Czarno-białą martwą naturę można malować na różne sposoby. Może wyglądać jak standardowy szkic ołówkiem lub ciekawa ilustracja kropek lub liter. Dzisiaj porozmawiamy o różnych technikach, które możesz łatwo powtórzyć w domu.
Cętkowany wzór
Czarno-biała martwa natura jest najczęściej dekoracyjna. Dlaczego? Tak, ponieważ wygląda to tak korzystnie. Realistyczny obraz, pozbawiony koloru, może wyglądać odpowiednio, jeśli jest to portret, ilustracja lub coś podobnego z wieloma szczegółami. Realistyczna martwa natura nie jest zbyt interesująca do rozważenia. Dlatego wielu artystów preferuje dzieła dekoracyjne. Martwa natura w czerni i bieli jest bardzo prosta do narysowania. Najpierw musisz zbudować kompozycję. Możesz czerpać z życia, co będzie łatwiejsze, lub możesz wymyślić oprawę w swojej wyobraźni. W naszym przypadku na stole stoi dzbanek i miska jabłek. Na ścianie wisi kokarda i draperia. Kiedy już znajdziemy na arkuszu odpowiednie miejsce na to wszystko i dopracujemy szczegóły, możemy przystąpić do dzielenia obiektów na części. Co więcej, nie należy tego robić w sposób chaotyczny, ale jasno przemyślany, tak aby białe części sąsiadowały z czarnymi i nie stracił ani jednego elementu.
rysowanie linii
Martwą naturę czarno-białą można malować różnymi technikami. Jednym z nich jest obraz rysunku za pomocą linii. Aby narysować taki obraz, musisz wziąć obiekty o wyraźnie określonej teksturze. Jeśli tak nie jest, trzeba będzie wymyślić ulgę. Musisz zacząć rysować czarno-białą martwą naturę, budując kompozycję. Najpierw zarysowujemy wszystkie elementy. W naszym przypadku jest to kubek z kwiatami, jabłkami i drewnianym stołem. Gdy wszystkie obiekty zajmą już swoje miejsca, zaczynamy opracowywać kształt, a następnie szczegóły. Ostatnią czynnością jest obraz tekstury. Kubek zyskuje poziome paski, kwiaty i jabłka - ściętą obwódkę. Pamiętaj, aby pokazać teksturę stołu. W martwej naturze wskazane jest łączenie linii poziomych i pionowych, aby obiekty nie łączyły się, ale wyróżniały na tle innych.
Rysowanie z liter
Ten obraz będzie wyświetlany jako czarno-biała grafika. Martwa natura składa się z liter, które płynnie zamieniają się w słowa, a nawet zdania. Jak narysować tak oryginalną kompozycję dekoracyjną? Najpierw powinieneś narysować szkic. Nakreśl kubek oraz gazetę, które będą leżały w tle. Następnie musisz podzielić rysunek według tonów. Na przykład kawa w kubku powinna być najbardziej nasycona tonem, na drugim miejscu znajduje się padający cień, a na trzecim własny. W ten sposób możesz podzielić cały szkic liniami. Następnie, jeśli jesteś pewien swoich umiejętności, możesz zamalować rysunek długopisem żelowym, a jeśli obawiasz się, że coś nie wyjdzie, najpierw wykonaj podmalowanie liter ołówkiem. Jednak w tym przypadku będziesz musiał obrysować litery tuszem. Długopis żelowy nie rysuje dobrze ołówkiem. Litery należy rozmieszczać zgodnie z kształtem przedmiotów. I zdecydowanie musisz bawić się wysokością i szerokością. Jedno słowo może być bardzo wąskie, podczas gdy inne jest dwa lub trzy razy większe. Możesz zaszyfrować niektóre frazy na takim obrazku lub możesz wpisać dowolne słowa.
