W XVI wieku Zaczęły się rozwijać różne gatunki muzyki instrumentalnej. Muzyczny akompaniament śpiewu czy tańca staje się coraz bardziej złożony i nabiera własnej melodii w przeciwieństwie do prostych akordów, które dotychczas jedynie spychały na bok akcję główną. Zaczęto dobierać instrumenty w zespole zgodnie z zasadą podziału części pomiędzy różne tempa głosów ludzkich (wysokość lub sopran, alt, tenor, bas). To wyjaśnia pojawienie się pod koniec XV wieku. całe rodziny muzyków, które potrafiły prowadzić całe „dialogi” pomiędzy głosami i instrumentami. Tym samym kwartet fletów, altówek czy piszczałek mógłby kontynuować partyturę wokalną, rozwijając i uzupełniając pierwotną melodię głosu.
Renesansowe instrumenty muzyczne
W okresie renesansu skład instrumentów muzycznych znacznie się poszerzył, a do istniejących strun i instrumentów dętych dodano nowe odmiany. Wśród nich szczególne miejsce zajmują altówki – rodzina smyczków, które zachwycają pięknem i szlachetnością brzmienia. Kształtem przypominają instrumenty współczesnej rodziny skrzypiec (skrzypce, altówkę, wiolonczelę), a nawet uważane są za ich bezpośrednich poprzedników (współistniały w praktyce muzycznej do połowy XVIII wieku). Jednak nadal istnieje różnica i to znacząca. Skrzypce posiadają system rezonujących strun; z reguły jest ich tyle samo, co głównych (sześć do siedmiu). Wibracje rezonujących strun sprawiają, że dźwięk altówki jest miękki i aksamitny, ale instrument ten jest trudny do wykorzystania w orkiestrze, ponieważ ze względu na dużą liczbę strun szybko się rozstroja. Przez długi czas brzmienie skrzypiec uważane było za wzór wyrafinowania w muzyce. Rodzina altówek dzieli się na trzy główne typy. Viola da gamba to duży instrument, który wykonawca ustawia pionowo i dociska stopami z boków (włoskie słowo gamba oznacza „kolano”). Dwie inne odmiany – viola da braccio (od włoskiego braccio – „przedramię”) i viole d'amour (francuskie viole d'amour) – „viola miłości”) ustawione były poziomo, a podczas grania były dociskane do ramienia. Viola da gamba jest zbliżona dźwiękiem do wiolonczeli, viola da braccio jest blisko skrzypiec, a viol d'amore jest blisko altówki. Wśród instrumentów szarpanych renesansu główne miejsce zajmuje lutnia (pol. lutnia, od arabskiego „alud” – „drzewo”). Do Europy przybył z Bliskiego Wschodu pod koniec XVI wieku, gdyż instrument ten miał ogromny repertuar; Przede wszystkim śpiewano pieśni przy akompaniamencie lutni. Lutnia ma krótki korpus; górna część jest płaska, a dolna przypomina półkulę. Gryf połączony jest z szeroką szyjką, rozdzieloną progami, a główka instrumentu jest wygięta do tyłu niemal pod kątem prostym. Jeśli chcesz, możesz zobaczyć podobieństwo do misy w wyglądzie lutni. Dwanaście strun pogrupowano parami, a dźwięk wydobywany jest zarówno palcami, jak i specjalną płytką – mediatorem. W XV-XVI wieku pojawiły się różne typy klawiatur. Główne typy takich instrumentów - klawesyn, klawikord, talerz, virginel - były aktywnie wykorzystywane w muzyce renesansu, ale ich prawdziwy rozkwit nastąpił później.
W okresie renesansu głównymi instrumentami smyczkowymi były altówki. Kształtem przypominają współczesne skrzypce, altówkę i wiolonczelę i uważane są za swoich poprzedników.
Najpopularniejszym instrumentem szarpanym w okresie renesansu była lutnia. Lutnia posiada dwanaście strun zgrupowanych parami, a dźwięk wydobywany jest zarówno palcami, jak i specjalną płytką – kostką. Lutnia służyła zarówno jako instrument solowy, jak i do akompaniamentu. Miała dla niej ogromny repertuar.
