— Opowiedz nam o nowej przestrzeni w Twojej galerii. Jak zrodził się pomysł, jaki był powód?
— Galeria istnieje od 12 lat, zaczynaliśmy od jednego piętra, potem zaczęliśmy się rozwijać. Obecnie pierwsze i drugie piętro to przestrzeń wystawiennicza, dodatkowo znajduje się tam część biurowo-magazynowa, gdzie zaglądają także niektórzy kolekcjonerzy. Niedawno zdaliśmy sobie sprawę, że nie mamy przestrzeni, w której moglibyśmy zaprosić gości do spotkań towarzyskich w spokojnej i przytulnej atmosferze - więc postanowiliśmy ją stworzyć.
— Więc to była potrzeba klienta?
— Tak. Łatwiej jest patrzeć na sztukę we wnętrzu: widzisz, jak to czy inne dzieło jest wbudowane w Twój dom lub mieszkanie. Pokazujemy prace nie tylko na białej ścianie, ale wkomponowane w przytulne wnętrze. W Salon kolekcjonerski Tworzymy swobodną atmosferę i będziemy tam organizować przyjazne i kameralne spotkania.
Byliśmy pierwszymi, którzy zjedli tutaj kolację Bądź ciekawy Martell w wykonaniu petersburskiego duetu szefów kuchni Dwuzakresowy— Dmitrij Blinov i Renat Malikov ( Tatar, Duet gastrobaru). Zebraliśmy przyjaciół, kolekcjonerów. Wypróbowaliśmy nową przestrzeń i świetnie się bawiliśmy. W przyszłości planujemy tu organizować wykłady i pokazy mody, już zgłaszają się do nas marki, które chcą organizować wydarzenia w galeriach lub w zasadzie współpracować ze sztuką. Będziemy także organizować wystawy kameralne w formie zamkniętej i stworzyć system klubowy. Pomysłów jest wiele i nie chcę teraz zdradzać wszystkiego.
— Jak wybieracie artystów do galerii? Czy skupiacie się na młodych autorach?
— Zajmujemy się współczesną sztuką konceptualną, a nasi artyści są w zupełnie różnym wieku. Staś Bags był chyba najmłodszy, wtedy dopiero zaczynaliśmy pracę. Teraz przedział wiekowy zaczyna się od 25-26 lat, chociaż niektórzy z naszych artystów mają już ponad 70 lat.
— W moim rozumieniu nadal możesz być młodym artystą w wieku 70 lat, jeśli dopiero zaczynasz.
— Z pewnością. Znamy wspaniałe przykłady artystów, projektantów i architektów, którzy swoje pierwsze arcydzieła tworzą już w wieku dorosłym.
Jeśli nie ma się czego chwycić, nie da się z tego czegoś wyhodować.
— Jak znaleźć artystów, którzy Ci odpowiadają? Czy muszą spełniać jakieś określone kryteria?
— Myślę, że jest to w pewnym stopniu intuicja. U Mariny ( Vinogradova, dyrektor artystyczny galerii, ok. wyd.) doskonałe wykształcenie w zakresie historii sztuki, wszyscy w naszym zespole mają podobne doświadczenie. Poza mną. Pierwotnie miałem wykształcenie finansowe i ekonomiczne.
Przy wyborze artystów – i w ogóle przy pracy w galerii – bardzo ważna jest pewna doza obserwacji. Pojawia się zrozumienie, czym jest sztuka współczesna, jakie są kryteria i jak je spełnić.
Abyśmy mogli rozpocząć współpracę z artystą, ważna jest puzzle: aktualność, poczucie, że będzie ciekawie na Zachodzie i bycie we właściwym miejscu o właściwym czasie. Ale artysta i jego dzieło wciąż są na czele. Jeśli nie ma się czego chwycić, nie da się z tego czegoś wyhodować. Widz, kolekcjoner, właściciel galerii musi w Ciebie wierzyć.
W odnalezieniu „naszych” autorów pomaga nam konkurs dla młodych twórców, który organizujemy już po raz szósty. Razem z jury rozpatrujemy zgłoszenia, tym razem napłynęło ich ok. 350! Niektóre są od razu odcinane, ale można też trafić na bardzo ciekawe projekty.
serwis prasowy galerii anna nova
— Chciałbym dowiedzieć się od Was więcej na temat tego konkursu.
— Konkurs nazywa się „Nowe projekty Galerii Anna Nova”. Jesteśmy zainteresowani obiektywną oceną strony trzeciej i tworzymy niezależne jury, wspólnie z którym wyłaniamy zwycięski projekt. ( Tegoroczna absolwentka zwyciężyła IPSI Alice Kern, której wystawa odbędzie się jesienią 2017 r. – ok. wyd.).
Wszystko zaczęło się bardzo łatwo i organicznie, jak gdyby układano puzzle. Otworzyła się galeria, a Katya Andreeva pracowała wówczas dla nas, wybierając artystów i organizując konkurs. To ona wymyśliła pierwsze tematy i opracowała jego regulamin. A potem wpasowało się tak organicznie w naszą egzystencję, że zaczęło się rozwijać samodzielnie. To szósty konkurs w ciągu 12 lat – i widzimy mocne zmiany. Z lokalnego stał się międzynarodowy: zgłoszenia napływają z Turcji, Belgii i USA. Pomaga w tym także międzynarodowe jury, poważne nazwiska przyciągają artystów. W tym roku w jury zasiadała Caroline Christov-Bakargiev, która nadzorowała 13 Dokument, Joanna de Vos, belgijska kuratorka i współkuratorka wystawy Jana Fabre'a Pustelnia. Byli też Dmitrij Ozerkov i Valentin Dyakonov.
— A w przyszłości? Czy konkurs może zostać utworzony jako odrębna organizacja?
