W Galerii Gary Tatintsian otwarto wystawę Damiena Hirsta, jednego z najdroższych i najsłynniejszych współczesnych artystów. To nie pierwszy raz, kiedy Hirst przyjeżdża do Rosji: wcześniej odbyła się retrospektywa w Muzeum Rosyjskim, mała wystawa w Galerii Triumph, a także kolekcja samego artysty w MAMM. Tym razem zwiedzającym zaprezentowane zostaną najważniejsze dzieła 2008 roku, wystawione przez samego artystę na prywatnej aukcji Sotheby's w tym samym roku.Buro 24/7 opowiada, dlaczego motyle, wielokolorowe kółka i tabliczki są tak ważne dla zrozumienia twórczości Hirsta .
Jak Hirst został artystą
Damiena Hirsta można w pełni uznać za uosobienie Młodych Artystów Brytyjskich – pokolenia już nie młodego, ale bardzo artyści odnoszący sukcesy, którego szczyt dobrobytu przypadł na lata 90-te. Wśród nich są Tracey Emin z neonowymi napisami, Jake i Dinos Chapmanowie zamiłowani do małych postaci oraz kilkunastu innych artystów.
YBA łączy nie tylko studia w prestiżowej Goldsmiths College, ale także pierwsza wspólna wystawa Freeze, która odbyła się w 1988 roku w pustym budynku administracyjnym w londyńskich dokach. Hirst sam pełnił funkcję kuratora – wybierał prace, zamawiał katalog i planował otwarcie wystawy. Freeze przyciągnął uwagę Charlesa Saatchiego, potentata reklamowego, kolekcjonera i przyszłego mecenasa Young British Artists. Dwa lata później Saatchi nabył pierwszą instalację Hirsta ze swojej kolekcji, „A Thousand Years”, a także zaoferował mu sponsorowanie jego przyszłych dzieł.
Damien Hirst, 1996. Zdjęcie: Catherine McGann/Getty Images
Temat śmierci, który później stał się centralnym punktem twórczości Hirsta, pojawia się już w Tysiąc lat. Istotą instalacji był ciągły cykl: muchy wychodziły z jaj larw i pełzały w kierunku gnijącego głowa krowy i zginął na przewodach elektronicznej łapki na muchy. Rok później Saatchi pożyczył Hirstowi pieniądze na stworzenie kolejnej pracy o kręgu życia – słynnego wypchanego rekina zatopionego w formaldehydzie.
„Fizyczna niemożność śmierci w świadomości żywego człowieka”
W 1991 roku Charles Saatchi kupił dla Hirsta australijskiego rekina za sześć tysięcy funtów. Dziś rekin symbolizuje bańka mydlana Sztuka współczesna. Dla dziennikarzy stało się to powszechną podstawą (na przykład artykuł w Sun zatytułowany „50 000 funtów za rybę z frytkami”), a także stał się jednym z głównych tematów książki ekonomisty Dona Thompsona „Jak sprzedać wypchanego rekina za 12 milionów: skandaliczna prawda o sztuce współczesnej i domach aukcyjnych.”
Pomimo hałasu szef funduszu hedgingowego Steve Cohen kupił dzieło w 2006 roku za osiem milionów dolarów. Wśród zainteresowanych nabywców był Nicholas Serota, dyrektor galerii Tate Modern, największe muzeum Sovriska wraz z nowojorskim MoMA i paryskim Centrum Pompidou. Uwagę na instalację przykuwała nie tylko lista kluczowych nazw sztuki współczesnej, ale także czas jej istnienia – 15 lat. Z biegiem lat ciało rekina zgniło i Hirst musiał je wymienić i rozciągnąć na plastikowej ramie. „Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle żywych” była pierwszą pracą z cyklu „Historia naturalna” - później Hirst umieszczał w formaldehydzie również zwłoki owiec i rozczłonkowanych krów.
