszystkie tradycje teatru szekspirowskiego zostały zachowane we współczesnym Globe. W szczególności role kobiece grają teraz aktorki, a nie młodzi aktorzy, jak to było w zwyczaju 250 lat temu.
Całkiem niedawno teatr przyjechał na tournée do Rosji i przywiózł ze sobą produkcję sztuki „Sen nocy letniej”. Mogli to zobaczyć nie tylko Moskali, ale także mieszkańcy Jekaterynburga, Pskowa i wielu innych miast naszego kraju. Reakcje Rosjan były więcej niż pełne podziwu, nawet pomimo tego, że większość widzów słuchała tekstu w tłumaczeniu symultanicznym, co nie mogło nie zakłócać całościowego postrzegania występu aktorów.
Gdzie się znajduje i jak się tam dostać?
Dziś szekspirowski Globe Theatre znajduje się przy New Globe Walk, SE1. Najłatwiej dostać się tam metrem do stacji Cannon St, Mansion House. Ponieważ budynek jest częściowo bez dachu, można zostać widzem spektaklu Teatru Globus tylko od 19 maja do 20 września. Jednocześnie przez cały rok organizowane są wycieczki po budynku, co pozwala zobaczyć nie tylko scenę i audytorium, ale też jak zaaranżowana jest sceneria i backstage. Turystom pokazywane są również kostiumy wykonane według szkiców z XVII w. i dawne.Cena za zwiedzanie teatru jako muzeum czasów Szekspira to 7 funtów dla dzieci i 11 funtów dla dorosłych.
Teraz znasz historię Globe Theatre, wiesz też, jak się tam dostać i jakie spektakle możesz tam zobaczyć.
Jeśli sam Szekspir oddał prasie swoje wielkie wiersze, nie zamierzał publikować sztuk. I gdyby taka była jego wola, być może żaden z nich nie dotarłby do druku.
Może się to wydawać paradoksalne, ale nie ma co do tego wątpliwości.
Aby to zrozumieć, należy wziąć pod uwagę dwie rzeczy.
Przede wszystkim trupy teatralne nie były zainteresowane wydawaniem sztuk. Po przejęciu sztuki od autora starali się, aby nie trafiła ona w niepowołane ręce. Obawiali się, że sztukę wystawi jakaś rywalizująca trupa. Dlatego też, gdy sztuka była na scenie, jej tekst był starannie chroniony przed kradzieżą. Istniała tylko w jednym egzemplarzu, który prowadził suflerka, nazywana w ówczesnym teatrze „księgowym” (księgowym).
Szekspir był nie tylko dramatopisarzem, ale także udziałowcem trupy teatralnej, w której grał jako aktor i dla której pisał sztuki. Opłata była wtedy bardzo skromna. Wynagrodzenie za grę wahało się od 6 do 10 funtów. Szekspir zarabiał nie na pisaniu sztuk, ale na swojej części dochodów z zysków trupy, do której miał prawo jako jeden z sześciu udziałowców działającej spółki osobowej. Honorarium aktora i dochody akcjonariusza teatru znacznie przewyższały zarobki dramaturgów. Ponadto, sprzedając sztukę teatrowi, autor utracił do niej prawo. Stała się własnością trupy. Zdarzało się, że trupy sprzedawały dawne sztuki, które wyszły z repertuaru wydawcom, ale zapłata nie trafiała do autora, lecz do skarbca trupy.
Dlatego jeśli weźmiemy w tej sprawie stronę materialną, to Szekspir nie był zainteresowany publikacją swoich sztuk.
Ale może jego duma autorska byłaby pochlebna, gdyby czytelnicy doceniali walory sztuk, niezależnie od gry aktorskiej - w końcu w teatrze wielki sukces trafia do udziału wykonawców? Najwyraźniej dla Szekspira też nie miało to znaczenia. W każdym razie nie ma dowodów na to, że był dumny ze stworzonych przez siebie sztuk.
Z większą pewnością można stwierdzić inaczej, a mianowicie, że Szekspir nie myślał o swoich sztukach poza sceną. Był urodzonym dramatopisarzem. Jego twórcza wyobraźnia była nie tylko poetycka, ale i teatralna. Szekspir pisał sztuki nie do czytania, ale do grania na scenie. Jego współczesny dramaturg John Marston wyraził nawet ubolewanie, że „sceny, które są pisane tylko po to, by mówić, muszą być drukowane do czytania”. Mówiąc to, wyraził nie tylko swoją opinię. Tak myśleli wszyscy dramaturdzy, którzy pisali sztuki dla publicznego teatru ludowego.
I tak było nie tylko w Anglii, ale także w innych krajach. Wielki francuski dramaturg Molier, urodzony po śmierci Szekspira i należący do kolejnej epoki w historii teatru europejskiego, kategorycznie stwierdził: „Komedie pisze się tylko po to, by je grać”.
Tak na dramat zawsze patrzyli wybitni dramaturdzy. JAKIŚ. Ostrowski pisał bez ogródek: „Tylko wystawiona na scenie fikcja dramatyczna autora uzyskuje całkowicie skończoną formę i wywołuje dokładnie taki moralny efekt, jaki autor postawił sobie za cel”.
Teraz jest dla nas oczywiste, że dramaty Szekspira to arcydzieła literatury. Jednak sam Szekspir uważał się za jednego z uczestników tworzenia spektaklu teatralnego. Zobaczymy później, jak znalazło to odzwierciedlenie w jego sztukach. Tymczasem ograniczmy się do przyznania, że Szekspir nie pisał swoich sztuk dla prasy, pisał je na scenę.
Ale dlaczego Szekspir tak uparcie namawia przyjaciela do małżeństwa? Jest na to wytłumaczenie: zarówno Southampton, jak i Pembroke miały w tym względzie problemy. Southampton odmówił poślubienia wnuczki wszechpotężnego kanclerza Burghleya, przez co miał kłopoty i grzywnę w wysokości 5000 funtów, a Pembroke spał z druhną Elżbiety, ale odmówił utrwalenia tego, co zostało zrobione przez małżeństwo, na które wydał czas w więzieniu aż do śmierci „dziewicy” królowej.
Tak więc wezwania do małżeństwa, rozsyłane na sądzie, były próbą rehabilitacji winnego w oczach tronu. Krewni poprosili poetę, aby „wpłynął” na jednego z jego przyjaciół i złagodził gniew władz Tak, sam Szekspir nie życzył im krzywdy, ale tęsknił za szczerym wyjaśnieniem
Jeśli chodzi o śniadą damę, jej miejsce zajmuje wiele pań. Podobno nie była arystokratką, ale należała do grona pałacowej służby.
W każdym razie „Sonety” Szekspira są żywym pomnikiem zarówno jego geniuszu, jak i wolności obyczajów późnego renesansu.
Najbardziej niebezpieczna postać Szekspira
Zdecydowanie największymi złoczyńcami w twórczości Szekspira są Ryszard III, Iago (Otello) i Lady Makbet. Porozmawiamy jeszcze o dwóch ostatnich. A co do pierwszego, zróbmy zastrzeżenie, że w tym się wydaje obraz historyczny Szekspir ma własne szyfry semantyczne. Pierwszy czysta woda propaganda. Richard był przeciwnikiem panującej dynastii Tudorów, ich wrogiem i pokonanym wrogiem. Musiał być oznakowany w najbardziej niezawodny sposób. Dlatego Ryszard numer trzy Szekspira nie ma prawie nic wspólnego z autentycznym historycznym Ryszardem III, nie był ani garbusem (raczej przystojnym), ani rozpustnikiem i szczególnym (jak na tamte lata) złoczyńcą.