Studenci wykonują dekoracyjną martwą naturę w szkole artystycznej, stosując następującą metodę:
1. Rozmieszczenie obiektów na arkuszu.
2. Transformacja (stylizacja formy).
3. Nakładanie lub splatanie sylwetek ze sobą.
4. Wypełnianie sylwetek rozwiązaniami teksturalnymi i dekoracyjnymi.
Jak wiadomo, martwa natura to produkcja obiektów nieożywionych. W malarstwie sztalugowym martwe natury maluje się tradycyjnie: rzeźbią objętość obiektów, przekazują światłocień, perspektywę liniową i powietrzną, przestrzeń... W martwych naturach dekoracyjnych staje się to nieistotne. Forma przedstawionych obiektów staje się płaska i warunkowa. Światłocień jest nieobecny. Zamiast tego każda sylwetka jest ozdobnie opracowana.
Podczas transformacji formy musisz zatrzymać się osobno. Jego istota polega na przekształceniu pierwotnej formy przedmiotu w formę warunkową. Oznacza to, że rysunek jest uproszczony, pozbawiony niepotrzebnych szczegółów. Forma zostaje zredukowana do warunkowo geometrycznej, czyli opiera się na prostych kształtach geometrycznych (okrąg, prostokąt, trójkąt...). Na przykład dzbanek może składać się z koła i cylindra, a góra i dół mogą być uzupełnione okręgami lub elipsami. Pozostaje zatem jedynie charakter przedmiotu. Musi być rozpoznawalny. A kontury zostaną już przekształcone i doprowadzone do wspólnego stylu.
Nakładające się lub splatające sylwetki- Jest to technika stosowana w sztuce dekoracyjnej i projektowaniu. Nakładanie się na siebie sylwetek jest z definicji zrozumiałe – wtedy obiekty przesłaniają się nawzajem, a obraz staje się jakby wielowarstwowy. Ale tkanie jest bardziej skomplikowane. Na przykład, gdy część dzbanka zostanie zasłonięta przez jabłko, przecinające się części dzbanka i jabłka mogą zostać przez artystę wyeksponowane w zupełnie innym kolorze. Obiekty stają się jakby „przezroczyste”, a ich przecinające się części są widoczne dla widza. Sylwetki przedmiotów splatają się ze sobą w tak misterny sposób, że ostatecznie czasami trudno je rozróżnić. A to nadaje pracom dekoracyjnym szczególny urok.
Wypełnianie konturów obiektów teksturą– nie jest szczególnie trudne. Można malować sprayem, można nakładać farbę chaotycznymi pociągnięciami itp. Jednak wypełnienie sylwetki rozwiązaniem dekoracyjnym jest trudniejsze. Artystka wymyśla swego rodzaju „ornament”, choć to słowo nie do końca tu pasuje. Wypełnia sylwetkę tą „ozdobą”. Ta „ozdoba” powstaje w oparciu o linię generatywną. Linia formatywna to linia tworząca zarys obiektu. Na przykład zarys greckiej amfory będzie wdzięcznie zakrzywiony. Dlatego dekoracja wnętrza sylwetki będzie opierać się na podobnie zakrzywionych liniach. Oddzielne części takiej dekoracji przedmiotów, a także same przedmioty, można splatać. Możesz także pominąć dosłowną ozdobę między nimi. Dlatego tego typu zdobienia nie polegają jedynie na wypełnieniu sylwetek samą fakturą czy kolorystyką. Jest to bardziej złożony proces. Ale i bardziej efektowne, na których opiera się istota dekoracyjnej martwej natury.
Jak każdy inny gatunek fotografii, martwa natura nie jest możliwa bez kompozycji. Co więcej, martwa natura jest właśnie tym gatunkiem, w którym kompozycja odgrywa kluczową rolę i wymaga największej uwagi ze strony fotografa. Przecież reportażowemu ujęciu można wiele wybaczyć, jeśli autor uchwycił naprawdę dobry moment. A zdjęcia domowe – czy zauważyliście, jak wzruszają się matki, gdy widzą swoje dziecko na fotografii, choć przeciętnej? Jest mało prawdopodobne, abyśmy oczekiwali od publiczności takiej samej protekcjonalności, fotografując pomarańczę z butelką. Aby uzyskać pozytywny efekt, trzeba próbować. I oczywiście należy zacząć od kompozycji zamierzonej ramki.
