Mis on ballett, balleti ajalugu

"Me tahame mitte ainult tantsida, vaid ka tantsuga rääkida"
G. Ulanova

Vapustav, kaunis ja mitmetahuline balletimaailm ei jäta kedagi ükskõikseks. Esmakordselt kõlas see sõna Itaalias, žanr ise sai alguse Prantsusmaalt, lisaks on ballett Venemaa tõeline uhkus, pealegi oli see 19. sajandil vene lavastus, mille lõi P.I. Tšaikovski sai tõeliseks eeskujuks.

Mis on ballett?

See on muusika- ja teatrižanr, milles mitu kunstiliiki on tihedalt põimunud. Niisiis, muusika, tants, maalimine, dramaatiline ja artühinege üksteisega, luues hästi koordineeritud esituse, mis avaneb avalikkuse ees teatrilava. Itaalia keelest tõlgituna tähendab sõna "ballett" - "ma tantsin".

Millal ballett tekkis?

Balleti esmamainimine pärineb 15. sajandist, on tõendeid selle kohta, et õukonnatantsuõpetaja Domenico da Piacenza tegi ettepaneku ühendada järgmiseks balliks mitu tantsu, kirjutades neile piduliku finaali ja nimetades need balletiks.

Žanr ise tekkis aga Itaalias veidi hiljem. Alguspunktiks tunnistatakse aastat 1581, just sel ajal lavastas Baltazarini oma tantsul ja muusikal põhineva etenduse Pariisis.17. sajandil kogusid populaarsust segalavastused (ooper-ballett). kus, suurem väärtus sellistes lavastustes antakse muusika, mitte tants. Vaid tänu Prantsusmaalt pärit koreograafi Jean Georges Noveri reformistlikule loomingule omandab žanr klassikalise piirjoone oma “koreograafilise keelega”.

Žanri kujunemine Venemaal

Säilinud on andmed, et "Orpheuse ja Eurydike balleti" esmaettekanne esitati 1673. aasta veebruaris tsaar Aleksei Mihhailovitši õukonnas. Suure panuse selle žanri kujunemisse andis andekas koreograaf Charles-Louis Didelot. Tõeliseks reformaatoriks peetakse siiski kuulus helilooja P.I. Tšaikovski. Just tema loomingus toimub romantilise balleti kujunemine. P.I. Tšaikovski pööras erilist tähelepanu muusikale, muutes selle saateelemendist muusikaks võimas tööriist mis aitab tantsul emotsioone ja tundeid peenelt tabada ja paljastada. Helilooja muutis vormi balletimuusika, ja ehitas ka ühtse sümfoonilise arengu.A. Glazunovi looming mängis olulist rolli ka balleti arengus (“ Raymond”), I. Stravinsky (“Tulilind”, “Kevadriitus”, “ Petersell”), M. Ravel (“Daphnis ja Chloe”), aga ka koreograafide M. Petipa, L. Ivanovi, M. Fokini loomingut. Loomingulisus paistab uuel sajandil silma S. Prokofjeva, D. Šostakovitš, R. Gliera, A. Hatšaturjan.
XX-s alustavad heliloojad oma otsinguid stereotüüpide ületamiseks ja reeglite kehtestamiseks.

Kes on baleriin?

Varem ei kutsutud baleriinideks kõiki, kes balletis tantsivad. See on kõrgeim tiitel, mille tantsijad said pärast teatud kunstiteenete saavutamist, aga ka paar aastat pärast teatris töötamist. Esialgu võeti balletitantsijateks kõik Teatrikooli lõpetanud, harvad erandid - solistid. Mõnel õnnestus baleriinitiitel saavutada kahe-kolme tööaasta järel, mõnel alles enne pensionile jäämist.

Peamised komponendid

Balleti põhikomponentideks on klassikaline tants, karaktertants ja pantomiim.Klassikaline tants pärineb Prantsusmaalt. See on uskumatult plastiline ja elegantne. Soolotantse nimetatakse variatsioonideks ja adagioteks. Näiteks balletist tuntud Adagio "Luikede järv" P. I. Tšaikovski. Pealegi võivad need numbrid olla ansamblitantsudes.
Lisaks solistidele lööb aktsioonis kaasa corps de ballet, mis loob massistseene.
Sageli on iseloomulikud balletikorpuse tantsud. Näiteks "Hispaania" tants "Luikede järvest". See termin tähistab rahvatantsud etendusse sisse toodud.

Filmid balletist

ballett on väga populaarne vaade kunst, mis kajastub kinos. Balleti kohta on palju kauneid maale, mille saab jagada kolme suurde kategooriasse:

1. Dokumentaalfilmid on jäädvustatud balletilavastus, tänu millele saab tutvuda suurepäraste tantsijate loominguga.
2. Film-ballett – sellistes filmides näidatakse ka etendust ennast, aga tegevust enam laval ei ole. Näiteks Paul Zinneri lavastatud film "Romeo ja Julia" (1982), kus peaosades mängisid kuulsad R. Nurejev ja K. Fracci; "Lugu küürakast hobusest" (1961), kus peaosa mängis Maya Plisetskaja.
3. Balletiga seotud mängufilmid. Sellised filmid võimaldavad sukelduda selle kunsti maailma ja mõnikord rulluvad nendes toimuvad sündmused lahti etenduse taustal või räägivad kõigest, mis teatris toimub. Selliste maalide hulgas väärib Proscenium erilist tähelepanu - ameerika film režissöör Nicholas Hytner, mida avalikkus nägi 2000. aastal.
4. Eraldi tuleks mainida biograafilisi maale: “Margot Fontaine” (2005), “Anna Pavlova” ja paljud teised.

M. Powelli ja E. Pressburgeri lavastatud 1948. aasta "Punaste kingade" pilti ei saa mööda vaadata. Film toob publiku ette etenduse, mis põhineb kuulus muinasjutt Anderseni ja sukeldab publiku balletimaailma.

Režissöör Stephen Daldry esitles 2001. aastal avalikkusele linti "Billy Elliot". See räägib loo kaevandusperest pärit 11-aastasest poisist, kes otsustab hakata tantsijaks. Ta saab ainulaadse võimaluse ja astub kuninglikku balletikooli.

