ผลงานของโมสาร์ท: รายการ โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท: ความคิดสร้างสรรค์ Wolfgang Amadeus Mozart: ชีวประวัติ, วิดีโอ, ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ งานหลักของ Mozart รายชื่อผลงาน

Wolfgang Amadeus Mozart ชื่อเต็ม John Chrysostom Wolfgang Amadeus Theophilus Mozart (Joannes Chrysostomus Wolfgang Amadeus Theophilus Mozart) เกิดเมื่อวันที่ 27 มกราคม พ.ศ. 2299 ในเมืองซาลซ์บูร์ก เขาเป็นลูกคนที่เจ็ดในครอบครัวของ Leopold และ Anna Maria Mozart, née Pertl

พ่อของเขา Leopold Mozart (1719-1787) เป็นนักแต่งเพลงและนักทฤษฎี ตั้งแต่ปี 1743 เขาเป็นนักไวโอลินในวงดนตรีออร์เคสตราของหัวหน้าบาทหลวงซาลซ์บูร์ก จากลูกของโมสาร์ทเจ็ดคน สองคนรอดชีวิต ได้แก่ โวล์ฟกังและมาเรีย แอนนา พี่สาวของเขา

ในยุค 1760 พ่อละทิ้งอาชีพการงานและอุทิศตนเพื่อการศึกษาของลูก ๆ

ด้วยความสามารถทางดนตรีที่ยอดเยี่ยมของเขา โวล์ฟกังเล่นฮาร์ปซิคอร์ดตั้งแต่อายุสี่ขวบ เริ่มแต่งเพลงตั้งแต่อายุห้าหรือหกขวบ สร้างซิมโฟนีชุดแรกเมื่ออายุแปดหรือเก้าขวบ และผลงานชิ้นแรกสำหรับโรงละครดนตรีในวัยนั้น จาก 10-11

ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1762 โมสาร์ทและน้องสาวของเขา นักเปียโนมาเรีย แอนนา พร้อมพ่อแม่ของพวกเขาได้ไปเที่ยวเยอรมนี ออสเตรีย ฝรั่งเศส อังกฤษ สวิตเซอร์แลนด์ ฯลฯ

ศาลในยุโรปหลายแห่งคุ้นเคยกับงานศิลปะของตน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ศาลเหล่านี้ได้รับการรับรองที่ราชสำนักของกษัตริย์หลุยส์ที่ 15 และพระเจ้าจอร์จที่ 3 แห่งฝรั่งเศสและอังกฤษ โซนาต้าไวโอลินทั้งสี่ของโวล์ฟกังได้รับการตีพิมพ์ครั้งแรกในกรุงปารีสในปี พ.ศ. 2307

ในปี ค.ศ. 1767 โรงละครโอเปร่า Apollo และ Hyacinth ของ Mozart จัดแสดงที่มหาวิทยาลัย Salzburg ในปี ค.ศ. 1768 ระหว่างการเดินทางไปเวียนนา โวล์ฟกัง โมสาร์ทได้รับค่าคอมมิชชั่นสำหรับโอเปร่าในประเภทโอเปร่าหนังอิตาลี ("The Pretend Simple Girl") และ German Singspiel ("Bastien et Bastienne")

โดยเฉพาะอย่างยิ่งการอยู่อาศัยของโมสาร์ทในอิตาลีมีผลโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ที่ซึ่งเขาได้ปรับปรุงความแตกต่าง (polyphony) กับนักแต่งเพลงและนักดนตรีวิทยา Giovanni Battista Martini (โบโลญญา) และแสดงโอเปร่า Mithridates ราชาแห่ง Pontus (1770) และ Lucius Sulla (1771) ในมิลาน

ในปี ค.ศ. 1770 เมื่ออายุได้ 14 ปี โมสาร์ทได้รับรางวัลเครื่องอิสริยาภรณ์ทองคำของสมเด็จพระสันตะปาปา และได้รับเลือกเป็นสมาชิกของสถาบัน Philharmonic Academy ในเมืองโบโลญญา

ในเดือนธันวาคม ค.ศ. 1771 เขากลับมายังซาลซ์บูร์ก ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1772 เขาทำหน้าที่เป็นนักดนตรีควบคู่ที่ราชสำนักของเจ้าชาย-อาร์คบิชอป ในปี 1777 เขาลาออกจากราชการและไปกับแม่ของเขาที่ปารีสเพื่อหางานใหม่ หลังจากที่แม่ของเขาเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2321 เขากลับมาที่ซาลซ์บูร์ก

ในปี ค.ศ. 1779 นักแต่งเพลงเข้ารับราชการของอาร์คบิชอปอีกครั้งในฐานะนักเล่นออร์แกนในศาล ในช่วงเวลานี้ เขาแต่งเพลงของโบสถ์เป็นส่วนใหญ่ แต่ตามคำสั่งของผู้มีสิทธิเลือกตั้ง Karl Theodor เขาเขียนโอเปร่า Idomeneo กษัตริย์แห่งเกาะครีต ซึ่งจัดแสดงในมิวนิกในปี ค.ศ. 1781 ในปีเดียวกันนั้น โมสาร์ทได้เขียนจดหมายลาออก

ในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2325 โอเปร่าของเขา The Abduction from the Seraglio จัดแสดงที่ Vienna Burgtheater ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมาก โมสาร์ทกลายเป็นไอดอลแห่งเวียนนา ไม่เพียงแต่ในศาลและในแวดวงชนชั้นสูงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ชมคอนเสิร์ตจากคฤหาสน์ที่สามด้วย ตั๋วคอนเสิร์ต (ที่เรียกว่าสถาบันการศึกษา) ของ Mozart ซึ่งจำหน่ายโดยการสมัครสมาชิกขายหมดเกลี้ยง ในปี พ.ศ. 2327 นักแต่งเพลงได้จัดคอนเสิร์ต 22 ครั้งภายในหกสัปดาห์

ในปี ค.ศ. 1786 การแสดงรอบปฐมทัศน์ของละครตลกเรื่องเล็กของโมสาร์ทเรื่อง The Theatre Director และโอเปร่า The Marriage of Figaro ซึ่งสร้างจากภาพยนตร์ตลกของ Beaumarchais เกิดขึ้น หลังจากเวียนนา การแต่งงานของฟิกาโรถูกจัดแสดงขึ้นในกรุงปราก ซึ่งได้รับการต้อนรับอย่างกระตือรือร้น เช่นเดียวกับโอเปร่าครั้งต่อไปของโมสาร์ทเรื่อง The Punished Libertine หรือ Don Giovanni (พ.ศ. 2330)

สำหรับโรงละครเวียนนาอิมพีเรียลโมสาร์ทเขียนโอเปร่าที่ร่าเริง "พวกเขาทั้งหมดเป็นเช่นนั้นหรือ School of Lovers" ("นั่นคือสิ่งที่ผู้หญิงทุกคนทำ", 1790)

โอเปร่า "ความเมตตาของติตัส" บนแปลงโบราณซึ่งกำหนดเวลาให้ตรงกับการเฉลิมฉลองพิธีราชาภิเษกในกรุงปราก (พ.ศ. 2334) ได้รับอย่างเย็นชา

ในปี ค.ศ. 1782-1786 งานประเภทหนึ่งของโมสาร์ทคือเปียโนคอนแชร์โต้ ในช่วงเวลานี้เขาเขียนคอนแชร์โต 15 รายการ (หมายเลข 11-25); พวกเขาทั้งหมดมีไว้สำหรับการแสดงต่อสาธารณะของ Mozart ในฐานะนักแต่งเพลง ศิลปินเดี่ยว และวาทยกร

ในช่วงปลายทศวรรษ 1780 โมสาร์ททำหน้าที่เป็นนักแต่งเพลงและหัวหน้าวงดนตรีให้กับจักรพรรดิโจเซฟที่ 2 แห่งออสเตรีย

ในปี ค.ศ. 1784 นักแต่งเพลงได้กลายเป็นสมาชิกอิสระ แนวคิดของ Masonic ถูกโยงไปถึงผลงานชิ้นต่อมาของเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในโอเปร่า The Magic Flute (1791)

ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2334 โมสาร์ทได้แสดงต่อสาธารณะครั้งสุดท้ายโดยนำเสนอเปียโนคอนแชร์โต้ (B Flat Major, KV 595)

ในเดือนกันยายน ค.ศ. 1791 เขาทำงานบรรเลงครั้งสุดท้าย คลาริเน็ตคอนแชร์โต้ในวิชาเอก และในเดือนพฤศจิกายน เพลงบรรเลงเล็ก ๆ น้อย ๆ

โดยรวมแล้ว โมสาร์ทเขียนงานดนตรีมากกว่า 600 ชิ้น รวมทั้งละครเพลง 16 เรื่อง ละครโอเปร่า 14 เรื่อง ซิมโฟนี่ 41 เรื่อง คอนแชร์โตเปียโน 27 เรื่อง ไวโอลินคอนแชร์โต 5 ชิ้น คอนแชร์โตแปดตัวสำหรับเครื่องดนตรีประเภทลมกับวงออเคสตรา หลากหลายแนวเพลงและเซเรเนดสำหรับวงออเคสตราหรือวงดนตรีต่างๆ โซนาต้าเปียโน 18 ตัว โซนาต้าสำหรับไวโอลินและเปียโนมากกว่า 30 ตัว ควอร์เตต์ 26 ตัว ควินเท็ตหกสาย ผลงานสำหรับคณะแชมเบอร์อื่นๆ อีกจำนวนนับไม่ถ้วนของเครื่องดนตรี รูปแบบต่างๆ เพลง การประพันธ์เพลงฆราวาสขนาดเล็กและเสียงร้องของคริสตจักร

ในฤดูร้อนปี พ.ศ. 2334 นักแต่งเพลงได้รับคำสั่งให้แต่ง "บังสุกุล" โดยไม่เปิดเผยตัว (ตามที่ปรากฏในภายหลังลูกค้าคือ Count Walsegg-Stuppach ซึ่งเป็นม่ายในเดือนกุมภาพันธ์ของปีนั้น) โมสาร์ททำงานเกี่ยวกับสกอร์ ป่วยจนหมดเรี่ยวแรง เขาสามารถสร้างหกส่วนแรกและทำให้ส่วนที่เจ็ด (Lacrimosa) ยังไม่เสร็จ

ในคืนวันที่ 5 ธันวาคม พ.ศ. 2334 โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ทเสียชีวิตในกรุงเวียนนา เนื่องจากพระเจ้าเลียวโปลด์ที่ 2 ทรงห้ามการฝังศพของแต่ละคน โมสาร์ทจึงถูกฝังในหลุมศพทั่วไปในสุสานเซนต์มาร์ก

บังสุกุลเสร็จสิ้นโดย Franz Xaver Süssmayr ลูกศิษย์ของ Mozart (1766-1803) ตามคำแนะนำของนักแต่งเพลงที่กำลังจะตาย

Wolfgang Amadeus Mozart แต่งงานกับ Constance Weber (1762-1842) พวกเขามีลูกหกคนซึ่งสี่คนเสียชีวิตในวัยเด็ก คาร์ล โธมัส ลูกชายคนโต (พ.ศ. 2327-2401) ศึกษาที่ Milan Conservatory แต่ได้รับการแต่งตั้งให้เป็นข้าราชการ ลูกชายคนเล็ก Franz Xaver (1791-1844) เป็นนักเปียโนและนักแต่งเพลง

หญิงม่ายของโวล์ฟกัง โมสาร์ทในปี 1799 มอบต้นฉบับของสามีให้กับผู้จัดพิมพ์ Johann Anton André ต่อจากนั้น คอนสแตนซาแต่งงานกับนักการทูตชาวเดนมาร์กชื่อจอร์จ นิสเซน ผู้ซึ่งได้รับความช่วยเหลือจากเธอ ได้เขียนชีวประวัติของโมสาร์ท

ในปี ค.ศ. 1842 อนุสาวรีย์แรกของนักประพันธ์ได้รับการเปิดเผยในซาลซ์บูร์ก ในปี 1896 อนุสาวรีย์ของ Mozart ถูกสร้างขึ้นบน Albertinaplatz ในกรุงเวียนนา ในปี 1953 ได้มีการย้ายไปที่ Palace Garden