Jednak wypełniając ideologiczny porządek Tudorów, Szekspir wpadł w prawdziwą twórczą wściekłość i stworzył jeden z najpotężniejszych obrazów łajdaka w całej światowej literaturze. Myślę, że rozwiązanie jest proste. jak ktokolwiek myśląca osoba, młody Szekspir martwił się naturą zła i NATURĄ ZŁEJ MOCY na świecie. Chrześcijanie postulują Boga jako wszechdobrą, całkowicie pozytywną zasadę, ale teologowie są nieustannie zmuszani do usprawiedliwiania go, jego główne stworzenie, człowiek, okazał się do tego stopnia niedoskonały. Tak, a całe życie na Ziemi nie pasuje dobrze do postulatów religijnych.
Odkrywając zło, autora w swoim Ryszardzie III fascynuje, JAK ten czarny charakter, niczym poeta i aktor, potrafi zręcznie grać na strunach dusze ludzkie. Polityka jako sztuka (podobna do sztuki), ta dziwna cecha gry politycznej niepokoiła Szekspira, prawdopodobnie bardziej niż specyficzny „porządek” ideologiczny Tudorów. W swoim Ryszardzie III uchwycił podobieństwo do siebie, umiejętność tworzenia własnej wersji życia z materiału życia, przekształcania go zgodnie z własnym planem!
Jednak „w życiu” najgroźniejszym dla Szekspira był bohater jego innej kroniki historycznej, Ryszard II. Ten ostatni przedstawiciel Plantagenetów na tronie angielskim, rozpieszczony, niepoważny, słaby, został usunięty przez parlament i zabity przez swego zdobywcę. To prawda, w więzieniu, pod ciężarem cierpienia, w Ryszardzie II obudził się poeta, co oznacza, że znów ukryto tu liryczny szyfr Szekspira!
W ustach jednego z bohaterów tej kroniki autor wkłada prawdziwy hymn Anglii:
Pomyśl tylko, że ta królewska wyspa
Kraina wielkości, siedziba Marsa,
Tron królewski, to jest Eden,
Przeciw złu i okropnościom wojny
Twierdza zbudowana przez samą naturę,
Najszczęśliwsze plemię ojczyzny,
Ten świat jest wyjątkowy, ten cudowny diament
W srebrnej ramie oceanu
Który, jak mur zamkowy,
Ile chroni wyspę fosą ochronną
Z zazdrości niezbyt szczęśliwych krajów.
(Przetłumaczone przez M. Donskoy)
A więc to ten bardzo poetycko-patriotyczny „Ryszard II” prawie bardzo bawił się z samym autorem zły żart prawie kosztowało go wolność, a może nawet życie.
Faktem jest, że w lutym 1601 ulubiony hrabia królowej Essex wzniecił bunt w prowincji i przeniósł się do Londynu. W stolicy wybuchły zamieszki. I właśnie w tym czasie „słudzy lorda szambelana” nie znaleźli nic lepszego niż zagrać „Ryszarda II”, sztukę o obaleniu prawowitego władcy!
Występ Essexa nie powiódł się, on sam został ścięty, jego przyjaciel (i patron Szekspira) Southampton został uwięziony.
Ale represje nie dotknęły, o dziwo, „wywrotowej” trupy i sztuki! Od aktorów domagał się jedynie pisemnego wyjaśnienia.
Jednak Elizabeth zapamiętała ten występ. Krótko przed śmiercią odwiedziła Archiwum Państwowe i poprosiła przede wszystkim o pokazanie jej ustawy, która obaliła Ryszarda II. Widząc zaskoczenie archiwisty Elżbieta wykrzyknęła nie bez gorzkiej ironii: „Nie wiesz, że jestem Ryszardem II?!”
Czy można sobie wyobrazić coś podobnego w Rosji jeszcze w XX wieku?...
N-tak, przecież kolebką demokracji ta przebiegła Anglia
Najbardziej kontrowersyjna postać Szekspira
Nie, to nie jest Hamlet ani Otello. Jak na ironię, to najmilszy sir John Falstaff. Stary gruby rycerz, przykład cynizmu, doprowadzony do stopnia zniewalającego uroku, coś w rodzaju szekspirowskiej wersji Kubusia Puchatka, „najważniejsze, żeby zjeść na czas!”
Urodził się ze skandalem. Szekspir napisał kronikę historyczną „Król Henryk IV. Część 1. W nim młody Harry, książę Walii (przyszły Henryk V) bawi się w towarzystwie łobuzów i niepoważnych dziewczyn pod mądrym przewodnictwem starego rycerza Sir Oldcastle. Zarówno rozbrykane psikusy księcia, jak i udział w nich Oldcastle są zapisane w kronikach historycznych. Ale gdy tylko wieść o zabawnej postaci rozeszła się po całym Londynie, do teatru dosłownie wpadła paczka służących jednego lorda, który niestety okazał się bezpośrednim potomkiem tego właśnie żarłoka, pijaka i biesiadników ze Starego Zamku! Szekspir pilnie, pod groźbą patyków, musiał zmienić imię postaci na Sir John Falstaff. Na szczęście nie miał żyjących potomków.
Dobroduszny John (Jack) Falstaff kocha siebie tak bardzo, że po prostu nie można nie dzielić tej ognistej słabości i pasji: „Nie, mój dobry panie, co do drogiego Jacka Falstaffa, dobrego Jacka Falstaffa, wiernego Jacka Falstaffa, odważnego Jack Falstaff, który jest dzielny pomimo swojego wieku, nie oddzielaj go, nie oddzielaj go od swojego Harry'ego! Przecież odpędzanie grubego Jacka oznacza odpędzanie wszystkich najpiękniejszych rzeczy na świecie! (przetłumaczone przez E. Birukovą).
Dlaczego nie Kubuś Puchatek?
Wizerunek Falstaffa przyciągnął Puszkina jako przykład dokładnej konstrukcji postaci. W szczególności zauważył, że „lata i Bachus wyraźnie miały pierwszeństwo przed Wenus w starym rycerzu”.
Królowa Elżbieta w ogóle nie chciała tego zrozumieć. Z naiwnością „dziewicy” pragnęła, aby Szekspir przedstawił jej najmilszego starego zakochanego Falstaffa! W ciągu trzech tygodni Szekspir napisał Wesołe kumoszki z Windsoru, w których stary Falstaff leniwie, jak pod kijem, wlecze się za dwiema plotkami naraz.
Prawdopodobnie zarówno postać, jak i jego sukces tak niepokoiły autora, że „dokończył” Falstaffa w kronice „Henryk V”, w której wspomina się o śmierci staruszka.
Publiczność PO PROSTU uwielbia Falstaff. Ale nudni filolodzy zastanawiają się, jakie znaczenie kryje się w tym obrazie? Kpina z rycerskości? A może wręcz przeciwnie, człowiekowi nowego typu na tamte czasy, dalekiego od klasowego przepychu i blichtru? A może w Jacku Falstaff jest ziarno angielskiego? charakter narodowy, gdzie ekscentryczność i zdrowy rozsądek przeplatają się tak subtelnie i życiodajnie?... Przemawia za tym miłość współczesnych do tego obrazu
Geniusz-ignorant?
Jednym ze starych argumentów przeciwko autorstwa samego Szekspira jest jego rzekomo niski poziom wykształcenia. Tymczasem wiemy już, że przebywanie w szkole pozwoliło mu pracować jako nauczyciel. Z łatwością mógł czerpać informacje z historii, geografii, filozofii, teologii i wątków literackich z zaledwie 17 popularnych wówczas książek! To wcale nie jest taka droga biblioteka dla dobrze opłacanego „człowieka teatru”. A jeśli weźmiemy pod uwagę, że Szekspir poruszał się wśród ludzi wykształconych, często bardzo zamożnych i posiadających własne duże biblioteki, to kwestia „nudności” Szekspira zostaje usunięta sama.