Aleksei Utšiteli lavastatud film Giselle Mania (1995) toob vaatajate ette legendaarse vene tantsija Olga Spesivtseva elu, keda tema kaasaegsed hüüdsid Punaseks Giselleiks.

2011. aastal ilmus televisioonis Darren Aronofsky sensatsiooniline film "Must luik", mis näitab elu. balletiteater seestpoolt.

Kaasaegne ballett ja selle tulevik

Kaasaegne ballett erineb suuresti klassikalisest balletist julgemate kostüümide ja vaba tantsutõlgenduse poolest. Klassika hõlmas väga rangeid liigutusi, vastupidiselt modernsele, mida kõige sobivamalt nimetatakse akrobaatiliseks. Palju sõltub sel juhul valitud teemast ja etenduse ideest. Selle põhjal valib lavastaja juba koreograafiliste liigutuste komplekti. Kaasaegsetes etendustes saab laenata liigutusi rahvuslikud tantsud, plastilisuse uued suunad, ultramoodsa tantsu trendid. Tõlgendus on tehtud ka uutmoodi, näiteks Matthew Byrne'i sensatsiooniline lavastus " Luikede järv”, milles tüdrukuid asendasid mehed. Koreograaf B. Eifmani teosed on tõeline tantsufilosoofia, kuna iga tema ballett sisaldab sügav tähendus. Kaasaegse esituse teine ​​suund on žanri piiride hägustumine ja õigem oleks seda nimetada multižanriks. See on sümboolsem kui klassikaline ning kasutab palju tsitaate ja viiteid. Osa etendusi kasutab montaaži konstruktsiooniprintsiipi ning lavastus koosneb erinevatest fragmentidest (kaadritest), mis koos moodustavad ühise teksti.

Lisaks läbivalt kaasaegne kultuur on tohutu huvi erinevate uusversioonide vastu ja ballett pole erand. Seetõttu püüavad paljud lavastajad publikut vaatama panna klassikaline versioon teisel pool. Uued lugemised on teretulnud ja mida originaalsemad need on, seda suurem edu ootab.

Pantomiim on ilmekas mäng žestide ja näoilmete abil.

AT kaasaegsed lavastused koreograafid laiendavad väljakujunenud raamistikku ja piire, lisaks klassikalistele komponentidele lisanduvad võimlemis- ja akrobaatikanumbrid ning kaasaegne tantsimine(kaasaegne, vabatants). See suundumus tekkis 20. sajandil ja pole oma aktuaalsust kaotanud.

Ballett on keeruline ja mitmetahuline žanr, milles on tihedalt põimunud mitmed kunstiliigid. Keegi ei saa jääda ükskõikseks tantsijate graatsiliste liigutuste, ilmeka mängu ja lummavate helide suhtes. klassikaline muusika. Kujutage vaid ette, kuidas ballett puhkust kaunistab, sellest saab iga sündmuse tõeline pärl.

Meil on hea meel teile pakkuda balletitantsijad esitada numbreid ja katkendeid klassikalisest ja kaasaegsed balletid teie üritusel.

Ballett on omamoodi etenduskunstid; see on emotsioon, mis kehastub muusikalistes ja koreograafilistes kujundites.

Ballett, koreograafia kõrgeim aste, milles tantsukunst tõuseb muusikalise lavalavastuse tasemele, tekkis õukonnaaristokraatliku kunstina palju hiljem kui tants, 15.-16.

Termin "ballett" ilmus renessansiaegses Itaalias 16. sajandil ja ei tähendanud etendust, vaid tantsuepisoodi. Ballett on kunst, milles tants on peamine väljendusvahendid ballett, on tihedalt seotud muusikaga, dramaturgilise alusega - libreto, stsenograafiaga, kostüümikunstniku, valguskunstniku jne loominguga.

Ballett on mitmekesine: süžee - klassikaline narratiivne mitmevaatuseline ballett, dramaatiline ballett; süžeeta - ballett-sümfoonia, ballett-meeleolu, miniatuur.

Maailmamaastikel on nähtud palju balletilavastusi, mis põhinevad muusikale seatud kirjanduse meistriteostel säravad heliloojad. Seetõttu otsustas Briti Interneti-ressurss Listverse järjestada ajaloo parimad balletilavastused.

"Luikede järv"
Helilooja: Pjotr ​​Tšaikovski

Esimene, Moskva lavastus "Luikede järv" ei olnud edukas – see kuulsusrikas ajalugu algas peaaegu kakskümmend aastat hiljem Peterburis. Kuid just Bolshoi Teater aitas kaasa sellele, et maailm sai selle meistriteose kingituse. Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski kirjutas tellimisel oma esimese balleti Bolshoi teater.
Rõõmsa lavaelu kinkis Luikede järvele kuulus Marius Petipa ja tema assistent Lev Ivanov, kes läksid ajalukku eelkõige tänu standardsete «luige» stseenide lavastamisele.

Petipa-Ivanovi versioon on muutunud klassikaks. See on enamiku järgnevate Luikede järve lavastuste aluseks, välja arvatud äärmiselt modernistlikud.

Luikede järve prototüübiks oli Davõdov Lebedeva majanduse järv (praegu Tšerkasõ piirkond, Ukraina), mida Tšaikovski külastas vahetult enne balleti kirjutamist. Seal puhates veetis autor rohkem kui ühe päeva selle kaldal lumivalgeid linde vaadeldes.
Süžee põhineb paljudel rahvaluule motiivid, sealhulgas vana saksa legend kaunist printsess Odette'ist, kelle kurja nõia, rüütel Rothbarti needus muutis luigeks.

"Romeo ja Julia"

Prokofjevi "Romeo ja Julia" on üks 20. sajandi populaarsemaid ballette. Balleti esietendus toimus 1938. aastal Brnos (Tšehhoslovakkia). Laialt tuntud oli aga balleti väljaanne, mida esitleti 1940. aastal Leningradi Kirovi teatris.

