Iljuchina Anastazja i Egorowa Tatiana 9a klasa AOU szkoła nr 9 Dolgoprudny
Co to jest opera? Prekursorzy opery. Historia gatunku. odmiany operowe. Elementy opery.
Ściągnij:
Zapowiedź:
Aby skorzystać z podglądu prezentacji, załóż konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com
Podpisy slajdów:
Opera Geneza Historia Podstawowe elementy współczesnej opery
Co to jest opera? Prekursorzy współczesnej opery Historia gatunku Odmiany opery Elementy opery Spis treści
Opera Opera to niesamowita sztuka. Jest zarówno bardzo starożytny, jak i bardzo istotny, masowy - i komorowy, i prosty - i niezwykle złożony. A wszystko dlatego, że może być swoim własnym, natywnym dla każdego człowieka – wykorzystuje bowiem to, co prawie każdy ma – GŁOS. "Opera i tylko opera zbliża do ludzi, sprawia, że twoja muzyka jest związana z realną publicznością, czyni cię własnością nie tylko poszczególnych środowisk, ale w sprzyjających warunkach - całego ludu." Te słowa należą do Piotra Iljicza Czajkowskiego, wielkiego rosyjskiego kompozytora.
Na wolnym powietrzu, u podnóża góry, której zbocza, przetworzone w formie schodów, służyły jako miejsca dla widzów, w starożytnej Grecji odbywały się odświętne przedstawienia teatralne. Aktorzy w maskach, recytując śpiewnym głosem, odgrywali tragedie sławiące siłę ludzkiego ducha. Znaczące miejsce zajmował śpiew chóralny – to właśnie chór wyrażał główną ideę dzieła. Początki chińskiej opery również tkwią w mrokach dziejów – można je prześledzić od połowy I tysiąclecia p.n.e. mi. W epoce Sung (X-XIII w.) Popularne stają się różnego rodzaju utwory muzyczne i poetyckie o dużych formach - powstają style nanxi (liliowy) i yuanben, które charakteryzują się połączeniem prozaicznego dialogu z poetyckimi ariami, wykorzystaniem obrazów masek, pewne schematy naprzemiennej melodii. Prekursorzy współczesnej opery
Opera we współczesnym znaczeniu tego słowa powstała na przełomie XVI i XVII wieku we Włoszech. Twórcami tego nowego gatunku byli poeci i muzycy, którzy czcili starożytną sztukę i starali się ożywić starożytną grecką tragedię. Ale choć w swoich muzycznych i scenicznych eksperymentach wykorzystywali wątki z mitologii starożytnej Grecji, nie wskrzesili tragedii, ale stworzyli zupełnie nowy rodzaj sztuki - operę. Pochodzenie nowoczesnej opery Starożytna opera
Słowo „orega” w tłumaczeniu z języka włoskiego dosłownie oznacza pracę, kompozycję. W tym gatunku muzycznym poezja i sztuka dramatyczna, muzyka wokalna i instrumentalna, mimika twarzy, tańce, malarstwo, dekoracje i kostiumy łączą się w jedną całość. Co to jest opera?
Pierwszą operę otwarto w 1637 roku w Wenecji; wcześniej opera służyła jedynie zabawom dworskim. Za pierwszą wielką operę można uznać Eurydykę Jacopo Periego, wystawiona w 1597 r. Pionierami opery byli: w Niemczech – Heinrich Schutz, we Francji – Camber, w Anglii – Purcell; W Hiszpanii pierwsze opery pojawiły się na początku XVIII wieku. W Rosji Araya jako pierwszy napisał operę („Cephal and Procris”) do niezależnego tekstu rosyjskiego (1755). Pierwszą rosyjską operą napisaną po rosyjsku jest „Tanyusha, czyli szczęśliwe spotkanie”, muzyka FG Wołkowa (1756). Historia gatunku Jacopo Peri