Być może słabo władał łaciną i starożytną greką, jak to było wówczas w zwyczaju inteligencji. Ale Szekspir dobrze rozumiał włoski (nieprzypadkowo akcja wielu jego sztuk rozgrywa się we Włoszech, bo fabuły często były czerpiące z włoskich opowiadań) i mówił po francusku. W domu francuskiego emigranta mieszkał kiedyś w Londynie.
Z tym właśnie Szekspir naprawdę miał „napięcie”, to z wymyślaniem oryginalnych fabuł! Jedynie wątki trzech jego sztuk (komedie Utracona praca w miłości, Sen nocy letniej i Wesołe kumoszki z Windsoru) należą do samego Szekspira. Resztę zaczerpnięto z kronik i zbiorów opowiadań.
Ale przecież nasz Puszkin też był bardzo „niemożliwy” (dlatego trudno go przetłumaczyć)! Jak mawiał nasz geniusz: „Powiedziałeś to samo, ale nie tak, jak byś powiedział”
Śmiech i łzy jego komedii
Oczywiście, jak każdego laika, interesują nas osobiste szyfry zawarte przez Szekspira w jego sztukach. Skoro są w kronikach historycznych, to z pewnością powinny być w bardziej zrelaksowanych gatunkach, w tragediach i komediach.
Zacznijmy oczywiście od komedii.
Już we wczesnej komedio-farsie Poskromienie złośnicy, jeśli chcesz, możesz zobaczyć zemstę swojej „zrzędliwej” żony (o ile Anne Hasway-Shakespeare rzeczywiście miała sukowate usposobienie). W każdym razie utopijny pomysł, że mąż jest w stanie powstrzymać swoją żonę, mógł przyjść do głowy tylko cierpiącemu żonatemu mężczyźnie.
Czasami Szekspirowi pomagały wspomnienia kolorowych mieszkańców Stratford, z którymi nigdy nie zerwał. Historycy znajdują swoje prototypy dla bohaterów Wesołych żon z Windsoru i być może Snu nocy letniej. Nawiasem mówiąc, w najnowszej komedii jest jeszcze jedna tajemna skrzynka znaczeń, jeszcze jeden szyfr Szekspira. Wielu postrzega tę sztukę jako komiczną parafrazę pierwszej tragedii Szekspira, Romea i Julii.
(Nawiasem mówiąc, ten ostatni ma wiele scen komiksowych).
Śmiech i łzy, radość i smutek idą ręka w rękę na kartach dramatów Szekspira, czasem bardzo znacząco zacierając ich przynależność gatunkową.
Cóż, wszystko jest jak w życiu.
Z życia i wielu motywów jego komedii, które czasem wydają się wręcz sztuczne nowoczesna przeglądarka. Na przykład motyw siostry szukającej brata, motyw bliźniaków, który swoje apogeum znajduje w najlepszej i ostatniej komedii Szekspira, w jego Wieczór Trzech Króli. Została oparta na komedii Plauta „Menechmy”. Ale oto motyw tęsknoty siostry za utraconym z życia bratem. Pamiętamy, że Szekspir ma troje dzieci: najstarszą Susan oraz bliźniaczki Judith i Hamnet. Hamnet umrze w 1596 roku. Tęsknota Judith za bratem bliźniakiem pogłębiła się przeżycie emocjonalne i ich ojciec
Tragedia dlaczego?
Oczywiście większość tragedii Szekspira jest już w jego kronikach historycznych. Dlaczego jednak od 1601 roku niemal całkowicie przerzucił się na kilka lat na gatunek „czystej” tragedii?
Zewnętrznie bardzo zamożny, zamożny, uznany dramaturg nagle otwiera przed widzami otchłań tragizmu życia. Przyczyny tego uporczywego nastroju Szekspira nie są w pełni zrozumiałe.
Oczywiście śmierć Hamneta, a także jego ojca (w 1601), bardzo wstrząsnęła Szekspirem.
Pierwsza tragedia Szekspira „Romeo i Julia” (1595) Ale to nie świat jest w nim tragiczny, ale konkretna historia kochające serca. Nawiasem mówiąc, kosztem ich życia źródło zła zostaje odkupione: walczące strony są pojednane. Historia Romea i Julii pozostanie „najsmutniejszą rzeczą na świecie” właśnie dlatego, że szczęście BYŁO MOŻLIWE, ten tragiczny raczej wyjątek w tym roziskrzonym, radosnym świecie.
W „Hamlecie” (1601) świat jest tragiczny i straszny, a człowiek jest „kwintesencją prochu”. Przed zemstą na mordercy swojego ojca Hamlet próbuje ZROZUMIEĆ naturę zła w otaczających go ludziach, testuje ich i torturuje.
Oczywiście „Hamlet” jest w bardzo dużym stopniu inspirowany utratą bliskiej osoby i tymi „pytaniami do wszechświata”, które nieuchronnie nasuwają się w związku z tym. Duch ojca Szekspira w duchu ojca Hamleta. Nawet fakt, że John Shakespeare był katolikiem, jego syn wykorzystuje w opowiadaniu Ducha o życiu pozagrobowym. Duch opisuje czyściec (który mają katolicy, a którego nie mają protestanci).
Inne szyfry liryczne zostały znalezione w najsłynniejszej tragedii Szekspira. W końcu imię jego zmarłego syna Hamneta jest jedną z możliwych form imienia Hamlet! Motyw ojca/syna zyskuje dodatkową moc liryczną!
A jeśli weźmiemy pod uwagę, że w latach młodości Szekspira dziewczyna Anne Hamlet utopiła się w Avon (a ta wrażliwa nastolatka nie mogła nie pamiętać), to oto jest jedno ze źródeł obrazu Ofelii.
W 1604 roku pojawia się tragedia Otello. Historia miłosna Maura i białej kobiety jest niezwykle istotna. W epoce odkrycia geograficzne istnieje mieszanka ludów i ras. Z jednej strony nie było to wtedy mile widziane. Z drugiej strony rozumiesz egzotyczne i wróżbiarskie konsekwencje dla kraju.
Puszkin zdefiniował Otella nie jako dzikiego zazdrosnego człowieka, ale jako osobę łatwowierną. Człowiek innej kultury, Maur jest bardziej naiwny i prostszy” biały mężczyzna» Jago. W ustach tych ostatnich Szekspir stawia żywy monolog o sile człowieka, który siłą woli może kontrolować siebie i wszystko wokół siebie. Jednak monolog brzmi niejednoznacznie: w końcu Iago potrafi wykorzystać swoją stalową wolę zarówno dla dobra, jak i zła, i ciągnie go właśnie do zła! Europejczyk, człowiek o wyrafinowanej kulturze, potrafi manipulować znacznie bardziej duchową całością i godnym „dzikim”, czyniąc z niego złoczyńcę.
A jednak nie trzeba podkreślać rasowego tła konfliktu. "Jestem czarny!" Otello mówi gorzko, ale bynajmniej nie koloru jego skóry (swoją drogą, nie jest też taki czarny: Maur, nie Murzyn), ale czerń, która ogarnęła jego dopiero co zagojoną duszę od ran , zadane przez okrutny świat.