หนึ่งในอนุสาวรีย์ที่มีชื่อเสียงของโมสาร์ทที่ตั้งอยู่ทั่วโลกคือทองสัมฤทธิ์

Mozart นักซิมโฟนีไม่ได้ด้อยกว่า Mozart นักเขียนบทละครโอเปร่า - นักแต่งเพลงหันไปหาแนวซิมโฟนีเมื่อตอนที่เขายังเด็กมากโดยทำตามขั้นตอนแรกในการพัฒนาของเขา ร่วมกับ Haydn เขายืนอยู่ที่จุดกำเนิดของการซิมโฟนีแห่งยุโรป ในขณะที่ซิมโฟนีที่ดีที่สุดของ Mozart ก็ปรากฏตัวขึ้นก่อนหน้านี้ โมสาร์ทแก้ปัญหาวงจรไพเราะด้วยวิธีของเขาเองโดยไม่ต้องทำซ้ำไฮเดน

งานของ Mozart ในประเภทไพเราะกินเวลาหนึ่งในสี่ของศตวรรษ: ตั้งแต่ปี 1764 เมื่อนักแต่งเพลงอายุ 8 ขวบเขียนและแสดงซิมโฟนีครั้งแรกของเขาในลอนดอนจนถึงฤดูร้อนปี 1788 ซึ่งโดดเด่นด้วยการปรากฏตัวของซิมโฟนีสามครั้งสุดท้าย . พวกเขากลายเป็นความสำเร็จสูงสุดของโมสาร์ทในด้านดนตรีไพเราะ จำนวนซิมโฟนีทั้งหมดของเขาเกิน 50 แม้ว่าตามการนับต่อเนื่องที่ใช้ในดนตรีรัสเซีย ซิมโฟนีสุดท้าย - "ดาวพฤหัสบดี" - ถือเป็น 41 การปรากฏตัวของซิมโฟนี Mozart ส่วนใหญ่หมายถึงปีแรก ๆ ของงานของเขา ในช่วงสมัยเวียนนา มีการสร้างซิมโฟนีเพียง 6 ชุดสุดท้าย ได้แก่ "ลินซ์" (1783), "ปราก" (1786) และซิมโฟนีสามชุดในปี พ.ศ. 2331

ซิมโฟนีชุดแรกของโมสาร์ทได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของเจ.เค. บาค มันแสดงออกทั้งในการตีความของวงจร (3 ส่วนเล็ก ๆ ไม่มี minuet การประพันธ์เพลงเล็ก ๆ น้อย ๆ ) และในรายละเอียดการแสดงออกต่างๆ (ความไพเราะของธีมความแตกต่างในการแสดงออกของหลักและรอง บทบาทนำของ ไวโอลิน).

การเยี่ยมชมศูนย์กลางหลักของซิมโฟนียุโรป (เวียนนา, มิลาน, ปารีส, มานน์ไฮม์) มีส่วนทำให้เกิดวิวัฒนาการของความคิดไพเราะของโมสาร์ท:

• เนื้อหาของซิมโฟนีอุดมไปด้วย;
• ความแตกต่างทางอารมณ์จะสว่างขึ้น
• ใช้งานมากขึ้น - การพัฒนาเฉพาะเรื่อง;
• ขนาดของชิ้นส่วนขยายใหญ่ขึ้น
• เนื้อสัมผัสของวงออร์เคสตรามีการพัฒนามากขึ้น

จุดสุดยอดของซิมโฟนีวัยเยาว์ของโมสาร์ทคือซิมโฟนีหมายเลข 25 (หนึ่งในสองซิมโฟนีรองของเขา เช่นเดียวกับหมายเลข 40 - ใน g-moll) และหมายเลข 29 (A-dur) หลังจากการสร้างสรรค์ของพวกเขา (พ.ศ. 2316-2517) นักแต่งเพลงได้เปลี่ยนไปสู่แนวเพลงบรรเลงอื่น ๆ (คอนเสิร์ต เปียโนโซนาต้า แชมเบอร์ทั้งมวล และดนตรีบรรเลงในชีวิตประจำวัน) เพียงแต่เปลี่ยนมาเป็นดนตรีไพเราะเป็นครั้งคราวเท่านั้น

ไม่เหมือนกับ London Symphonies ของ Haydn ซึ่งพัฒนาโดยทั่วไป ประเภทเดียวซิมโฟนีซิมโฟนีที่ดีที่สุดของโมสาร์ท (หมายเลข 38-41) ไม่คล้อยตามการพิมพ์พวกเขามีเอกลักษณ์เฉพาะตัวอย่างแน่นอน แต่ละคนสื่อถึง พื้นฐานใหม่ความคิดทางศิลปะ:

• No. 39 (Es-dur) - หนึ่งใน Mozart ที่ร่าเริงและแจ่มใสที่สุด อยู่ใกล้กับประเภท Haydnian มากที่สุด
• นำไปสู่ความโรแมนติกโดยเฉพาะการ;
• คาดถึงวีรกรรมของเบโธเฟน เท่าที่ซิมโฟนีจีโมลกระจุกตัวอยู่ในวงกลมภาพเดียว โลกที่เป็นรูปเป็นร่างของซิมโฟนีของดาวพฤหัสบดีก็มีหลายแง่มุมเช่นกัน

สองซิมโฟนีสี่ชุดสุดท้ายของโมสาร์ทมีการแนะนำตัวช้า อีกสองคนไม่ทำ ซิมโฟนีหมายเลข 38 ("ปราก", D-dur) มีสามส่วน ("ซิมโฟนีไม่มี minuet") ส่วนที่เหลือ - สี่ส่วน

ลักษณะเด่นที่สุดของการตีความแนวซิมโฟนีของโมสาร์ท ได้แก่:

ก) ละครขัดแย้ง ความเปรียบต่างและความขัดแย้งปรากฏในซิมโฟนีของโมสาร์ทในระดับต่างๆ - ส่วนของวัฏจักร ธีมส่วนบุคคล องค์ประกอบเฉพาะเรื่องต่างๆ ข้างในธีม ธีมไพเราะมากมายโดย Mozart เริ่มแรกทำหน้าที่เป็น "ตัวละครที่ซับซ้อน": สร้างขึ้นจากองค์ประกอบที่ตัดกันหลายอย่าง (ตัวอย่างเช่น ธีมหลักในตอนจบของวันที่ 40 ฉันเป็นส่วนหนึ่งของซิมโฟนีของดาวพฤหัสบดี) ความแตกต่างภายในเหล่านี้เป็นแรงกระตุ้นที่สำคัญที่สุดสำหรับการเปิดเผยอันน่าทึ่งที่ตามมา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านการพัฒนา

ข) การตั้งค่าสำหรับรูปแบบโซนาต้า . ตามกฎแล้ว Mozart หมายถึงเธอ ทั้งหมดบางส่วนของซิมโฟนีของเขา ยกเว้น minuet มันคือรูปแบบโซนาตา ซึ่งมีความเป็นไปได้มหาศาลในการเปลี่ยนธีมเริ่มต้น ซึ่งสามารถเปิดเผยโลกฝ่ายวิญญาณของบุคคลได้อย่างลึกซึ้งที่สุด ในการพัฒนาโซนาต้าของ Mozart มันสามารถได้รับความหมายที่เป็นอิสระ หัวข้อใดก็ได้นิทรรศการรวม มีผลผูกพันและสุดท้าย (ตัวอย่างเช่นในซิมโฟนี "ดาวพฤหัสบดี" ในการพัฒนาส่วนแรกธีมของ z.p. และ s.p. ได้รับการพัฒนาและในส่วนที่สอง - s.t. )

Mozart ไม่ต้องการใช้ธีมมากมายในการพัฒนาของเขา (ในส่วนที่รุนแรงของ Symphony No. 40 - monothematicการพัฒนา); อย่างไรก็ตาม เมื่อเลือกธีมแล้ว เขาก็ทำให้อิ่มตัวด้วยละครให้ได้มากที่สุด

ใน) บทบาทสำคัญของเทคนิคโพลีโฟนิก ในระดับมาก อุปกรณ์โพลีโฟนิกต่างๆ มีส่วนช่วยในการแสดงละคร โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานในภายหลัง (ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดคือตอนจบของซิมโฟนี "ดาวพฤหัสบดี")

ช) ออกเดินทางจาก เปิด ประเภท ในบทเพลงไพเราะและตอนจบ ไม่เหมือนกับ Haydn's คำจำกัดความของ "genre-everyday" ไม่สามารถใช้กับคำนิยามเหล่านี้ได้ ในทางตรงกันข้าม โมสาร์ทมักจะ "ทำให้เป็นกลาง" หลักการเต้น เติมเสียงเพลงด้วยละคร (ในซิมโฟนีหมายเลข 40) หรือบทเพลง (ในซิมโฟนี "ดาวพฤหัสบดี")

จ) สุดท้าย การเอาชนะตรรกะของห้องชุด วงจรไพเราะเป็นการสลับส่วนต่างๆ ซิมโฟนีทั้งสี่ส่วนของโมสาร์ทแสดงถึงความสามัคคีแบบออร์แกนิก (สิ่งนี้ชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในซิมโฟนีหมายเลข 40)

จ) สัมพันธ์ใกล้ชิดกับแนวเสียงร้อง ดนตรีบรรเลงคลาสสิกได้รับอิทธิพลอย่างมากจากโอเปร่า ในโมสาร์ท อิทธิพลของการแสดงโอเปร่ารู้สึกได้อย่างชัดเจนมาก มันแสดงออกไม่เพียง แต่ในการใช้น้ำเสียงโอเปร่าที่มีลักษณะเฉพาะ (เช่นในธีมหลักของซิมโฟนีที่ 40 ซึ่งมักจะถูกเปรียบเทียบกับธีมของ Cherubino "ฉันบอกไม่ได้ฉันไม่สามารถอธิบายได้ ... " ). ดนตรีไพเราะของโมสาร์ทเต็มไปด้วยการเทียบเคียงกันของโศกนาฏกรรมและตัวตลก ที่ประเสริฐและทางโลก ซึ่งคล้ายกับงานโอเปร่าของเขาอย่างชัดเจน (การแสดงที่ตัดกันของส่วน I ของซิมโฟนีของดาวพฤหัสบดีสามารถเปรียบเทียบได้อย่างเต็มที่กับโอเปร่าตอนจบซึ่งใน การปรากฏตัวของตัวละครใหม่จะเปลี่ยนลักษณะของเพลงทันที)

ในดนตรีวิทยาต่างประเทศ มีการกำหนดหมายเลขที่แตกต่างและแม่นยำยิ่งขึ้นตามแคตตาล็อกของ Koechel-Einstein ที่แก้ไขแล้ว