Nawet dwór papieski miał osobistego lutnistę Francesco da Milano. To on skomponował utwór „Canzona” na lutnię, który przetrwał do dziś i jest znany niemal każdemu. Canzona to pieśń bez słów. /PRZYKŁAD/
Jedną z ulubionych i popularnych melodii tamtych czasów była staroangielska piosenka „Greensleeves”. Odnotowano to w roku 1580. Tańczyła do niego królowa Anglii Elżbieta I. Wielki angielski dramaturg Szekspir wspomina o tym dwukrotnie w swojej komedii Wesołe kumoszki z Windsoru. Później skomponowano wiele wersji tekstów do tej wiecznej melodii. Obecnie ta melodia jest często wykorzystywana przy projektowaniu przedstawień opartych na sztukach Szekspira jako wizytówka ówczesnej Anglii.
Na lutnię komponowano całe cykle różnego rodzaju tańców i innych zabaw, zwane SUITES. Liczba części w pakiecie waha się od dwóch do siedmiu lub ośmiu. Te starożytne suity miały pierwotnie towarzyszyć tańcom, ale później stały się muzyką dla ucha, a nie dla stóp.
W XV-XVI wieku powstały różne typy instrumentów klawiszowych - klawesyn, klawikord, talerz, virginel.
ORGAN
Jednym z najbardziej majestatycznych instrumentów muzycznych są organy. Jest jak cała orkiestra. W średniowieczu używano go głównie w kościele. Do końca XIV w. organy posiadały już dwie lub trzy klawiatury manualne oraz specjalną klawiaturę dla stóp – klawiaturę pedałową. Organy składają się z piszczałek różnej wielkości, mechanizmu sterującego, miecha oraz wentylatora i silnika pompującego powietrze niezbędne do wytworzenia dźwięku. Liczba piszczałek w organach sięga kilku tysięcy. Każda rura wytwarza tylko jeden dźwięk o określonej wysokości, barwie i głośności. Grupę piszczałek o tej samej barwie, ale o różnych wysokościach nazywa się rejestrem.
MUZYKA ANGLII
W XVI wieku w Kościele zachodnim doszło do schizmy. Narodził się protestantyzm, wywołując wojny i powstania. Życie kulturalne Anglii w okresie renesansu było ściśle związane z reformacją. W XVI wieku w kraju rozprzestrzenił się protestantyzm. Kościół katolicki utracił pozycję dominującą, a Kościół anglikański stał się kościołem państwowym. Otwarto wydziały muzyczne na uniwersytetach w Oksfordzie i Cambridge. W szlacheckich salonach grano na instrumentach klawiszowych: przenośnym dziewicy i małych organach. Popularnością cieszyły się niewielkie kompozycje przeznaczone do odtwarzania muzyki w domu.
Czołowym kompozytorem tamtych czasów był Williama Ptaka(1543 lub 1544-1623) – twórca madrygału angielskiego. Ptak tworzył także dzieła duchowe (msze, psalmy) i muzykę instrumentalną.
Z twórczością kompozytora Henryka Purcella i (1659-1695) wiąże się z krótkim rozwojem muzyki angielskiej, która zajmowała wówczas czołową pozycję w sztuce europejskiej. Jego opera Dydona i Eneasz do dziś pozostaje arcydziełem muzyki teatralnej. Aria Dydony „Powinienem położyć się do ziemi” jest niedoścignionym przykładem arii lamentacyjnej.
PRZYKŁAD MUZYCZNY
Wybrałem ścieżkę: powinienem położyć się w ziemi i zasnąć na zawsze.
Zapomnij o mojej śmierci i losie.
Ale złóż przysięgę: zachowaj moją miłość na dnie swojej duszy,
Kochanie, kochanie, nie zapomnij o mojej miłości.
Wielki kompozytor zmarł w wieku 36 lat na nieznaną chorobę.
