“Maailma klassika meistriteosed.
Tants, mis läks ajalukku
Moskva Sümfooniaorkester
Dirigent - Andrei Jakovlev
Programmis: A. P. Borodin, I. F. Stravinski, S. S. Prokofjev, A. I. Hatšaturjan, M. de Falla, M. I. Glinka, C. Saint-Saens, J. Bizet, L. Bernstein.
18. novembril toimub Moskva konservatooriumi suure saali laval kontsert, mis on täielikult pühendatud tantsu elemendile ja selle murdumisele eri aegade ja maailma kultuuride suurimate heliloojate loomingus. “Maailma klassika meistriteosed. Ajalukku läinud tants" - põnevad muusikalõuendid, mis eristuvad kontseptuaalse tähenduse, erksa värvilise koloriidi, vaieldamatu meloodilise võlu ja spontaanse dünaamilisuse poolest. Alates kapriissest ja väljakutsuvalt võluvast Habanerast ja Seguidillast Georges Bizet' ooperist Carmen kuni järk-järgult süttivani " Rituaalne tants tuli" hispaanlase Manuel de Falla balletist "Armasta lummajat", Saint-Saensi "Surmatantsu" võluvast grotesksest stseenist valguseni. sütitav tants"Mambo" kuulsa dirigendi ja helilooja Leonard Bernsteini Ameerika muusikalist "West Side Story". Moskva Sümfooniaorkester ja Andrei Jakovlev esitavad selle imelise õhtu kõigile kuulajatele mahlase paleti silmapaistvatest klassikalistest tantsudest, koreograafilistest stseenidest, balletinumbritest, mida eristab tõeliselt tuline temperament ja kordumatu. meloodiarikkus, samuti rütmiline reljeef ja orkestri tämbriline mitmekesisus.
Lisaks ülaltoodud töödele tore koht kontserdikava sisaldab vene heliloojate teoseid - see on vapustav irooniline triumf "Tšernomori marss" Glinka säravast "Ruslanist ja Ljudmillast" ja metsik, röövellik stepis " Polovtsi tantsud"suur meister, osaleja" võimas peotäis» Aleksander Porfirevitš Borodin. Tõeliselt energeetiliselt jõuline, täidetud keeruliste löökrütmidega, andes edasi metsikut arhailist elementi, Stravinski tantsud – deemonlik "Koštšejevi kuningriigi tants" (filmist "The Firebird") ja "Snitching" legendaarsest "Kevadriitusest". " vahelduvad suurte balletitantsudega Vene-Nõukogude heliloojad: Prokofjev ja Hatšaturjan. Idamaine, juubeldavalt värviline maitse Kaukaasia tantsud"Gayane'is" esitavad kuulus "Sabre Dance" ja ohjeldamatu rahvatrummiga "Lezginka" ning suurejooneline Adagio stseen "Spartacusest" jumaliku lüürilise meloodiaga, mis jõuab haripunktis entusiastliku apoteoosini. publik kunstiga kogu maailmas kuulus klassika armeenia muusika; ja traagiline, kõrge teatraalse paatosega täidetud "Tybalti surm" aastast suurim ballett"Romeo ja Julia" - vene geeniuse Prokofjevi teos. Õhtu haripunktiks on Maurice Raveli koreograafiline stseen "Bolero" - teos, mis võimaldab palju tõlgendusi - alates hispaania rahvatantsu jäljendamisest kuni järkjärgulise kontseptsioonini, variatsioonist variatsioonini, mingi fataalse kujunemiseni. jõudu.
Programmi kujundlik mitmekesisus, rikkalikkus ja väärikas esitus on kaalukas põhjus seda imelist kontserti külastada.
Keskkond: Taotluse meetod: HANGI Taotluse URL: http://website/smi/russian_masterpiece/ Django versioon: 1.11 Pythoni versioon: 3.5.6 Installitud rakendused: ["app", "redactor", "django.contrib.admin", " django.contrib.auth", "django.contrib.contenttypes", "django.contrib.sessions", "django.contrib.messages", "django.contrib.staticfiles", "tüütu", "imagekit", "safedelete" , "froala_editor", "webpack_loader"] Installitud vahevara: ["django.middleware.security.SecurityMiddleware", "django.contrib.sessions.middleware.SessionMiddleware", "django.middleware.common.Commondjandgo.middleware". csrf.CsrfViewMiddleware", "django.contrib.auth.middleware.AuthenticationMiddleware", "django.contrib.auth.middleware.SessionAuthenticationMiddleware", "django.contrib.messages.middleware.MessageMidware.Middgopmiddleja ] Traceback: fail "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/exception.py" sisemises 41. vastus = get _response(request) Fail "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/base.py" failis _legacy_get_response 249. response = self._get_response(request) Fail "/usr/local/ lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/base.py" failis _get_response 187. response = self.process_exception_by_middleware(e, request) Fail "/usr/local/lib/python3.5/site-packages /django/core/handlers/base.py" failis _get_response 185. response = wrapped_callback(request, *callback_args, **callback_kwargs) Fail "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/annoying/decorators.py " in wrapper 67. output = function(request, *args, **kwargs) Fail "/opt/shkt/app/views.py" massis_medias 166. article = obj_404(SMI, id=page) Fail "/usr/ local/lib/python3.5/site-packages/django/shortcuts.py" failis get_object_or_404 85. return queryset.get(*args, **kwargs) Fail "/usr/local/lib/python3.5/site-packages /django/db/models/query.py" failis get 370. clone = self.filter(*args, **kwargs) Fail "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/dj ango/db/models/query.py" filtris 781. return self._filter_or_exclude(False, *args, **kwargs) Fail "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models /query.py" failis _filter_or_exclude 799. clone.query.add_q(Q(*args, **kwargs)) Fail "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/ query.py" klauslis add_q 1260., _ = self._add_q(q_object, self.used_aliases) Fail "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py " jaotises _add_q 1286. allow_joins=allow_joins, split_subq=split_subq, Fail "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" failis build_filter 1220. condition = self.build_lookup(lookups, lookup , väärtus) Fail "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" failis build_lookup 1114. return final_lookup(lhs, rhs) Fail "/usr/local/ lib/python3.5/site-packages/django/db/models/lookups.py" failis __init__ 24. self.rhs = self.get_prep_lookup() Fail "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/ django/db/models/lookups.py" failis get_prep_lookup 74. return self.lhs.output_field.get_prep_value(self.rhs) Fail "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/ fields/__init__.py" failis get_prep_value 962. return int(value) Erandi tüüp: ValueError at /smi/russian_masterpiece/ Erandi väärtus: vale literaal for int() alusega 10: "russian_masterpiece"
Klassikaline tants on tänapäeval igasuguse tantsusuuna vundament. Selle elemendid on kujunenud aastate jooksul ja maailma parimate balletikoolide õpetajate poolt. Kõik algajad, kes sisenevad tantsu imelisse maailma, alustavad sellest suunast.
