ในแวดวงคนสร้างสรรค์มักเกิดขึ้นที่ท้องฟ้าสีชมพูปกคลุมไปด้วยเมฆฝนฟ้าคะนอง ความขัดแย้ง ทัศนคติเชิงลบ แม้แต่ทัศนคติที่เป็นศัตรูต่อกัน ความริษยาและความขุ่นเคืองเกิดขึ้น และถ้ามันเป็นแง่ลบ มันก็พลิกกลับ เหตุผลที่พบบ่อยที่สุดประการหนึ่งสำหรับอารมณ์ดังกล่าวและทัศนคติที่ไม่สุภาพต่อเพื่อนร่วมงานคือจิตวิญญาณของเวลาและการมีประชากรมากเกินไปของโลกโดยศิลปิน เช่นเดียวกับคนหัวก้าวหน้าที่ไม่มีการศึกษา ไม่มีครอบครัว ไม่มีเผ่าที่คิดว่าตัวเองมีความสามารถและพรสวรรค์ แย่งชิงขนมปังจากผู้สร้างที่แท้จริง แต่มันคือ? มีพวกเราหลายคนจริงๆ และทุกอย่างแย่มากเหรอ?
ศิลปินมักเผชิญกับทัศนคติที่ขั้วลบต่อตนเองและงานของตนอยู่เสมอ ทั้งจากภายนอกและภายในวงแคบของการสื่อสาร ยกตัวอย่างนวนิยายของ Émile Zola ( เฝอ เอมิล โซลา ค.ศ. 1840-1902) "การสร้าง" ( เฝอ L "Œuvre, พ.ศ. 2429) เป็นนวนิยายเล่มที่ 14 จากวงจร Rougon-Macquart มันเกี่ยวกับ อะไรอีก เกี่ยวกับความทุกข์ระทมของความคิดสร้างสรรค์และชีวิตของศิลปิน เช่นเดียวกับประวัติศาสตร์ของการเกิดขึ้นของลมในอากาศและรูปแบบการเขียนแบบร่างในการวาดภาพ ฉันกล้าพูดว่าแม้ว่า Zola มักจะเขียนถึงในฐานะนักเขียนและศิลปินชาวฝรั่งเศส แต่เขาไม่ใช่คนสุดท้าย เขาได้รับชื่อเสียงในฐานะนักเขียนนวนิยายที่ค่อนข้างอื้อฉาวและมีพรสวรรค์ และเขาตัดสินชีวิตของศิลปินมากขึ้นเรื่อย ๆ ในฐานะผู้สังเกตการณ์ภายนอกและมีส่วนร่วมอย่างต่อเนื่องในการอภิปรายเกี่ยวกับศิลปะในหมู่เพื่อนศิลปินของเขา
ยังมาจากภาพยนตร์เรื่อง "Cézanne et moi" ในปี 2016 โดยนักเขียน ผู้กำกับภาพยนตร์ และผู้เขียนบทชาวฝรั่งเศส แดเนียล ทอมป์สัน (Danièle Thompson, *1942) ภาพยนตร์เกี่ยวกับมิตรภาพระหว่างนักเขียน Emile Zola (สวมแว่นตา) และจิตรกร Paul Cezanne
Zola ถือว่าวรรณกรรมเป็น "ศาสตร์ที่คุณสามารถศึกษามนุษย์และสังคมได้อย่างแม่นยำเช่นเดียวกับที่นักธรรมชาติวิทยาศึกษาธรรมชาติ" ดังนั้นเหตุการณ์ในนวนิยายของเขาจึงมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับเหตุการณ์จริงในสมัยนั้นและตัวละครหลักก็ถูกตัดขาดจากคนจริง มีเพียงข้อเท็จจริงบางอย่างเท่านั้นที่เปลี่ยนไป และแน่นอนว่าจินตนาการของนักเขียนก็จำเป็นต้องท่องไปตามกาลเวลา
ดังนั้นต้นแบบของวีรบุรุษในนวนิยายโดย Emile Zola จึงเป็นศิลปินตัวจริงซึ่งอยู่ในปารีสในเวลานั้นตามคำแนะนำของนักวิจารณ์และศิลปิน Louis Leroy ( เฝอ หลุยส์ เลอรอย; พ.ศ. 2355-2428) กลายเป็นที่รู้จักในนามอิมเพรสชันนิสต์ โดยวิธีการที่ไม่เชื่อเมื่อพวกเขากล่าวว่าเป็นผู้ที่นำการกำหนดนี้ไปใช้ เพราะอิมเพรสชั่นนิสต์แนะนำตัวเองแม้ว่าในตอนแรกพวกเขาจะขุ่นเคืองมาก เพราะลีรอยใช้คำว่า "ความประทับใจ" ครั้งแรกในทางลบอย่างยิ่ง หนึ่งในภาพวาดของ Claude Monet ในนิทรรศการร่วมครั้งแรกของศิลปิน plein air เรียกว่า "Impression, soleil levant" ( แปลจาก fr. ความประทับใจพระอาทิตย์ขึ้น). หลังจากเยี่ยมชมนิทรรศการแล้ว Louis Leroy รายงานในบทความทำลายล้างอีกบทความหนึ่งว่างานของศิลปินในโรงเรียนจิตรกรรมแห่งนี้ถูกลืมไปเพียงเพื่อจะเขียนให้เสร็จ ท้ายที่สุด สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่ผืนผ้าใบที่เสร็จแล้ว แต่เป็นเพียงการสเก็ตช์สั้นๆ เท่านั้นแหละ ความประทับใจ- ร่องรอยแสง ความประทับใจชั่วขณะ ไม่ใช่ภาพวาดทึบ
โคลด โมเนต์, อิมเพรสชั่น. Rising Sun." พ.ศ. 2415 48×63 ซม. พิพิธภัณฑ์ Marmottan Monet ปารีส
โคลด โมเนต์, อิมเพรสชั่น. พระอาทิตย์ขึ้น" 2415 48 × 63 ซม. พิพิธภัณฑ์ Marmottan Monet ปารีส ภาพจากที่นี่
ในความเป็นจริง Louis Leroy สามารถเข้าใจได้ง่าย ประการแรก ตัวเขาเองเป็นศิลปินกราฟิกที่จัดแสดงที่ "ปารีส ซาลอน" เป็นประจำ และรู้ว่านิทรรศการนี้ให้เลือดประเภทใดและต้องทำงานมากน้อยเพียงใดเพื่องานนี้ รูปภาพของ Leroy เองฉันไม่พบรีบร้อนในเน็ต อย่างไรก็ตาม หลายแหล่งไม่ทราบว่าเขาเขียนบันทึกวิพากษ์วิจารณ์เท่านั้น อย่างไรก็ตาม จากงานด้านล่าง คุณสามารถจินตนาการได้ว่ามีผู้คนจำนวนเท่าใดที่อยากจะเข้าร่วมใน "Paris Salon" และทำไม Zola เขียนในนวนิยายของเขาว่ามีสถานที่ที่ทำกำไรและทำกำไรได้น้อยกว่า เช่น ใต้เพดาน เป็นต้น
Edouard Joseph Dantan, Salon Corner, พ.ศ. 2423 สืบพันธุ์ได้จากที่นี่
ในนวนิยายเรื่อง "Creativity" มีตอนที่ตัวละครเตรียมพร้อมสำหรับนิทรรศการ "Salon of the Rejected" ( เฝอ Salon des Refuses) - นิทรรศการขนานกับฝรั่งเศสอย่างเป็นทางการซึ่งนำเสนอผืนผ้าใบและประติมากรรมที่ถูกปฏิเสธในปี 1860 - 1870 โดยคณะลูกขุน Paris Salon ( เฝอ Salon de Paris). "Salon" - เป็นหนึ่งในนิทรรศการศิลปะที่มีชื่อเสียงที่สุดในฝรั่งเศสรวมถึงนิทรรศการปกติของ Parisian และ Academy of Fine Arts ในปัจจุบัน ( เฝอ Académie des beaux-arts). มันถูกมองว่าเป็นการโฆษณาชวนเชื่อของรสชาติของจักรพรรดิอย่างเป็นทางการ การเดินทางไปที่นั่นและจัดแสดงเป็นเรื่องของศักดิ์ศรีและความสามารถทางการตลาดสำหรับศิลปิน
ลองนึกภาพว่าในสมัยนั้น หลอดสีน้ำมันเพิ่งถูกประดิษฐ์ขึ้น และศิลปินเริ่มออกจากเวิร์กช็อปของพวกเขาในที่โล่งและวาดภาพจากธรรมชาติมากขึ้นในทันที และไม่ทำงานกับภาพร่างเล็กๆ ตามรอยการเดินทาง แน่นอนว่าสำหรับหลาย ๆ คน สิ่งที่อิมเพรสชันนิสต์ทำคือความป่าเถื่อนอย่างแท้จริง ภาพวาดที่สมจริงและสง่างามในเชิงวิชาการมีลักษณะเช่นนี้
Adolphe William Bouguereau, "ความปีติ" 2440 พิพิธภัณฑ์ศิลปะซานอันโตนิโอ (เท็กซัส)
อดอล์ฟ วิลเลียม บูเกโร จาก The Wave พ.ศ. 2439 ของสะสมส่วนตัว
และตอนนี้สำหรับการเปรียบเทียบภาพของ Edouard Manet ซึ่งอยู่ในระดับแนวหน้าในนวนิยายเรื่อง "Creativity" (มีเพียง Zola เท่านั้นที่กล่าวว่าตัวละครหลัก Claude เขียน) และคณะลูกขุน Salon ปฏิเสธอย่างเป็นเอกฉันท์และไม่พอใจ อะไร น้าเปล่าในบริษัทของผู้ชายสองคน? โมโหร้ายแบบไหน? และทำไมเธอถึงมองผู้ชมอย่างไร้ยางอาย? และเรารู้ว่าใครเป็นใคร! ใช่ ใช่ - เราจำแม่บ้านคนนี้ได้! และลักษณะการเขียนที่ธรรมดามีการละเมิดสัดส่วนที่ชัดเจน "รูปแบบของการวาดภาพแตกไปตามประเพณีทางวิชาการของเวลา แสง "ภาพถ่าย" ที่รุนแรงช่วยขจัดฮาล์ฟโทน มาเนต์ไม่ได้พยายามซ่อนจังหวะของแปรงและภาพจึงดูไม่เสร็จในบางแห่ง ภาพเปลือยในอาหารเช้า บนหญ้านั้นแตกต่างจากร่างที่นุ่มนวลไร้ที่ติของศิลปินวิชาการวาดภาพโรงเรียนมาก