— Nie odmówiłabym, gdybym wzięła to na siebie np. „Maneż”. Chciałbym zostawić konkurencję w dobrych rękach. Albo zrób to z kimś. Nastya Kuryokhina ma wspaniałą nagrodę... Już trudno nam zrobić wszystko samodzielnie. Mamy radę nadzorczą, wystawę, nagrodę. Dajemy artystom możliwość wyjazdu na rezydencję i zrobienia dodatkowej wystawy - według uznania rady nadzorczej. Która, nawiasem mówiąc, istnieje dopiero od dwóch lat. Powinno być więcej stypendiów i konkursów dla artystów w naszym kraju.
— Bierzesz udział w targach Cosmoscow. Czy to jest dla ciebie uczciwe, jeśli chodzi o wizerunek? A może jest to również dochodowy biznes?
— Okazało się, że za nami dwa ostatnie targi Kosmoskow bardzo opłacalne, generalnie całe stoisko jest na sprzedaż. Malarstwo Daszewskiego, Kulkowa, obiekty Aljoscha cieszą się dużym zainteresowaniem moskiewskich kolekcjonerów, zarówno doświadczonych, jak i początkujących.
I nie tylko nasi stali kolekcjonerzy kupują, ale także ci, od których byś się nie spodziewał. Zainteresowanie sztuką współczesną na krajowym rynku stale rośnie, co mnie bardzo cieszy – widzimy, że wszystkie nasze wysiłki przynoszą efekty. Ciężko pracujemy, aby sztuka współczesna była bardziej popularna. Nasze działania mają w pewnym stopniu charakter misyjny: oprócz konkursów organizujemy okrągłe stoły, spotkania, wystawy poza galerią. Niedawno pojechaliśmy do Soczi, gdzie zorganizowaliśmy wystawę. Teraz w Soczi chcą z nami współpracować, abyśmy mogli nadal organizować wystawy, chcą wystawiać sztukę publiczną na swoich stronach.
Praca artysty Aljoscha(Alosza)
annanova-gallery.ru
— Ale czy to prywatny interes? Prywatna firma?
— Tak, nadal prywatny.
— Chciałem też porozmawiać o lecie w Petersburgu. Aż dziwne, że wszystkie tamtejsze domy nie zostały jeszcze zamienione na hotele, bo o tej porze roku jest naprawdę bardzo aktywnie. Czy latem zdobywasz dużo, że tak powiem, „przypadkowych” klientów? czyli turyści?
—
Tak. Wszedłem i kupiłem. Jest to normalna praktyka stosowana przez Europejczyków; jesteśmy 50 lat do tyłu.
—
A potem wracają tacy turyści, którzy przyszli przez przypadek?
— Póki co, moim zdaniem, tak się nie stało. Ale komunikujemy się, kontaktujemy, przesyłamy informacje.
— Tak, to całkowicie poprawne. Dla porównania nie słyszałem takich historii o moskiewskich galeriach, a one zazwyczaj są zamykane na lato.
— Mieliśmy tę samą praktykę, zamknęliśmy na sierpień. Przez pierwsze pięć lat pracowaliśmy w tym trybie, a potem zdałem sobie sprawę, że w Petersburgu to jedyny czas, kiedy coś się aktywnie dzieje. Lepiej pojechać na wakacje, powiedzmy, w lutym.
— Gdzie byłoby dla Ciebie bardziej interesująco przenieść się dalej – do Europy, Azji…?
— Ameryka jest w naszych planach. Jednak Azja interesuje się także sztuką rosyjską. Nawet nie myślałem, że nasza sztuka tak ich pociąga, zazwyczaj wspierają, rozwijają i kupują własną. W Azji panuje obecnie ogólnie duże zainteresowanie kulturą, są gotowi inwestować we wszystkie marki światowej klasy, które charakteryzują się dobrą rentownością.
— Ale czy nadal myślisz o Ameryce?
— Według statystyk największy rynek sztuki ma Azja. Tyle, że uczestnictwo jest dla nas kosztowne. Chcielibyśmy jak najwięcej podróżować wszędzie, ale skoro państwo nie zapewnia żadnego wsparcia, musimy jakoś sami o tym zdecydować, a logistyka jest dla nas nadal za droga.
Praca artysty Aljoschy (Alyosha)
annanova-gallery.ru
— Z jakimi artystami chciałbyś współpracować w przyszłości? Czy będziesz współpracować z rosyjskimi artystami za granicą?
— Chcemy pokazywać dobrą sztukę, nie naszym celem jest pokazywanie wyłącznie artystów rosyjskich. Chcielibyśmy także nawiązać współpracę z galeriami, które są albo wyżej oceniane, albo dorównują nam. A może dołącz do naszych wysiłków, aby uzyskać większy zasięg.
Takie projekty realizujemy cyklicznie – tego lata współpracowaliśmy z Amerykanami, wcześniej współpracowaliśmy z artystami polskimi, z francuskimi, w zeszłym roku współpracowaliśmy z Aljoscha(Alosza). Pochodzi z Ukrainy, ale od wielu lat mieszka w Niemczech. Swoją drogą jego wystawa była jedną z najchętniej odwiedzanych, przychodzili ludzie, którzy pewnie nawet nie wiedzieli o istnieniu galerii Anna Nowa. Swoimi jasnymi, niezwykłymi przedmiotami przyciągał młodych ludzi i studentów.
— Tak, trzeba dobrze edukować młodych kolekcjonerów.
„Oczywiście w momencie tworzenia dzieła nie miałem pojęcia, z jakimi wydarzeniami będzie musiał się zmierzyć cały świat” – Jonathan Monaghan opowiada o swoich pracach i tym, jak należy je postrzegać, a także dzieli się swoimi przemyśleniami na temat pandemii w wywiad dla @lofficielrussia. Przeczytaj materiał poprzez link w profilu! --- W wywiadzie dla @lofficielrussia Jonathan Monaghan opowiada o swoich pracach i ich znaczeniu oraz dzieli się przemyśleniami na temat pandemii. Przeczytaj poprzez link w bio (tekst rosyjski).