W ten sposób zakończył się okres narodzin i przelotnego rozkwitu opery narodowej w Anglii, a później rozpoczął się okres jej długiego kryzysu, który trwał do końca XIX wieku.
Purcell nie miał zwolenników. Jego twórczość to piękny i samotny szczyt angielskiego renesansu muzycznego.
Po śmierci Purcella w muzyce narodowej Anglii zapanowała dwustuletnia „era ciszy”. Życie muzyczne Anglii w coraz większym stopniu podlega duchowi kapitalistycznej przedsiębiorczości. Dla organizatorów koncertów i przedstawień operowych muzyka z elementu kultury duchowej stała się źródłem dochodu. Pierwsze komercyjne koncerty odbyły się w Anglii. Odbywały się one w specjalnych, dużych pomieszczeniach zwanych „Stacjami Dworcowymi”.
MUZYKA NIEMIEC
Wiek XVI to w Niemczech czas reformacji, która znacząco zmieniła życie religijne i kulturalne kraju. Założycielem ruchu reformacyjnego był Marcin Luter (1483-1546).W 1522 r. Luter przetłumaczył Nowy Testament na język niemiecki i stało się możliwe odprawianie kultu w jego ojczystym języku. Zreformował także śpiew kościelny. Melodie chorału gregoriańskiego zostały odrzucone. Ich miejsce zajął protestancki chorał. Jego źródłem są ludowe pieśni duchowe i świeckie, proste i jasne w melodii, nawet w rytmie i łatwe do zapamiętania dla większości wierzących. Luter sam skomponował melodie do niektórych chorałów. Jeden z nich: „Pan jest naszą podporą” stał się symbolem Reformacji podczas wojen religijnych XVI wieku.
Kolejna jasna karta niemieckiej muzyki renesansowej związana jest z twórczością Meistersingera (niemieckiego Meistersingera - „mistrza śpiewaka”) - poetów-śpiewaków spośród rzemieślników.
Wybitny mistrz śpiewaka XVI wieku. Hansa Sachsa(1494-1576) w młodości opuścił dom rodzinny i udał się w podróż po Niemczech. Podczas swoich podróży młody człowiek uczył się rzemiosła szewskiego, ale co najważniejsze, zetknął się ze sztuką ludową. Sax był dobrze wykształcony i bardzo dobrze znał literaturę starożytną i średniowieczną. Komponował pieśni zarówno duchowe, jak i świeckie (w sumie około sześciu tysięcy pieśni).
renesans(Francuski) renesans) – epoka w życiu kulturalnym i historycznym Europy Zachodniej w XV-XVI wieku. (we Włoszech - XIV-XVI wiek). Jest to okres powstawania i rozwoju stosunków kapitalistycznych, kształtowania się narodów, języków i kultur narodowych. Renesans to czas wielkich odkryć geograficznych, wynalezienia druku i rozwoju nauki.
Era otrzymała swoją nazwę dzięki odrodzenie interesować się antyczny sztuki, która stała się ideałem dla ówczesnych osobistości kultury. Kompozytorzy i teoretycy muzyki - J. Tinktoris, G. Tsarlino i inni - studiowali starożytne greckie traktaty muzyczne; w twórczości muzycznej Josquina Despresa, porównywanego do Michała Anioła, „wzrosła utracona doskonałość starożytnych Greków”; pojawił się pod koniec XVI - na początku XVII wieku. Opera skupia się na prawach starożytnego dramatu.
Podstawą sztuki renesansu była humanizm(od łacińskiego „humanus” – humanitarny, humanitarny) – pogląd głoszący człowieka jako wartość najwyższą, broniący prawa człowieka do własnej oceny zjawisk rzeczywistości, wysuwający żądanie wiedzy naukowej i odpowiedniego odzwierciedlenia zjawisk rzeczywistości w sztuce. Ideolodzy renesansu przeciwstawiali teologii średniowiecza nowy ideał człowieka przepojonego ziemskimi uczuciami i zainteresowaniami. Jednocześnie sztuka renesansu zachowała cechy poprzedniej epoki (będąc w istocie świecką, wykorzystywała wizerunki sztuki średniowiecznej).