Relatywnie rzecz biorąc, kompozycja w martwej naturze to harmonijne połączenie i interakcja obiektów w kadrze. Poprzez kompozycję możesz konsekwentnie pokazać widzowi wszystko, co chcesz, stworzyć nastrój, przekazać pomysł, a nawet opowiedzieć historię.
Kompozycję w martwej naturze można podzielić na kilka typów:
- geometryczny
- przestrzenny
- kolor
Kompozycja geometryczna
Nie jest tajemnicą, że wszystkie obiekty mają kształt geometryczny (lub zbliżony do geometrycznego). Nie jest też tajemnicą, że naturą człowieka jest skojarzenie każdej postaci z czymś konkretnym. Na przykład kąty są podświadomie kojarzone ze wskazówkami. Kiedy przez dłuższy czas patrzymy na kwadrat lub prostokąt, pojawia się poczucie stabilności (być może dlatego, że nasza podświadomość kończy rysunek stabilnego budynku). A krąg stwarza poczucie komfortu i uspokaja. Warto również pamiętać, że linie poziome (osoba leżąca) są znacznie spokojniejsze niż linie pionowe (osoba stojąca). Jeśli chodzi o przekątne, to linie rosnące – prowadzące od lewego dolnego rogu do prawego górnego – wyglądają intensywniej niż te zstępujące: nadal czytamy od lewej do prawej, a nasz wzrok musi „wspinać się” po obrazie, żeby się do niego dostać sam szczyt. Ale kryje się w tym także pewne poczucie zwycięstwa, prawda?! Przeciwnie, linie opadające biegnące od lewego górnego rogu do prawego dolnego rogu tradycyjnie kojarzą się z relaksem, smutkiem, a nawet upadkiem.
 |
 |
Wszystkie te małe triki można i należy wykorzystać do własnych celów - aby przekazać koncepcję, ideę zdjęcia.
Podkreślenie spacją
Jeśli zajdzie potrzeba wyeksponowania jakiegoś obiektu w martwej naturze, przypisując mu rolę głównego bohatera, można tu pobawić się kompozycją przestrzenną. Na przykład umieszczenie głównego tematu na pierwszym planie, przed wszystkimi innymi. Lub dostosuj światło tak, aby element wiodący był oświetlony najjaśniej, a obiekty znajdujące się za nim i przed nim były słabo oświetlone. Można też zrobić to sprytniej – zapalić kadzidełko lub wypuścić dym papierosowy, rysując w ten sposób perspektywę powietrzną w kadrze: główna uwaga skupiona zostanie na obiektach znajdujących się z przodu, gdyż te odległe utoną w romantycznej mgle.
Można też pobawić się technicznymi aspektami aparatu: jeśli chcemy szczegółowo pokazać każdy obiekt, łącznie z tłem czy zasłonami, fotografowanie powinno odbywać się przy zamkniętej przysłonie. Ale jeśli ważne jest, aby wyróżnić jeden obiekt, przysłonę należy otworzyć tak bardzo, jak to możliwe. Nie należy ignorować możliwości optyki: w kadrach wykonanych obiektywami szerokokątnymi obiekty są znacznie zniekształcone, a im bliżej aparatu znajduje się obiekt, tym większy będzie się on wydawał w stosunku do odległych. I odwrotnie, długie ogniskowe „zbierają” perspektywę, czyniąc przestrzeń znacznie bardziej płaską.
Kompozycja kolorystyczna
Jeśli fotografia wykonywana jest w czerni i bieli, wiedza o właściwościach efektów kolorystycznych nie będzie nam przydatna. Ale jeśli praca fotograficzna jest zaplanowana w kolorze, nie należy ignorować tego obszaru badań. Zwracając naszą uwagę na psychologię koloru, zobaczymy, że każdy z kolorów, oprócz swojego pierwotnego koloru, ma swoje własne znaczenie. Ciepłe kolory (pomarańczowy, żółty, czerwony, terakota) kojarzą się z latem, słońcem, ciepłem. To pierwsze skojarzenie, jakie nasuwa się patrząc na fotografię wykonaną w tych kolorach. Ponadto z kursu malarstwa można dowiedzieć się, że takie obiekty wydają się wizualnie bliższe. Tego samego nie można powiedzieć o barwach zimnych: niebieskim, zielonym, różowym, fioletowym – kolory te nieco oddalają obiekt od widza i kojarzą się zazwyczaj z zimą, zimnem, wodą.