Projekt grupy North-7 Lost & Found North-7 Expedition został nominowany do nagrody imienia. Sergei Kuryokhin najlepszym dziełem sztuki wizualnej! ⠀ „North-7” zaprezentowało projekt wczesną jesienią 2019 w @mhkamuseum w Antwerpii. Lost & Found to muzeum w muzeum, które nie ma nic wspólnego z przestrzenią „białego sześcianu” i przypomina ruinę, świątynię czy teatr. W tej przestrzeni, niczym eksponaty w muzeum prowincjonalnym, gromadzone są prace członków grupy, a także dokumentacja ich wcześniejszych projektów i performansów. ––– Projekt Lost & Found North-7 Expedition znalazł się na długiej liście kandydatów do Nagrody Siergieja Kurekhina w kategorii najlepsze dzieło sztuki wizualnej! Kolektyw North-7 zaprezentował projekt jesienią ubiegłego roku w @mhkamuseum w Antwerpii. Lost & Found to muzeum znajdujące się w muzeum przypominającym klasyczną ruinę, a nie białą przestrzeń. Wewnątrz tego muzeum zwiedzający mogli zobaczyć wszelkiego rodzaju dokumentację i archiwalia, potwierdzające wcześniejsze projekty artystyczne i działalność grupy.
Przyjaciele! Bezpieczeństwo pracowników galerii i zwiedzających jest dla nas najwyższym priorytetem. W związku z niekorzystną sytuacją epidemiologiczną podjęliśmy decyzję o zawieszeniu wystawy w dniach 24 marca – 6 kwietnia. Za wszelkie niedogodności przepraszamy i mamy nadzieję, że każdy, kto chciał odwiedzić wystawę, znajdzie na to czas. Biuro Galerii będzie w dalszym ciągu działać zdalnie. Przygotowujemy dla Was nowe filmy i inne materiały na wystawę „Ślady pozostawione przez przyszłość”, więc bądźcie czujni! W przypadku jakichkolwiek pytań proszę pisać do nas e-mailem [e-mail chroniony]--- Drodzy przyjaciele! Bezpieczeństwo naszego zespołu i gości jest dla nas najwyższym priorytetem. W odpowiedzi na obecną sytuację związaną z Covid-19 podjęliśmy decyzję o czasowym zamknięciu wystawy Ślad pozostawiony przez przyszłość w terminie od 24 marca do 6 kwietnia. Za wszelkie niedogodności przepraszamy i mamy nadzieję, że wszyscy, którzy planowali odwiedzić wystawę, będą mogli Zrób to. Biuro galerii w dalszym ciągu pracuje z domu. Proszę o kontakt [e-mail chroniony] Jeśli masz jakieś pytania.
W dalszym ciągu rozmawiamy o różnych projektach internetowych związanych ze sztuką. Tym razem odbędzie wirtualną wycieczkę po muzeum DSL Collection. DSL Collection to pierwsza na świecie prywatna kolekcja prezentowana w wirtualnej rzeczywistości, obejmująca malarstwo, rzeźbę, sztukę wideo i instalacje ponad dwustu chińskich artystów. Jej założyciele, Domenic i Sylvain Levy, kolekcjonują sztukę od ponad 30 lat, ale 15 lat temu postanowili skupić się na współczesnej sztuce chińskiej i udostępnić swoją kolekcję wszystkim. Na stronie DSL Collection możesz przeglądać katalog i zapoznać się z każdym dziełem z kolekcji. Ale najciekawszą rzeczą jest wirtualne muzeum, po którym można spacerować i oglądać wszystkie dzieła w okularach VR. Choć takie technologie nie są dostępne w każdym domu, warto skorzystać z linku w profilu, aby obejrzeć film i wyobrazić sobie, jak efektownie może to wyglądać! --- Dzisiaj odbywa się wirtualna wycieczka po Muzeum Kolekcji DSL. DSL Collection to pierwsza na świecie prywatna kolekcja prezentowana w wirtualnej rzeczywistości. Zawiera malarstwo, rzeźbę, sztukę wideo i instalacje ponad dwustu chińskich artystów. Jej założyciele, Domenic i Sylvian Levy, kolekcjonują sztukę od ponad 30 lat 15 lat temu postanowili skupić się na współczesnej sztuce chińskiej i udostępnić swoją kolekcję każdemu. Na stronie DSL Collection można przeglądać katalog i przeczytać o każdym dziele z kolekcji. Jednak najciekawsze jest wirtualne muzeum, w którym można spaceruj i oglądaj wszystkie prace, mając na sobie gogle VR. Choć nie w każdym domu takie technologie są dostępne, kliknij link w bio, aby obejrzeć film i wyobraź sobie, jakie robi wrażenie!
ZMIANY W TRYBIE DZIAŁANIA GALERII Kochani! Rozumiemy, że wiele osób chciało jak najszybciej zobaczyć nową wystawę, jednak w związku z obecną sytuacją w dniu dzisiejszym, 21 marca, galeria będzie nieczynna. Opracowujemy specjalny tryb działania galerii i podejmujemy niezbędne działania, aby pobyt w galerii był bezpieczny dla zwiedzających i pracowników. Informacje o nowych godzinach otwarcia zostaną podane w poniedziałek. --- Drodzy przyjaciele! Rozumiemy, że wielu z Was nie może się doczekać nowego programu. Niestety, w odpowiedzi na obecną sytuację, dzisiaj, 21 marca, galeria będzie zamknięta. Rozważamy nowy czas pracy i wdrażamy środki ostrożności, aby zapewnić zdrowie i bezpieczeństwo naszym gościom i zespołowi galerii. Dalsze informacje zostaną opublikowane w poniedziałek.
W swoich pracach amerykański artysta Jonathan Monaghan @jonmonaghan odzwierciedla obawy ludzkości dotyczące przyszłości zaawansowanych technologii i krytykuje społeczeństwo konsumpcyjne, kulturę wielkich marek i system kapitalistyczny. Zajmuje się technologiami cyfrowymi, tworzy filmy, grafiki i obiekty. W tym filmie Jonathan oprowadza po swojej wystawie i szczegółowo opowiada o prezentowanych pracach oraz procesie ich tworzenia. /// Amerykański artysta Jonathan Monaghan @jonmonaghan wykorzystuje technologie cyfrowe do tworzenia wideo, grafik i rzeźb. W swoich pracach Jonathan odkrywa nasze lęki i niepokoje dotyczące coraz bardziej technologicznej przyszłości, krytykując społeczeństwo kapitalistyczne, kulturę wielkich marek i konsumpcjonizm. Ten film jest wirtualną wycieczką po jego solowej wystawie, więc oglądaj dalej, aby dowiedzieć się więcej o dziełach Jonathana i procesie twórczym.