Fizyczna niemożność śmierci w umyśle kogoś żyjącego, 1991
Czarna owca, 2007
Paradoks miłości (poddanie się czy autonomia, odrębność jako warunek połączenia.), 2007
Spokój samotności (dla George'a Dyera), 2006
Obroty i kalejdoskopy
Prace Hirsta można podzielić na kilka gatunków. Oprócz wspomnianych akwariów z formaldehydem pojawiają się „rotacje” i „plamy” – te ostatnie wykonują asystenci artysty w jego pracowni. Motyle kontynuują temat życia i śmierci. Jest też kalejdoskop przypominający witraż gotycka katedra oraz imponująca instalacja „Zakochanie lub zakochanie” – pokoje całkowicie wypełnione tymi owadami. Aby stworzyć to drugie, Hirst poświęcił około dziewięciu tysięcy motyli: codziennie do Tate Gallery, gdzie odbywała się retrospektywa, sprowadzano 400 nowych owadów, aby zastąpić zmarłe.
Retrospektywa stała się najchętniej odwiedzaną w historii muzeum: w ciągu pięciu miesięcy obejrzało ją prawie pół miliona widzów. Obok tematu życia i śmierci pojawia się także logiczna „apteka” – patrząc na kropkowe obrazy artysty nasuwają się skojarzenia właśnie z lekami. W 1997 roku Damien Hirst otworzył restaurację Apteka. Zostało zamknięte w 2003 roku, a sprzedaż na aukcjach przedmiotów dekoracyjnych i wyposażenia wnętrz przyniosła zdumiewającą kwotę 11,1 miliona dolarów. Hirst rozwinął także temat leków w bardziej wizualny sposób – oddzielny cykl artysty poświęcony jest szafkom z ręcznie ułożonymi tabletkami. Najbardziej udanym finansowo dziełem była „Wiosenna kołysanka” - stojak na pigułki przyniósł artyście 19 milionów dolarów.
Damien Hirst, Bez tytułu, 1992; W poszukiwaniu Nirwany, 2007 (fragment instalacji)
"Na miłość boską"
Inny słynne dzieło Hirst (i zarazem kosztowna pod każdym względem) – czaszka wysadzana ponad ośmioma tysiącami diamentów. Dzieło otrzymało swoją nazwę od Pierwszego Listu Jana - „Na tym polega miłość Boża”. To ponownie odsyła nas do tematu kruchości życia, nieuchronności śmierci i dyskusji o istocie istnienia. Na czole czaszki znajduje się diament o wartości czterech milionów funtów. Sama produkcja kosztowała Hirsta 12 milionów, a cena za dzieło ostatecznie wyniosła około 50 milionów funtów (około 100 milionów dolarów). Czaszkę pokazano w Amsterdamie muzeum państwowe, a następnie sprzedany grupie inwestorów za pośrednictwem galerii White Cube Jaya Joplinga, innego dużego dealera, który współpracował z Hirstem.
Damien Hirst, „Na tym polega miłość Boga”, 2007
Płyty, podróbki i zjawisko sławy
Choć Hirst nie ustanawia absolutnych rekordów, uważany jest za jednego z najdroższych wśród żyjących artystów. Wzrost cen jego dzieł osiągnął szczyt pod koniec XXI wieku, wraz ze sprzedażą rekina, czaszki i innych dzieł. Osobny odcinek można nazwać aukcją Sotheby's w szczytowym momencie kryzysu gospodarczego 2008 roku: przyniosła mu ona 111 milionów funtów, czyli 10 razy więcej niż poprzedni rekord - podobna aukcja Picassa z 1993 roku. Najdroższą partią była Złote Cielę – zwłoki byka w formaldehydzie sprzedane za 10,3 mln funtów.
Historia powstania Hirsta jest przykładem idealnego scenariusza dla każdego współczesny artysta, w którym kompetentny marketing odegrał niemal kluczową rolę. Nawet śmieszne historie jak sprzątaczka w galerii Eyestorm, który wyrzucił instalację artysty do worka na śmieci, czy pastor z Florydy, skazany w 2014 roku za próbę sprzedaży podróbek Hirsta, wydają się niezrozumiałe na tle głośnych wybryków samego artysty. Spadek zainteresowania Hirstem był najbardziej widoczny w ciągu ostatnich pięciu lat, po kolejnej wystawie w White Cube- presja krytyków stała się bardziej zauważalna, pomysłowość Hirsta nie zadziwiała już znudzonej publiczności, a rekordy aukcyjne przeszły na innych graczy - Richtera, Koonsa i Kapoora. Tak czy inaczej, aureola sławy Hirsta nadal rozprzestrzenia się na jego stare prace, które dziś można oglądać w Galerii Tatintsyan. Hirst ma przed sobą także nowe projekty – w przededniu Biennale w Wenecji artysta otwiera dużą wystawę w Palazzo Grassi i Punta della Dogana. Jak czytamy w komunikacie prasowym, są one „owocem dekady pracy” – niewykluczone, że wszyscy znów będą mówić o Damienie Hirście.