Klassikaline tants on ennekõike meelelahutus, ilu ja õige vundament mis tahes tantsuliigutust. Vahet pole, mis suunas tantsija areneb, temaga tuleks tunde alustada.
Klassikaline tants on liigutused, mis on ühinenud üheks süsteemiks. Kuid selleks, et see süsteem toimiks, tuleb see taaselustada. Üks asi on see, kui tants on niisama olemas, teine asi, kui see aitab paljastada tundeid ja väikest lugu, nagu " Luikede järv".
Venemaa arengulugu
Selline suund nagu klassikaline tants tekkis Venemaal tänu Peeter I-le. 1718. aasta koosolekute dekreet sisaldas tantsude kohustuslikku läbiviimist. Veidi hiljem olid tantsud kohal maskeraadides ja etendustes. Ja 1773. aastal avati Moskvas esimene balletikool Venemaal.
Sellest ajast kuni täna need koolid annavad maailmale tantsijaid, kes ülistavad oma andega kodumaad.
Art klassikaline tants on koreograafia kõrgeim vorm, mida nimetatakse balletiks. See on lugu, mis sündis tänu muusikale, kuid ilmnes koreograafias. See jaguneb kaheks osaks: iseloomulik ja klassikaline tants. See on jagatud ka järgmisteks žanriteks:
Komöödia;
Sümfoonia;
Tragöödia.
Tingimused
Iga tantsija peab teadma klassikalise tantsu termineid. Nemad suur hulk kuid allpool on vaid peamised.
Adagio tähendab itaalia keeles "aeglaselt". See harjutus hõlmab asendeid, kallutusi, pööramisi ja pöördeid, mida sooritatakse aeglane tempo. Adagio põhiülesanne on õpetada tantsijaid sujuvalt ühelt liigutuselt teisele liikuma, muusikat kuulama ja stabiilsust arendama.
Allegro - itaalia keelest tõlgituna "rõõmus". Esindab väikesi hüppeid, mis sooritatakse soojenduse lõpus.
Antrasha - prantsuse keelest tähendab "ristunud". See on harjutus, kus hüppamise ajal aetakse tantsija jalad laiali ja ristatakse mitu korda kiires tempos. See tehnika näitab, kui virtuoosne esineja on.
Pas de bure – liikumine on väikeste sammudega.
Gran tähendab prantsuse keeles "suurt". Näiteks on selline liikumine nagu grand batman jette, mille puhul jalg visatakse tantsija jaoks maksimaalsele kõrgusele.
Par terr - "maa peal". Selliste nimedega liigutused tähendavad, et neid tehakse ainult põrandal.
Ettevalmistus - prantsuse keelest tõlgitakse kui "keetmine". Igasugune liikumine, hüpe või pöörlemine algab ettevalmistusega.
Corps de ballet on artistid, kes tantsivad massinumbreid.
Fondüü on sujuv liigutus, mille käigus jalad painduvad ja painduvad lahti.
Põhilised asendid
Iga klassikalise tantsu poos kannab endas ülesannet. Kuid neid ühendab üks eesmärk - liigutuste koordineerimise arendamine. Kõige põhilisemad poosid, mida tantsijad esimesel treeningaastal õpivad, on:
- Epalman Cruise edasi. Käed tõstetakse esimesse asendisse, samal ajal kui pea on veidi kallutatud vasaku kõrva poole ja pilk on suunatud käe poole parem käsi. Seejärel liigutatakse paremat jalga väljasirutatud varbaga aeglaselt ette. Käed töötavad samaaegselt jalaga: vasak on tõmmatud III asendisse, parem - II asendisse. Vaatame paremat kätt.
- Epalmani kruiis tagasi. Liikumise põhimõte on sama, mis esimeses variandis, ainult siin on vasak jalg aeglaselt sisse tõmmatud, samal ajal kui vasak käsi I asendist liigub sujuvalt III-sse ja parem - II-sse. Pea järgib parema käe liikumist.
- Effan edasi. Põrandat maha võtmata juhime parem jalg edasi. Vasak käsi liigub sujuvalt I positsioonist III ja parem vahetab asendit II. Kui käed on I asendis, peaks pea olema sirge ja pilk suunatud kätele.