Trzeba pamiętać o kontraście, czasem można się na nim pobawić, ale często nieprzemyślane zestawienia kolorystyczne odpychają lub zniekształcają sens całej produkcji. Jeśli zdecydujesz się sfotografować ogórek na pomarańczowym tle, zastanów się, czy tło będzie zwracać na siebie uwagę? I czy naprawdę to chciałeś osiągnąć? Trzeba także pamiętać, że każdy obiekt ma zdolność odbijania lub pochłaniania odcieni kolorów pobliskich obiektów, a nawet dwa obiekty tego samego koloru na tym samym tle mogą wyglądać inaczej właśnie ze względu na różnicę w ich teksturach.
Nasycenie kolorów ma również wpływ na widza: kompozycje w delikatnych pastelowych kolorach wywołają poczucie spokoju i nostalgii, podczas gdy jasne, krzykliwe kolory, przeciwnie, nadają się do przyciągania uwagi, wyrażania ekspresji, asertywności. Dlatego fotografowie reklam tak uwielbiają jasne kolory, a fotografia artystyczna często skłania się ku stonowanej, spokojnej tonacji.
Oczywiście każda kompozycja musi być całkowicie zgodna z ogólną kolorystyką, prawem obrazu - w przeciwnym razie się rozpadnie. Dlatego należy uważać z kontrastami kolorystycznymi, mogą one mieć poważny wpływ – zarówno uatrakcyjnić pracę, jak i ją zniszczyć poprzez umieszczenie niepotrzebnych akcentów.
Czarny i biały
Pomimo braku koloru, czarno-biała martwa natura rządzi się swoimi prawami, a kontrast również odgrywa tutaj ważną rolę. Sam kolor w tym przypadku zostaje zastąpiony tonem – to inna gra, ale też ma swoje zasady!
Zapewne zauważyłaś, że kobiety z nadwagą bardzo rzadko noszą biel. Faktem jest, że biały kolor wydaje się bardziej obszerny niż czarny. Na fotografii czarno-białej oko najpierw wyłapuje najjaśniejsze miejsca, a dopiero potem przechodzi do ciemnych. Wiele złudzeń wizualnych opiera się na tym efekcie: jeśli spojrzysz na prześcieradło z równymi czarno-białymi paskami, z pewnością wydaje się, że białe paski są szersze. Tę zasadę należy zawsze brać pod uwagę przy tworzeniu kompozycji, a także wziąć pod uwagę, że jasny biały obiekt, niezależnie od tego, czy znajduje się na pierwszym planie, czy w tle, z pewnością będzie głównym elementem tej kompozycji, a oko będzie spadać przede wszystkim na to.
Kontrasty
Jak już wspomniano, kontrasty odgrywają szczególną rolę. Istniejąc w tej samej kompozycji na obrazie, mogą zarówno podkreślać obiekty, jak i odwrotnie, je ukrywać. Praca zbudowana na ledwie zauważalnych fluktuacjach światła i cienia, pozbawiona plam skupiających uwagę widza, wydaje się monotonna, monotonna i niewyraźna. Ostre kontrasty budują napięcie i dynamikę.
Zasada trójpodziału
Oczywiście mówiąc o kompozycji nie można nie wspomnieć o regule trójpodziału. Rysując w myślach cztery linie przez ramkę – dwie dzielące ją w poziomie na trzy równe części i dwie narysowane w pionie – możesz obliczyć najbardziej efektywne strefy kadru: znajdują się one w punktach przecięcia czterech linii ze sobą Inny. W tych strefach najlepiej umieścić główny temat kompozycji.