Co więcej: u Króla Leara (1605) polityka, społeczeństwo i natura są całkowicie wrogie człowiekowi. Być może tylko bezradny, zepchnięty na margines życia, „odżywający” starzec może tak widzieć świat. I to jest „życie takie, jakie jest”. Jest mało prawdopodobne, abyśmy pomylili się, nazywając tę tragedię w naszych czasach iw naszym kraju niezwykle istotną.
Ostatni wielka tragedia Szekspir został Makbetem (1606), napisany na wątku z historii Szkocji, miał schlebiać królowi Jakubowi ze Stolandu, synowi Marii Stuart, który w 1603 roku wstąpił na angielski tron po śmierci Elżbiety. Ponadto ten monarcha szczerze wierzył w istnienie czarownic. Jeden z nich na przykład po prostu opowiedział mu słowo w słowo swoją rozmowę z żoną w noc poślubną. Znając jednak skłonności Jakuba, nietrudno było przynajmniej domyślać się tematu
Lady Macbeth to prawdziwa wiedźma, która poświęca swoją kobiecą naturę ciemnym siłom w zamian za szczęście i władzę. W tej tragedii o silnym mistycznym zabarwieniu Szekspir bada potęgę zła nad ludzką duszą, moc, która może okazać się całkowita. I zgodnie z prawami demonologii (tak jak je wówczas rozumiano) nadchodzi nieunikniona odpłata za dar ciemnych sił. W tragedii motyw ciemności i ślepoty staje się przezroczysty. Podczas gdy księżyc (jest boginią złych zaklęć Hekate) pozostaje niewidzialny, panuje całkowita ciemność i słodka para Makbet może dokonywać swoich złych czynów. Ale nadchodzi nów księżyca i nadchodzi czas płacenia rachunków
Zgodnie z dowcipną uwagą jednego z badaczy, Szekspira fascynuje w „Makbecie” fakt, że zło ma swoją własną ciemność i swoje własne światło, że jest zatem całkowicie samowystarczalne (albo może tak się czuć).
Ale oko przyciąga tylko jedno ciało -
Serca nie można zobaczyć okiem.
Jednak oczy te przebiegłe chcą uświetnić ich sztukę,
Rysują, ale to, co widzą, serca nie znają.
Sonet 24 / Sonet 24
Przyznaję... w całym swoim życiu nie czytałem ani jednej sztuki Szekspira. Nie mówię o oryginalnym tekście - nie czytałem nawet tłumaczeń! Twórczość Shake-spear-e jest mi znana jedynie z licznych ekranizacji, adaptacji, nawiązań historycznych, kilku biografii i wielu kupletów wyrwanych z jego prac. W związku z tym wyrażam głęboką wdzięczność Aleksiejowi Wadimowiczowi Bartoszewiczowi - profesorowi, kierownikowi Katedry Historii Teatru Zagranicznego Rosyjskiej Akademii Sztuk Teatralnych - za przygotowanie mnie do czytania sztuk Szekspira; za zaszczepienie zrozumienia dramatu renesansowego jako całości. W pełni opierając się na doświadczeniu Aleksieja Wadimowicza, mogę tylko powtórzyć jego wykłady z cyklu „Szekspir – człowiek teatru”.
William Szekspir(1564-1616) był utalentowanym dramatopisarzem, który pracował w trupie londyńskiego teatru Globe. To właśnie w tym teatrze po raz pierwszy wystawiono wszystkie słynne dramaty szekspirowskie. Czym był „Glob” pod koniec XVI wieku? Przenieśmy się o 4 wieki do przodu...
Publiczność teatru szekspirowskiego to plebs Londynu: rzemieślnicy, żołnierze, marynarze, którzy wnieśli do teatru swoje marne grosze, ściśnięte w spoconych pięściach. Pod stopami w „portieru” teatru była tylko ziemia. Nie było dachu. W audytorium była beczka, dzięki której ludzie mogli rozwiązywać swoje problemy fizjologiczne bez odrywania wzroku od przedstawienia. W tłumie widzów krzątali się sprzedawcy orzechów, piwa, cukierków. Publiczność, oglądając Hamleta, Króla Leara lub inny ultragłęboki dramat szekspirowski, tłukła orzechy, wypluwała muszle pod nogi, piła piwo lub paliła cuchnący tytoń (właśnie przywieziony z Ameryki i jeszcze nie nauczył się, jak to zrobić). wyczyść to, więc koniec audytorium zawsze była cuchnąca chmura). Za dodatkowy grosz można było wejść do galerii, ale nie każdego było na to stać. Zasadniczo publiczność to tłum, który cały czas stoi na nogach bez przerw, a to średnio dwie godziny.
Jak walka ojców zrujnowała dwoje dzieci,
W ciągu tych dwóch godzin przedstawimy…
I ciągłość gniewu ich rodziców,
Którego, ale koniec ich dzieci, nic nie może usunąć,
Czy teraz dwugodzinny ruch na naszej scenie…
„Romeo i Julia” / „Romeo i Julia”
Akcja na scenie była zawsze w szybkim tempie. (Spróbuj teraz zagrać Romea i Julię ze wszystkimi przerwami, pauzami psychologicznymi, systemem Stanisławskiego w mniej niż cztery godziny.) Grali wtedy szybko, bo samo postrzeganie życia było pełne energii, pełne renesansowych inspiracji. Nawiasem mówiąc, trupy teatralne poświęciły nie więcej niż tydzień na wystawienie nowego spektaklu. Ogromne teksty ról wyuczonych w zaledwie kilku próbach.
Teatr nigdy nie był uważany za sztukę elitarną. Teatr był sztuką dla tłumu, dla ulicy, dla zwykłych ludzi. Oczywiście naukowcy, humaniści, dworzanie mogli tam zajrzeć - nikt im tego nie zabronił, ale głównym widzem jest londyński tłum. Wszystko zależało od jej gustu. Musieli się z nią liczyć zarówno aktorzy, jak i dramaturdzy. Co było interesujące dla tej niepiśmiennej publiczności, czego oczekiwali po występie? - żeby ktoś zginął na scenie, żeby były bójki, żeby była miłość, żeby śpiewano piosenki, żeby żartowały błazny… Ci niepiśmienni rzemieślnicy byli główną publicznością teatru Szekspira. To od ich grosza zależały opłaty ogólne, ponieważ trupa Szekspira istniała na zasadach komercyjnych. Dla tych ludzi napisano „Otella”, „Burza”…
Ale w rzeczywistości była to wspaniała i wspaniała publiczność. To była publiczność, która mogła to zobaczyć. W końcu byli to ludzie wychowani na kazaniach kościelnych – umieli słuchać, umieli widzieć. A kiedy na scenie pojawił się rysunek drzewa, zobaczyli Las Arden! Nie powiedzieli sobie: „Tak, na scenie pojawił się jakiś kikut, więc sam muszę wywnioskować, że to znak lasu”. Teatr Szekspira nie jest teatrem konwencjonalnym - to teatr wiary absolutnej, bo jego widzowie mają: zwykłych ludzi, analfabetów; była jedna wielka właściwość - boska naiwność. Boska niewinność, Sancta simplicitas - bez której nie ma wielkiego teatru. Na początku spektaklu zazwyczaj na scenę wchodziła osoba i czytała coś w rodzaju następującego tekstu:
Jak możemy przedstawić wielkie wydarzenia historyczne, bitwy, pałace… na tych nędznych drewnianych scenach? Wzywam moc twojej wyobraźni (siły urojone), a wtedy staniecie się uczestnikami sztuki, wejdziecie w świat naszego spektaklu. Twoja wyobraźnia potrafi zamienić pustkę w świat dźwięków i kolorów...