Tekst: Ksyusza Pietrowa
Dziś otwiera się moskiewska galeria Gary'ego Tatintsyana Pierwsza wystawa Damiena Hirsta od 2006 roku - Brytyjski artysta, którego nie bez powodu nazywa się „wielkim i strasznym”, porównując go albo do geniuszy renesansu, albo do rekinów z Wall Street. Hirst uznawany jest za najbogatszego żyjącego autora, co tylko podsyca kontrowersje wokół jego twórczości. Ponieważ Charles Saatchi dosłownie patrzył z otwartymi ustami na instalację „Tysiąc lat” - spektakularną i ponurą ilustrację wszystkiego ścieżka życia od narodzin aż po śmierć – szum wokół metod twórczych i walorów estetycznych dzieł Hirsta nie cichnie, z czego sam artysta oczywiście się tylko cieszy. Mówimy, dlaczego dzieła Hirsta naprawdę zasługują na tak ogromną uwagę, jaką cieszą się, i staramy się zrozumieć wewnętrzny świat artysta - o wiele bardziej niejednoznaczny i subtelny, niż mogłoby się wydawać z zewnątrz.
"Z dala z Stado”, 1994
Hirst ma teraz pięćdziesiąt jeden lat, a dziesięć lat temu całkowicie rzucił palenie, narkotyki i alkohol – są duże szanse, że jego kariera potrwa kilka dekad. Jednocześnie trudno sobie wyobrazić, jaki byłby kolejny krok artysty tej rangi – Hirst reprezentował już swój kraj na ceremonii otwarcia Igrzysk Olimpijskich w Londynie, nakręcił teledysk dla grupy Blur, nakręcił najbardziej drogie dzieło sztuki świata (platynowa czaszka inkrustowana diamentami), w warsztatach zatrudnia ponad stu sześćdziesięciu pracowników (Andy Warhol ze swoją „Fabryką” o tym nawet nie marzył), a jego majątek przekracza miliard dolarów. Wizerunek awanturnika, który w latach 90. rozsławił Hirsta wraz z serią zwierząt konserwowanych w alkoholu, stopniowo ustąpił miejsca spokojniejszemu: choć artysta nadal uwielbia skórzane spodnie i pierścionki z czaszkami, przez lata nie pokazywał swojego penisa długi czas nieznajomi, jak to miało miejsce w „latach chwały wojskowej” i coraz bardziej przypomina odnoszącego sukcesy przedsiębiorcę niż gwiazdę rocka, choć w istocie jest jednym i drugim.
Hirst swój niezwykły sukces komercyjny tłumaczy faktem, że miał większą motywację do zarabiania pieniędzy niż pozostali członkowie stowarzyszenia Young British Artists, na którego czele stał (w czasie studiów w Goldsmiths Hirst organizował legendarna wystawa„Freeze”, który przyciągnął uwagę wybitnych galerników do młodych artystów). Dzieciństwa Hirsta nie można nazwać pomyślnym i szczęśliwym: nigdy nie widział swojego biologicznego ojca, ojczym opuścił rodzinę, gdy chłopiec miał dwanaście lat, a jego katolicka matka desperacko sprzeciwiała się próbom włączenia się syna w bardzo młodą wówczas subkulturę punkową.
Niemniej jednak wspierała jego pogoń za sztuką – może z desperacji, bo Hirst był trudny nastolatek i wszystkie przedmioty, z wyjątkiem rysunku, były dla niego trudne. Damien regularnie był przyłapany na drobnych kradzieżach w sklepach i innych nieprzyjemnych historiach, ale jednocześnie udawało mu się robić szkice w miejscowej kostnicy i studiować atlasy medyczne, które były źródłem inspiracji dla jego ulubionego autora, mrocznego ekspresjonisty Francisa Bacona. Obrazy Bacona wywarły ogromny wpływ na Hirsta: uśmiech słynnego rekina zakonserwowanego w alkoholu przypomina powracający motyw Bacona z otwartymi w krzyku ustami, prostokątne akwaria to klatki i cokoły, które stale widuje się na płótnach Bacona.