Romeo ja Julia on 3 vaatuses, 13 stseenis koosnev ballett koos proloogi ja epiloogiga, mis põhineb William Shakespeare’i samanimelisel tragöödial. See ballett on maailmakunsti meistriteos, mida kehastab muusika ja hämmastav koreograafia. Etendus ise on nii muljetavaldav, et seda tasub vähemalt korra elus vaadata.

"Giselle"
Helilooja: Adolf Adam

"Giselle" - "fantastiline ballett" kahes vaatuses prantsuse helilooja Adolphe Adam Henri de Saint-Georgesi, Theophile Gauthieri ja Jean Coralli libretole, mis põhineb Heinrich Heine ümberjutustanud legendil. Heine kirjutab oma raamatus “Saksamaalt” vilist - õnnetust armastusest surnud tüdrukutest, kes, olles muutunud maagilisteks olenditeks, tantsivad surnuks öösiti kohatud noored, makstes neile kätte nende rikutud elu eest.

Balleti esietendus toimus 28. juunil 1841 Suures Ooperis, koreograafideks J. Coralli ja J. Perrault. Lavastust saatis suur edu, hea tagasiside ajakirjanduses. Kirjanik Jules Janin kirjutas: „Selles teoses pole midagi. Ja ilukirjandus, luule ja muusika, uute passide kompositsioon ja kaunid tantsijad ja harmoonia, täis elu, armu, energiat. Seda nimetatakse balletiks."

"Pähklipureja"
Helilooja: Pjotr ​​Tšaikovski

P. I. Tšaikovski balleti "Pähklipureja" lavalavastuste ajalugu, kirjanduslik alus mis oli Ernst Theodor Amadeus Hoffmanni muinasjutt "Pähklipureja ja hiirekuningas", teab paljusid autoriväljaandeid. Ballett esietendus Mariinski teatris 6. detsembril 1892. aastal.
Balleti esietendus õnnestus suurepäraselt. Ballett Pähklipureja jätkab ja lõpetab klassikaks saanud P. I. Tšaikovski ballettide sarja, milles kõlab Luikede järvest alguse saanud ja Uinuvas kaunitaris jätkunud hea ja kurja võitluse teema.

Jõululugu õilsast ja ilusast nõiutud prints, mis on muutunud Pähklipureja nukuks, räägib lahkest ja ennastsalgavast tüdrukust ning nende kurjast vastasest Hiirekuningas, on täiskasvanud ja lapsed alati armastanud. Vaatamata muinasjutt, on tõelise balletimeisterlikkusega teos müstika ja filosoofia elementidega.

"La Bayadère"
Helilooja: Ludwig Minkus

La Bayadère on nelja vaatuse ja seitsme stseeniga ballett koreograaf Marius Petipa apoteoosiga Ludwig Fedorovich Minkuse muusikale.
kirjanduslik allikas ballett "La Bayadère" on India klassiku Kalidasa "Shakuntala" ja W. Goethe ballaadi "Jumal ja Bayadère" draama. Süžee põhineb romantilisel idamaade legendil bayadère’i ja vapra sõdalase õnnetust armastusest. "La Bayadère" - eeskujulik tööüheksateistkümnenda sajandi üks stiilisuundi – eklektika. "La Bayadère'is" on nii müstikat kui ka sümboolikat: tunne, et esimesest vaatusest peale on kangelaste kohale tõstetud "taevast karistav mõõk".

"Püha kevad"
Helilooja: Igor Stravinski

Kevadriitus on vene helilooja Igor Stravinski ballett, mis esietendus 29. mail 1913 Pariisis Théâtre des Champs Elysées's.

Kevadriituse kontseptsioon põhines Stravinski unel, milles ta nägi iidne rituaal- noor tüdruk, keda ümbritsevad vanemad, tantsib kurnatuseni, et kevad äratada, ja sureb. Stravinsky töötas muusika kallal samal ajal kui Roerich, kes kirjutas visandeid maastike ja kostüümide jaoks.

Süžeed kui sellist balletis puuduvad. Kevadriituse sisu kirjeldab helilooja järgmiselt: helge ülestõusmine loodus, mis sünnib uuesti uuele elule, ülestõusmine on täielik, maailma kontseptsiooni spontaanne ülestõusmine "

"Uinuv kaunitar"
Helilooja: Pjotr ​​Tšaikovski

P.I. Tšaikovski – Marius Petipa balletti "Uinuv kaunitar" nimetatakse "entsüklopeediaks" klassikaline tants". Hoolikalt üles ehitatud ballett hämmastab erinevate koreograafiliste värvide hiilgusega. Kuid nagu ikka, on iga Petipa etenduse keskmes baleriin. Esimeses vaatuses on Aurora noor tüdruk, kes tajub ümbritsevat maailma kergelt ja naiivselt, teises on ta ahvatlev kummitus, kelle on kutsunud pikaaegsest unenäost sirelihaldjas, finaalis on ta õnnelik. printsess, kes on leidnud oma kihlatu.

Petipa leidlik geenius pimestab publikut eriilmeliste tantsude veidra mustriga, mille tipuks on armastajate, printsess Aurora ja prints Desire’i pidulik pas de deux. Tänu P.I.Tšaikovski muusikale sai lastemuinasjutust luuletus hea (Sireli haldjas) ja kurja (Carabosse haldjas) võitlusest. Uinuv kaunitar on ehtne muusikaline ja koreograafiline sümfoonia, milles muusika ja tants on sulandatud üheks.

"Don Quijote"
Helilooja: Ludwig Minkus

Don Quijote on balletiteatri üks elujaatavamaid, säravamaid ja pidulikumaid teoseid. Huvitav on see, et vaatamata nimele pole see geniaalne ballett sugugi lavastus. kuulus romaan Miguel de Cervantes ja Marius Petipa iseseisev koreograafiline teos Don Quijote ainetel.

Cervantese romaanis on süžee aluseks kurb rüütel Don Quijote, kes on valmis igasugusteks vägitegudeks ja üllasteks tegudeks. 1869. aastal Moskva Suures Teatris esietendunud Petipa balletis Ludwig Minkuse muusikale on Don Quijote kõrvaltegelane ja süžee keskendub armastuslugu Kitri ja Basil.