ไอ.เค. บาคอาศัยตัวอย่างแนวไพเราะของอิตาลี

โมสาร์ทเขียนซิมโฟนีและโอเปร่ากี่บทและได้คำตอบที่ดีที่สุด

คำตอบจาก Glasha Ivanova[คุรุ]
23 โอเปร่า, มากกว่า 50 ซิมโฟนีโอเปร่า "หน้าที่ของบัญญัติแรก" (Die Schuldigkeit des ersten Gebotes), 1767 ละครเพลง "Apollo and Hyacinthus" (Apollo et Hyacinthus), 1767 - ละครเพลงสำหรับนักเรียนเกี่ยวกับข้อความภาษาละติน "Bastien and Bastienne" (Bastien und Bastienne), 1768. ผลงานชิ้นเอกอีกชิ้นหนึ่งคือ singspiel. เวอร์ชั่นภาษาเยอรมันของละครตลกชื่อดังโดย J.-J. Rousseau - "The Village Sorcerer" "The Feigned Simple Woman" (La finta semplice), 1768 - การออกกำลังกายในประเภทโอเปร่า buffa ในบทของ Goldoni "Mithridates, King of ปอนตุส" (Mitridate, re di Ponto) , 1770 - ในประเพณีของโอเปร่าอิตาลีตามโศกนาฏกรรมของ Racine "Ascanius in Alba" (Ascanio in Alba), 1771. Opera serenade (พระ) Betulia Liberata, 1771 - ออราทอริโอ จากเรื่องราวของ Judith และ Holofernes "ความฝันของ Scipio" (Il sogno di Scipione), 1772. Opera-serenade (อภิบาล) "Lucio Silla" (Lucio Silla), 1772 ละครโอเปร่า "Thamos, King of Egypt" (Thamos, König in Ägypten), 1773, 1775. ดนตรีสำหรับละครของ Gebler The Imaginary Gardener (La finta giardiniera), 1774-5 - หวนคืนสู่ประเพณีของโอเปร่าบัฟฟาอีกครั้ง The Shepherd King (Il Re Pastore), 1775 Opera-serenade (อภิบาล ) "Zaide" (Zaide), 1779 (สร้างใหม่โดย H. Chernovin, 2006) "Idomeneo, King of Crete" (Idomeneo), 1781 "การลักพาตัวจาก Seraglio" (Die Entführung aus dem Serail), 1782 . Singspiel "Cairo Goose" (L 'oca del Cairo), 1783 The Deceived Husband (Lo sposo deluso) ผู้อำนวยการโรงละคร (Der Schhauspieldirektor), 1786. ละครตลกเรื่อง The Marriage of Figaro (Le nozze di Figaro), 1786. ครั้งแรกใน 3 โอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ ในประเภทหนังโอเปร่า "Don Giovanni" (Don Giovanni), 2330 "ทุกคนก็เช่นกัน" (Così fan tutte), 1789 "Mercy of Titus" (La clemenza di Tito), 1791 "The Magic Flute" (Die Zauberflöte), 1791. Singspiel ผลงานอื่น ๆ มวล 17 มวล ซึ่งได้แก่ o "พิธีบรมราชาภิเษก", KV 317 (1779) o "มวลมหาศาล" C-moll, KV 427 (1782) o "บังสุกุล", KV 626 (1791) ต้นฉบับของโมสาร์ท เสียชีวิต irae จากบังสุกุล มากกว่า 50 ซิมโฟนี รวมถึง: o№ 31, KV 297 Parisian (1778) o№ 35, KV 385 Haffner (1782) o№ 36, KV 425 Linzskaya (1783) o№ 38, KV 504 ปราก ( 1786) o№ 39, KV 543 (1788) o№ 40, KV 550 (1788) o№ 41, KV 551 Jupiter (1788) 27 คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา 6 คอนแชร์โตสำหรับไวโอลิน คอนแชร์โต้สำหรับสองไวโอลินและวงออเคสตรา (1774) คอนแชร์โต้ สำหรับไวโอลิน วิโอลา และวงออเคสตรา (1779) 2 คอนแชร์โตสำหรับฟลุตและออเคสตรา (1778) o No. 1 in G major K. 313 (1778) o No. 2 in D major K. 314 Concerto for oboe and orchestra in C major K . 314 (1777) คอนแชร์โต้สำหรับคลาริเน็ตและวงออเคสตราใน A major K. 622 (1791) คอนแชร์โต้สำหรับบาสซูนและวงออเคสตราใน B flat major K. 191 (1774) 4 คอนแชร์โตสำหรับแตรและวงออเคสตรา: o หมายเลข 1 ใน D major K. 412 (1791) o หมายเลข 2 ใน E flat major K. 417 (1783) o หมายเลข 3 ใน E flat major K. 447 ( ระหว่างปี พ.ศ. 2327 ถึง พ.ศ. 2330 o ลำดับที่ 4 ใน E-flat major K. 495 (1786) 10 serenades for string orchestra ได้แก่ o Little Night Serenade (1787) 7 Divvertissements for Orchestra วงดนตรีทองเหลืองต่างๆ Sonatas สำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ ทริโอ คลอ โซนาต้า 19 แบบสำหรับเปียโน 15 ​​รอบของการเปลี่ยนแปลงสำหรับเปียโน Rondo, แฟนตาซี, ชิ้นส่วน มากกว่า 50 arias Ensembles, Choirs, songs

นักแต่งเพลงชาวออสเตรียที่โดดเด่น W.A. ​​Mozart เป็นหนึ่งในตัวแทนของโรงเรียน ของขวัญของเขาแสดงออกตั้งแต่ยังเด็ก ผลงานของ Mozart สะท้อนให้เห็นถึงแนวคิดของขบวนการ Sturm und Drang และการตรัสรู้ของเยอรมัน ประสบการณ์ทางศิลปะของประเพณีและโรงเรียนระดับชาติต่าง ๆ ถูกนำมาใช้ในดนตรี รายการที่มีชื่อเสียงที่สุดซึ่งมีขนาดใหญ่ได้เกิดขึ้นในประวัติศาสตร์ของศิลปะดนตรี เขาเขียนโอเปร่ามากกว่า 20 เรื่อง ซิมโฟนี 41 รายการ คอนแชร์โตสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ ด้วยวงออเคสตรา เครื่องดนตรีแชมเบอร์ และเปียโน

ข้อมูลโดยย่อเกี่ยวกับผู้แต่ง

Wolfgang Amadeus Mozart (นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย) เกิดเมื่อวันที่ 01/27/1756 ในเมือง Salzburg ที่สวยงาม นอกจากแต่ง? เขาเป็นนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ด หัวหน้าวงดนตรี นักเล่นออร์แกน และนักไวโอลินที่เก่งกาจ เขามีความทรงจำที่เก๋ไก๋อย่างแท้จริงและอยากด้นสด โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท ไม่เพียงแต่ในยุคสมัยของเขาเท่านั้น แต่ยังมีความทันสมัยอีกด้วย อัจฉริยะของเขาสะท้อนให้เห็นในผลงานที่เขียนขึ้นในรูปแบบและประเภทต่างๆ ผลงานของ Mozart ยังคงเป็นที่นิยมในปัจจุบัน และสิ่งนี้บ่งชี้ว่าผู้แต่งได้ผ่าน "การทดสอบเวลา" แล้ว ชื่อของเขามักถูกกล่าวถึงในแถวเดียวกันกับ Haydn และ Beethoven ในฐานะตัวแทนของลัทธิคลาสสิกแบบเวียนนา

ชีวประวัติและวิธีที่สร้างสรรค์ 1756-1780 ปีแห่งชีวิต

โมสาร์ทเกิดเมื่อวันที่ 27 มกราคม 2299 เขาเริ่มแต่งตั้งแต่อายุประมาณสามขวบ พ่อของฉันเป็นครูสอนดนตรีคนแรกของฉัน ในปี ค.ศ. 1762 เขาได้ออกเดินทางกับบิดาและน้องสาวของเขาในการเดินทางศิลปะอันยิ่งใหญ่ไปยังเมืองต่างๆ ในเยอรมนี อังกฤษ ฝรั่งเศส สวิตเซอร์แลนด์ และเนเธอร์แลนด์ ในเวลานี้งานแรกของโมสาร์ทถูกสร้างขึ้น รายการของพวกเขาค่อยๆ ขยายออกไป ตั้งแต่ปี 1763 เขาอาศัยอยู่ในปารีส สร้างโซนาต้าสำหรับไวโอลินและฮาร์ปซิคอร์ด ในช่วงปี พ.ศ. 2309-2512 เขาอาศัยอยู่ในซาลซ์บูร์กและเวียนนา ด้วยความยินดีในการศึกษาองค์ประกอบของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ในหมู่พวกเขามี Handel, Durante, Carissimi, Stradella และอื่น ๆ อีกมากมาย ในปี ค.ศ. 1770-1774 ส่วนใหญ่ตั้งอยู่ในอิตาลี เขาได้พบกับนักแต่งเพลงชื่อดังอย่าง Josef Myslivechek ผู้ซึ่งอิทธิพลสามารถติดตามได้ในผลงานชิ้นต่อไปของ Wolfgang Amadeus ในปี ค.ศ. 1775-1780 เขาเดินทางไปมิวนิก ปารีส และมันไฮม์ ประสบปัญหาทางการเงิน สูญเสียแม่ของเขา ผลงานของโมสาร์ทหลายชิ้นถูกเขียนขึ้นในช่วงเวลานี้ รายการของพวกเขามีขนาดใหญ่มาก นี่คือ:

• คอนแชร์โต้สำหรับขลุ่ยและพิณ
• หก clavier sonatas;
• คณะนักร้องประสานเสียงทางจิตวิญญาณหลายแห่ง
• Symphony 31 ในคีย์ของ D major ซึ่งเป็นที่รู้จักในชื่อ Parisian;
• สิบสองหมายเลขบัลเล่ต์และองค์ประกอบอื่น ๆ อีกมากมาย

ชีวประวัติและวิธีที่สร้างสรรค์ 1779-1791 ปีแห่งชีวิต

ในปี ค.ศ. 1779 เขาทำงานในซาลซ์บูร์กในฐานะออร์แกนในศาล ในปี ค.ศ. 1781 โอเปร่าของเขา Idomeneo ฉายรอบปฐมทัศน์ในมิวนิกด้วยความสำเร็จอย่างมาก มันเป็นจุดเปลี่ยนใหม่ในชะตากรรมของคนที่มีความคิดสร้างสรรค์ จากนั้นเขาก็อาศัยอยู่ในเวียนนา ในปี ค.ศ. 1783 เขาได้แต่งงานกับคอนสแตนซ์ เวเบอร์ ในช่วงเวลานี้ ผลงานของโมสาร์ทก็ออกมาไม่ดี รายการของพวกเขาไม่ค่อยดีนัก เหล่านี้คือโอเปร่า L'oca del Cairo และ Lo sposo deluso ซึ่งยังไม่เสร็จ ในปี ค.ศ. 1786 การแต่งงานในฟิกาโรที่ยอดเยี่ยมของเขาถูกเขียนขึ้นโดยอิงจากบทประพันธ์ของลอเรนโซ ดา ปอนเต มันถูกจัดแสดงในเวียนนาและประสบความสำเร็จอย่างมาก หลายคนมองว่าเป็นโอเปร่าที่ดีที่สุดของโมสาร์ท ในปี ค.ศ. 1787 โอเปร่าที่ประสบความสำเร็จเท่าเทียมกันได้รับการปล่อยตัวซึ่งถูกสร้างขึ้นโดยความร่วมมือกับ Lorenzo da Ponte จากนั้นเขาก็ได้รับตำแหน่ง "นักดนตรีในราชสำนักและราชวงศ์" ซึ่งเขาได้รับเงิน 800 ฟลอริน เขาเขียนการเต้นรำเพื่อสวมหน้ากากและละครตลก ในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2334 โมสาร์ทถูกนำตัวไปยังตำแหน่งผู้ช่วยผู้ควบคุมดูแลมหาวิหาร เธอไม่ได้รับค่าจ้าง แต่ให้โอกาสหลังจากการเสียชีวิตของเลียวโปลด์ ฮอฟฟ์มันน์ (ซึ่งป่วยหนัก) เพื่อเข้ารับตำแหน่งแทน อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ไม่ได้เกิดขึ้น ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2334 นักแต่งเพลงยอดเยี่ยมเสียชีวิต สาเหตุของการเสียชีวิตของเขามีสองรุ่น ประการแรกคือภาวะแทรกซ้อนของไข้รูมาติกหลังการเจ็บป่วย รุ่นที่สองคล้ายกับตำนาน แต่ได้รับการสนับสนุนจากนักดนตรีหลายคน นี่คือพิษของ Mozart โดยนักแต่งเพลง Salieri

ผลงานสำคัญของโมสาร์ท รายชื่อผลงาน

Opera เป็นหนึ่งในประเภทหลักของงานของเขา เขามีโรงอุปรากร singspiel, opera seria และ buffa ตลอดจนแกรนด์โอเปร่า จากปากกาคอมโป:

• โรงเรียนโอเปร่า: "การเปลี่ยนแปลงของผักตบชวา" หรือที่เรียกว่า "อพอลโลและผักตบชวา";
• ละครโอเปร่า: "Idomeneo" ("Elijah and Idamant"), "Mercy of Titus", "Mithridates, King of Pontus";
• อุปรากรควาย: "ชาวสวนในจินตนาการ", "เจ้าบ่าวที่หลอกลวง", "การแต่งงานของฟิกาโร", "พวกเขาทั้งหมดเป็นแบบนี้", "ห่านไคโร", "ดอนฮวน", "หญิงสาวที่แสร้งทำเป็นธรรมดา";
• singshpils: "Bastienne และ Bastienne", "Zaida", "การลักพาตัวจาก Seraglio";
• แกรนด์โอเปร่า: "The Magic Flute";
• บัลเล่ต์ละครใบ้ "Trinkets";
• มวลชน: 1768-1780 สร้างขึ้นในซาลซ์บูร์กมิวนิกและเวียนนา
• บังสุกุล (1791);
• oratorio "The Liberated Vetulia";
• cantatas: "ผู้สำนึกผิด David", "Joy of the Stonemasons", "To You, Soul of the Universe", "Little Masonic Cantata"

โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท. ผลงานของวงออเคสตรา

ผลงานของ W.A. ​​Mozart สำหรับวงออเคสตรามีความโดดเด่นในระดับของพวกเขา นี่คือ:

• ซิมโฟนี;
• คอนแชร์โตและรอนดอสสำหรับเปียโนและออเคสตรา และสำหรับไวโอลินและออเคสตรา
• คอนแชร์โตสำหรับไวโอลินสองตัวและวงออเคสตราในคีย์ของ C major สำหรับไวโอลินและวิโอลาที่มีวงออเคสตรา สำหรับไวโอลินและออเคสตราในคีย์ของโอโบและออเคสตรา สำหรับคลาริเน็ตและออเคสตรา สำหรับบาสซูน สำหรับฮอร์น สำหรับฟลุตและพิณ (ซี เมเจอร์) );
• คอนแชร์โตสำหรับสองเปียโนและวงออเคสตรา (E flat major) และสาม (F major);
• ความหลากหลายและบทเพลงสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา เครื่องสาย และวงลม

ชิ้นส่วนสำหรับวงออเคสตราและวงดนตรี

โมสาร์ทแต่งเพลงสำหรับวงออเคสตราและวงดนตรีมากมาย ผลงานเด่น:

• กาลิมาเธียส musicum (1766);
• Maurerische Trauermusik (พ.ศ. 2328);
• สปา Einmusikalischer (1787);
• เดินขบวน (บางคนเข้าร่วมเซเรเนด);
• การเต้นรำ (การเต้นรำของประเทศ, เจ้าของที่ดิน, minuets);
• โซนาต้าของโบสถ์, ควอเตต, ควินเทต, ทริโอ, คลอ, รูปแบบต่างๆ

สำหรับคลาเวียร์ (เปียโน)

การประพันธ์ดนตรีของ Mozart สำหรับเครื่องดนตรีนี้เป็นที่นิยมอย่างมากในหมู่นักเปียโน นี่คือ:

• โซนาตา: 1774 - C major (K 279), F major (K 280), G major (K 283); พ.ศ. 2318 (ค.ศ. 1775) - ดีเมเจอร์ (K 284); 1777 - C เมเจอร์ (K 309), D เมเจอร์ (K 311); 1778 - ผู้เยาว์ (K 310), C major (K 330), A major (K 331), F major (K 332), B flat major (K 333); พ.ศ. 2327 - ซีไมเนอร์ (K 457); พ.ศ. 2331 - เอฟเมเจอร์ (K 533), ซีเมเจอร์ (K 545);
• สิบห้ารอบของการเปลี่ยนแปลง (1766-1791);
• รอนโด (1786, 1787);
• จินตนาการ (1782, 1785);
• ละครที่แตกต่างกัน

ซิมโฟนีหมายเลข 40 โดย W.A. ​​Mozart

ซิมโฟนีของโมสาร์ทถูกสร้างขึ้นตั้งแต่ปี ค.ศ. 1764 ถึง พ.ศ. 2331 สามรายการสุดท้ายเป็นความสำเร็จสูงสุดของประเภทนี้ โดยรวมแล้วโวล์ฟกังเขียนซิมโฟนีมากกว่า 50 รายการ แต่ตามจำนวนดนตรีวิทยาในประเทศ ซิมโฟนีที่ 41 ("ดาวพฤหัสบดี") ถือเป็นเพลงสุดท้าย

ซิมโฟนีที่ดีที่สุดของโมสาร์ท (หมายเลข 39-41) เป็นการสร้างสรรค์ที่ไม่เหมือนใครซึ่งไม่ได้ให้ความสำคัญกับการจำแนกประเภทที่กำหนดไว้ในขณะนั้น แต่ละคนมีแนวคิดทางศิลปะใหม่โดยพื้นฐาน

Symphony No. 40 เป็นผลงานยอดนิยมของประเภทนี้ ส่วนแรกเริ่มต้นด้วยท่วงทำนองอันน่าตื่นเต้นของไวโอลินของโครงสร้างคำถามและคำตอบ ส่วนหลักชวนให้นึกถึงเพลงของ Cherubino จากโอเปร่า Le nozze di Figaro ส่วนด้านข้างเป็นโคลงสั้น ๆ และเศร้าโศกตัดกับส่วนหลัก การพัฒนาเริ่มต้นด้วยท่วงทำนองปี่เล็ก มีน้ำเสียงที่เศร้าโศกและเศร้าโศก การแสดงละครเริ่มต้นขึ้น การบรรเลงเพิ่มความตึงเครียด

ส่วนที่สองถูกครอบงำด้วยอารมณ์ที่สงบและครุ่นคิด แบบฟอร์ม Sonata ยังใช้ที่นี่ ธีมหลักเล่นโดยวิโอล่า จากนั้นก็เลือกโดยไวโอลิน ธีมที่สองดูเหมือนจะ "กระพือปีก"

ที่สามคือความสงบอ่อนโยนและไพเราะ การพัฒนาทำให้เรามีอารมณ์ตื่นเต้นและวิตกกังวลปรากฏขึ้น การบรรเลงอีกครั้งเป็นความคิดที่สดใส การเคลื่อนไหวครั้งที่สามเป็นนาทีที่มีลักษณะของการเดินขบวน แต่ในเวลาสามในสี่ หัวข้อหลักคือความกล้าหาญและแน่วแน่ บรรเลงโดยไวโอลินและขลุ่ย ในทั้งสามคน เสียงอภิบาลที่โปร่งใสเกิดขึ้น

ตอนจบที่ร้อนรนยังคงดำเนินต่อไปอย่างน่าทึ่ง จนถึงจุดสูงสุด - ไคลแม็กซ์ ความวิตกกังวลและความตื่นเต้นมีอยู่ในทุกส่วนของส่วนที่สี่ และมีเพียงแท่งสุดท้ายเท่านั้นที่บอกเล่าเรื่องราวเล็กๆ น้อยๆ

W.A. ​​Mozart เป็นนักเปียโนมืออาชีพ หัวหน้าวงดนตรี นักเล่นออร์แกน และนักไวโอลินที่เก่งกาจ เขามีหูที่สมบูรณ์แบบสำหรับดนตรี มีความทรงจำที่เก๋ไก๋ และอยากด้นสด ผลงานที่ยอดเยี่ยมของเขาได้เข้ามาแทนที่ในประวัติศาสตร์ศิลปะดนตรี

Mozart ร่วมกับ Haydn ได้สร้างวงจรโซนาตา-ซิมโฟนีคลาสสิกที่เกี่ยวข้องกับประเภทต่าง ๆ เช่น ซิมโฟนี โซนาตา คอนแชร์โต ควอเตต ควินเท็ต ฯลฯ ในเวลาเดียวกัน วงจรโซนาตา-ซิมโฟนีของเขาแสดงถึงเวทีใหม่ในการพัฒนาโครงสร้างนี้ ซึ่งแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในวงซิมโฟนี

ซิมโฟนีส่วนใหญ่เขียนโดยโมสาร์ทก่อนยุคเวียนนา ในการแสดงซิมโฟนีชุดแรก มีความเกี่ยวพันกับการแสดงซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของ Haydn ผู้ประพันธ์เพลงของโรงเรียน Mannheim อย่างไรก็ตาม เอกลักษณ์ของสไตล์ของโมสาร์ทนั้นชัดเจนอยู่แล้วในซิมโฟนีเหล่านี้ ผลงานที่น่าสนใจที่สุดของประเภทนี้ ได้แก่ ซิมโฟนีเจ็ดรายการสุดท้ายที่สร้างขึ้นในกรุงเวียนนา โดยทั่วไป ซิมโฟนีของโมสาร์ทเป็นตัวแทนของซิมโฟนีประเภทหลังๆ เมื่อเทียบกับของไฮเดน น้ำเสียงของพวกเขาดูตึงเครียด ตื่นเต้น เร้าใจ ซึ่งสะท้อนออกมาในรูปแบบของผลงาน Mozart ช่วยเพิ่มความคมชัดระหว่างธีมต่างๆ โดยเฉพาะระหว่างส่วนหลักและส่วนด้านข้าง ตามกฎแล้วฝ่ายข้างเคียงจะสร้างขึ้นจากเนื้อหาเฉพาะเรื่องใหม่ แต่ธีมแม้จะมีความแตกต่างกันก็ตาม ผู้แต่งมักจะนำเสนอคอนทราสต์ภายในใจความ เช่น ความแตกต่างระหว่างองค์ประกอบต่าง ๆ ของธีมเดียวกัน

ซิมโฟนีของ Mozart เต็มไปด้วยธีม มีหลายธีมในส่วนหนึ่ง พัฒนาการสั้นและกระชับ เทคนิคการพัฒนาแตกต่างกันมาก: การแตกแฟรกเมนต์ การแปรผัน เทคนิคโพลีโฟนิก ฯลฯ มีนวัตกรรมมากมายในการบรรเลงเมื่อเปรียบเทียบกับการอธิบาย

ในซิมโฟนีของ Mozart มีความเกี่ยวข้องกับความคิดสร้างสรรค์โอเปร่า: 1) ธีมบางเรื่องใกล้เคียงกับตัวตลก; 2) หลายธีมมีพื้นฐานมาจากบทสนทนาโอเปร่า

วงออเคสตราเหมือนของ Haydn เป็นคู่ ซิมโฟนีที่ดีที่สุดของนักแต่งเพลงถูกสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2331 ได้แก่ ซิมโฟนีหมายเลข 39 (E-flat major) หมายเลข 40 (G minor) และหมายเลข 41 "Jupiter" (C major)

ซิมโฟนีหมายเลข 40

ซิมโฟนีประกอบด้วย 4 ส่วน คีย์คือ G minor

ไม่มีรายการ

ส่วนแรก– โซนาตา อัลเลโกร, จี ไมเนอร์ . ปาร์ตี้หลัก– ไพเราะและตื่นเต้นไปพร้อม ๆ กัน มีบรรทัดฐานที่สอง เลื่อนขึ้นไป ม.6 ตามด้วยการเติมทีละน้อยจากมากไปน้อย โทนคือกุญแจสำคัญ ปาร์ตี้ข้างทาง- สง่ากว่าซึ่งสัมพันธ์กับโทนสี กุญแจสำคัญคือ B-flat major การพัฒนามีพื้นฐานอยู่บนธีมของส่วนหลักเท่านั้น ซึ่งต้องขอบคุณเทคนิคการแยกและพหุเสียงตลอดจนความไม่เสถียรของโทนเสียง ทำให้ได้ตัวละครที่เข้มข้นและน่าทึ่งมากขึ้น ในการบรรเลง ความแตกต่างที่สำคัญจากการอธิบายคือ ประการแรก การพัฒนาที่กว้างขึ้นของส่วนที่เชื่อมโยง และประการที่สอง การถือส่วนด้านข้างในคีย์หลัก ซึ่งทำให้มีน้ำเสียงเศร้าสร้อยมากขึ้น

ส่วนที่สอง– Andante, E-flat major. แบบฟอร์มเป็นโซนาต้า ตัวละครเบา สงบ ส่วนหลักและด้านข้างมีความเปรียบต่างเล็กน้อย ที่ ปาร์ตี้หลัก- การเล่นซ้ำของเสียงและการเก็บรักษาที่เพิ่มขึ้นตามแบบฉบับของ Mozart ด้านข้าง- ลวดลายไตรมาสจากมากไปน้อย

ส่วนที่สาม Minuet ใน G minor แบบฟอร์ม - 3 ส่วนพร้อมทริโอ ส่วนสุดโต่งนั้นไม่ใช่การเต้นรำมากเท่ากับสภาพจิตใจภายในที่มีสัมผัสของละคร ในตอนท้ายของชุดรูปแบบแรก จะได้ยินจังหวะการเคลื่อนลงของสีซึ่งปรากฏที่ส่วนด้านข้างของการเคลื่อนไหวครั้งแรก ส่วนตรงกลางเป็นแบบดั้งเดิมมากขึ้นมีลักษณะการเต้น

ภาคที่สี่- ตอนจบ, จีไมเนอร์ แบบฟอร์มเป็นโซนาต้า ปาร์ตี้หลักประกอบด้วยองค์ประกอบที่ตัดกันสององค์ประกอบ: วงแรกใช้เปียโนเพียงสายเดียวและสร้างขึ้นตามเสียงของโทนิกทรีแอด ส่วนที่สองดำเนินการโดยออร์เคสตราทั้งหมดบนมือขวาและรวมถึงการร้องเพลง . ปาร์ตี้ข้างทางใกล้กับส่วนด้านข้างของการเคลื่อนไหวครั้งแรก มันยังดูสง่างามด้วยการเคลื่อนไหวแบบสี ซึ่งเขียนด้วยภาษาหลักคู่ขนาน และในการบรรเลง - ในคีย์หลัก ซึ่งทำให้มันมีความเศร้าโศกเหมือนกัน