Kilka lat temu Hirst, który nigdy nie grał na boisku tradycyjne malarstwo, przedstawił publiczności serię swoich własne obrazy, wyraźnie inspirowane twórczością Bacona, - i poniosło porażkę: krytycy nazwali nowe dzieła Hirsta żałosną parodią obrazów mistrza i porównali je do „kiczu pierwszoklasisty, który się nie poddaje”. wielkie nadzieje" Te zjadliwe recenzje mogły zranić uczucia artysty, ale najwyraźniej nie wpłynęły na jego produktywność: przy pomocy asystentów wykonujących wszystkie rutynowe prace Hirst kontynuuje niekończącą się serię płócien z wielokolorowymi kropkami, „rotacyjnych” obrazów tworzonych przez wirowanie puszki z farbą w wirówce, instalacje z tabletkami i na skalę przemysłową produkują dobrze sprzedające się dzieła.
← „AAA bez tytułu”, 1992
Choć Hirst zawsze powtarzał, że pieniądze to przede wszystkim środek do tworzenia sztuki na dużą skalę, nie można temu zaprzeczyć niezwykły talent do przedsiębiorczości - równej, jeśli nie większej skali, talentowi artystycznemu. Nieznany ze skromności Brytyjczyk wierzy, że wszystko, czego dotknie, zamienia się w złoto – i wydaje się to prawdą: nawet w przygnębiającym roku 2008 dwudniowa aukcja jego dzieł w Sotheby’s zorganizowana przez samego Hirsta przeszła wszelkie oczekiwania i pobił rekord aukcyjny Picassa. Hirst i zewnętrznie przypominający prosty chłopak z Leeds, nie boi się zarabiać na pozornie obcych przedmiotach wysoki poziom artystyczny- czy to pamiątkowe deskorolki kosztujące sześć tysięcy dolarów, czy modna londyńska restauracja „Pharmacy”, urządzona w duchu cyklu „apteka” artysty. Nabywcami dzieł Hirsta są nie tylko absolwenci Oksfordu dobre rodziny, ale także nową warstwę kolekcjonerów – tych, którzy wyszli z dołu i zarobili fortunę od zera, tak jak sam artysta.
Gwiazdorski status Hirsta i zawrotny koszt jego twórczości często utrudniają dostrzeżenie ich istoty – a szkoda, bo zawarte w nich idee robią wrażenie nie mniej niż przepiłowane w formaldehydzie zwłoki krowy. Nawet w tym, co wydaje się stuprocentowym kiczem, Hirst ma ironię: jego słynna wysadzana diamentami czaszka, sprzedana za sto milionów dolarów, nosi tytuł „Na miłość Boga” (wyrażenie, które można dosłownie przetłumaczyć jako „W imię miłości Bożej” jest używane jak przekleństwo zmęczonego człowieka: „No, na litość boską!”). Zdaniem artysty do stworzenia tego dzieła skłoniły go słowa matki, która pewnego razu zapytała: „Boże, zmiłuj się, co będziesz dalej robić?” („Na miłość boską, co zamierzasz dalej zrobić?”). Niedopałki papierosów, ułożone w gablocie z maniakalną pedanterią, są sposobem na kalkulację czasu życia: niczym zwierzęta w formaldehydzie i diamentowa czaszka, nawiązując do klasycznej fabuły memento mori, wypalone papierosy przypominają o kruchości istnienia , których nasz umysł nie jest w stanie ogarnąć wszystkimi naszymi pragnieniami. A wielobarwne kubki, niedopałki papierosów i półki z lekarstwami są próbą uporządkowania tego, co oddziela nas od śmierci, wyrażenia ostrości przebywania w tym ciele i tej świadomości, która może zakończyć się w każdej chwili.
„Klaustrofobia/Agorafobia”, 2008
W swoich wywiadach Hirst coraz częściej mówi, że w młodości czuł się wieczny, ale teraz temat śmierci ma dla niego wiele innych niuansów. – Stary, mój najstarszy syn, Connor, ma szesnaście lat. Kilku moich znajomych już umarło, a ja się starzeję – wyjaśnia artysta. „Nie jestem już tym samym draniem, który próbował nakrzyczeć na cały świat”. Hirst, zdeklarowany ateista, regularnie powraca do tematów religijnych, bezlitośnie je poddając analizie i w kółko stwierdzając, że istnienie Boga jest tak samo niemożliwe, jak „śmierć w umyśle żywych”.