Edouard Manet อาหารเช้าบนพื้นหญ้า 1863 Musee d'Orsay, ปารีส
แน่นอน เมื่อเทียบกับผลงานของศิลปินวิชาการแล้ว ผลงานของพวกอิมเพรสชันนิสต์ดูเหมือนกำลังแสดงภาพร่างต่อสาธารณชน ท้ายที่สุด ในเวลานั้นไม่มีใครสามารถจินตนาการถึงศักยภาพมหาศาลที่อยู่เบื้องหลังลักษณะอันน่าทึ่งของการเขียนโรงเรียนแห่งลมปราณ การวาดภาพด้วยอารมณ์
ฉันได้ดึงความสนใจของคุณมาหลายครั้งเกี่ยวกับความจริงที่ว่าคุณต้องเข้าใจอย่างชัดเจนว่าความคิดที่ผิดพลาดคือทิศทางหนึ่งในงานศิลปะค่อยๆถูกแทนที่ด้วยอีกทิศทางหนึ่งแม้ว่าพวกเขาจะได้รับในหนังสือเรียนในลักษณะนั้น - น่าเบื่อและในทางกลับกัน บ่อยครั้งที่กระแสศิลปะใหม่ ๆ เกิดขึ้นควบคู่ไปกับลักษณะการพรรณนาที่เป็นที่ยอมรับหรือทันสมัย คนที่มีความคิดสร้างสรรค์ในทิศทางใหม่ตลอดเวลาถูกบังคับให้ต่อสู้เพื่อสถานที่ภายใต้ดวงอาทิตย์เพราะสิ่งที่พวกเขาทำนั้นไม่ธรรมดา และเราเกี่ยวข้องกับสิ่งใหม่และเข้าใจยากอย่างไร? ขอบคุณถ้าเราไม่ฆ่าเหมือนมนุษย์ต่างดาวที่ชั่วร้ายที่แทรกซึมเข้าไปในรังอันอบอุ่นของเรา
John Singer Sargent, "Claude Monet วาดภาพที่ชายป่า", 2428, Tate Gallery
มันก็เหมือนกันกับอิมเพรสชั่นนิสม์ แนวโน้มใหม่ของการวาดภาพอารมณ์มากขึ้นนี้เกิดขึ้นควบคู่ไปกับการเขียนเชิงวิชาการ - วิชาการที่กล่าวถึงข้างต้น แม้กระทั่งหลายปีต่อมา ศิลปินหลายคนจากแวดวงอิมเพรสชันนิสต์ก็ไม่ละทิ้งความหวังที่จะเข้าไปใน "ซาลอน" และทำการปฏิวัติที่นั่น และไม่ใช่ที่ไหนสักแห่งในบึงที่เงียบสงบ และมันก็เกิดขึ้น
แต่กลับไปที่นวนิยายเรื่อง "ความคิดสร้างสรรค์" และเรื่องอื้อฉาวรอบตัว อิมเพรสชันนิสต์หลายคนในแวดวง Zola เป็นสมาชิกด้วย จำตัวเองได้ทันทีใน "ความคิดสร้างสรรค์" เพื่อนวัยเยาว์ของ Zola - ศิลปิน Paul Cezanne ( เฝอ Paul Cézanne, 1839-1906) - เพิ่งเลิกความสัมพันธ์กับผู้เขียน Zola ใช้กรณีจริงและข้อเท็จจริงจากชีวิตของ Cezanne สำหรับนวนิยาย แต่ยังประดับประดาด้วยรายละเอียดของตัวเองและเปลี่ยนพล็อตในลักษณะที่จะดึงความสนใจของผู้อ่านไปยังความไม่สมบูรณ์และความล้มเหลวของตัวเอก Claude Lantier ตามที่ Zola กล่าวว่า Claude เป็นศิลปินที่ไม่ประสบความสำเร็จในขณะที่พิจารณาจากคำอธิบายเขามีความคล้ายคลึงกับ Paul Cezanne ศิลปินตัวจริงอย่างมาก นอกจากทุกอย่างแล้ว Zola ไม่เห็นทางออกสำหรับฮีโร่ของเธอและเพียงแค่ "แขวนคอ" เขาในเวิร์กช็อปของเขาเอง - ฆ่าเขา คุณลองนึกภาพสิ่งที่พอลประสบเมื่อเขาจำตัวเองได้ในนวนิยายเรื่องนี้และตระหนักว่าความคิดเห็นของเพื่อนรักและคนรอบข้างเขามีความคิดเห็นอย่างไรเกี่ยวกับตัวเขาและสหายของเขา แต่ประชาชนรู้สึกยินดีกับความเป็นธรรมชาติที่กล้าหาญของโซล่า
ทางซ้ายคือ Paul Cezanne ทางขวาคือ Emile Zola ในวัยเด็กของเขา
นี่เป็นข้อความที่ตัดตอนมาสั้น ๆ จากการเล่าขานของ ดี. แอล. ไบคอฟ เพื่อให้คุณเข้าใจว่ามีความกระตือรือร้นอะไรเกิดขึ้นที่นั่น: “คลอดด์ไปเยี่ยมเพื่อนเก่า: มากูโดด้อยกว่ารสนิยมของสาธารณชน แต่ยังคงความสามารถและความแข็งแกร่ง เภสัชกรยังคงอยู่กับเขา และยิ่งน่าเกลียดมากขึ้นไปอีก Zhori ไม่ได้รับคำวิจารณ์มากนักเพราะการนินทาและค่อนข้างพอใจกับตัวเอง: Fagerol ผู้ซึ่งขโมยพลังและดูแลการค้นพบที่งดงามของ Claude และ Irma ที่เปลี่ยนคู่รักทุกสัปดาห์เป็นครั้งคราว รีบเร่งเข้าหากันเพราะไม่มีอะไรแข็งแกร่งไปกว่าการยึดติดของสองคนที่เห็นแก่ตัวและถากถางดูถูก เพื่อนคนโตของ Claude ซึ่งเป็นปรมาจารย์ที่ได้รับการยอมรับซึ่งต่อต้าน Academy เป็นเวลาหลายเดือนติดต่อกันไม่สามารถออกจากวิกฤตลึกไม่เห็นสิ่งใหม่ พูดคุยเกี่ยวกับความกลัวอันเจ็บปวดของศิลปินในการตระหนักถึงความคิดใหม่ ๆ และในภาวะซึมเศร้าของเขาคลอดด์เห็นลางบอกเหตุของการทรมานของตัวเองด้วยความสยดสยอง
และในตอนท้าย: "... อากาศแห่งยุคถูกวางยาพิษ Bongran Sandoz กล่าวในงานศพของอัจฉริยะซึ่งไม่มีอะไรเหลืออยู่ เราทุกคนเป็นผู้ไม่เชื่อและสิ้นศตวรรษจะต้องตำหนิทุกสิ่งด้วยความเน่าเปื่อย เสื่อมโทรมทุกวิถีทาง ศิลปะเสื่อมโทรม อนาธิปไตยรอบด้าน บุคลิกภาพถูกระงับ และอายุที่เริ่มต้นด้วยความชัดเจนและมีเหตุผลก็จบลงด้วยคลื่นลูกใหม่แห่งความคลุมเครือ ถ้าไม่ใช่เพราะกลัวตายทุก ศิลปินที่แท้จริงจะต้องทำตัวเหมือนคลอดด์ ... "นี่เป็นความคิดเห็นที่แปลกประหลาดของผู้สังเกตการณ์ภายนอกเกี่ยวกับสิ่งที่ศิลปินเป็นหนี้บุญคุณ
อย่างที่คุณเห็นไม่มีอะไรเปลี่ยนแปลงมากนัก และมันก็ดีจริง เพราะนี่เป็นสัญญาณว่าพรสวรรค์และความปรารถนาที่จะสร้างความสวยงามและนิรันดร์นั้นยังไม่หมดไป และปัญหาของศิลปินก็คงจะคล้ายคลึงกันมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื่องจากโลกศิลปะมีและยังคงมี "โมสาร์ทและซาลิเอรี" เป็นของตัวเอง แต่ฉันยึดถือตำแหน่งที่ดูเหมือนว่าหลายคนเท่านั้นที่ทุกอย่างหายไปเช่นเดียวกับที่ Sandoz ดูเหมือน (ซึ่ง Zola เองทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับ) ท้ายที่สุด แม้ว่าคุณจะพิจารณาอุปมาอุปไมยที่ชื่นชอบเกี่ยวกับโมสาร์ทและซาลิเอรีอย่างละเอียดถี่ถ้วน - เกี่ยวกับความอิจฉาริษยาและพรสวรรค์ที่แท้จริง มันก็ระเบิดออกมาราวกับฟองสบู่ เพราะนิยายและความหลงใหลในนั้นเป็นเรื่องไกลตัว
ด้านซ้ายเป็นภาพเหมือนของ Mozart ตลอดชีวิต โดย Johann Georg Edlinger (1790) ด้านขวาเป็นภาพเหมือนของ Salieri โดยศิลปินชาวเยอรมันและนักแต่งเพลง Josef Willibrord Mehler จากช่วงเวลาเดียวกัน