- Effase tagasi. Vasak jalg tõmmatakse aeglaselt tagasi. Samal ajal teevad käed kõiki liigutusi, nagu ka ettepoole suunatud variandis.
On olemas ka selline klassikalise tantsu poos nagu arabesque (arabesque). Kuid kuna see on keerulisem, sooritavad algajad seda pärast seda, kui on eelnevalt näidatud poosid hästi selgeks õppinud.
Rahvatants
Klassikalised rahvatantsud on rõõmsameelne, särav ja pidulik kunstivorm. Selline tants ei loodud tänu parimatele koreograafidele, nagu balleti puhul, vaid kõigest, mis meid ümbritseb.
Iidse kunstina võimaldab klassikaline rahvatants tantsijal mõne minutiga muutuda kirglikust hispaania machost vabadust armastavaks mustlaseks. Rahvatantse õppides mõistab inimene iga rahvuse kultuuri ning teeb vahet ka laialdasel vene hingel ja Iirimaa rahvaste liikumismugavusel, ukraina hopaki elevusel ja Jaapani tarkusel.
Rahvatants annab tantsijale suurepärase võimaluse külastada mis tahes riiki tantsusaali seinte vahelt lahkumata.
Kõige populaarsemad klassikalise rahvatantsu liigid:
Hopak (Ukraina);
Sirtaki (Kreeka);
Hava Nagila (Iisrael);
Kalinka (Venemaa);
Czardas (Ungari).
Jalgade asendid
Tantsija peamiseks relvaks on jalad. Mis tahes klassikalise tantsu asend on jalgade jaoks olemas. Asi pole selles, et sokke kaunilt eri suundadesse suunata, vaid tagada, et kogu jalg, alustades puusast ja lõpetades varvastega, oleks õigesti pööratud. Ja selle saavutamiseks peate iga päev harjutama.
Seal on 5 positsiooni:
1. Kannad kokku ja varbad keerati välja nii, et jalad moodustavad põrandale sirge joone.
2. Sama mis 1, kuid kontsade vahe peaks olema umbes 30 cm.
3. Ühe jala kand peaks puudutama teise jala talla keskosa. Seda positsiooni kasutatakse tantsumaailmas ja seda näeb harva.
4. Jalad osutusid üksteisega paralleelseks. Seega on tantsija keharaskus täpselt keskel, st ei toetu ühele jalale.
5. See asend on sarnane 4-ga, ainult siin tuleks jalad tihedalt üksteise vastu suruda.
Käte asendid
1 positsioon. Käed on veidi ümarad ja asuvad diafragma tasemel. Peopesad sissepoole, õlad allapoole. Käed ja küünarnukid peaksid moodustama ovaali.
2 asendit. Külgedele avatud käed peaksid olema õlast veidi allpool. Küünarnukid on kergelt painutatud, sõrmed on kokku kogutud ning peopesad ja pea vaatavad ette.
3 asendit. Käed on veidi ümarad ja tõstetud pea kohale. Harjad peaksid olema lähedal, kuid mitte üksteist puudutama. Peopesad vaatavad alla ja pea on sirge.
Kaasaegse tantsu suunad
Kaasaegsel klassikalisel tantsul, nagu igal teisel selle sfääri žanril, on palju liike ja suundi. Seda peetakse koreograafia suurimaks lõiguks. Iga suund kaasaegne tants on oma omadused ja kombed. See muudab selle veelgi huvitavamaks ja ahvatlevamaks.
Jazz on tantsusuund ilmus 19. sajandil. Sellel on oma harud, millel on oma maneerid ja liigutused. Step, freestyle, afro-jazz, klassikaline jazz, funk, Broadway jazz, soul – see on vaid väike osa liikide koguarvust. Souli peetakse kõige virtuoossemaks tüübiks. See on väga sarnane seltskonnatantsuga ja sisaldab suur summa keerulised liigutused ja trikid.
Kaasaegne - täielikult loobunud klassikalise tantsu kaanonitest ja omab oma filosoofilist lähenemist igale liigutusele. Siin on oluline tantsija suhe rütmi ja muusikaga.
seltskonnatantsud
See suund väärib erilist tähelepanu. See ei ole lihtsalt muusika liigutuste kogum – see on sport, ajalugu, armastus ja kirg, mis on kokku pandud.
Partnerid suhtlevad üksteisega liigutuste, puudutuste ja pilkude kaudu. Pellisaalis on kavas 10 tantsu, mis omakorda jagunevad 2 rühma: Euroopa ja Ladina-Ameerika.
Valss on tantsudest kõige õilsam ja ainus, mis pole tantsurevolutsiooni jooksul muutunud.
tango - sensuaalne tants, kus juhtiv roll partner mängib. Tants täis kirge ja harmooniliselt kombineerides kiireid, teravaid ja sujuvaid liigutusi.
Rumba on põnev tants nagu tango, kuid samas väga õrn ja rahulik.
Cha-cha-cha on hämmastav tants, mis põhineb puusade ja jalgade liikumisel. Selle rütmi ei saa segi ajada ühegi teisega (1,2, cha-cha-cha).