Błędem jest wyobrażanie sobie Szekspira jako jakiegoś samotnego fotelowego geniusza, samotnika, który gardzi tłumem wypełniającym jego teatr, ale pisze wprost dla potomnych, zwracając się do nich. To romantyczna iluzja. Szekspir pisał wyłącznie dla swojej publiczności. Był człowiekiem teatru. Pisał nie do czytania, ale na scenę. Ogólnie rzecz biorąc, w tym czasie w Anglii i Hiszpanii dramaturgia dopiero się zaczynała, stawiając pierwsze kroki w kierunku stworzenia siebie jako odrębnej rodziny literackiej. Dramaturgia istniała dla teatru, dla widza, a nie dla czytelnika. Spektakle były postrzegane jako swego rodzaju surowiec dla sceny. Szekspir w swoich pracach nie myślał o potomności. Myślał o tym samym tłumie, który przyszedł do jego Globe. Można to powiedzieć z jednego prostego powodu: jeśli dramaturg chce, aby jego sztuki pozostały dla potomnych, wydaje je. Szekspir nie opublikował żadnej ze swoich sztuk. Jak do nas dotarli? Sposobów było wiele.
Teatry były zamykane podczas epidemii dżumy. Aktorzy zmuszeni byli szukać środków do życia, a niektórzy z nich przenosili sztuki z repertuaru swoich teatrów do wydawców. Pierwsza znana publikacja tragedii Szekspira pojawia się właśnie w szczytowym momencie dżumy w Londynie. Trupa nie była jednak zainteresowana drukiem tekstów swoich sztuk (w końcu wiązałoby się to z obniżką opłat w samym teatrze), więc podjęto środki ostrożności: ani jeden aktor nie otrzymał całego spektaklu, a tylko tekst jego roli. Wydawcy starali się wysyłać na spektakle swoich stenografów, ale przywożone przez nich teksty często okazywały się zniekształcone, zniekształcone i skrócone. Takie były pierwsze wydania sztuk Szekspira (już wtedy nazywano je „pirackimi”). Wydawcy przekupywali też aktorów z trupy - byli to mali aktorzy "uciekający", ale znacznie lepiej odtwarzali z pamięci sztuki niż stenografowie. Co najgorsze, tym małym artystom udało się przypomnieć monologi filozoficzne. Jeśli chodzi o bardziej wiarygodne wersje sztuk Szekspira, to jest to „First Folio”, wydane przez przyjaciół Szekspira po jego śmierci.
Sztuki Szekspira to tekst teatralny. To są rzeczy przeznaczone na scenę i tylko dla niej. Prawdziwe zrozumienie sztuk Szekspira, realności ich znaczeń, jest możliwe tylko na podstawie ich teatralnego celu. W The Globe Szekspir spędził całe swoje życie: wśród rozmów aktorów fałszywe miecze. Mieszkał w trupie i sam był aktorem (rola ducha w Hamlecie). Szekspir był człowiek teatru który czuł teatralną przestrzeń, czuł zapach teatru, powietrze teatru i rozumiał znaczenie i cel każdej deski w teatrze. Szekspir pisał za każdym razem nie sztukę, ale przedstawienie ukryte w dramatycznym tekście. Kiedy pisał „Hamleta” czy „Poskromienie złośnicy” zawsze miał przed oczami strukturę teatralną. Pisał sztuki jak dramaturg z reżyserskim nastawieniem.
Scena Globe, niczym dziób statku, uderzyła prosto w audytorium, tak że publiczność otoczyła aktorów z trzech stron. Wyobraź sobie, że "Być albo nie być…" czyta się ją w taki sposób, że aktor widzi twarze otaczających go ludzi bardzo blisko siebie ze wszystkich stron. Oznacza to, że sceny mise-en-scens powinny być obszerne, a nie płaskie. zasłona z przodu scena główna nie miał. Sztuki Szekspira były budowane jako seria odcinków, z których każdy był jak mały kawałek z własną fabułą, punktem kulminacyjnym i rozwiązaniem. A jeśli ktoś zginie na scenie? Zwłoki musiały zostać jakoś usunięte, aby mogła zagrać następna scena. Szekspir we wszystkich swoich sztukach nadaje niektórym postaciom czysto teatralne funkcje sceniczne. Czasem odnosi sukcesy, czasem niezbyt dobry, wpisując w sztukę linijki wyjaśniające, dlaczego umarli zostali porwani. Obejrzyj Hamleta - na koniec wychodzi Fortinbras i mówi swoim kapitanom: "Zabierz ciała.". "Trupy" przecież nie mogły wstać i wyjść za kulisy.
Nie zapominaj, że Szekspir pisał swoje role nie dla niektórych aktorów, ale dla konkretnych - dla swojej trupy. Znał szczególne talenty każdego z nich, budował postacie postaci w zależności od tego, co jego aktorzy mogli, a czego nie mogli. Nic więc dziwnego, że w scenie pojedynku Hamleta z Laertesem królowa Gertruda nagle mówi, że Hamlet jest „gruby i zadyszany”, chociaż przywykliśmy do przedstawiania go jako jakiegoś niezwykle delikatnego księcia. Tłumaczy to fakt, że głównym aktorem szekspirowskiej trupy był Richard Burbage, który grał Hamleta, gdy był już dość dobrze odżywionym dżentelmenem. Ciekawe jest też to, że „czwarte akty tragedii Szekspira” to sceny, w których główni bohaterowie albo w ogóle nie biorą udziału, albo mają kilka prostych, niewymagających dużego wysiłku ról. Szekspir tutaj daje odpocząć głównym aktorom. Pozwala im odetchnąć po udręce kulminacji i udręce rozwiązania, finału. Szekspir jest praktykiem teatralnym. Jeszcze jeden przykład. Jeśli aranżujesz sztuki Szekspira w porządek chronologiczny, wtedy łatwo widać, jak starzeje się główny, tragiczny bohater: młody Romeo, 30-letni Hamlet, Otello (47 l.), Makbet, Król Lear, Prospero. Bohater się starzeje, bo starzeje się aktor, dla którego te wszystkie role zostały napisane – to wciąż ten sam Richard Burbage.
W teatrze szekspirowskim wszystko zależało od aktora. Scena jest pusta – aktor miał za zadanie zamienić tę pustą przestrzeń w świat pełen kolorów, ruchu i życia. Aktor grający w pustej przestrzeni sceny jest dokładnym ucieleśnieniem człowieka renesansu, który narzuca światu swoją wolę, który traktuje wszechświat jako pole działania, aby rozszerzyć swoją osobowość na granice całej ziemi. To pragnienie ekspansji, pragnienie autoafirmacji jest bardzo renesansową własnością i własnością renesansowego aktora. Przypomnij sobie słynnego Szekspira
Cały świat to teatr, a wszyscy ludzie są aktorami.
Każdy ma swoje własne wyjście i opiekę.
Cały świat jest sceną
A wszyscy mężczyźni i kobiety tylko gracze:
Mają swoje wyjścia i swoje wejścia…
„Jak Ci się podoba” / „Jak Ci się podoba”
Ten motyw teatru jako uniwersum, teatru jako modelu uniwersum można odnaleźć w Burzy, Makbecie czy Królu Lirze. To jeden z głównych motywów przewodnich twórczości Szekspira, światopogląd Szekspira. Nawet emblemat Globe Theatre - Herkules, trzymający się na ramionach Ziemia oraz łaciński podpis „Totus mundus agit histrionem” (z łac. „Cały świat działa”).
Na świecie jest wiele takich rzeczy, przyjacielu Horatio
O czym nasi mędrcy nigdy nie śnili.
Jest więcej rzeczy na niebie i ziemi, Horatio,
Niż marzysz w swojej filozofii.