ท้ายที่สุดแล้ว มีเพียงไม่กี่คนที่รู้ว่าการแข่งขันและการเป็นปฏิปักษ์ระหว่างคนที่กล่าวถึงข้างต้นเป็นเพียงวรรณกรรมเท่านั้น การเล่นของพุชกินเกี่ยวกับโมสาร์ทและซาลิเอรีนั้นอิงจากเพียงหนึ่งในข่าวลือที่ชั่วร้ายที่เกิดจากการเสียชีวิตก่อนวัยอันควรของ W. A. Mozart ( เยอรมัน โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท ค.ศ. 1756-1791). Alexander Sergeevich คว้าเวอร์ชันที่มีการโต้เถียงการแสดงละครและเรื่องอื้อฉาวมากที่สุด และทั้งหมดเป็นเพราะอันโตนิโอ ซาลิเอรี ( มัน. อันโตนิโอ ซาลิเอรี 1750-1825) เป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นและโดดเด่นในยุคนั้น พวกเขาไม่ยึดติดกับโจเซฟ ไฮเดน ( เยอรมัน Franz Joseph Haydn 1732-1809) ด้วยข้อกล่าวหา - เขายังแขวนอยู่ที่นั่นและแก่กว่า Salieri ด้วย ตามรุ่นแล้ว Salieri วัย 40 ปีในขณะนั้นไม่มีความทะเยอทะยานเช่น Mozart เขามาจากครอบครัวที่ยากจนและทำงานอย่างหนักเพื่อรับตำแหน่งที่เขาทำได้ Salieri ไม่มีเหตุผลที่จะเสี่ยงเช่นนั้น และนิสัยก็ไม่เหมือนเดิม เป็นผลให้คำพูดที่สวยงามของกวีที่มีชื่อเสียงนำไปสู่การแพร่หลายและหยั่งรากในจิตสำนึกของมวลของตำนานของการมีส่วนร่วมของ Salieri ในการตายอันน่าเศร้าของโมสาร์ท และตอนนี้แม้แต่ชื่อของ Salieri ในรัสเซียก็กลายเป็นชื่อครัวเรือน อันที่จริง Salieri เป็นนักแต่งเพลงและครูที่มีความสามารถ มีประสบการณ์สูง และประสบความสำเร็จ เขาเป็นคนที่เป็นครูของนักประพันธ์เพลงคนอื่น ๆ ทั้งรุ่นซึ่งตามแหล่งข่าวคนหนึ่ง ได้แก่ Beethoven, Schubert และ Liszt นอกจากนี้ มีเพียงไม่กี่คนที่รู้ว่าหลังจากการตายของ Mozart Salieri กลายเป็นที่ปรึกษาของ Franz Xaver ลูกชายคนเล็กของผู้เสียชีวิต และเขาก็ทำตามคำขอของคอนสแตนซ์ โมสาร์ท ภรรยาของโวล์ฟกัง อมาเดอุส ถ้าแม้แต่คนที่ใกล้ชิดกับโมสาร์ทก็ไม่สงสัยเลย และหลายปีต่อมาก็มีแต่ทัศนคติที่เคารพต่อซาลิเอรี ทั้งหมดเกี่ยวกับอะไร? ความอยุติธรรมสีดำคืออะไร? ตำนานที่น่ารังเกียจนี้ที่เก็บไว้ในใจอย่างต่อเนื่องคืออะไร? ตามรุ่นแล้ว Salieri มีความเคารพอย่างมากต่อ Mozart และของขวัญของเขา โมสาร์ทเองไม่ได้พูดถึงอารมณ์ชั่วร้ายของซาลิเอรีหรือการโจมตีใดๆ ในทิศทางของเขาในจดหมายโต้ตอบใดๆ พิพิธภัณฑ์โมสาร์ทในซาลซ์บูร์ก (บ้านที่โมสาร์ทเกิด) ได้ดำเนินการจัดนิทรรศการที่อุทิศให้กับซาลิเอรีภายในกำแพงเพื่อล้างชื่อบุคคลที่มีความสามารถนี้ หากปราศจากผู้นั้น เราจะสูญเสียผู้มีพรสวรรค์อีกจำนวนหนึ่ง นักแต่งเพลง
แต่ด้วยเหตุผลบางอย่าง เราถูกจัดวาง เป็นคนที่มีความคิดสร้างสรรค์ ซึ่งความปรารถนาจะหลั่งไหลเข้ามาในตัวเรา ถึงแม้ว่าเราจะบ่นว่ามันเป็นบาปอยู่แล้ว ยกตัวอย่างเช่น ภาพยนตร์สารคดีปี 2012 ที่กำกับโดย Gilles Bourdo ( เฝอ Gilles Bourdos* 1963) เกี่ยวกับปีสุดท้ายของอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส Pierre-Auguste Renoir ( เฝอ ปีแยร์-โอกุสต์ เรอนัวร์ ค.ศ. 1841-1919) ใน Cagnes-sur-Mer ในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง - "Renoir. Last Love" ( เฝอ เรอนัวร์). ในตอนหนึ่ง บทสนทนาต่อไปนี้เกิดขึ้นระหว่างศิลปินกับนางแบบ นางแบบสาวขออนุญาตย้ายระหว่างช่วงวาดภาพ ในเวลานั้น Renoir เป็นผู้เชี่ยวชาญและเป็นอัจฉริยะที่ได้รับการยอมรับ ทุกคนเดินเขย่งเท้าไปรอบๆ ตัวเขา อาจารย์เต็มใจอนุญาตให้เด็กผู้หญิงลุกขึ้นและเปลี่ยนตำแหน่งโดยบอกว่าถ้าเขาต้องการวาดก้อนหินเขาจะไม่เรียกเธอให้โพสท่า จากนั้นเขาก็ยกตัวอย่างศิลปินบางคนจาก Aix-en-Provence ที่ชอบวาดภาพคนตาย ยิ่งไปกว่านั้น เขาถูกกล่าวหาว่าหนีจากหุ่นจำลองของเขา ขังตัวเองอยู่ในบ้านของพ่อและทาสีแอปริคอตของเขา ทำไมคุณถึงบ่นเหมือนพ่อค้า เรอนัวร์ผู้เฒ่าเหรอ? คุณสนใจแอปริคอตของคนอื่นอย่างไร? ข้างหน้าคุณบนโซฟามีหญิงสาวสวยอยู่ วาดแล้ว! แต่ไม่มี. เขาอารมณ์เสียที่คนอื่นมีความสำคัญในชีวิต
เฟรมจากภาพยนตร์เรื่อง "Renoir. Last Love", 2012
หากคุณไม่ทราบอย่างรวดเร็วเกี่ยวกับการวิ่งหนีจากนางแบบและแอปริคอต - และมันก็เป็นหินในสวนของ Cezanne ซึ่งอาศัยอยู่อย่างสันโดษในคฤหาสน์ตระกูล Jas de Bouffan เป็นเวลาหลายปี ( เฝอ Jas de Bouffan ชื่อนี้แปลว่า "บ้านแห่งสายลม" อย่างแท้จริง) ในเอ็กซองโพรวองซ์
พูดตามตรง ฉันไม่รู้จักคนที่มีพรสวรรค์อย่างแท้จริงด้วยบุคลิกที่เบาและเรียบง่าย อนิจจาสิ่งนี้ไม่ได้เกิดขึ้น พรสวรรค์สามารถและมอบให้กับคนที่เกิด แต่ผู้ที่หล่อเลี้ยงมันจริงๆ ทำงานหนักและก้าวไปสู่เป้าหมายในที่สุด ไม่ใช่คนธรรมดา ยิ่งไปกว่านั้น ตามที่เพื่อนคนหนึ่งของฉันบอก ศิลปินต้องทำงานกับตัวละครที่ไม่ดีเพื่อที่จะได้อยู่ตามลำพังและได้รับอนุญาตให้สร้างได้ เห็นได้ชัดว่า Cezanne โดดเด่นเป็นพิเศษในทุกด้าน เป็นเวลานานหลังจากที่เขาเสียชีวิต พวกเขาขว้างก้อนหินและแอปริคอตใส่เขา
Paul Cezanne "Still life with apples and oranges", 1895-1900, ตั้งอยู่ใน Musée d "Orsay ในปารีส
อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ไม่ได้หยุดศิลปินที่คุ้นเคยจากปารีสไม่ให้ไปเยี่ยม Cezanne และเขียนงานขายตามแนวคิดและพัฒนาการของ Paul ดังที่ Zola อธิบายไว้ในนวนิยายเรื่อง Creativity ของเขา ตัวอย่างเช่น ฉันคิดเสมอว่า Harlequins ของ Picasso เป็นมือขวาของเขา และเมื่อสองสามปีก่อน ฉันอยู่ที่นิทรรศการ "Cézanne - Aufbruch in die Moderne" ที่พิพิธภัณฑ์ Folkwang ในเมือง Essen ประเทศเยอรมนี ที่นั่น ฉันเห็นการเปรียบเทียบโดยตรงของผลงานของปิกัสโซ มาติส และเซซาน ปรากฎว่า Harlequins ของ Picasso "ล้มลง" หลายปีต่อมาตามคำแนะนำของ Cezanne มาติสบางครั้งทำงานในระดับของ Cezanov คัดลอกแปลง
ด้านซ้ายเป็นผลงานของ Matisse "Still Life with Oranges" 2441 ด้านขวาเป็นผลงานของ Cezanne "Basket of Apples" 2436
นิทรรศการที่กล่าวถึงข้างต้นมีผลงานมากกว่า 100 ชิ้น อย่างไรก็ตาม งานบางชิ้นมาจากพิพิธภัณฑ์พุชกิน ผู้อำนวยการพิพิธภัณฑ์ Folkwang ในขณะนั้นคือ Hubertus Gassner ( Hubertus Gassner) กล่าวอย่างมีชั้นเชิงว่านิทรรศการมีการเปรียบเทียบกับผลงานของ Matisse ( อองรี มาติส, 2412-2497) และปิกัสโซ ( ปาโบลปีกัสโซ 2424-2516) เพื่อให้ชัดเจนว่างานของ Cezanne มีอยู่ในยุคของ Modernism และสำหรับศิลปะของศตวรรษที่ 20 โดยทั่วไปอย่างไร
ด้านซ้ายเป็นผลงานของ Cezanne "Pierrot and Harlequin" จากรำพึง พวกเขา. Pushkin 1888 ผลงานของ Picasso "The Harlequin Family" 1905 ทางด้านขวา
แน่นอนว่ามีอยู่จริง Cezanne อาศัยอยู่อย่างสันโดษซึ่งแตกต่างจาก Picasso คนเดียวกัน ไม่มีอินเทอร์เน็ตและทีวีเพื่อให้ผู้ชมเห็นว่าขาเติบโตจากที่ใด แต่เราจะเพลิดเพลินกับ Harlequins ที่สวยงามได้อย่างไรถ้าอัจฉริยะของ Cezanne และอัจฉริยะของ Picasso ไม่มีอยู่ในธรรมชาติแม้ว่าพวกเขาจะได้รับแรงบันดาลใจจากกันและกัน?