Historycznie rozwinęły się pewne formy muzyki operowej. Wobec pewnych ogólnych wzorców dramaturgii operowej, wszystkie jej składowe, w zależności od rodzaju opery, są różnie interpretowane: wielka opera (opera seria - włoska, tragédie lyrique, później grand-opéra - francuska), semi-komiczna (semiseria ), opera komiczna (opera-buffa - włoska, opéra-comique - francuska, Spieloper - niemiecka), opera romantyczna, na romantycznej fabule. Odmiany opery ballady opera semi-opera, semi-opera, opera "half" (semi - łac. half) - forma angielskiej opery barokowej, która łączy ustny dramat (gatunek) dramat, wokal mise-en-scenes, tańce i utwory symfoniczne. Jednym ze zwolenników pół-opery jest angielski kompozytor Henry Purcell, opera-balet
W operze komicznej, niemieckiej i francuskiej dopuszcza się dialog między numerami muzycznymi. Są też poważne opery, w których wstawiany jest np. dialog. „Fidelio” Beethovena, „Medea” Cherubiniego, „Magic Shooter” Webera. Za potomstwo opery komicznej należy uznać operetkę, która szczególnie rozpowszechniła się w drugiej połowie XIX wieku. Opery dla dzieci (np. opery Benjamina Brittena - Mały kominiarz, Arka Noego, opery Lwa Konowa - Król Maciuś Pierwszy, Asgard, Brzydkie kaczątko, Kokinvakashu). Odmiany opery
Dzieło operowe dzieli się na akty, obrazy, sceny, liczby. Przed aktami znajduje się prolog, a na końcu opery epilog. W skład zespołu operowego wchodzą: solista, chór, orkiestra, orkiestra wojskowa, organy. Jedną z głównych części opery jest aria. Znaczenie tego słowa to „pieśń”, „śpiew”. Inne części utworu operowego to recytatywy, ariosa, pieśni, duety, tria, kwartety, zespoły itp. Głosy operowe mają swoje własne oznaczenia. Kobieta: sopran, mezzosopran, kontralt; męskie: kontratenor, tenor, baryton, bas. Elementy opery
Postacie bohaterów najpełniej ujawniają się w numerach solowych (aria, arioso, arietta, cavatina, monolog, ballada, piosenka). Recytatyw pełni w operze różne funkcje - muzyczno-intonacyjne i rytmiczne odtwarzanie mowy ludzkiej. Często łączy (pod względem fabularnym i muzycznym) poszczególne ukończone numery; jest często skutecznym czynnikiem w dramaturgii muzycznej. W niektórych gatunkach operowych zamiast recytatywu używa się mowy potocznej. Elementy opery
Dialog sceniczny, scena spektaklu dramatycznego w operze, odpowiada zespołowi muzycznemu (duet, trio, kwartet, kwintet itp.), którego specyfika umożliwia tworzenie sytuacji konfliktowych, ukazanie nie tylko rozwoju akcji, ale także zderzenia postaci i idei. Dlatego zespoły często pojawiają się w kulminacyjnym lub końcowym momencie akcji operowej. Elementy opery
Chór w operze jest interpretowany na różne sposoby. Może to być tło niezwiązane z głównym wątkiem fabularnym; czasem swego rodzaju komentatorem tego, co się dzieje; jego możliwości artystyczne pozwalają na pokazanie monumentalnych obrazów z życia ludowego, ujawnienie relacji między bohaterem a masami (np. rola chóru w ludowych dramatach muzycznych posła Musorgskiego „Borys Godunow” i „Chowańszczyzna”). Elementy opery Borys Godunow opera
W muzycznej dramaturgii opery dużą rolę przypisuje się orkiestrze, symfoniczne środki wyrazu służą pełniejszemu ujawnieniu obrazów. W operze są także niezależne epizody orkiestrowe - uwertura, interwencja (wstęp do poszczególnych aktów). Kolejnym elementem spektaklu operowego są sceny baletowe, choreograficzne, w których obrazy plastyczne łączą się z muzycznymi. Elementy opery
Prezentację przygotowali uczniowie klasy 9 Iljuchina Anastazja i Jegorowa Tatyana AOU szkoła nr 9 Dolgoprudny Nauczyciel Teplykh T.N. Dziękuję za uwagę!