Renesans to także czas szerokich ruchów religijnych o charakterze antyfeudalnym i antykatolickim (husytyzm w Czechach, luteranizm w Niemczech, kalwinizm we Francji). Wszystkie te ruchy religijne łączy wspólna koncepcja „ protestantyzm" (Lub " reformacja»).
W okresie renesansu sztuka (w tym muzyka) cieszyła się ogromnym autorytetem publicznym i stała się niezwykle rozpowszechniona. Sztuki piękne (L. da Vinci, Raphael, Michelangelo, Jan Van Eyck, P. Bruegel i in.), architektura (F. Brunelleschi, A. Palladio), literatura (Dante, F. Petrarch, F. Rabelais, M. Cervantes , W. Szekspir), muzyka.
Charakterystyczne cechy kultury muzycznej renesansu:
szybki rozwój świecki muzyka (szerokie rozpowszechnienie gatunków świeckich: madrygały, frottoles, villanelles, francuskie „chansons”, angielskie i niemieckie pieśni polifoniczne), jej atak na dawną kościelną kulturę muzyczną, istniejącą równolegle do świeckiej;
realistyczny nurty w muzyce: nowe tematy, obrazy odpowiadające poglądom humanistycznym, a co za tym idzie, nowe środki wyrazu muzycznego;
Ludowy melodia jako wiodący początek dzieła muzycznego. Pieśni ludowe wykorzystywane są jako cantus firmus (główna, niezmienna melodia w kolorze tenorowym w utworach polifonicznych) oraz w muzyce polifonicznej (w tym także kościelnej). Melodia staje się gładsza, bardziej elastyczna i melodyjna, ponieważ... jest bezpośrednim wyrazem ludzkich doświadczeń;
potężny rozwój polifoniczny muzyka, m.in. I " ścisły styl" (W przeciwnym razie - " klasyczna polifonia wokalna", ponieważ skupiona na wykonaniu wokalnym i chóralnym). Ścisły styl zakłada obowiązkowe przestrzeganie ustalonych zasad (normy ścisłego stylu sformułował Włoch G. Zarlino). Mistrzowie stylu ścisłego opanowali techniki kontrapunktu, naśladownictwa i kanonu. Ścisłe pismo opierało się na systemie diatonicznych trybów kościelnych. W harmonii dominują konsonanse, stosowanie dysonansów było ściśle ograniczone specjalnymi zasadami. Tryby główny i pomocniczy oraz system zegara są sumowane. Podstawą tematyczną był chorał gregoriański, ale wykorzystywano także melodie świeckie. Pojęcie stylu ścisłego nie obejmuje całej muzyki polifonicznej renesansu. Koncentruje się głównie na polifonii Palestriny i O. Lasso;
ukształtowanie się nowego typu muzyka – profesjonalny, który otrzymał wszechstronne specjalistyczne wykształcenie muzyczne. Po raz pierwszy pojawia się pojęcie „kompozytora”;
tworzenie narodowych szkół muzycznych (angielskiej, holenderskiej, włoskiej, niemieckiej itp.);
pojawienie się pierwszych wykonawców lutnia, wiola, skrzypce, klawesyn, organy; rozkwit amatorskiego muzykowania;
pojawienie się druku muzycznego.
Główne gatunki muzyczne renesansu
Najwięksi teoretycy muzyki renesansu:
Johann Tinctoris (1446 - 1511),
Glareana (1488 - 1563),
Gioseffo Zarlino (1517 - 1590).
Historyk Jules Michelet po raz pierwszy użył pojęcia „renesans” w XIX wieku. Omawiani w artykule muzycy i kompozytorzy należeli do okresu, który rozpoczął się w XIV wieku, kiedy średniowieczna dominacja kościoła została zastąpiona przez kulturę świecką, skupiającą się na osobie ludzkiej.