"Tuhkatriinu"
Helilooja: Sergei Prokofjev

Tuhkatriinu on Sergei Prokofjevi ballett kolmes vaatuses Charles Perrault’ samanimelise muinasjutu ainetel.
Balleti muusika on kirjutatud aastatel 1940–1944. Esimest korda lavastati Tuhkatriinu Prokofjevi muusikale 21. novembril 1945 Suures Teatris. Selle direktor oli Rostislav Zahharov.
Prokofjev kirjutas balletist Tuhkatriinu: "Ma lõin Tuhkatriinu klassikalise balleti parimate traditsioonide järgi", mis paneb vaataja kaasa tundma ega jää ükskõikseks printsi ja Tuhkatriinu rõõmude ja murede suhtes.

15. oktoobril 1581 kohtus Katariina de Medici külalistele näidati enneolematut aktsiooni – esimest balletti Prantsusmaa ajaloos. Sellest ajast peale on maailm näinud sadu uuslavastusi, kuid mitte kõik ei olnud edukad ja vaatajale meelde jäänud. AiF.ru on kokku kogunud populaarseimad balletid, mille vaatamine avardab kindlasti teie silmaringi.

"Giselle"

Lugu: balleti esietendus toimus 28. juunil 1841 Pariisis. Vene avalikkus nägi lavastust Suure Teatri seinte vahel alles kaks aastat hiljem. Sellest ajast peale pole Giselle enam kauaks Venemaa lavalt lahkunud. Pildil peategelane särasid esimese suurusjärgu tantsijad: Pavlova, Spesivtseva, Ulanova, Bessmertnova, Maksimova ja jne.

Süžee: lugu esimesest armastusest ja julmast reetmisest. Talupojaks maskeerunud aadlik Albert võrgutab pahaaimamatu külatüdruku. Kuid pettus selgub kiiresti. Kui Giselle saab teada, et tema kallimal on juba kihlatu kõrgseltskond ta läheb hulluks ja sureb.

Öösel tuleb Albert tüdruku hauale, kus ta peaaegu sureb džiipide – enne pulmi surnud pruutide – kätte. Päästetööd noor mees See on Giselle.

"Luikede järv"

Lugu: ballett muusikale Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski armus avalikkusesse mitte kohe. Debüüt on läbi täielik ebaõnnestumine. Publik hindas "Luikede järve" alles pärast seda, kui selle originaalkoreograafia olid koreograafide poolt toimetatud Lev Ivanov ja Marius Petipa. AT uus versioon lavastust näidati avalikkusele 1895. aastal Mariinski teatri laval. Nõukogude ajal sai just "Luikede järvest" riigi tunnus. Balletti näidati kõigile Moskvat külastanud kõrgetele külalistele.

Süžee: lavastus põhineb legendil printsess Odette'ist, kes pööratakse kuri nõid Rothbart luigeks. See, kes teda siiralt armastab ja truudusvande annab, võib tüdruku päästa. Prints Siegfried annab sellise lubaduse, kuid murrab selle balli ajal, kui sellele ilmub Odile, nagu kaks tilka vett, mis sarnanevad Odette'iga. Luigetüdruku jaoks tähendab see vaid üht – ta ei saa kunagi naasta oma endisesse ellu.

"Romeo ja Julia"

Lugu: muusikat kogu maailmas kuulus ballett oli kirjutatud Sergei Prokofjev 1935. aastal, kuid publik nägi lavastust ennast kolm aastat hiljem ja mitte Moskvas või Leningradis, vaid Tšehhis, Brno linnas. Tragöödia Nõukogude Liidus Shakespeare Näidati alles 1940. aastal. AT juhtiv roll siis säras legendaarselt Ulanova. Muide, tantsija (nagu paljud teised) ei saanud maestro muusikast aru. Pärast esietendust tegi ta vallatu toosti: "Maailmas pole kurvemat lugu kui Prokofjevi muusika balletis."

Süžee: ballett ühtib täielikult ja täielikult Shakespeare’i tõlgendusega – sõdivatest peredest pärit armastajad abielluvad sugulaste eest salaja, kuid hukkuvad traagilise õnnetuse läbi.

"La Bayadère"

Lugu: "La Bayadère" on üks enim kuulsad balletid Vene keiserlik stseen. Esimest korda esitleti lavastust laiemale avalikkusele 1877. aastal, Peterburi Suure Teatri laval. Ja 1904. aastal koreograaf Aleksandr Gorski tõi ta pealinna. Aja jooksul tehti "La Bayadère'i" arvukalt muudatusi, muutumatuks jäi vaid "Varju" stseen balleti korpuse esituses. Teda peetakse õigustatult kogu lavastuse tõeliseks dekoratsiooniks ja koreograaf Petipa tõeliseks saavutuseks.

Süžee: Solori ja bayadère (tantsija) Nikiya vahel puhkeb armastus. Tüdrukule ei meeldi aga mitte ainult tema valitud, vaid ka suur braahman, kes kaunitari keeldumise saanud otsustab talle kätte maksta. Raja Dugmanta soovib ka bayadère'i surma, kuna unistab oma tütre Soloriga abiellumisest. Vandenõu tulemusena sureb neiu maohammustusse, mille vaenlased kimpu peidavad.

La Bayadère'i tugevaim osa on "The Shadow" stseen. Kui Solor magama jääb, näeb ta uskumatu pilt: varjude tants laskub pikas rivis mööda kuru Himaalaja vahel surnud hinged, nende hulgas on Nikiya, kes kutsub ta enda juurde.

"Spartacus"

Lugu: balleti esietendus toimus 27. detsembril 1956 Peterburis ja 1958 - Moskvas. Võib-olla kõige rohkem kuulsad esinejad major meeste peod nõukogude perioodil võib nn Vladimir Vassiljev ja Marisa Liepa. Stsenaariumi aluseks olid mitmesugused ajaloolised materjalid ja ilukirjandus.

Süžee: Selles balletis armastusjoon taandub tagaplaanile kahe peategelase Spartacuse ja Crassuse vastasseisu taustal.