slajd 1
Twórczość operowa ucznia klasy 10A Siergieja Mitrochina Prowadzący: Timoshkova Tatyana Nikolaevna 2009.slajd 2
Tematyka: Historia opery Artyści operowi Dzieła operowe
slajd 3
Opera Teatr muzyczny ma długą historię. Jego początki sięgają festiwali i zabaw ludowych, które łączyły śpiew, taniec, pantomimę, akcję i muzykę instrumentalną. Dramatyczne przedstawienia starożytności również nie mogły obejść się bez muzyki. Jej rola jest wielka zarówno w tragedii antycznej, jak iw średniowiecznych przedstawieniach ludowych i kultowych („świętych”). Jednak jako szczególny rodzaj sztuki dramatycznej, w której podstawą akcji jest muzyka, opera ukształtowała się na przełomie XVI i XVII wieku. W wielu kulturach narodowych Europy, pod wpływem humanistycznych idei renesansu, poszukiwano sposobów na stworzenie widowiska muzyczno-teatralnego nowego typu. Poszukiwania te zostały zwieńczone najwcześniejszymi i najbardziej znaczącymi rezultatami ideowymi i artystycznymi w klasycznym kraju renesansu - Włoszech. Początkowo spektakle nie miały dokładnego oznaczenia i nazywano je albo favola in musica (baśń muzyczna), potem dramma in musica (dramat muzyczny), wreszcie opera in musica (dzieło muzyczne), czyli w skrócie opera (opera, dosłownie - akcja, praca; po łacinie opera oznacza pracę, tworzenie). Spektakle operowe pierwszej tercji XVII wieku przeznaczone były głównie dla dworskiej szlachty. Ale począwszy od 1637 roku w różnych krajach Europy otwierano publiczne teatry muzyczne, dostępne dla szerszych kręgów ludności miejskiej. Stopniowo opera zajmowała ważne miejsce w życiu społeczeństwa, stała się integralną częścią światowej kultury.
slajd 4
slajd 5
W XVII wieku pojawiło się wielu wybitnych kompozytorów – założycieli narodowych szkół operowych. To jest C. Monteverdi we Włoszech, J. B. Lully we Francji, G. Purcell w Anglii. Treścią oper były wątki mitologiczne lub historyczno-legendarne. Najlepsze dzieła odzwierciedlały humanistyczne idee naszych czasów, znajdowały związek z muzyką ludową, jednak ich autorzy nie mogli całkowicie uniknąć wpływu ideologii feudalno-absolutystycznej, gustów estetycznych i poglądów środowiska arystokratycznego. Przedstawienia te nazwano operą seria (dosłownie opera poważna); odznaczały się wielką pompą, uroczystym uniesieniem. We Francji dzieła tego rodzaju nazywano tragedią liryczną lub muzyczną. W XVIII wieku włoska opera seria na scenach europejskich teatrów muzycznych stopniowo podupadała; jego zawartość stawała się coraz bardziej zubożała. Francuska tragedia liryczna skostniała także w swoich warunkowych formach. Kryzys przeżywała także hiszpańska opera dworska, tzw. zarzuela. W związku z rozwojem antyfeudalnego ruchu demokratycznego opera komiczna pojawiła się wszędzie i nabrała wielkiego znaczenia społecznego, realistyczna w swej orientacji, wykorzystująca wątki codzienności zaczerpnięte z otaczającego życia, w swoim rodowodzie związana z muzyką ludową i teatrem. We Włoszech, gdzie nazywano ją operą buffa, kompozytorzy J. B. Pergolesi, J. Paisiello, D. Cimarosa stali się popularnymi autorami spektakli komediowych; we Francji - F. Philidor, P. Monsigny, A. Gretry; w Austrii i Niemczech ten nowy gatunek muzyczno-teatralny nazwano singspiel (dosłownie – zabawa ze śpiewem), w Anglii balladą lub operą pieśniową (zwaną też „operą żebraczą”)
slajd 6
w Hiszpanii - tonadilla. W ostatniej ćwierci XVIII wieku w Rosji powstał charakterystyczny narodowo, demokratyczny teatr muzyczny (opery komiczne kompozytorów M. M. Sokołowskiego, W. A. Paszkiewicza, M. A. Matinskiego, E. I. Fomina). Niezwykłe znaczenie w XVIII wieku miała działalność niemieckiego kompozytora K. V. Glucka (urodzonego w Czechach) i austriackiego kompozytora W. A. Mozarta, którzy w swojej twórczości odzwierciedlali zaawansowane idee Oświecenia. Oto dwaj główni reformatorzy sztuki operowej. Jeden z nich, aktywnie przeciwstawiający się estetyce i praktykom arystokratycznej opery dworskiej, stworzył heroiczną tragedię muzyczną, nasyconą obywatelskim patosem i wzniosłymi uczuciami. Drugi, opierając się na dorobku ambitnej opery i singspiela, dawał wysoko realistyczne przykłady komedii, dramatu, baśni filozoficznej, odznaczające się pełnią życia i doskonałością cech muzyczno-dramatycznych, szybkim i kontrastowym rozwojem akcji. Działalność Glucka i Mozarta toczyła się w przededniu rewolucji francuskiej końca XVIII wieku – tego najważniejszego punktu zwrotnego w dziejach Europy. W burzliwym okresie zerwania starych, feudalnych stosunków i dojrzewania nowych, mieszczańskich, znacznie wzrosła rola teatru muzycznego jako rzecznika postępowych idei społecznych. Odtąd w swoim rozwoju jest ściślej związana z ogólną ewolucją kultury muzycznej, sztuk scenicznych i literatury. W historii opery coraz bardziej bezpośrednio odzwierciedlają się zmagania różnych nurtów ideowych i twórczych, zmiany stylów artystycznych, wynikające z praw rozwoju społeczno-politycznego oraz specyfiki kultur narodowych. W warunkach walki ideologicznej postępowi artyści bronią postępowych, demokratycznych podstaw kultury narodowej.