Tak naprawdę zasada trójpodziału jest uproszczoną zasadą złotego podziału, którą będzie nieco trudniej uzyskać. Aby to zrobić, ramę należy podzielić na osiem części w poziomie i w pionie. A następnie narysuj linie po prawej i lewej stronie, a także poniżej i powyżej, w odległości 3/8. Na przecięciu tych linii znajdą się punkty złotego podziału. Ale podział na trzy części jest znacznie wygodniejszy niż na osiem części, dlatego jest częściej stosowany w kompozycji: różnica nie jest tak zauważalna dla widza, a harmonia w kadrze, podlegająca którejkolwiek z tych zasad, jest oczywiste.
Rytm
 |
 |
Rytm, czyli powtarzanie tych samych lub podobnych wersów, to bardzo potężne narzędzie kompozycyjne, które pozwala manipulować spojrzeniem widza. „Ścieżka” naprzemiennych obiektów może zaprowadzić Cię bardzo daleko. Ale nie przesadzaj – rytm może zabić całą kompozycję, pozbawiając ją dynamiki i czyniąc monotonną.
Komunikacja wewnętrzna
Tworząc produkcję do fotografii należy zadbać o połączenie obiektów w kadrze. Przedmioty można łączyć kształtem (jajko i cebula), kolorem (pomidor i czerwona papryka), znaczeniem (jabłko i laska cynamonu). Przedmioty muszą koniecznie komunikować się, urzekać widza, przenosić jego wzrok z jednego obiektu w martwej naturze na inny. Takie podejście nadaje kompozycji integralności, czyni ją interesującą, zrozumiałą, a jednocześnie tajemniczą - wcale nie trzeba od razu ujawniać wszystkich wewnętrznych powiązań, najciekawsze można ukryć wewnątrz kompozycji lub na krótko ukryć przed widzem na przykład światłem.
O kompozycji można mówić bez końca, ale najważniejszą rzeczą, na której zbudowana jest martwa natura (jak zresztą fotografia w każdym innym gatunku) jest pomysł, fabuła i dusza obrazu. A kompozycja jest takim samym narzędziem w rękach fotografa, jak sam aparat. Pamiętaj, co chcesz przekazać widzowi! I wykorzystaj wszystkie dostępne techniki kompozytorskie na swoją korzyść.
Słowo „martwa natura” pochodzi od francuskiego wyrażenia „nature morte” i oznacza umartwioną lub martwą naturę. Wydaje mi się jednak, że istotę tej formy sztuki lepiej oddaje angielskie wyrażenie „still life” - „still, cold life”. Przecież w swej istocie martwa natura to nic innego jak uchwycony fragment życia.
Zbierając materiał do tego artykułu, napotkałem pewne trudności. Na pierwszy rzut oka fotografowanie martwej natury jest tak proste, jak obieranie gruszek. Postawiłam filiżankę na stole, dodałam do niej kilka szczegółów, ustawiłam światło i nacisnęłam migawkę. Modele są zawsze pod ręką, czas na zdjęcia nieograniczony. Wygoda i minimalne koszty. Dlatego początkujący fotografowie uwielbiają ten gatunek. A niektórzy osiągają bardzo ciekawe rezultaty. Wejdź na dowolną stronę internetową o tematyce fotograficznej, wybierz odpowiednią sekcję i podziwiaj naprawdę wspaniałe zdjęcia. Ale czas mija i wiele osób ma pytania: "Po co to filmować? Komu to potrzebne? Co ja z tego będę mieć?" Nie znajdując odpowiedzi na te pytania, wielu decyduje się na fotografię ślubną, dziecięcą lub zwierzęcą, która zapewnia określony dochód. Martwa natura nie jest szczególnie szanowana przez mistrzów fotografii. To nie jest dochodowy biznes. Jeśli cokolwiek może przynieść, to tylko satysfakcję estetyczną. I od czasu do czasu fotografują martwą naturę, że tak powiem, aby doskonalić swoje umiejętności.
Ale wciąż są tacy, którzy widzą w martwej naturze coś więcej niż tylko piękny obraz. Właśnie tym mistrzom martwej natury dedykuję swój artykuł.