Muzyka renesansowa
Kraje europejskie w różnym czasie wkroczyły w nową erę. Powstały nieco wcześniej we Włoszech, jednak w kulturze muzycznej dominowała szkoła holenderska, gdzie po raz pierwszy przy katedrach utworzono specjalne metryzy (schroniska), kształcące przyszłych kompozytorów. Główne gatunki tamtych czasów przedstawiono w tabeli:
Najważniejszymi artystami renesansu w Holandii są Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres.
Wielcy Holendrzy
Johannesa Ockeghema Kształcił się w klasztorze Notre-Dame (Antwerpia), a w latach 40. XV w. został śpiewakiem kaplicznym na dworze księcia Karola I (Francja). Następnie kierował kaplicą dworu królewskiego. Dożywając sędziwego wieku, pozostawił po sobie wielką spuściznę we wszystkich gatunkach, ugruntowując swoją pozycję wybitnego polifonisty. Dotarły do nas rękopisy jego 13 mszy zwane kodeksem Chigi, z których jedna jest napisana 8 głosami. Używał nie tylko melodii innych ludzi, ale także własnych.
Orlando Lasso urodzony na terenie współczesnej Belgii (Mons) w 1532 r. Jego zdolności muzyczne ujawniły się już we wczesnym dzieciństwie. Chłopiec był trzykrotnie porywany z domu, aby zostać wielkim muzykiem. Całe dorosłe życie spędził w Bawarii, gdzie występował jako tenor na dworze księcia Albrechta V, a następnie kierował kaplicą. Jego wysoce profesjonalny zespół przyczynił się do przekształcenia Monachium w muzyczne centrum Europy, które odwiedzało wielu znanych kompozytorów renesansu.
Na studia u niego przyjeżdżały takie talenty jak Johann Eckard, Leonard Lechner, Włoch D. Gabrieli . Ostatnie schronienie znalazł w 1594 r. na terenie kościoła monachijskiego, pozostawiając po sobie ogromne dziedzictwo: ponad 750 motetów, 60 mszy i setki pieśni, wśród których najpopularniejszą była Susanne un jour. Jego motety („Przepowiednie Sybilli”) wyróżniały się innowacyjnością, ale znany jest także z muzyki świeckiej, w której było sporo humoru (villanella O bella fusa).
Szkoła włoska
Wybitni kompozytorzy renesansu z Włoch, oprócz tradycyjnych stylów, aktywnie rozwijali muzykę instrumentalną (organy, instrumenty smyczkowe, clavier). Najpopularniejszym instrumentem była lutnia, a pod koniec XV wieku pojawił się klawesyn, poprzednik fortepianu. W oparciu o elementy muzyki ludowej rozwinęły się dwie wpływowe szkoły kompozytorskie: rzymska (Giovanni Palestrina) i wenecka (Andrea Gabrieli).
Giovanniego Pierluigiego przyjął imię Palestrina od nazwy miasta pod Rzymem, w którym się urodził i służył w kościele głównym jako chórmistrz i organista. Data jego urodzin jest bardzo przybliżona, ale zmarł w 1594 roku. W ciągu swojego długiego życia napisał około 100 mszy i 200 motetów. Jego „Msza papieża Marcellusa” wzbudziła podziw papieża Piusa IV i stała się przykładem katolickiej muzyki sakralnej. Giovanni to najwybitniejszy przedstawiciel śpiewu wokalnego bez akompaniamentu muzycznego.
Andrei Gabrieli Wraz ze swoim uczniem i siostrzeńcem Giovannim pracował w kaplicy św. Marka (XVI w.), „barwiąc” śpiew chóru dźwiękiem organów i innych instrumentów. Szkoła wenecka skłaniała się bardziej w stronę muzyki świeckiej, a podczas inscenizacji Edypa Sofoklesa na scenie teatralnej przez Andreę Gabrieli powstała muzyka chóralna, będąca przykładem polifonii chóralnej i zwiastunem przyszłej sztuki operowej.