Slajd 7
Ich innowacyjna twórczość oddaje sprzeczności współczesnej rzeczywistości, ówczesne idee społeczne i narodowowyzwoleńcze, różnorodność relacji międzyludzkich. Obejmując szerokie grono demokratycznych słuchaczy, opera przyczynia się do kształtowania samoświadomości narodu, jest jednym z najwyższych przejawów jego kultury narodowej. Społeczno-polityczna rola teatru muzycznego wzrosła jeszcze w okresie francuskiej rewolucji burżuazyjnej, która dokonała wielkich zmian w treści i formach sztuki operowej. Wątek heroiczno-patriotyczny, podejmowany w latach zrywu rewolucyjnego, został silnie rozwinięty w operze XIX wieku, a przede wszystkim w twórczości L. Beethovena, który wywarł ogromny wpływ na muzykę późniejszych pokoleń kompozytorów. Wiek XIX upłynął pod znakiem pojawienia się wielu klasycznych dzieł operowych, w których wyśpiewywany jest lud, szlachetne ludzkie czyny, walka o wolność, szczęście i sprawiedliwość. Wielcy kompozytorzy przeszłości stworzyli ogromną różnorodność rodzajów dzieł muzycznych i teatralnych, wśród których najpowszechniejsze są opery heroiczno-patriotyczne, epickie, liryczno-dramatyczne i komiczne. Rozwój tych typów charakteryzuje się w różnych krajach ich specyficznymi cechami, w zależności od specyficznych społecznych i kulturowo-historycznych uwarunkowań rozwoju każdej narodowej szkoły operowej. Jednak ogólną tendencją było potwierdzanie i rozszerzanie ideologicznych i artystycznych możliwości realizmu. Jednocześnie w niektórych szkołach operowych pierwszej połowy XIX w. wraz z realizmem wpłynęły także tendencje romantyczne. K. M. Weber odegrał ważną rolę w ustaleniu narodowych treści i form niemieckiej sztuki operowej, w której utworach ludowo-gospodarcze elementy Singspiela
Slajd 8
połączona z elementami romantycznego dramatu. Następcą dzieła Webera był R. Wagner; jego twórczość stanowi ważny kamień milowy w historii teatru muzycznego drugiej połowy XIX wieku. Wagner wzbogacił światową sztukę operową wybitnymi kreacjami, choć niektóre z nich nie są pozbawione cech sprzecznych. Walcząc o wysoką treść sztuki z pozorną rozrywką i przestarzałą teatralną konwencją, dążąc do urzeczywistnienia majestatycznych idei ideowych, Wagner nie uniknął znanej niejasności, niejasności, a czasem nadmiernej złożoności wypowiedzi, która najbardziej ujawniła się w ostatnim okresie jego praca. Typowe cechy włoskiej opery komicznej znalazły błyskotliwy wyraz w twórczości G. Rossiniego, którego dorobek jest znaczący także na polu opery heroiczno-patriotycznej. G. Verdi, jeden z najwybitniejszych mistrzów światowej sztuki realistycznej, stał się największym klasykiem włoskiej opery. W ciągu wielu dziesięcioleci działalności twórczej stworzył różnego rodzaju dzieła operowe. Początkowo Verdi był bardziej zainteresowany motywem heroiczno-patriotycznym, zawartym w romantycznym planie. Od połowy stulecia pisał głównie opery liryczno-dramatyczne - dramaty psychologiczne nacechowane głębokim realizmem, wznoszące się niekiedy do poziomu autentycznych tragedii. Pod koniec życia, w ostatniej dekadzie XIX i na początku XX wieku, aktywnie pokazali się utalentowani kompozytorzy P. Mascagni, R. Leoncavallo, a zwłaszcza G. Puccini. Podstawą ich poszukiwań ideowych i artystycznych był ruch literacki lat 80. XIX wieku, zwany weryzmem (vero - znaczy szczery, prawdomówny). Weryści dążyli do stworzenia dramatycznych, intensywnych dzieł o tematyce zapożyczonej z życia zwykłych ludzi, głównie ze środowiska upośledzonych klas społecznych.