และถ้าเรากลับไปที่หัวข้อเดิมที่มีศิลปินมากเกินไป - ดังนั้นโศกนาฏกรรมทั้งหมดด้วยความอิจฉาริษยาและคร่ำครวญเกี่ยวกับความสามารถที่แท้จริง นี่ดูเหมือนจะเป็นรายละเอียดที่ไม่มีนัยสำคัญที่ดึงดูดสายตาของฉันเป็นการส่วนตัว
ลองนึกภาพว่าเราซึ่งเป็นผู้อาศัยบนโลกใบนี้ มีอยู่แล้วเกือบ 7.5 พันล้าน แนวโน้มกำลังเพิ่มขึ้น คุณคิดว่ามีกี่พันล้านคนที่ได้รับการศึกษา มีวัฒนธรรม มีสติปัญญา และมีพรสวรรค์? มีตัวอย่างหรือไม่? ถ้าไม่อย่างนั้น ฉันจะตอบคุณด้วยคำพูดของอับราฮัม ลินคอล์น: "พระเจ้า ทรงรักคนธรรมดา เพราะพระองค์ทรงสร้างพวกเขามามากมาย" และนี่ไม่ใช่การดูถูก แต่เป็นคำแถลงข้อเท็จจริง
รูปภาพ
นักเรียนรัสเซีย ฤดูใบไม้ผลิ-2017
ทิศทาง: วารสารศาสตร์
การเสนอชื่อ: บทบรรณาธิการยอดเยี่ยม
ทำไมคนที่มีความคิดสร้างสรรค์จึงแปลกเล็กน้อย?
“แทบไม่มีความยินดีใดมากไปกว่าความสุขในการสร้างสรรค์”
เอ็น.วี. โกกอล
คุณต้องเคยได้ยินวลี "คนสร้างสรรค์" อย่างน้อยหนึ่งครั้งในชีวิตของคุณ และมักจะมีความหมายแฝงที่น่าขันเล็กน้อยที่มีความหมายว่า "ผิดปกติ วิเศษ" บุคคลที่สร้างสรรค์คิด กระทำ และบางครั้งถึงกับพูดที่แตกต่างจากคนทั่วไป พวกเขามีนิสัยแปลก ๆ ที่เข้าใจยากและกิจวัตรประจำวัน พวกเขาสามารถแต่งตัวน่าขันและมีอารมณ์มากเกินไป เป็นเด็กและผิดปกติ แต่ที่น่าประหลาดใจที่สุดคือพวกเขาไม่คิดว่าตัวเองแปลกเลย พวกเขาไม่มีเวลาให้ความสนใจกับเรื่องเล็ก ๆ น้อย ๆ เหล่านี้เพราะพวกเขาหมกมุ่นอยู่กับความคิดสร้างสรรค์อย่างสมบูรณ์และแม้ว่าในสายตาของสาธารณชนโดยทั่วไปแล้วบุคคลจะไร้ความสามารถ แต่ตัวเขาเองก็รักงานของเขามากไม่ว่าอะไรจะเกิดขึ้น
ทำไมคนสร้างสรรค์ถึงแปลก? มักกล่าวเกี่ยวกับพวกเขาว่าพวกเขา "บินในเมฆ" หรือ "ไม่ใช่ของโลกนี้" และนี่เป็นความจริงอย่างแน่นอน ความคิดสร้างสรรค์ในบุคคลนั้นแสดงออกผ่านจินตนาการของเขาก่อน จินตนาการคือหัวใจของดนตรีของ Bach กวีนิพนธ์ของ Pushkin และภาพวาดของ Picasso เนื่องจากความไวที่เพิ่มขึ้นผู้สร้างในชีวิตประจำวันของเขาต้องเผชิญกับความไม่สมบูรณ์ของโลกความไม่ลงรอยกันความโกลาหลและความขัดแย้งอย่างต่อเนื่องดังนั้นด้วยจินตนาการของเขาเขาจึงย้ายไปยังโลกสมมุติที่ยอดเยี่ยมซึ่งไม่มีที่สำหรับ ปัญหาและความยากลำบากในชีวิตประจำวัน มันดีมากที่นั่น และนี่คือที่ที่ผู้สร้างไปทุกครั้งที่เขาหยิบแปรง / สวมรองเท้าปวงต์ / นั่งลงที่เปียโน (ขีดเส้นใต้ตามความจำเป็น) กระบวนการสร้างสรรค์ทำให้เขามีความสุขอย่างมาก ดังนั้นเขาจึงทำงานทั้งกลางวันและกลางคืน โดยลืมเรื่องการนอนหลับและอาหาร และเขาพยายามที่จะแสดงผลของแรงกระตุ้นที่สร้างสรรค์ของเขาให้ผู้อื่นเห็น เพื่อให้พวกเขาเป็นส่วนหนึ่งของโลกในอุดมคติของเขา เพื่อทำให้ชีวิตของพวกเขามีความกลมกลืน สมบูรณ์แบบ และสวยงามยิ่งขึ้น ผู้สร้างทุกคนมีชีวิตที่โรแมนติกที่ฝันถึงการเปลี่ยนแปลงความเป็นจริงให้ดีขึ้น
คุณภาพของคนสร้างสรรค์อีกประการหนึ่งคือความสามารถในการมองเห็นสิ่งผิดปกติในธรรมดา ครีเอเตอร์ก็เหมือนเด็กๆ ที่พร้อมจะเซอร์ไพรส์ทุกอย่าง! พวกเขาช่างสังเกต ช่างสังเกต และชอบที่จะเรียนรู้ ความปรารถนาอย่างต่อเนื่องที่จะลองสิ่งใหม่ ๆ ทำให้คนที่มีความคิดสร้างสรรค์แตกต่างจากคนธรรมดา คนที่มีความคิดสร้างสรรค์ต้องพัฒนาและเติบโตอย่างต่อเนื่องเพื่อพัฒนาทักษะของเขา
บางครั้งบุคคลที่สร้างสรรค์ถูกมองว่าไม่เพียงพอในสังคมเนื่องจากความเป็นอิสระในการตัดสินและความกล้าหาญในการสร้างสรรค์ ผู้สร้างมีความคิดเห็นของตัวเองอยู่เสมอ และความคิดเห็นของผู้อื่นมีอิทธิพลต่อเขาน้อยกว่าคนธรรมดาทั่วไปมาก ผู้สร้างไม่สนใจสิ่งที่คนอื่นคิดเกี่ยวกับเขา และการเพิกเฉยต่อความคิดเห็นของสาธารณชนมักทำให้เกิดการตัดสินเชิงลบจากภายนอก ความคิดสร้างสรรค์ในตัวเองนั้นเหนือกว่าแบบแผนและแบบแผน และพฤติกรรมดังกล่าวอย่างที่คุณทราบ ไม่ได้รับการต้อนรับจากฝูงชน ฝูงชนมีกฎเกณฑ์ของตัวเอง และความคิดสร้างสรรค์ไม่เหมาะกับพวกเขาอย่างแน่นอน
อีกลักษณะหนึ่งของคนที่มีความคิดสร้างสรรค์ นักจิตวิทยาเรียกทัศนคติเชิงบวกต่องานที่ซับซ้อน ความยากลำบากเพียงกระตุ้นให้พวกเขาทำงานหนักขึ้นและหนักขึ้น อย่างไรก็ตาม ควรกล่าวถึงประสิทธิภาพของผู้สร้าง แน่นอนพวกเขาจะไม่วิ่งหนีจากที่ทำงานทันทีที่ถึงเวลาหกโมงเย็น ในแง่ของชีวิตส่วนตัว พวกเขาอาจดูเหมือนเกียจคร้าน แต่ในธุรกิจของพวกเขา พวกเขามีระเบียบวินัย บังคับ และทำงานหนักมาก
และสุดท้าย คุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของผู้สร้างก็คือพรสวรรค์ พรสวรรค์ถูกวางไว้ในบุคคลโดยธรรมชาติในความสามารถทางจิตและคุณสมบัติทางกายวิภาคของเขา “พรสวรรค์ก็เหมือนหูด ไม่ว่าจะมีหรือไม่มี” Faina Ranevskaya กล่าว ในวัยเด็กพ่อแม่สังเกตเห็นว่าลูกทำอะไรได้ดีกว่าเด็กคนอื่น บางทีตอนนี้ฉันจะบอกความจริงทั่วไป แต่พรสวรรค์สามารถจางหายไปได้ตลอดกาลหากไม่ได้รับทันเวลาและพัฒนาโดยการทำงานหนัก นอกจากพรสวรรค์แล้ว ครีเอทีฟมักจะมีความต้องการด้านความงามเพิ่มขึ้น ดังนั้น กล่าวคือ ความรู้สึกด้านสุนทรียะที่พัฒนาขึ้น