Balleti ajalugu
Ballett on üsna noor kunst. See on veidi üle neljasaja aasta vana, kuigi tants on inimelu kaunistanud juba ammustest aegadest. Ballett sündis Põhja-Itaalias renessansiajal. Itaalia printsid armastasid suurejoonelisi paleepidusid, kus tants oli tähtsal kohal. Maatantsud õukonnadaamidele ja -härradele ei sobinud. Nende rüüd, nagu ka saalid, kus nad tantsisid, ei võimaldanud organiseerimata liikumist. Õukonnatantsudes püüdsid asja korda ajada eriõpetajad – tantsumeistrid. Eelnevalt harjutati aadlikega üksikuid kujundeid ja tantsuliigutusi ning juhatati tantsijate rühmitusi. Tasapisi muutus tants aina teatraalsemaks. aastal ilmus mõiste "ballett". XVI lõpp sajandil (itaalia ballettist - tantsida). Aga siis ei tähendanud see esitust, vaid ainult tantsuepisoodi, edasiandmist teatud meeleolu. Sellised "balletid" koosnesid tavaliselt tegelaste vähe seotud "väljunditest" - kõige sagedamini kreeka müütide kangelastest. Pärast selliseid "väljundeid" algas üldine tants - " suur ballett". Esimene balletilavastus oli 1581. aastal Prantsusmaal lavastatud Itaalia koreograaf Baltazarini di Belgiojoso "Kuninganna komöödia ballett". Just Prantsusmaal toimus balleti edasine areng. Algul olid need maskeraadiballetid ja seejärel pompoossed melodramaatilised balletid rüütellikul ja fantastilisel süžeel, kus tantsuepisoodid asendati vokaalaariate ja luuleretsiteeringutega. Ärge imestage, sel ajal polnud ballett ainult tantsulavastus. Valitsemisaja sisse Louis XIVõukonnaballeti etendused saavutasid erilise hiilguse. Louis ise armastas ballettides osaleda ja sai oma kuulsa hüüdnime "Päikesekuningas" pärast Päikese rolli mängimist "Ööballetis". 1661. aastal lõi ta Kuningliku Muusika- ja Tantsuakadeemia, kuhu kuulus 13 juhtivat tantsumeistrit. Nende kohus oli hoida tantsutraditsioone. Akadeemia direktor, kuningliku tantsu õpetaja Pierre Beauchamp tõi välja klassikalise tantsu viis põhipositsiooni. Peagi avati Pariisi ooper, mille koreograaf oli seesama Beauchamp. Tema juhtimisel moodustati balletitrupp. Alguses koosnes see ainult meestest. Naised laval Pariisi ooper ilmus alles 1681. aastal. Teatris esitati helilooja Lully ooper-ballette ja dramaturg Molière'i komöödiaid-ballette. Alguses osalesid neis õukondlased ja etendused peaaegu ei erinenud paleeetendustest. Tantsiti juba mainitud aeglasi menuette, gavotte ja paane. Maskid, rasked kleidid ja kõrge kontsaga kingad raskendasid naistel keeruliste liigutuste sooritamist. Seetõttu eristusid meeste tantsud tollal suurema armu ja armuga. To kaheksateistkümnenda keskpaik sajandi ballett saavutas Euroopas suure populaarsuse. Kõik Euroopa aristokraatlikud õukonnad püüdsid jäljendada Prantsuse kuningliku õukonna luksust. avati linnades ooperimajad. Paljud tantsijad ja tantsuõpetajad leidsid kergesti tööd. Varsti mõjutatud naiste moest balleti kostüüm muutus palju kergemaks ja vabamaks, selle all aimati kehajooni. Tantsijad loobusid kontsaga kingadest, asendades need heledate kontsadeta kingadega. Ka meeste ülikond on muutunud vähem mahukaks. Iga uuendus muutis tantsud sisukamaks ja tantsutehnika kõrgemaks. Tasapisi eraldus ballett ooperist ja muutus iseseisvaks kunstiks. Kuigi Prantsuse balletikool oli kuulus oma graatsilisuse ja plastilisuse poolest, iseloomustas seda esituse teatav külmus ja formaalsus. Seetõttu otsisid koreograafid ja kunstnikud muid väljendusvahendeid.
AT XVIII lõpp sajandil sündis kunstis uus suund – romantism, mis avaldas tugevat mõju balletile. Püüdes oma tantsu õhulisemaks muuta, püüdsid esinejad näpuotsa peal seista, mis viis pointe kingade leiutamiseni. Tulevikus areneb aktiivselt naiste tantsu sõrmetehnika. Esimesena kasutas pointe dance as väljendusvahendid oli Marie Taglioni. Maria Taglioni(ital. Maria Taglioni; 23. aprill 1804, Stockholm – 22. aprill 1884, Marseille) - kuulus Itaalia baleriin, romantismiajastu balleti keskne tegelane. Maria sündis koreograafi ja koreograafi Philippe Taglioni peres. Tüdrukul polnud ei balletifiguure ega erilist välimust. Sellest hoolimata otsustas isa temast baleriini teha. Maria õppis Viinis, Stockholmis ja seejärel Pariisis François Coulombi juures. Hiljem õppis isa ise Maria juures, 1822. aastal lavastas balleti "Noore nümfi vastuvõtt Terpsichore paleesse", millega Maria debüteeris Viinis. Tantsija loobus balletile omasetest rasketest riietest, parukatest ja meigist, tantsides vaid tagasihoidlikus heledas kleidis. Maria vallutas Pariisi avalikkuse 1827. aastal Veneetsia karnevalil, sellest ajast alates on ta sageli tantsinud Pariisi Suures Ooperis. Samas kohas toimus 1832. aasta märtsis balleti Sylphide esietendus, millega algas balletiromantismi ajastu. Just tema tutvustas balletis tutu ja pointe-kingad, enne Maria Taglioni vallutasid publikut kaunid baleriinid oma virtuoosse tantsutehnika ja naiseliku sarmiga. Taglioni, mitte mingil juhul kaunitar, loodud uut tüüpi baleriinid – inspireeritud ja salapärased. La Sylphide’is kehastas ta ebamaist olendit, kes kehastas ideaali, kättesaamatut unistust ilust. Lenduvas valges kleidis, kergete hüpetega õhku tõustes ja käeulatuses külmetav Taglioni sai esimeseks baleriiniks, kes kasutas pointe-kingi ja muutis need maailma lahutamatuks osaks. klassikaline ballett. Kõik Euroopa pealinnad imetlesid teda. Vanaduses õpetas üksildane ja vaesunud Maria Taglioni tantsu ja head kombed Londoni aadlike lapsed. Hauakivil on järgmine epitaaf: Ô terre ne pèse pas trop sur elle, elle a si peu pesé sur toi(Maa, ära suru seda liiga kõvasti, sest see astus sulle nii kergelt peale). Sel ajal ilmus palju imelisi ballette, kuid kahjuks sai romantiline ballett viimane perioodõitsev tantsukunst läänes. Alates teisest pool XIX sajandi balletist, mis on kaotanud oma endise tähenduse, on saanud ooperi lisand. Alles 1930. aastatel algas vene balleti mõjul selle kunstiliigi taaselustamine Euroopas.