„Hamlet” / „Hamlet”
Zakochany w Szekspirze Evgenii MarkowskiejSarah Bernhardt, Vivien Leigh, Jean-Louis Trintignant, Elizabeth Taylor, Clark Gable, Vanessa Redgrave, Laurence Olivier, Innokenty Smoktunovsky, John Gielgud, Michelle Pfeiffer, Mel Gibson, Leonardo DiCaprio, Anthony Hopkins, Emma Thompson, Al Pacino, Jeremy Irons. Lista jest długa, bo nie ma aktora, który nie marzyłby o zagraniu w sztuce Szekspira. I nie ma reżysera, który by nie marzył o reżyserowaniu Szekspira.
Istnieją setki adaptacji Szekspira. Są to adaptacje bezpośrednie, a także wersje bezpłatne i unowocześnione, a także różne przeróbki, parodie, filmy „na podstawie” oraz filmy, które Szekspirowi zawdzięczają tylko imię. Pierwszy „film” został wydany przez Teatr Kina Phono w 1900 roku i trwał trzy minuty. Oczywiście był to Hamlet, a w tytułowej roli błyszczała Sarah Bernhardt.
Wkrótce po swoim powstaniu kino w poszukiwaniu wątków zagłębiło się w literaturę, nie ignorując Wielkiego Wiesza. Mówią, że decydującymi powodami zwrócenia się w tamtym czasie ku tematom szekspirowskim były względy autorskie – przechodząc do kategorii „światowego dziedzictwa całej ludzkości”, Szekspir oddał fabuły całkowicie za darmo, nie wymagając tantiem, a także względy cenzury – jak wiele strasznych okrucieństw, krwawych zbrodni i urzekających wrażeń było w jego dramatach! A wszystko to pod przykrywką klasyki, bo Szekspir jest poza wszelkimi podejrzeniami! inny czas zwrócił się do Szekspira. Zobaczmy jednak...
Joe Makbet jest gangsterem. Nie jest już młody, wpływowy, niedawno poślubił ambitną piękność Lily. Ale praca, którą nałożył na niego Big Duk (Duncan), Joe jest poza jego siłą, zwłaszcza że nadszedł czas, aby został „facetem numer 1” - tak mówi Lily, sprzedawca kasztanów w nocnym klubie ... gatunek gangsterski, film „Joe Makbet”, reżyseria Ken Hughes, Anglia, 1955.)
A przynajmniej tak: czarny muzyk jazzowy ożenił się z białą piosenkarką, która, posłuszna żądaniu zazdrosnego męża, nie występuje już na scenie. Perkusista Johnny decyduje się na nikczemną intrygę: jeśli to małżeństwo zostanie zniszczone, to słodka dziewczyna z pewnością zgodzi się zaśpiewać w organizowanym przez niego zespole jazzowym… („Otello” w filmowo-muzycznym „All Night Long”, w reżyserii Basil Dearden, Anglia, 1961.)
Albo tak: Bianca i Kat, dwie siostry z liceum, studiują w tej samej uczelni. Wszyscy kochają to pierwsze, nie mogą znieść drugiego, ponieważ są uparci i niezależni. Postanawiają dać jej nauczkę, namawiając miejscowego chuligana do roli wielbiciela... („Poskromienie złośnicy” w komedii młodzieżowej „Dziesięć rzeczy, których nienawidzę”, reżyseria Jill Junger, USA, 1999). )
O próbie sfilmowania „Burzy” Szekspira w gatunku fantastyka naukowa(Film Forbidden Planet, reżyseria Fred McLeod Wilcox, USA, 1956) słynny pisarz science fiction Stanislav Lem powiedział: „To jest na poziomie delirium. A poniżej wszelką krytykę, bo robi się to z premedytacją w myśl zasady: nie daj Boże, żeby widz zastanowił się chociaż przez chwilę.
Czy stwierdzenie „Szekspir zawsze ma znaczenie” nie jest czasami brane zbyt dosłownie? Czy konieczne jest ubieranie jego bohaterów w dżinsy, aby były zrozumiałe dla pokolenia MTV? Czy konieczna jest wymiana miecza na „pistolet” kaliber 25? Od dziesięcioleci dyskutuje się o tym zarówno w teatrze, jak iw kinie. Ale prawdopodobnie forma nie jest ważna, jeśli duch jest przekazywany nieśmiertelne dzieła Szekspir, jeśli jego przesłanie jest wyraźnie czytane. W końcu Wielki Bard, kimkolwiek naprawdę był, chciał, żebyśmy myśleli i uczyli się myśleć, kochać i „wspinać się przez okna do naszych ukochanych kobiet”, marzyć i walczyć o nasze marzenia. Jeśli film oparty na jego twórczości pozostawia po sobie taki ślad, to znaczy, że esencja zostaje uchwycona i przekazana. I zawsze będą się kłócić o formę ...
Andriej Tarkowski, któremu niestety Szekspir nie był przeznaczony, choć zawsze o tym marzył, podzielił się w jednym z wywiadów swoimi przemyśleniami: współczesne problemy, a jak nie pęka, to wisi jak na wieszaku - bezkształtne . Nie brakuje ich myśli, które do dziś są nieśmiertelne. Trzeba tylko umieć je przeczytać… Moim zdaniem nigdy nie było takiego „Hamleta”, o którym pisał Szekspir. Kiedy bierze się dzieła klasyczne, arcydzieła, które mają znaczenie przez miliony lat, na zawsze, na wieki wieków, wystarczy tylko umieć to przekazać.
Wielu reżyserów, raz wystawiając Szekspira na scenie, nie mogło już przestać. Swoim entuzjazmem rozpalili aktorów, którzy niczym renesansowy zespół teatralny wędrowali z nimi od produkcji do produkcji. Dla każdego z nich Wielki Bard stał się miłością życia.
Akira Kurosawa
„Nie wiem, czy sztuki Szekspira w kinie mogą być tak dobre, jak w teatrze. W zasadzie nikomu się to nie udało, z wyjątkiem Kurosawy. Japoński „Makbet” to najlepszy Szekspir, jakiego kiedykolwiek widziałem w filmie” – Krwi tron Akiry Kurosawy (1957) zasłużył na tak pochlebną recenzję szekspirowskiego mistrza Petera Brooka.
Ale ten „najlepszy Szekspir” wydawałby się strasznie daleki od prawdziwego Szekspira. Akcja „Makbeta” została przeniesiona do Japonii w XVI wieku, rozdarta feudalnym konfliktem społecznym, postacie stały się inne, zamiast tekstu Szekspira pojawił się nowy, skromniejszy w objętości, obraz był mocno obciążony. Ale opuszczając literę sztuki Szekspira, Kurosawa pozostał wierny temu, co w nim najważniejsze - tragedii postaci, znakomicie ucieleśnionych przez aktorów, których występ zadziwia siłą i plastycznością, nieznaną europejskiemu teatrowi i kinu. Mimikę twarzy i charakteryzację aktorów skreślono z masek klasycznego japońskiego teatru Noh. Trudno zapomnieć te twarze, raz wykrzywione gniewem, raz nadprzyrodzone napięcie, raz prawie obłąkane.
Aktorka, która wcieliła się w rolę Lady Makbet, odegrała scenę szaleństwa właśnie dla nich tradycje teatralne. Ubrana w białe kimono, z białą maską, siedziała obok spiżowego naczynia, bez końca zmywając z palców niewidzialną krew, tylko jej dłonie poruszały się jak złowieszczy taniec białych ciem.