สรุปแล้วฉันอยากจะบอกว่าท้ายที่สุดแล้วบุคคลที่สร้างสรรค์ไม่ได้เกิด แต่กลายเป็น มีตัวอย่างมากมายที่ความมีวินัยในตนเองและความขยันหมั่นเพียรสร้างอัจฉริยะที่แท้จริง ไม่ได้เลวร้ายไปกว่าผู้ที่มีพรสวรรค์แต่แรก ขณะนี้มีการฝึกอบรมมากมายเพื่อพัฒนาความคิดสร้างสรรค์และแบบทดสอบเพื่อรับรู้ถึงความโน้มเอียงที่สร้างสรรค์ของคุณ แต่โดยทั่วไปแล้ว ทั้งหมดนี้ไม่สำคัญว่างานที่คุณทำจะทำให้คุณมีความสุขหรือไม่ และถึงแม้ว่าคุณจะเต้นไม่เป็น แต่คุณชอบมันมาก ไม่มีใครกล้าหยุดคุณ!
ที่มาของรูปภาพ: http://dance-theatre.ru/centr-sovremennoi-horeorgafii/
พวกเราใส่จิตวิญญาณของเราเข้าไปในเว็บไซต์ ขอบคุณสำหรับสิ่งนั้น
เพื่อค้นพบความงามนี้ ขอบคุณสำหรับแรงบันดาลใจและขนลุก
เข้าร่วมกับเราได้ที่ Facebookและ ติดต่อกับ
ศิลปะชั้นสูงเป็นสิ่งที่ซับซ้อนและเข้าใจยากสำหรับหลาย ๆ คน การวาดภาพยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาด้วยภาพในอุดมคติดึงดูดผู้ชื่นชมมากมาย แต่ไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับทุกคนที่จะเชื่อว่าผลงานของ Picasso และ Kandinsky สามารถใช้เงินได้อย่างเหลือเชื่อ ความอุดมสมบูรณ์ของคนเปลือยกายในภาพนั้นเป็นปริศนาอีกประการหนึ่ง เช่นเดียวกับความขัดแย้งที่ภาพวาดที่ดีไม่จำเป็นต้องสวยงาม
เว็บไซต์ฉันได้เรียนรู้คำตอบของคำถามที่น่าสนใจมากมายเกี่ยวกับการวาดภาพโดยดูจากผลงานของนักวิจารณ์ศิลปะและนักวัฒนธรรมศาสตร์
1. การทาสีแพงจริงหรือ?
ทุก ๆ ครั้งเราได้ยินเกี่ยวกับจำนวนเงินบ้า ๆ ที่วางไว้สำหรับภาพนี้หรือภาพนั้น แต่ในความเป็นจริง เงินจำนวนนี้เป็นผลงานเพียงเล็กน้อยเท่านั้น ศิลปินส่วนใหญ่ไม่เคยเห็นเงินจำนวนมาก นักประวัติศาสตร์ศิลป์ Jonathan Binstock เชื่อว่ามีผู้แต่งเพียง 40 คนในโลกที่ภาพวาดมีค่าด้วยผลรวมที่มีศูนย์จำนวนมาก
กฎของแบรนด์
นี่อาจเป็นตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุด คุณคงเคยได้ยินเกี่ยวกับ Banksy ศิลปินกราฟฟิตี้ การวางแนวทางสังคมแบบเฉียบพลันของผลงานและชีวประวัติที่ปกคลุมไปด้วยความลึกลับได้ทำหน้าที่ของพวกเขา วันนี้ Banksy เป็นศิลปินที่ผลงานมีมูลค่าหลายหลัก ภาพวาดของเขา "Girl with a Balloon" ขายได้ 1.042 ล้านปอนด์ และคนทั้งโลกก็เริ่มพูดถึงการแสดงเพื่อทำลายทันทีหลังการขาย
Banksy เป็นแบรนด์และ แบรนด์ขายดี. ทางนี้, ค่าใช้จ่ายของภาพวาดนั้นขึ้นอยู่กับชื่อเสียงของผู้แต่งเป็นส่วนใหญ่
การขายภาพหนึ่งที่ประสบความสำเร็จคือกุญแจสู่ความสำเร็จของผู้อื่น
ศิลปินอาจโชคร้ายมาเป็นเวลานาน เขาจะเติบโตอย่างยากจนข้นแค้นและมืดมน ไม่สามารถขายผลงานของเขาได้กำไร แต่ทันทีที่เขาสามารถขายภาพวาดของเขาให้ได้เงินจำนวนมาก คุณมั่นใจได้เลยว่าผลงานอื่นๆ ของเขาจะพุ่งสูงขึ้น
หายาก ขาดแคลน ไม่ซ้ำใคร
Jan Vermeer ศิลปินชาวดัตช์ถูกเรียกว่าประเมินค่าไม่ได้ในปัจจุบัน พู่กันของเขามีภาพวาดไม่มากนัก - มีเพียง 36 รูปเท่านั้น ศิลปินเขียนค่อนข้างมาก ช้า. สูญหายในปี 1990 ภาพวาด "คอนเสิร์ต" ของ Dutchman อยู่ที่ประมาณ 200 ล้านดอลลาร์ ความหายากและความขาดแคลนผืนผ้าใบส่งผลกระทบต่อความจริงที่ว่าราคาของพวกเขาสูงมาก
แวนโก๊ะในตำนานคือสุดยอดแบรนด์ มีภาพวาดของศิลปินไม่กี่ภาพ และเห็นได้ชัดว่า เขาจะไม่ทำอะไรอีกแล้ว. ผลงานของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะตัว
10 ปีที่แล้ว Suprematist Composition ของ Malevich ถูกขายไปในราคา 60 ล้านดอลลาร์ บางที ถ้าไม่ใช่เพราะวิกฤต มันอาจจะขายได้ 100 ล้านดอลลาร์ ภาพวาดโดย Malevich ในคอลเล็กชั่นส่วนตัวโดยไม่มีข้อยกเว้นและเมื่อครั้งหน้าของประเภทนี้ปรากฏบนตลาดไม่เป็นที่รู้จัก อาจจะใน 10 ปี อาจจะใน 100
โดยทั่วไปแล้ว เห็นได้ชัดว่าผู้ซื้อพร้อมที่จะจ่ายเงินที่ยอดเยี่ยม สำหรับของหายากสุดๆ.
นวัตกรรมมีราคาแพง
หนึ่งในผลงานของ Richard Prince ในทิศทางของ "การยืมศิลปะ"
การวาดภาพเป็นหน้าที่ของแลนด์มาร์ค
วันนี้ระดับของการท่องเที่ยวเชิงวัฒนธรรมเติบโตขึ้นและการวาดภาพก็ทำหน้าที่ สถานที่ท่องเที่ยว. นักท่องเที่ยวเข้าแถวเป็นชั่วโมงที่พิพิธภัณฑ์ชื่อดัง และเพื่อที่จะประกาศตัวเองและอ้างสิทธิ์ในชื่อเสียงระดับโลก แกลเลอรี่ต้องเป็นเจ้าของต้นฉบับของจิตรกรที่มีชื่อเสียงและเป็นที่นิยมอย่างแน่นอน
ศูนย์กลางการท่องเที่ยวเชิงวัฒนธรรมที่สร้างขึ้นอย่างปลอมๆ ก็เติบโตขึ้นเช่นกัน ตัวอย่างเช่น ในตะวันออกกลางและในประเทศจีน ล่าสุดราชวงศ์ กาตาร์ทำธุรกรรมส่วนตัวสำหรับ $ 250 ล้าน- ทั้งหมดเพื่อให้ประเทศมีภาพ Cezanne "ผู้เล่นการ์ด".