Slajd 9
Jednak w tym postępowym dążeniu czasami grzeszyli naturalizmem. Narodowe cechy francuskiego teatru muzycznego pierwszych dziesięcioleci XIX wieku związane są przede wszystkim z gatunkiem opery komicznej, który owocnie rozwinął D. F. Aubert. W drugiej tercji wieku narodził się i rozpowszechnił typ tzw. „wielkiej opery” („wielkiej opery”) – monumentalne, bogate w efektowne momenty sceniczne, romantycznie barwne przedstawienie o tematyce historycznej. Ten typ operowy najbardziej wyraziście wcielił się w twórczość J. Meyerbeera. W drugiej połowie XIX w. „wielkiej operze” przeciwstawiano „operę liryczną”. Jej autorzy, przede wszystkim Ch. Gounod, a następnie L. Delibes i J. Massenet, opisywali codzienność zwykłego człowieka, życie wokół niego, intymne, szczere uczucia. Powstanie opery lirycznej oznaczało umocnienie i umocnienie cech realistycznych we francuskiej sztuce operowej. Szczytem realizmu w szkole narodowej Francji jest twórczość J. Bizeta, żywotna i soczysta, pełna wyobraźni, przesiąknięta optymizmem. Ruchy wyzwoleńcze XIX wieku stworzyły szereg nowych, głęboko niezależnych narodowych szkół operowych. W walce narodu czeskiego o niepodległość narodową wybitne znaczenie miały opery B. Smetany, z którymi występował w drugiej połowie wieku. Założyciel czeskiej klasyki muzycznej, Smetana, rozwinął specjalne typy opery heroiczno-patriotycznej i komicznej, odpowiadające tradycjom ludowo-narodowym. Znaczący jest również wkład w teatr muzyczny Republiki Czeskiej A. Dvořáka, zwłaszcza w dziedzinie baśniowej opery codziennej, oraz L. Janáčka. W połowie XIX w. zostały określone krajowe kierunki rozwoju polskiej szkoły operowej, kierowanej przez S. Moniuszki, oraz węgierskiej, kierowanej przez F. Erkela.
slajd 10
slajd 11
Najlepsze dzieła światowej klasyki operowej cechuje narodowość i realizm, jedność głębokiej treści i doskonałej formy artystycznej, narodowa określoność muzyki, związek ze sztuką ludową, z zaawansowaną myślą społeczną. Te cechy są bardzo charakterystyczne dla rosyjskiej opery klasycznej, której założycielem był M. I. Glinka. Ludowo-pieśniowa podstawa rosyjskiej opery klasycznej nadaje jej cechy wyjątkowej oryginalności; jego środki artystyczne i formy muzycznej ekspresji są różnorodne; typowa wyrazistość i wypukłość poszczególnych wizerunków łączy się z szeroko malowanymi obrazami życia ludowego, z historycznym i społecznym tłem akcji. W pierwszych dziesięcioleciach XIX wieku rosyjską twórczość operową reprezentowały nazwiska kompozytorów S. I. Davydova, K. A. Kavosa, a następnie A. N. Verstovsky'ego. Opery Glinki - genialne eposy z życia ludu - zapoczątkowały nowy okres w historii rosyjskiego teatru muzycznego i były największym osiągnięciem światowej realistycznej sztuki operowej. Rosyjscy kompozytorzy klasyczni, idąc śladami Glinki, stworzyli nader patriotyczne dzieła operowe, które odzwierciedlały historyczne losy ojczyzny, relacje między narodem a państwem, walkę z uciskiem społecznym i protest przeciwko przemocy wobec jednostki. A. S. Dargomyzhsky był autorem pierwszego rosyjskiego społecznego i krajowego dramatu muzycznego „Syrenka”, który poruszał temat nierówności klasowych. Powstanie ruchu rewolucyjno-demokratycznego lat 60. XIX wieku wyznaczyło kierunek działalności kompozytorów „Potężnej garstki” - stowarzyszenia twórczego kierowanego przez M. A. Bałakiriewa, w skład którego wchodzili A. P. Borodin, M. P. Musorgski, N. A. Rimski - Korsakow, Ts. A. Cui.