CLAVIRUS ความคิดสร้างสรรค์ของโมซาร์ท

งานกลาเวียร์ของ Mozart มีหลากหลายประเภท: โซนาตา, ความหลากหลาย, จินตนาการ, rondos ฯลฯ ในงานเหล่านี้นักแต่งเพลงยังคงสานต่อประเพณีของ Johann Sebastian Bach ลูกชายของเขา Philipp Emmanuel และ Haydn บน ในทางกลับกัน เขาแสดงทัศนคติที่เป็นนวัตกรรมต่อพวกเขา

SONATA ในวิชาเอก

Sonata ใน A major ประกอบด้วย 3 ส่วน ภาวะเอกฐานอยู่ที่ความจริงที่ว่าไม่มีการเคลื่อนไหวเพียงครั้งเดียวที่เขียนในรูปแบบโซนาตา

ส่วนแรก- ธีมและรูปแบบต่างๆ ในวิชาเอก ชุดรูปแบบถูกนำเสนอในประเภทซิซิลี ตัวละคร - สดใส โคลงสั้น ๆ ไพเราะ เนื้อสัมผัสมีความโปร่งใส รูปแบบเป็นการแสดงซ้ำ 2 ส่วน รูปแบบต่างๆ เป็นแบบคลาสสิกเพราะ พวกเขายังคงคุณสมบัติหลักของชุดรูปแบบ: โหมด, โทนเสียง, จังหวะ, ขนาด, รูปแบบ, แผนฮาร์มอนิก ในเวลาเดียวกัน องค์ประกอบใหม่จะปรากฏขึ้นในแต่ละรูปแบบ: ในรูปแบบแรก - เบสที่ซิงโครไนซ์, ความล่าช้าของสี, ในส่วนที่สอง - แฝดสามมาพร้อมกันและเมลิสมาที่สง่างามในเสียงบน ในรูปแบบที่สาม - หลักจะถูกแทนที่ด้วยรอง เท่ากับสิบหกของ ระยะเวลาปรากฏขึ้นในมือที่สี่ - การไขว้กันในห้า - จังหวะจะช้าลง (Adagio แทนที่จะเป็น Andante) และระยะเวลาจะน้อยกว่า (สามสิบวินาที) ในรูปแบบที่หกล่าสุด tempo จะเร็วขึ้น (Allegro) การเปลี่ยนแปลงลายเซ็นเวลา (4/4 แทนที่จะเป็น 6/8)

ส่วนที่สอง- Minuet, A major, form - 3-part with trio ยังคงเป็นลักษณะการเต้นของการเคลื่อนไหวครั้งแรก

ส่วนที่สาม- Rondo ในสไตล์ตุรกีในผู้เยาว์ แบบฟอร์มนี้มี 3 ส่วนพร้อมบทละเว้นเพิ่มเติม ซึ่งกำหนดไว้ใน A major และเลียนแบบลักษณะบางอย่างของการเดินขบวนของ Janissaries เสียงส่วนกลางอยู่ในคีย์ของ F-sharp minor การเคลื่อนไหวสุดท้ายจบลงด้วย coda ใน A major

โซนาต้า ซี ไมเนอร์.

โซนาต้ามีความพิเศษตรงที่มันเริ่มต้นด้วยการแนะนำตัวขนาดใหญ่ - แฟนตาเซีย แฟนตาซีประกอบด้วย 6 ส่วน สร้างขึ้นบนหลักการสลับคอนทราสต์ ส่วนที่ไม่เสถียรสลับกับส่วนที่เสถียร, ส่วนช้ากับส่วนที่เร็ว, ส่วนหลักกับส่วนที่รอง

ส่วนที่ 1, C minor – ไม่เสถียร, ตึงเครียด, น่าทึ่งด้วยธีมที่ตัดกัน; ส่วนที่ 2, D เมเจอร์ - โคลงสั้น ๆ ; ส่วนที่ 3 - รวดเร็ว น่าทึ่ง พร้อมการเปลี่ยนแปลงของปุ่มและธีมที่ตัดกัน ส่วนที่ 4, B-flat major, คล้ายกับส่วนที่ 2; ส่วนที่ 5 ประกอบด้วยลำดับที่สี่ เร็ว ตึงเครียด ในส่วนที่ 6 จะมีการทำซ้ำเนื้อหาของส่วนที่ 1 ซึ่งให้ความสามัคคีและความสมบูรณ์ของส่วนทั้งหมด

ส่วนแรก, โซนาตา อัลเลโกร, ซี ไมเนอร์ . ปาร์ตี้หลัก- ดราม่า คอนทราส คอนทราสต์ตามธีมแรก Fantasia . ลิงค์ปาร์ตี้รวมธีมชั่วคราวใหม่ที่คาดว่าจะเป็นธีมด้านข้าง . ปาร์ตี้ข้างทางมีภาพใหม่ที่เบากว่าและไพเราะกว่าในส่วนหลัก คีย์คือ E-flat major . การพัฒนา- สั้น รวม 25 มาตรการ พัฒนาธีมหลักและระดับกลาง . บรรเลงมีการเปลี่ยนแปลงอย่างมีนัยสำคัญในนั้นธีมระดับกลางของนิทรรศการจะถูกแทนที่ด้วยธีมใหม่ธีมรองจะถูกนำเสนอในคีย์หลัก ภาคแรกจบ รหัสซึ่งสร้างขึ้นจากองค์ประกอบแรกของชุดงานหลัก

ส่วนที่สอง, Adagio, E-flat major, แบบฟอร์ม 3 ส่วน ตัวละครสงบ บรรยายดี ธีมถูกลงสีด้วยลวดลายที่สง่างาม

ส่วนที่สาม, Assai allegro, C minor, แบบฟอร์ม - rondo sonata ส่วนหลักและส่วนด้านข้างนั้นตัดกัน: ตัวละครที่กระสับกระส่ายและกระวนกระวายใจของส่วนหลักนั้นตรงกันข้ามกับส่วนด้านข้างที่สว่าง

ดับเบิลยู.เอ.โมซาร์ท REQUIEM.

"บังสุกุล" เป็นการสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโมสาร์ท ซึ่งประกอบกับ "ความหลงใหล" ของบาค เป็นหนึ่งในโศกนาฏกรรมที่น่าทึ่งในศิลปะดนตรีแห่งศตวรรษที่ 18

"บังสุกุล" เรียกว่า "เพลงหงส์" ของผู้แต่ง นี่เป็นงานสุดท้ายของเขาซึ่งเขาไม่มีเวลาทำให้เสร็จ Süssmeier เพื่อนและนักเรียนของ Mozart ทำงานนี้โดยอิงจากภาพสเก็ตช์และภาพสเก็ตช์ของนักแต่งเพลง ตลอดจนบนพื้นฐานของข้อเท็จจริงที่ Mozart เล่นเป็นเขาเอง "บังสุกุล" ถูกสร้างขึ้นพร้อมกับโอเปร่า "ขลุ่ยวิเศษ" เป็นการยากที่จะจินตนาการถึงงานที่แตกต่างกันอีกสองงาน "ขลุ่ยวิเศษ" เป็นเทพนิยายที่สดใสร่าเริง "บังสุกุล" เป็นงานศพที่น่าสลดใจ

Mozart หันมาใช้แนวเพลง cantatas และ oratorios มาก่อน เขาเขียนโมเท็ต แคนตาตา มวลชน แม้จะมีข้อความเกี่ยวกับจิตวิญญาณ แต่งานเหล่านี้อยู่ห่างไกลจากดนตรีของคริสตจักรและแตกต่างเพียงเล็กน้อยจากงานทางโลก ตัวอย่างคือตอนจบของ motet โซโล "Hallelujah" - อาเรียอัจฉริยะทั่วไปของประเภทโอเปร่า

ในงานที่อิงตามตำราทางจิตวิญญาณ Mozart เทศนาแนวคิดเรื่องการตรัสรู้ซึ่งเรียกร้องให้มีภราดรภาพและความรักที่เป็นสากล

ความคิดเดียวกันนี้สะท้อนให้เห็นใน "บังสุกุล" ที่นี่ผู้แต่งได้เปิดเผยโลกแห่งประสบการณ์ของมนุษย์ที่ร่ำรวยที่สุด รวบรวมความรักเพื่อชีวิตเพื่อผู้คน

ประเภทของมวลชนสันนิษฐานว่ามีโพลิโฟนีอยู่ Mozart ศึกษาศิลปะของ J.S. บาคใช้เทคนิคโพลีโฟนิกอย่างแพร่หลายในงานของเขา

นี่เป็นหลักฐานจากงานต่างๆ เช่น Piano Concertos ใน D Minor และ C Minor, Fantasy in C Minor และตอนจบที่ยิ่งใหญ่ของ Jupiter Symphony

บังสุกุลเป็นจุดสุดยอดของความเชี่ยวชาญด้านโพลีโฟนิกของโมสาร์ท งานนี้สะท้อนถึงเทคนิคการเขียนโพลีโฟนิกเกือบทั้งหมด: การเลียนแบบ ความแตกต่าง ความทรงจำสองครั้ง ฯลฯ

"บังสุกุล" ประกอบด้วยตัวเลข 12 ตัวซึ่งมีการเขียนตัวเลข 9 ตัวสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา 3 - สำหรับสี่ศิลปินเดี่ยว งานนี้รวมถึงลักษณะตัวเลขดั้งเดิมของมวลใด ๆ ("พระเจ้าทรงเมตตา", "ศักดิ์สิทธิ์", "ลูกแกะของพระเจ้า") เช่นเดียวกับส่วนบังคับที่เป็นของมวลศพเท่านั้น ("การพักผ่อนนิรันดร์", "วันแห่งพระพิโรธ" , “แตรวิเศษ” , “น้ำตา”).

1 ส่วนประกอบด้วย 2 ส่วน: ส่วนที่ 1 - ช้า - "Requiem aeternam" ("การพักผ่อนนิรันดร์") ส่วน 2 - เร็ว - ความทรงจำสองเท่า "Kyrie eleison" ("ลอร์ดมีความเมตตา");

ตอนที่ 2- "Dies irae" - "วันแห่งพระพิโรธ" นี่คือภาพของการพิพากษาครั้งสุดท้าย

ตอนที่ 3- “ทูบา มิรุม” - “ท่อวิเศษ”. มันเริ่มต้นด้วยการประโคมทรัมเป็ต จากนั้นศิลปินเดี่ยว (เบส, เทเนอร์, อัลโต, โซปราโน) เข้ามาและทั้งสี่ก็ส่งเสียงพร้อมกัน

ตอนที่ 4- "Rex trendaе" - "ท่านผู้แย่มาก";

ตอนที่ 5- "บันทึก" - "จำ";

ตอนที่ 6– “Confutati Maledictis” - “การปฏิเสธผู้ที่ถูกสาปแช่ง” นี่คือตัวอย่างของความกล้าหาญและนวัตกรรมที่เหลือเชื่อในด้านความสามัคคี

ตอนที่ 7- "Lacrymoza" - "Tearful" นี่คือสุดยอดบทกวีของงานทั้งหมด

ตอนที่ 8- "Domine Yesu" - "ลอร์ด";

ตอนที่ 9- "Hostias" - "เหยื่อ";

ตอนที่ 10- "ศักดิ์สิทธิ์" - "ศักดิ์สิทธิ์";

ตอนที่ 11- "เบเนดิกตัส" - "มีความสุข";

ตอนที่ 12- "Agnus Dei" - "ลูกแกะของพระเจ้า"

ลุดวิก แวน เบโธเฟน (1770 - 1827)

เพลงของการปฏิวัติฝรั่งเศสการปฏิวัติชนชั้นนายทุนฝรั่งเศสในปี ค.ศ. 1789 เป็นจุดเริ่มต้นของขั้นตอนที่สำคัญมากในการพัฒนาประวัติศาสตร์ เธอมีอิทธิพลอย่างมากต่อแง่มุมต่างๆ ของชีวิต รวมถึงดนตรี ในยุคของการปฏิวัติฝรั่งเศส ดนตรีกลายเป็นตัวละครที่เป็นประชาธิปไตยโดยมวล ในเวลานี้เองที่ Paris Conservatory ได้ก่อตั้งขึ้น มีการแสดงละครตามท้องถนนและสี่เหลี่ยมจัตุรัสมีวันหยุดจำนวนมาก

เวลาใหม่ต้องมีการอัปเดตรูปแบบ โปสเตอร์ศิลปะทั่วไปอย่างยิ่งมาถึงเบื้องหน้า ในงานดนตรีจังหวะของแคมเปญการเดินขบวนการคลอแบบเรียบง่ายครอบงำ

ถนนและสี่เหลี่ยมจตุรัสต้องการออเคสตราขนาดใหญ่ที่มีเสียงอันทรงพลัง ดังนั้นกลุ่มเครื่องทองเหลืองจึงขยายตัวอย่างมาก