Venemaal esimene balletilavastus - "Orpheuse ja Eurydike ballett" - lavastati 8. veebruaril 1673 Moskva lähedal Preobraženskoje külas tsaar Aleksei Mihhailovitši õukonnas. Selle valmistas välismaalane Nikolai Lima (või Lim). Päritolu järgi pole täpselt teada, kes ta oli - tõenäoliselt šotlane, kes emigreerus Prantsusmaale ja tuli seejärel Venemaale insenerina. Siiski on täiesti usaldusväärne tõsiasi, et tema teadmised balletist olid väga suured. Temast sai sündiva balletitrupi juht, selle õpetaja, koreograaf ja esimene tantsija. Kümme "väikekodanlikku last" anti Limasse koolituseks ja aasta hiljem nende arv kahekordistus. 1673. aastal esitas Lima Kremli teatri laval "Prantsuse tantsu" "Orpheuse ja Eurydice balletis". See oli ballett prantsuse stiilis, liikuvate püramiididena kujutavate dekoratsioonide seas ja esimene Venemaa laval lavastatud professionaalne balletilavastus. Hiljem sai tantsimisest keiser Peeter Suure erimäärusega õukonnaetiketi lahutamatu osa. 1730. aastatel Peterburis Anna Ivanovna õukonnas korraldati regulaarselt ooperi- ja balletietendusi. Ooperite tantsustseenid koreografeerisid J. B. Lande ja A. Rinaldi (hüüdnimega Fossano). Õilsad noored olid kohustatud tantsima õppima, nii ka Peterburis seltskonnatants sai aadel-kadettide korpuses kohustuslikuks distsipliiniks. Suveteatri avamisega Suveaias, talveteater tiivas Talvepalee kadetid hakkavad osalema balletitantsudes. Tantsuõpetajaks oli hoones Jean-Baptiste Landet. Ta teadis hästi, et aadlikud ei pühendu tulevikus balletikunstile, kuigi tantsisid ballettides koos professionaalidega. Lande, nagu keegi teine, nägi vajadust Vene balletiteatri järele. Septembris 1737 esitas ta avalduse, milles tal õnnestus põhjendada vajadust luua uus erikool, kus osaleksid tüdrukud ja poisid. lihtne päritoluõppida koreograafiat. Peagi selline luba anti. Nii avati 1738. aastal esimene kool Venemaal. balletitants(praegu A. Ya. Vaganova nimeline Vene Balleti Akadeemia). Paleeteenijate hulgast valiti välja kaksteist tüdrukut ja kaksteist saledat noormeest, keda Lande õpetama hakkas. Igapäevatöö tõi tulemusi, publik oli nähtu üle vaimustuses. Alates 1743. aastast hakati Lande endistele õpilastele maksma balletitantsijatena palka. Koolil õnnestus väga kiiresti anda vene lavale suurepärased balletitantsijad ja suurepärased solistid. Esimese seti parimate õpilaste nimed jäid ajalukku: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofejeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrei Nesterov. AT XIX algus sajandini on jõudnud vene balletikunst loominguline küpsus. Vene tantsijad tõid tantsu ilmekust ja vaimsust. Seda väga täpselt tunnetades pühendas A. S. Puškin oma kaasaegsele vene baleriinile Avdotja Istominale järgmised read:
Hiilgav, poolõhk,
kuulekas võluvibule,
Ümbritsetud nümfide rahvahulgast
Väärt Istomin; ta on,
Üks jalg puudutab põrandat
Teine teeb aeglaselt ringi
Ja äkki hüppab ja äkki lendab,
See lendab nagu kohev Eol suust;
Nüüd hakkab laager nõukama, siis areneb
Ja lööb kiire jalaga jalga.