Przyznam, że na początku chciałem dokonać selekcji prac fotografów, których lubię i którzy słusznie zajmują pierwsze miejsca w rankingach na różnych portalach fotograficznych. I wtedy pojawiło się pytanie: „dlaczego?” Każdy umie korzystać z Internetu, większość choć raz zapoznawała się z serwisami fotograficznymi, zna najlepsze prace, a informacje o interesującym go fotografie zawsze można znaleźć za pomocą wyszukiwarki. Postanowiłam porozmawiać o Fotografach Specjalnych - tych, których twórczość wywraca do góry nogami uznane kanony, którzy naprawdę wnieśli coś nowego do fotografii martwej natury, którym udało się dostrzec coś niezwykłego w zwykłych rzeczach. Można inaczej potraktować ich twórczość: podziwiać ją lub odwrotnie – nie akceptować. Ale na pewno ich twórczość nie może pozostawić nikogo obojętnym.
1. Cara Barer
Kara Barer (1956), fotografka z USA, wybrała jeden temat do zdjęć – książkę. Przekształcając je, tworzy niesamowite rzeźby książkowe, które fotografuje. Jej zdjęcia można oglądać bez końca. Przecież każda taka rzeźba książkowa niesie ze sobą pewne znaczenie, i to niejednoznaczne.
2. Guido Mocafico
Szwajcarski fotograf Guido Mocafico (1962) w swojej twórczości nie ogranicza się do jednego tematu. Interesuje się różnymi rzeczami.
Ale nawet biorąc pojedynczy przedmiot, dostaje niesamowitą pracę. Znany z serialu „Ruch” („Ruch”). Wydaje się, że mechanizmy zegarka są po prostu przejęte, ale każdy z nich, jeśli przyjrzysz się uważnie, ma swój własny charakter.
Jak wiadomo, w martwych naturach „natura nieożywiona” jest usuwana. W swoim cyklu „Węże” Guido Mocafico złamał tę zasadę i jako temat martwej natury przyjął żywą istotę. Węże zwinięte w kłębek tworzą niesamowity, jasny i niepowtarzalny obraz.
Ale fotograf tworzy także tradycyjne martwe natury, fotografując je w stylu holenderskim i wykorzystując jako rekwizyty prawdziwie „nieożywione przedmioty”.
3. Carla Kleinera
Szwedzki fotograf Karl Kleiner (1983) w swoich martwych naturach wykorzystuje najzwyklejsze przedmioty, układając je w fantazyjne obrazy. Fotografie Karla Kleinera są kolorowe, graficzne i eksperymentalne. Jego wyobraźnia jest nieograniczona, wykorzystuje zupełnie inne materiały, od papieru po jajka. Wszystko, jak mówią, idzie do pracy.
4. Charlesa Grogga
Martwe natury Amerykanina Charlesa Grogga wykonane są w czerni i bieli. Fotograf do filmowania wykorzystuje także zwykłe przedmioty gospodarstwa domowego, znajdujące się w każdym domu. Jednak eksperymentując z ich aranżacją i łącząc je w niecodzienne zestawienia, fotograf tworzy naprawdę fantastyczne zdjęcia.
5. Chema Madoz
Jestem pewien, że twórczość Chem Madoza (1958), fotografa z Hiszpanii, jest znana wielu osobom. Jego czarno-białe martwe natury, wykonane w surrealistycznym stylu, nie pozostawiają nikogo obojętnym. Godne podziwu jest wyjątkowe spojrzenie fotografa na zwykłe rzeczy. Dzieła Madozy są pełne nie tylko humoru, ale także głębokiego wydźwięku filozoficznego.
Sam fotograf twierdzi, że jego zdjęcia powstały bez żadnej obróbki cyfrowej.
6. Marcin Klimas
Photoshopa nie ma także w pracach Martina Klimasa (1971), fotografa z Niemiec. Tylko krótki, a raczej bardzo krótki czas otwarcia migawki. Jego specjalnie opracowana technika pozwala uchwycić wyjątkowy moment, którego ludzkie oko nie jest w stanie dostrzec. Martin Klimas fotografuje swoje martwe natury w całkowitej ciemności. Za pomocą specjalnego urządzenia lampa błyskowa włącza się na ułamek sekundy w momencie zniszczenia obiektu. A kamera uchwyciła Cud. Oto tylko wazony z kwiatami!