slajd 12
slajd 13
W ciągu następnych dziesięcioleci arcydzieła rosyjskiej i światowej klasyki operowej pojawiają się jedno po drugim. W swoich ludowych dramatach muzycznych „Borys Godunow” i „Khovanshchina” poseł Musorgski przedstawił obrazy przeszłości Rosji w krytycznych okresach jej historycznego rozwoju, niezrównane pod względem siły i głębi. Monumentalna epicka opera „Książę Igor” A. P. Borodina opiewa wysoki patriotyzm narodu rosyjskiego, wyraźnie zarysowuje charaktery narodowe. Zróżnicowana gatunkowo, bogata w treści i wszechstronna pod względem artystycznym wcieleniem opery N. A. Rimskiego-Korsakowa. Społeczno-historyczny dramat muzyczny The Maid of Pskov współistnieje z operą liryczno-komiczną Noc majowa; wspaniała „wiosenna opowieść” „Śnieżna panna” – z epicką operą „Sadko”; operę historyczno-codzienną Carska oblubienica – z legendarną operą Legenda o niewidzialnym mieście Kiteż i dziewica Fevronia oraz operą satyryczną Złoty Kogucik. Jednym z największych fenomenów w historii światowego teatru muzycznego jest twórczość operowa P. I. Czajkowskiego, która wyróżnia się wyjątkową głębią cech psychologicznych, prawdziwym wyrazem duchowego świata ludzi i dramatycznych konfliktów. Liryczny i dramatyczny charakter dzieła operowego Czajkowskiego, nabierający niekiedy tragicznego zabarwienia, znalazł najwyraźniejszy wyraz w takich dziełach, jak Eugeniusz Oniegin, Czarodziejka i Dama pikowa. Szeroka tematycznie twórczość genialnego kompozytora obejmuje także tematykę historyczną („Mazepa”, „Dziewica Orleańska”), ludową i codzienną („Czerewiczki”)
slajd 14
slajd 15
Wraz z tymi luminarzami rosyjskiej opery znaczący wkład w jej rozwój wnieśli A. G. Rubinshtein („Demon”), A. N. Serov („Siła wroga”), E. F. Napravnik („Dubrovsky”), S. V. Rachmaninow („Aleko”) , S. I. Tanejew („Oresteja”). W drugiej połowie XIX i na początku XX wieku powstały także realistyczne szkoły operowe innych narodowości zamieszkujących Rosję. Reprezentują ich: na Ukrainie S. Gułak-Artemowski, a zwłaszcza N. W. Łysenko; w Gruzji - M. A. Balanchivadze, D. I. Arakishvili, Z. P. Paliashvili; w Armenii - A. Tigranyan, A. A. Spendiarov; w Azerbejdżanie - U. Gadzhibekov. Rozwój tych szkół narodowych przebiegał w oparciu o wdrażanie tradycji muzyki ludowej oraz doświadczeń światowych, przede wszystkim klasyki rosyjskiej. Opera radziecka w całej swej różnorodności ideowej i artystycznej była spadkobierczynią najlepszych dokonań klasyki operowej krajowej i zagranicznej. Rozwijając wielkie tradycje klasyczne, bacznie studiując rzeczywistość, radzieccy kompozytorzy operowi dążą do prawdziwego, artystycznie doskonałego odzwierciedlenia życia w jego nieustannym rozwoju, do ujawnienia piękna i bogactwa duchowego świata narodu radzieckiego, do prawdziwego i wszechstronnego ucieleśnienia aktualnych tematy współczesności i przeszłości historycznej. Opery I. I. Dzierżyńskiego, D. B. Kabalewskiego, S. S. Prokofiewa, T. N. Chrennikowa, Yu. A. Shaporina, V. Ya Shebalina i innych były znaczącymi osiągnięciami na tej ścieżce. , socjalistyczny w treści, wyróżnia się różnorodnością form narodowych. Wśród kompozytorów operowych bratnich republik K. F. Dankevich, Yu. S. Meitus, GI Maiboroda, EK Tikotsky, N. G. Zhiganov, E. A. Kapp, G. G. Ernesaks, M. O. Zarin, E. G. Brusilovsky i wielu innych.