Spartacus tõstab gladiaatorite seas ülestõusu, tal õnnestub võita, kuid Crassus ei taha alla anda ja alustab uus kampaania oma vaenlase vastu. Seekord on õnn tema poolel. Spartacus võitleb viimseni, kuid hukkub ebavõrdses lahingus: enamik tema liitlasi läks lihtsalt välja ja keeldus vaenlast tagasi tõrjumast.

Väljaannete rubriik Teatrid

Kuulsad vene balletid. 5 parimat

Klassikaline ballett on hämmastav kunstiliik, mis sündis Itaalias küpse renessansi ajal, "kolis" Prantsusmaale, kus selle arendamise teene, sealhulgas Tantsuakadeemia asutamine ja paljude liikumiste kodifitseerimine, kuulus kuningas Louis XIV-le. . Prantsusmaa eksportis teatritantsu kunsti kõikidesse Euroopa riikidesse, sealhulgas Venemaale. AT üheksateistkümnenda keskpaik sajandil ei olnud Euroopa balleti pealinn enam Pariis, mis kinkis maailmale romantismi meistriteosed "La Sylphide" ja "Giselle", vaid Peterburi. Just Põhja pealinnas töötas ligi 60 aastat suurepärane koreograaf Marius Petipa, klassikalise tantsu süsteemi looja ja siiani lavalt mitte lahkuvate meistriteoste autor. Pärast Oktoobrirevolutsioon nad tahtsid balleti modernsuse laevalt maha visata, kuid suutsid seda kaitsta. nõukogude aeg seda iseloomustas märkimisväärse hulga meistriteoste loomine. Esitleme viit kodumaist tippballetti – kronoloogilises järjekorras.

"Don Quijote"

Stseen balletist Don Quijote. Marius Petipa üks esimesi lavastusi

Balleti esietendus L.F. Minkus "Don Quijote" Suures Teatris. 1869 Arhitekt Albert Kavose albumist

Stseenid balletist Don Quijote. Kitri - Ljubov Roslavleva (keskel). Lavastus A.A. Gorski. Moskva, Bolshoi Teater. 1900

Muusika L. Minkus, libreto M. Petipa. Esimene lavastus: Moskva, Suur Teater, 1869, M. Petipa koreograafia. Järgnenud lavastused: Peterburi, Mariinski teater, 1871, M. Petipa koreograafia; Moskva, Suur Teater, 1900, Peterburi, Mariinski teater, 1902, Moskva, Suur Teater, 1906, kõik - A. Gorski koreograafia.

Ballett "Don Quijote" on teatrietendus, mis on täis elu ja juubeldamist, igavene puhkus tants, mis ei väsi täiskasvanuid ja mille juurde vanemad meelsasti oma lapsi juhatavad. Kuigi seda nimetatakse kuulsa romaani Cervantese kangelase nimeks, põhineb see ühel selle episoodil "Kiteria ja Basilio pulm" ning räägib noorte kangelaste seiklustest, kelle armastus lõpuks vastuseisust hoolimata võidab. kangelanna kangekaelsest isast, kes tahtis ta abielluda rikka Gamachega.

Nii et Don Quijotel pole sellega peaaegu midagi pistmist. Kogu etenduse jooksul kõnnib laval ringi pikk ja kõhn kunstnik, keda saadab lühike, kõhtu täis kolleeg, kes kehastab Sancho Panzat. ilusad tantsud. Ballett on sisuliselt kostüümides kontsert, klassikalise ja karaktertantsu pidu, kus kõik artistid balleti trupp juhtum asub.

Balleti esimene lavastus toimus Moskvas, kuhu Petipa aeg-ajalt reisis, et tõsta sealse trupi taset, mida ei saanud võrrelda Mariinski teatri särava trupiga. Kuid Moskvas oli kergem hingata, nii et koreograaf lavastas sisuliselt balletimälestuse päikeselisel maal veedetud imelistest noorusaastatest.

Ballett oli edukas ja kaks aastat hiljem viis Petipa selle Peterburi, mistõttu oli vaja ümber töötada. Seal iseloomulikud tantsud palju vähem huvitatud kui puhas klassika. Petipa laiendas "Don Quijote" viie vaatuseni, komponeeris "valge teo", nn "Don Quijote unenägu", mis on tõeline paradiis tutus baleriinide armastajatele, kaunite jalgade omanikele. Amoride arv "Unenäos" jõudis viiekümne kaheni...

Don Quijote jõudis meieni Moskva koreograafi Aleksandr Gorski ümbertöötatuna, kes armastas Konstantin Stanislavski ideid ja soovis muuta vana balleti loogilisemaks ja dramaatiliselt veenvamaks. Gorsky hävitas Petipa sümmeetrilised kompositsioonid, tühistas "Unistuste" stseenis esinemise ja nõudis Hispaania tantsijate jaoks tumedat meiki. Petipa nimetas teda "seaks", kuid juba Gorski esimeses muudatuses mängiti balletti Suure Teatri laval 225 korda.

"Luikede järv"

Lavastused esimeseks etenduseks. Suur teater. Moskva. 1877

Stseen P.I. balletist "Luikede järv". Tšaikovski (koreograafid Marius Petipa ja Lev Ivanov). 1895

Muusika P. Tšaikovski, libreto V. Begitšev ja V. Geltser. Esimene lavastus: Moskva, Suur Teater, 1877, koreograafia V. Reisinger. Järgnev lavastus: Peterburi, Mariinski teater, 1895, koreograafia M. Petipa, L. Ivanov.

Kõigi lemmikballett, mille klassikaline versioon lavastati 1895. aastal, sündis tegelikult kaheksateist aastat varem Moskva Suures Teatris. Maailmakuulsus alles ees ootava Tšaikovski partituur oli omamoodi "sõnadeta laulude" kogumik ja tundus tolle aja kohta liiga keeruline. Ballett toimus umbes 40 korda ja vajus unustusehõlma.