แนวเพลงใหม่เกิดขึ้นโดยเฉพาะเพลงมวลชน ตัวอย่าง ได้แก่ Marseillaise โดย Rouget de Lisle, Carmagnola Cantatas, oratorios และ operas เต็มไปด้วยเนื้อหาใหม่ ประเภทใหม่ปรากฏขึ้นในสาขาโอเปร่า - โอเปร่า "การช่วยเหลือและความสยองขวัญ" ที่แสดงการต่อสู้เพื่อความรอดของฮีโร่ซึ่งจบลงด้วยชัยชนะของความดีเหนือความชั่วเสมอ ในเวลาเดียวกัน โครงเรื่องของโอเปร่าเหล่านี้รวมถึงฉากสยองขวัญ สถานการณ์ที่น่าทึ่ง งานแรกคือโอเปร่า "The Horrors of the Monastery" โดย Henri Burton โอเปร่า "ความรอดและความสยองขวัญ" นำเสนอสิ่งใหม่มากมายในประเภทโอเปร่า: 1) คนธรรมดากลายเป็นวีรบุรุษไม่ใช่บุคลิกพิเศษ 2) วง intational ที่ใกล้เคียงกับดนตรีในชีวิตประจำวันได้ขยายตัว; 3) บทบาทของซิมโฟนีและผ่านการพัฒนาเพิ่มขึ้น

ลักษณะงานของเบโธเฟนการปฏิวัติฝรั่งเศสแม้จะมีความสำคัญต่อวัฒนธรรมทั้งหมดโดยรวม แต่ก็ไม่ได้เสนอนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสที่โดดเด่นเพียงคนเดียวที่จะสะท้อนความคิดของตน นักแต่งเพลงคนนี้เป็นตัวแทนที่ยอดเยี่ยมของดนตรีเยอรมัน Ludwig van Beethoven ซึ่งศิลปะไปไกลเกินขีด จำกัด ของเวลาของเขา งานของนักรักโรแมนติก นักดนตรีชาวรัสเซีย และนักประพันธ์เพลงของศตวรรษที่ 20 ล้วนเกี่ยวข้องกับงานของเบโธเฟน

เบโธเฟนเป็นคนร่วมสมัยของขบวนการปฏิวัติที่ทรงพลังในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18 และ 19 และงานของเขาเกี่ยวข้องกับทั้งแนวคิดของการปฏิวัติฝรั่งเศสและกับขบวนการปฏิวัติในเยอรมนีและประเทศอื่นๆ ในยุโรป

ที่มาของผลงานของเบโธเฟน: 1) วัฒนธรรมฝรั่งเศส. เขาพบเธอที่เมืองบอนน์ ซึ่งอยู่ไม่ไกลจากฝรั่งเศส และที่ซึ่งเพลงของคีตกวีชาวฝรั่งเศส โดยเฉพาะ Gretry และ Monseigny มักจะฟัง นอกจากนี้ เบโธเฟนยังใกล้ชิดกับสโลแกนของการปฏิวัติฝรั่งเศสว่า "เสรีภาพ ความเสมอภาค และภราดรภาพ";

2) ปรัชญาเยอรมันเกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหว "พายุและความเครียด" และลัทธิของบุคลิกภาพที่แข็งแกร่ง

3) รวยที่สุด วัฒนธรรมดนตรีเยอรมัน, ผลงานของตัวแทนที่โดดเด่น - Bach, Handel, Gluck, Haydn, Mozart

เบโธเฟนเป็นตัวแทนคนสุดท้ายของลัทธิคลาสสิกแบบเวียนนา มีหลายอย่างที่เหมือนกันกับรุ่นก่อน แต่มีความแตกต่างจากรุ่นก่อนมาก ความแตกต่างที่สำคัญอยู่ที่การใช้วิชาพลเรือน . ธีมหลักของงานของเบโธเฟน - เรื่อง "ฮีโร่ และผู้คน ». ฮีโร่ชนะเสมอ แต่การต่อสู้ของเขานั้นยาก เขาต้องเอาชนะอุปสรรคมากมาย

ชุดรูปแบบใหม่ยังก่อให้เกิดความหมายใหม่ ๆ รวมถึงการตีความใหม่ของวงจรโซนาตา - ซิมโฟนี:

1) บทบาทนำให้กับภาพที่น่าสมเพช, วีรบุรุษ, ละคร;

2) ผลงานเต็มไปด้วยการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง การพัฒนามีชัยเหนือการเปิดเผย

3) ระหว่างธีมนั้นไม่ได้มีเพียงความแตกต่าง แต่เป็นความขัดแย้งโดยเฉพาะระหว่างธีมของฝ่ายหลักและฝ่ายรอง

4) ใช้หลักการของอนุพันธ์คอนทราสต์ กล่าวคือ คอนทราสต์เชื่อมโยงกับความสามัคคีโดยสิ่งที่ปรากฏอยู่ในความธรรมดาของเสียงสูงต่ำระหว่างส่วนหลักและส่วนรอง (ธีมเป็นอิสระ, น้ำเสียงธรรมดา)

5) ธีมที่กล้าหาญมักสร้างขึ้นจากเสียงของกลุ่มสามกลุ่มและรวมถึงจังหวะการเดินขบวน

อีกประเด็นสำคัญในงานของเบโธเฟนคือ เนื้อเพลง . นักแต่งเพลงถ่ายทอดความรู้สึกและอารมณ์อันละเอียดอ่อนทั้งหมดของมนุษย์ แต่ความตรงไปตรงมาของถ้อยคำที่เป็นโคลงสั้น ๆ มักถูกควบคุมโดยเจตจำนงแห่งเหตุผล ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ R. Rolland เรียกเบโธเฟนว่า "ลำธารที่ลุกเป็นไฟในช่องหินแกรนิต" คุณภาพของเนื้อร้องของผู้แต่งนี้แสดงให้เห็นในความรุนแรงของรูปแบบ ในความรอบคอบ และความสมบูรณ์ของส่วนต่างๆ

ธีมหลักที่สามของดนตรีของเบโธเฟนคือ ธีมธรรมชาติ ผลงานมากมายของเขาได้รับการอุทิศรวมถึงซิมโฟนีที่ 6 "อภิบาล", โซนาตาที่ 15 "อภิบาล", โซนาตาที่ 21 "ออโรร่า", ส่วนช้าของโซนาตา, ซิมโฟนี, คอนแชร์โต ฯลฯ

เบโธเฟนทำงานในเกือบทุกแนวดนตรี เขาเขียนซิมโฟนี 9 ตัว, โซนาต้าเปียโน 32 ตัว, โซนาตาไวโอลิน 10 ตัว, คอนแชร์โตเปียโน 5 ตัว, บทกลอน รวมถึง Egmont, Coriolanus, Leonora No. 3, โอเปร่า Fidelio, วงเสียง To a Distant Beloved, มวลชนและอื่น ๆ แต่แนวเพลงหลักของ งานของเขาไพเราะและไพเราะ

เบโธเฟนสรุปยุคที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรี - ความคลาสสิค และในขณะเดียวกันก็เปิดทางสู่ยุคใหม่ - ความโรแมนติก นี่คือหลักฐานโดยคุณลักษณะต่อไปนี้ของงานของเขา: 1) ความกล้าหาญของภาษาฮาร์มอนิก, การใช้หลัก-รอง, ความสัมพันธ์ของวรรณยุกต์ที่ห่างไกล, การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญของคีย์; 2) รูปแบบอิสระ, การเบี่ยงเบนจากศีลคลาสสิก, โดยเฉพาะอย่างยิ่งในโซนาตาในภายหลัง; 3) การสังเคราะห์ศิลปะดนตรีและวรรณคดีเป็นหลัก (ตอนจบของซิมโฟนีที่ 9); 4) การดึงดูดแนวโรแมนติกเช่นวงจรเสียง (“ To a Distant Beloved”) เป็นต้น

งานเปียโนของเบโธเฟน. “ ดนตรีควรจุดไฟจากใจมนุษย์” - คำพูดของเบโธเฟนเหล่านี้ให้แนวคิดเกี่ยวกับความยิ่งใหญ่ของงานที่เขาตั้งไว้สำหรับตัวเขาเองและสำหรับงานศิลปะโดยทั่วไป ความคิดเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ ชะตากรรมของชนชาติ ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากจิตวิญญาณแห่งการปฏิวัติ เป็นพื้นฐานของงานทั้งหมดของเบโธเฟน รวมถึงเปียโนโซนาตาของเขาด้วย อ้างอิงจากส B. Asafiev "โซนาต้าของเบโธเฟนคือทั้งชีวิตของบุคคล"

เบโธเฟนทำงานเกี่ยวกับเปียโนโซนาตาตลอดชีวิตของเขา ด้วยความเป็นอัจฉริยะที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เขาได้แสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้อันไม่สิ้นสุดของเครื่องดนตรีที่ยังไม่สมบูรณ์แบบในขณะนั้น หากซิมโฟนีเป็นแนวคิดที่ยิ่งใหญ่สำหรับเบโธเฟนแล้วในโซนาตาเขาถ่ายทอดชีวิตภายในของบุคคลโลกแห่งประสบการณ์และความรู้สึกของเขา Beethoven เขียนเปียโนโซนาตา 32 ตัว และใน F minor sonata ตัวแรกแล้ว พบว่ามีคุณลักษณะเฉพาะตัวที่สดใสซึ่งแตกต่างจาก Haydn และ Mozart เบโธเฟนทำลายรูปแบบดั้งเดิมอย่างกล้าหาญและแก้ปัญหาของประเภทโซนาตาด้วยวิธีใหม่ เช่นเดียวกับที่บาคทำลายรากฐานของโพลิโฟนีที่เข้มงวดและสร้างสไตล์โพลีโฟนิกอิสระ

โซนาต้าของเบโธเฟนแสดงให้เห็นถึงวิวัฒนาการของแนวเพลงประเภทนี้ในผลงานของผู้แต่ง ในโซนาตาตอนต้นวัฏจักรผันผวนจาก 3 ถึง 4 ส่วนในช่วงกลางมี 3 ส่วนมีแนวโน้มที่จะบีบอัดวงจรโซนาตา 2 ส่วนปรากฏขึ้น (19, 20) ในโซนาตารุ่นหลัง แต่ละองค์ประกอบมีความเฉพาะตัว

บีโธเฟน เปียโน โซนาตาส.

SONATA No. 8 "น่าสงสาร».

ส่วนแรกเริ่มช้า รายการ (บทนำ หลุมฝังศพ ) ซึ่งมีภาพหลักของงาน - ดราม่า, ตึงเครียด นี่คือศูนย์กลางทางความหมายของเนื้อหาของโซนาตา ซึ่งเป็นเครื่องยืนยันถึงนวัตกรรมของเบโธเฟนและสรุปเส้นทางสู่การสร้างสรรค์บทเพลงไพเราะ น้ำเสียงเริ่มต้นเป็นการเคลื่อนไหวขึ้นทีละน้อยโดยสิ้นสุดในวินาทีที่ลดลง ลักษณะอันน่าทึ่งของธีมนั้นสัมพันธ์กับความกลมกลืนของคอร์ดที่เจ็ดที่ลดขนาดลง จังหวะแบบจุด และโทนเสียงที่คมชัด ในบทนำมีความเปรียบต่างและความขัดแย้งของภาพสองภาพ - ละครและโคลงสั้น ๆ การปะทะกันและการสลับกันของหลักการที่ขัดแย้งกันคือแก่นแท้ของบทนำ ในการพัฒนาต่อไป น้ำเสียงเริ่มต้นจะเปลี่ยนเป็นโหมดหลัก (E-flat major) และเสียง เปียโน,และคอร์ดที่น่าเกรงขามตามมา - มือขวาดังนั้นไม่เพียง แต่เป็นรูปเป็นร่างเท่านั้น แต่ยังสร้างคอนทราสต์แบบไดนามิกอีกด้วย