Ballett oli sel ajal teiste tüüpide seas privilegeeritud positsioonil teatrikunst. Võimud pöörasid sellele suurt tähelepanu, andsid riigilt toetusi. Moskva ja Peterburi balletitrupid esinesid hästi varustatud teatrites, teatrikoolide lõpetajad täiendasid igal aastal tantsijate, muusikute ja dekoraatorite koosseisu. Meie ajaloos balletiteater sageli on välismaiste meistrite nimed, kes mängisid olulist rolli vene balleti arengus. Esiteks on need Charles Didelot, Arthur Saint-Leon ja Marius Petipa. Nad aitasid luua vene balletikooli. Kuid andekad vene kunstnikud võimaldasid paljastada ka oma õpetajate andeid. See meelitas alati Moskvasse ja Peterburi Euroopa suurimaid koreograafe. Mitte kusagil maailmas ei saanud nad kohata nii suurt, andekat ja hästi koolitatud truppi kui Venemaal. AT üheksateistkümnenda keskpaik sajandil jõudis realism vene kirjandusse ja kunsti. Koreograafid püüdsid palavikuliselt, kuid tulutult luua realistlikke esitusi. Nad ei arvestanud, et ballett on tinglik kunst ja realism balletis erineb oluliselt realismist maalis ja kirjanduses. Algas balletikunsti kriis. Etenduste sisu oli primitiivne, lihtsad süžeed olid vaid ettekäändeks suurejoonelistele tantsudele, milles artistid oma oskusi demonstreerisid. Tantsijate jaoks oli peamine klassikalise tantsu vormi ja tehnika viimistlemine ning selles saavutati virtuoossus. Uus etapp Vene balleti ajalugu sai alguse sellest, kui suur vene helilooja P. Tšaikovski lõi esmakordselt balletile muusika. See oli Luikede järv. Enne seda ei võetud balletimuusikat tõsiselt. Teda peeti alaväärseks muusikaline loovus, lihtsalt tantsu saateks. Tänud Tšaikovskile balletimuusika sai tõsiseks kunstiks koos ooperi ja sümfooniline muusika. Varem sõltus muusika täielikult tantsust, nüüd pidi tants muusikale alluma. Nõuti uusi väljendusvahendeid ja uut lähenemist etenduse loomisele. Edasine areng Vene balletti seostatakse Moskva koreograafi A. Gorski nimega, kes pantomiimi iganenud võtetest loobudes kasutas balletilavastuses kaasaegse režii võtteid. Pidades suurt tähtsust etenduse pildilisele kujundusele, meelitas ta tööle parimad kunstnikud. Kuid balletikunsti tõeline reformija on Mihhail Fokin, kes mässas traditsioonilise ehituse vastu balleti etendus. Ta väitis, et etenduse teema, selle muusika, ajastu, milles tegevus toimub, nõuavad iga kord erinevat tantsuliigutusi, teistsugune tantsumuster. Balleti "Egiptuse ööd" lavastamisel sai Fokine inspiratsiooni V. Brjusovi luulest ja Vana-Egiptuse joonistustest ning balleti "Petruška" kujundid A. Bloki luulest. Balletis Daphnis ja Chloe loobus ta pointe-tantsust ja taaselustas vabade plastiliste liigutustega antiiksed freskod. Tema "Chopiniana" taaselustas romantilise balleti atmosfääri. Fokin kirjutas, et ta "unistab luua balletidraama balletist-lõbust, tantsust - arusaadavast kõnekeelest". Ja tal see õnnestus.
1908. aastal algasid iga-aastased Vene balletitantsijate etendused Pariisis, mille korraldas teatritegelane S. P. Djagilevi. Vene aastaajad on balletikompanii, mille asutas 1911. aastal vene teatritegelane ja kunstiajaloolane Sergei Djagilevi. See kasvas välja "Vene aastaaegadest" 1909. aastal, toimis 20 hooaega kuni Djagilevi surmani 1929. aastal ning saatis suurt edu välismaal, eriti Prantsusmaal ja Suurbritannias. Djagilevi ettevõtmine avaldas suurt mõju mitte ainult vene balleti, vaid ka maailma koreograafilise kunsti arengule üldiselt. Andeka organisaatorina oli Diaghilevil annete hõngu, ta kasvatas tervet galaktikat andekaid tantsijaid ja koreograafe – Vaslav Nijinsky, Leonid Myasin, Mihhail Fokin, Serge Lifar, George Balanchine – ning andis juba tunnustatud artistidele võimaluse end täiendada. Diaghilevi lavastuste maastike ja kostüümid lõid tema kaaslased filmist The World of Art Leon Bakst ja Alexandre Benois. Hiljem meelitas Diaghilev oma innovatsioonikirega Euroopa juhtivaid kunstnikke – Pablo Picasso, Andre Deraini, Coco Chaneli, Henri Matisse’i ja paljusid teisi – ning Venemaa avangardkunstnikke – Natalia Gontšarova, Mihhail Larionovi, Naum Gabo, Antoine Pevznerit. dekoraatorid. Mitte vähem viljakas ei olnud Djagilevi koostöö tolle aastate kuulsate heliloojatega – Richard Straussi, Eric Satie, Maurice Raveli, Sergei Prokofjevi, Claude Debussyga – ja eriti tema avastatud Igor Stravinskiga. Tema hooaegade koreograafia põhisuunaks oli algusest peale soov nihutada klassikalise balleti piire. Eksperimendid Nijinsky tantsuvormidega olid ajast ees ja seetõttu ei võtnud publik neid kohe omaks. Fokin lisas liigutustele “rikka plastilisuse” ning tema poolt seatud põhimõtete järglane Myasin rikastas koreograafiat “katkiste ja pretensioonikate vormidega”. Balanchine kaldus lõpuks kõrvale akadeemilise tantsu reeglitest, andes oma ballettidele stiliseerituma ja ekspressionistlikuma kõla. Djagilevi hooajad - eriti esimesed hooajad, mille hulka kuulusid balletid "Tulilind", "Petruška" ja "Kevadriitus" - mängisid olulist rolli vene kultuuri populariseerimisel Euroopas ja aitasid kaasa kõige veneliku moe kujunemisele. Näiteks Inglise tantsijad Patrick Healy-Kay, Alice Marks ja Hilda Munnings võtsid vene varjunimed (vastavalt Anton Dolin, Alicia Markova ja Lidia Sokolova), mille all nad Diaghilevi trupis esinesid. Tema aastaaegade populaarsus tõi kaasa eurooplaste kire vene traditsioonilise kostüümi vastu ja tõi kaasa uue moe – isegi Suurbritannia kuninga George VI naine abiellus "vene folklooritraditsioone parafraseerivas kleidis".