Akira Kurosawa nazywa Szekspira jednym ze swoich ulubionych autorów. Zwrócił się także do Króla Leara w swoim późniejszym filmie Ran (1985). I choć interpretacja tragedii jest egzotyczna, udało mu się oddać ducha tragedii. Zdaniem krytyków niektóre sceny „pomimo ciszy brzmią jak prawdziwy tekst Szekspira”.
Niewielu wystawiało tyle sztuk wielkiego dramaturga, co reżyser Royal Shakespeare Theatre Peter Brook. Jest twórcą słynnych spektakli „Próżne wysiłki miłości”, zimowa bajka”, „Miarka za miarkę”, „Sen nocy letniej”, „Hamlet”, „Romeo i Julia”, „Tytus Andronik”. Być może ktoś pamięta, jak jego trupa przyjechała do Moskwy z Królem Learem. Praca Brooka w teatrze to chęć uwolnienia Szekspira od muzealnego kurzu, od akademickiego dosłowności. Uważa, że klasyk żyje tylko wtedy, gdy wywołuje reakcję widza, gdy opowiada mu o problemach, które go dotyczą. We wszystkich spektaklach teatralnych reżysera wyczuwalny jest wpływ współczesna dramaturgia oraz filozofia i polityka. Dlatego skazani są na niekończące się spory.
Do swojej jedynej szekspirowskiej adaptacji filmowej Brooke wybrał tragedię Króla Leara (1970). I choć adaptacja filmu została przygotowana przez całe doświadczenie teatralne, była to dla reżysera poważne wyzwanie. „Król Lear to góra, na którą nikt jeszcze nie dotarł” – napisała Brooke. - Wspinając się na nią, spotykasz połamane ciała śmiałych poprzedników: tu Oliviera, tam Lawtona. Przerażający!
Sukces filmu jest w dużej mierze zasługą przyjaciela i podobnie myślącego Brooke, słynnego angielskiego aktora Paula Scofielda, który zagrał główną rolę. Jego Lear stał się jednym z największych wcieleń aktorskich stulecia. Scofieldowi udało się połączyć w swoim bohaterze wielkość i przeciętność, mądrość i ślepotę, siłę i bezradność – cechy tak niezbędne do zrozumienia jego charakteru.
Grigorij Kozincew
Siergiej Gierasimow przypomniał, jak 18-letni Grigorij Kozincew zamierzał zmodernizować Hamleta. Zamach na króla miał się odbyć nie za pomocą staromodnej trucizny, ale za pomocą wyładowania elektrycznego o wysokim napięciu, którego celem było słuchawka. Bardzo awangardowe, zwłaszcza jeśli przypomnimy sobie słowa Petera Brooka, które 40 lat później wypowiedział o Hamlecie Kozincewa: „Atakują film Kozincewa, mówiąc, że jest akademicki; tak jest, jest akademicki”.
Badania i refleksje Grigorija Michajłowicza zaowocowały książkami „Nasz współczesny William Szekspir” i „Przestrzeń tragedii”, filmami „Hamlet” (1964) i „Król Lear” (1970).
Sądząc po pamiętnikach i listach z okresu pracy nad filmami, idee Szekspira całkowicie zdominowały myśl reżysera, jego zdolność obserwacji wyostrzyła się do granic możliwości, ciągle myślał o rozwiązaniu tej czy innej sceny, o gestach aktorów . Ciekawe też, że Kozincew szukał paraleli między Szekspirem a klasyką rosyjską - nieustannie sięgał po poezję Puszkina, Błoka, Baratyńskiego, Lermontowa, do refleksji Dostojewskiego, Gogola. Borys Pasternak Grigorij Michajłowicz uważał autora nie przekładu, lecz rosyjskiej wersji tragedii. Korespondował z nim, często konsultował się i dzielił swoimi przemyśleniami. A kiedy jego „Hamlet” był pokazywany po angielsku, Koznitsev nalegał, aby w niektórych miejscach zrobić tłumaczenie „z Pasternaka”, ponieważ oryginalny tekst nie oddawał pomysłów wymyślonych przez reżysera.
W adnotacji do Hamleta Kozincew pisał: „Ostatnią rzeczą, jaką zrobiliśmy, było zaadaptowanie słynnej tragedii do kina. Ważne było dla nas drugie, przeciwne: nauczyć ekran skali myśli i uczuć. Tylko po to warto dziś siedzieć w ławkach szkoły szekspirowskiej.
Wszyscy, którzy pracowali z Grigorijem Michajłowiczem, zjednoczyli się w prawdziwym związku twórczym: kompozytor Dmitrij Szostakowicz, aktorzy Nikołaj Czerkasow i Jurij Tolubejew, którzy przyszli do kina z Kozintsevem z Leningradskiego teatr dramatyczny; zdawał się na nowo odkrywać geniusz Innokentego Smoktunovsky'ego w Hamlecie i Juri Yarveta w Learze.
Franco Zeffirelli
Kogo nie pokonali Romeo i Julia, widziany przez Franco Zeffirelli? Jego film otrzymał dwa Oscary (1968), dwa Złote Globy, David Donatello (włoski Oscar) i wiele innych nagród. Niedawno, po przejściu próby czasu, został uznany za najlepszą filmową adaptację Romea i Julii.
Po zapoznaniu się z wieloma kandydatami do głównych ról (800 młodych aktorek miało nadzieję zagrać Julię, a 300 aktorów miało nadzieję zagrać Romeo!), reżyser wybrał 16-letnią Olivię Hussey i 17-letniego Leonarda Whitinga, który został najmłodszy wykonawców miłośników Szekspira w historii kina. „Aktorzy dali filmowi to, czego od nich oczekiwałem: wszystkie doskonałości i niedoskonałości młodości” – powiedział Zeffirelli.
W powstaniu filmu brali udział uznani mistrzowie swojego rzemiosła: kamera Pasquale de Santis zasłużyła na Oscara, muzykę napisał Nino Rota; Wysoko ceniona była także praca reżyserów tańców dawnych, specjalistów od szermierki, dekoratorów. Jednak scenerią stały się same Włochy. Zeffirelli nadał akcji prawdziwie renesansowy charakter: Werona Szekspira ożyła na ulicach Florencji i małej Pienzy, scena na balkonie - w Palazzo Borghese pod Rzymem, wnętrza domu Kapuletów - w antycznym Pałacu Piccolomini!
Te same cechy wyróżniają dwa pozostałe filmy Zeffirelliego – jego debiut filmowy Poskromienie złośnicy (1967), w którym znakomicie zagrali główne role Elizabeth Taylor i Richard Burton, oraz późniejszy Hamlet (1991) z Melem Gibsonem. Filmy Zeffirelliego są zawsze piękne: ewidentny jest jego subtelny talent, wypracowany podczas pracy jako projektant teatralny, reżyser opery i teatru dramatycznego. W teatrze wyreżyserował Otella, Hamleta, Wiele hałasu o nic, Antoniusza i Kleopatrę...
W ubiegłym roku tytuł rycerza został dodany do licznych tytułów twórczych Franco Zeffirelliego: królowa Anglii nadała mu tytuł szlachecki za liczne występy, które wystawiał na londyńskiej scenie.
Kenneth Branagh
Jeśli uważasz, że filmy Kozincewa i Brooka są zbyt muzealne, Kurosawa zbyt egzotyczne, a Zeffirelli zbyt klasyczne, koniecznie sprawdź filmy Kennetha Branagha. Nakręcił Henryka V (1989), Wiele hałasu o nic (1993), Hamleta (1996), Stracona praca w miłości (1999) i zagrał we wszystkich tych filmach. Dużo jak na młodego reżysera, prawda? Zanudzić listą ról szekspirowskich granych przez niego w teatrze i kinie oraz sztuk wystawianych przez niego na scena teatralna Nie będę. Ponadto jest profesorem literatury angielskiej i szczególnie lubi Szekspira.