เมื่อมีทุกอย่าง ศิลปะก็เริ่มดึง
ในปี 2560 มหาเศรษฐี Dmitry Rybolovlev ขายภาพวาดนี้ให้กับ Leonardo da Vinci ในราคา 450 ล้านเหรียญ ตอนนี้เป็นข้อตกลงที่แพงที่สุดในโลกของการวาดภาพ
เมื่อคุณมีบ้าน 4 หลังและเครื่องบิน G5 จะทำอะไรได้อีก? มันยังคงเป็นเพียงการลงทุนในการวาดภาพเพราะมันคือ หนึ่งในสกุลเงินที่แข็งแกร่งที่สุด».
ตามข้อมูลปี 2015 มีเศรษฐีเงินล้าน 34 ล้านดอลลาร์ในโลก และถึงแม้เราจะจินตนาการว่ามีเพียง 1% เท่านั้นที่สนใจศิลปะ แต่กลับกลายเป็นว่าในโลกที่พวกเขาอาศัยอยู่ 340,000 คนที่พร้อมจะจ่ายเงินก้อนสำหรับภาพวาด. และภาพเขียนของนักเขียนชื่อดังอย่างที่เราเขียนไว้ข้างต้นนั้นมีน้อยมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเทียบกับจำนวนเศรษฐี นอกจากนี้แม้แต่ผู้ที่ไม่สนใจการวาดภาพก็พร้อมที่จะลงทุนเพื่อศักดิ์ศรีหรือความมั่นคงของการลงทุนดังกล่าว
เลยกลายเป็นว่าค่าทำสีที่สูงนั้นส่วนใหญ่มาจากข้อเท็จจริงที่ว่า เงินมากเกินไปไล่น้อยเกินไป.
2. ภาพวาดทั้งหมดจำเป็นต้องมีเฟรมหรือไม่?
ภาพวาดโดย Georges Seurat "คลองที่ Gravelines, Great Fort Philippe"
หนังสือของ Susie Hodge ทำไมถึงมีคนเปลือยกายมากมายในงานศิลปะ พูดถึงวัตถุประสงค์ของเฟรม ใช่พวกเขา ปกป้องขอบของภาพและดึงความสนใจไปที่มัน. เฟรมบางเฟรมดูเพ้อฝัน บางเฟรมค่อนข้างเรียบง่าย ไม่วอกแวกจากการไตร่ตรอง จุดประสงค์ของเฟรมคือเพื่อเสริมภาพและแสดงให้ดีที่สุด
นี่คือศิลปินนามธรรม Piet Mondrianเปรียบเทียบเฟรมกับ กำแพงที่กั้นระหว่างผู้ดูกับภาพ. เขาต้องการขจัดความรู้สึกห่างไกลออกไป และศิลปินเขียนไว้ที่ขอบของผืนผ้าใบและแม้กระทั่งบนแก้ม
Georges Seurat ไม่ชอบเงาซึ่งถูกโยนโดยกรอบบนรูปภาพ และตัวเขาเองก็มักจะวาดกรอบจากจุดเล็กๆ ที่มีสีต่างกัน อย่างไรก็ตาม ตามหลักการที่คล้ายคลึงกันของภาพวาดของ Seurat ทีวีสีจะทำงานได้ภายในครึ่งศตวรรษ
3. เหตุใดจึงมีคนเปลือยจำนวนมากในภาพ?
ชิ้นส่วนของปูนเปียก "Creation of Adam" ของ Michelangelo
แม้แต่ชาวกรีกโบราณก็ยังเชื่อว่าร่างกายที่เปลือยเปล่านั้นสวยงามอย่างไม่น่าเชื่อ
ในงานศิลปะมักเป็นภาพเปลือย - มันเป็นสัญลักษณ์. สัญลักษณ์แห่งชีวิตใหม่ ความจริงใจ การหมดหนทางของสิ่งมีชีวิตตลอดจนชีวิตและความตาย
นอกจากนี้ไม่มีอะไรเป็นสาเหตุ อารมณ์รุนแรงเช่นนี้ผู้ชมเหมือนความเปลือยเปล่า อาจเป็นความสนใจ ความอับอาย ความอับอาย หรือความชื่นชม
4. เหตุใดทุกอย่างจึงแบนราบและโดยทั่วไปไม่สมจริง
ภาพวาดโดยศิลปินชาวเช็ก Bohumil Kubishta “The Hypnotist”
บางทีหนึ่งในข้อกล่าวหาที่พบบ่อยที่สุดกับอาจารย์สมัยใหม่อาจเป็นดังนี้: ศิลปินลืมวิธีถ่ายทอดความเป็นจริงไปแล้ว. จึงเกิดความเข้าใจผิดว่าวัตถุมีลักษณะแบน
แต่ลองดูที่ผืนผ้าใบ คิวบิสต์. พวกเขาทำลายมุมมอง แต่แสดงวัตถุในเวลาเดียวกันจากมุมที่ต่างกันและ แม้ในเวลาที่ต่างกัน. ดังนั้นจึงไม่สามารถกล่าวได้ว่าภาพบนผืนผ้าใบเป็นแบบสองมิติ
ไม่จำเป็นต้องวาด "หน้าตา" อีกต่อไป - ภาพถ่ายสามารถทำได้ ดังนั้นจึงจำเป็นต้องค้นหาคำตอบสำหรับคำถามที่ว่าทำไมศิลปินในภาพนี้หรือภาพนั้นถึงแสดงความเป็นจริงว่าแบนจึงเป็นสิ่งจำเป็นใน ความคิดของผู้เขียน. การลบรายละเอียดบางอย่างของภาพ ศิลปินเน้นไปที่ผู้อื่น ทำให้ภาพง่ายขึ้นเขา
แต่เป็นมืออาชีพ ศิลปินแนวหน้าแห่งศตวรรษที่ 19-20มีการศึกษาด้านศิลปะและมีฐานที่แข็งแกร่งอยู่เบื้องหลัง พวกเขาคือ เขียนอะไรก็ได้แต่เมื่อถึงจุดหนึ่ง เลยตัดสินใจทำแบบนี้เลียนแบบบรรพบุรษ อย่างที่พวกเขาพูดกันว่านี่เป็นความตั้งใจเพราะนี่เป็นวิธีการใหม่ (และน่าสนใจสำหรับผู้ที่เบื่อหน่ายแบบเก่า) ในการมีอิทธิพลต่อผู้ชม
ศิลปินจะทำงานได้ดีมากกับภาพวาดในจิตวิญญาณของความเป็นคลาสสิกเชิงวิชาการ และนั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมพวกเขาถึงน่าเบื่อ Young Picasso วาดภาพเหมือนสัมผัสและค่อนข้างเหมือนจริง แต่ศิลปินที่เป็นผู้ใหญ่ได้เลือกเส้นทางที่ทำให้ตัวเองตื่นตระหนก เติมพลังให้กับดวงตา ซึ่งช่วยแสดงไหวพริบที่มีสีสันและความรู้สึกของรูปแบบ
6. ภาพวาดต้องสวยไหม?
ความสวยงามไม่ได้หมายถึงศิลปะ และศิลปะก็ไม่ได้สื่อถึงความงามเสมอไป ทุกคนมีแนวคิดเรื่องความงามที่แตกต่างกัน และความคิดเห็นของคนเพียงคนเดียวก็ไม่อาจถือเป็นมาตรฐานได้
ลองพูดนอกเรื่องจากการวาดภาพและวาดเส้นขนานกับภาพยนตร์ ในบรรดานักประวัติศาสตร์ศิลป์ เราพบความคิดเห็นดังต่อไปนี้: การพูดว่าภาพต้องสวยงามอย่างแน่นอน ก็เหมือนกับการบอกว่าหนังจริงเป็นเพียงหนังตลกโรแมนติกหรือเรื่องประโลมโลกที่จบอย่างมีความสุข และละครจิตวิทยา, หนังแอ็คชั่น, ระทึกขวัญ - นี่ไม่ใช่หนังเลย เห็นด้วยมีเหตุผลในเรื่องนี้
ศิลปะ (รวมถึงภาพวาด) ต้องพูดภาษาของเวลานั้น และเพื่อที่จะได้เพลิดเพลินกับภาพใดๆ ก็ตาม แม้แต่ภาพที่เหมือนจริง คุณจำเป็นต้องรู้ว่าสิ่งที่ปรากฎบนภาพนั้นคืออะไร ที่นิทรรศการ เรามักจะอ่านคำบรรยายบนผืนผ้าใบและแม้แต่ใช้คู่มือเสียง
ภาพวาดอะไรที่อยู่ใกล้คุณ?