7. Jan Czerwiński
Amerykanin John Czerwinski (1961) jest naukowcem zajmującym się fizyką stosowaną. A jego martwe natury są swego rodzaju mieszanką nauki i sztuki. Tutaj nie zrozumiesz: ani martwej natury, ani podręcznika fizyki. Tworząc swoje martwe natury, Jan Czerwiński wykorzystuje prawa fizyki, uzyskując niezwykle ciekawe rezultaty.
8. Daniela Gordona
Daniel Gordon (1980), fotograf z Ameryki, nie przejmuje się kwestiami naukowymi. Fotografując martwe natury wybrał inną drogę. Drukuje kolorowe zdjęcia pobrane z Internetu, zgniata te kartki papieru, a następnie owija w nie różne przedmioty. Okazuje się, że jest to coś w rodzaju papierowych rzeźb. Jasne, piękne, oryginalne.
9. Andrew B. Myersa
Martwych natur Andrew Myersa (1987), fotografa z Kanady, nie da się pomylić z żadnymi innymi – są zawsze rozpoznawalne. Proste, delikatne, spokojne tło, dużo pustej przestrzeni, co stwarza wrażenie wypełnienia obrazu światłem i powietrzem. Do tworzenia martwych natur wykorzystuje najczęściej przedmioty z lat 70. i 80. Jego prace są graficzne, stylowe i wywołują pewną nostalgię.
10. Reginy DeLuise
Regina DeLuise (1959), fotografka z USA, do tworzenia swoich prac nie korzysta ze sprzętu fotograficznego typu lustrzanka. Wybrała inną metodę – drukuje negatywy z kliszy na specjalnym, szmatowanym papierze. Jej poetyckie obrazy zawierają szeroką gamę tonów i różnorodnych faktur. Martwe natury są bardzo delikatne i poetyckie. Niesamowita gra świateł i cieni.
11. Bohchang Koo
Bohchang Koo (1953), fotograf z Korei Południowej, woli biel. Martwe natury, które stworzył – białe na białym – są po prostu niesamowite. Są nie tylko piękne, ale także mają określone znaczenie - zachowanie starożytnej kultury koreańskiej. Przecież fotograf specjalnie podróżuje po całym świecie, szukając w muzeach obiektów dziedzictwa kulturowego swojego kraju.
12. Chen Weia
Z kolei Chen Wei (1980), fotograf z Chin, inspirację do swoich prac czerpie blisko domu. Przedstawiając dziwne przestrzenie, sceny i przedmioty, wykorzystuje rekwizyty, które inni wyrzucili na wysypiska śmieci.
13. Alejandra Laviada
Alejandra Laviada, fotografka z Meksyku, w swoich fotografiach wykorzystuje zniszczone i opuszczone budynki, tworząc martwe natury ze znalezionych tam przedmiotów. Jej martwe natury opowiadają prawdziwe historie o ludziach, którzy mieszkali w tych budynkach i używali pozostawionych rzeczy jako niepotrzebnych.
Wiadomo, że fotografie martwej natury są dość powszechne. Często wielu fotografów lubi przedstawiać swoje martwe natury w czerni i bieli. Obejmuje to znajdowanie obiektów, porównywanie przedmiotów codziennego użytku w swoim otoczeniu i uwydatnianie różnic w teksturach i tonach. Konwersja do wersji czarno-białej daje wiele możliwości podczas przeglądania samego zdjęcia.
Czarno-biała martwa natura pozwala skupić się na liniach, fakturach i kształtach fotografii. W tym przypadku znacznie łatwiej jest skupić się na tych elementach, ponieważ nie trzeba rozpraszać się kolorami. Dobre wykorzystanie tej techniki nie tylko pozwoli uzyskać bardziej obiektywny obraz pod względem jego integralności, ale także zwiększy napięcie pomiędzy różnymi obiektami i materiałami. Takie połączenia można znaleźć wszędzie, na przykład w parku, na plaży itp. Można robić zdjęcia dowolnych obiektów. Ponadto możesz fotografować obiekty w parach lub w większej liczbie. Należy zauważyć, że nie zaleca się stosowania tych samych metod do konwersji zdjęcia na czarno-białe.