ปาร์ตี้หลัก ในคีย์หลัก (C minor) ผิดปกติสำหรับมันคือว่ามันถูกสร้างขึ้นบนจุดอวัยวะโทนิคและมีส่วนเบี่ยงเบนใน S ซึ่งเป็นเรื่องปกติมากขึ้นสำหรับส่วนสุดท้าย . ปาร์ตี้ข้างทาง ประกอบด้วยสองหัวข้อ ชุดรูปแบบแรก - ใจร้อน ตื่นเต้น - ไม่มีเสียงในคีย์ดั้งเดิม (E-flat major) แต่ใน E-flat minor มีจุดออร์แกน D ในตัวเบส ซึ่งไม่ธรรมดาสำหรับส่วนการแสดงความเห็น จุดอวัยวะ D เป็นลักษณะของการพัฒนาโครงสร้าง ชุดรูปแบบที่สองของส่วนด้านข้างคืนค่าคีย์ที่คุ้นเคยมากขึ้นของ Parallel major และอ่านใน E-flat major เธอสงบมากขึ้นเพราะ รวมถึงระยะเวลาที่ยาวนานและมีความกระจ่างมากขึ้น การพัฒนาเริ่มต้นด้วยธีมอินโทรซึ่งมีการย่ออย่างมาก และพัฒนาเป็นธีมหลักของปาร์ตี้เป็นหลัก การบรรเลงซ้ำวัสดุของนิทรรศการ แต่ในอัตราส่วนวรรณยุกต์ที่แตกต่างกัน: ธีมแรกของส่วนด้านข้างเกิดขึ้นในคีย์ของ F minor แทนที่จะเป็น C minor คีย์หลักกลับมาในธีมที่สองของส่วนด้านข้าง ส่วนแรกจบลงด้วย coda ซึ่งธีมของการแนะนำจะดังขึ้นอีกครั้ง

ส่วนที่สองเป็นศูนย์รวมเพลงของโซนาต้า มันถูกนำเสนอในคีย์ของ A-flat major และมีโครงสร้างไตรภาคี นี่คือตัวอย่างเนื้อเพลงของบีโธเฟนทั่วไป: ธีมมีความไพเราะ แต่มีลักษณะที่เข้มงวดและจำกัด ตรงกลางเพลงจะมีเสียงที่ตึงเครียดมากกว่าเพราะ เริ่มต้นที่ A-flat minor, ไม่เสถียร, รวมถึงแฝดสาม การบรรเลงเป็นไดนามิก ซึ่งธีมดั้งเดิมเกิดขึ้นกับพื้นหลังของขบวนการแฝดสามที่ยืมมาจากการเคลื่อนไหวระดับกลาง

ส่วนที่สามเขียนในคีย์หลัก แบบฟอร์มคือ rondo-sonata ความแตกต่างหลักจากรูปแบบโซนาตาคือในตอนท้ายของการแสดง หลังจากส่วนสุดท้าย ธีมของส่วนหลักจะถูกเล่นอีกครั้ง ส่วนหลักจะดังขึ้นอีกครั้งในตอนท้ายของการบรรเลง แทนที่จะพัฒนา - ตอนใน A-flat major ธีมของส่วนหลักมีความเกี่ยวข้องในระดับประเทศกับธีมแรกของส่วนด้านข้างตั้งแต่การเคลื่อนไหวครั้งแรก ส่วนด้านข้างจะอ่านในวิชาเอกคู่ขนาน

SONATA หมายเลข 14 "MOON"

โซนาตานี้แต่งขึ้นในปี พ.ศ. 2344 และตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2345 อุทิศให้กับ Countess Juliette Guicciardi ชื่อ "จันทรคติ" มอบให้กับโซนาตาโดยร่วมสมัยของ Beethoven กวี Ludwig Relshtab ซึ่งเปรียบเทียบเพลงของโซนาตาส่วนแรกกับภูมิทัศน์ของทะเลสาบ Firwaldstet ในคืนเดือนหงาย

เบโธเฟนเขียนโซนาต้านี้ในช่วงเวลาที่ยากลำบากในชีวิตของเขา ในอีกด้านหนึ่ง ชื่อเสียงได้มาถึงเขาแล้วในฐานะนักแต่งเพลงและผู้มีพรสวรรค์ เขาได้รับเชิญให้ไปที่บ้านของขุนนางผู้มีชื่อเสียงมากที่สุด เขามีผู้มีอุปการคุณมากมาย ในทางกลับกัน เขารู้สึกหวาดกลัวกับอาการหูหนวกซึ่งพัฒนามากขึ้นเรื่อยๆ โศกนาฏกรรมของนักดนตรีที่สูญเสียการได้ยินได้รับความทุกข์ทรมานจากโศกนาฏกรรมของชายผู้ประสบกับความรักที่ไม่สมหวัง ความรู้สึกที่มีต่อจูเลียต กุยเซียร์ดี ดูเหมือนจะเป็นความรักที่ลึกซึ้งครั้งแรกของเบโธเฟน และความผิดหวังครั้งแรกอย่างลึกซึ้งเท่าเทียมกัน ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2345 นักแต่งเพลงได้เขียน "Heiligenstadt Testament" ที่มีชื่อเสียงซึ่งเป็นเอกสารที่น่าเศร้าในชีวิตของเขาซึ่งความคิดที่สิ้นหวังเกี่ยวกับการสูญเสียการได้ยินจะรวมกับความขมขื่นของความรักที่หลอกลวง

"Moonlight Sonata" - หนึ่งในผลงานประพันธ์ชุดแรกของ Beethoven หลังจากที่เขาประสบกับวิกฤตทางจิตวิญญาณและความคิดสร้างสรรค์

โซนาต้าเขียนด้วยคีย์ของ C-sharp minor และประกอบด้วย 3 ส่วน

ส่วนแรกผิดปกติ. แทนที่จะใช้ sonata allegro ที่เป็นที่ยอมรับกันทั่วไป Adagio ให้เสียงที่นี่ นักแต่งเพลงเองกำหนดให้เป็นแฟนตาซี และแน่นอน ส่วนแรกถูกนำเสนอในลักษณะโหมโรง - ด้นสด ลักษณะของแฟนตาซี ส่วนแรกเริ่มต้นด้วยการแนะนำสั้น ๆ ซึ่งเสียงคอร์ดสามเสียงแยกจากพื้นหลังของเบสที่ต่อเนื่อง จากนั้นท่วงทำนองหลักของตัวละครที่มีความเข้มข้นอย่างรุนแรงก็ปรากฏขึ้น มันโดดเด่นด้วยการทำซ้ำของเสียง, จังหวะประ, ไดนามิกที่เงียบ แบบฟอร์มเข้าใกล้ไตรภาคี ในส่วนตรงกลาง ธีมจะตึงเครียดและน่าทึ่งมากขึ้น มีการแนะนำความสามัคคีที่ลดลง เปลี่ยนเป็นปุ่มอื่นๆ การบรรเลงซ้ำถูกบีบอัดและสร้างขึ้นจากการค่อยๆ จางหายไปของธีม

ส่วนที่สอง -อัลเลเกรตโต ดีแฟลตเมเจอร์ เธอถือเป็นภาพเหมือนของ Juliet Guicciardi ส่วนที่สองมีบุคลิกที่ขี้เล่นและสง่างามพร้อมองค์ประกอบการเต้น R. Rolland เรียกเธอว่า "ดอกไม้ระหว่างสองเหว" เพราะ มันตัดกันอย่างแหลมคมกับส่วนสุดโต่ง รูปแบบของส่วนที่สองนั้นซับซ้อนสามส่วนที่มีสามส่วน ธีมหลักถูกนำเสนอในโกดังประสานเสียงในจังหวะ 3 จังหวะ

ส่วนที่สาม– Presto agitato, C-sharp minor. นี่คือจุดศูนย์ถ่วงของโซนาตาทั้งหมด การเคลื่อนไหวที่สามเขียนขึ้นในรูปแบบโซนาตาที่พัฒนาแล้ว ส่วนสุดท้ายนั้นโดดเด่นด้วยพลังงานที่ต้านทานไม่ได้ ความตึงเครียด ละคร R. Rolland ให้คำจำกัดความว่าเป็นกระแสลูกเห็บ "ซึ่งแส้และเขย่าวิญญาณ" อุปมาอุปไมยที่เท่าเทียมกันคือลักษณะนิสัยของเขาในปาร์ตี้หลัก ซึ่งเขาเปรียบเทียบกับคลื่นที่ซัดเข้าหาแผ่นหินแกรนิต และอันที่จริง ส่วนหลักถูกสร้างขึ้นจากการเคลื่อนไหวจากน้อยไปมากตามเสียงของสามกลุ่มที่สลาย ตามด้วยโทนิกที่ห้า ซึ่งจบลงด้วยการตีคอร์ด ประโยคที่สองของเกมหลักพัฒนาเป็นเกมเชื่อมโยงซึ่งเข้าสู่เกมรองโดยตรง ส่วนด้านข้างมีแนวไพเราะที่เด่นชัดและดื้อรั้นใจร้อน ส่วนด้านข้างไม่ได้เขียนในภาษาเอกคู่ขนานแบบดั้งเดิม แต่ในคีย์ของผู้มีอำนาจรองลงมาคือ G-sharp ไมเนอร์. ส่วนสุดท้ายได้รับการพัฒนาค่อนข้างมากซึ่งระบุไว้ในคอร์ด การพัฒนาคือการพัฒนาอย่างเข้มข้นของธีมของส่วนหลักและส่วนด้านข้าง ในการบรรเลง ทุกธีมจะได้ยินในคีย์หลัก สุดท้ายมีความโดดเด่นด้วยรหัสที่พัฒนาแล้วซึ่งก็คือการพัฒนาที่สอง เทคนิคนี้เป็นเรื่องปกติสำหรับซิมโฟนีของเบโธเฟนและเป็นพยานถึงการแทรกซึมของหลักการไพเราะในประเภทโซนาตา

SONATA No. 23 "อัปปาซิโอนาทา».

Sonata "Appassionata" อุทิศให้กับผู้ชื่นชอบ Beethoven, Count Franz Brunswick เบโธเฟนเริ่มแต่งมันในปี 1804 และอาจจะเสร็จสิ้นในปี 1806 ได้รับการตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2350

ชื่อ "appasionata" ไม่ได้เป็นของนักแต่งเพลง แต่เป็นของ Kranz ผู้จัดพิมพ์ในฮัมบูร์ก อย่างไรก็ตาม ชื่อนี้สะท้อนถึงแก่นแท้ของงานได้เป็นอย่างดี ดังนั้นจึงยึดติดอยู่กับมันอย่างแน่นหนา เบโธเฟนเริ่มสร้างโซนาตาในปีที่ยากลำบากสำหรับตัวเขาเอง เขาสัมผัสได้ถึงความรู้สึกเช่นเดียวกับตอนที่สร้าง Moonlight Sonata ก้าวหน้าและทนไม่ได้สำหรับนักดนตรีที่หูหนวก ความรักและมิตรภาพอันแสนเจ็บปวด ความเหงาทางวิญญาณอย่างต่อเนื่อง ทั้งหมดนี้สร้างข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับงานที่น่าเศร้าและมืดมน แต่วิญญาณอันทรงพลังของเบโธเฟนช่วยให้เขาหลุดพ้นจากการทดลองเหล่านี้ ดังนั้นโซนาตาจึงไม่เพียง แต่น่าทึ่งเท่านั้น แต่ยังเต็มไปด้วยเจตจำนงและพลังอันยิ่งใหญ่

โซนาต้าเขียนด้วยคีย์ของ F minor และประกอบด้วย 3 การเคลื่อนไหว ส่วนแรก - อัลเลโกร assai แบบฟอร์มโซนาต้า ที่นี่เป็นครั้งแรกที่นักแต่งเพลงปฏิเสธการแสดงซ้ำ ๆ ดังนั้นการเคลื่อนไหวครั้งแรกทั้งหมดจึงดังขึ้นในลมหายใจเดียว ปาร์ตี้หลักประกอบด้วย 3 องค์ประกอบที่ตัดกัน องค์ประกอบแรกแสดงถึงการเคลื่อนไหวที่พร้อมเพรียงกันตามเสียงของโทนิกทรีแอด ครั้งแรกในการเคลื่อนไหวลง จากนั้นจึงขึ้นข้างบน มือขวาและมือซ้ายแสดงองค์ประกอบเริ่มต้นที่ระยะห่างสองอ็อกเทฟ องค์ประกอบที่สองคือการรัว ที่สามเป็นบรรทัดฐานสี่โน้ตซึ่งชวนให้นึกถึงธีมของชะตากรรมจากซิมโฟนีที่ 5 ฝ่ายหลักไม่เพียงแต่อธิบายเนื้อหาเท่านั้น แต่ยังพัฒนาเนื้อหาในทันทีอีกด้วย ปาร์ตี้ข้างทางนำเสนอในคีย์ A-flat major ซึ่งเชื่อมโยงกับองค์ประกอบแรกของส่วนหลักในระดับประเทศ แต่มีภาพลักษณ์ที่เป็นอิสระ - เข้มงวดและกล้าหาญอย่างสง่างาม นี่คือหลักการของคอนทราสต์อนุพันธ์ การพัฒนาพัฒนาชุดรูปแบบในลำดับเดียวกันกับในนิทรรศการ แต่มีความแตกต่างในด้านความไม่แน่นอนของโทนสี พื้นผิวที่แตกต่างกัน ดังนั้นจึงรับรู้ได้อย่างมาก ก่อนการบรรเลงจะได้ยินเสียงอันทรงพลังของ "แม่ลายแห่งโชคชะตา" แรงจูงใจเดียวกันนี้แผ่ซ่านไปทั่ว บรรเลง- ปาร์ตี้หลักถูกสร้างขึ้น ส่วนด้านข้างในการบรรเลงอยู่ใน F major ผลลัพธ์ของการพัฒนาส่วนแรกทั้งหมดคือ รหัส. การเคลื่อนไหวครั้งแรกมีความโดดเด่นในด้านขนาดและความเข้มข้นของการพัฒนาที่ยอดเยี่ยม ซึ่งทำให้ Appassionata แตกต่างจาก Sonatas อื่นๆ โดยนักแต่งเพลง