W wieku 35 lat Branagh postanowił spełnić swoje marzenie – sfilmować Hamleta. Po raz pierwszy aktor poczuł się wystarczająco dojrzały do tej wymagającej roli. Największą zaletą spektaklu Branagha jest to, że w scenariuszu nie pominięto ani jednego słowa Szekspira. Nikt jeszcze tego nie zrobił!
Czterogodzinny „Hamlet” Kennetha Branagha był nominowany do Oscara za najlepszą adaptację scenariusza i otrzymał wiele nagród. Była jednak inna ważna nagroda. Podczas kręcenia filmu aktor Derek Jacobi uroczyście wręczył Kennethowi tom-wyzwanie Williama Szekspira. Zgodnie z utrwaloną tradycją najlepszy Hamlet każdego pokolenia przekazuje ten tom temu, kogo uważa za godnego następcę. A Jacoby, którego Hamlet zainspirował Branagha do zostania aktorem wiele lat temu, uznał swojego ucznia za najlepszego Hamleta następnego pokolenia.
Kennetha Branagha można nazwać innowatorem – często przenosi akcję sztuk Szekspira w czasie i przestrzeni. Ale z pewnością zachwyci Cię niesamowicie autentyczna gra aktorska, zwłaszcza że Szekspir, Branagh z pewnością, nie ma drugorzędnych postaci.
Całe konstelacje gromadzą się w filmach Branagha Sławni aktorzy- Derek Jacobi, Julie Christie, Emma Thompson, Gerard Depardieu; Weterani Judi Dench, Sir John Mills i Sir John Gielgud występują w Hamlecie w niemówiących rolach epizodycznych. Znakomitą muzykę do filmów napisał Patrick Doyle, w „Hamlecie” główny temat muzyczny wykonał Placido Domingo.
Podsumowując, chciałbym jeszcze raz przypomnieć słowa Andrieja Tarkowskiego: Szekspir musi być tylko w stanie przekazać za pomocą środków kinowych. W końcu wydawało się, że przyszło to z pomocą Wielkiemu Wieszczowi, który kiedyś przemówił do wyobraźni słuchaczy (prolog „Henryk V”):
Och, gdyby muza wstąpiła, płonąc,
Do jasnego nieba wyobraźni,
Zainspirowawszy, że ta scena jest królestwem.
Aktorzy to książęta, widzowie to monarchowie!
* Uzupełnij nasze niedoskonałości,
Twórz setki od jednej osoby
I mocą myśli zamienia się w armię.
Kiedy mówimy o koniach,
Wyobraź sobie ich dumny krok;
Królów musisz przyodziać w majestat,
Przenieś je w różne miejsca
Gwałtowny wzrost w czasie, kondensacja lat
W krótkim czasie...
Szekspirowskie
Dzieła Szekspira są niewyczerpanym źródłem skrzydlate słowa i wyrażenia nie tylko w język angielski, ale także po rosyjsku. Co jest warte tylko jednego „Cały świat jest teatrem, w nim kobiety, wszyscy mężczyźni są aktorami” („Cały świat jest sceną, a wszyscy mężczyźni i kobiety to tylko gracze”).
Interesujące jest to, że pewne frazy, które wszyscy tutaj znają, nawet ci, którzy nigdy nie czytali Szekspira, z jakiegoś powodu nie dotykały angielskiego - na przykład: „Czy modliłeś się w nocy, Desdemono?” lub „Jest wiele takich rzeczy na świecie, przyjacielu Horatio”. Może to osobliwości charakteru narodowego?
Tłumacze również przyczynili się do pojawienia się skrzydlatych fraz Szekspira. W często cytowanym wierszu „Koń! Koń! Pół królestwa dla konia! „dzięki wysiłkom” tłumacza Ya.G. Bryansky wkradła się niefortunna nieścisłość. Król Ryszard III Szekspira jest o wiele bardziej hojny: oferuje całe królestwo za konia.
A autorem jednego z szekspirowskich, który zakorzenił się w języku rosyjskim, wcale nie jest Szekspir! N. Polevoy (1837) dodał frazę „Dla mężczyzny obawiam się” podczas tłumaczenia „Hamleta” i, jak mówią, zgadli - zakochali się w niej w Rosji.
Ale Szekspir nie powinien mieć żadnych skarg na Polevoya, ponieważ on sam popełnił historyczne fałszerstwo. Włóż w usta Juliusza Cezara słynne słowa „A ty, Brutusie?” stał się nieśmiertelny, a dziś niewiele osób wie, że w rzeczywistości, dokładniej, według świadectwa rzymskiego historyka Swetoniusza, Cezar przed śmiercią powiedział po grecku: „A ty, moje dziecko?”
A w różnych tłumaczeniach Hamleta słynne słowa „Coś jest zepsute w państwie Danii” brzmią tak: „Coś jest nieczyste w duńskim królestwie”, „Wszystko jest zepsute w duńskim królestwie”, „Przewiduję katastrofy dla Ojczyzna”, „Wiedz, coś złego się tu wydarzyło”.
Pisarze na Szekspirze
Już pierwsza strona Szekspira, którą przeczytałem, urzekła mnie do końca życia i pokonawszy jego pierwszy kawałek, stałem jak ślepy od urodzenia, któremu cudowna ręka nagle przejrzała! Rozpoznałem, żywo czułem, że moje istnienie pomnożyło się w nieskończoność; wszystko było dla mnie nowe, nieznane, a nieznane światło raniło mnie w oczy. Z godziny na godzinę nauczyłem się widzieć.
IV. Goethego
Pamiętam zdziwienie, jakiego doświadczyłem, gdy po raz pierwszy czytałem Szekspira. Spodziewałem się wielkiej przyjemności estetycznej. Ale po przeczytaniu jednego po drugim jego najlepszych dzieł: Króla Leara, Romea i Julii, Hamleta, Makbeta, nie tylko nie doznałem przyjemności, ale poczułem nieodparty wstręt, nudę i oszołomienie.Wierzę, że Szekspira nie można rozpoznać nie tylko jako świetny, genialny, ale nawet najbardziej przeciętny pisarz.
L.N. Tołstoj
Ale jakim człowiekiem jest ten Szekspir? Nie mogę się opamiętać! Jak mały jest w porównaniu z nim tragik Byron! Dostaję zawrotów głowy po lekturze Szekspira. To tak, jakbym zaglądał w otchłań.
JAK. Puszkina
Jak dramaturg Szekspir jest martwy jak szpilka do drzwi. Szekspir jest dla mnie jednym z bastionów Bastylii i musi upaść.
B. Pokaż
Szekspir bierze swoje obrazy zewsząd – z nieba, z ziemi – nie ma dla niego zakazu, nic nie może umknąć jego przenikliwemu spojrzeniu, trzęsie się tytaniczną mocą zwycięskiej inspiracji, tłumi bogactwem i siłą swojej wyobraźni, blask najwyższej poezji, głębia i ogrom jego ogromnego umysłu.
JEST. Turgieniew
Istnieje wrażenie, że natura połączyła w umyśle Szekspira siłę rozumu i nieosiągalną wielkość z chamstwem i nieznośną wulgarnością charakterystyczną dla motłochu.
Wolter
Szekspir sprawił, że całe pokolenie mogło poczuć się jak istota myśląca, zdolna do zrozumienia.
F.M. Dostojewski
do magazynu „Człowiek bez granic”