Pärast Tšaikovski surma lavastati Mariinski teatris Luikede järv ja kõik järgnevad balleti lavastused põhinesid sellel klassikaks saanud versioonil. Tegevusele anti suur selgus ja loogika: ballett jutustas kurja geeniuse Rothbarti tahtel luigeks muudetud kauni printsess Odette’i saatusest, sellest, kuidas Rothbart pettis temasse armunud prints Siegfriedi, oma tütre Odile’i võlude poole pöördudes ja kangelaste surmast. Tšaikovski partituuri vähendas dirigent Ricardo Drigo umbes kolmandiku võrra ja orkestreeris uuesti. Esimese ja kolmanda vaatuse koreograafia lõi Petipa, teise ja neljanda vaatuse koreograafia Lev Ivanov. See jaotus täiuslik viis vastas mõlema särava koreograafi kutsumusele, kellest teine ​​pidi elama ja surema esimese varjus. Petipa on klassikalise balleti isa, laitmatult harmooniliste kompositsioonide looja ja naise-haldja laulja, naine-mänguasi. Ivanov on uuenduslik koreograaf, kellel on ebatavaliselt tundlik muusikatunnetus. Odette-Odile'i rolli mängis Pierina Legnani, “Milano baleriinide kuninganna”, ta on ka esimene Raymonda ja 32 fouette leiutaja, mis on pointe kingadel kõige keerulisem pöörlemisviis.

Sa ei pruugi balletist midagi teada, aga Luikede järve teavad kõik. AT viimased aastad olemasolu Nõukogude Liit, kui eakad liidrid üksteist üsna sageli vahetusid, kuulutasid kurba sündmust balleti peategelaste “valge” dueti hingestatud meloodia ja teleekraanilt kostvad tiivavarsipuhangud. Jaapanlased armastavad Luikede järve nii väga, et on valmis seda vaatama hommikuti ja õhtuti ükskõik millise trupi esituses. Ükski ringreisitrupp, keda Venemaal ja eriti Moskvas on palju, ei saa hakkama ilma Lebedinajata.

"Pähklipureja"

Stseen balletist Pähklipureja. Esimene lavastus. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaja, Fritz - Vassili Stukolkin. Mariinski teater. 1892

Stseen balletist Pähklipureja. Esimene lavastus. Mariinski teater. 1892

Muusika P. Tšaikovski, libreto M. Petipa. Esimene lavastus: Peterburi, Mariinski teater, 1892, koreograafia L. Ivanov.

Raamatutest ja veebisaitidelt ringleb endiselt ekslik teave, et "Pähklipureja" on lavastanud klassikalise balleti isa Marius Petipa. Tegelikult kirjutas Petipa ainult stsenaariumi ja balleti esimese lavastuse viis läbi tema alluv Lev Ivanov. Ivanovile langes võimatu ülesanne: tollal moeka balleti ekstravagantse stiilis Itaalia külalisesineja hädavajalikul osalusel loodud stsenaarium oli ilmses vastuolus Tšaikovski muusikaga, mis, kuigi kirjutatud rangelt Petipa juhiste järgi, paistis silma suurepärane tunnetus, dramaatiline rikkus ja keeruline sümfooniline areng. Lisaks oli balleti kangelanna teismeline tüdruk ja baleriin-staar valmistati ette ainult viimaseks pas de deux'ks (duett partneriga, mis koosnes adagiost - aeglasest osast, variatsioonidest - soolotantsudest ja codast (virtuoosne finaal)). "Pähklipureja" esimene lavastus, kus esimene, valdavalt pantomiim, erines järsult teisest, divertiseerimisest, ei olnud kuigi edukas, kriitikud märkisid ära ainult Lumehelveste valssi (selles osales 64 tantsijat) ja Passi. de deux of the Dragee Haldjas ja Läkaköhaprints , mis on inspireeritud Ivanovi Adagio roosiga Uinuvast kaunitarist, kus Aurora tantsib koos nelja härrasmehega.

Kuid 20. sajandil, mis suutis tungida Tšaikovski muusika sügavustesse, oli Pähklipurejale määratud tõeliselt fantastiline tulevik. Nõukogude Liidus, Euroopa riikides ja USA-s on lugematul arvul balletietendusi. Venemaal on eriti populaarsed Vassili Vainoneni lavastused Leningradi Riiklikus Akadeemilises Ooperi- ja Balletiteatris (praegu Mariinski teater Peterburis) ja Juri Grigorovitši lavastused Moskva Suures Teatris.

"Romeo ja Julia"

Ballett Romeo ja Julia. Julia - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergejev. 1939. aastal

Proua Patrick Campbeple Julia rollis Shakespeare'i "Romeos ja Julias". 1895

Romeo ja Julia finaal. 1940. aasta

Muusika S. Prokofjev, libreto S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovski. Esimene lavastus: Brno, Ooperi- ja Balletiteater, 1938, koreograafia V. Psota. Järgnev lavastus: Leningrad, Riiklik Akadeemiline Ooperi- ja Balletiteater. S. Kirov, 1940, L. Lavrovski koreograafia.

Kui Shakespeare’i fraas tuntud venekeelses tõlkes loeb "Maailmas pole kurvemat lugu kui Romeo ja Julia lugu", siis nad ütlesid sellele süžeele kirjutatud suure Sergei Prokofjevi balleti kohta: "Maailmas pole kurvemat lugu kui Prokofjevi muusika balletis". Tõeliselt hämmastav ilu, värvikülluse ja väljendusrikkuse poolest, tundus "Romeo ja Julia" partituur oma ilmumishetkel liiga keeruline ja balletile sobimatu. Balletitantsijad lihtsalt keeldusid temaga tantsimast.

Prokofjev kirjutas partituuri 1934. aastal ja algselt polnud see mõeldud mitte teatrile, vaid kuulsale Leningradi Akadeemilisele Koreograafiakoolile 200. aastapäeva tähistamiseks. Projekt jäi ellu viimata Sergei Kirovi mõrva tõttu 1934. aastal Leningradis. muusikaline teater teine ​​pealinn tuli muutuma. Samuti ei saanud teoks plaan lavastada Moskva Bolshois Romeo ja Julia. 1938. aastal näitas esietendust Brno teater ja alles kaks aastat hiljem jõudis Prokofjevi ballett lõpuks lavale ka autori kodumaal, tollases Kirovi teatris.