Seria prac z żywymi i martwymi motylami ucieleśnia myśli artysty o pięknie i jego kruchości. Najdobitniej tę ideę wyraża instalacja „Zakochanie i odkochanie” („Zakochanie i odejście”): z kokonów wykluwa się kilka tysięcy motyli, żyje i umiera w przestrzeni galerii, a ich ciała przyklejone do płócien pozostają jako przypomnienie kruchości piękna. Podobnie jak dzieła dawnych mistrzów, dzieła Hirsta warto choć raz zobaczyć na żywo: zarówno memetyk „Fizyczna niemożność śmierci w umyśle żywych”, jak i „Rozdzielenie matki i dziecka” wywołują zupełnie inne wrażenie, jeśli stoisz obok nich. Te i inne dzieła z cyklu Historia Naturalna nie są prowokacją dla prowokacji, ale przemyślanymi i lirycznymi wypowiedziami na temat podstawowych kwestii ludzkiej egzystencji.
Jak mówi sam Hirst, w sztuce, jak we wszystkim, co robimy, istnieje tylko jedna idea – poszukiwanie odpowiedzi na główne pytania filozofii: skąd przybyliśmy, dokąd zmierzamy i czy to ma sens? Zakonserwowany w alkoholu rekin, inspirowany wspomnieniami Hirsta z dzieciństwa z horroru „Szczęki”, konfrontuje naszą świadomość z paradoksem: dlaczego czujemy się nieswojo obok zwłok śmiercionośnego zwierzęcia, bo wiemy, że nie może nam to zrobić krzywdy? Czy to, co odczuwamy, jest częścią irracjonalnego strachu przed śmiercią, który zawsze czai się gdzieś na granicy świadomości – a jeśli tak, to jak wpływa na nasze działania i życie codzienne?
Hirst nie raz był krytykowany za swoje metody twórcze i ostre wypowiedzi: np. w 2002 roku artysta musiał publicznie przepraszać za porównanie ataku terrorystycznego z 11 września do proces artystyczny. Żywy klasyk potępił Hirsta za to, że nie tworzył swoich dzieł własnymi rękami, lecz korzystał z pracy asystentów, a krytyk Julian Spalding ukuł nawet parodyczny termin „Con Art”, który można przetłumaczyć jako „konceptualizm dla frajerów”. Nie można powiedzieć, że wszystkie oburzone krzyki pod adresem Hirsta były bezpodstawne: artysta był wielokrotnie oskarżany o plagiat, a także o sztuczne zawyżanie cen swoich dzieł, nie mówiąc już o wypowiedziach Towarzystwa Ochrony Praw Zwierząt, które było zaniepokojony warunkami przetrzymywania motyli w muzeum. Być może najbardziej absurdalnym konfliktem kojarzonym z nazwiskiem skandalizującego Brytyjczyka jest jego konfrontacja z szesnastoletnim artystą Cartrainem, który sprzedawał kolaże ze zdjęciami dzieła Hirsta „W imię miłości Boga”. Artysta multimilioner pozwał nastolatka na dwieście funtów, które zarobił na swoich kolażach, co wywołało gwałtowne oburzenie przedstawicieli rynku sztuki.
← „Zaczarowani”, 2008
Konceptualizm Hirsta nie jest tak bezduszny, jak mogłoby się wydawać: artysta rzeczywiście rodzi plan, a w jego realizację zaangażowanych jest kilkudziesięciu jego bezimiennych asystentów – praktyka pokazuje jednak, że Hirstowi naprawdę zależy na losach swoich dzieł. Sprawa tego samego rekina zakonserwowanego w alkoholu, który zaczął się rozkładać, stała się jednym z ulubionych żartów świata sztuki. Charles Saatchi postanowił uratować pracę, naciągając skórę cierpiącej ryby na sztuczną ramę, ale Hirst odrzucił przerobioną pracę, twierdząc, że nie robi ona już tak przerażającego wrażenia. W rezultacie uszkodzoną już instalację sprzedano za dwanaście milionów dolarów, ale za namową artysty rekin został wymieniony.