Dziś w IGTV zaprezentujemy wystawę Jonathana Monaghana „Ślad pozostawiony przez przyszłość”! Artysta oprowadzi po wystawie i opowie więcej o projekcie i swojej praktyce. Czekać na dalsze informacje! --- Dziś prezentujemy A Trace Left by the Future, pierwszą indywidualną wystawę Jonathana Monaghana w Rosji. Nie przegap oprowadzania artysty po wystawie w IGTV. Czekać na dalsze informacje!
Nagranie wideo internetowego wykładu publicznego „Metamodernizm i postmodernizm” można teraz obejrzeć na Vimeo @artschoolmasters. Jeżeli nie zdążyliście wczoraj dołączyć do nas, kliknijcie link w profilu! Na zdjęciu praca Jonathana Monaghana z cyklu „Ślad pozostawiony przez przyszłość” --- Wykład publiczny „Metamodernizm i postwspółczesność” jest już dostępny na Vimeo @artschoolmasters. Sprawdź link w bio! Na zdjęciu: Jonathan Monaghan, prace z cyklu Ślad pozostawiony przez przyszłość, 2019.
Przyjaciele! Z przyjemnością ogłaszamy, że nadal będziemy prowadzić wykład publiczny „Metamodernizm i postmodernizm” z @jonmonaghan i @dimitriozerkov, ale w formacie online. Dołącz do transmisji @artschoolmasters poprzez link w profilu! --- Drodzy przyjaciele! Z radością ogłaszamy transmisję wykładu publicznego z udziałem Jonathana Monaghana i Dmitrija Ozerkowa. Dołącz do nas poprzez link w bio.
Od dzisiaj w tym dziale zaczynamy mówić o projektach internetowych związanych ze sztuką współczesną. Co tydzień będziemy wybierać kolekcje muzealne, wykłady wideo, występy online i inne materiały, abyś mógł uczyć się w zaciszu własnego domu, dopóki sytuacja na świecie nie umożliwi Ci ponownego rozpoczęcia podróżowania i odwiedzania muzeów i galerii. Pierwszą pozycją na naszej liście będzie strona @themuseumofmodernart. 1 marca w New York Museum odbyła się retrospektywa słynnego przedstawiciela minimalizmu, Donalda Judda. Na stronie wystawy można znaleźć nie tylko dużą liczbę zdjęć prac i wystawy, ale także audioprzewodnik nagrany przez kuratora oraz współczesnych artystów i pisarzy. Przewodnik zawiera 21 utworów poświęconych konkretnym pracom, a w każdym z nich uczestnicy rozmów zastanawiają się nad innowacjami, jakie Judd wniósł do sztuki w swoich czasach oraz wpływem, jaki jego twórczość wywiera do dziś. Na zdjęciu: Donald Judd, Bez tytułu, 1967 © 2020 Judd Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork ––– Od dziś zaczyna odkrywać projekty internetowe z zakresu sztuki współczesnej. Dopóki sytuacja na świecie nie będzie bezpieczna i możliwe będzie podróżowanie oraz zwiedzanie muzeów i galerii, będziemy zamieszczać posty o zbiorach muzealnych, wideowykładach, występach online i innych materiałach, które można zwiedzać pozostając w domu. Pierwszym punktem na naszej liście jest strona @themuseumofmodernart. 1 marca muzeum zaprezentowało retrospektywę Donalda Judda. Na stronie wystawy można znaleźć liczne zdjęcia prac i ekspozycji oraz audioprzewodnik. Zawiera 21 utworów powiązanych z konkretnym dziełem. Kurator wystawy rozmawia ze współczesnymi artystami i pisarzami, zastanawiając się nad innowacjami i wpływem twórczości Judda. Na zdjęciu: Donald Judd, Bez tytułu, 1967 © 2020 Judd Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
W przeddzień otwarcia wystawy Jonathana Monaghana wspólnie z @artschoolmasters organizujemy w @manegespb wykład publiczny „Metamodernizm i postmodernizm”. Kierownik Działu Sztuki Współczesnej Państwowego Ermitażu Dmitrij Ozerkov porozmawia z artystą o najnowszych trendach w sztuce współczesnej. Spotykamy się 17 marca o 18:30 w Manege! Wstęp jest bezpłatny, wymagana jest rejestracja poprzez link w profilu. Zdjęcie przedstawia fragment filmu Jonathana Monaghana Out of the Abyss, 2018. --- Dołącz do nas i @artschoolmasters podczas wykładu publicznego Metamodernism and Postmodernity w @manege. Jonathan Monaghan i Dmitry Ozerkov (kierownik Działu Sztuki Współczesnej Państwowego Muzeum Ermitażu) będą rozmawiać o nowych trendach we współczesnej sztuce cyfrowej. Do zobaczenia 17 marca o 18:30 w Centralnej Hali Wystawowej Manege! Rejestracja jest bezpłatna i dostępna pod linkiem w bio. Na zdjęciu: zrzut ekranu z filmu Out of the Abyss, 2018, autorstwa Jonathana Monaghana.