Cechy szkoły niemieckiej
Państwo niemieckie zaproponowało Ludwig Senfl, najlepszego polifonisty XVI wieku, który jednak nie dorósł do poziomu mistrzów holenderskich. Szczególną muzyką renesansu są także pieśni poetów-śpiewaków wywodzących się z rzemieślników (Meistersingers). Niemieccy kompozytorzy reprezentowali śpiewające korporacje: blacharzy, szewców, tkaczy. Zjednoczyli się terytorialnie. Wybitnym przedstawicielem szkoły śpiewu norymberskiego był Hansa Sachsa(lata życia: 1494-1576).
Urodzony w rodzinie krawieckiej, przez całe życie pracował jako szewc, imponując swoją erudycją oraz zainteresowaniami muzyczno-literackimi. Czytał Biblię w interpretacji wielkiego reformatora Lutra, znał starożytnych poetów i cenił Boccaccia. Będąc muzykiem ludowym, Sax nie opanował form polifonicznych, lecz tworzył melodie o charakterze pieśniowym. Były bliskie tańcu, łatwe do zapamiętania i miały określony rytm. Najbardziej znanym dziełem był „Srebrny śpiew”.
Renesans: muzycy i kompozytorzy Francji
Kultura muzyczna Francji przeżyła prawdziwy renesans dopiero w XVI wieku, kiedy w kraju przygotowano grunt społeczny.
Jednym z najlepszych przedstawicieli jest Klemens Janequin. Wiadomo, że urodził się w Chatellerault (koniec XV w.) i od chłopięcego śpiewaka stał się osobistym kompozytorem króla. Z jego twórczego dziedzictwa przetrwały jedynie pieśni świeckie opublikowane przez Attenian. Jest ich 260, ale prawdziwą sławę zdobywają te, które przetrwały próbę czasu: „Ptasi śpiew”, „Polowanie”, „Skowronek”, „Wojna”, „Krzyki Paryża”. Były one stale ponownie publikowane i wykorzystywane przez innych autorów do rewizji.
Jego pieśni były polifoniczne i przypominały sceny chóralne, w których oprócz onomatopei i wokalu kantylenowego pojawiały się okrzyki odpowiedzialne za dynamikę dzieła. Była to odważna próba znalezienia nowych technik obrazowania.
Do znanych kompozytorów francuskich należą Guillaume Cotlet, Jacques Mauduit, Jean Baif, Claudin Lejeune, Claude Goudimel , nadanie muzyce harmonijnej struktury, co przyczyniło się do asymilacji muzyki przez ogół społeczeństwa.
Kompozytorzy renesansu: Anglia
Wpływ na XV wiek w Anglii miały dzieła: Johna Dubstyle'a i XVI - Williama Ptaka. Obaj mistrzowie skłaniali się ku muzyce sakralnej. Bird zaczynał jako organista w katedrze w Lincoln, a zakończył karierę w Chapel Royal w Londynie. Po raz pierwszy udało mu się połączyć muzykę i przedsiębiorczość. W 1575 roku kompozytor we współpracy z Tallisem stał się monopolistą w wydawaniu dzieł muzycznych, co nie przynosiło mu żadnych zysków. Ale obrona mojego prawa do własności w sądach zajęła dużo czasu. Po jego śmierci (1623) w oficjalnych dokumentach kaplicy nazywany był „twórcą muzyki”.
Co pozostawił po sobie renesans? Ptak, oprócz opublikowanych zbiorów (Cantiones Sacrae, Gradualia), zachował wiele rękopisów, uznając je za nadające się jedynie do kultu domowego. Opublikowane później madrygały (Musica Transalpina) ukazały wielki wpływ autorów włoskich, ale kilka mszy i motetów znalazło się w złotym funduszu muzyki sakralnej.