นักชีววิทยาและนักความรู้ความเข้าใจเชื่อว่าความคิดเรื่องความกลมกลืนนั้นฝังอยู่ในสมองของเรา ทำให้เราอ่อนไหวต่อความงามของรูปแบบในธรรมชาติ สันนิษฐานได้ว่าเราชอบสีที่สดใสเพราะความสามารถในการแยกแยะสีเหล่านี้เป็นหนึ่งในกลไกการปรับตัวที่ช่วยให้สายพันธุ์ของเราอยู่รอด เราพอใจโดยสัญชาตญาณด้วยใบหน้าที่สมมาตรและรูปแบบที่กลมกลืนกัน และภาพของเรื่องราวที่สนุกสนานและเป็นบวกทำให้เกิดความเพลิดเพลินตามธรรมชาติ
ในขณะเดียวกัน เราก็ไม่ได้เรียกร้องจากศิลปินว่า “ทำให้เราสวย” กับผลงานของเขาอย่างแน่นอน
เกณฑ์ที่กว้างขึ้นนำไปใช้กับวัตถุทางศิลปะ และแนวคิดเรื่องความงามในฐานะหมวดหมู่เชิงประเมินในศิลปะร่วมสมัยได้รับการแยกส่วน แบล็กสแควร์สวยไหม? แล้วน้ำพุของ Marcel Duchamp ล่ะ? แล้วการแสดงของ Marina Abramovich "Rhythm 0" ล่ะ? งานศิลปะแต่ละชิ้นเหล่านี้เป็นแนวคิดที่รวมไว้ในวัสดุหรือการกระทำ และไม่ว่าในกรณีใด ศิลปินพยายามที่จะเอาใจผู้รับของคนอื่น
ศิลปินมักมีเหตุผลที่จะพรรณนาถึงความซับซ้อน ความน่าเกลียด หรือความแปลกประหลาด ในเวลาเดียวกัน ความคิดเห็นที่ได้รับความนิยมกล่าวว่าศิลปิน "ก่อนหน้านี้" (ในยุคคลาสสิกที่มีเงื่อนไข) ยังไม่ได้บิดเบือนแก่นแท้ของศิลปะและต้องการ "วาดภาพที่สวยงาม" อย่างไรก็ตาม ในวัฒนธรรมยุโรป แนวความคิดทางศิลปะของความน่าเกลียดปรากฏเร็วกว่าศิลปะร่วมสมัยมาก
นักปรัชญาและนักเทววิทยาเกี่ยวกับความอัปลักษณ์
นอกจากทฤษฏีความงามที่สะท้อนอยู่ในแนวคิดทางปรัชญาและผลงานศิลปะแล้ว ยังมีทฤษฎีแห่งความอัปลักษณ์อยู่เสมอ ซึ่งสิ่งที่อัปลักษณ์และอัปลักษณ์อาจเป็นโครงเรื่องที่คู่ควรแก่การพรรณนา ความน่าเกลียดที่เป็นหัวข้อของศิลปะเป็นที่สนใจของคนยุคกลางอยู่แล้ว - หากเรากำลังพูดถึงภาพที่มีความสามารถที่สื่อถึงแนวคิดเรื่องความอัปลักษณ์ได้อย่างเต็มที่ ในกรณีนี้ เรื่องของความชื่นชมจะไม่เป็นภาพที่น่ากลัวหรือน่ารังเกียจ แต่เป็นทักษะที่สร้างขึ้น
Johan Huizinga ตั้งข้อสังเกตว่าจนถึงปี 1400 ที่การวาดภาพถึงระดับทักษะในการถ่ายทอดวิชาดังกล่าวอย่างเต็มที่ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เขาเชื่อมโยงกับการแนะนำที่ค่อนข้างช้าในการวาดภาพหัวข้อที่แพร่หลายเช่น "ชัยชนะแห่งความตาย" และ "การพิพากษาครั้งสุดท้าย" ประมาณเดียวกันนี้เกิดขึ้นกับภาพความทุกข์ทรมานของผู้พลีชีพ
การทรมานของนักบุญ: ความเจ็บปวดและความงาม
"สุนทรียศาสตร์แห่งความทุกข์ทรมาน" แสดงออกในระดับสูงสุดในรูปของ Passion of Christ เจริญรุ่งเรืองในยุคของยุคกลางที่โตเต็มที่และส่งต่อไปสู่ศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในยุคกลางตอนต้น เป็นเรื่องปกติที่จะพบกับการพรรณนาการตรึงบนไม้กางเขนที่เรียบง่ายกว่าภาพวาดที่มีรายละเอียด เช่นเดียวกับภาพการทรมานผู้พลีชีพ
อย่างไรก็ตาม โมเดลมนุษย์สร้างขึ้นเพื่อความสนใจในบุคคลและด้วยเหตุนี้ จึงเป็นประสบการณ์ส่วนตัวของความทุกข์
หากในยุคกลางมีการมองคำถามจากด้านการสร้างเสริม ศิลปินของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มสนใจในช่วงเวลาที่งดงามอย่างหมดจด: การถ่ายทอดกายวิภาคศาสตร์ มุมมองที่ถูกต้อง ความสนใจที่เพิ่มขึ้นต่อร่างกายปรากฏอยู่ในภาพของนักบุญที่ทุกข์ทรมาน - นี่เป็นวิธีที่ถูกต้องตามกฎหมายในการทาสีร่างมนุษย์ที่เปลือยเปล่าและให้ความสนใจกับประสบการณ์ทางกายภาพ
สิ่งนี้อธิบายถึงแนวโน้มที่จะทำให้เกิดสุนทรียภาพของการทรมานร่างกายของนักบุญ องค์ประกอบที่ปรับแล้ว ท่าผู้เสียสละที่สง่างาม - นี่คือสัญญาณของภาพดังกล่าว ความงามของร่างกายได้กลายเป็นเรื่องของการพิจารณาอย่างใกล้ชิด วัฒนธรรมทางศิลปะของยุคนี้สะท้อนถึงความสนใจของบุคคลในลักษณะต่างๆ รวมทั้งความทุกข์
อัศจรรย์และแปลกประหลาด
มีประสบการณ์ด้านสุนทรียศาสตร์อีกด้านซึ่งบางส่วนอยู่ติดกับความน่าเกลียด แต่ไม่มีสีที่มืดมน ประสบการณ์นี้เป็นที่ต้องการทั้งในยุคกลาง เมื่อวัตถุทั้งหมดมีความหมายเชิงสัญลักษณ์ และในวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่มีความสนใจในปรากฏการณ์ต่างๆ ของโลกวัตถุ เรากำลังพูดถึงหมวดหมู่ที่น่าอัศจรรย์ แปลกประหลาด และแปลกประหลาด
ผู้คนใน "ปาฏิหาริย์" ในอดีตที่ถูกแบ่งเล็ก ๆ น้อย ๆ โดยกำเนิด - ภาพลึกลับและนิสัยใจคอของธรรมชาติถูกมองว่าเป็นปรากฏการณ์ที่เป็นเนื้อเดียวกัน
ความหลงใหลในการรวบรวมวิทยากรที่สร้างความโดดเด่นให้กับทั้งนักธรรมชาติวิทยาและพระมหากษัตริย์ แสดงให้เห็นถึงความปรารถนาที่จะสัมผัสความลับของจักรวาล ตัวอย่างเช่น คอลเล็กชั่นของจักรพรรดิรูดอล์ฟที่ 2 มีทั้งงานศิลปะและเศษซากสัตว์ในตำนาน เวทมนตร์และวิทยาศาสตร์ สัญลักษณ์และสุนทรียศาสตร์ - แนวความคิดเหล่านี้เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดในตู้ของความอยากรู้
วันนี้เราสามารถเข้าถึงสื่อภาพใดๆ ก็ได้ และผู้คนในสมัยก่อนกลับมีข้อมูลน้อยกว่ามาก การเคลื่อนไหวทางสังคมต่ำ วิถีชีวิตที่อยู่ประจำของคนส่วนใหญ่และการไม่รู้หนังสือไม่อนุญาตให้ขยายภาพของโลก ดังนั้นรูปภาพใหม่ๆ ในรูปภาพหรือเรื่องราวจึงเป็นที่ต้องการอย่างมากและสร้างความประทับใจอย่างน่าทึ่ง
เรื่องราวการเดินทางในดินแดนห่างไกลเป็นประเภทยุคกลางที่ได้รับความนิยมอย่างมาก เรื่องราวของการเดินทางไปทางทิศตะวันออกประกอบด้วยสิ่งมีชีวิตในจินตนาการจำนวนมากที่แม้จะไม่ได้น่ากลัวและน่าเกลียดเลย แต่ก็เป็นตำนานและฝ่าฝืนศีลปกติ เรื่องราวมาพร้อมกับภาพที่เหมาะสมซึ่งทำขึ้นตามสิ่งที่ได้ยิน ความชื่นชมที่เกิดจากภาพเหล่านี้เป็นธรรมชาติที่สวยงาม นอกจากนี้ สิ่งมีชีวิตหรือปรากฏการณ์จำนวนมากที่ปรากฎนั้นไม่ได้สวยงามเลย พลังแห่งความบันเทิงที่มาพร้อมกับพวกเขา ข้อเสนอของปรากฏการณ์ สถานะในตำนาน - นั่นคือสิ่งที่ดึงดูดผู้ชมให้กับพวกเขา
สาส์นของเพรสเตอร์ จอห์นในศตวรรษที่สิบสองประสบความสำเร็จอย่างมากและมีอิทธิพลอย่างมากต่อจิตใจของคนรุ่นเดียวกัน ทั้งในแง่สุนทรียศาสตร์และในด้านการเมือง หนังสือที่มีชื่อเสียงของมาร์โคโปโลอุทิศให้กับการเดินทางไกล นอกจากข้อมูลที่อาจทำให้เข้าใจผิดว่าเป็นข้อมูลทางประวัติศาสตร์ที่แท้จริงแล้ว ยังมีการพูดเกินจริงและความอยากรู้อีกมากพอสมควร ตัวอย่างเช่น ในคำอธิบายของชวาไมเนอร์ (สุมาตรา) โปโลอ้างว่าเขาเห็นยูนิคอร์น แต่เขาไม่สวยและถ่อมตัวเหมือนที่พวกเขาพูดถึงเขา ดังนั้นจึงนำมาซึ่งความผิดหวังหนึ่งครั้ง
มีช้างป่าและยูนิคอร์นอยู่ที่นี่ ไม่น้อยกว่าช้าง ผมของเขาเหมือนควายและขาช้างมีเขาหนาสีดำอยู่ตรงกลางหน้าผาก พวกเขากัดฉันบอกคุณด้วยลิ้นของพวกเขา พวกมันมีหนามยาวอยู่ที่ลิ้น และพวกมันก็กัดด้วยลิ้นของมัน ลักษณะเป็นสัตว์ที่น่าเกลียด พวกเขาไม่เหมือนวิธีที่เราอธิบายพวกเขา พวกเขาจะไม่ยอมจำนนต่อหญิงพรหมจารี: ไม่ใช่สิ่งที่เราถูกบอกเกี่ยวกับพวกเขาเลย
มาร์โค โปโล หนังสือสิ่งมหัศจรรย์ของโลก
ในทัศนศิลป์ ตัวอย่างของความแปลกคือภาพประกอบสำหรับหนังสือโดย Julius Obsequent นักเขียนชาวโรมันซึ่งมีอายุย้อนไปถึงศตวรรษที่ 15 ปรมาจารย์ผู้สร้างพวกเขาถูกเรียกว่าเป็นอาจารย์ Busiko - หลังจากชื่อผลงานชุดอื่นที่เขาสร้างขึ้น ("Hours of Marshal Busiko") สำหรับคนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทความอ่านราวกับหนังสือประวัติศาสตร์และนวนิยายแฟนตาซีผสมกัน - แม้ว่าบางคนจะสงสัยว่าฝนหินตกลงมาทั่วจังหวัดใด ๆ แต่ก็น่าสนใจที่จะอ่านเกี่ยวกับเรื่องนี้ จะพูดอะไรเกี่ยวกับภาพสัตว์ประหลาด!