Aleksander Daszewski znalazł się na długiej liście XI Nagrody. Sergei Kuryokhin w kategorii „Najlepsze dzieło sztuki wizualnej” z projektem „Gang symulatorów”! ⠀ Wystawa poświęcona 10-leciu współpracy artystki z galerią Anna Nova odbyła się wiosną 2019 roku. Projekt w zamyśle autora stał się trzecim odcinkiem pełnej akcji historii , będący kontynuacją cykli „Straty częściowe” oraz „Upadli i upadli”, poświęconych mutacjom klasycznego formatu obrazu, powstałym w wyniku działalności artysty. Dla Aleksandra ten projekt jest nie tylko okazją do rozmowy o perypetiach twórczości współczesnego malarza, ale także próbą skorelowania powściągliwych, „poważnych” antynarracyjnych dzieł z własnej przeszłości z wydarzeniami, które przeżywają jego nowi bohaterowie i nowe malarstwo sprawcy. ––– Projekt Aleksandra Daszewskiego Paczka Malingererów znalazł się na długiej liście XI Nagrody im. Siergieja Kuriochina w kategorii najlepsze dzieło sztuki wizualnej. Wiosną ubiegłego roku odbyła się wystawa Paczka Malingerów z okazji 10-lecia współpracy artysty z galerią. Ekspozycja sprawia wrażenie ironicznej biografii poświęconej praktyce artystycznej Aleksandra. Nowy projekt jest kontynuacją poprzednich cykli Partial Loss oraz The Fallen and the Dropped Out i staje się trzecim odcinkiem emocjonującej opowieści o mutacjach gatunkowych malarstwa, które pojawiły się w procesie pracy artystów. Dla Aleksandra Daszewskiego projekt ten jest zarówno okazją do rozmowy o trudach współczesnego malarza, jak i próbą powiązania powściągliwych, „poważnych”, antynarracyjnych dzieł z jego przeszłości z wpadkami nowych postaci i nowych obrazów.
Przyjaciele! Informujemy, że do 20 marca galeria Anna Nova będzie nieczynna ze względu na montaż nowej wystawy. Będzie nam miło widzieć wszystkich na wernisażu wystawy „Ślad pozostawiony przez przyszłość” amerykańskiego artysty Jonathana Monaghana 20 marca o godzinie 19.00. Już wkrótce opowiemy Wam więcej o wystawie, więc bądźcie czujni! Na zdjęciu: Jonathan Monaghan, Beam Me Up I, 2019. --- Do 20 marca Anna Nova Gallery będzie zamknięta z powodu ponownej instalacji. Prosimy o dokładne zaplanowanie wizyty. Będzie nam miło gościć Państwa na otwarciu A Trace Left by the Future, solowego pokazu amerykańskiego artysty Jonathana Monaghana, który odbędzie się 20 marca o godzinie 19:00. Bądź na bieżąco, aby uzyskać więcej informacji! Na zdjęciu – Jonathan Monaghan, Beam Me Up I, 2019.
W przestrzeni Boiling Point GUAP zaprezentował projekt „Per Chlorophytum ad astra / Through Chlorophytum to the stars”, składający się z organicznej instalacji Anastazji Potemkiny i neonowego obiektu Jendy Fluid (Antonina Baever). Projekt opiera się na marzeniu o eksploracji kosmosu, które wyłaniając się z okresu modernizmu, nabyło szereg jakościowo nowych właściwości. Jednym z nich jest jasne zrozumienie konieczności zwracania uwagi na to, co nas otacza na Ziemi. Pozaludzkie formy życia, współistniejące w jednym powiązaniu ze społeczeństwem, coraz częściej znajdują się w strefie zwiększonego ryzyka, stając się dla człowieka środkiem do osiągnięcia swoich celów – całkowita dysharmonia tej zgodności grozi m.in. katastrofą ekologiczną . Instalacja stanowi sensoryczną fitowalę z żywymi roślinami, m.in. chlorofilem, szparagami, nefrolepsą i innymi gatunkami, które łatwo tolerują życie w zamkniętych przestrzeniach. Wraz z roślinami w kompozycję wkomponowane są prawdziwe anteny satelitarne. Anteny takie służą do odbioru i transmisji sygnałów radiowych pomiędzy stacjami naziemnymi a satelitami sztucznej ziemi - pełnią rolę łącza łączącego, nieożywionego agenta komunikacyjnego. Łącząc anteny z roślinami, artysta tworzy alternatywny ekosystem, w którym technologia współistnieje z naturą. Zdjęcia – Alisa Spirlidi.
Dziś proponuje pojechać do miasteczka St. Ives i odwiedzić dużą wystawę prac konstruktywisty i jednego z pionierów sztuki kinetycznej Nauma Gabo w galerii @tate. Prawdziwe imię Gabo to Naum Borisovich Pevzner. Jeden z przywódców awangardy artystycznej, wyemigrował z Rosji w 1922 roku i w różnych okresach przebywał w Niemczech, Francji, Wielkiej Brytanii i USA, wykładał w VKHUTEMAS, Bauhausie i Harvardzie, współpracował z Diagilewem i utrzymywał bliski kontakt z Pietem Mondriana, Adolfa Oberlandera i innych artystów. Wystawa w Tate upamiętnia setną rocznicę publikacji Manifestu realizmu przeciwko kubizmowi i futuryzmowi, stworzonego przez artystę wraz z bratem Antonem Pevznerem. Bracia uznali przestrzeń i czas za główne kategorie w sztuce, a także zwrócili uwagę na znaczenie jej interakcji z osiągnięciami nauki i techniki. Wystawa ilustruje podstawową ideę artysty – „sztukę dla współczesnego świata” – i obejmuje ponad 80 prac z kolekcji Tate Gallery i Berlina. Wystawa potrwa do 3 maja 2020 roku. --- Tym razem wyruszamy do małego miasteczka St. Ives do odwiedzenia wystawy Nauma Gabo, jednego z pionierów konstruktywizmu i sztuki kinetycznej, w @tate. Prawdziwe nazwisko artysty to Naum Borisovich Pevzner. Jeden z przywódców awangardy artystycznej, wyemigrował z Rosji w 1922 roku i mieszkał w Niemczech, Francji, Wielkiej Brytanii i USA, wykładając w VKhUTEMAS, Bauhausie i Harvardzie. Wystawa w Tate poświęcona jest 100. rocznicy „Manifestu realistycznego” przeciwko kubizmowi i futuryzmowi, który Naum Gabo przygotował wspólnie ze swoim bratem Antonem Pevznerem. Bracia uznali przestrzeń i czas za główne kategorie w sztuce, a także zwrócili uwagę na znaczenie jej interakcji z osiągnięciami nauki i techniki. Wystawę można oglądać do 3 maja 2020 roku.