Hiszpania: Cristobal de Morales
Przez Watykan przejeżdżali najlepsi przedstawiciele hiszpańskiej szkoły muzycznej, występując w kaplicy papieskiej. Czuli wpływ autorów holenderskich i włoskich, dlatego tylko nielicznym udało się zasłynąć poza granicami swojego kraju. Kompozytorzy renesansu z Hiszpanii byli polifonistami, którzy tworzyli dzieła chóralne. Najwybitniejszym przedstawicielem jest Cristobala de Moralesa(XVI wiek), który stał na czele metrizy w Toledo i kształcił więcej niż jednego ucznia. Naśladowca Josquina Despresa, Cristobal wprowadził do szeregu dzieł specjalną technikę, zwaną homofonią.
Największą sławę zdobyły dwa requiem autora (ostatnie pięciogłosowe) oraz msza „Uzbrojony”. Pisał także dzieła świeckie (kantata na cześć zawarcia traktatu pokojowego w 1538 r.), ale odnosi się to do jego wcześniejszych dzieł. Kierując pod koniec życia kaplicą w Maladze, pozostał twórcą muzyki sakralnej.
Zamiast wniosków
Kompozytorzy renesansu swoimi dziełami przygotowali rozkwit muzyki instrumentalnej XVII wieku i pojawienie się nowego gatunku – opery, w której zawiłość wielu głosów zostaje zastąpiona prymatem jednego prowadzącego główną melodię. Dokonali prawdziwego przełomu w rozwoju kultury muzycznej i położyli podwaliny pod sztukę współczesną.
„Renesans północny” - cechy renesansu północnego. Shvidunova Lyubov Konstantinovna Nauczycielka MHC GOUSOSH nr 250 NEAD, Moskwa. Renesans północny. Miłość ziemska i miłość niebiańska. Jan van Eyck Portret pary Arnolfinów. Największy mistrz holenderskiego renesansu (ok. 1390-1441). Pietera Bruegla Starszego. Kraj leniwych ludzi.
„Kultura renesansu” – Ermitaż), „Madonna Litti” (ibid.), „Mona Lisa” (portret w Luwrze) i tak dalej. Juliusz II, ok. San Pietro in Vincoli w Rzymie), „Apostoł Mateusz”, „Madonna z Dzieciątkiem”, „Madonna Doni” (Uffizi), grobowce Medyceuszy we Florencji. Maria delle Grazie w Mediolanie, bardzo zniszczona), „Święta Rodzina” (St. Petersburg.
„Sztuka renesansu” – Madonna Sykstyńska 1515 - 1519. Ogromną rolę w malarstwie odegrał Tommaso Masaccio (1401-1428). Nicolo został założycielem szkoły rzeźby, która stała się popularna w całych Włoszech. „Dawid” (1501-1504). Posąg osiąga wysokość pięciu i pół metra. Twarz bohatera wyraża niezniszczalną wolę. A w przyrodzie króluje wiosna.
„Filozofia renesansu” - 3. Jakie metody poznania wyróżnia filozof? Twórczość jest podstawową godnością człowieka. Przeanalizuj wypowiedź Hegla i odpowiedz na pytania: Jakie metody poznania zostały wyróżnione? Na czym polegała innowacja wybitnych pisarzy, artystów i renesansu? Kształtowanie się nowego obrazu świata w oparciu o idee Kopernika i Brunona.
„Renesans” – Katedra Santa Maria del Fiore we Florencji. Artyści zaczynają wykorzystywać w swoich pracach przykłady sztuki starożytnej. Muzyka. Ilustracja do powieści „Don Kichot”. Temat renesansu jest bogaty i niewyczerpany. Rafał. Sztuka. Flamandzki kompozytor XV w. Guillaume’a Dufay’a. William Szekspir.
„Tytani Renesansu” – Kolejnym pomnikiem jest „Pieta”. W 1501 roku Michał Anioł powrócił do Florencji. Uśmiech. Tytani wysokiego renesansu końca XV – XVI wieku. Otoczona zielonymi zasłonami na jasnych chmurach Maryja idzie z Dzieciątkiem na rękach. Michał Anioł. "Autoportret". (1475-1564). Renato Guttuso. Leonardo da Vinci (1452-1519).
W sumie znajdują się 32 prezentacje na ten temat