Przyjaciel Hirsta i członek YBA, Matt Collishaw, opisuje go jako „chuligana i estetę”, a jeśli część o chuliganie jest jasna, to około strona estetyczna często zapominane: być może niezwykły talent artystyczny Hirsta można docenić jedynie na wystawach dzieł z jego bogatej kolekcji
Podobnie jak poprzednia, nowa czaszka jest odlana z platyny i wysadzana białymi i różowymi diamentami. Jednak nowym dziełem Hirsta jest czaszka dziecka i dlatego jest mniejsza niż czaszka Na miłość boską– podaje „Gazeta Sztuka”.Nowe dzieło Hirsta będzie centralnym eksponatem pierwszej wystawy w nowa galeria Larry Gagosian w Hongkongu, otwarcie 18 stycznia. Cena czaszki nie jest znana.
Wiosłować Na miłość boską- jedno z najsłynniejszych dzieł Damiena Hirsta. Został wykonany w 2007 roku, a koszt materiałów użytych do jego produkcji wyniósł około 15 milionów funtów (czaszka wysadzana jest ponad 8600 diamentami).
W 2008 roku Hirst sprzedał czaszkę za 50 milionów funtów i według artysty zapłacił za czaszkę gotówką, czyli nie miał dowodów na jej sprzedaż. Co więcej, według niektórych doniesień, wśród inwestorów, którzy zapłacili za zakup, znalazł się sam artysta.
W 2009 roku w mediach pojawiła się informacja, że współwłaścicielem czaszki był także ukraiński biznesmen i filantrop Wiktor Pinczuk, jednak przedstawiciele Pinczuka ani nie potwierdzili, ani nie zaprzeczyli tej informacji.
Damien Hirst uważany jest nie tylko za najdroższego, ale i najbogatszego żyjącego artystę. Jego majątek szacuje się na ponad 200 milionów funtów. Temat śmierci jest jednym z głównych w twórczości Hirsta.
Damien Hirst wciąż wie, jak szokować opinię publiczną. Ludzkość właśnie przyzwyczaiła się do istnienia platynowej czaszki wysadzanej diamentami wartej 100 milionów dolarów, a Hirst już zadaje sobie nowy policzek opinia publiczna i gust publiczny. Tworzy kolejną podobną czaszkę, ale nie osoby dorosłej, ale dziecka.
Samo imię Damiena Hirsta ostatnie lata stała się marką o wartości porównywalnej z ceną pakietu kontrolnego w dużej międzynarodowej korporacji. Wszystko, co wpadnie w ręce tego twórcy, zostanie sprzedane za bajeczne pieniądze, czy to zwłoki martwej krowy, czy pomalowane w stylu wpadki.
Z każdym nowym dziełem, wzbudzającym zainteresowanie publiczności i kolekcjonerów-miliarderów, Hirst staje się coraz bardziej prowokacyjny, szokujący i twardy. W ten sposób kreatywność przynosi więcej pieniędzy.
Najważniejsze, aby nie trzymać się granic. A jeśli ludzie „zjedli” bardzo kontrowersyjną biżuterię w postaci platynowej czaszki, a ktoś dał za nią nawet sto milionów dolarów, to można nadal eksploatować ten temat, ale na nowym poziomie.
Tak więc Damien Hirst stworzył swoje nowe dzieło - kolejną cenną czaszkę, ale tym razem dla dziecka. Antropolodzy twierdzą, że dziecko, które mogło posiadać tę platynową czaszkę, wysadzaną ośmioma tysiącami białych i różowych diamentów, miało około dwóch tygodni. A to jest bardzo kontrowersyjne krok twórczy nawet dla Hearsta.
I choć dzieło to zatytułowane „Na litość boską” nie zostało jeszcze oficjalnie zaprezentowane publiczności, na całym świecie słychać już wszelkiego rodzaju głosy dezaprobaty organizacje publiczne którzy uważają, że jej autor wkroczył w coś świętego – dzieci. Być może jednak ten strumień negatywności jest jednocześnie przygotowaną kampanią marketingową, mającą na celu promocję Nowa praca Hirst. Przecież im głośniejsza będzie krytyka, tym drożej będą sprzedawane jego dzieła.
Cóż, do publicznej kontemplacji ta cenna czaszka dziecięca zostanie po raz pierwszy wystawiona pod koniec tego miesiąca w sala wystawowa Galeria Gagosian w Hongkongu.