Jutro, 7 marca, ostatni dzień otwarcia wystawy Valerii Abendroth Laboratorium Suggerere! Na wszystkich, którzy nie widzieli jeszcze projektu finalisty VII konkursu @novaartcontest, czekamy w godzinach 12.00 - 19.00. Wstęp wolny! A jeśli chcesz dowiedzieć się więcej o projekcie, przeczytaj nagranie dyskusji Sense of Humanity z udziałem artysty, kuratora i krytyka sztuki Stasia Savitsky'ego, dyrektora działu zaawansowanych badań w BIOCAD Pavel Gershovich i krytyczki sztuki Anastazji Yaromosh w Masters Journal @artschoolmasters poprzez link w profilu! --- Ostatnia szansa, aby zobaczyć Laboratorium Suggerere Valerii Abendroth! Wpadajcie jutro do 19:00 na projekt finalisty VII @novaartcontest!
Od dziś, 5 marca, w holenderskim mieście Maastricht rozpoczynają się jedne z największych targów sztuki TEFAF, gdzie prezentowana jest nowa praca @aljoscha.aljoscha. Perspektywa Policentryczna to trzymetrowa rzeźba wykonana z aluminium pokrytego kolorową powłoką, stworzona przez artystę w 2020 roku. W TEFAF można zobaczyć nie tylko dzieła sztuki współczesnej, ale także dzieła dawnych mistrzów, antyki, przedmioty designerskie i biżuterię. Targi potrwają do 15 marca. Zdjęcie: @beckeggeling --- Od dzisiaj, 5 marca, targi sztuki TEFAF witają swoich gości w Maastricht w Holandii. Na targach można będzie zobaczyć nową pracę @aljoscha.aljoscha Perspektywa policentryczna. Rzeźba o wysokości 3 metrów wykonana jest z malowanego aluminium i powstała właśnie w tym roku. Oprócz dzieł współczesnych artystów TEFAF oferuje tradycyjne obrazy, antyki, biżuterię i wzornictwo XX wieku. Targi trwają do 15 marca. Fot
Galeria Anna Nova
Założony: Petersburg, 2005
Twórca: Anna Nowa
Założycielka Anna Nowa— o własnych motywach angażowania się w sztukę współczesną, tworzeniu ekosystemu galerii, niestandardowych podejściach i idealnych kolekcjonerach.
Od „namiętnej dziecięcej chęci pomocy” po setki wystaw
W latach 2004-2005, kiedy stało się jasne, że otwieramy galerię, miałem wrażenie, że płynąłem z nurtem w pewnym nurcie, jakby coś działo się niezależnie ode mnie i pełniłem rolę swego rodzaju przewodnika. W tym czasie zacząłem aktywnie spotykać się z ludźmi ze świata sztuki i designu; w moim życiu pojawili się projektant Dmitrij Szarapow, artyści Władimir Duchowlinow, Aleksander Gierasimow, Wiaczesław Michajłow - galeria praktycznie z nimi nie współpracowała, ale moja znajomość sztuki zaczęło się od tych artystów. Przez Dmitrija Szarapowa poznałem Natalię Erszową i mieliśmy wspólny pomysł otwarcia galerii sztuki współczesnej.
Na początku nie byłam pewna, czy to droga dla mnie, ale zawsze lubiłam pomagać utalentowanym ludziom i ich wspierać. Nie bez znaczenia były tu także wspomnienia mojego dziadka ze strony ojca i brata ojca, wujka Saszy, którzy byli członkami Związku Artystów Plastyków. Choć w latach 80. byłem jeszcze dzieckiem, doskonale pamiętam, jak trudno było wówczas artystom i jak mało było miejsca na autoekspresję. Teraz, znając historię naszego kraju i złożone relacje między sztuką a władzą radziecką, oceniam sytuację bardziej trzeźwo, ale to właśnie żarliwe pragnienie z dzieciństwa, aby pomóc artystom w przyszłości realizować swój talent, wywarło ogromny wpływ na moją decyzję o zaangażowaniu się w projekt trudny biznes galeryjny.
Na samym początku nie do końca rozumiałam, w co to się rozwinie i co mnie czeka w przyszłości, ale spotkałam ludzi, w których uwierzyłam. Wsparcie zarówno mojego męża, jak i Natalii Erszowej, która została dyrektorem artystycznym galerii i skompletowała zespół, stało się dla mnie swego rodzaju fundamentem. Inicjatywa ta przerodziła się w projekt na dużą skalę. W ciągu 15 lat zespół zmieniał się nie raz i galeria zaczęła żyć własnym życiem. Tak właśnie się dzieje, gdy matka rodzi dziecko: na początku czujesz, że coś jest bardzo ważne i bardzo martwisz się odpowiedzialnością („czy dobrze zrobiłeś?”), ale potem zaczyna się proces i stwierdzasz, że bądź nie tylko jego uczestnikiem, ale także uczniem. Uczyłem się na swoich błędach, pojawiły się nowe doświadczenia, nowa wiedza, nowe doznania, nowe spostrzeżenia – mówiąc w przenośni, znów zacząłem chodzić. Patrząc wstecz, widzę, jaką kolosalną drogę przebyto: odbyło się ponad 100 wystaw, uczestniczyliśmy w ponad 20 targach, zorganizowaliśmy 7 konkursów dla młodych artystów i wydaliśmy 9 numerów magazynu Booklet.
Każdy etap tych piętnastu lat dał coś dla mojego osobistego rozwoju i rozwoju galerii. Na początku byłem bardziej obserwatorem, widzem i być może motywatorem – nie ingerowałem w zespół, do którego miałem pełne zaufanie. Właściwym krokiem było zaproszenie krytyk sztuki Ekateriny Andreevy, która przez pierwsze pięć lat była właściwie komisarzem galerii i polegaliśmy na jej wizji. Naszym pierwszym projektem była wystawa Eleny Figuriny, a kilka lat później odważyliśmy się zwrócić uwagę na młodych artystów konceptualnych, których w 2005 roku nie było jeszcze na rosyjskiej scenie artystycznej.