Venemaalt pärit tantsijate nimed - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - said tuntuks üle maailma. Kuid esimene selles reas on võrreldamatu Anna Pavlova nimi. Pavlova - lüüriline, habras, piklike kehajoontega, tohutute silmadega - kutsusid esile gravüürid, mis kujutasid romantilisi baleriine. Tema kangelannad andsid edasi puhtalt vene unistust harmoonilisest, spirituaalsest elust või igatsust ja kurbust täitumatu pärast. Suure baleriin Pavlova loodud "Surev luik" poeetiline sümbol Vene ballett 20. sajandi alguses. Just siis raputas lääne ballett end vene artistide oskuste mõjul ja sai teise tuule.
Pärast Oktoobrirevolutsioon 1917. aastal lahkusid paljud balletiteatri tegelased Venemaalt, kuid vaatamata sellele jäi vene balletikool alles. Uue elu poole liikumise paatos, revolutsioonilised teemad ja mis kõige tähtsam - loomingulise katsetamise ulatus inspireerisid ballettmeistreid. Nende ülesanne oli tuua koreograafiline kunst inimestele, et muuta nad elulisemaks ja kättesaadavamaks. Nii tekkis dramaatilise balleti žanr. Need olid etendused, mis põhinesid tavaliselt kuulsate süžeedel kirjandusteosed, mis on ehitatud draamalavastuse seaduste järgi. Sisu neis esitati pantomiimi ja pilditantsu abil. Venemaal ei kaotanud ballett oma tähtsust ka Esimese maailmasõja järgsetel aastatel ja selle ajal Nõukogude võim isegi siis, kui poliitiline ja majanduslik olukord näis ohustavat Bolshoi ja Mariinski (Oktoobrirevolutsiooni järgi nime saanud) olemasolu Riigiteater ooperi- ja balleti, GOTOB ja aastast 1934 - S.M. Kirovi) teatrite nimi. 1920. aastad on intensiivse katsetamise periood nii balletilavastuse vormis kui sisus. Samuti on lavastused Proletkult poliitilistel ja sotsiaalsetel teemadel ning Moskvas Kasjan Goleizovski (1892-1970) teosed ning Petrogradis (1924. aastal ümbernimetatud Leningradiks) erinevad Fjodor Lopuhhovi (1886-1973) lavastused, sealhulgas tema "Suurus". universumist" (1922) Beethoveni neljanda sümfoonia muusikale.
1927. aastal Moskvas Vassili Tihhomirovi (1876-1956) ja Lev Laštšilini (1888-1955) lavastatud ballett "Punane moon" R. M. Glieri muusikale toimis paljude järgnevate nõukogude ballettide prototüübina: see on multi- aktilavastus, mille teemaks on õilsad kired ja kangelasteod ning spetsiaalselt kirjutatud muusika on olemuselt sümfooniline. Sellised balletid nagu 1932. aastal Vassili Vainoneni (1901-1964) "Pariisi leegid" ja 1934. aastal Rostislav Zahharovi (1907-1984) "Bahchisarai purskkaev" - mõlemad Boriss Asafjevi muusikaga, 1939. aastal "Laurencia". " (Aleksander Kreini muusika) Vakhtang Chabukiani (1910-1992) ja 1940. aastal Leonid Lavrovski (1905-1967) "Romeo ja Julia" (Prokofjevi muusika) võivad olla nende näideteks. esteetilised põhimõtted, millele järgnesid mitte ainult põhitrupid – Teater. S.M.Kirov Leningradis ja Suur Teater Moskvas – aga ka kõik umbes 50 riigis töötanud teatrit.
Kuigi säilisid 1920. aastate üksikleiud, domineerisid nõukogude poliitilisele ideoloogiale orienteeritud esitused ning esitusmaneeri eristas konsoolsus liigutuste sooritamisel ja painduvus (omadused kätes ja seljas), arendades samaaegselt kõrgeid hüppeid, akrobaatilisi tõsteid. (näiteks kõrge tõstmine härra ühel käel) ja kiire keerutamine, mis andis nõukogude ballettidele erilise dramaatilise ilme.
Üks selle stiili kujunemisele kaasa aidanud õpetajatest oli Agrippina Vaganova (1879-1951). endine tantsija Mariinski teater Ta hakkas õpetama oma esinejakarjääri lõpus. Leningradi koreograafiakooli õpetajaks saanud Vaganova töötas välja klassikalise tantsu kava ja õpiku ning valmistas õpilasi ette, et nad saaksid virtuoosse tehnikaga esitada nii mineviku suuri romantilisi ballette kui ka uusi nõukogude ballette. Kogu Nõukogude Liidus, samuti aastal Ida-Euroopa väljaõppe aluseks oli Vaganova süsteem.