slajd 16
Rozkwit sztuki muzycznej i teatralnej narodów socjalistycznych jest jednym z najważniejszych osiągnięć kultury radzieckiej, osiągniętym w wyniku realizacji leninowskiej polityki narodowej. Osiągnięcia te są szczególnie godne uwagi, biorąc pod uwagę fakt, że w wielu republikach związkowych i autonomicznych (Uzbekistan, Kazachstan, Kirgistan, Białoruś, Tataria, Baszkiria itp.) opery narodowe powstały dopiero w latach władzy sowieckiej. Dzieła klasyków operowych dostarczają wysokiej przyjemności estetycznej najszerszym rzeszom słuchaczy. Głównym środkiem ich artystycznego oddziaływania jest melodia wokalna. Ekspresyjność i piękno śpiewu, żywe obrazy melodyczne i przystępność to podstawowe cechy opery realistycznej. Jednak dla pełnego ujawnienia konfliktu dramatycznego, pozycji scenicznych i uczuć bohaterów wymagane jest mistrzowskie wykorzystanie wszystkich możliwości wyrazowych muzyki. Opera, którą NG Chernyshevsky nazwał „najbardziej kompletną formą muzyki jako sztuki”, łączy w sobie zasady wokalne (solowe, zespołowe i chóralne) oraz instrumentalne (symfoniczne). Ich bliski związek jest nieodzownym warunkiem pełnoprawnego dzieła operowego. Zgodnie z koncepcją ideową, charakterem fabuły i tekstem libretta kompozytor twórczo wykorzystuje utrwalone historycznie formy muzyki operowej – wokalnej (aria, arioso, recytatyw, zespół, scena chóralna) i symfonicznej (uwertura, przerwa , tańce). Formy te odznaczają się dużą swobodą, a każdy z większych kompozytorów otrzymuje indywidualnie niepowtarzalne załamanie. Niemniej jednak można wskazać pewne ogólne schematy dramatyczne. Postacie bohaterów opery najpełniej ujawniają się w szczegółowych numerach śpiewu solowego (aria, arioso, pieśń, monolog).
slajd 17
Recytatyw jest często przeznaczony do fabularnego i muzycznego połączenia zaokrąglonych, solidnych form wokalnych (aria, zespół, refren). Ale w swojej melodycznie rozwiniętej formie odgrywa również ważną rolę w charakterystyce figuratywnej i służy jako skuteczny czynnik rozwoju muzycznego (w niektórych gatunkach opery, głównie komediach, zamiast recytatywu muzycznego stosuje się dialog potoczny). W zespołach duetowych, tercetach, kwartetach i dużych scenach finałowych (często z chórem) sytuacje dramatyczne są uogólniane za pomocą muzyki, łączone są bliskie lub kontrastujące ze sobą obrazy, wyraźnie ujawniają się sprzeczności interesów, charakterów, namiętności. Dlatego zespoły często pojawiają się w kulminacyjnym lub końcowym momencie dramatycznego rozwoju. Możliwości artystyczne muzyki pozwalają kompozytorowi tworzyć wielkoformatowe obrazy życia ludowego w masowych scenach chóralnych, urozmaicać powiązania bohatera ze środowiskiem społecznym.W muzycznym rozwoju opery rola orkiestry jest wielka, który często koncentruje główną dramatyczną treść sceny; symfoniczne środki wyrazu znacząco uzupełniają i pogłębiają muzyczny opis sytuacji scenicznych, oprawę akcji i przeżycia bohaterów. Są to w ogólności środki artystyczne opery, za pomocą których kompozytor może wielostronnie i barwnie ukazać istotne zjawiska życia, relacje między ludźmi, różnymi grupami społecznymi, wcielić się w typowe postacie, ukazać świat duchowy człowieka. . Organicznie łącząc w jednym działaniu teatralnym muzykę (wokalną i instrumentalną), która odgrywa wiodącą rolę w przedstawieniu, słowo, ruch sceniczny, plastykę i często choreografię, opera zyskuje najszersze możliwości odzwierciedlenia życia,
slajd 18
slajd 1
slajd 2
slajd 3
slajd 4
slajd 5
slajd 6
Slajd 7
Slajd 8
Slajd 9
Slajd 10
Prezentację na temat „Powstanie Opery” można pobrać całkowicie bezpłatnie na naszej stronie internetowej. Przedmiot projektu: MHK. Kolorowe slajdy i ilustracje pomogą Ci zaciekawić kolegów z klasy lub słuchaczy. Aby wyświetlić zawartość, skorzystaj z odtwarzacza lub jeśli chcesz pobrać raport, kliknij odpowiedni tekst pod odtwarzaczem. Prezentacja zawiera 10 slajdów.