Moja prawdziwa znajomość ze sztuką współczesną rozpoczęła się na początku XXI wieku, kiedy po raz pierwszy pojechałam na Biennale w Wenecji i ARCO. Otworzył się przede mną zupełnie nowy świat i chciałam zmienić sytuację w Rosji na lepsze. Po 15 latach rozumiem, że właśnie to robimy: wnosząc swój wkład w rozwój sztuki współczesnej.
O partnerstwie galerii i artysty
Weźmy artystów, z którymi obecnie współpracujemy - Denis Patrakeev, Vlad Kulkov, Alexander Dashevsky, Egor Kraft... Jest tylko 10-15 nazwisk i reprezentują różne kierunki, bo chcemy pokazać różnych artystów. Gdyby w Petersburgu istniało sto galerii specjalizujących się w danej dziedzinie, to prawdopodobnie skupilibyśmy się na jednej, ale mamy w mieście bardzo niewiele galerii, praktycznie żadnych, więc bierzemy na siebie misję pokazania całej różnorodności aktualnej sztuki artystycznej praktyki. Nie potrafię wyróżnić jednego artysty. Różnią się bardzo nie tylko technologią, ale także karierą zawodową: niektórzy są zorientowani na Zachód, inni są bardziej związani z kontekstem lokalnym. Ich strategie mogą być różne, ale dla mnie „artysta idealny” to nadal taki, który aktywnie uczestniczy w budowaniu własnej kariery. Nie jest bierny, nie oczekuje, że galeria zrobi za niego wszystko – w dzisiejszych rosyjskich realiach jest to prawie niemożliwe. Musi być praca partnerska, w której zarówno galeria, jak i artysta pełnią swoją funkcję, dzięki czemu wzajemnie motywujemy się do dalszego działania.
O niestandardowych podejściach i wystawach konceptualnych
Jako jedni z pierwszych w Petersburgu jeździliśmy na zachodnie targi sztuki - chcieliśmy skupić się na rynku światowym i promować naszych artystów na światowej scenie. Kontynuujemy to, pomimo wszystkich trudności.
Na przestrzeni ostatnich 15 lat kolekcjonerzy, ich gusta i upodobania bardzo się zmieniły, inne stały się targi – teraz istnieje coraz większa potrzeba zaskakiwania publiczności, a często stoisko galerii staje się wystawą konceptualną. Czasem podejmujemy ryzyko i tworzymy projekty specjalne. Przykładowo na ostatniej edycji Viennacontemporary nie zajęliśmy standardowego stoiska, na naszą prośbę organizatorzy po raz pierwszy po obu stronach nawy wykonali dwie długie gabloty, w każdej z których zaprezentowaliśmy indywidualny pokaz artystów Aljoschy i Jegor Kraft. Okazało się, że są to dwie niezależne wystawy, które łączy wspólny temat – temat przyszłości. Obie wystawy prowadziły dialog, ale jednocześnie nie kolidowały ze sobą. Eksperyment ten okazał się bardzo udany i przyciągnął uwagę osób, które nie spodziewały się takiej prezentacji muzealnej na targach sztuki. Wielu zatrzymywało się i zadawało pytania, ale nie dlatego, że było coś niezrozumiałego – byli zaciekawieni.
O idealnych kolekcjonerach i wszystkich, którym na tym zależy
Wydaje mi się, że naszym kolekcjonerom brakuje obserwacji – ważne jest, aby więcej podróżować po świecie, rozumieć i widzieć, jak na Zachodzie powstają prywatne kolekcje. Wielu osobom brakuje także holistycznego spojrzenia i strategicznego myślenia. Jeśli kolekcjonerem idealnym nazwiemy, to moim zdaniem jest to Roman Babiczow, choć nie kolekcjonuje sztuki współczesnej, to jego kolekcję wyróżnia wysoka jakość wykonania i przemyślana koncepcja. Będzie mi miło, jeśli tacy ludzie pojawią się na polu sztuki współczesnej w Petersburgu i zaczną przyczyniać się do rozwoju rynku sztuki.
W zeszłym roku na targach Cosmoscow z radością zaobserwowaliśmy, że młodzi ludzie wykazują duże zainteresowanie sztuką i są gotowi do rozpoczęcia zakupów. Nie mogliśmy się nawet ruszyć ze stoiska, a nasi artyści cały czas byli zajęci rozmową z publicznością. Publiczność chce poznawać sztukę, jest gotowa do komunikacji i dialogu, a targi są dla niej jedną z takich szans. To bardzo dobry trend w ostatnim czasie.
Chciałbym zobaczyć więcej kolekcjonerów. Znamy młodych ludzi w wieku 30-35 lat, którzy przychodzą do galerii, zaczynają angażować się w sztukę współczesną, zadają pytania i kupują drobne prace. Uczymy je kolekcjonowania sztuki – od kilku lat współpracujemy z wybranym artystą, wydając limitowaną edycję dzieła jako spersonalizowany prezent noworoczny.
Budujemy ekosystem, w którego centrum znajduje się galeria, ale równolegle z nią rozwijają się także inne nasze projekty: magazyn o sztuce współczesnej Booklet, konkurs projektów Nova Art dla młodych artystów oraz platforma internetowa 28bugs. Niedawno na trzecim piętrze galerii pojawił się salon Kolekcjonerów, w którym możemy wchodzić w interakcję z ludźmi z innych dziedzin. Organizujemy tutaj różne wydarzenia, których celem jest przekazywanie ludziom wartości sztuki współczesnej, aby mogli zrozumieć i doświadczyć, dlaczego tak ważne jest jej wspieranie i bycie częścią ekscytującego procesu artystycznego. Pomaga to w kształtowaniu nowego kolekcjonera: ci, którzy teraz się ze mną kontaktują i są gotowi zacząć kolekcjonować dzieła sztuki ze względów reputacyjnych lub inwestycyjnych, zaczynają ufać galerii i naszemu gustowi. Dziś galeria zrzesza artystów, kolekcjonerów, koneserów sztuki, biznes, środowisko zawodowe i po prostu zainteresowanych, troskliwych ludzi.