ภาพย่อในหนังสือเกี่ยวกับภูมิศาสตร์และประวัติศาสตร์แสดงให้เห็นสิ่งมีชีวิตในตำนาน ได้แก่ ยูนิคอร์น มังกรมีปีกและไม่มีปีก ไซโนเซฟาลัส (psiglavtsy) ไซคลอปส์ เฮสเชียพอดขาเดียว หลักความงามแบบคลาสสิกในการพรรณนาสิ่งมีชีวิตนั้นไม่ต้องสงสัยเลยว่าจะบิดเบี้ยว: แทบจะไม่เคยเกิดขึ้นกับใครเลยที่จะเรียกตัวละครที่มีใบหน้าที่หน้าอกมีเสน่ห์
ในเวลาเดียวกัน พวกเขาไม่ถือการคุกคามที่มีอยู่ในภาพของการทรมานที่ชั่วร้าย และกระตุ้นความสนใจ เป็นเรื่องง่ายที่จะจินตนาการถึงนักวิชาการยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาผู้ซึ่งอ้าปากค้างและมองดูภาพเหล่านี้อย่างตะกละตะกลาม
เรารู้วิธีสัมผัสประสบการณ์ความงามที่ซับซ้อนมากกว่าแค่ "ความสวยงาม" เราพบว่า "สีฝุ่น" ทื่อ ๆ สวยงามและชื่นชมสีดำที่รุนแรง จินตนาการของเราตื่นเต้นด้วยความแตกต่าง ทั้งสง่าและหยาบ ประณีต และต่ำ เราสามารถเห็นความงามในข้อบกพร่องและข้อบกพร่อง โดยเชื่อว่าบางครั้งสิ่งเหล่านั้นทำให้สิ่งที่สมบูรณ์แบบไม่เหมือนใครอย่างแท้จริง เราเห็นความตื่นเต้นในความน่าขนลุกและชอบที่จะจั๊กจี้ใจเรา ฝนในฤดูใบไม้ร่วงและลาวาร้อนของภูเขาไฟดูสวยงามสำหรับเรา
สุนทรียภาพทางสุนทรียะนั้นซับซ้อนและคลุมเครือในยุคต่างๆ กัน รวมถึงยุคสมัยที่หนังสือย่อและผืนผ้าใบคลาสสิกถูกสร้างขึ้น
เมื่อมองดูสิ่งต่าง ๆ ด้วยสายตาของผู้คนในสมัยอื่น เราจะสังเกตเห็นว่าพวกเขาตระหนักดีถึงประสบการณ์ที่ซับซ้อนที่ใกล้จะปฏิเสธและสนใจ ความอยากรู้อยากเห็นของผู้วิจัย และความชื่นชมในความสามารถทางศิลปะของปรมาจารย์ เขาพรรณนา
ชีวิตของผู้คนที่มีความคิดสร้างสรรค์นั้นมักจะไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ไม่เพียงแต่ถูกห้อมล้อมด้วยม่านแห่งความลึกลับเท่านั้น แต่ยังมีข่าวลือต่างๆ นานาอีกด้วย ข้อใดเป็นความจริง และนิยายเรื่องใดที่ได้รับการปลูกฝังมานานหลายศตวรรษ
ความเชื่อที่ 1. ศิลปินทุกคนเป็นนักดื่ม
ทำไมไม่เป็นพ่อครัว ผู้ช่วยร้าน ครูคณิตศาสตร์ หรือภารโรงล่ะ? ใช่ เพราะบางคนต้องเติมพลัง "เพื่อเป็นแรงบันดาลใจ" ไม่ต้องสงสัยเลยว่าจิตรกรบางคนต้องการรำพึงถึงวิธีสี่สิบองศาหรือแม้แต่ยา ผู้ยิ่งใหญ่หลายคนไม่อายห่างจากงูเขียว: Modigliani, Savrasov (และที่นี่มีสองแบบในครั้งเดียว: ไม่เพียง แต่เขาเป็นศิลปินเท่านั้น แต่ยังเป็นชาวรัสเซียด้วย!), Van Gogh, Gauguin และคนอื่น ๆ แล้วไง? มีนักดื่มเพียงไม่กี่คนในหมู่ตัวแทนของกิจกรรมอื่น ๆ หรือไม่? เยลต์ซิน, สตาลิน, ปีเตอร์มหาราช, อเล็กซานเดอร์มหาราชไม่ได้สังเกตเห็นความหลงใหลในการวาดภาพ แต่ในความหลงใหลในแอลกอฮอล์ - ยินดีต้อนรับ
ความเชื่อที่ 2 ศิลปินทุกคนยากจน
ความเชื่อที่ 3 ศิลปินรวยกันหมด
และอีกครั้งไม่! ประวัติศาสตร์ดูเหมือนจะรู้ตัวอย่างดังกล่าวน้อยลง สถิติพูดถึงจิตรกรภาพเหมือนที่ต้องการความสมจริงหรือประดับประดาภาพ ภาพคนรวย (จากขุนนางถึงจักรพรรดิ) เย็นกว่าเหมืองทองคำ รายการโปรดของ Catherine II อย่างประหม่าที่ข้างสนาม กระนั้น ตัวอย่างจากวรรคก่อนได้นำศิลปินร่วมสมัยจากโลกแห่งช้างสีชมพูกลับมาสู่โลกอีกครั้ง วิธีการขายงานในราคาที่เหมาะสมจะกล่าวถึงในบทความของฉัน “ขายภาพวาดได้ราคาเท่าไหร่? »
ตำนานที่ 4 ศิลปินประหยัดของขวัญ
ให้ภาพ - และสั่งซื้อ ฉันจะไม่พูดถึงค่าเสียโอกาส (นั่นคือเวลาที่จิตรกรสามารถใช้ภาพวาดเพื่อขาย) มันเกี่ยวกับด้านเนื้อหาของปัญหา สี แปรง และวัสดุสิ้นเปลืองอื่น ๆ มีค่าใช้จ่ายโดยเฉพาะอย่างยิ่งผืนผ้าใบบนเปลหาม: ราคาของผ้าใบธรรมดา 40x50 อยู่ที่ 500-700 รูเบิลโดยเฉลี่ย และตอนนี้เพิ่มบาแกตต์ที่กำหนดเองหลายพันรูเบิลและพาสเอาต์ถ้าเรากำลังพูดถึงสีน้ำ! “โฮมเมด” มีค่าใช้จ่ายมากกว่าของขวัญที่ซื้อหลายเท่า
ความเชื่อที่ 5 ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ทุกคนล้วนแต่เป็นผู้ชาย
ไม่นะ ฉันไม่ใช่สตรีนิยมเลย ตรงกันข้ามเลย แต่ยังคงระบุข้อเท็จจริง: ผู้หญิงไม่ได้รับอนุญาตให้มีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์มานานหลายศตวรรษ และทันทีที่ได้รับอนุญาต Zinaida Serebryakova, Frida Kahlo, Natalya Goncharova, Mary Cassett และ Berthe Morisot ก็ปีนขึ้นไปบนโอลิมปัสที่งดงาม พวกเขาเขียนได้เท่าเทียมกับผู้ชาย ไม่แย่ไปกว่านั้น! และตอนนี้ไปที่สตูดิโอศิลปะใด ๆ ผู้ชมก็เหมือนกับในช่างทำผม (ผู้ชายสองคนสำหรับเด็กผู้หญิงสิบคน) อ่านเพิ่มเติมเกี่ยวกับศิลปินที่มีชื่อเสียงในบทความ "