ส่วนที่สอง – Andante con moto, ดีแฟลตเมเจอร์. มันตัดกันในลักษณะตัวละครกับการเคลื่อนไหวครั้งแรก ฟังดูสงบ ครุ่นคิด และเคร่งครัดในแนวเพลงของเบโธเฟน แบบฟอร์มจะแปรผัน ชุดรูปแบบถูกนำเสนอเป็นตัวพิมพ์เล็กในเนื้อร้องประสานเสียง รูปแบบต่างๆ สร้างขึ้นจากการเร่งจังหวะทีละน้อย กล่าวคือ แต่ละรูปแบบในระยะเวลาจะสั้นลง: แปด, สิบหก, สามสิบวินาที ในตอนท้ายของส่วนที่สอง คอร์ดที่เจ็ดที่ลดขนาดลงจะฟังดูอย่างลับๆ และระมัดระวัง จากนั้นส่วนที่สามจะเริ่มโดยไม่หยุดพัก

ส่วนที่สาม– Allegro ma non troppo ใน F minor ตอนจบมีความเหมือนกันมากกับส่วนแรก ทั้งในแง่ของลักษณะนิสัยและเทคนิคการพัฒนา ผู้ร่วมสมัยของเบโธเฟนเห็นว่าโซนาตานี้มีความคล้ายคลึงกับ "The Tempest" ของเช็คสเปียร์ จึงเรียกมันว่า "ของเชคสเปียร์" มันเป็นส่วนที่สามที่ให้เหตุผลมากที่สุดสำหรับเรื่องนี้ ตอนจบยังสว่างกว่าภาคแรก คล้ายลมบ้าหมู แบบฟอร์มเป็นโซนาต้า แต่ดูเหมือนว่าทุกส่วนจะรวมเป็นหนึ่งเดียว จังหวะเร่งขึ้นใน coda ของตอนจบ โทนเสียงของ A-flat major ปรากฏขึ้น ซึ่งทำให้มีเหตุผลที่จะต้องพิจารณาว่าการสิ้นสุดนี้ไม่เพียงแค่การเคลื่อนไหวในขั้นสุดท้ายเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโซนาตาทั้งหมดด้วย นี่เป็นผลมาจากละครของมนุษย์ที่เต็มไปด้วยความขัดแย้งภายในและจบลงด้วยความตายของฮีโร่ แต่ถึงแม้จะจบลงอย่างน่าเศร้า ก็ไม่มีการมองโลกในแง่ร้ายในโซนาต้าเพราะ ฮีโร่ในตอนท้ายของการเดินทางพบความหมายของชีวิตดังนั้น "Appassionata" จึงถือเป็น "โศกนาฏกรรมในแง่ดี"

ซิมโฟนีหมายเลข 5

ความคิดสร้างสรรค์ไพเราะ. การแสดงซิมโฟนีของเบโธเฟนเติบโตบนดินที่เฮย์เดนและโมสาร์ทจัดเตรียมไว้ ซึ่งการทำงานของหลักการของโครงสร้างและการพัฒนาของวงจรโซนาตา-ซิมโฟนีและรูปแบบโซนาตาก็ก่อตัวขึ้นในที่สุด แต่การแสดงซิมโฟนีของเบโธเฟนแสดงถึงเวทีซิมโฟนีที่สูงกว่าระดับใหม่ นี่คือหลักฐานจากขนาดของซิมโฟนีซึ่งเกินขนาดของซิมโฟนีของรุ่นก่อนอย่างมีนัยสำคัญและเนื้อหาภายในตามกฎแล้วความกล้าหาญและน่าทึ่งและความดังของวงดนตรีเนื่องจากการเพิ่มขึ้นขององค์ประกอบของวงออเคสตราและ, เหนือสิ่งอื่นใดคือกลุ่มทองเหลือง การพัฒนาซิมโฟนิซึมของเบโธเฟนได้รับอิทธิพลจากดนตรีของการปฏิวัติฝรั่งเศสด้วยภาพพจน์ที่กล้าหาญ จังหวะของการเดินขบวน การเปล่งเสียงประโคม และเสียงออร์เคสตราอันทรงพลัง นอกจากนี้ ความแตกต่างภายในของซิมโฟนียังเชื่อมโยงกับหลักการของการแสดงละครโอเปร่า

เบโธเฟนเขียนซิมโฟนีเก้าเพลง เมื่อเทียบกับ Haydn และ Mozart สิ่งนี้ไม่มากนัก แต่มีเหตุผลสำหรับเรื่องนี้ ประการแรกเบโธเฟนเริ่มเขียนซิมโฟนีเมื่ออายุสามสิบเท่านั้นก่อนหน้านั้นเขาไม่กล้าหันไปหาแนวนี้โดยตระหนักถึงความรับผิดชอบในการเขียนซิมโฟนีอย่างเต็มที่ ประการที่สอง ด้วยเหตุผลเดียวกัน เขาเขียนซิมโฟนีมาเป็นเวลานาน: เขาสร้างซิมโฟนีที่ 3 เป็นเวลาหนึ่งปีครึ่ง ซิมโฟนีที่ 5 เป็นเวลาสี่ปี และซิมโฟนีที่ 9 เป็นเวลาสิบปี ซิมโฟนีทั้งหมดแสดงถึงวิวัฒนาการที่สอดคล้องกันของประเภทนี้ในผลงานของผู้แต่ง หากซิมโฟนีวงแรกระบุเพียงคุณสมบัติของซิมโฟนีของเบโธเฟน ซิมโฟนีที่เก้าคือจุดสูงสุดของการพัฒนาแนวเพลงประเภทนี้ ในตอนจบของซิมโฟนีนี้ เบโธเฟนได้รวมข้อความบทกวี - "Ode to Joy" ของชิลเลอร์ ซึ่งคาดการณ์ถึงยุคโรแมนติกด้วยการสังเคราะห์ศิลปะ

ซิมโฟนีหมายเลข 5- หนึ่งในจุดสูงสุดของการประสานเสียงของเบโธเฟน แนวคิดหลักคือแนวคิดของการต่อสู้ที่กล้าหาญ เต็มไปด้วยความตึงเครียดและความวิตกกังวลอย่างมาก แต่จบลงด้วยชัยชนะที่น่าเชื่อ ดังนั้นการแสดงละครของซิมโฟนีจึงถูกสร้างขึ้น "จากความมืดสู่ความสว่างผ่านการต่อสู้และความทุกข์ทรมาน"

Fifth Symphony เขียนด้วยคีย์ C minor และประกอบด้วย 4 ส่วน สี่บาร์เล่นบทบาทอย่างมากในซิมโฟนี การแนะนำ ซึ่งเสียง "บรรทัดฐานแห่งโชคชะตา" ดังขึ้น ตามที่นักแต่งเพลงเอง "นี่คือสิ่งที่โชคชะตาเคาะประตู" บทนำนี้มีบทบาทในซิมโฟนีเช่นเดียวกับบทประพันธ์ในโอเปร่า แรงจูงใจของโชคชะตาแทรกซึมทุกส่วนของงานนี้

ส่วนแรก– อัลเลโกร คอน บริโอ ในซี ไมเนอร์ แบบฟอร์มเป็นโซนาต้า ปาร์ตี้หลัก- ดราม่า, ดื้อรั้น, พัฒนาธีมของบทนำ ลิงค์ปาร์ตี้แสดงถึงเวทีใหม่ในการพัฒนาของฝ่ายหลัก จบลงด้วยการประโคมที่คาดการณ์เกมข้างเคียง ปาร์ตี้ข้างทาง(E-flat major) - โคลงสั้น ๆ นุ่ม ๆ ตัดกับส่วนหลัก ค่อยๆ กลายเป็นดราม่า เกมสุดท้ายสร้างขึ้นจากวัสดุของส่วนหลัก แต่ฟังดูกล้าหาญและกล้าหาญกว่า การพัฒนา- การพัฒนาอย่างต่อเนื่องของเสียงสูงต่ำของพรรคหลัก จุดสูงสุดของการพัฒนาเริ่มต้นขึ้น บรรเลง. สิ่งใหม่ในการบรรเลงซ้ำเมื่อเทียบกับนิทรรศการคือ ประการแรก โซโลโอโบภายในส่วนหลัก และประการที่สอง การถือส่วนด้านข้างในซีเมเจอร์และการประสานเสียงใหม่ โคดายอมรับธีมของพรรคหลัก ยังไม่สรุป ความเหนือกว่าอยู่ฝ่ายชั่วร้าย กองกำลังที่เป็นศัตรู

ส่วนที่สอง– Andante con moto, A-flat major. รูปแบบนี้มีรูปแบบที่แตกต่างกันสองแบบ เช่นในการเคลื่อนไหวครั้งที่สองของซิมโฟนีของไฮเดนในอีแฟลตเมเจอร์ (ซิมโฟนีหมายเลข 103 พร้อมเสียงกลองทิมปานี) ธีมแรกเรียบเหมือนเพลงลูกคลื่น ธีมที่สองในการแสดงครั้งแรกนั้นใกล้เคียงกับตัวละครตัวแรก ในการแสดงครั้งที่สองจะได้เสียงประโคม ตัวละครที่กล้าหาญเนื่องจากเสียงที่ดัง (ff) เสียงของกลุ่มทองแดง หัวข้อจะเปลี่ยนไปตามลำดับ

ส่วนที่สาม– อัลเลโกรในภาษาซีไมเนอร์ นี่คือ scherzo ที่เขียนในรูปแบบ 3 ส่วนที่ซับซ้อนพร้อมทั้งสามคน ธรรมชาติของดนตรีในส่วนที่รุนแรงไม่เหมาะกับคำจำกัดความของ scherzo ว่าเป็นเรื่องตลก Scherzo นี้ฟังดูน่าทึ่ง ในส่วนแรกจะเปรียบเทียบสองรูปแบบ ชุดรูปแบบแรกประกอบด้วยสององค์ประกอบ: องค์ประกอบแรกแสดงถึงการเคลื่อนไหวที่เพิ่มขึ้นพร้อมเพรียงกันตามเสียงของโทนิกทรีแอด องค์ประกอบที่สองเป็นแบบคอร์ดที่นุ่มนวลกว่า หัวข้อที่สองคือการเซาะร่อง ครอบงำ ตาม "บรรทัดฐานแห่งโชคชะตา" Trio - C major - สอดคล้องกับลักษณะดั้งเดิมของ scherzo มากที่สุด ธีมนี้หนักแน่น หยาบคาย เต้นรำด้วยอารมณ์ขันพื้นบ้านที่ดีต่อสุขภาพ มันถูกนำเสนอในเสียงพร้อมเพรียงกันของเชลโลและดับเบิลเบส การบรรเลงเป็นไดนามิก มันอ่อนลงภายใต้อิทธิพลของทั้งสามคน การประสานกันมีความโปร่งใสมากขึ้น

ภาคที่สี่, สุดท้าย - Allegro, C major ลักษณะของรอบชิงชนะเลิศนั้นสนุกสนานรื่นเริง รูปแบบโซนาต้าซึ่งส่วนหลักและส่วนด้านข้างไม่ขัดแย้งกัน แต่เสริมซึ่งกันและกัน coda ของตอนจบคือผลลัพธ์ของซิมโฟนีทั้งหมด ในที่สุดกองกำลังชั่วร้ายก็พ่ายแพ้ และมนุษยชาติที่ได้รับอิสรภาพก็เปรมปรีดิ์ในชัยชนะที่รอคอยมายาวนาน