Koreograaf Leonid Lavrovsky osana kõrgelt tunnustatud Nõukogude võimŽanr "drambalet" (1930.–50. aastate balletile omane koreograafilise draama vorm) lõi muljetavaldava, põneva vaatemängu hoolikalt vormitud massistseenide ja tegelaste peenelt määratletud psühholoogiliste omadustega. Tema käsutuses oli Galina Ulanova, kõige rafineeritum baleriin-näitleja, kes jäi Julia rollis ületamatuks.

Lääne koreograafid hindasid Prokofjevi partituuri kiiresti. Balleti esimesed versioonid ilmusid juba 1940. aastatel. Nende loojad olid Birgit Kuhlberg (Stockholm, 1944) ja Margarita Froman (Zagreb, 1949). Märkimisväärsed lavastused"Romeo ja Julia" kuuluvad Frederick Ashtonile (Kopenhaagen, 1955), John Crankole (Milano, 1958), Kenneth MacMillanile (London, 1965), John Neumeierile (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973).I. Moisejev, 1958, koreograafia Y. Grigorovich, 1968.

Ilma "Spartacuse" pole "nõukogude balleti" kontseptsioon mõeldav. See on tõeline hitt, ajastu sümbol. nõukogude periood arendas teisi teemasid ja kujundeid, mis erinevad sügavalt Marius Petipalt päritud traditsioonilisest klassikalisest balletist ning Moskva ja Peterburi keiserlikest teatritest. Muinasjutudõnneliku lõpuga arhiveeriti ja need asendati kangelaslike lugudega.

Juba 1941. aastal rääkis üks juhtivaid Nõukogude heliloojaid Aram Hatšaturjan oma kavatsusest kirjutada muusikat monumentaalsele kangelaslikule etendusele, mis tuleb lavale Suures Teatris. Selle teemaks oli episood Vana-Rooma ajaloost, Spartacuse juhitud orjade ülestõus. Hatšaturjan lõi värvika partituuri, kasutades Armeenia, Gruusia, Vene motiive ning täis kauneid meloodiaid ja tuliseid rütme. Lavastuse pidi lavastama Igor Moisejev.

Kulus palju aastaid, enne kui tema töö publiku ette jõudis ja see ilmus mitte Suures Teatris, vaid Teatris. Kirov. Koreograaf Leonid Yakobson lõi vapustava ja uuendusliku esituse, jättes kõrvale klassikalise balleti traditsioonilised atribuudid, sealhulgas pointe-tantsu, kasutades vaba plasti ja sandaale kandvaid baleriine.

Kuid ballett "Spartacus" sai koreograaf Juri Grigorovitši käes 1968. aastal hitiks ja ajastu sümboliks. Grigorovitš avaldas vaatajale muljet läbinisti ülesehitatud dramaturgia, peategelaste tegelaste peene kujutamise, rahvahulgastseenide oskusliku lavastamise, lüüriliste adagioste puhtuse ja iluga. Ta nimetas oma teost "etenduseks neljale solistile koos corps de balletiga" (corps de ballet – massitantsu episoodidega seotud artistid). Vladimir Vassiljev mängis Spartacuse rolli, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova ja Aegina - Nina Timofeeva. Card de ballet oli valdavalt meessoost, mis teeb balleti "Spartacus" ainulaadseks.

Lisaks Jakobsoni ja Grigorovitši tuntud Spartacuse lugemitele on balletist veel umbes 20 lavastust. Nende hulgas on Jiri Blazeki versioon Praha balletile, Laszlo Serega Budapesti balletile (1968), Jüri Vamos Arena di Veronale (1999), Renato Zanella Viini Riigiooperi balletile (2002), Natalia Kasatkina ja Vladimir. Vassiljev lavastas Riiklikule Akadeemilisele Teatrile, klassikaline ballett Moskvas (2002).

Ma ei saa päris hästi aru inimestest, kes tõrjuvad kõike läänelikku, eriti mis puudutab kunsti. Pole saladus, et Venemaa jäi paljudes valdkondades arengumaadest maha. Lääne maailm. Suur osa sellest, mis meil täna on, pole muud kui edukalt omaks võetud kogemus lääneriigid. See tundus olevat peaaegu kõik, arvestamata muidugi kõike rahvalikku, originaalset, mis ajalooliselt kujunes eranditult Venemaal.

Paradoksaalsel kombel kohandas vene rahvas läänenaabrite kogemusi omaks võttes seda oskuslikult enda jaoks, lisades oma nägemuse. Ja lõpuks oli "lääne toode" venelase vaates palju huvitavam ja "maitsvam". Üks kõige enam selgeid näiteid Vene ballett on maailma hinnatuim ballett. Viide. Ja seda hoolimata asjaolust, et see ei sündinud Venemaal.

AT kaasaegne maailm professionaalne ballett on koreograafia kõrgeim tase (kreeka keelest choreia - tants ja grafo - ma kirjutan), milles tantsukunst tõuseb muusikalise lavalavastuse tasemele.

Tänapäeval pole alati lihtne aru saada, kust ballett täpselt alguse sai puhtal kujul. Seetõttu on kõige lihtsam viidata enam-vähem usaldusväärsetele allikatele.

Ma sain aru ainult sellest, et ettevõtlikud fashionistas - prantslased adopteerivad" uut tüüpi tants” kunstihullude itaallaste seas; aastal eksisteeris väidetavalt ballett enne neid Vana-Kreeka ja Rooma ... Venemaal demonstreeriti seda palju hiljem ja see "toodi" Prantsusmaalt.

Just Venemaal saavutab ballett oma tõelise õitsengu, saades üheks neist visiitkaardid maa- ja vene kunst.

Niisiis, 22 uudishimulikku fakti vene balleti kohta

1. Esimene riikliku tähtsusega balletitrupp tekkis Venemaal 18. sajandi esimesel poolel. See oli Peterburi keiserlik ballett. Samal ajal hakkas muutuma ka etenduste kontseptsioon – mütoloogilistest ja dramaatilistest süžeest romantiliste lugudeni. Süžeel oli mõju tantsutehnikale – baleriinid läksid puänt-kingadesse, et veelgi rõhutada tantsu välist kergust ja efemeerset olemust vastandina tegelikkusele.