O artyście prezentowanym na aukcji
Anna Nova w swojej Galerii Anna Nova przy ulicy Żukowskiego 28 w Petersburgu. Na pierwszym planie rzeźba Denisa Patrakeeva „Przepływ świata”, 2017. Na ścianie praca Vlada Kulkowa, 2017. Krzesło S, projekt: Tom Dixon, Cappellini.
Architektura, w tym architektura przestrzeni wnętrz, jest jak zamrożona muzyka. Ale galeria sztuki potrzebuje całkowitej ciszy wizualnej, aby sztuka w niej mogła brzmieć głośno i bez zakłóceń. O tym, czy tak jest, dowiadujemy się od Anny Novy, założycielki galerii Anna Nova.
ELLE DECORATION W 2005 roku petersburskie media doniosły: piosenkarka Anna Nova otworzyła galerię...
ANNA NOVA Tak, prowadziłem karierę solową, a także pracowałem jako prezenter na kanale RTG. Ale po ukończeniu szkoły muzycznej z dyplomem w klasie fletu, jak wiele osób z mojego pokolenia, poszedłem zdobyć dyplom z ekonomii.
Jak zrodził się pomysł otwarcia galerii? Zawsze otaczali mnie kreatywni ludzie. Jako dziecko często odwiedzałem wujka, artystę, i dziwiłem się, że na poważną sztukę, którą uprawiają artyści, nie ma popytu. W najlepszym razie musiałem zarabiać na życie zamawiając plakaty. Zawsze chciałem pomóc artystom wykorzystać ich potencjał. Któregoś dnia projektant Dmitrij Szarapow przedstawił mnie krytyczce sztuki Natalii Erszowej i zaproponował otwarcie galerii i tak to się zaczęło.
Przy oknie praca Rostana Tavasiewa „Russian Cosmism”, 2015. Fotel wykonany z czarnego plastiku i skóry Pohjola, projekt: Pekka Peryo, Haimi Oy, 1965, Finlandia.
Który artysta został zaproszony jako pierwszy? Otworzyliśmy wystawą Eleny Figuriny, wówczas już ikonicznej artystki. Początkowa koncepcja galerii została przemyślana wspólnie z Natalią Erszową i Ekateriną Andreevą, krytyczką sztuki i czołową pracownicą Działu Współczesnych Trendów Muzeum Rosyjskiego. W 2006 roku ogłosiliśmy konkurs dla młodych artystów, a w 2007 roku jako pierwsi pojechaliśmy na targi zachodnie.
Pośrodku Aleksander Dashevsky, „Basen”, 2014. Po lewej Rostan Tavasiev, „Odcinek 2”, 2017. Na stole rzeźba Denisa Patrakeeva „Przysięga ciszy”, 2015. W tle dywan, Lata 60., Szwecja. Para plastikowych foteli, projektu Yrje Kukkapuro, Haimi, 1964, Finlandia. Fotel ze sklejki, projekt: Soren Hansen, Anikarimobel fabrik, 1944, Szwecja. Drążek składany, Leif Alring dla C.F. Christensen, 1964, Dania.
Jak zaczęło się wnętrze galerii Anna Nova? Dziś z pierwotnego wnętrza nie pozostało prawie nic. Nie od razu doszliśmy do wniosku, że idealną przestrzenią na galerię konceptualnej sztuki współczesnej jest pusty biały sześcian. Na początku popełniliśmy wiele błędów. Lada recepcyjna, kolorowe ściany, drewniany panel i szklana przegroda zaczęły przeszkadzać niemal natychmiast. Potrzebowaliśmy pustej przestrzeni, którą można łatwo zamienić na wykłady i występy. Wszystko jest teraz inne.
Pierwsze dwa piętra to czysta przestrzeń, w której nie ma żadnych rozpraszaczy. Niedawno otworzyliśmy trzecie piętro - salon kolekcjonerski, w którym organizujemy kameralne wydarzenia dla kolekcjonerów. Meble - klasyka amerykańskiego i skandynawskiego designu - zostały zakupione na aukcjach. Ściany nie są białe, wielowarstwowy tynk został wykonany przez artystę w oparciu o pięć skomplikowanych odcieni.
Sofa i fotel Sesann, projekt: Gianfranco Frattini, Cassina, 1970, Włochy. Na ścianie praca Denisa Patrakeeva „Crossroads”, 2014.
Czy podobna galeria mogłaby pojawić się w nowym budynku? Wtedy należałoby wybudować osobny budynek w stylu konstruktywizmu lub minimalizmu, albo zagrać kontrastem: stara architektura, ale wewnątrz jest nowoczesna otwarta przestrzeń.
Letni dywanik nocny, zaprojektowany przez Ritvę Puotila, lata 60. XX wieku, Finlandia.
Jak wybrać sztukę do wnętrza? Wiele osób kupuje dzieła sztuki jako przedmiot dekoracyjny, skupiając się przede wszystkim na rozmiarze i kolorze. Jest to zasadniczo błędne. Sztuka wymaga świadomego podejścia. Musisz więcej chodzić i patrzeć - rozwijać smak. I oczywiście nie należy zaniedbywać praktyki wypożyczania obrazów.
Anna Nova na białym krześle, projektu Alberta Jacoba Tollera dla Grosfillex, 1970, Francja.Jakie błędy można popełnić podczas zawieszania zdjęć? W razie wątpliwości warto zaangażować kuratora. Głównym błędem jest standardowe wieszanie obrazów. Jest wiele sposobów, aby uczynić to interesującym. Na przykład połącz sztukę klasyczną i współczesną lub połącz obrazy w panele. Ale wyczucie harmonii jest tu ważne, podobnie jak w muzyce. W przeciwnym razie improwizacja zamieni się w kakofonię. www.new.annanova-gallery.ru
Na ścianie wisi praca Vlada Kulkowa „Bez tytułu”, 2014. Ławka wykonana jest z fragmentu oryginalnej drewnianej podłogi, pozostałej po przebudowie pomieszczenia.