Pealtvaatajad sisse Lääne-Euroopa ja Ameerika Ühendriigid ei olnud Nõukogude balletiga praktiliselt tuttavad kuni 1950. aastate keskpaigani, mil teatri balletitrupid. Kirov ja Bolshoi Teater läksid esimest korda ringreisile läände. Huvi tema vastu äratas hämmastav oskus Suure Teatri baleriinides Galina Ulanova (1910-1998), kes andis Giselle'i ja Julia tundeid läbitungiva lüürikaga edasi, ning Maya Plisetskaja, kes tabas oma hiilgava tehnikaga rollis. Odette-Odile Luikede järves. Kui Suur Teater kehastas nõukogude stiili kõige suurejoonelisemaid jooni, siis Kirovi teatri tantsijate klassikaline puhtus leidis väljenduse sellistes kunstnikes nagu Natalja Dudinskaja ja Konstantin Sergejev, kes aitasid kaasa Petipa traditsiooni taaselustamisele. Suure edu saavutasid järgmised kunstnike põlvkonnad: Jekaterina Maksimova, Vladimir Vassiljev, Natalja Bessmertnova ja Vjatšeslav Gordejev Suures Teatris, Irina Kolpakova, Alla Sizova ja Juri Solovjov Kirovi teatris. 1961. aastal viibis Kirovi teatri üks juhtivaid tantsijaid Nurejev trupi Prantsusmaa ringreisil läände. Sama teatri kaks teist silmapaistvat kunstnikku - Natalia Makarova ja Mihhail Barõšnikov - tegid sama (Makarova - Londonis 1970, Barõšnikov - Kanadas 1974).
1980. aastatel leevenes Nõukogude Liidus administratiivne ja poliitiline surve kunstile, Oleg Vinogradov, kes juhtis teatri balletitruppi. Alates 1977. aastast hakkas Kirov repertuaari tooma Balanchine'i, Tudori, Maurice Béjarti ja Robbinsi ballette. Vähem innovatsioonialdis oli Juri Grigorovitš, kes oli aastast 1964 Bolshoi Balleti eesotsas. Tema varased lavastused - "Kivilill" (muusika autor Prokofjev, 1957) ja "Spartacus" (muusika A.I. Hatšaturjani, 1968) on tüüpilised. Nõukogude etendused. Grigorovitš tugineb suurejoonelistele efektidele, juhib enesekindlalt suurt hulka energiliselt liikuvaid tantsijaid, kasutab laialdaselt rahvatants eelistab kangelaslugusid.
Paljude aastate jooksul esitati Suure Teatri laval peaaegu eranditult Grigorovitši ballette või tema vanade näidendite, näiteks Luikede järve töötlusi. 1980. aastate lõpuks Irek Mukhamedov ja Nina Ananiashvili Suurest Teatrist, samuti Altynai Asylmuratova ja Farukh Ruzimatov teatrist. Kirov sai loa esineda koos lääne juhtivate balletitruppidega, seejärel sai temast osa nendest rühmadest. Isegi Vinogradov ja Grigorovitš hakkasid otsima võimalusi oma annete näitamiseks väljaspool Venemaad, kus pärast NSV Liidu lagunemist 1991. aastal vähendati oluliselt teatrite riiklikku rahastamist. 1995. aastal asendas Grigorovitši Suure balleti direktorina Vladimir Vassiljev.
Teised Peterburi trupid on Maly Ooperi- ja Balletiteatri ballett. M. P. Mussorgski (aastani 1991 kandis nime Maly Ooperi- ja Balletiteater), Peterburi "Boris Eifmani balletiteater", mida juhib koreograaf Boris Eifman (s. 1946), trupp Koreograafilised miniatuurid, mille on loonud Leonid Yakobson ( 1904-1975), kes töötas teatris. Kirov aastatel 1942-1969, kelle looming sai kuulsaks läänes. Muusikateatri trupp im. K.S. Stanislavski ja V. I. Nemirovitš-Dantšenko, klassikalise balleti teater. Tähelepanu väärib Jevgeni Panfilovi Permis loodud trupp "Eksperiment".
Lagunemine Nõukogude Liit ja sellele järgnenud majanduskriis tõi kaasa tohutuid raskusi balletikompaniid, mida riik seni heldelt doteeris. Paljud tantsijad ja õpetajad lahkusid riigist, et asuda elama USA-sse, Inglismaale, Saksamaale ja teistesse lääneriikidesse.
Moodne tants
Moodne tants – suund sisse tantsukunst, mis tekkis 20. sajandi alguses balleti rangetest normidest kõrvalekaldumise tulemusena koreograafide loomingulise vabaduse kasuks.
Ballett inspireeris vabatantsu, mille loojaid ei huvitanud nii palju uus tehnoloogia tants või koreograafia, kui palju tants kui eriline filosoofia, mis võib elu muuta. See 20. sajandi alguses tekkinud liikumine (selle esivanemaks peetakse Isadora Duncanit) oli paljude moderntantsusuundade allikaks ja andis tõuke balleti enda reformimisele.
Lõpetuseks tahaksin tsiteerida meie silmapaistva baleriini Maya Plisetskaja sõnu, mille ta ütles ühes oma intervjuus: „Ma arvan, et ballett on kunst, millel on suur ja põnev tulevik. Ta kindlasti elab, otsib, areneb. Ta muutub kindlasti. Kuid kuidas täpselt, mis suunas see läheb, on raske kogu täpsusega ennustada. Ei tea. Ma tean üht: me kõik – nii esinejad kui ka koreograafid – peame töötama väga tõsiselt, tõsiselt, ennast säästmata. Inimesed, nende usk kunstisse, pühendumus teatrile võivad teha imesid. Ja milliseks need tulevikuballeti “imed” kujunevad, otsustab elu ise.