2. Välismaal käinud Vene diplomaadid ja kaupmehed külastasid teatrit ja käisid meelsasti balleti etendused- seal polnud võõrkeelset kõnet raske sõeluda. Ja tolleaegne ballett oli mitte ainult koreograafi, vaid ka teatrimehaanika vaimusünnitus. Fantastilised tegelased sõitsid võõraste vankritega, maastik muutus arusaamatu kiirusega, mõned kangelased kukkusid läbi maa, teised lendasid taevast. Kuidas sa ei eruta! Just sõjavankrid said peaaegu peaosalisteks esimeses Venemaa "Orpheuse ja Eurydice balletis" - esimesel balletietendusel Venemaal, mis peeti vastlapäeval 17. veebruaril 1672 tsaar Aleksei Mihhailovitši õukonnas Preobraženskis. Tõsi, on olemas versioon, et seda etendust näidati 8. veebruaril 1675. aastal.

Enne etenduse algust tuli lavale Orpheust kehastav näitleja, kes laulis tõlkija tsaarile tõlgitud saksa kuplete, milles ülistati Aleksei Mihhailovitši hinge kauneid omadusi. Sel ajal oli mõlemal pool Orpheust kaks plakatidega kaunistatud ja mitmevärviliste tuledega valgustatud püramiidi, mis pärast Orpheuse laulu tantsima hakkasid.

Pärast tsaar Aleksei Mihhailovitši surma teatrietendused lakkas pikka aega - kuni tsaar Peter Aleksejevitši armastatud õde Natalja hakkas dramaturgia vastu huvi tundma ja Peeter ise otsustas ehitada Moskvasse teatri - seal, kus see praegu on. Ajaloomuuseum. 1702. aastal palkas tsaar hollandlase Jacob Kokkiy ja tema kaks poega Moskva teatrisse. Aga asjad ei klappinud – õpetada tantsukunst hollandlased ei osanud ja kurtsid vaid, et pole sobivaid esinejaid.

3. 18. sajandi 1. poolest. balletti Venemaal hakkasid juurutama Itaalia ja Prantsusmaa koreograafid ja tantsuõpetajad. Rikkaliku tantsufolklooriga Venemaa osutus balletiteatri arenguks väga soodsaks pinnaseks. Saades aru välismaalaste õpetatavast teadusest, viisid venelased omakorda võõrasse tantsu oma intonatsiooni.

4. Peeter I dekreedi alusel sai peotantsust õukonnaetiketi põhiosa.

1731. aastal avati Peterburis Land Gentry Corps, millest pidi saama Vene balleti häll. Kuna korpuse lõpetajad pidid tulevikus asuma kõrgetele riigiametitele ja vajasid teadmisi ilmalikest kommeteest, kaunid kunstid, kaasa arvatud seltskonnatants, määrati kehas märkimisväärne koht. 1734. aastal võeti õpetajaks prantsuse tantsija, koreograaf Jean-Baptiste Lande, keda peetakse vene balletikunsti rajajaks. Ka Peterburis 1735 kutsuti ooperisse itaalia helilooja Francesco Araya ja Antonio Rinaldi (Fossano) said koreograafiks alates 1736. aastast.

5. Spetsiaalselt varustatud ruumides Talvepalee Jean Baptiste Lande hakkas õpetama 12 vene poissi ja tüdrukut. Õpilased värvati laste seast lihtne päritolu. Koolis oli õpe tasuta, õpilasi toetati igati.

6. Edasine areng ballett Venemaal sai Elizabeth Petrovna valitsusajal. Maakorpuse kadettidest oli tantsus eriti edukas Nikita Beketov, kellest sai hiljem Elizabethi lemmik. Ta nautis keisrinna erilist soosingut, kes ise riietas naisrollides suurepäraselt esinenud noormeest.

7. 1742. aastal loodi Lande kooli õpilastest esimene balletitrupp ja 1743. aastal hakati selle osalejatele lõivu maksma. Trupi aastaeelarve oli ilma orkestrita 33 810 rubla.

Muidugi ei tasu unustada ka teisi baleriine: Tamara Karsavina, Galina Ulanova, Matilda Kšesinskaja, Jekaterina Maksimova, Uliana Lopatkina ... Kuid kahe esimese baleriini taga on vene balleti suurimad nimed.

18. Kõige rohkem on seda vene balleti meestel suured nimed on Mihhail Barõšnikov ja Nikolai Tsiskaridze.

19. Prokofjevi muusika balletile "Romeo ja Julia" tundus alguses kõigile nii arusaamatu ja keeruline, et kaks nädalat enne eeldatavat esietendust toimunud orkestri ja balletitrupi üldkoosolek otsustas üksmeelselt etenduse ära jätta – selleks et vältida täielikku ebaõnnestumist ...

Samal ajal kordas üht kohalikku vaimukust järgides terve teater sama lööklause: - Maailmas pole kurvemat lugu kui Prokofjevi muusika balletis ...

20. Silmapaistev Nõukogude baleriin Olga Lepešinskaja murdis esinemisel jalaluu. Pragu oli nii tugev, et isegi saalis viibinud publik kuulis seda. Kuid baleriin viis stseeni kangelaslikult lõpuni. Kuidas ta kolmekordse luumurruga sellega hakkama sai, ei saanud aru ei arstid ega baleriin ise.

Olga Lepešinskaja, Walpurgi öö. Bacchante. Foto Bolshoi Teatrimuuseumist.

21. Üks teravamaid balletialanduse liike on ajalehte mässitud luud. See visatakse lavale kimbu asemel. Sellest ka telgitagune ütlus "oota ajalehes luuda!"

22. Balletitantsijate töö on raske, nad kogevad väga tõsiseid koormusi. Sellest annab tunnistust tõsiasi, et professionaalsed baleriinid ja balletitantsijad haigestuda 4 korda sagedamini kui tavalised inimesed.

Kas leidsite vea? Valige see ja klõpsake hiire vasaku nupuga Ctrl+Enter.