Slajdy prezentacji
slajd 1
Powstanie opery
Wykonane przez Kutyaeva Svetlana
slajd 2
Opera (włoska opera, dosłownie - kompozycja, z łacińskiej opery - dzieło, produkt, dzieło), gatunek sztuki muzycznej i dramatycznej. Podstawę literacką poezji (libretto) stanowi dramaturgia muzyczna, a przede wszystkim formy muzyki wokalnej. Aktorstwo to gatunek syntetyczny, który łączy różne rodzaje sztuki w jednej akcji teatralnej: dramaturgię, muzykę, sztuki plastyczne (scenerie, kostiumy) i choreografię (balet). Historycznie rozwinęły się pewne formy muzyki operowej. Wobec pewnych ogólnych wzorców dramaturgii operowej, wszystkie jej składowe interpretowane są odmiennie w zależności od rodzaju opery. Zróżnicowane są formy wokalne klasycznego O. Charaktery postaci najpełniej ujawniają się w utworach solowych (aria, arioso, arietta, cavatina, monolog, ballada, pieśń).
slajd 3
). Recytatyw ma różne funkcje w O. - muzyczno-intonacyjne i rytmiczne odtwarzanie mowy ludzkiej. Często łączy (pod względem fabularnym i muzycznym) poszczególne ukończone numery; jest często skutecznym czynnikiem w dramaturgii muzycznej. W niektórych gatunkach O., głównie komedii, zamiast recytatywu, zwykle w dialogach, używana jest mowa potoczna. Dialog sceniczny, scena przedstawienia dramatycznego w teatrze, odpowiada zespołowi muzycznemu (duet, trio, kwartet, kwintet itp.), którego specyfika umożliwia tworzenie sytuacji konfliktowych i pokazanie nie tylko rozwoju akcji, ale także zderzenie charakterów i idei. Dlatego zespoły często pojawiają się w kulminacyjnym lub końcowym momencie akcji operowej. Chorus jest interpretowany inaczej w O..
slajd 4
W dramaturgii muzycznej O. ważną rolę odgrywa orkiestra, a symfoniczne środki wyrazu służą pełniejszemu ujawnieniu obrazów. O. obejmuje także niezależne epizody orkiestrowe - uwerturę, interwencję (wstęp do poszczególnych aktów). Kolejnym elementem spektaklu operowego są sceny baletowe, choreograficzne, w których obrazy plastyczne łączą się z muzycznymi. Historia O. jest ściśle związana z rozwojem kultury i historią społeczeństwa ludzkiego. O. często działał jako swego rodzaju ideowa placówka sztuki muzycznej, odzwierciedlająca palące problemy naszych czasów - nierówności społeczne, walkę o niepodległość narodową i patriotyzm.
slajd 6
Początki teatru muzycznego sięgają festiwali ludowych i zabaw. Już w starożytnych greckich grach dionizyjskich, tragedii greckiej, rola muzyki jest wielka. Poświęcono mu również ważne miejsce w średniowiecznych przedstawieniach kultu ludowego („świętych”). O. jako niezależny gatunek ukształtował się na przełomie XVI i XVII wieku. W ciągu kilku wieków jej istnienia rozwinęło się wiele narodowych szkół operowych, stylów i rodzajów produkcji operowej. W wielu europejskich kulturach narodowych, zgodnie z humanistycznymi ideami renesansu, wypracowano zasady nowego typu widowisk muzyczno-dramatycznych. Poszukiwania te odniosły największy sukces w klasycznym kraju renesansu - we Włoszech. Grupa filozofów, poetów, muzyków i artystów (tzw. Camerata florencka, 1580) głosiła odrodzenie tragedii antycznej. Ideałem Florentczyków w muzyce była prostota, naturalność wyrazu; w swoich przedstawieniach podporządkowali muzykę poezji. W tym duchu powstały pierwsze opery, Dafne (1597-98) i Eurydyka (1600), z muzyką J. Periego i tekstem O. Rinucciniego. Kolejnym kamieniem milowym w historii O. jest „Orfeusz” C. Monteverdiego (1607).
